London teatrar. första teatern i london nationaltheater uk turnerande engelska skådespelare blev

London är känt för sina museer, historiska byggnader och banbrytande restauranger. Men bara det teaterliv som dominerar staden skiljer den från andra städer. Om en pjäs var framgångsrik i London, kommer den att upprepa sin framgång någon annanstans.

New York med Broadway kan bli den enda konkurrenten till London, men inte ens han kan skryta med teaterbyggnader som har en lång och rik historia. Den centrala delen av staden, West End, South Bank och Victoria-distrikten förvånar med en speciell koncentration av teatrar - från små studior för 100 åskådare till stora tempel i Melpomene. Vi erbjuder en översikt över de tio mest stora teatrar London.

Shaftesbury Theatre, som ligger inte långt från Holborn Street, är listad som en brittisk byggnad av arkitektoniskt och historiskt värde. Tack vare en liten olycka som inträffade med taket på byggnaden 1973 uppmärksammade man det. Sedan 1968 har den berömda musikalen "Hair" visats på dess scen 1998 gånger. Senare stängdes showen som främjade hippierörelsen. När musikalen först visades från teaterscenen i West End förbjöd teatercensorn Lord Cameron Fromantil "Kim", Baron Cobbold den. Tillverkarna vände sig till parlamentet för att få hjälp och de gav tillstånd genom att utfärda ett lagförslag som helt upphävde baronens förbud. Denna oöverträffade händelse i teaterns historia gjorde ett slut på teatral censur i Storbritannien - inte illa för en teater med en kapacitet på 1 400 åskådare.

Bara några kvarter från Shaftesbury ligger Palace Theatre, som också kan ta emot 1 400 åskådare. Hans specialitet är musikaler, som Singing in the Rain eller Spamalot. Teatern öppnade 1891 och blev känd som Royal English Opera under beskydd av Richard d "Oyley Kart. Nyligen har förutom operor, musikaler, filmer och andra shower visats på scenen. Under 1960-talet kom musikalen The Sound of Music sattes upp på teatern 2385 gånger. Teatern listades som en byggnad av arkitektoniskt och historiskt värde i Storbritannien, tillsammans med andra byggnader i området.

Adelphi Theatre firade nyligen sitt 200-årsjubileum. Trots byggnadens blygsamma storlek kan teatern ta emot 1 500 åskådare. Han är känd för produktioner som "Chicago" och "Joseph and His Amazing, Multicolored Dreamcoat". En art déco-byggnad från 1930 gränsar till Strand Palace Hotel. Detta är den fjärde byggnaden i teaterns hela historia sedan 1809. En minnestavla på väggen i en närliggande bar skyller teatern för döden av en skådespelare som en gång fick stöd av den store Terriss. Men i själva verket erkände prins Richard Archer, en misslyckad skådespelare som förlorade popularitet och anständighet på grund av alkoholmissbruk, skyldig till mordet på Terriss mentor i ett tillstånd av galenskap och skickades för tvångsbehandling till ett psykiatriskt sjukhus, där han ledde fängelseorkester fram till sin död. Det sägs att spöket från den ohämdade Terriss, som är upprörd över den milda domen som dömts till hans skyddsling och mördare, fortfarande strövar omkring i teaterbyggnaden på natten.

Vissa shower har spelat teatrar i Londons West End i decennier, och Victoria Palace erbjuder ständigt fräsch repertoar, som musikalen Billy Elliott. Fast han har stått på scen sedan 2005, vilket är mycket, enligt vanliga tittare. Teatern har en lång historia som började 1832 när den bara var liten konserthall. Idag kan byggnaden, som byggdes 1911, ta emot 1 517 åskådare. Den är utrustad med ett infällbart tak, som öppnas under pauser för att ventilera hallen. Det fanns många minnesvärda shower på teaterscenen, men den mest minnesvärda av dem var den patriotiska pjäsen Young England från 1934, som fick många negativa recensioner. Hon stod emot endast 278 föreställningar.

Prince Edward Theatre ligger i hjärtat av Soho-området och har plats för 1 618 personer. Den är uppkallad efter arvtagaren till den brittiska kronans tron, Edward VIII, en kung som satt på tronen i bara några månader och övergav den i kärlekens namn. Traditionellt är scenen romantiska shower och föreställningar som "Show Boat", "Mamma Mia", "West Side Story", "Miss Saigon". Teatern har en lång historia som började 1930 när den bara var en biograf och en danshall. Först 1978 öppnades teatern, tidsbestämd för att sammanfalla med öppningen av premiären av musikalen "Evita" om världen känd kvinna fru till Argentinas president. Pjäsen gick igenom 3 000 föreställningar och skådespelerskan Elaine Paige, som spelade Evita, fick en lysande start på sin karriär på teaterscenen och blev en stjärna.

Trots renoveringen av Londons Tottenham Court Road för att ge en bättre knutpunkt, är en sak densamma - en gigantisk staty av Freddie Mercury med handen upplyft medan han sjunger "We Will Rock You" framför Dominion Theatre. Föreställningen har stått på teaterscenen sedan 2002 och blev, trots negativ kritik från kritiker, en succé hos publiken. Teatern, byggd 1929 på platsen för ett gammalt Londonbryggeri, har plats för 2 000 åskådare. I byggnaden finns även Australian Sunday Church, som använder teaterns scen och belysning under mässorna.

Detta är en av de största teatrarna i London. Pelarna som pryder huvudentrén är från 1834 och själva byggnaden rekonstruerades 1904 i rokokostil. Under hela dess existens historia, och den börjar 1765, hade den allt utom teatern, till exempel hölls middagar här i 50 år hemligt sällskap nötbiff. 1939 ville man stänga byggnaden men i samband med att vägbygget startade räddades det. I 14 år spelades Lejonkungen på teaterscenen och Disney-dramatiseringen tycks ha bottnat här länge och ger bra kassaavkastning.

Med en kapacitet på 2 196 åskådare är Royal Theatre, som anses vara den ledande teatern i London, inte av denna anledning. Sedan 1663 har det funnits flera teatrar på denna plats, och själva Drury Lane anses vara teatralisk. Liksom många andra teatrar arbetade Royal under ledning av Andrew Lloyd Webber, författaren till musikalerna "Evita" och "Cats". Andra produktioner som har visats på scenen är Oliver, en musikalisk film med samma namn, The Producers, Shrek och Charlie and the Chocolate Factory, som fortfarande körs idag. Utöver musikaler och skådespelare är teatern känd för sina spöken, som spöket från en man klädd i grå kostym och spänd hatt. Enligt legenden dödades han i teaterbyggnaden på 1700- och 1800-talen. Ett annat spöke heter Joseph Grimaldi, en clown som sägs hjälpa nervösa skådespelare på scenen.

Teatern London Paladium är känd inte bara i London utan över hela världen. Det ligger några steg från Oxford Street. Han blev populär tack vare den nattliga showen "Sunday Night at the London Palladium", som pågick från 1955 till 1967. Miljontals åskådare bekantade sig med spinningscenen och scenåtgärder annan plan. 1966 försökte ägarna av byggnaden sälja den för ytterligare återuppbyggnad, men den räddades tack vare teaterinvesterare och det faktum att förutom teatern 1973 öppnades en konsertsal där för uppträdanden av rockbandet "Slade". ”. De ständiga fulla husen och aktiva agerande från bandets fans orsakade nästan kollapsen av balkongen i hallen. 2014 öppnades talangshowen "The X Factor: The Musical" i teatersalen.

Om Apollo Victoria-teatern inte är den mest populära i London, kan den säkert erkännas som den högsta. Det ligger några meter från Victoria Palace och har plats för 2500 åskådare. Flera teatrar från den presenterade recensionen ligger i närheten och skapar ett slags "teaterland". "Appollo Victoria" öppnades 1930. Byggnaden är designad i art deco-stil med nautiskt tema, med fontäner och snäckor som dekor. Det tog 18 år att designa järnvägen för musikalen "Starlight Express", så att tåget, enligt manuset, rörde sig längs omkretsen av auditoriet. En annan populär musikal som sätts upp på teatern är "Wicked". Kassan från premiären uppgick till 761 000 pund och under 7 år beräknas intäkterna från föreställningen till 150 miljoner. Filmfantaster hävdar att teatern kommer att dö ut inom en snar framtid, men statistik relaterad till antalet tittare på varje musikal, mängden biljettkassar, tyder på något annat. Doften av rouge och vitt, ljudet från auditoriet kommer aldrig att försvinna.
Dock, modern arkitektur på inget sätt sämre än skönhet och elegans historiska byggnader teatrar.

engelsk teater

På 1800-talet fick teatern, liksom alla andra sfärer av engelsk kultur, en ny utveckling. Den mest begåvade tragiska skådespelaren Edmund Kean (1787-1833) personifierade den romantiska trenden inom teaterkonsten.

Edmund Keane ( ris. 58) föddes i en skådespelarfamilj. Hans föräldrar dog när han fortfarande var barn. Tvingad att försörja sig reste den unge mannen med en vandrande trupp genom engelska städer och byar. Dessa vandringar blev en bra skola för den unge konstnären, som vid tjugo års ålder besökt många delar av England. På frågan om vad som krävs för att bli en stor skådespelare, svarade Keane, redan känd,: "Vet hur man svälter."

Ris. 58. Keane som Shylock

När han reste med en resande teater, försökte Edmund sig i en mängd olika roller och pjäser av olika genrer.

Uppvuxen i fattigdom hade skådespelaren förakt för sysslolösa aristokrater och härskare som brydde sig lite om sitt eget folk. Den unge Keanes livscredo uttrycktes i orden: "Jag hatar alla herrar, utom Lord Byron." Högsamhället kunde inte förlåta en sådan attityd mot sig själva och jagade ständigt Keane och kallade honom en skådespelare i publiken.

Efter att ha blivit känd på provinsscenen fick skådespelaren 1914 en inbjudan att uppträda i London på Drury Lane Theatre, som gick igenom svåra tider under dessa år. Hans debut i huvudstadens teater var rollen som Shylock i Shakespeares The Merchant of Venice. Ledarskapet för Drury Lane, som förlitade sig på en provinsiell skådespelare, misslyckades inte: med sin magnifika prestation erövrade Keane helt enkelt den bortskämda Londonpubliken.

Shakespeare blev Keenes favoritdramatiker. Skådespelaren attraherades av honom av de egenskaper som han själv hade: en tragisk attityd, en ökad känsla av orättvisa, förkastande av en värld där vissa lever en eländig tillvaro, medan andra badar i lyx.

Det var Shakespeare som gav Edmund berömmelse. Skådespelaren förkroppsligade bilderna av Shylock, Richard III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Othello, Iago, Lear. Kritiker ringde honom Bra spel den bästa kommentaren till den berömda dramatikerns arbete, och poeten Coleridge argumenterade: "Att se Keanes pjäs är som att läsa Shakespeare med blixten."

Bilden av Shylock, skapad av Keane i Shakespeares The Merchant of Venice, gjorde ett enormt intryck på den engelska publiken. Hans hjälte kombinerar överraskande en ironisk attityd till människor omkring honom och en bitter känsla av ensamhet, djup längtan och själsslitande hat, gömt bakom yttre ödmjukhet. The Merchant of Venice, iscensatt på Drury Lane, gav gårdagens provinsberömmelse som den bästa skådespelaren i England.

Keane ansåg rollerna som Hamlet och Othello vara hans mest betydelsefulla verk. Hans prins av Danmark, ledsen och melankolisk, förstår att det är omöjligt att kämpa mot den ondska som råder i världen. Othello är ovanligt förtroendefull, uppriktig och integrerad i naturen och sätter kärleken över allt annat, och därför betyder hennes död för honom att alla hans strävanden kollapsar fullständigt.

