Hem › Krocktest Auto › Vad är bilden gjord av? Utsökt och modernt: modulära målningar för vardagsrummet - vad blockkompositioner består av och vilka är bättre Hur man fixar stora modulära strukturer.

Vad är bilden gjord av? Utsökt och modernt: modulära målningar för vardagsrummet - vad blockkompositioner består av och vilka är bättre Hur man fixar stora modulära strukturer.

Vad är bilden av den mänskliga världen? Hur kan man förbättra sig själv? Granskats av Vladislav Chelpachenko den 6 juni Betyg: 5,0

Hej kära vänner!

I den här artikeln vill jag presentera dig för hur vi bildas. Vad definierar oss som person?

Vi kommer att överväga 4 områden av den mänskliga bilden av världen och ta reda på hur den kan förändras.

Vad bestämmer bilden av den mänskliga världen?

Alla människor föds under olika förhållanden: i en rik eller fattig familj, i huvudstaden eller i regionen, med bröder och systrar eller ett enda barn i familjen, med lång eller kort näsa och så vidare. Var och en av oss bildas under ett stort antal olika omständigheter. Var och en av oss är unik.

Det är viktigt att förstå din bild av världen om du utvecklas inom alla sfärer av ditt liv. Det är genom att identifiera dina nackdelar och misstag som du kan förbättra dig själv. Bilden av den mänskliga världen kan delas in i fyra huvudkategorier:

Karaktär;
Uppfostran;
Livserfarenhet;
Vanor.

Karaktär, i denna mening är detta vad som ligger i oss vid födseln. Du kan se att varje person är benägen till ett visst beteende eller sätt att tänka, till exempel: lugn eller aggressiv, energisk eller svag, humanitär eller matematisk tankegång och liknande. Det vill säga karaktär är en viss uppsättning egenskaper som ges till oss av yttre krafter.

Uppfostranär en uppsättning parametrar som våra föräldrar lägger i oss. Allt verkar vara klart med detta: läs boken "vad betyder bra, vad betyder dåligt" för barnet och barnet uppfostras. Men så är det inte alls. Föreställ dig att föräldrar i en familj använder fult språk, även om det är sällan. Men barnet får höra och läsa böcker att detta inte ska göras. Han verkar förstå detta, men han är 13-16 år gammal och redan en tonåring svär värre än sina föräldrar, även om han till en början var säker på att han inte skulle göra detta. Varför är det så? Faktum är att även sådana obetydliga saker "sys" in i oss. Bilden av den mänskliga världen beror till stor del på utbildning. Om vi inte tar hand om oss själva, kommer vi troligen att vara som våra föräldrar och de som vi kommunicerar med under lång tid.

Livserfarenhet förvärvat av oss varje sekund av vår tid. Men barndomsperioden är särskilt viktig. Oftast bildas vår rädsla i den, till exempel om en hund attackerade dig, kanske du kommer att vara rädd för dem hela ditt liv. Vi är alla födda i annan tid och plats. Alla fick sin egen unika erfarenhet av kommunikation, lärande, kreativitet, livsmiljö - detta är värt att förstå.

vanor- människans mest kraftfulla instrument. De kan antingen höja till framgångens höjdpunkt eller helt förstöra en person. Varje vana, även den minsta, definierar vilka vi är. Om du till exempel knyter och tar på dig skorna stående blir du mycket friskare än en person vem gör det när han sitter. Föreställ dig bara hur mycket tid i ditt liv du kommer att lägga på att ta på dig skor! Även en sådan liten vana kan rädda dina ben under lång tid.

Hur förändrar man bilden av världen eller hur man förbättrar sig själv?

Du måste tydligt förstå att det är en ganska tidskrävande process att förändra bilden av världen, som har formats i mer än ett dussin år. Du kommer definitivt inte att få snabba superresultat, du måste arbeta på det under lång tid och gradvis för att inte slösa energi förgäves.

Hur kan man förbättra sig själv? Först förstå dina svagheter, vad du har att arbeta med, till exempel: lättja, apati, dysterhet, hälsoproblem, ingen partner. Tänk sedan på de enklaste sakerna du kan göra för att förbättra din situation.

Börja forma! Detta är ditt mest kraftfulla verktyg. I själva verket behöver du bara ingjuta några vanor i dig själv och du kommer omedelbart att känna hur ditt liv kommer att förändras. Men jag kommer genast att varna dig för att förvänta dig en snabb utveckling. Vanan bildas från 21 dagar, hela denna tid måste du ta hand om dig själv.

En av mina bekanta, när han avvänjde sig från alkohol (han var inte beroende, men han var tvungen att ständigt dricka med någon på jobbet), hittade på ordet "bra gjort". Varje gång han tackade nej till möjligheten att dricka flyttade han fram en bokstav, men om den inte gjorde det började han om. Du kan också använda ett mindre humant sätt. Sätt ett gummiband på din hand, och när du gör något fel, slå din hand.

Det är allt, nu vet du hur bilden av den mänskliga världen formas och hur du kan förbättra dig själv. Ställ dina frågor i kommentarerna så svarar jag på dem. och ändra din bild av världen till bättre sida! Vi ses i nästa artiklar.

Konst är ett utmärkt tillfälle att uttrycka känslor och muntra upp dig själv. Konst hjälper en person att förstå sig själv och se skönheten i världen omkring honom. Det spelar ingen roll om en person har speciella förmågor eller inte. Huvudsaken är att göra någon form av konst är ett nöje och till din smak. Det kan vara musik eller sång, modellering eller teckning. Målning är en populär aktivitet som idag är tillgänglig inte bara för professionella konstnärer utan även för amatörer. Varje målning börjar med en bas. Canvas är en underbar grund för en målning. Det handlar om honom som kommer att diskuteras i den här artikeln.

Vad är canvas?

Grunden för målning kan vara annorlunda. Mycket beror på skrivtekniken, mästarens uppgifter, hans konstnärliga avsikt och preferenser inom bildkonsten. Du kan rita på träskivor, metall, papper, kartong, betong, tegel, glas. Det vill säga att färg kan appliceras på nästan vilken yta som helst om så önskas.

Användningen av tyg som grund för att skapa konstverk har praktiserats under mycket lång tid. Redan på 1400-talet började konstnärer experimentera med tyg. Många kända målningar skrevs på detta material. Canvas är ett tyg speciellt fäst på en träram med olika kvalitetsegenskaper, såsom styrka, struktur, struktur, vikt, typ av tråd. Alla egenskaper beror på vilken typ av material som valts. Till exempel kan texturen på duken vara finkornig, mellankornig och grovkornig, och tråden kan vara naturlig och syntetisk. Styrka och struktur beror på fibern som tyget är tillverkat av.

Typer av duk

Siden, jute, ull kan användas som grund för målning. I grund och botten är dessa naturliga tyger gjorda av växtmaterial: lin, bomull, hampa, jute. Mest populära arter duk in modernt måleri: linne, bomull, syntetmaterial, pärlor, kombinerad duk. Det finns också hampa och jute alternativ. Linne är det vanligaste canvasmaterialet. Fibern är ganska stark och mest motståndskraftig mot yttre påverkan jämfört med andra material.

Linneduk har grågul färg, bra ådring annan sort, enligt kvaliteten på trådarna är uppdelad i flera typer. Bomull är mindre hållbart än linne, absorberar lätt fukt, ganska ömtålig, benägen att hänga på ramen, har en blekgul färg. Bortovka är en grov, hård duk, mer lämpad för teknisk eller ekonomisk användning. Samtidigt är tyget ömtåligt, lätt att riva. I en bild målad på duk från en pärla kan färgen börja spricka mycket snabbt på grund av den svaga spänningen i trådarna. Dessutom har detta tyg ofta fabriksdefekter i form av knutar och förtjockning av trådarna. Ändå är det bortovka som är mycket populär bland moderna målare. Canvas tillverkad av syntetiska polyestertrådar är hållbar, reagerar inte på förändringar i den yttre miljön och har på lång sikt ännu inte studerats tillräckligt. Denna typ används oftast vid digital bildutskrift. En mycket vanlig typ av duk bland amatörer idag kombineras. Den består av naturliga och konstgjorda fibrer. Jute- och hampaalternativ har låg prestanda, men de används också aktivt.

Canvas fördelar

Fördelarna med att använda canvas ligger främst i den enkla hanteringen, speciellt vid utställningar. Tyget är lätt att krulla, bekvämt att transportera, tar lite plats, mindre deformerat under transport. Texturen på duken är också viktig. På grund av ytans naturliga ojämnhet får målningarna ytterligare konstnärliga egenskaper som förstärker den estetiska effekten. Detta är ett spel av ljus och skugga, skiftande färgnyanser.

Målningen på duk är livlig och djup.

Brister

Den största nackdelen med duken är dess starka mottaglighet för negativa influenser. miljö. Det är känsligt för fukt och förändringar i lufttemperaturen. Det är lätt att mekaniskt skada det: skära eller oavsiktligt sticka hål. Vissa typer av tygdukar deformeras lätt. Färger på duken kan ligga ojämnt och börja flöda, vilket hopplöst kan förstöra arbetet. Med tiden, på grund av deformation, kan färgen spricka. Historien känner till många fall av förlust av magnifika dukar just av denna anledning. På grund av den naturliga bräckligheten hos tygbasen lagras många världsmästerverk på museer i speciella villkor i slutna glaslådor.

Funktioner av målning på duk

Dukens struktur ger god vidhäftning av färgen mot ytan. Ändå, för att få ett utmärkt resultat, är det nödvändigt att på ett ansvarsfullt sätt närma sig beredningen av tyget för användning. Först måste du välja rätt konsistens baserat på målen som artisten har satt upp. Valet av dukkorn beror på skrivtekniken: stor, medium eller liten.

Detta är viktigt eftersom inkonsekvensen av kornighet med sättet att skriva kan komplicera skrivprocessen och leda till en snabb efterföljande åldrande av bilden. För det andra måste duken grundmålas och förstärkas i en bår. Om du tänker måla på duk med olja, är det bättre att föredra grov korn, för akvarell eller annat flytande färger erfarna borste matsera rekommenderar att du använder en finkornig duk.

Det finns ett antal krav på konstduken. Det måste vara oblekt. Blekmedel, som används innan tyget förbereds för industriell färgning, innehåller olika kemiska beståndsdelar som negativt påverkar tygets styrka. Ytan på duken måste också vara slät, utan trådbrott, knutar och andra defekter. Väven ska vara tät, trådarna ska vara av samma tjocklek och spänning. När du väljer ett tyg är det nödvändigt att noggrant visuellt utvärdera dess utseende.

Måla efter siffror

Länge var måleriet elitens lott. Först och främst är det nödvändigt att ha en talang eller förmåga för konstnärligt skrivande. Då måste du studera länge, öva, förstöra mer än en duk innan du uppnår ett resultat. Lyckligtvis finns det idag en stor möjlighet för alla som vill måla utan förberedelser och samtidigt få utmärkta resultat. I specialbutiker för kreativitet kan du köpa en uppsättning "Målning med siffror" (inklusive på duk).