Stor framgång för Keane gav rollen som långivaren Overrich i pjäsen "A New Way to Pay Old Debts" av F. Messinger. Publiken, fångad av skådespelarens prestation, kunde inte hålla tillbaka tårarna. Det sägs att Byron, som deltog i föreställningen, blev så chockad att han svimmade.

För att uppnå förståelsen för tittaren arbetade Keane noggrant och länge med varje roll. Han arbetade fram alla rörelser och ansiktsuttryck framför spegeln, återvände gång på gång till de svåraste episoderna, finslipade de minsta detaljerna i sin roll. Att spela sport hjälpte honom att uppnå extraordinär plasticitet (Kane ansågs vara en av de bästa fäktarna i England vid den tiden).

Den stora skådespelarens sista verk var rollen som Othello. Efter att ha uttalat frasen: "Othellos arbete är avslutat", förlorade den fyrtiosexåriga skådespelaren medvetandet och föll. Tre veckor senare var han borta. Keanes död tog slut romantisk riktning på den engelska teatern.

Edmund Keanes son, Charles Keane (1811-1868), som främst spelade i melodramer, var också skådespelare.

Den viktorianska eran medförde sina egna förändringar i kulturlivet i England. För litteraturen var dessa år den tid då den kritiska realismen bildades (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Namnet på författaren Charles Dickens (1812-1870) är förknippat med den engelska teaterns övergång från klassicism till modernt drama. Melodramatiska pjäser skrevs för teatern (Country Coquettes, 1836; The Lampmaker, publicerad första gången 1879, etc.).

Stor framgång för Dickens dramatikern kom med den excentriska komedin The Strange Gentleman, skriven baserad på en av handlingarna i essän Essays av Boz. Alla Dickens pjäser, utom The Lampmaker, sattes upp på St. James Theatre under säsongen 1836-1837. Förutom dem skapade författaren en dramatisering av sin roman Stora förväntningar, men pjäsen sattes inte upp.

Dickens pjäser var populära inte bara i England utan även utomlands. Handlingen i flera av hans romaner ligger till grund för ett antal operor.

1951 öppnade författaren en amatörteater vars repertoar bestod av klassisk och samtida verk. Många unga engelska dramatiker började sin kreativa karriär på denna teater. Dickens, som hade utmärkta skådespeleri, spelade rollen som Shallow i The Merry Wives of Windsor på sin teater. Författaren fick också stor popularitet som en utmärkt läsare som framförde sina egna verk från scenen.

I samma ålder som Dickens började den engelske poeten och dramatikern Robert Browning (1812-1889) arbeta för teatern vid tjugotvå års ålder. Hans första pjäs, Paracelsius, publicerades 1835. Sedan kom de historiska dramerna Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor and King Charles (1842), skrivna för Covent Garden Theatre. Huvudrollerna i dessa produktioner spelades av skådespelaren W. Macready.

1843 satte Covent Garden upp Brownings The Spot on the Coat of Arms. Och 1853 sattes en annan pjäs av denna författare, Columbus' födelsedag, upp på hans scen.

Brownings romantiska verk, liksom hans historiska pjäser, är i traditionen av J. G. Byrons och P. B. Shelleys poetiska drama. I en tid då melodrama dominerade den engelska scenen, försökte Browning uppmärksamma allmänheten på ett seriöst, meningsfullt framträdande. Missförstådd av samtida flyttade författaren gradvis från scendrama till genren av den så kallade pjäsen för läsning.

Verk av Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), en engelsk författare och dramatiker, som också var känd politiker. Hans favoritgenrer var romaner och dramer med historiska teman. Samtidigt berövade melodramatiska motiv och metoder för yttre showiness Bulwer-Lyttons verk från genuin historicism.

Dramerna Skönheten i Lyon (1838) och Richelieu (1839) gav dramatikern berömmelse. Politiskt efterfrågade och samtidigt underhållande, natursköna och fulla av dynamik, väckte dessa pjäser omedelbart uppmärksamheten hos dåtidens stora engelska regissörer. "Richelieu" i regi av Henry Irving under en lång tid lämnade inte scenen i huvudstadens teater "Lyceum". Och på 1840-1860-talen kunde den ryska publiken se Bulwer-Litton-dramat (huvudkaraktärerna spelades av skådespelarna V.V. Samoilov och N.K. Miloslavsky).

Edward Bulwer-Lytton lockades inte bara av historiska pjäser, utan också av komedier som förlöjligade sederna i det viktorianska samhället - "We are not so bad as we seem" och "Money" (1840). Även om dramatikern inte fördjupade sig i samhällskritik, lockade realismen i hans verk publikens uppmärksamhet. Bulwer-Lytton-komedierna fanns på repertoaren på engelska teatrar i många år.

Den historiska romanen Rienzi av Bulwer-Lytton intresserade den berömda tyske kompositören Richard Wagner, som baserade sin handling på operan med samma namn, som presenterades för publiken 1840.

I slutet av 1800-talet började den berömda engelske författaren, prosaförfattaren och dramatikern George Bernard Shaw (1856-1950) sin kreativa verksamhet ( ris. 59). Han föddes i Dublin, i familjen till en fattig anställd. Vid tjugo års ålder flyttade Shaw till London, där han blev en av grundarna av Fabian Society. Jobbar inom musik och teaterkritiker, skrev Bernard flera obskyra romaner. Hans första pjäs, Änkemannens hus, dök upp 1892. Pjäsen berörde viktiga sociala och etiska frågor och riktade skarp kritik mot hyresvärdar som hyr ut bostäder i slummen. Dramatikern uppmanade sina läsare att förbättra sig själva och förändra världen omkring dem. Publiken hälsade coolt på pjäsen "Änkemannens hus", satt upp på Independent Theatre, och efter två föreställningar togs den från scenen.

Ris. 59. George Bernard Shaw

Under de följande sex åren skrev dramatikern nio pjäser (inklusive en enakt). Det sorgliga dramat "Heartbreaker" (1893), som berättar om ett lönsamt äktenskap som slutade i total kollaps, accepterades inte för produktion av någon av huvudstadens teatrar. 1894 dök dramat "Man and Weapon" upp, som avslöjade krigets omänsklighet och grymhet. 1897 skapades pjäsen "Djävulens lärjunge" och 1898 publicerades tvådelade samlingen "Pleasant and Unpleasant", som innehöll pjäser från olika år ("Mrs. Warrens yrke", 1894; "Man and Weapon" , "Candida", 1897; "Ödets utvalde", 1897; "Vänta och se", 1899, etc.). Pjäsen "Mrs. Warrens yrke", som tar upp ämnet prostitution, förbjöds av censorer, men senare, när den ändå fick sättas upp, lämnade den teaterscenerna först 1902. Candida var en stor hit i New York 1903. Och i sitt hemland åtnjöt Shaw fortfarande ingen popularitet. Det verkliga erkännandet av den engelska allmänheten kom till honom 1904, när han tillsammans med sin fru, såväl som med skådespelaren och regissören Harley Grenville-Barker, hyrde byggnaden av Royal Court Theatre. Shaws pjäser regisserades av Grenville-Barker och John Vedrenn. Av de 988 föreställningar som spelades på det kungliga hovets scen 1904-1907, sattes mer än sjuhundra upp baserade på Shaws verk.

Bland dramatikerns bästa verk är pjäsen "Man and Superman" (1905) - en filosofisk komedi som presenterar betraktaren författarens attityd religion, äktenskap, familj. Evolution Mänskligt samhälle visat genom tvister mellan Don Juan, som hamnade i underjorden, med djävulen.

Shaws mest kända pjäs var Pygmalion (1913), en antiromantisk komedi skriven speciellt för skådespelerskan Patrick Campbell. Efter dramatikerns död skapade Frederick Lowe och Alan Jay Lerner musikalen My Fair Lady utifrån hennes motiv.

Shaws senare pjäser inkluderar The Heartbreak House (1919), Tillbaka till Methuselah (1922), det historiska dramat Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) och andra.

Föreställningen, som har blivit symbolen för engelsk kvickhet, har skapat mer än 50 verk för teatern. När den store dramatikern gick bort släckte teatrar i många delar av världen sina lampor i sorg.

Ett betydande bidrag till utvecklingen av den engelska teatern gjordes av författaren Oscar Wilde (1854-1900). Liksom Shaw föddes han i Dublin, son till en känd kirurg. Utbildad vid Oxford University. Wildes första verk var dikten "Ravenna" (1878) och samlingen "Dikter" (1881).

Berömmelse gav författaren hans lyriska berättelser och sagor ("Star Boy", etc.), filosofisk roman"Bilden av Dorian Grey". För teatern skapade Wilde ett antal pjäser med ett samhällskritiskt fokus (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). Pjäsen "Salome" skrevs på franska, publicerades i England 1894, översatt av Alfred Douglas med illustrationer av konstnären Aubrey Beardsley. Denna pjäs låg till grund för Richard Strauss berömda opera med samma namn (1904).

I slutet av 1800-talet började den engelske dramatikern Henry Arthur Jones (1851-1929) skriva för teatern. Han kom från en fattig bondfamilj och försörjde sig på skådespeleri.

Jones blev inte berömmelse som skådespelare och vände sig till att skriva dramatik, men hans första pjäser gav inte heller den önskade framgången. Teatrar vägrade att ta hans verk, och först 1878, på en av de provinsiella teatrarna, accepterades Jones pjäs "Det är precis runt hörnet" för produktion.

Den efterlängtade framgången kom till dramatikern efter att hans Silverkung satts upp på Princess Theatre. Bland de flesta betydande arbete John kan kallas pjäserna "Saints and Sinners", "The Dancer", "Rebellious Susannah", "The Triumph of the Hypnots", "Michael and His Lost Angel", "Protection of Mrs Dane". Många av Jones dramer fördömer det viktorianska samhällets helgande moral (The Liars, 1897; The Lies, 1914), även om en fascination för melodramatiska tekniker minskar deras betydelse något. Men trots detta är det säkert att säga att Jones verk hade en inverkan på bildandet av en realistisk trend inom teaterkonsten i England i slutet av 1800-talet. Jones samarbetade med Bernard Shaw, och den sistnämnde uppskattade mycket hans verk.

Den engelska scenkonsten i slutet av 1800-talet förknippas med namnet på skådespelaren och entreprenören Arthur Voucher (1863-1927). 1884 blev den unge skådespelaren, utbildad vid Eton och senare i Oxford, en av grundarna av Oxford University Dramatic Society. På sin scen spelade han i Shakespeares pjäser ("Henry IV", "Twelfth Night", "The Merry Wives of Windsor", "Julius Caesar").

Vouchers debut var rollen som Jacques i Shakespeares komedi As You Like It, som framfördes 1889 på den professionella scenen i Wolverhampton. Föreställningen gav skådespelaren berömmelse och 1889-1894 spelade han på olika engelska och amerikanska teatrar.

Åren 1895-1896 ledde Voucher Kungliga Teatern, och hans fru, E. Vanbrugh, var en ledande skådespelerska som spelade huvudrollerna i komedier och farser. Mellan 1900 och 1906 innehade Voucher befattningen konstnärlig ledare"Garrick tietra". Vid den här tiden spelade han många roller i Shakespeares pjäser (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. 1910 gick skådespelaren med i truppen Beerbom Tree (Hiz majestis tietr), där han förkroppsligade bilderna av Henrik VIII och stiftelsen i Shakespeares pjäser Henrik VIII och En midsommarnattsdröm. En mycket temperamentsfull och känslomässig artist, Voucher spelade särskilt framgångsrikt ljusa, karakteristiska roller (John Silver i "Treasure Island" baserad på romanen av R. L. Stevenson).

I slutet av 1800-talet började skådespelaren och entreprenören Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) sin karriär inom teatern. Han debuterade som Fritz i pjäsen "The Old Jew" av Grnadi, uppsatt 1895 på Garrick Theatre. Samma år gick han med i Beerbom Three-truppen och åkte med den på turné i USA. 1899-1901 besökte han igen Amerika, denna gång tillsammans med den berömda engelska skådespelerskan Patrick Campbell.

Skådespelarens mest betydande scenarbete vid denna tid var rollen som Sandford Cleave i The Famous Mrs. Ebbsmith och kapten Ardale i Pineros The Second Mrs. Tanqueray. 1902 blev Du Maurier entreprenör i Ch. Fromans trupp (Duke of York Theatre), där han med stor framgång skapade bilderna av Ernest Wooller (Delightful Crichton av J. Barry), Hook and Darling (Peter Pan av samma författare).

Mest av allt lyckades Du Maurier i komiska roller. Förmågan att bete sig naturligt, uppriktigt och enkelt hjälpte skådespelaren att vinna publikens kärlek. Hans bästa verk var bilderna av Montgomery Brewster i McCachons Brewster's Millions och Hugh Drummond i Bulldog Drummond, en dramatisering av McNeils roman.

Under perioden 1910 till 1925 ledde Du Maurier tillsammans med F. Curzon Wyndhams Theatre, och från 1925 till 1929 ledde han tillsammans med G. Miller St. James Theatre. Scenproduktionen av Lonsdales pjäs The Last Days of Mrs. Cheney (1925) gav teatern stor framgång. I framtiden satte Du Maurier upp ytterligare flera föreställningar på olika teatrar (Wallace's Bell Ringer, 1926, Wyndham's Theatre; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Morton's Alibi baserat på Christies roman, 1928, Prince of Wells tietr "; "Doctor Pygmalion" Owen, 1932, "Playhouse tietr", etc.).

En framstående figur i den engelska teatern i slutet av 1800- och början av 1900-talet var skådespelaren, regissören och berömda läraren Frank Robert Benson (1858-1939). Från en tidig ålder deltog han aktivt i alla typer av amatörföreställningar. Hans första professionella scen var Londonteatern "Lyceum", ledd av G. Irving. Ett år senare öppnade den unga skådespelaren sin egen mobila teater, som gav föreställningar inte bara i London, utan också i Stratford, såväl som andra provinsstäder.

Bensons favoritdramatiker var Shakespeare. På bara några år satte regissören upp nästan alla den store dramatikerns pjäser, med undantag av Titus Andronicus och Troilus och Cressida. Från 1886 till 1919 spelade sällskapet, ledd av Benson, på Shakespeare Memorial Theatre i Stratford-on-Avon. I Shakespeares hemland hölls, med hennes deltagande, årliga festivaler med Shakespeares pjäser.

En underbar skådespelare och regissör, ​​Benson var också en begåvad lärare som utbildade många underbara artister. Hans penna tillhör skådespeleriet. Skrev Benson och en bok med memoarer. De sista åren av sitt liv var han engagerad i filmskapande.

Som skådespelare började den berömda engelske skådespelaren, regissören och dramatikern Harley Grenville-Barker (1877-1946) sin teaterkarriär. 1891 gick han med i S. Thornes trupp i Marget. Året därpå uppträdde Grenville-Barker redan på London Comedy Theatre.

Från 1904 till 1907 drev Grenville-Barker tillsammans med dramatikern Bernard Shaw Royal Court Theatre, en del av den fria teaterrörelsen, som fokuserade på seriöst realistiskt drama.

Grenville-Barker, som främjade scenrealism, drömde om att öppna en nationalteater med en permanent repertoar, men hans försök att skapa den lyckades tyvärr inte.

Bland Grenville-Barkers verk intar föreställningar baserade på Shakespeares pjäser en viktig plats. Regissören publicerade ett 5-volymsverk "Förord ​​till Shakespeare", där han i detalj analyserade de svåraste Shakespeare-pjäserna för scenisk genomförande och gav praktiskt råd i sin produktion i den moderna teatern. Grenville-Barkers pjäser Anna Leiths äktenskap (1902), Voiseys arv (1905), Madras House (1910), Weather in Khen och andra var vida kända.

Efter första världskriget fick England ett antal tyska kolonier och en del av Mellanösterns land som tillhörde Turkiet. Den brittiska ekonomin, underminerad av kriget, började återupplivas, men detta varade inte länge. Redan 1921 började inflationstillväxten och en sänkning av befolkningens levnadsstandard.

1924 kom Labourregeringen till makten, men trots alla sina ansträngningar förändrades inte den ekonomiska och politiska situationen i landet, och de konservativa som ersatte laboriterna förvärrade situationen ännu mer. I maj 1924 började en generalstrejk i England. Anläggningar och fabriker stannade helt, järnvägar och gruvor upphörde att fungera. Regeringen lyckades avlasta spänningarna i landet under en tid, men redan 1929 bröt en svår ekonomisk kris ut.

1930-talet var också besvärligt. Hitler kom till makten i Tyskland och i England, med Baldwin och Chamberlain, som ersatte honom, startade British Union of Fascists sin verksamhet.

När andra världskriget började visade det sig att England var helt oförberedt på det. Efter nederlaget vid Dunkerque lämnade den brittiska expeditionsstyrkan kontinenten. Efter att ha ockuperat Frankrike förberedde sig nazisterna redan för att inleda en invasion av de brittiska öarna, men de förhindrades av slaget om Storbritannien, vunnet av brittiska flygplan, och sedan började fientligheter mot Sovjetunionen.

Den 26 maj 1942 undertecknade England och Sovjetunionen ett avtal om militär allians och samarbete i fredstid, men Churchill försenade under en tid öppnandet av en andra front. I slutet av andra världskriget gjorde de konservativa politiken slutligen folket besviken, och i valet 1945 vann Labourpartiet en förkrossande seger.

Den sociala situationen i landet kunde inte annat än återspeglas i det engelska dramat under första hälften av 1900-talet. Under dessa år arbetade sådana kända författare som Somerset Maugham och John Boynton Priestley i landet.

Ris. 60. Somerset Maugham

Engelske författaren William Somerset Maugham (1874-1965) ( ris. 60) föddes i Paris, i familjen till den engelska ambassadens juridiska rådgivare. Vid tio års ålder lämnades han utan föräldrar och växte upp i England av släktingar. Efter att ha blivit sjuk i tuberkulos bosatte sig Maugham i södra Frankrike och flyttade sedan till Tyskland, där han blev volontär vid universitetet i Heidelberg. I Tyskland framtida författare kom nära Ibsen

och Wagner. Det var Ibsens pjäser som väckte hos Maugham viljan att bli dramatiker.

När han återvände till England började Maugham studera på en medicinsk skola. I tre år arbetade han som sjukvårdare i en ambulans, vilket gav honom kunskap om vanliga människors liv (som en del av sitt yrke besökte Somerset Londons fattigaste kvarter). Hans roman Lisa of Lambeth, skriven 1897, berättar om slummen i London. Han gav den unga författaren den första berömmelsen. Därefter skapade Maugham ett antal romaner som ger ett brett panorama av livet i det engelska samhället (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

Teatern har alltid lockat Maugham, men det var inte lätt att nå framgång på detta område. Önskan om en realistisk återspegling av verkligheten skrämde ibland bort entreprenörer från författaren. Bidrog inte till författarens popularitet inom kommersiell konst och produktionen av hans pjäs "Man of Honor" (1903).

Till slut, 1907, lyckades Maugham iscensätta komedin Lady Frederick, som mottogs med entusiasm av publiken. Därefter öppnade teatrarna i London sina dörrar för dramatikern, och samma år, 1907, dök ytterligare tre föreställningar baserade på hans pjäser upp.

Dramatikern skapade en typ av pjäs som han kallade "smart". Den moderna verkligheten i hans verk visas genom en sammandrabbning av karaktärer, och handlingen avbryts ofta så att karaktärerna kan diskutera situationen. När han skapar sina pjäser använder Maugham ofta de tekniker som är karakteristiska för Shaws och Ibsens verk, men oftast vänder han sig till den engelska komedin från restaurationstiden. Det är från dramaturgin i tvåan hälften av XVI- Början av XVIII-talet är konsten att karaktär och intriger, närvarande i Maughams verk. I många av hans pjäser finns också ett intresse för den franska teaterns traditioner.

Maughams tidiga pjäser "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", uppsatta i Londons teatrar 1907, skrevs i stil med salongkomedi. I framtiden gick dramatikern bort från lätt satir och övergick till allvarliga realistiska dramer om "folk som vet allt". År 1913 dök Det förlovade landet upp och berättade om den stackars flickan Noras öde. Uppvuxen i en borgerlig engelsk miljö hamnar hon i Kanada, till sin bondebror. Olämplig för arbete och försöker bete sig som en dam gör hon sin brors fru arg. Men efter att ha blivit hustru till en närliggande bonde förändras Nora gradvis och när hon får möjlighet att återvända till sitt tidigare liv i London vägrar hon, och inser att hon inte längre kommer att kunna leva bland lediga och värdelösa människor.

Ämne efter kriget Engelska livet pjäsen The Hearth and the Beautiful Wife (1919) tillägnas. Första världskriget tog slut och majoren återvände hem, som alla anser vara död. Hans fru Victoria gifte sig med sin vän, även hon major. Vänner tävlar i adeln och ger varandra rätten att bo hos den vackra Victoria, men hon skiljer sig från båda och blir hustru till en spekulant som tjänade en förmögenhet på militära förnödenheter. Denna pengapåse som flydde fronten kör en Cadillac och har möjlighet att få vilken mat som helst. Både före detta make ojämförliga Victoria hävdar att de alltid gissade om hennes elakhet och girighet. Detta är den härd som britterna kämpade för i kriget.

Temat för äktenskap i det borgerliga samhället förs vidare av Maughams berömda pjäs The Circle (1919). Elizabeth, hustru till en ung politiker, är besviken på sin man och beundrar hans mamma, som hon aldrig har sett: i sin ungdom rymde hon från sin man med sin vän, Lord Proteus, som kandiderade till premiärministerposten. Men efter en sådan handling stängdes ingången till samhället för älskande, och bara Elizabeth bjöd in dem i hemlighet till sin plats. Vad var hennes besvikelse när hon istället för ett romantiskt par såg en föryngrande gammal kvinna och en illa uppfostrad, ond gubbe. Mycket blev klart för den unga kvinnan, men hon gav inte upp sin kärlek och lämnade en välmående mans hus för att följa med en ung kolonialtjänsteman till det avlägsna Malaya.

Mellan 1928 och 1933 dök ytterligare fyra Maugham-pjäser upp: The Sacred Flame (1928), The Breadwinner (1930), Military Merit (1932) och Sheppey (1933). Provinsadvokaten i dramat "För militära förtjänster" tror att rättvisa och välstånd råder i samhället, även om hans egen familj dör under trycket av omständigheterna.

Sonen Sydney kom hem från kriget blind, och en av systrarna tar hand om honom, även om det tynger och plågar henne. Hon drömmer om att förena sitt öde med en man som också nyligen återvänt från fronten, men hennes fästman, som inte kan hitta sig själv i detta samhälle, begår självmord och den olyckliga flickan tappar förståndet. Hennes syster blir hustru till en demobiliserad officer - en arrogant och ouppfostrad person. Den tredje dotterns öde är också tragiskt. Hon försöker fly från en dyster situation och flyr hemifrån med en förmögen spekulant som har gjort sin förmögenhet på smutsiga transaktioner. Kriget bröt ödet för alla familjemedlemmar. Sidneys ord är fyllda av bitterhet: ”Jag vet att vi alla har varit marionetter i händerna på mediokra dårar som styrde våra länder. Jag vet att vi alla har offrats för deras fåfänga, girighet och dumhet. Och det värsta är att de, så vitt jag förstår, inte har lärt sig någonting.”