Tekniken att arbeta med en sådan uppsättning är tydlig, enkel och tillgänglig. Denna aktivitet kommer att vara intressant för både vuxna och barn. Satsen innehåller allt du behöver: färger, canvas, penslar. På den förberedda duken är gränserna för detaljerna i ritningen markerade med siffror. Färger behöver inte vara speciellt spädda eller blandade. De är redo att gå direkt. Ett nummer - en färgfärg. Följ instruktionerna, du måste måla motsvarande avsnitt av bilden steg för steg. Sådant arbete kräver omsorg, så till att börja med kan du välja en duk med enkelt mönster med stora föremål. Med due diligence och noggrannhet kommer du definitivt att få ett magnifikt konstverk som du inte skäms för att hänga på väggen i ditt hus eller ge till vänner.

Canvas för digitaltryck

Modern teknik tillåter idag att skapa konstverk på en mängd olika sätt. En av de innovativa teknikerna är digital canvastryck.

För dessa ändamål används ett syntetiskt eller kombinerat tyg, som har höga hållfasthetsegenskaper. Digitaltryck ger vanligtvis reproduktioner av hög kvalitet kända målningar och foton. Bilden appliceras med lösningsmedel, latex eller UV-utskrift.

Stiliserat porträtt

En till modern teknologi digitaltryck, som blivit ett eget område samtida konst- skapa ett stiliserat porträtt på duk från ett fotografi. En sådan bild har blivit en mycket populär present nuförtiden. Kombination högteknologi och traditionell canvas gör att du kan få ett porträtt som skiljer sig lite från konstgjorda. Samtidigt kan tekniken för prestanda och stil vara annorlunda: från grunge och popkonst till tecknade och bildporträtt. Nyckelord här - betyder att det vanligaste fotot med hjälp av denna teknik förvandlas till ett modernt konstverk.

Att göra canvas hemma är enkelt

Professionella dukar är ganska dyra. Därför, med viss skicklighet, kan en amatörkonstnär göra en duk för målning med sina egna händer. För att göra detta måste du göra en träram, dra tyg (helst linne) över den och fixa den. Grundmåla sedan och, efter att ha väntat på att duken ska torka helt, sätt igång. Det finns en annan liten hemlighet. Innan du börjar applicera primern på basen måste den täckas med två lager gelatin efter varandra. Olika och detaljerade instruktioner om att göra duk hemma, publicerad på relevanta tematiska resurser, låter dig förse dig själv med material för det erforderliga antalet målningar nästan när som helst.

En högkvalitativ och rätt utvald canvas är nyckeln till framgångsrikt och spännande arbete, utmärkta resultat och utmärkt humör.

Vi är vana vid att se målningar på museer målade i olika färger: tempera, olja, akvarell. Men hur ofta tänker vi på hur de såg ut och vem var deras skapare? För första gången användes färgen, som faktiskt fungerade som lera, av primitiv. Sedan började han blanda lera, kol och andra naturliga färgämnen med fett, vilket kan anses vara den första riktiga färgen. Hela årtusenden gick innan färgen kom, som konstnärer började använda överallt.

ägg tempera

Denna färg var äggtempera. Det blev särskilt populärt under renässansen, när så stora mästare som Raphael, Leonardo da Vinci och Michelangelo arbetade med det. Tempera bestod av äggula, vatten och torra pigment. På den tiden var konstnärer tvungna att göra sina egna färger. De malde lera, växtmineraler, bär och till och med insekter till ett fint pulver och blandade det sedan med vatten och äggula. Tempera krävde speciella färdigheter från artister. Denna vattniga röda torkade förvånansvärt snabbt. Detta tvingade mästarna att arbeta i mycket hög hastighet för att bibehålla mönstrets enhet.

Oljemålningar

En verklig revolution inom måleriet gjordes på 1400-talet av Jan van Eycks uppfinning av oljefärger.Som bindemedel använde han linolja, istället för den vanliga äggulan. Strängt taget var de kända före vår tideräkning. Detta bekräftas av resterna av färger som hittats efter förstörelsen av Bamiyan Buddha-statyerna. Det är känt att antika målare också använde vegetabiliska oljor för färgglada kompositioner. Olika avhandlingar från 700- till 1100-talen talar om användningen av linolja. Det finns dock inga materiella bevis kvar. Oljemålningar på många sätt överlägsen äggtempera. Först och främst mutades artister av hennes plasticitet. Oljefärger var lätta att blanda, vilket gjorde att helt nya färger kunde skapas. Färg började appliceras i tunna lager. Denna teknik förmedlade bäst utrymme, volym och färgdjup.

Vattenfärg

Trots det faktum att dess utseende tillskrivs det 2: a århundradet e.Kr., fick det stor popularitet först vid 1700-talets början till 1800-talet. Den består av ett finmalt pigment och lim av vegetabiliskt ursprung som är lättlösliga i vatten. Denna färg späds med vatten och appliceras på papper. Specificitet akvarellteknik ligger i dess transparens. Akvareller skapar ljusa, delikata, som om luftfyllda målningar. Men det finns en hake: gör om ritningen eller spela in lagret, som i oljemålning t.ex. är omöjligt. Vid blandning av mer än två eller tre färger förlorar färgen sin ljushet och renhet, och när färgskiktet tvättas bort deformeras papperet, vilket leder till smuts.

Sedan dessa avlägsna tider har färger skapats på basis av naturliga ingredienser: vegetabiliska oljor, träharts och naturliga färgämnen. Men i början av 1900-talet började kemister som arbetade för stora färgtillverkare uppfinna nya färgformler. Det är på 1900-talet som historien om färger som kan ses i butik idag börjar. Många av dem innehåller syntetiska komponenter, men är inte på något sätt sämre än naturliga.