Historien om huvudpersonen från dramat "Sheppy" är sorglig. Sheppey, en medelålders frisör, blev stolt ägare till en stor vinst.

Han drömmer om att hjälpa de behövande, men hans dotter och hennes fästman tror att dessa pengar kommer att hjälpa dem att komma in i storpolitiken och söka erkännande av Sheppey som galen.

Den icke-kommersiella konstproduktionen av Sheppey misslyckades, och Maugham bestämde sig för att lämna pjäsförfattarskapet och aldrig återvända till att arbeta för teatern.

Ris. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( ris. 61) föddes i staden Bradford (Yorkshire), i en lärares familj. 1914 blev han student vid Cambridge University, men i och med första världskrigets utbrott anmälde han sig frivilligt till fronten. Priestley avslutade sina studier vid universitetet efter krigets slut. Han blev snart berömd som essäförfattare, såväl som litteraturvetare och kritiker. Romanen The Good Companions, som skrevs 1929, introducerade läsaren för kringvandrande skådespelares liv, gav Priestley stor framgång. Den första och ovanligt framgångsrika upplevelsen av författaren inom drama var pjäsen "Dangerous Turn", iscensatt 1932.

Precis som Maugham kunde Priestley exakt förmedla mänskliga typer och skapa intriger. Samtidigt är hans pjäser mer problematiska än Maughams och Shaws verk.

I "A Dangerous Turn" avslöjar Priestley, liksom Maugham, vad som döljer sig bakom livets yttre välmående. Det som dyker upp bakom lagren av lögner och bedrägeri är verkligen fruktansvärt. Dramatikern bygger pjäser efter principen om "stängt rumsdetektiv". Ett mord har begåtts i en snäv krets av nära bekanta, alla är misstänkta och samtidigt blir de alla amatördetektiver.

Så småningom lindas en kedja av avslöjanden upp, som startas av oavsiktligt släppta ord på en fest hos förlaget Robert Kaplan, som får veta att hans älskade bror Martin var en sexgalning och inte begick självmord, som man officiellt trodde, utan dödades av en kvinna . Nästan alla hans släktingar var inblandade i hans död. När Robert fick veta den fruktansvärda sanningen tog han sitt liv. Men detta är bara en hypotetisk version av händelserna. Det efterföljande mörkret försvinner, och atmosfären från första akten dyker åter upp framför betraktarens ögon. Karaktärerna för samma konversation, och frasen som fungerade som början på exponeringen utvecklas inte. "Farlig sväng" passerade säkert, fortsätter festen. Men vad som egentligen döljer sig bakom livets lugna gång är redan känt för betraktaren.

1937 dök Priestleys pjäs Time and the Conway Family upp, där författaren använder sig av händelseförloppstekniken. Handlingen börjar 1919 med en familjesemester. En vänlig och rik familj firar Kates födelsedag. Flickan är tjugoett år gammal, hon är full av hopp om en lycklig framtid och drömmer om att bli författare.

Den andra akten hänvisar till 1937. Karaktärerna är desamma, men de är alla olyckliga. En fest som ägde rum för många år sedan var en händelse som vände familjens liv i den riktning som ledde alla dess medlemmar till ett sorgligt resultat.

Tredje akten hänvisar återigen till 1919, men nu för tittaren, som har fått veta vad som hände många år senare, verkar familjefesten inte glad och glad.

Priestley tog också upp tidsmotivet i sina ytterligare pjäser: "I was here before" (1937), "Music at night" (1938), "Johnson beyond the Jordan" (1939). För att göra karaktärsdragen djupare placerar författaren dem i en ovanlig miljö, som avslöjar det som tidigare var dolt inte bara för andra, utan också för dem själva.

I ett antal pjäser använder Priestley djärva experiment. Sålunda, i dramat "Från Paradise Times" (1939), som utspelade sig på teatrarnas scener i många europeiska länder, kommer skådespelarna in i karaktären mitt framför ögonen på publiken och byter till och med roller.

Den engelske dramatikern värderade Tjechovs arbete högt. Hans inflytande är tydligast i pjäsen "Eden End" (1934). Eden End, som påminner om Tjechovs Körsbärsträdgården, berättar historien om en kvinna som rymde från sina föräldrars hus för många år sedan för att bli skådespelerska. Nu återvände hon till sin fars lugna och bekväma hem och drömde om att känna sig lycklig igen. Men det förflutna kan inte återlämnas, och karaktärerna i pjäsen, hur mycket de än skulle vilja det, kan inte börja ett nytt liv.

Komedi intar en viktig plats i Priestleys dramaturgi. I denna genre skapade författaren ett antal ovanligt kvicka verk som kritiserar samhällets liv. Hans komedier var extremt populära i europeiska länder, men gav inte mycket framgång för dramatikern i hans hemland.

Komedin The Rocket Grove (1933) var vida känd. En omärklig och blygsam ägare till ett litet pappersvarulager erkänner plötsligt för sin familj att han faktiskt leder ett gäng förfalskare. Släktingar, som har hört talas om detta, visar honom all respekt, även om de tidigare behandlade honom med förakt. De tror alla att han inte är värre än de stora finansmagnaterna som gjorde honom i konkurs under den ekonomiska krisen och gjorde honom till en brottsling.

Vissa komedier vittnar om Priestleys intresse för livet för företrädare för vissa yrken (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

Pjäsen "Bin ombord på ett skepp" (1936) skiljer sig något åt, som författaren själv kallade "en farsartad tragedi i två akter" och "en politisk satir i farsform". Besättningen, övergiven på en oceanångare som övergavs av dess ägare till sitt öde under den ekonomiska krisen, försöker rädda sitt skepp från alla möjliga mordförsök. I finalen dör skeppet av en explosion organiserad av företaget - ägaren till linern.

Priestleys dramautopi "They Came to the City" (1943), inspirerad av den utopiska romanen, är också ovanlig. engelsk konstnär och författaren William Morris's News from Nowhere, or the Age of Happiness (1891). Hjältarna i Priestleys pjäs bor i en stad där det inte finns någon privat egendom, de är glada och glada. Med hjälp av tekniken "förskjutning i tid" introducerar författaren i pjäsen karaktärer från olika skikt av det moderna engelska samhället, som på olika sätt uppfattade den ovanliga staden och dess invånare.

Ytterligare två pjäser av Priestley mottogs med stort intresse: The Inspector Came (1945) och The Linden Family (1947).

I den första pjäsen använder dramatikern återigen sin favoritteknik att "skifta i tiden". Industrimannen Berlings familj är på väg att fira sin dotters trolovning. Plötsligt dyker en polisinspektör upp i huset som utreder självmordet på en flicka som heter Eva Smith. Det visar sig att alla familjemedlemmar är skyldiga till hennes död. Beurling sparkade henne från sitt företag, hans dotter såg till att Eva sparkades ut ur butiken och hennes fästman förförde och lämnade den olyckliga. Till råga på allt såg Burlings fru, som hade inflytande i välgörenhetsorganisationen, till att flickan vägrades hjälp.

Efter att ha fått reda på allt går inspektören, och familjen Berling, förvånad över att deras handlingar hänvisar till samma flicka, börjar ringa sjukhuset och polisen. De får veta att det inte förekom några fall av självmord, och inspektören med det namnet arbetar inte för polisen. Berlingarna lugnade ner sig, men, som det visade sig, för tidigt. Plötsligt ringde telefonen och familjens överhuvud informerades om att en flicka som tidigare arbetat i hans fabrik hade dött på sjukhuset, och en polisinspektör kom för att klargöra omständigheterna kring dödsfallet.

På 1950-talet fortsatte Priestley att arbeta med pjäsförfattare, men han kunde inte längre skriva något betydande.

Ett stort bidrag till utvecklingen av engelsk dramatik gjordes av poeten Thomas Stearns Eliot (1888-1965) (Fig. 62), som drömde om att skapa ett nytt poetiskt drama baserat på traditionerna från antik och medeltida konst.

Ris. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot föddes i USA. 1910 kom han till Europa för att studera vid Sorbonne. Hans bildning som författare skedde under inflytande av modernistiska riktningar som dök upp i början av seklet. Eliot var missnöjd med den moderna borgerliga kulturen och vände sig i sitt sökande till nyklassicismen, baserad på antikens och medeltidens traditioner.

Eliots övergång från text till drama hänger samman med hans brinnande önskan att förmedla "true spirituality", humanismens ideal till fler människor. Detta mål eftersträvas av alla hans pjäser som dök upp på 1930-talet och sedan på 1940- och 1950-talen (Mord in the Cathedral, 1935; Family Reunion, 1938; Cocktail Party, 1949; Private Secretary), 1953; "Den äldre statsmannen" 1958).

Frågan om en persons personliga ansvar för allt som händer i världen lyfts av pjäsen "Mordet i katedralen", som var ett levande exempel på Eliots poetiska tragedi. När han skapade sitt verk i fredstid, verkade dramatikern förutse det kommande världskriget, innan det fortfarande var fem år kvar.

"Mord i katedralen" var tänkt att visas på Canterburyfestivalen, där andra verk som berättade om Thomas Beckets öde, ärkebiskopen av Canterbury, som levde på 1100-talet, presenterades. Becket hjälpte Henrik II att kämpa för en centraliserad monarki, men blev senare en motståndare till kungen, vilket han betalade med sitt liv. Efter sin död helgonförklarades ärkebiskopen av kyrkan som helgon. Beckets personlighet orsakar fortfarande kontroverser bland historiker och författare. Eliot presenterade sin hjälte som en man vars handlingar drevs av önskan om hög andlighet, varför han kämpade mot monarkens och hans undersåtars basintressen. Genom att acceptera martyrdöden tog Becket på sig mänsklighetens synder och öppnade vägen för människor till humanism och sanning.

Pjäsen, som kombinerar poetiskt språk med prosa, bygger inte bara på historiskt material, utan också på 1930-talets realiteter. Talen från riddarna som dödade ärkebiskopen liknar alltså extremhögerns tal med hot om en "natt med långa knivar" till alla som inte håller med om deras idéer.

De största företrädarna för engelsk vänsterdramaturgi var poeten Whiston Hugh Auden (1907-1973) och romanförfattaren Christopher Isherwood (född 1904), som gjorde ett försök att skapa ett modernt poetiskt drama baserat på traditionerna i det engelska musikhuset. .

1933 skrev Auden pjäsen Dödsdansen, som förutspådde slutet på det moderna borgerliga samhället. 1936 sattes den upp av regissören Rupert Doone på scenen av Londons Group Theatre. I framtiden arbetade dramatikern i samarbete med Isherwood.

Auden och Isherwoods pjäs The Dog Under the Skin (1935), uppsatt 1936, möttes av intresse. Detta verk, som innehöll inslag av parodi, högpoesi, agitprop, sagor, expressionism, hade samtidigt en stilenhet.