För att skapa en unik atmosfär i huset använder de oftaModulära bilder. Ett dekorativt element kommer att ge en unik charm till interiören. Kombinationen av dukar är en ny touch av modernt mode. Dekorera alla rum med ett äkta konstverk.

I kontakt med

Vad är målningar från moduler

- det här är en teckning uppdelad i flera separata fragment.Denna lösning ger rummet charm och sofistikering. Designrörelsen återger mästerverk visuella konsterna V hög upplösning. Levande färger, träbas och 3D-teknik skapar magi i rummet.

Råd!Ge vardagsrummet en twist: beställ modulära dukar från familjefoton.

Grunden för blockmålningar - duk. Bilder i HD-kvalitet appliceras på ett starkt underlag med tygbaksida. För att skydda texturen används ett polymert ämne som skyddar duken från åldrande. Användningen av naturmaterial har flera fördelar:

skydd mot temperaturskillnader och fuktighetsnivåer;
bevarande av bildens ljusstyrka och kontrast, skydd mot blekning;
styrka och hållbarhet;
överensstämmelse med brandsäkerhetskrav.

Vad är modulära målningar gjorda av?? från segment. Flera dukar radar upp harmoniskt konstnärlig bild utan att störa varandra.

Blocksystem skapar en helhetsbild olika alternativ kombinationer:

vertikal segmentering. Detta alternativ innebär att block placeras uppifrån och ned. Använd detta arrangemang av moduler för att visuellt förlänga rummet.
horisontell segmentering. En teknik där dukar placeras parallellt med golvet. Du bör inte välja denna modell om rummet har lågt i tak. Alternativet horisontellt arrangemang utökar utrymmet.
blandad segmentering. Denna typ av uppdelning låter dig ge din fantasi fritt spelrum och kombinera vertikalt och horisontellt arrangemang. Mosaikkonstruktion ökar antalet block. Detta alternativ är lämpligt för stora rum - ett vardagsrum och en hall - eftersom olika sätt att kombinera kan visuellt minska rummet.
Segmentoffset.Ovanliga modulära målningarkan placeras på avsevärt avstånd från varandra. En sådan komplex teknik används endast av professionella designers.

Variationer av målningar

Bildens integritet ges av en enda ritning, uppdelad i flera delar. Det finns följandetyper av modulära målningar:

diptyk - två moduler;
triptyk - tre moduler;
penaptyk - fem moduler.
polyptyk - sex eller fler moduler.

Viktig!Ju fler delar, desto svårare är det att bygga korrektmodulär bild. Välj uppsättningar med upp till 5 moduler för att inte störa rummet.

Dekoren av flera målningar skapar effekten av närvaro. Den tredimensionella bilden drar till sig uppmärksamhet och ger en helt ny, mer attraktiv atmosfär.

Det finns många sätt att rita en bild på duk - från budget till dyrt..

Att skriva ut en bild är billigare. Fördelen med denna metod är att du kan beställa vilket mönster som helst och på tre dagar bli ägare till en modulär duk.

Hantverk tar tid och pengar, men resultatet är en oöverträffad exklusiv sak skapad med oljefärger.

Om du är säker på din konstnärlig förmåga skapa sedan ditt eget mästerverk. Gör-det-själv-inredning kan inte jämföras ens med utskrifter av högsta kvalitet.

Mått

Block placeras på olika avstånd från varandra, vertikalt eller horisontellt. Det viktigaste är att inte bryta mot idén om integritet. Storlekar varierar. Ett set kan kombinera en mängd olikaalternativ för modulära målningar, små och stora.

Dimensionella gränser finns inte, men fragment som är för små kan förstöra rummets utseende. Rekommenderad minsta storlekär 30 cm Små dukar placeras i små rum. litet dekorativt föremåli det inre av vardagsrummetkommer att se smaklös ut.

Använd standardblock 80 till 120 cm höga och 120 till 170 cm breda.Universell storlek lämplig för att dekorera alla rum. Kombinationen av dukar kommer att dekorera inte bara vardagsrum utan också kontor, kaféer och bankettsalar. Modulära dukar kan köpas i vilken inrednings- eller konstaffär som helst. På så sätt kan du välja den som passar ditt hem.

Placering av segment

Korrekt arrangemang av segmentkroppsmålning spelar för interiören viktig roll. Det är bättre att mäta sju gånger. För att korrekt och jämnt hänga delarna, följ en viss procedur:

Placera mitten först. Detta är kvarteret som bär huvudtomtbelastningen eller ligger i mitten.
Tänk på segmentering i detalj: avstånd från golvet, från taket, från mitten. Om det finns många delar, häng sedan två delar som grund för kombinationen. Om bilden består av två delar, är mitten avståndet mellan de två blocken.
Rita platsen för segmenten på väggen, markera hörnen med en enkel penna. Kontrollera noga horisontlinjerna så att duken hänger jämnt.
Utvärdera skissen och börja dekorera.

Råd!Tänk på tjockleken på duken. Vid placering av moduler, öka avståndet mellan delarna med 3-4 cm.

Designalternativ

Du kan placera moduler, som alla andra, i vilket rum som helst. Allt beror på dina smakpreferenser. Menhur man väljer en modulär målningså att det är lämpligt och dekorerar, och inte överbelastas i rummet? Det finns flera nyanser.