Varje år skickar byborna i Pressen Embo en av de unga männen på jakt efter Sir Francis, arvingen till godset som plötsligt har försvunnit. Turen kom till Alan Norman, en ärlig och enkel man. Tillsammans med honom återhämtar sig hunden Francis, som bor i en eller annan familj. Resenärer besökte många länder och träffade olika människor, men arvtagaren hittades aldrig. Alan hade redan bestämt sig för att överge ytterligare sökningar när han upptäckte att hans hund var den eftersökte Sir Francis. Hundskinnet hjälpte honom att lära sig mycket, att förstå hur ruttna de sociala grunderna var. När Francis återvände till sin by såg han att fascismens idéer i den segrade över alla andra. Tillsammans med en grupp ungdomar lämnar arvtagaren för att kämpa mot orättvisor och ondska.

Av stort intresse är Auden och Isherwoods pjäs On the Border (1938), full av symbolik, som berättar om två familjer som bor i samma rum. Mellan dem ligger en osynlig linje som har gjort dem till två stridande parter. Bland karaktärerna i pjäsen finns unga älskare som tillhör dessa familjer, förenade först efter döden, cynikern, som förklarar fascismens natur (chefen för stålförtroendet), och ledaren, demagogen, som matas av Cyniker.

Därefter avvek Auden och Isherwood från sina tidigare idéer. 1966 sattes Isherwoods roman Farväl till Berlin (1939), som berättar om Tyskland innan nazisterna kom till makten, upp i musikalen Cabaret, och 1972 - den berömda filmen med samma namn.

Första världskriget och tiden före det förstörde systemet av teatraliska företag som hade bildats redan på 1800-talet, ledda av skådespelarna G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander. Den kommersiella teatern i West End kom i förgrunden i Englands teaterliv och erbjöd människor som var trötta på kriget glada och spektakulära spektakel. Farser, melodramer, lätta komedier, såväl som musikshower var mycket populära.

Situationen i teatervärlden har inte ändrats efterkrigsåren. Ljusa genrer rådde fortfarande på scenen, och allvarliga pjäser av Strindberg, Ibsen, Tjechov kunde bara ses på scenerna på små Londonteatrar (Evryman, Barnes) och teaterklubbar. Den amerikanske kritikern T. Dickinson skrev om den tidens engelska teater: ”De brittiska öarna är politiskt isolerade. Den engelska teatern befinner sig i liknande isolering. På 1920-talet visade sig teatern i Storbritannien i stort sett oförmögen att svara på de djupa impulser som styrde teatern på kontinenten.

Den engelska ungdomen, som förkastade traditionerna från den viktorianska eran och strävade efter ett amerikaniserat sätt att leva, var uttråkade med Shakespeare, vars dramer hade försvunnit från West End-scenen.

Föreställningarna av Cambridge Festival Theatre, ledd av Terence Gray 1926-1933, blev riktiga parodier på den store Shakespeare. Så i The Merchant of Venice levererade Portia sin berömda monolog om barmhärtighet med en uttråkad blick, en helt uttryckslös röst, och domarna som satt framför henne gäspade. Adelsmännen i Henry VIII, iscensatt av Gray, är klädda i kostymer av kortknektar och damer, och istället för några karaktärer såg publiken mock-ups av spelkort.

Det är intressant att engelska regissörer på den tiden, för att förneka klassikerna, ofta vände sig till komedin från restaureringseran. Bland dem var känd skådespelare, regissör och ägare till Lyric Theatre i London, Nigel Playfair, som satte upp ett antal gamla komedier. På Lyrica-scenen sattes också upp föreställningar baserade på pjäser av komiker från 1700-talet, tolkade i tidens anda. Till exempel tappade John Gays Beggar's Opera, som inte lämnat den lyriska scenen på tre år, sitt satiriska fokus och förvandlades till ett lätt, muntert skådespel. I Playfairs tolkning representerade Gays pjäs en sorglös och glad tidsålder, vars atmosfär hjälptes till att förmedla de ljus som tändes i aulans ljuskronor, perukerna från teaterorkesterns musiker samt Händels och Purcells musik. . N. Marshall beskrev mycket noggrant Playfairs stilistiska skicklighet som regissör: "I den tidens stillösa engelska teater gav han ett exempel på en elegant och holistisk scenstil."

Stjärnan i Lyric Theatre var skådespelerskan Edith Evans (1888-1976), som började med rollerna som unga komedihjältinnor under restaureringen. Stora framgångar 1924 gav henne bilden av Milliment i pjäsen "Så gör de i världen" baserad på pjäsen av Congreve. Milliment är, precis som Sallen i Farkers "Cunning Plan of the Dandies", en ovanligt gladlynt och graciös varelse, som strävar efter att känna till livets alla glädjeämnen.

Bernard Shaws pjäser, som spelades på scenerna i West End och i experimentella små teatrar, fick stor framgång hos den engelska publiken på 1920-talet. St. Joan, uppsatt på Nya Teatern, gav skaparna en enorm kommersiell framgång. Föreställningen lämnade inte scenen på länge och stod emot mer än tvåhundrafyrtio föreställningar. Rollen som Jeanne spelades av den berömda tragiska skådespelerskan Sybil Thorndike (1886-1976).

Rollen som Jeanne var avsedd för Sybil Thorndike av Bernard Shaw själv. Han repeterade med henne och andra skådespelare och försökte imponera på idén att de spelade en modern pjäs och inte ett kostymdrama tillägnat det förflutna. Sybil Thorndike spelade en hjältinna vars huvuddrag inte var romantik, utan ett nyktert sinne och moralisk styrka. När man tittade på Zhanna förstod publiken att denna enkla bondflicka, som bevisade sig själv i sedan länge borta strider, kunde bli hjältinnan i det moderna första världskriget.

I slutet av 1920-talet i teaterkretsar idén föddes att hålla årliga festivaler med pjäserna av Bernard Shaw i den lilla staden Malvern. Den första Malvern-festivalen ägde rum i början av 1929 och inleddes med Shaws pjäs The Apple Cart. Roll huvudkaraktär skådespelerskan Edith Evans spelade i denna föreställning. Festivalen varade fram till andra världskrigets utbrott.

Barry Jackson (1879-1961), som ledde Birmingham Repertory Theatre, spelade en stor roll i att organisera Malvern-festivalen. Denna teater öppnades 1913, ungefär samtidigt som repertoarerna i Bristol, Manchester, Liverpool. Till skillnad från kommersiella, hade de en fast trupp och satte upp allvarliga, problematiska pjäser. På scen i Birmingham repertoarteater det var föreställningar baserade på verk av D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser och, naturligtvis, B. Shaw. 1923 satte Barry Jackson upp sin pentalogi Tillbaka till Methuselah, där kända London-skådespelare, inklusive Edith Evans, spelade tillsammans med representanter för Birminghams teatertrup. Shaw deltog också i repetitionerna.

1925, i London, visade Barry Jacksons trupp "Hamlet" (regissör - G. Eilif). Londonpubliken har aldrig varit så förvånad: Hamlet var klädd i en träningsoverall, Laertes i Oxford-byxor kom upp på scenen med en resväska med ett ljust klistermärke: "Passenger to Paris." Polonius bar en frack och Claudius bar en morgonrock av scharlakansröd siden. Kungens hovmän spelade bridge och drack whisky. Det danska riket har förvandlats till det moderna England med sina väletablerade traditioner. Det var in i denna gamla hycklande värld som Hamlet gick in med sin sanning, hämtad från första världskrigets skyttegravar.

På 1920-talet dök Tjechovs pjäser upp på teatrarnas repertoar i England. En betydande roll för att bekanta den engelska publiken med Tjechovs verk spelades av regissören Fjodor Komissarzhevsky (1882-1954), som 1925 bjöds in av entreprenören Philip Ridgway till Barnes Theatre. Den första föreställningen som sattes upp av en rysk regissör på Barnes scen var Ivanov ( ledande roll den utfördes av R. Farkerson). Sedan sattes Three Sisters (1926) upp, tolkad av Komissarzhevsky som ett romantiskt upphöjt och utomordentligt poetiskt skådespel. Regissören använde ljus ljus och färgeffekter, ovanliga för Tjechovs stil. Samma år, 1926, såg publiken på "Barnes" ytterligare två Tjechovs dramer - "Farbror Vanya" och "Körsbärsträdgården".

På de åren Tjechovs pjäser sattes upp endast på små teatrar, och först på 1930-talet kunde de se nästan hela den engelska publiken. Samtidigt dök en hel galax upp i landet begåvade skådespelare. Tillsammans med 1920-talets stjärnor (Sybil Thorndike, Edith Evans, etc.) glänste Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness på den engelska scenen. Man kunde se dem spela främst på Old Vic och Gielguds företag på New och Queens teatrar.

Old Vic, som ligger på Waterloo Road, öppnades på 1800-talet, men blev allmänt känt före första världskriget. 1918-1923 uppfördes Shakespeares pjäser på dess scen, där de bästa engelska skådespelarna spelade, som tackade nej till West Ends höga avgifter för den riktiga konstens skull. Edith Evans var inbjuden till alla teatrar i West End, men hon föredrog en liten lön på Old Vic. I Shakespeares pjäser spelade hon många roller, inklusive Katarina, Viola, Rosalind.

Shklovsky Viktor Borisovich

författare Vasiliev, (konstkritiker) Alexander Alexandrovich

Från bok Vardagsliv Moskvas suveräner på 1600-talet författare Chernaya Lyudmila Alekseevna

Engelsk översättarens förord ​​Historiska dokument som förklarar de grundläggande begreppen förknippade med bushido (begreppet "bushido", som "samurai", har kommit in i västerländska språk som ett lånord som betecknar "nationell, särskilt militär, Japans anda; traditionellt

Från boken Moscow Addresses av Leo Tolstoy. Till 200-årsdagen av det fosterländska kriget 1812 författare

En engelsk klassisk roman om hur Fielding använde erkännande för att få sin roman till ett framgångsrikt slut. Hur skiljer sig detta erkännande från erkännandet av forntida dramatik?Människor i världen är inte jämställda - vissa var rika, andra var fattiga, alla var vana vid detta. Det fanns i

Från boken Moskva under Romanovs. Till 400-årsdagen av Romanovdynastin författare Vaskin Alexander Anatolievich

Engelsk melange Jag kom först till London 1983. På den tiden, längs Kings Road i Chelsea, strövade fantastiska punkare, höstlöv blandat med regn sjöng något från Britten till oss, dubbeldäckade röda bussar ekade den klassiskt tråkiga röda telefonen

Från boken Folktraditioner i Kina författare Martyanova Ludmila Mikhailovna

Teater Den första hovteatern, som fanns 1672-1676, definierades av tsar Alexei Mikhailovich själv och hans samtida som ett slags nymodigt "kul" och "coolhet" i bilden och likheten med teatrar av europeiska monarker. Teatern vid det kungliga hovet dök inte upp omedelbart. ryssar

Från bok 5 O'clock och andra traditioner i England författare Pavlovskaya Anna Valentinovna

Från författarens bok

The Sprout of Civil Society: The English Club "Concordia et laetitia" Det var under Catherine-eran som den engelska klubben uppstod i Moskva, det hände 1772. Eftersom klubbar som ett fenomen i det sociala livet i Ryssland var resultatet av uteslutande västerländskt inflytande, är det ganska

Den första teatern i London, som kallades Theatre, öppnades 1577 av skådespelaren James Burbage i Shoreditch. Några månader senare öppnades en andra teater i närheten, kallad Gardinen. Snart organiserade Burbage och hans son Thomas, som blev mer känd än sin far, Black Brothers Theatre - för att hedra den monastiska dominikanerorden, eftersom scenen var inställd i det gamla klostrets matsal. Men alla teatrar attackerades ständigt av Londons myndigheter, som förbannade dessa anläggningar som en djävul till helvetet och en källa till olycka, en plats för sysslolöshet och utsvävningar, en samling ondskefulla människor upphetsade av åsynen av pojkar i kvinnokläder – med andra ord en plats för den som hellre av trumpetens ljud rusar för att se en pjäs än att höra en predikan till ljudet av en klocka.