Lägenhet dekoration

För att få denna inredning att se bra ut i det inre måste du överväga några regler:

plockar upp de bästa modulära målningarna för inredningenha några saker i åtanke:

Rumsyta.Välj enligt regeln: ett stort rum - hela bilden, litet rum - liten bild.Du bör inte hänga duken i ett rum där stolen är mindre än själva modulerna.
Stil. Kombinera harmoniskt färgschema rum och inredningsartiklar, bibehåller stilen som helhet.
Plats. Dekorera en väl upplyst vägg. Dekorera inte hörnet av rummet - placera modulerna i den centrala delen. Skynda dig inte att hänga upp bilder om du precis har flyttat in i lägenheten och ännu inte har ordnat med möblerna. Det beror på dess placering vilken del av rummet som ska dekoreras.

Efter att ha blivit bekant medexempel på modulära målningar i interiören, kommer du att kunna ordna kroppsdelarna korrekt. Men de tekniska detaljerna är också viktiga.

För att bilden ska glädja ögat och glädja dina gäster, använd tipsen om teknisk placering av block.

Höjd. Detta viktig faktor. Häng ditt konstverk i ögonhöjd så att du inte behöver höja eller sänka huvudet när du tittar på det. Den optimala höjden på mitten är 1,5 m. Denna metod kommer att förhindra förvrängning av bilden och ge tittaren estetiskt nöje.
Lutningsvinkel. Det borde det inte vara. Placera tavlorna antingen vertikalt eller horisontellt, om inte annat avsetts av designern. Kränk inte dukens integritet, fördela blocken parallellt med varandra.
artificiell belysning. Häng inte bilder på solsidan, annars blir duken gul. Till försäljning finns kit med inbyggda mikrolampor.

Vilka modulära målningar är bäst? Stora, små, tryckta, oljor eller gör-det-själv? Det är upp till dig att bestämma. Den rätta bilden kommer att radikalt förändra utseendet på ditt rum och tillfredsställa de estetiska behoven hos de mest krävande konstkännare.

Målning- ett målningsverk som har en komplett karaktär (till skillnad från en skiss och skiss) och ett självständigt konstnärligt värde. Den består av en bas (canvas, trä- eller metallskiva, kartong, papper, sten, siden, etc.), en primer och ett färgskikt. Målningen är en av typerna av stafflikonst. Bilder finns i olika genrer. Skapa en bild, konstnären förlitar sig på naturen, men i denna process spelar en viktig roll kreativ fantasi. Slutet av 1800-talet präglades i hela Europa av en ny, dynamisk syn på världen. Sekelskiftets konstnär var tvungen att motsvara det ständigt föränderliga livet: inte så mycket för att visa världen omkring honom (fotografi och film gör nu detta), utan för att kunna uttrycka sin individualitet, hans inre värld, egen vision. Konstens höjdpunkt har nåtts i målningar av framstående målare. I modernismens olika strömningar sker en förlust av handling och ett förkastande av figurativitet, därigenom revideras begreppet bild avsevärt. Vissa konstnärer som tillhör olika målarskolor har gått bort från att skildra världen (människor, djur, natur) som vi ser den. På deras målningar framstår världen som deformerad, ibland helt oigenkännlig, eftersom konstnärerna styrs mer av sin fantasi än av den visuella uppfattningen av fenomenen omkring oss.

Måleri spelar en viktig roll i utvecklingen av måleri.

En reproduktion kan också kallas målning, om det i det aktuella sammanhanget inte spelar någon roll om det är en kopia eller ett originalverk.

Bild i en figurativ eller mer allmän betydelse- alla kompletta, integrerade konstverk, inklusive - en levande och levande beskrivning, muntlig eller skriftlig, av en syn på naturen.

Att måla är planets konst och en synvinkel, där rymd och volym endast existerar i illusion. Måla genom komplexitet visuella medel kan skapa ett sådant djup av illusorisk rymd och multidimensionalitet på planet konstnärlig verklighet, som inte är föremål för andra representationsmetoder. Varje bild utför två funktioner - bildlig och uttrycksfull-dekorativ. Målarens språk är ganska förståeligt endast för dem som är medvetna om de dekorativa-rytmiska funktionerna i bildens plan.

I estetisk uppfattning måste alla funktioner i bilden (både dekorativa, plana och bildmässiga, rumsliga) delta samtidigt. Att korrekt uppfatta och förstå en bild innebär att samtidigt, odelbart se ytan, och djupet, och mönstret, och rytmen och bilden.

Den estetiska uppfattningen av en målning förstärks avsevärt när den placeras i en lämplig ram som skiljer målningen från omvärlden. Den orientaliska typen av målning behåller den traditionella formen av en fritt hängande ovikt rulle (horisontell eller vertikal). Bilden är, till skillnad från monumentalmålning, inte styvt förbunden med en viss interiör. Den kan tas av väggen och hängas på olika sätt.

Djupet i målningarnas illusoriska rum

Professor Richard Gregory beskrev målningarnas "märkliga egenskaper": "Målningar är en unik klass av föremål, eftersom de både är synliga i sig själva och som något helt annat än bara ett pappersark som de är ritade på. Bilderna är paradoxala. Inget föremål kan vara på två ställen samtidigt; inget objekt kan vara både tvådimensionellt och tredimensionellt samtidigt. Och det är så vi ser bilder. Bilden har en perfekt definierad storlek, samtidigt som den visar den verkliga storleken mänskligt ansikte, byggnad eller fartyg. Bilder är omöjliga objekt.

En persons förmåga att reagera på frånvarande, imaginära situationer som presenteras i bilder är milstolpe i utvecklingen av abstrakt tänkande.

Hur målningar görs

Bilden är andliga världen konstnären, hans upplevelser och känslor uttryckta på duk eller papper. Det är svårt att förklara hur målningar skapas - det är bättre att se det själv. Det är omöjligt att med ord förmedla hur konstnären målar över duken, med vilken pensel han rör duken, vilka målarfärger han väljer. Under arbetets gång blir allt ett: konstnären, penseln och duken. Och redan efter det första penseldraget i verkstaden börjar målningens speciella magi verka.

Bilder är inte bara en målad duk, de påverkar känslor och tankar, sätter spår i själen, väcker föraningar.

Hur skapas en tavla?

Det verkar, målar, penslar, på duk. Det kan finnas ett annat universellt svar: på olika sätt.

Metoderna att arbeta med en målning har ständigt förändrats genom konsthistorien. Konstnärer Italiensk renässans de arbetade på ett helt annat sätt än Rembrandt eller 1600-talets "lilla holländare", romantikerna - annorlunda än impressionisterna, abstraktionisterna, samtida realistiska konstnärer. Ja, och inom samma era och till och med en riktning kan du hitta en stor variation.

Realistiska konstnärer från förr och nu (om vi förstår realism i ordets breda bemärkelse) förenas av följande:

Skapande av ett komplett verk det här fallet målningar, porträtt eller landskap, är omöjligt utan en djup studie av livet, en aktiv inställning från författaren till det. Medlen för konstnärlig kunskap om livet är arbete från naturen, synintryck, analys och syntes av livsfenomen.

Skapandet av en målning är en komplex, arbetsintensiv kreativ process, vars resultat inte bestäms av den tid som spenderas, utan av måttet på talangen, konstnärens skicklighet, styrkan och effektiviteten hos den ursprungliga figurativa lösningen. Milstolpar Denna process är uppkomsten och konkretiseringen av idén, direkta observationer, skisser, skisser från naturen, själva målningen av bilden med nödvändigtvis kreativ, aktiv bearbetning av livsmaterial.

Och när en betraktare närmar sig en målning på ett museum eller på en utställning, innan han gör sin egen bedömning om den, måste han komma ihåg att bakom den finns det alltid en levande person, en konstnär som har investerat en bit av sitt liv, hjärta, nerver , talang och skicklighet i arbetet. Man kan säga att tavlan är en konstnärsdröm som går i uppfyllelse.

G. S. OSTROVSKII

Bildens fullständighet

I livet händer mycket av en slump - på bilden kan det inte finnas några sådana olyckor, allt i det måste slutföras, logiskt. När anses en målning vara färdig?

Virtuosen Rembrandts impasto bildsträcka, så högt värderad senare och i vår tid, orsakade endast förvirring bland Rembrandts samtida och gav upphov till förlöjligande och kvickheter på hans bekostnad. Rembrandt invände mot sina kritiker och ifrågasatte riktigheten i deras förståelse av en målnings fullständighet, och motsatte sig dem med sin egen förståelse av den, som han formulerade på detta sätt: bilden bör anses vara komplett när konstnären sa allt han ville ha i den. . För att inte höra de frågor som störde honom om "ofullständigheten" i hans målningar, slutade Rembrandt att låta naiva besökare i hans ateljé komma nära dem, som med stor nyfikenhet tittade på bravurdragen i hans målning och skrämde dem med faktum att tavlorna inte bör närma sig för nära, eftersom det är ohälsosamt att lukta på deras färger.

Matisse på sin målning:

"Jag försöker bara sätta på duken de färgerna som uttrycker min känsla. Den nödvändiga proportionen av toner kan få mig att ändra formen på figuren eller ändra kompositionen. Tills jag har nått denna proportion i alla delar av bilden ser jag för det och fortsätt arbeta. Sedan kommer ögonblicket, då alla delar får sina slutliga proportioner, och då kan jag inte röra bilden utan att göra om den igen.

Med början ungefär med impressionisterna är kategorierna teckning, form och färg nära förbundna, växte ihop, tycks vara en kontinuerlig process: teckning och färg, modellering och komposition, ton och linje framträder och utvecklas som på samma gång. Processen att måla en bild kan, så att säga, fortsätta i det oändliga, ögonblicket för slutförandet av arbetet är något godtyckligt: var som helst på duken kan konstnären fortsätta den, applicera nya slag på liknande, men liggande nedanför. Den mest slående och konsekventa representanten för detta system är Cezanne. I brev och inspelade samtal formulerade han gång på gång denna blandade eller, rättare sagt, odifferentierade målarmetod. När som helst kan arbetet med en målning avbrytas, men arbetet kommer inte att förlora sitt estetiska värde. När som helst är bilden klar.

Kopplingen mellan bildens bildrum och det verkliga rummet

Konstnären och konstteoretikern V. A. Favorsky betonade under kompositionsteorin att ett verkligt konstnärligt verk har en dubbel existens från födseln: som ett objekt i det omgivande rummet och som en relativt sluten värld med sina egna rums-temporala relationer . I måleriet uppnås detta mål genom att samordna bildens inre struktur med ramen, i skulptur - med det omgivande rummet (ett klassiskt exempel: en staty i en nisch).

För att koppla samman det bildmässiga rummet med det verkliga rummet där betraktaren befinner sig, används en bildram. Konstnärer leker också med multipel "reproduktion av ramen" i själva bilden, visuella ramsor, upprepningar av vertikaler och horisontaler. En av de karakteristiska teknikerna som gör att du visuellt kan "stärka" bilden inom gränserna för ett rektangulärt format är det "avfasade hörnet". Separationen av måleri från arkitektur gav upphov till ett visst system för uppfattning om stafflimålningen. Bildens huvudinnehåll är uttrycket för en helhetssyn på rymden. Kompositionen förvandlas till en exposition där betraktaren möter den förvandlade världen av rumsliga-temporala relationer och ser sig själv i den som i en spegel. Så det genomskinliga glaset från renässansen förvandlades till en spegel av den klassiska och barocken. Konsten efter renässanstiden kännetecknas av lek med reflektioner i spegeln, införandet av figurer-förmedlare i bildens komposition, personer som genom sin position, blick eller handgest indikerar handlingen som äger rum i bilden. bildens djup, som om du uppmanade dem att komma in i den. Förutom ramen finns det i sådana kompositioner ett proskenium - den främre delen av scenen, backstage, sedan mellanvägen, där huvudhandlingen äger rum, och bakgrunden - "bakgrunden".