I Southwark hade skådespelarna mer viljestyrka än i staden, där teatrarnas liv var kraftigt begränsat av de regler som myndigheterna fastställt. Dessutom kunde Tula lätt nås med båt eller bro. Vid tiden för stängningen av klostren blev en del av Southwark, som tidigare hade tillhört klostret Bermondsey och den heliga Jungfru Marias kloster, kungens egendom. År 1550 såldes det till staden för omkring tusen pund. Endast två tomter förblev osålda, som låg utanför stadens jurisdiktion. På det ena stod ett fängelse, det andra kallades ("Paris trädgård"); det var på dessa två platser som teatrar dök upp på drottning Elizabeths tid, fria från Londons förbud och censur. I Rose Theatre, byggd 1587, sattes Marlowes pjäser upp för första gången, och Edward Alleyns talang blomstrade på scenen här. Sedan kom teatrarna "Svanen" (1596), "Globen" (1599; en tiondel av den tillhörde Shakespeare) och 1613 - "Hope".

Londonbor lockades till dessa och andra teatrar av högljudda trumpeter och vajande flaggor. Pengar samlades in från besökare direkt på teatern och placerades i en speciell låda, som sedan låstes in i ett litet rum - kassan (i "kassaskåpet"). Åskådarna satt i fåtöljer ordnade i våningar runt scenen, eller på bänkar precis på scenen, och föreställningen började med sina höga utrop. Skådespelare spelade sina roller och publiken avbröt dem med indignerade eller bifallande rop, förolämpningar eller beröm. Detta fortsatte till slutet av akten, varefter scenen fylldes av dansare, jonglörer och akrobater; köpmän med brickor och korgar inklämda längs gångarna mellan åskådarplatserna, säljer pajer, frukter, örtmediciner, häften; män var trevliga mot kvinnor. Teaterarbetare rökte ofta, luften fylldes av tobaksrök, trästolar fattade ofta eld och publiken rusade till dörrarna. brann ner samma år som Nadezhda öppnade; endast en person skadades i processen - hans byxor fattade eld, men han släckte dem snabbt genom att hälla upp öl från en flaska.

Nära teatrarna fanns trädgårdar med björnar, arenor för att bete en bunden tjur med hundar, grunder för tuppfäktningar, som lockade en mångsidig publik - rika och fattiga, ädla och vanliga människor. Efter att ha njutit av uppträdandet av Othello eller Edward II, gick publiken nästa dag för att se björnen bli betad av hundar i Paris Garden, stridstupparna, som, efter att ha släppt sina sporrar, täckte arenas sand med blod och fjädrar, hundarna som flyger långt från slag av galna tjurar (hundar fångades i flätade fällor för att de inte skulle bli förlamade när de föll och kunde fortsätta slåss), på människor som hackade med svärd, skar av varandras öron och fingrar under det högljudda godkännandet av folkmassan.

teatrar i West End

Utsikten på gatorna i West End har förändrats dramatiskt. Många byggnader från XVIII-talet. rekonstruerades både ute och inne i enlighet med tidens smak. På Grafton Street (nuvarande Helena Rubinsteins salong) visade Mrs Arthur James upp sin rikedom med en imponerande renovering av ett hus designat på 1750-talet. Sir Robert Taylor.

Många byggnader byggda i georgiska, Regency och viktorianska stilar, födde nya teatrar som Duke of York's Theatre, Ny teater, The Rock, Palladium, Gaiety, Her Highness Theatre, London Pavilion, Palace, Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe ”, ”Queens” och ”Coliseum”. Alla byggdes under de sista tio åren av drottning Victorias regeringstid och nio år av Edward själv.

Hundratals gamla byggnader revs för att ge plats åt butiker, storslagna shoppinggallerior med överdådiga fönster i plattglas och mahognydörrar inlagda med mässing. 1901 började terrakottaväggarna i Harrods General Store på Brompton Road att resa sig. Det följdes snabbt av byggandet av nya gatubutiker i överdriven barockstil, som Wearing and Gillows (1906), kolossala i storlek, i synnerhet den ståtliga byggnad som köpmannen började bygga 1909 Harry Selfridge från Wisconsin.

När Selfridges butik stod färdig hade Regent Street förändrats helt; Aldwych Loop korsade labyrinten av gatorna norr om Stranden mittemot Somerset House, kantades av monumentala byggnader och Kingsway Street sträckte sig norrut till Holborn.

Dramatisk konst i Storbritannien dök upp för länge sedan. Det härstammar från gatuföreställningar som hölls på kyrkliga helgdagar och fungerade som ett slags moraliserande. Under renässansen får alla konstområden en mer sekulär karaktär och går bort från religiösa teman. Det var vid denna tid som teatern, revolutionerande på den tiden, dök upp, där W. Shakespeare, nu känd för hela världen, satte upp pjäser.

Den moderna utvecklingen av teatern strävar efter den yttersta realismen i alla dess sfärer, och omprövar även klassiska handlingar. Nu förvånar Englands teatrar inte bara med intressanta föreställningar, utan också med original arkitektur, såväl som ovanliga regissörsbeslut.

Om du planerar en resa till London, se till att besöka Piccadilly Theatre. Den har funnits i mer än åtta decennier och gläder kännare av teaterkonst inte bara med moderna, utan också med traditionella klassiska produktioner.

En av de äldsta teatrarna i London är Aldwych Theatre, som har samlat hela staden runt sig i över ett sekel. Sådana framstående skådespelare som Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone och andra uppträdde en gång på dess scen.

Fans av ljusa musikuppträdanden Värt att besöka är New London Theatre. Det var musikalerna som gav den ganska unga teatern på 70-80-talet av förra seklet verklig berömmelse bland ungdomar. Fram till nu gläder han publiken med uppträdanden på världsnivå, med levande scenframträdanden och bra musik.

En annan teater i London, känd för föreställningar i stil med en musikal och komedi, är Shaftesbury Theatre. För inte så länge sedan firade han sitt hundraårsjubileum - teaterns arbete slutade inte ens under andra världskriget. Byggnaden av denna teater förtjänar särskild uppmärksamhet på grund av dess ovanliga gamla design.

Bland moderna teatrar London sticker ut Pinkock Theatre. Den tål tillräckligt konkurrens med gamla teatrar på grund av dess innovativa inställning till klassisk dramaturgi. Scenen använder ofta element av modernt streetdans och till och med akrobatiska siffror för att förstärka pjäsens effekt.

Byggnaden av Grand Opera i Belfast imponerar med sin skönhet. Byggt tillbaka på 1800-talet, är det inte bara ett arkitektoniskt landmärke i orientalisk stil, utan gläder också teaterfans med sin klassiska repertoar och utmärkta akustik.

Huvudcentrum för dramatisk konst i Storbritannien kallas kunglig teater Drury Lane. Den ligger i London och spelade en viktig roll i utvecklingen av teatern i landet. Under dess existens lyckades många framstående skådespelare besöka dess scen.

Ett annat arkitektoniskt monument i Storbritannien är Her Majesty's Theatre. Teatern skapades i början av 1700-talet och i slutet av 1800-talet flyttade den till en stor ny byggnad, där den fortfarande ligger. Det är av stort historiskt och kulturellt värde, och den klassiska repertoaren kommer att tilltala alla älskare av denna konstform. Denna teater ligger i London, i västra Westminster.

City Department of Education vid administrationen av Polysaevo

Informations- och metodcentrum

Kommunal läroanstalt

"Grundskola nr 35"

Teaterns historia i Storbritannien

forskningsrojekt

Polysaevo 2007

City Department of Education vid administrationen av Polysaevo

Informations- och metodcentrum

Kommunal läroanstalt

"Grundskola nr 35"

Teaterns historia i Storbritannien

Daria Putintseva,

Föreslagen forskning innehåller en beskrivning av teaterns historia i Storbritannien. Forskningsprojektet präglar den engelska teatern från medeltid till nutid, dess riktningar och tendenser. Verket spårar bildandet och utvecklingen av de viktigaste teatraliska trenderna, den teatrala kampens originalitet på olika stadier av historisk utveckling. Särskild uppmärksamhet ägnas åt frågan om den engelska teaterns nationella särdrag.

Teaterns historia i Storbritannien: forskning / . - Polysaevo: Informations- och metodologiskt centrum, 2007.

Förklarande anteckning

Målet med arbetet: bekantskap med en främmande kultur.

Arbetsuppgifter: utöka kulturell kunskap om Storbritannien.

Engelsk teater är en integrerad del av världskulturen. De bästa traditionerna för nationell engelsk konst har berikat världsteatralprocessen. Arbetet av engelska skådespelare, regissörer och dramatiker vann kärlek och erkännande långt utanför Englands gränser.

Arbetet av skådespelare, regissörer, dramatiker i Storbritannien har länge åtnjutit erkännande och kärlek i Ryssland.

Teaterns historia har länge förknippats med mänsklighetens historia. Från den första sidan av historien, när mänskligheten minns sig själv, minns den också teatern, som har blivit dess eviga följeslagare.

Älskar du teatern lika mycket som jag älskar den? - frågade vår store landsman Vissarion Belinsky sina samtida, djupt övertygad om att en person inte kan annat än älska teatern.

Älskar du teater? Med samma fråga för mer än 20 århundraden sedan kunde de stora fäderna till den antika teatern Aischylos och Sofokles, Euripides och Aristofanes ha vänt sig till sina åskådare, som fyllde stenbänkarna i de enorma amfiteatrarna i det fria i Hellas.

Efter dem, redan under andra århundraden, kunde andra historiska epoker, med liknande dragningskraft till sin samtid, vända Shakespeare och Ben Jonson i England. Och alla av dem frågade sin tids människor: "Gillar du teatern?" - skulle ha rätt att räkna med ett jakande svar.

Engelsk teater, litteratur, musik är en integrerad del av världskulturen. Den engelska kulturens bästa traditioner har berikat den världskulturella processen, vunnit kärlek och erkännande långt utanför Englands gränser.

Engelska dramatikers arbete har länge åtnjutit erkännande och kärlek i Ryssland. De största skådespelarna i den ryska teatern spelade i Shakespeares tragedier.

I den engelska kulturhistorien urskiljs följande huvudperioder: medeltiden, renässansen, 1600-talet, 1700-talet (upplysningstiden), 1800-talet (romantik, kritisk realism), perioden i slutet av 1800-talet - tidigt 1900-tal (1871 - 1917) och 1900-talet, där två perioder urskiljs: 1917 - 1945. och 1945–nutid.

tidig medeltid ( V – XI århundraden)

På 600-talet f.Kr. invaderades de brittiska öarna av kelterna. Under 1:a århundradet e.Kr. erövrades Storbritannien av romarna. Det romerska imperiets styre fortsatte fram till 500-talet, då anglosaxarna och juterna invaderade Storbritanniens territorium. De anglosaxiska stammarna tog med sig sitt språk, sin kultur och sitt sätt att leva till de brittiska öarna.

Den medeltida teaterns historia är historien om idealistiska, religiösa livsåskådningars kamp med folkets realistiska världsbild.

Under många århundraden i livet för folket i det feodala Europa bevarades traditionerna för hedniska rituella festligheter, som innehöll element av teatralisering: sammandrabbningen mellan vinter och sommar, majspelen, där sketcher framfördes med deltagande av kungen och Maj drottning osv. etc. Trupper strövade omkring i Europa folkliga nöjen - histrioner. De visste hur man gör allt: sjunga, dansa, jonglera, agera. Genom att spela komiska scener roade de ofta inte bara publiken, utan förlöjligade också de som förtryckte och förtryckte vanliga människor. Därför förbjöd kyrkan rituella spel, förföljde histrioner, men var maktlös att förstöra folkets kärlek till teaterföreställningar.