Konstnären placerar vanligtvis huvudfigurerna i bildens mittplan och sätter dem på en mental horisontell linje som på en piedestal. Djupet på det "rumsliga lagret" beror på positionen för denna horisontella referenslinje (i planimetriska termer - över eller under bildramens nedre kant). Genom att skjuta upp horisonten många gånger skapar målaren en viss rörelserytm in i det imaginära rummets djup. Tack vare detta, även på en liten duk, kan du avbilda ett utrymme av valfri längd med valfritt antal figurer och föremål. I en sådan exposition måste man specifikt fästa betraktarens uppmärksamhet på det faktum att vissa objekt är närmare, medan andra är längre bort. För att göra detta används "pekare": perspektivminskning, införandet av storskaliga landmärken (små figurer av människor i bakgrunden), överlappande planer, tonal kontrast, fallande skuggor från en ljuskälla inuti eller utanför bilden. En annan referenspunkt för betraktarens mentala rörelse i bildens rum är diagonalerna, den huvudsakliga är "ingångsdiagonalen" (vanligtvis från vänster till höger).

Bild i bild

Bild i bild kan användas i en speciell kompositionsfunktion. En liknande hierarkisk organisation presenteras i fallet med att avbilda en bild i en bild (liksom fresker i väggmålningar etc.).

"Bild i bild" - kompositionsteknik, som finns i konsten att klassisk målning av XVI-XVII århundraden. En bild i en bild kan förses med en speciell dold betydelse.

Kompositionstekniken "bild i bild" kan utföra flera uppgifter:

uttrycka en idé
förklara handlingen
att motarbeta eller skapa harmoni
vara en detalj av situationen (interiör)

Mycket ofta kan bilden av en bakgrund i en målning förstås som en sorts bild i en bild, det vill säga en självständig bild byggd enligt sina egna speciallagar. Samtidigt är bilden av bakgrunden, i större utsträckning än bilden av figurerna på huvudplanet, föremål för rent dekorativa uppgifter, vi kan säga att det ofta inte är själva världen som avbildas här, utan den här världens landskap, det vill säga att inte bilden i sig presenteras, utan bilden av denna bild.

För holländarna utvidgar en geografisk karta, en gobeläng, en bild, ett öppet fönster som en bild som ingår i bilden världens gränser eller tjänar till att utveckla den allegoriska innebörden av huvudintrigen. Vermeer, som öppnar verkstadens slöja, blir en guide genom tre verklighetsnivåer: betraktarens rum, hans verkstads rum, rummet konstverk(duken som står på staffliet), liknar dessa metamorfoser vid att simma på haven, applicerad på geografisk karta eller flyga över kartlagt land.

Överflödet av verklighet - konst - myt kan också observeras hos Velazquez, som villigt tillgriper tekniken "bild i bild", ett exempel på det kan vara Meninas och Spinners.

"Bild i bild" finns också i "Venus framför en spegel" av Velasquez, men den dimmiga spegeln reflekterar bara skuggan av kärleksgudinnan.

Målning och ram

Alla bilder skapade av konstnären, med undantag för gamla hällmålningar, har en ram. Inramning är nödvändig och en viktig del komposition, den fullbordar den, ger enhet. Ramen kan vara i samma plan som själva bild- eller grafiska kompositionen. Den kan också skapas specifikt som en slags reliefform med hjälp av dekorativa, skulpturala och arkitektoniska element. Oftast finns det ramar av rektangulär form, något mindre ofta - runda och ovala.

Ramen hjälper till att särskilja tavlan från miljön som något speciellt och värt att uppmärksammas, men kopplar det samtidigt ihop med miljön. Så om ramens stil sammanfaller med det konstnärliga utseendet, strukturen och karaktären hos interiören där bilden är belägen, bidrar detta till ensemblens integritet. Beroende på färg, mättnad med dekorativa och skulpturala detaljer, påverkar ramen avsevärt helhetsintrycket av bildbilden. Allt detta gör att vi kan prata om bildens och ramens enhet, där inramningen naturligtvis inte utför huvudfunktionen utan en mycket nödvändig funktion.

Utvecklingen av stafflimålning var komplex. Vilken ljus milstolpe i dess historia var övergången från medeltid till renässans! Det mest betydelsefulla i den var önskan att komma bort från stelheten och abstraktionen i ikonbilden som dominerade medeltiden. Ungefär på XIV-talet föddes en målning i ordets moderna mening, och med den dök en ram upp, fortfarande klädd i spetsen av ett gotiskt landskap.

De första ramarna var inte helt motsatta hela bilden och var inte separerade från den; Materialen för båda var lika, den villkorliga förgyllningen av bakgrunden, till exempel av en forntida rysk eller bysantinsk ikon, passerade till ramen, och själva bilden "stänkte" ofta på den. Sedan blev gränserna mellan bild och ram allt tydligare igenkända. Ändå, som ett slags minne från tidigare århundraden, behöll ramen sin gyllene färg. När den gyllene bakgrunden, som betecknar det gudomligas värld, försvann från målningen, började förgyllningen av ramen att uppfattas villkorligt, med andra ord, som ett nödvändigt attribut för ramen, vilket hjälpte till att framhäva bilden i rummet, locka tittarens blick till det.