I ett försök att göra gudstjänsten - liturgin - mer effektiv, börjar prästerskapet själva använda teaterformer. Den första genren av medeltida teater dyker upp - liturgiskt drama (IX-XIII århundraden). Under liturgin spelade prästerna ut berättelser från den heliga skriften. Med tiden tas framföranden av liturgiska dramer ut från kyrkan till verandan och kyrkogården.

XI – XV århundrade

På 1000-talet erövrades de brittiska öarna av normanderna. Detta bidrog till det franska inflytandet på kulturlivet i landet.

Under XIII-XIV-talen. visas och ny genre medeltida teaterföreställning – mirakl ("mirakel"). Underverken är lånade från legenderna om helgonen och jungfru Maria.

Toppen av medeltida teater – mysterium . Den utvecklas under XIV-XV århundradena, under de medeltida städernas storhetstid. Mysterier spelas på stadens torg. Representationen av mysteriet var massiv - och enligt antalet deltagare var Allegory" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> allegorisk. Moralkaraktärer personifierade vanligtvis olika mänskliga egenskaper, hans laster och dygder .

Moralens hjälte är en person i allmänhet. "Every man" - det var namnet på den engelska moralen i slutet av 1400-talet. I denna pjäs dök Döden upp för varje person och kallade honom på en "lång resa", vilket gjorde att han kunde ta med sig vilken följeslagare som helst. En person vände sig till vänskap, släktskap, rikedom, men vägrades överallt. Styrka, skönhet, förnuft, fem sinnen gick med på att följa med en person, men vid kanten av graven lämnade de honom alla. Bara Good Deeds hoppade i graven med honom. Moraliten övergav bibliska ämnen, men behöll religiös uppbyggelse.

Fars - den första genren av medeltida teater som bröt med religiös moral. Farsen, en glad och satirisk genre, förlöjligade det feodala samhällets sociala, politiska och moraliska begrepp. Dåraktiga riddare, giriga köpmän, vällustiga munkar agerar i farsen. Men den sanna hjälten i denna genre, av alla inte särskilt anständiga, men alltid roliga, farsartade intriger, är en glad skurk från vanligt folk. I en fars har den som överlistade alla rätt.

Upplevelsen av farsartade föreställningar användes i stor utsträckning av teatern under efterföljande epoker. Shakespeares komedier anammade inte bara farsens buffliga metoder, utan också den anda av folkligt fritänkande som fyllde den.

Renässans

I XV - XVI århundraden V europeiska länder det sker en "progressiv störst omvälvning av allt som mänskligheten upplevt fram till den tiden", - övergången från den feodala medeltiden till den nya tiden, präglad av inledande period kapitalismens utveckling. Denna övergångstid kallades renässansen, eller renässansen.

Det var eran av uppkomsten av en ny kultur, brytning med religiösa dogmer, eran av den snabba utvecklingen av konst och litteratur, som återupplivade antikens ideal. Stora möjligheter för aktiva kreativ aktivitet. I denna era sker bildandet av nationell kultur.

1500-talet i England var dramatikens storhetstid. Den engelska teatern svarade på populära intressen och var ovanligt populär i en atmosfär av nationellt uppsving. I slutet av 1500-talet fanns det ett tjugotal teatrar i London; bland dem var James Burbage Theatre och Philip Hensloe Theatre särskilt kända. Utvecklingen av teaterkulturen gick inte utan svårigheter, det största hindret var puritanernas handlingar, som ansåg att teatern var en "demonisk" affär.

Dramatiker på den tiden var Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe och andra.

Pjäserna av Beaumont (1584-1616) och Fletcher (1579-1625) karaktäriserar en annan era i den engelska teaterns historia. De försökte aristokratisera teatern, införa en viss sofistikering och anständighet i scenframträdanden. Ädla, monarkistiska idéer blir föremål för särskild uppmärksamhet i Beaumont och Fletchers teater. Uppmaningar om osjälvisk tjänst till kungen hörs ständigt från scenen.

William Shakespeare

Den engelska renässansens teater har sin storhetstid, först och främst, William Shakespeare. Shakespeares dramaturgi är resultatet av all tidigare utveckling av dramatik, teaterns höjdpunkt.

"Tragedin föddes på torget" - skrev han och syftade på det avlägsna ursprunget till Shakespeares verk - folkteatern för medeltida mysterier. Traditionerna för torgens teater - en bred bevakning av händelser, växlingen av komiska och tragiska episoder, handlingens dynamik - bevarades av Shakespeares föregångare - dramatiker R. Green, K. Marlo och andra. De tog med sig frihetsälskande idéer till scenen, visade nya hjältar med stark vilja och hel karaktär.

Under den första, "optimistiska" perioden av sitt arbete, skrev Shakespeare komedier med ljusa, glada stämningar. Men när "katastrofernas hav" öppnade sig inför poetens genomträngande blick, när historiens obönhörliga gång mer och mer skarpt avslöjade feodalismens och den framväxande kapitalismens motsättningar, ersattes den ideala hjälten i hans verk av en makthungrig, egoist och egenintresserad person, och ibland även en brottsling.

För första gången avslöjades denna vändning i tragedin "Hamlet". Men Shakespeares hjältar böjde sig inte inför ondskans värld. Hjältarna i Shakespeares tragedier gick in i kampen och blev offer för sina allsmäktiga motståndare, även genom själva döden, bekräftade tron ​​på människan och hennes ljusa öde. Det är i detta som Shakespeares tragediers odödlighet och deras moderna sound.

Shakespeares Globe Theatre låg bland andra teatrar - på Themsens södra strand, utanför London, då myndigheterna förbjöd glasögon i

William Shakespeare

Globus teater". Utseende.

själva staden. Byggnaden kröntes med ett litet torn, där en flagga vajade under föreställningen.

Handlingen ägde rum i det fria - en massa människor stod framför scenen, rika medborgare slog sig ner på gallerierna, som omgav teaterns runda väggar i tre nivåer. Scenen var uppdelad i 3 delar: framsidan - prosceniumet, baksidan, åtskilda av två sidopelare och täckt med ett halmtak, och toppen - i form av en balkong. Scenen var dekorerad med mattor och mattor och en panel hängdes uppifrån: svart - i tragedier och blått - i komedier. Scenen för handlingen indikerades av en detalj (trädet visade att handlingen ägde rum i skogen och tronen - den i palatset).

Sammansättningen av truppen var liten - bara 8-12 personer. Ibland var varje skådespelare tvungen att spela upp till tre eller fler roller i en pjäs. Hjältinnorna spelades av vackra, ömtåliga unga män. De stora tragiska skådespelarna var Edward Alleyn, som spelade med särskild framgång i pjäserna av K. Marlowe, och Richard Burbage - den bästa artisten av rollerna Hamlet, Lear, Othello och Macbeth. Richard Tarlton och William Kemp spelade i komiska roller.

XVII århundrade

Om under renässansen i England dramaturgin och teatern var i sin storhetstid, teatersederna i London på den tiden var ganska fria, full lätthet rådde både på scenen och i aulan, och skådespelare och åskådare var inte blyga för uttryck, så var i 1600-talet förföljdes de av puritanerna.

Under renässansen kunde man se en trollkarl med en hund på scenen, som föreställde "och kungen av England, prinsen av Wales, och när han sitter på rygg, då påven och kungen av Spanien." Någon fru i en komedi kunde se från scenen att du kan gissa med urin, eller en gentleman - skriv ner var han kissade. "Vår scen har ibland samma smuts och stank som Smithfield (en förort till London där mässor hölls och ibland kättare brändes), säger Ben Jonson. "Allt där kallas vid sitt rätta namn", skrev Voltaire om den engelska scenen redan på 1700-talet.

Teatermoral kan härledas från den anonyma "Protest eller klagomål av skådespelare mot undertryckandet av deras yrke och deras utvisning från flera teatrar" (1643). "Vi avger ett löfte för framtiden att aldrig släppa in promiskuösa kvinnor i våra sexpenningsloger som kommer dit bara för att föras med sig av lärlingar och advokater, och inga andra sådana kvinnor, förutom de som kommer med sina män eller nära släktingar. Attityden till tobak kommer också att ändras: den kommer inte att säljas ... när det gäller fult språk och liknande elakheter som kan skandalisera anständiga människor, och driva dåliga människor till utsvävningar, kommer vi att helt utvisa dem tillsammans med omoraliska och oförskämda författare - poeter .

Att göra pjäser och framföra dem förklarades som en syndig verksamhet; att besöka teatern fördömdes resolut och ansågs vara en skadlig och skadlig handling. Med puritanernas tillkomst till makten förbjöds teaterföreställningar i England. Den 2 september 1642 stängde det engelska parlamentet teatrarna och förbjöd alla föreställningar med argumentet att skådespelen "ofta uttrycker ohämmad glädje och lättsinne", samtidigt som man bör rikta sina tankar mot "omvändelse, försoning och vändning till Gud". Fem år senare bekräftade parlamentet denna resolution, nu i hårdare ordalag och beordrade olydiga personer (skådespelare) att skickas till fängelse som kriminella. Kulturen upplevde en akut kris. Kyrkan har länge och starkt kämpat mot teatraliska skådespel. "Teatrarna är fulla, men kyrkorna är tomma", klagar puritanska präster. På teatern råder "fria gester, lösa tal, skratt och förlöjligande, kyssar, kramar och obetydliga blickar", är prästerskapet indignerade. "Guds ord kränks där och den gudomliga religion som etablerats i vår stat är vanhelgad", säger överborgmästaren.

1600-talets teater presenterades för den puritanska bourgeoisin i England som en teater för löshet och utsvävningar, en teater som tillgodoser aristokraternas smaker och korrumperar allmogen.

Det fanns också försvarare. Dramatikern Thomas Nash skrev 1592 att handlingarna i pjäserna är lånade från de engelska krönikorna, förfädernas stordåd hämtas från "glömskans grav", och därmed utfärdas fördömandet av "degenererad och bortskämd modernitet", att i pjäserna "dissekeras den med yttre helighet förgyllda lögnen".

Kulturens drag bestämdes av händelserna under den borgerliga revolutionen. Klassmotsättningarna mellan bourgeoisin och stora godsägare förvärrades, den borgerliga republikens regering leddes av Oliver Cromwell, sedan återupprättades Stuart-monarkin.

The Stuarts, som återvände till makten, återöppnade teatrar 1660, och den briljanta men omoraliska komedin från restaureringseran bekräftade så att säga den negativa bedömning som Cromwells medarbetare gav teatern.

Efter statskuppen kom Vilhelm III av Orange till makten. Folkrörelsen växte.

Wilhelm III stängde inte teatrarna, men genom dekret av 01.01.01 varnade han strängt skådespelarna att "om de fortsätter att spela pjäser som innehåller uttryck som strider mot religion och anständighet, och tillåter hädelse och omoral på scenen, då för detta måste de svara med sina huvuden.

Samma år, 1698, publicerades en avhandling av en viss puritansk teolog vid namn Jeremy Collier under den mycket färgstarka titeln " Kort recension omoral och ogudaktighet på den engelska scenen. Teologen fördömde hårt den existerande teaterpraktiken. Han skrev att det fanns ilska och ilska på scenen. ”Blod och barbari är nästan gudomliggjorda”, att ”hedersbegreppet är förvrängt, kristna principer förödmjukas”, att ”djävlar och hjältar är gjorda av samma metall”, och krävde en radikal omstrukturering av teatrarna, förvandlade dem till en sorts dygdsskola, gott uppförande och anständighet: “ Syftet med pjäser är att uppmuntra dygd och avslöja laster, att visa bräckligheten i mänsklig storhet, ödets plötsliga växlingar och de skadliga konsekvenserna av våld och orättvisor.

Den engelska bourgeoisin ville inte längre nedläggning av teatrar, som tidigare, utan deras anpassning till klassens behov. Även om den "ärorika revolutionen" 1688 åstadkom en allians mellan bourgeoisin och den nya adeln, kvarstod dock fientligheten fortfarande. Godsägarnas ståndpunkter var fortfarande starka, även om aristokraterna underkastade sig sakernas tillstånd, var de på intet sätt helt förenade. Angrepp på aristokratin hördes också vid teaterföreställningar.

1713 försökte Joseph Addison (1672-1719) etablera den klassiska tragedin på den engelska scenen.

Vid den här tiden dök en ny genre upp - drama, men komedi ville inte ge upp sina positioner. Åskådarna, som fällde överflödiga tårar vid föreställningarna av The London Merchant och fylldes av fasa över pjäsens dystra final, ville då och då skratta. Denna möjlighet gavs dem av Fielding, och senare av Oliver Goldsmith och Richard Brinsley Sheridan.

Goldsmith ville återuppliva Shakespeares och Ben Jonsons "gaykomedi". I sin avhandling An Essay on the Theatre, or a Comparison of Jolly and sentimental komedi”(1733), talade han direkt om detta och skrev flera humorpjäser utan att moralisera, utan större tendentiöshet, glatt göra narr av oerfarenhet hos unga människor som lätt låter sig luras. Pjäserna är fulla av roliga misstag, karaktärerna skildras helt naturligt.

Men Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) lämnade den största prägeln på den engelska dramatikens historia under denna period. Han skrev en kort stund. Alla hans bästa pjäser skapades inom fem år. Branden i hans teater på Drury Lane gav författaren det sista slaget.

Klassicismen i sin klassiska form kunde inte finna fast grund i England. Det fanns två skäl till detta: landets politiska tillstånd och auktoriteten i Shakespeares teater.

När det gäller Shakespeare så översköljde han det forntida dramats prestationer att det efter honom helt enkelt var otänkbart att helt och hållet förlita sig på antika grekiska författares exempel. Engelska dramatiker som arbetade för teatern kunde inte följa Aischylos, Sofokles och Euripides så villkorslöst som deras franska motsvarigheter gjorde. Före dem var exemplet med Shakespeare, som arbetade enligt ett helt annat system och uppnådde oöverträffade resultat.

1644 revs Shakespeares Globe Theatre, återuppbyggd efter en brand 1613, 1649 - Fortune och Phoenix teatrarna, 1655 - Blackfriars. Skådespelare utspridda i landet, gick in i soldaterna, försvann spårlöst, enligt en anonym 1600-talsförfattare (Historia histrionica).

År 1643 upprättade skådespelarna ett rörande anonymt dokument: ett klagomål om undertryckandet av deras yrke. "Vi vänder oss till dig, store Phoebus, och till dig, nio systrar - muser, beskyddare av sinnet och beskyddare av oss, stackars förödmjukade skådespelare," skrev de. "Om vi, med hjälp av ditt allsmäktiga ingripande, återigen kunde installeras i våra tidigare teatrar och återvända till vårt yrke igen ... "Skådespelarna skrev att komedier och tragedier de framförde var" en levande reproduktion av människors handlingar , ”att lasten i dem straffades, och dygden belönades, att ”engelska talet uttrycktes mest korrekt och naturligt”. Phoebus och nio systrar - muser, beskyddare av konsten, svarade inte. Teatern har lidit irreparabel skada.

John Milton, den största engelska poeten på 1600-talet, delade inte puritanernas negativa inställning till teaterföreställningar. Milton var särskilt resolut mot dramatikerna och teatern under restaurationstiden, som hade en eftertryckligt underhållande karaktär. Milton ansåg att tragedi var det viktigaste inom den dramatiska konsten, klassiska prover antik grekisk konst. Efter att imitera dem introducerade han en kör som kommenterade vad som hände och etablerade tidens enhet: varaktigheten av händelserna i tragedin överstiger inte 24 timmar. Enheten mellan plats och handling upprätthålls strikt.

Restaureringsperiod

Restaureringsperioden började i England kort efter Cromwells död.

De förbud som puritanerna införde mot teaterföreställningar och olika typer av underhållning hävdes. Teatrarna öppnades igen, men de skilde sig mycket från den engelska teatern på 1500- och början av 1600-talet och i deras yttre design, och pjäsens karaktär. På scenen användes rika kulisser och storslagna kostymer.

Komedier av William Wycherley (1640-1716) och William Congreve (1670-1729) åtnjöt särskilda framgångar.

Engelska teatrar "Drury Lane" och "Covent Garden"

Låt oss besöka Londons teatrar nu. 1663 byggdes Drury Lane Theatre i London, som fick rätten till monopol i valet av repertoar. 1732 dök en annan stor teater upp - Covent Garden. Det var lite ordning på teatrarna i London. Publiken, som sprang in i aulan, rusade rakt fram längs bänkarna i stånden för att ta platser närmare scenen. Då och då förekom det märkliga "teatraliska upplopp" - publiken, missnöjd med föreställningen, prisstegringen, vilken artist som helst, dränkte skådespelarnas röster, kastade frukt på dem och sprang ibland upp på scenen.

I detta upproriska London på 1700-talet försökte skådespelarna agera dekoröst och tala med avmätta röster. Den engelska klassicismen var dock inte komplett, integrerad - den "korrigerades" ständigt av den realistiska traditionen som kom från Shakespeare.

Skådespelaren Thomas Betterton (1635 - 1710) spelade rollen som Hamlet som Burbage en gång spelade den, efter att ha fått instruktioner från Shakespeare själv. Skådespelaren James Quinn (1693 - 1766), som för britterna tycktes vara alltför klassicistisk, spelade rollen som Falstaff ganska realistiskt. 1741 spelade Charles Maclean (1697-1797) realistiskt Shylock i Shakespeares The Merchant of Venice. Samma år spelade David Garrick (1717 - 1779), som blev 1700-talets viktigaste realistiska skådespelare, rollen som Richard III. Garrick spelade komiska och tragiska roller lika bra. Som en mimik kände Garrick ingen like. Hans ansikte kunde konsekvent skildra alla nyanser och övergångar av känslor. Han visste hur man var rolig, patetisk, majestätisk, skrämmande. Garrick var en mycket intelligent skådespelare, med rikt utvecklad och precis teknik, och samtidigt en känsloskådespelare. En gång, när han spelade kung Lear i Shakespeares tragedi, blev Garrick så medtagen att han slet av sin peruk och kastade den åt sidan.

Garrick regisserade Drury Lane Theatre i många år, där han samlade ett anmärkningsvärt sällskap och satte upp 25 Shakespeare-pjäser. Före honom arbetade ingen så samvetsgrant och envist med uppsättningarna av Shakespeares pjäser. Efter Garrick lärde de sig att uppskatta Shakespeare mycket mer än tidigare. Den här skådespelarens berömmelse dundrade över hela Europa.

Kreativitet Garrick sammanfattade utvecklingen av teatern på XVIII-talet - från klassicism till realism.

1700-talet

Upplysningstiden

På 1700-talet inleddes en övergångsepok som kulminerade i den franska borgerliga revolutionen. Befrielserörelsen utvecklades, det blev nödvändigt att förstöra feodalismen och ersätta den med kapitalism.

Engelsk litteratur

Den turbulenta eran väckte liv till blomningen av demokratisk kultur, inklusive teatralisk kreativitet.

DIV_ADBLOCK660">

1900-talet

1945–nutid

Efter andra världskriget, i samband med bildandet av det socialistiska världssystemet och tillväxten av det nationella befrielsekriget för folk, blev det brittiska imperiets kollaps oundviklig och naturlig. Teatrar representerar turbulenta, vattendelarehändelser och sociala omvälvningar.

Under de första åren efter andra världskriget var den mest populära författaren i England John Boynton Priestley. Han skrev över fyrtio pjäser. De mest betydelsefulla av dem är "Dangerous Corner" (Dangerous Corner, 1932), "Time and the Conway Family" ("Time" och den Conways, 1937).

I Priestleys pjäser är inflytandet från Tjechovs dramaturgi påtagligt. Priestley strävar efter att förmedla vardagens dramatik, att visa livet med alla dess halvtoner, att avslöja karaktärerna hos inte bara huvudkaraktärerna, utan också sekundära.

John Osbornes pjäser (1929) spelade en viktig roll i den engelska kulturen. John Osbornes pjäser stimulerade ett uppsving i utvecklingen av engelsk dramatik på 60-talet.

1956 sattes John Osbornes pjäs Look Back in Anger upp på Royal Court Theatre, som blev en dundersuccé. Dramatikern förmedlade mycket exakt stämningen hos den tidens engelska ungdom. Jimmy Porter kom in på scenen - den unge "arga" hjälten, som kritikerna kallade honom. Denna unge man från botten, som tog sig in i en fientlig social miljö, dåligt föreställt vad en värdig tillvaro är. Han tog till vapen utan att spara någon kraft mot det existerande moraliska värderingar, det traditionella sättet för offentligt liv, delvis mot sociala lagar. Dessa samma egenskaper särskiljer några av karaktärerna, både moderna och historiska, i pjäserna av John Arden, Sheila Delaney och andra.

Kompetensen hos progressiva skådespelare och regissörer i vissa länder är fulländade på klassiskt dramatiskt material, på de bästa exemplen på realistisk litteratur. De använder klassikerna för att ställa akuta samtida problem. Den engelske skådespelaren Laurence Olivier i form av Othello förmedlade en ilsken protest mot den framväxande borgerliga civilisationen. Hamlet tjänade Paul Scofield för att uttrycka de sorgsna, svåra tankarna hos den unga efterkrigsgenerationen av europeiska intellektuella som kände sig ansvariga för de brott som begicks i världen.

Uppsättningarna av Shakespeares pjäser av den engelske regissören Peter Brook åtnjuter en välförtjänt framgång hos publiken.

Den senaste tidens teaterkonst kännetecknas av många små professionella, halvprofessionella och icke-professionella trupper, som vandrar från en ort till en annan; revitalisering av studentteatrar; den växande protesten från skådespelare och regissörer mot handel med konst. Unga människor använder ofta scenen för skarpa politiska diskussioner. Teatern går ut på gatorna, där semi-improvisationsföreställningar spelas.

Nästan varje fenomen av teatralisk kreativitet i England är genomsyrat av grymma interna motsättningar, kantade av en sammandrabbning av motsatta ideologiska och estetiska tendenser.

John Osborne är en anhängare av teatern som kritiserar den sociala ordningen i den kapitalistiska världen, som är tidens mest övertygande vapnet.

John Osbornes pjäser avgjorde utvecklingen av engelsk dramatik på 1960-talet.

Originaliteten i dramaturgin av Sean O'Casey, en enastående anglo-irländsk dramatiker, bestäms av kopplingen till den irländska folkloretraditionen. Hans pjäser präglas av en bisarr kombination av tragisk och

Laurence Olivier som Richard III

"Richard III" W. Shakespeare

komiskt, verkligt och fantastiskt, vardagligt och patetiskt. O'Caseys dramer använder den expressionistiska teaterns konventioner.

Folkteatrarnas rörelse, som främst strävade efter utbildningsmål, svepte över hela Europa. I England uppstod Workshop Theatre och fick stor berömmelse under ledning av Joan Littlewood.