Under renässansen dominerade idén om att måla som en titt på världen genom ett fönster, ramen, med dess former, anspelade mycket tydligt på den rådande idén och svarade på den. Dessa magnifika, högtidliga ramar gjordes efter teckningar av konstnärer i särskilda verkstäder eller av konstnärens assistenter som arbetade i hans verkstad.

Under renässansen jämfördes måleriet ständigt med en spegel som speglar verkligheten, och ramen, skapad som en prydnadsspegelram, framhöll denna jämförelse ännu starkare. Denna ram kan tillverkas inte bara av träribbor och gips, utan också av värdefulla material, inklusive silver, elfenben, pärlemor, etc. Materialens dyrbarhet verkade matcha målningens dyrbarhet, vilket förstärkte den.

De gamla mästarna var mycket uppmärksamma på ramen, med hänsyn till dess inverkan i arbetet, ibland målade de till och med i en färdig ram, med hänsyn till en viss ton och dekorativ rytm av ramen. Därför har de gamla mästarnas kompositioner ofta stor nytta av de ursprungliga ramarna.

Observationer av ramarna för de gamla mästarna tillåter oss att fastställa en annan princip - överensstämmelsen mellan profilen och ramens bredd och storleken på bilden: till exempel brukade holländska målare sätta in sina små tavlor in i stora ramar med djup, skir profilering, som så att säga leder ögat till bildens mitt och isolerar det från miljöpåverkan.

I början av 1900-talet började röster höras som uppmanade till att helt överge ramar, som något för materiellt, som "grundade" konstens andlighet. Olika avantgardekonstnärer, efter att ha tagit emot sådana samtal, började ställa ut sina verk utan ramar. Men som ett resultat av denna innovation upphörde deras verk själva att vara målningar i ordets snäva bemärkelse. Det var något slags "föremål", "fläckar", ofta utan en tydlig innebörd.

Även om det nu inte finns någon stil i utformningen av ramar, som det en gång var, men det finns mer än tidigare, ramens överensstämmelse med konstnärens individuella stil.

I senare tid på Konst utställning det kan ses att trögheten i förhållande till utformningen av ramar (låt dem vara, och vad som inte är så viktigt), som manifesterades i det förflutna av våra konstnärer, börjar övervinnas. Ramarna är målade i olika färger, små extra bilder och inskriptioner placeras ofta på dem, skulptörer hjälper målarna - ramar med rika plastmotiv dyker upp.

Bildformat

Det finns dock två specifika element i bilden, som tycks skapa en övergång från planet till bilden, samtidigt som de tillhör bildens verklighet och dess fiktion - formatet och ramen. Det kan tyckas att bildens format bara är en konstnärs verktyg, men inte ett direkt uttryck för hans kreativa koncept: konstnären väljer trots allt bara formatet. Samtidigt är formatets natur närmast kopplat till hela den interna strukturen i ett konstverk och visar ofta till och med den rätta vägen till att förstå konstnärens avsikt. Formatet väljs i regel innan målarens arbete påbörjas. Men ett antal konstnärer är kända som gillade att ändra formatet på bilden medan de arbetade, antingen klippte av bitar från den eller lade till nya (Velasquez gjorde detta särskilt gärna).

Det vanligaste formatet för en bild är fyrkantig, där en ren kvadrat är mycket sällsyntare än en fyrhörning som är mer eller mindre långsträckt uppåt eller i bredd. Vissa epoker uppskattar det runda formatet (tondo) eller ovala. Valet av format är inte slumpmässigt, formatet upptäcker vanligtvis djupa, organisk koppling både med konstverkets innehåll, med dess känslomässiga ton, och med bildens sammansättning, speglar det lika tydligt konstnärens individuella temperament, och smaken av en hel era. Vi känner det dolda orsakssambandet mellan formatet och konstnärens avsikt inför varje bild, varifrån charmen med ett sant konstverk kommer. Det finns målningar vars innehåll är så sammansmält med formatets natur att minsta förändring i proportionerna, verkar det som, borde rubba bildens stilistiska och ideologiska balans.

Det horisontella, långsträckta formatet i allmänhet är säkerligen mer lämpat för narrativ komposition, för den sekventiella utvecklingen av rörelse förbi betraktaren. Därför vänder sig konstnärer som är episka i stämningen, som strävar efter aktiv komposition, för handling, villigt till detta format, till exempel italienska målare från 1300- och första hälften av 1400-talet (särskilt i freskkompositioner). Tvärtom, ett kvadratiskt format eller ett där höjden något råder över bredden, som om det omedelbart stoppar handlingens dynamik och ger kompositionen karaktären av en högtidlig representation - det var denna typ av format som mästarna i Högrenässans föredrog för sina altarmålningar (" Sixtinska Madonna"). I sin tur, med en betydande övervikt av höjd över bredd, får kompositionen igen dynamik, stark dragkraft, men den här gången upp eller ner; ett så smalt format var särskilt i smaken för konstnärer aristokratisk, dekorativ (Crivelli) eller mystisk (manerister, Greco ), som försöker förkroppsliga vissa känslor, stämningar.

Formatets koppling till konstnärens individuella temperament är också otvivelaktigt: Rubens sensuella, dynamiska fantasi kräver ett större format än Rembrandts återhållsamma och andliga fantasi. Slutligen är formatet direkt beroende av målningsteknik. Ju bredare och friare konstnärens penseldrag är, desto naturligare är hans önskan om ett stort format.

Populär i kategorin: