ชามิเซ็น - เครื่องดนตรี - ประวัติ, ภาพถ่าย, วิดีโอ ทัวร์สั้น ๆ ในโลกของเครื่องดนตรีตะวันออกและต้นกำเนิดของ duduk

โดยมีนักเล่าเรื่องหรือนักร้องชาวญี่ปุ่นคอยช่วยเหลือในระหว่างการแสดง อะนาล็อกของยุโรปที่ใกล้เคียงที่สุดของชามิเซ็นคือ ชามิเซ็นพร้อมกับขลุ่ยฮายาชิและชะคุฮาจิ กลองสึซึมิ และ หมายถึงเครื่องดนตรีดั้งเดิมของญี่ปุ่น

ชื่อนี้ขัดแย้งกับแนวเพลงของ bunraku และ kabuki - nagauta (เพลงยาว) รูปแบบการแสดงที่รู้จักกันดีและซับซ้อนที่สุดคือกิดายุ ซึ่งตั้งชื่อตามทาเคโมโตะ กิดายุ (1651-1714) โรงละครหุ่นกระบอกบุนราคุจากโอซาก้า เครื่องดนตรีและปิ๊กมีขนาดใหญ่ที่สุด และไกด์เองก็เป็นทั้งนักร้องและผู้บรรยายเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที งานของผู้เล่าเรื่องนั้นซับซ้อนมากจนในระหว่างการแสดง ไกด์จะเปลี่ยนไป ผู้บรรยายจะต้องรู้เนื้อร้องและทำนองอย่างแน่นอน ตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 อนนะ-กิดายุ นักเล่าเรื่องหญิงก็ปรากฏตัวเช่นกัน

ต้นทาง

ชามิเซ็นในรูปแบบดั้งเดิมมีต้นกำเนิดในส่วนลึกของเอเชียตะวันตกจากนั้นมาถึงจีน (ศตวรรษที่ 13) ซึ่งเรียกว่า "ซานเซียน" จากนั้นย้ายไปที่หมู่เกาะริวกิว (โอกินาว่าในปัจจุบัน) และจากที่นั่นมาที่ญี่ปุ่นเท่านั้น เหตุการณ์นี้มีการระบุไว้อย่างชัดเจนในประวัติศาสตร์ - ตรงกันข้ามกับช่วงเวลาของการปรากฏตัวของคนอื่น เครื่องดนตรี- และย้อนหลังไปถึงปี 1562

บรรพบุรุษของชามิเซ็นคือ ซันชิน เล่นในอาณาจักรริวกิวซึ่งในเวลานั้นกลายเป็นจังหวัด ในทางกลับกัน Sanshin มาจากเครื่องดนตรีจีน sanjian ซึ่งพัฒนามาจากเครื่องดนตรีเอเชียกลาง

ซามิเซ็นยังเป็นเครื่องดนตรีที่สำคัญที่สุดสำหรับนักดนตรีตาบอดตาบอดซึ่งปรากฏตัวในช่วงเริ่มต้นของโชกุนโทคุกาวะ

ต่างจากยุโรปที่เครื่องดนตรีดั้งเดิม/โบราณไม่ได้รับความสนใจมากนัก ซามิเซ็นและเครื่องดนตรีประจำชาติอื่นๆ ในญี่ปุ่นเป็นที่รู้จักและชื่นชอบอย่างกว้างขวาง ความนิยมไม่ได้เกิดจากการเคารพวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการใช้เครื่องดนตรีประจำชาติ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ซามิเซ็น ในโรงละครญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม โดยส่วนใหญ่ในโรงละครคาบูกิและบุนราคุ

ชามิเซ็นแพร่หลายที่สุดในยุคโทกุกาวะ และทักษะในการเล่นเป็นส่วนหนึ่งของโปรแกรมการฝึกภาคบังคับสำหรับนักเรียนไมโกะ - เกอิชา นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไม "ย่านแห่งความสนุก" จึงมักถูกเรียกว่า "ย่านที่ชามิเซ็นไม่หยุด"

ความหลากหลายและการใช้งาน

มีเครื่องดนตรีหลายประเภทที่แตกต่างกันตามความหนาของคอ

เครื่องมือที่มี คอแคบเรียกว่า โฮโซซาโอและส่วนใหญ่ใช้ในเพลง นาเกา.

เครื่องมือที่มี อีแร้งขนาดกลางเรียกว่าความหนา ชูซะและใช้ในแนวดนตรีเช่น คิโยโมโตะ, โทกิวาสึ, จิวต้าเป็นต้น

ทางตอนเหนือของประเทศญี่ปุ่น โดยเฉพาะในเขต Tsugaru (ทางตะวันตกของจังหวัด Aomori) ที่แยกจากกัน ชามิเซ็นเวอร์ชั่นคอหนา — สึกะรุจามิเซ็นเกมที่ต้องใช้ความสามารถพิเศษ ทสึการุจามิเซ็นที่มีคอหนาที่สุดเรียกว่า ฟูโตซาโอะและใช้ใน โจริ.

อุปกรณ์

ร่างกายของซามิเซ็นเป็นโครงไม้ที่ปกคลุมด้วยผิวหนังอย่างแน่นหนา ตัวอย่างเช่นในหมู่เกาะริวกิวมีการใช้หนังงูและในญี่ปุ่นเองก็ใช้ผิวหนังของแมวหรือสุนัขเพื่อจุดประสงค์นี้ ตัวเรือนหุ้มด้วยหนังทั้งสองด้าน และติดกาวหนังชิ้นเล็กๆ ไว้ที่เมมเบรนด้านหน้าเพื่อป้องกันไม่ให้ปิ๊ก (bati) ระเบิด

เชือกสามเส้นที่มีความหนาต่างกันจะร้อยระหว่างหมุดกับปลายส่วนล่างของคอ ซึ่งยื่นออกมาจากส่วนกลางของส่วนล่างของลำตัว สายทำจากไหม ไนลอน และเทตล่อน ความยาวของชามิเซ็นประมาณ 100 ซม.

ชามิเซ็นเล่นด้วยปิ๊กบาจิขนาดใหญ่ซึ่งทำจากวัสดุต่างๆ เช่น ไม้ งาช้าง กระดองเต่า เขาควาย และพลาสติก Bati สำหรับ nagaut และ jiuta เกือบจะเป็นรูปสามเหลี่ยมปกติ มีขอบที่คมมาก

Tsugarujamisen แนะนำให้ใช้ปิ๊กเล็กๆ คล้ายใบแปะก๊วย

เทคนิคการเล่นชามิเซ็น

รูปแบบการเล่นชามิเซ็นมีสามรูปแบบ:

Uta-mono - สไตล์เพลงหนึ่งในประเภทหลัก ดนตรีประกอบการแสดงละคร คาบุกิ. ประเภทนี้มีการแสดงดนตรีสลับฉากยาวที่บรรเลงโดยวงฮายาชิ (วงดนตรีนี้มักจะแสดงร่วมกับการแสดงละคร ประกอบด้วยขลุ่ยและกลองสามประเภท)

Katari-mono เป็นแนวแฟนตาซีเป็นลักษณะเฉพาะส่วนใหญ่ของดนตรีดั้งเดิมของญี่ปุ่น และแสดงโดยการร้องเพลงเฉพาะประเภท

Minyo เป็นเพลงพื้นบ้าน

เมื่อซามิเซ็นปรากฏตัวครั้งแรกในญี่ปุ่น สายจะถูกดึงด้วยปิ๊กเล็กๆ (ยูบิคาเคะ) และเมื่อเวลาผ่านไป นักดนตรีก็เริ่มใช้ปิ๊ก ซึ่งช่วยขยายความเป็นไปได้ของเสียงต่ำของเครื่องดนตรีอย่างมาก เมื่อใดก็ตามที่ดึงสายล่าง นอกจากเสียงแล้ว ยังได้ยินเสียงโอเวอร์โทนและเสียงรบกวนเล็กน้อย ปรากฏการณ์นี้เรียกว่า "ซาวาริ" ("สัมผัส") Savaries ยังปรากฏขึ้นเมื่อสายอื่นพ้องเสียงกับสายด้านล่าง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อช่วงระยะห่างระหว่างสายเป็นอ็อกเทฟ (สองอ็อกเทฟ สาม ห้า ฯลฯ) ความสามารถในการใช้เสียงเพิ่มเติมนี้เป็นสัญญาณของทักษะระดับสูงของนักแสดง และเอฟเฟกต์เสียงเองก็ถูกควบคุมโดยผู้ผลิตชามิเซ็นอย่างเข้มงวด

ปิ๊กจะถืออยู่ในมือขวา และในเวลาที่เหมาะสม เสียงของสายจะถูกหยุดโดยสามนิ้วของมือซ้ายบนคอที่ไม่มีเฟรต นิ้วหัวแม่มือและนิ้วก้อยไม่ได้ใช้ในเกม วิธีการเล่นซามิเซ็นที่มีลักษณะเฉพาะมากที่สุดคือการดีดปิ๊กลงบนเมมเบรนและบนเอ็นพร้อมๆ กัน นอกจากนี้ยังมีปัจจัยสำคัญอื่นๆ อีกหลายอย่างที่กำหนดลักษณะเฉพาะของเสียง เช่น ความหนาของสาย คอ เยื่อ จุดที่ปิ๊กกระทบสาย เป็นต้น นอกจากนี้ บนซามิเซ็น คุณสามารถดึงสายด้วยมือซ้ายได้ เพื่อให้ได้เสียงต่ำที่ไพเราะยิ่งขึ้น ความสามารถในการเปลี่ยนเสียงนี้เป็นหนึ่งในจุดเด่นของชามิเซ็น

นอกจากวิธีการเล่นแล้ว เสียงต่ำของเครื่องดนตรียังสามารถเปลี่ยนแปลงได้โดยการเปลี่ยนความยาวของสาย คอหรือปิ๊ก รวมถึงขนาด ความหนา น้ำหนัก วัสดุ - มวล! มีซามิเซ็นเกือบสองโหลที่แตกต่างกันในด้านระดับเสียงและเสียงต่ำ และนักดนตรีจะเลือกเครื่องดนตรีที่ตรงกับแนวเพลงของพวกเขามากที่สุด หรือปรับแต่งใหม่ก่อนการแสดง

ในเพลงชามิเซ็น แนวเสียงเกือบจะตรงกับที่เล่นเครื่องดนตรี: เสียงจะอยู่ก่อนหน้าทำนองเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ซึ่งทำให้สามารถได้ยินและเข้าใจข้อความได้ และยังเน้นความแตกต่างระหว่างเสียงของเสียงและเสียง ชามิเซ็น

Shamisen ในดนตรีสมัยใหม่

ชามิเซ็น เนื่องจากมีเสียงเฉพาะ จึงมักใช้เพื่อเพิ่มเสียง "ประจำชาติ" ในบางรายการ หนังญี่ปุ่นและอะนิเมะ (เช่นในรัสเซีย) ดังนั้น เสียงซามิเซ็นในเพลงประกอบของอนิเมะเรื่อง Naruto เรื่อง Puni Puni Poemi

Agatsuma Hiromitsu เล่นในสไตล์ยุคใหม่

มันถูกใช้โดยตัวแทนของดนตรีแนวหน้าของยุโรป (เช่น Henri Pousseur)

การแต่งเพลงโดย Yoshida Brothers ค่อนข้างเป็นที่นิยม

Michiro Sato แสดงด้นสดในชามิเซ็น และ นักเปียโนแจ๊ส Glenn Horiuchi ได้ใส่ชิ้นส่วนของการเล่นชามิเซ็นเข้าไปในผลงานของเขา

Kevin Kmetz มือกีตาร์นำวง God of the Shamisen ในแคลิฟอร์เนีย ซึ่งเขาเล่น tsugarujamisen

วิดีโอ: Shamisen บนวิดีโอ + เสียง

ด้วยวิดีโอเหล่านี้ คุณสามารถทำความคุ้นเคยกับเครื่องมือนี้ ดู เกมจริงฟังเสียงของมันสัมผัสเทคนิคเฉพาะ:

การขาย: ซื้อ/สั่งซื้อได้ที่ไหน

สารานุกรมยังไม่มีข้อมูลเกี่ยวกับสถานที่ซื้อหรือสั่งซื้อเครื่องมือนี้ คุณสามารถเปลี่ยนได้!

เครื่องดนตรี: พิณ

ในยุคของความเร็วเหนือเสียงและนาโนเทคโนโลยี บางครั้งคุณต้องการพักผ่อน ละทิ้งความวุ่นวายทางโลก และพบว่าตัวเองอยู่ในโลกอื่นที่ไม่มีความวุ่นวายสมัยใหม่ เช่น ในยุคโรแมนติกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในปัจจุบัน คุณไม่จำเป็นต้องประดิษฐ์เครื่องบอกเวลาสำหรับสิ่งนี้ แต่เพียงแค่ไปเยี่ยมชมคอนเสิร์ตดนตรีของแท้ที่ไหนสักแห่งใน Izmailovsky Kremlin หรือพระราชวัง Sheremetyevo ที่นั่นคุณจะไม่เพียงได้ยินท่วงทำนองอันไพเราะที่หวนนึกถึงอดีตเท่านั้น แต่ยังได้ทำความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรีที่น่าสนใจซึ่งบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลของเราเล่นดนตรีเมื่อหลายศตวรรษก่อน ความสนใจในดนตรีโบราณกำลังเพิ่มขึ้นในปัจจุบัน นักแสดงสมัยใหม่กำลังฝึกฝนเครื่องดนตรีในยุคก่อนอย่างกระตือรือร้น ซึ่งรวมถึงขลุ่ยขวาง วิโอลา ดา กัมบะ, วิโอลาเสียงแหลม , วิโอลาพิสดารพิสดาร , ฮาร์ปซิคอร์ดและไม่ต้องสงสัยเลยว่าพิณเป็นเครื่องมือของชนชั้นที่มีสิทธิพิเศษและสมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ชาวอาหรับในยุคกลางเรียกเธออย่างถูกต้องว่าเป็นราชินีแห่งเครื่องดนตรี

เสียง

พิณเป็นของครอบครัวเครื่องสาย เครื่องมือที่ดึงออกมาโดยธรรมชาติของเสียงแล้ว มันค่อนข้างคล้ายกีตาร์ แต่เสียงของมันจะนุ่มนวลและนุ่มนวลกว่ามาก และเสียงต่ำของมันก็นุ่มนวลและสั่นเครือ เนื่องจากมันมีความอิ่มตัวของเสียงหวือหวามากกว่า แหล่งกำเนิดเสียงบนลูทคือสายคู่และสายเดี่ยว ซึ่งนักแสดงดึงด้วยมือขวาแล้วกดเฟรตด้วยซ้าย เปลี่ยนความยาวจึงเปลี่ยนระดับเสียง

ข้อความทางดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีนั้นเขียนโดยใช้ตัวอักษรบนบรรทัดหกบรรทัด และระยะเวลาของเสียงจะถูกระบุด้วยโน้ตที่วางอยู่เหนือตัวอักษร พิสัยเครื่องดนตรีประมาณ 3 อ็อกเทฟ เครื่องมือนี้ไม่มีการตั้งค่ามาตรฐานเฉพาะ

รูปถ่าย:

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

• สำหรับหลายๆ ประเทศ ภาพลักษณ์ของพิณเป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคี ความเยาว์วัย และความรัก ในหมู่ชาวจีน หมายถึง สติปัญญา ความเสมอต้นเสมอปลายในครอบครัวและสังคม สำหรับชาวพุทธ - ความกลมกลืนในโลกของเทพเจ้าสำหรับคริสเตียน - พิณในมือของทูตสวรรค์ถือเป็นความงามของสวรรค์และการคืนดีกันของพลังธรรมชาติ ในศิลปะยุคเรอเนซองส์ เธอเป็นสัญลักษณ์ของดนตรี และเครื่องดนตรีที่มีสายขาดแสดงถึงความไม่ลงรอยกันและความไม่ลงรอยกัน
• พิณเป็นสัญลักษณ์ - ภาพสัญลักษณ์ของคู่รัก
• ลูตในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามักปรากฏบนภาพวาด แม้แต่ออร์ฟัสและอพอลโลก็ถูกวาดโดยศิลปินในสมัยนั้น ไม่ใช่ด้วยพิณ แต่ใช้พิณ และเป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงองค์ประกอบที่กลมกลืนกันมากกว่าหญิงสาวหรือชายหนุ่มที่มีเครื่องดนตรีโรแมนติกนี้
• ครั้งหนึ่ง พิณซึ่งเป็นที่นิยมมากถือเป็นเครื่องดนตรีพิเศษของวงฆราวาส ขุนนาง และราชวงศ์ ทางตะวันออกเรียกว่าสุลต่านแห่งเครื่องดนตรี และในประเทศยุโรปมีคำกล่าวว่าออร์แกนคือ "ราชาแห่งเครื่องดนตรีทั้งปวง" และลูตคือ "เครื่องดนตรีของราชาทั้งปวง"
• กวีและนักเขียนบทละครชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่ W. Shakespeare มักกล่าวถึงพิณในงานของเขา เขาชื่นชมเสียงของเธอ เนื่องจากความสามารถของเธอในการทำให้ผู้ฟังมีความสุข
• ประติมากร ศิลปิน กวี และนักคิดชาวอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Michelangelo Buonarroti ชื่นชมการแสดงของ Francesco da Milano นักเล่นลูตชื่อดังกล่าวว่าเขาได้รับแรงบันดาลใจจากดนตรีและความคิดทั้งหมดของเขาในเวลานั้นก็กลายเป็นสวรรค์
• ผู้บรรเลงพิณเรียกว่าผู้เล่นพิณ และปรมาจารย์ที่ทำเครื่องดนตรีเรียกว่าพิณ
• เครื่องดนตรีของช่างฝีมือชาวโบโลเนส - ลูต L. Mahler และ G. Frey รวมถึงตัวแทนของตระกูล Tieffenbrucker จากเวนิสและปาดัวซึ่งสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 17-18 ใช้เงินทางดาราศาสตร์ตามมาตรฐานเหล่านั้น
• การเรียนรู้วิธีเล่นลูทนั้นไม่ใช่เรื่องยากนัก แต่การปรับเครื่องดนตรีที่มีสายจำนวนมากทำจากวัสดุธรรมชาตินั้นมีปัญหา แต่ไม่สามารถปรับแต่งได้เนื่องจากอุณหภูมิและความชื้นเปลี่ยนแปลง มีเรื่องตลกที่โด่งดังมาก: นักเล่นพิณใช้เวลาสองในสามในการปรับแต่งเครื่องดนตรี และหนึ่งในสามเล่นดนตรีด้วยเครื่องดนตรีที่ไม่ได้ปรับแต่ง

ออกแบบ

การออกแบบที่หรูหรามากของพิณประกอบด้วยลำตัวและคอ ลงท้ายด้วยบล็อกหมุด ร่างกายซึ่งมีรูปร่างลูกแพร์รวมถึงดาดฟ้าและร่างกายที่ทำหน้าที่เป็นตัวสะท้อน

• ลำตัวทำจากไม้โค้งขึ้นรูปครึ่งวงกลม ส่วนทำจากไม้เนื้อแข็ง: ไม้มะเกลือ ไม้ชิงชัน ไม้เชอร์รี่หรือเมเปิ้ล
• สำรับคือส่วนหน้าของลำตัวที่ห่อหุ้มร่างกาย มีลักษณะแบนเป็นวงรีและมักทำจากไม้เรโซเนเตอร์สปรูซ ชั้นล่างมีแท่นวางและตรงกลางมีช่องเสียงในรูปแบบของลวดลายที่ซับซ้อนหรูหราหรือดอกไม้ที่สวยงาม

คอลูทที่ค่อนข้างกว้าง แต่สั้นติดอยู่กับลำตัวในระดับเดียวกับซาวด์บอร์ด มีการติดกาวไม้มะเกลือและตัวคั่น catgut fret ก็ถูกผูกไว้ด้วย ที่ด้านบนของคอมีน็อตที่ควบคุมความตึงของสาย

บล็อกหมุดของลูทซึ่งมีหมุดปรับความตึงของสายก็มีเช่นกัน ลักษณะเด่น. มันอยู่ในความจริงที่ว่าบล็อกตั้งอยู่ในความสัมพันธ์กับคอของคอในมุมที่ค่อนข้างใหญ่เกือบเป็นมุมฉาก

จำนวนสายที่เข้าคู่กับลูทต่างกันมาก: 5 ถึง 16 และบางครั้ง 24

น้ำหนักเครื่องมือมีขนาดเล็กมากและมีน้ำหนักประมาณ 400 กรัม ความยาวเครื่องมือ - ประมาณ 80 ซม.

พันธุ์

พิณสมัยหนึ่งซึ่งเป็นที่นิยมมากได้พัฒนาอย่างเข้มข้นมาก ผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีทดลองรูปร่าง จำนวนสาย และการปรับแต่งอย่างต่อเนื่อง เป็นผลให้มีเครื่องดนตรีหลากหลายประเภทเกิดขึ้น ตัวอย่างเช่น Renaissance lutes ยกเว้น เครื่องมือแบบดั้งเดิมรวมถึงเครื่องดนตรีที่มีจำนวนสายที่จับคู่ต่างกัน - คณะนักร้องประสานเสียง มีหลายประเภทหลายขนาดที่คล้ายกับเสียงของมนุษย์: อ็อกเทฟขนาดเล็ก, เสียงแหลมขนาดเล็ก, เสียงแหลม, อัลโต, เทเนอร์, เบสและอ็อกเทฟเบส นอกจากนี้ เครื่องดนตรีประเภทลูตยังรวมถึงพิณพิสดาร, อัล-อูด, อาร์คิลุต, ทอร์บัน, โคบซา, ธีออร์บา, คิตทารอน, พิณ, บันดอรา, แคนตาบิลีลูต, ออร์ฟาเรียน, ลูตแวนเดอร์โวเจล, แมนโดรา, แมนโดลา

แอปพลิเคชัน

นักประวัติศาสตร์ศิลปะถือว่าพิณไม่เพียง แต่เป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่น่าสนใจที่สุด แต่ยังเป็นเครื่องดนตรีที่สำคัญอย่างยิ่งในประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปในศตวรรษที่ 16 และ 17 ได้รับการยอมรับจากตัวแทนจากหลากหลายสาขาอาชีพ ตั้งแต่สามัญชนจนถึงราชวงศ์ และถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวและบรรเลงรวมวง ความนิยมที่เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของพิณจำเป็นต้องมีการเติมเต็มและปรับปรุงละครอย่างต่อเนื่อง บ่อยครั้งที่ผู้แต่งผลงานเป็นนักแสดงในเวลาเดียวกันดังนั้นกาแลคซีของนักแต่งเพลงพิณที่ยอดเยี่ยมจึงปรากฏขึ้นในประเทศแถบยุโรป ในอิตาลี - F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini ในสเปน - L. Milan, M. Fuenlyana ในเยอรมนี - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner ในอังกฤษ - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion ในโปแลนด์ - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon ในฝรั่งเศส - E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese ควรสังเกตว่าแม้แต่ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่เช่น เป็น. บาค, อ.วิวาลดี, ช. ฮันเดล, เจ ไฮเดินให้ความสนใจกับพิณเพิ่มคุณค่าให้กับละครด้วยผลงานของพวกเขา

ในปัจจุบันความสนใจในดนตรียุคแรกและในเวลาเดียวกันในพิณก็ไม่ลดลง เสียงของเธอได้ยินมากขึ้นบนเวที ห้องแสดงคอนเสิร์ต. ท่ามกลาง นักแต่งเพลงร่วมสมัยผู้แต่งเครื่องดนตรีในวันนี้ควรสังเกตผลงานที่น่าสนใจมากมายโดย I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. MacFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev

ศิลปินที่มีชื่อเสียง

เป็นที่นิยมอย่างผิดปกติในยุคเรอเนสซองส์และบาโรก แต่ถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีชนิดอื่นและถูกลืมอย่างไม่เป็นธรรม ลูตในปัจจุบันกระตุ้นความสนใจอย่างมากอีกครั้ง ไม่ใช่แค่เฉพาะในหมู่นักดนตรีตัวจริงเท่านั้น ตอนนี้เสียงของเธอสามารถได้ยินได้มากขึ้นเรื่อย ๆ สถานที่จัดคอนเสิร์ตและไม่ใช่แค่โซโลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเครื่องดนตรีโบราณที่สวยงามอื่นๆ ด้วย ในศตวรรษที่ 21 นักแสดงฝีมือดีที่มีชื่อเสียงที่สุดที่พยายามอย่างมากในการทำให้เครื่องดนตรีเป็นที่นิยม ได้แก่ V. Kaminik (รัสเซีย), P. O "Dett (สหรัฐอเมริกา), O. Timofeev (รัสเซีย), A. Krylov (รัสเซีย, แคนาดา) , A Suetin (รัสเซีย), B. Yan (จีน), J. Imamura (ญี่ปุ่น), R. Lislevand (นอร์เวย์), E. Karamazov (โครเอเชีย), J. Held (เยอรมนี), L. Kirchhoff (เยอรมนี), E . Eguez (อาร์เจนตินา), H. Smith (สหรัฐอเมริกา), J. Lindbergh (สวีเดน), R. Barto (สหรัฐอเมริกา), M. Lowe (อังกฤษ), N. North (อังกฤษ), J. van Lennep (เนเธอร์แลนด์) และอีกมากมาย คนอื่น ๆ

เรื่องราว

ประวัติทั้งหมดของการปรากฏตัวของพิณซึ่งใน ตะวันออกถือเป็นหนึ่งในเครื่องมือที่ทันสมัยที่สุด ไม่สามารถติดตามได้ เครื่องมือดังกล่าวแพร่หลายในหลายประเทศทั่วโลกเมื่อสี่พันปีที่แล้ว พวกเขาเล่นดนตรีในอียิปต์ เมโสโปเตเมีย จีน อินเดีย เปอร์เซีย อัสซีเรีย กรีกโบราณและกรุงโรม อย่างไรก็ตาม นักวิชาการด้านศิลปะเสนอว่า พิณนั้นมีต้นกำเนิดมาก่อน นั่นคือ อู๊ด ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่ยังคงได้รับการปฏิบัติด้วยความเคารพเป็นพิเศษในตะวันออกกลาง โดยอ้างว่ามันเป็นผลมาจากการสร้างหลานชายของท่านศาสดา ไม้อูดมีรูปร่างคล้ายลูกแพร์ซึ่งทำจากไม้วอลนัทหรือไม้ลูกแพร์ ซาวด์บอร์ดเป็นไม้สน คอสั้น และส่วนหัวโค้งไปด้านหลัง เสียงถูกสกัดด้วยปิ๊ก

การพิชิตยุโรปโดยพิณเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 8 จากสเปนและคาตาโลเนีย หลังจากที่พวกมัวร์พิชิตคาบสมุทรไอบีเรีย เครื่องมือนี้ไม่เพียง แต่เข้าร่วมกับวัฒนธรรมของประเทศเหล่านี้อย่างรวดเร็วเท่านั้น แต่ยังเป็นเพราะ สงครามครูเสดก็เริ่มแพร่กระจายไปสู่ผู้อื่นอย่างรวดเร็ว ประเทศในยุโรป: อิตาลี. ฝรั่งเศส เยอรมนี แทนที่เครื่องดนตรีอื่น ๆ ที่มีอยู่ในขณะนั้น เช่น กระโถนและแพนดูรา พิณที่ได้รับความนิยมนั้นได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง มาสเตอร์ทำการเปลี่ยนแปลงการออกแบบเครื่องดนตรี ปรับแต่งลำตัวและคอ เพิ่มสาย หากในตอนแรกเขามี 4 - 5 สายที่จับคู่ - นักร้องประสานเสียงจากนั้นจำนวนก็ค่อย ๆ เพิ่มขึ้น เมื่อถึงศตวรรษที่ 14 ลูตในยุโรปไม่เพียงแต่ก่อตัวขึ้นอย่างสมบูรณ์เท่านั้น แต่ยังกลายเป็นเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดชนิดหนึ่ง ไม่เพียงแต่ในศาลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการผลิตดนตรีในบ้านด้วย มันถูกใช้เป็นดนตรีประกอบไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวอีกด้วย สำหรับพิณนั้น พวกเขาได้แต่งเพลงที่หลากหลายขึ้นมากมาย ไม่เพียงแต่ถอดความจากเพลงและการเต้นรำยอดนิยมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเพลงศักดิ์สิทธิ์ด้วย ในศตวรรษที่ 15 ความนิยมของเครื่องดนตรีเพิ่มมากขึ้น จิตรกรมักจะพรรณนามันบนผืนผ้าใบศิลปะของพวกเขา นักแต่งเพลงยังคงเพิ่มอรรถรสให้กับบทเพลง นักแสดงละทิ้งปิ๊ก โดยเลือกใช้วิธีการดึงนิ้วออก ซึ่งขยายความเป็นไปได้ทางเทคนิคอย่างมาก ทำให้สามารถเล่นได้ทั้งดนตรีประกอบแบบฮาร์มอนิกและดนตรีโพลีโฟนิก ลูตยังคงพัฒนาต่อไป และเครื่องดนตรีที่มีสายคู่ 6 สายกลายเป็นที่ต้องการมากที่สุด

ในศตวรรษที่ 16 ความนิยมของลูตถึงจุดสูงสุด เธอครองทั้งนักดนตรีมืออาชีพและมือสมัครเล่น เครื่องดนตรีนี้เป่าในพระราชวังของกษัตริย์และขุนนางชั้นสูงตลอดจนในบ้านของประชาชนทั่วไป มันแสดงเดี่ยวและทั้งวงร่วมกับนักร้องและนักร้องประสานเสียงและนอกจากนี้ยังแนะนำให้รู้จักกับวงออเคสตรา ใน ประเทศต่างๆมีการสร้างโรงเรียนสำหรับการผลิตเครื่องดนตรีประเภทลูตซึ่งมีชื่อเสียงที่สุดในอิตาลีในเมืองโบโลญญา เครื่องดนตรีได้รับการแก้ไขอย่างต่อเนื่อง จำนวนเครื่องสายที่จับคู่เพิ่มขึ้น: สิบเครื่องแรก สิบสี่เครื่อง และต่อมามีจำนวนเครื่องสายถึง 36 เครื่อง ซึ่งทำให้ต้องมีการเปลี่ยนแปลงการออกแบบเครื่องดนตรี มีพิณหลายชนิด ในจำนวนนี้มีเจ็ดชนิดที่สอดคล้องกับเสียงเทสซิทูราของมนุษย์ ตั้งแต่เสียงต่ำไปจนถึงเสียงทุ้ม

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ความนิยมของลูตเริ่มลดลงอย่างเห็นได้ชัด เนื่องจากมันถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีอย่างเช่น กีตาร์, ฮาร์ปซิคอร์ดและต่อมาคือเปียโน ในศตวรรษที่ 18 มันไม่ได้ถูกใช้งานจริงอีกต่อไป ยกเว้นหลายสายพันธุ์ที่มีอยู่ในสวีเดน ยูเครน และเยอรมนี และในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 เนื่องจากความสนใจในเครื่องดนตรีโบราณของผู้ที่ชื่นชอบภาษาอังกฤษซึ่งนำโดยปรมาจารย์ด้านเครื่องดนตรีนักดนตรีมืออาชีพและนักดนตรีมืออาชีพ Arnold Dolmich ให้ความสนใจกับลูทอีกครั้งเพิ่มขึ้นอย่างมาก

พิณเป็นเครื่องดนตรีโบราณที่สง่างามพร้อมเสียงที่ไพเราะไพเราะซึ่งครั้งหนึ่งเคยถูกเลิกใช้และถูกลืมอย่างไม่เป็นธรรม เวลาผ่านไป นักดนตรีจำเขาได้ เริ่มสนใจ และนำเขาขึ้นเวทีคอนเสิร์ตอีกครั้งเพื่อพิชิตใจผู้ฟังด้วยเสียงอันไพเราะ ปัจจุบัน ลูตมักเป็นผู้มีส่วนร่วมในคอนเสิร์ตดนตรีที่แท้จริง โดยแสดงทั้งในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยวและบรรเลงทั้งวง

วิดีโอ: ฟังเสียงพิณ

ฉันเคยสัญญาว่าจะพูดถึงเครื่องดนตรีญี่ปุ่น เวลานี้มาถึงแล้ว Biva ตกอยู่ในมือของฉันโดยบังเอิญ แต่เธอเปิดหัวข้อ :)

วันนี้ ความสนใจของเราจะถูกดึงดูดโดยมนต์ขลัง - แม้ว่าจะไม่นุ่มนวลและไม่โปร่งสบาย แต่ค่อนข้างรุนแรง เป็นโลหะและเป็นจังหวะ - เสียงของเครื่องดนตรีญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมที่เรียกว่าบิวะ (บิวะ)
บิวะเป็นพิณหรือแมนโดลินชนิดหนึ่งของญี่ปุ่น มันมาถึงญี่ปุ่นจากจีนในศตวรรษที่ 7 ในประเทศจีนเครื่องดนตรีที่คล้ายกันนี้เรียกว่า pipa (pipa) แต่มันมาถึงจีนจากเปอร์เซียในศตวรรษที่สี่
และรากของพิณยุโรปก็ไปถึงเอเชียกลางด้วย
ในญี่ปุ่น กว่าพันปีของการพัฒนาบิวะ มีแบบจำลองมากมาย โรงเรียนสอนเล่นและร้องเพลงมากมายปรากฏขึ้น

(นี่คือประเภทของการประสานเสียงบิวะกับวงออเคสตรา Gion shoja นักแต่งเพลง Hirohisa Akigishi
ในการบันทึกอารัมภบท "The tale" s of Heike "(เรื่องราวของ Heike ซึ่งเรียกอีกอย่างว่า" Taira monogatari ") นี่คือเนื้อหาหลัก งานร่วมสมัยซึ่งดำเนินการในบิวะ การบันทึกนี้ทำขึ้นในกรุงโซล ในปี 2547 ที่ศูนย์ Sejong)

เครื่องมือนี้มีรูปร่างคล้ายกับถั่วอัลมอนด์ที่ชี้ขึ้น ผนังด้านหน้าของลำตัวโค้งไปข้างหน้าเล็กน้อยด้านหลังแบน ผนัง - นั่นคือกระดานไม้สองแผ่น - อยู่ไม่ห่างกันนักเครื่องดนตรีค่อนข้างแบน ผนังด้านหน้ามีสามรู
บิวะมีเชือกสี่หรือห้าเส้นที่ทำจากเส้นไหมที่ดีที่สุดซึ่งติดกาวด้วยกาวข้าว ฟิงเกอร์บอร์ดมีเฟรตสูง 5 เฟรต

สายตึงค่อนข้างอิสระนั่นคือไม่ตึงมาก นักดนตรีกดสายหนักขึ้นเปลี่ยนความตึงเครียดนั่นคือเพิ่มระดับเสียง เราสามารถพูดได้ว่าเครื่องดนตรีไม่ได้รับการปรับแต่งเลยตามความหมายของคำในยุโรปตะวันตก แต่นักดนตรีสามารถเล่นโน้ตบางตัวได้โดยเปลี่ยนแรงกดสาย
แต่ประเด็นของเกมไม่ได้อยู่ที่การตีโน้ตที่ถูกต้อง จึงไม่มีการจับตายที่สาย นิ้วเปลี่ยน แรงกดตลอดเวลาทำให้เสียงลอยได้ นอกจากนี้ คุณสามารถใช้นิ้วเลื่อนสายไปตามเฟรตกว้างได้ จากนี้สายจะเริ่มส่งเสียงดังเช่นเดียวกับอินเดียนแดง เครื่องสายเหมือนซีตาร์หรือไวน์

บิวะจะถือในแนวตั้งและใช้ปิ๊กไม้รูปสามเหลี่ยมที่มีรูปร่างเหมือนพัดขนาดเล็กเมื่อเล่น ด้านหนึ่งยาวถึง 30 เซนติเมตร เป็นสะบักชนิดหนึ่ง การผลิตใบมีดเหล่านี้ - ศิลปะที่ยอดเยี่ยมพวกเขาจะต้องแน่นและยืดหยุ่นในเวลาเดียวกัน ต้นไม้สำหรับคนกลางแห้งเป็นเวลาสิบปี แน่นอนว่าใช้พันธุ์ไม้หายาก
ด้วยการเลือกคุณสามารถตีได้ไม่เพียงแค่สายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงร่างกายเช่นเดียวกับการเกาสาย อย่างไรก็ตามปรมาจารย์บอกว่านี่เป็นเทคนิคสมัยใหม่ซึ่งไม่เคยมีมาก่อน
แต่เป็นที่ชัดเจนว่ามีมากกว่าหนึ่งวิธีในการดีดสายด้วยปิ๊กขนาดใหญ่เช่นนี้ - และแน่นอนว่าสิ่งนี้สามารถได้ยินได้อย่างสมบูรณ์แบบ

BIWA (คิงเรคคอร์ด 2533)
ซีดีมีเพลงบรรเลงสองเพลงและเพลงบรรเลงเพลงร้องสี่เพลง ที่น่าประทับใจที่สุดคือเพลงมหากาพย์ "Kawanakajima" ("Island Between Two Rivers") ขับร้องโดย Enomoto Shisui
Enomoto Shizui เสียชีวิตในปี 1978 และเกิดในศตวรรษที่ 19 เขาเป็นสมาชิกของปรมาจารย์บิวะที่มีชื่อเสียงในยุคก่อนสงครามโลกครั้งที่สอง
ในศตวรรษที่ 19 และช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ศิลปะแห่งบิวะได้รับการฟื้นฟู ในโตเกียวเพียงแห่งเดียวมีช่างทำเครื่องดนตรีระดับปรมาจารย์ 30 คน หลังจากสงครามทั่วทั้งญี่ปุ่น - และทั่วโลก - เหลืออยู่เพียงชิ้นเดียว . ศิลปะนี้มีโอกาสที่จะหายไปตลอดกาล เพราะเนื้อเพลงเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของซามูไรที่ไม่ถูกต้องทางการเมือง
เมื่อเทียบกับนักร้องรุ่นใหม่ เสียงของ Enomoto Shizuya ฟังดูน่าสลดใจมากกว่า ตีโพยตีพายกว่า และผมว่าโหดเหี้ยมกว่า
เกาะที่อุทิศเพลงนี้เป็นผืนแผ่นดินระหว่างแม่น้ำสองสาย ในสถานที่นี้ในศตวรรษที่ 16 มีการสู้รบหลายครั้งระหว่างกองทัพของผู้นำทางทหารสองคน
ไม่อยากจะเชื่อเลยว่านี่คือเพลงบันเทิงที่คนฟังในตอนเย็น เบื่อกับสิ่งสำคัญ ไม่ ไม่ เพลงนี้ทำให้นึกถึงซามูไรอย่างชัดเจนถึงหน้าที่ของพวกเขาและจุดประกายจิตวิญญาณแห่งการต่อสู้ของพวกเขา

อีกรายการที่รู้จักกันดีคือ Atsumori ซึ่งเป็นบิวะในภาพด้วย

การตีโลหะที่แหลมคม - คล้ายกับการตีด้วยดาบ - ตัดกับเสียงที่ค่อยๆ เปิดเผยของนักร้อง เสียงสระลากยาวจังหวะเป็นอิสระมีการหยุดเพลงหลายครั้ง แต่ไม่สามารถเรียกได้ว่าซบเซา เธอเครียดและมีสมาธิมาก
อย่างไรก็ตาม การหยุดชั่วคราว ความว่างเปล่า ช่วงเวลาแห่งความเงียบงันในประเพณีของญี่ปุ่นก็ถือเป็นองค์ประกอบทางอะคูสติกเช่นกัน นั่นคือเสียง เรียกว่าคำว่า "มะ" ความเงียบอาจสั้นหรือยาว ตึงหรือสงบ ไม่คาดคิดหรือมีเหตุผล ความเงียบจะเน้นเสียงบางอย่างและเปลี่ยนการเน้นในวลีดนตรี

ในประวัติศาสตร์ของบิวะนั้นมีอยู่สองกระแสคู่ขนานกัน: ประการแรก บิวะเป็นส่วนหนึ่งของวงออร์เคสตราในราชสำนัก บิวะโบราณวางแนวนอนบนพื้นและเล่นด้วยปิ๊กเล็กๆ เธอเป็นเครื่องเพอร์คัชชัน
ในยุคกลาง ดนตรีบิวะถูกเล่นโดยขุนนางและข้าราชบริพารของพวกเขา เชื่อกันว่า ดนตรีนี้เป็นเพียงการบรรเลงเท่านั้น ใน วรรณกรรมคลาสสิกคำอธิบายมากมายเกี่ยวกับโซโลบิวะในยุคกลาง เสียงที่ไพเราะและสละสลวยและท่วงทำนองอันไพเราะที่มาจากจีนยังคงหลงเหลืออยู่ แต่บิวะเดี่ยวไม่ได้ถูกรักษาไว้ในประเพณีของดนตรีในราชสำนักจนถึงทุกวันนี้ ในวงออเคสตร้า Gagaku ท่อนบิวะนั้นเรียบง่ายจนไม่สามารถกำจัดความรู้สึกที่ว่าสิ่งสำคัญได้หายไปตามกาลเวลา
ประเพณีของบิวะในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยวถูกขัดจังหวะในศตวรรษที่ 13 และได้รับการฟื้นฟูในศตวรรษที่ 20 เท่านั้น

"Ichinotani" ที่ยกย่อง Biwa โดย Silvain Guignard (แฟรกโก) เวอร์ชั่นยุโรปอย่างที่คุณเห็น

แต่หน้าที่หลักของบิวะคือการแสดงเพลงยาวและเรื่องราวต่างๆ
จนถึงศตวรรษที่ 20 บิวะถูกเล่นโดยนักดนตรีที่ตาบอดเกือบทั้งหมด พวกเขาเรียกว่าบิวะโฮชิ บางคนเป็นพระสงฆ์และท่องพระสูตรและเพลงสวด แต่ถึงกระนั้น นักร้องส่วนใหญ่ก็เล่าเรื่องสงครามและการต่อสู้ของวีรบุรุษในตำนาน
ที่มีชื่อเสียงมากที่สุด มหากาพย์วีรบุรุษจากละครแนวบิวาโฮชิ - "Heike Monogatari" (Heike Monogatari)
นี่เป็นบทกวีที่ยิ่งใหญ่และค่อนข้างนองเลือดเกี่ยวกับการที่ตระกูล Heike (หรือที่รู้จักกันในชื่อ Taire) หลังจากรุ่งเรืองได้ไม่นานก็พ่ายแพ้ต่อตระกูล Genji (Genji หรือที่รู้จักในชื่อ Minamoto) ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 12
บทกวีมีทั้งหมด 200 ตอน โดยเป็นตอนธรรมดา 176 ตอน ความลับ 19 ตอน และอีก 5 ตอนที่เหลือเป็นความลับสุดยอด

(ขออภัยในคุณภาพของภาพและเสียง แสดงโดย Yukihiro Goto)
เรื่องราวทั้งหมดไม่ทางใดก็ทางหนึ่งแสดงให้เห็นถึงแนวคิดทางพุทธศาสนาเกี่ยวกับเหตุและผลตลอดจนความไม่เที่ยงของชะตากรรม
วันนี้ "Heike Monogatari" แสดงโดยนักดนตรีเพียงไม่กี่คนที่เล่นบิวะ คนอื่นมีละครที่ทันสมัยกว่านี้มาก
อย่างไรก็ตามมีความเห็นว่าเพลงวีรบุรุษที่แสดงในยุคกลางโดยพระตาบอดได้หายไปแล้ว เช่นเดียวกับประเพณีของบิวะในศาล ประเพณีการร้องเพลงอย่างกล้าหาญได้รับการฟื้นฟูหลายครั้งและเป็นไปได้มากว่าไม่ใช่รูปแบบที่มีอยู่เมื่อ 700 ปีที่แล้ว
แม้ว่าประวัติของเครื่องดนตรีจะย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 7 แต่เพลงที่รอดชีวิตมาจนถึงทุกวันนี้เห็นได้ชัดว่าไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับยุคกลางอีกต่อไป แต่สไตล์ซึ่งปัจจุบันเรียกว่าโบราณและคลาสสิกไม่ได้ก่อตัวขึ้น เมื่อนานมาแล้ว
ช่วงเวลาสำคัญในประวัติศาสตร์ของบิวะคือศตวรรษที่ 16
แล้วถูกสร้างขึ้น เครื่องมือใหม่ Satsuma biwa: ผู้นำของตระกูล Satsuma ได้ออกคำสั่งให้ปรับปรุงพิณที่มีกำลังต่ำและเจียมเนื้อเจียมตัวของพระตาบอดเพื่อให้มันกลายเป็นเครื่องดนตรีที่มีเสียงดังและคมชัดน่าประทับใจ บิวะมีขนาดใหญ่ขึ้น ลำตัวทำจากไม้เนื้อแข็ง เสียงของเธอกลายเป็นผู้ชายมากขึ้นถ้าไม่ก้าวร้าว
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(เสียงดีกว่า แต่ไม่อนุญาตให้ฝัง)
มีการเขียนเพลงใหม่ด้วย จุดประสงค์ของการกระทำนี้คือเพื่อการศึกษาและการโฆษณาชวนเชื่อ: ชายหนุ่มที่ผ่านการฝึกทหาร - ซึ่งก็คือซามูไรในอนาคต จะต้องเติบโตในจิตวิญญาณและเรียนรู้พื้นฐานของความกล้าหาญของอัศวินภายใต้เพลงเหล่านี้
จากนั้นไม่มีการเล่นและร้องเพลง - ซามูไรคนใดสามารถตะโกนข้อความที่เป็นวีรบุรุษและเพื่อการแสดงออกที่มากขึ้นให้ตีสตริงเป็นครั้งคราว เพลงเหล่านี้ไม่เพียงเรียกร้องให้เยาวชนหาประโยชน์เท่านั้น ซามูไรที่รอดชีวิตจากสงครามยังเล่าถึงแคมเปญของพวกเขารวมถึงเสียงของบิวะด้วย
เมื่อเวลาผ่านไป ประชากรที่ค่อนข้างสงบสุขเริ่มให้ความสนใจอย่างมากในดนตรีแนวทหารนี้ ดังนั้นสไตล์จึงปรากฏสำหรับพลเรือน: มาจิฟุ (สไตล์คนเมือง) - และสำหรับทหาร: ชิฟุ (สไตล์ซามูไร)
ตราสารชนิดใหม่ปรากฏขึ้น สมมติว่า chikuzen biwa (chikuzen-biwa) ปรากฏในศตวรรษที่ 19 มีอีกหนึ่งสายเพิ่มเติม - สายสูง ดังนั้นบิวะนี้จึงดูเป็นผู้หญิงและนุ่มนวลกว่า เล่นตามลำดับผู้หญิง

ในเพลงมหากาพย์ทั้งหมดที่แสดงร่วมกับบิวะ ข้อความเป็นร้อยแก้วเป็นจังหวะสลับกับบทกวีสั้นๆ บางวลีร้องตามท่วงทำนองที่เป็นที่ยอมรับ ตามด้วยช่วงพักเครื่องดนตรีสั้นๆ แต่ตามกฎแล้ว การเป่าหนึ่งหรือสองครั้งบนสายบิวะจะดังขึ้นในตอนท้ายของแต่ละวลีหรือแต่ละบท จังหวะเหล่านี้มีความแตกต่างในด้านเสียงต่ำ - บิวะมีความเป็นไปได้มากกว่าเสียงกลอง
หากเสียงของบิวะแสดงให้เห็นว่าผู้บรรยายร้องเพลงเกี่ยวกับอะไร แสดงว่าเป็นเสียงต่ำเท่านั้น - เสียงเบาหรือหูหนวก เสียงโลหะหรือเสียงฟู่ ... ข้อความร้องเป็นภาษาญี่ปุ่นคลาสสิก ผู้ฟังต้องเข้าใจว่าคืออะไร กล่าวคือ วรรณยุกต์ จังหวะ และเสียงสีสัมพันธ์กับเนื้อหาของละคร
นี่คือเพลงสำหรับการฟังโดยตรง สำหรับผู้ที่เห็นอกเห็นใจกับการกระทำ
เห็นได้ชัดว่าเราไม่รู้ภาษาก็ไม่ได้รับรู้อะไรมากมายในเพลงนี้ แต่เธอ อย่างน่าอัศจรรย์ไม่กลายเป็นสิ่งแปลกใหม่ แปลกประหลาด หรือมหัศจรรย์จากสิ่งนี้ ไม่ ไม่ มันยังคงมีความหมายและโน้มน้าวใจ
นอกจากนี้ยังเป็นที่น่าสนใจว่านี่เป็นเพลงที่มีอารมณ์รุนแรงและเปิดกว้าง และชาวญี่ปุ่น เช่นเดียวกับชาวพุทธคนอื่นๆ ดูเหมือนจะหลีกเลี่ยงการแสดงความรู้สึกของตน

ในญี่ปุ่น พลังที่ขับเคลื่อนจักรวาลเรียกว่า กิ มันเป็นพลังทางวิญญาณที่คล้ายกับ pneuma ของกรีก
นิพจน์ ki มีความสำคัญสูงสุดในทั้งหมด ศิลป์ญี่ปุ่น. ในจักรวาลขนาดใหญ่ ki สอดคล้องกับลม ในพิภพเล็ก ๆ กับลมหายใจของมนุษย์ ในภาษาญี่ปุ่น มีหลายคำที่เกี่ยวข้องกับ ki: ki-shФ (อากาศ), ki-haku (วิญญาณ)
พื้นฐานของเสียงร้องคือการหายใจ ดังนั้นการร้องเพลงจึงเป็นลักษณะหนึ่งของคี
ชาวญี่ปุ่นโบราณเชื่อว่าโดยการออกเสียงหรือพูดดีกว่า หายใจออก เป่าคำ พวกเขาแสดงกิริยาทางวิญญาณ และในภาษารัสเซียคำว่า "ลมหายใจ" และ "วิญญาณ" นั้นไม่ได้ต่างไปจากกันเลย
ประเพณีการร้องเพลงของญี่ปุ่นเกี่ยวข้องโดยตรงกับทัศนคติต่อคำว่าลมหายใจที่เต็มไปด้วยความหมาย

และการบันทึกสั้น ๆ นี้ไม่ได้เป็นเพียงดนตรี แต่เป็น Gagaku - ดนตรีพิธีการของพระราชวังอิมพีเรียลญี่ปุ่น

การร้องเพลงแบบยุโรป - เช่นเดียวกับดนตรีอื่น ๆ ทั้งหมด - ขึ้นอยู่กับระดับเสียงและระยะเวลาของเสียง ใน ญี่ปุ่นโบราณการร้องเพลงได้หลอมรวมองค์ประกอบทางอะคูสติก เช่น สีของเสียง พลังงาน ความดัง และคุณภาพของเสียงให้เป็นอักษรอียิปต์โบราณเสียงเดียว
มันเป็นอะไรที่มากกว่าโน้ตที่ถูกต้องอย่างล้นพ้น
และดนตรีบิวะนั้นแตกต่างจากดนตรียุโรปตะวันตกหลายประการ เครื่องดนตรีญี่ปุ่นมีทัศนคติที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิงต่อเสียงและจังหวะ
โทรุ ทาเคมิตสึ นักแต่งเพลงสมัยใหม่ชาวญี่ปุ่นได้ประพันธ์เพลงหลายเพลงที่ใช้บิวะร่วมกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี มีวิธีดั้งเดิมในการบันทึกเพลงบิวะ - เมื่อเทียบกับยุโรปตะวันตกแล้วดูเหมือนว่าจะใกล้เคียงกันมาก

เพลง Kwaidan, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964

นี่อุทิศให้กับ Toru Takemitsu

เมื่อนักแสดงบิวะในผลงานการประพันธ์ชิ้นหนึ่งของเขาอาสาศึกษาสัญกรณ์ยุโรปตะวันตก ทาเคมิตสึก็ห้ามไม่ให้เธอทำเช่นนั้น “นี่คือสิ่งสุดท้ายที่ฉันคาดหวังจากคุณ” นักแต่งเพลงกล่าว “ฉันจะศึกษาการบันทึกเสียงดนตรีบิวะแบบดั้งเดิมด้วยตนเองและเรียนรู้วิธีใช้ คุณไม่จำเป็นต้องใช้โน้ตแบบตะวันตก ทุกวันนี้ความรู้สึกดั้งเดิมของเสียงกำลังจะตายเนื่องจากระบบตะวันตก ปรับจูนเครื่องดนตรีและการบันทึกเพลงด้วยโน้ต

กาลครั้งหนึ่งนานมาแล้ว บิวะโบราณหายไปจากพระราชวังของจักรพรรดิเทนโน ชื่อของเธอคือเกนโจ เธอไม่มีราคา เธอแพงมาก จักรพรรดิไม่สามารถหาสถานที่สำหรับตัวเองได้ ถ้ามันถูกขโมย ขโมยก็ต้องทำลายมัน - มันเป็นไปไม่ได้ที่จะขายมัน จักรพรรดิแน่ใจว่าบิวะของเขาถูกขโมยไปเพื่อทำให้วิญญาณของเขามืดมน
มินาโมโตะ โนะ ฮิโรมาสะเป็นขุนนางและเป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยม เขาเองก็เสียใจมากกับการสูญเสีย
คืนหนึ่งเขาได้ยินเสียงเชือก - ไม่ต้องสงสัยเลยว่านั่นคือบิวะของเก็นโจ ฮิโรมาสะปลุกเด็กรับใช้และพวกเขาก็ไปจับขโมย พวกเขาเข้าใกล้เสียงมากขึ้น แต่มันก็ถอยห่างออกไปเรื่อยๆ จิตวิญญาณบางอย่างที่เล่นบนบิวะ - มีเพียงฮิโรมาสะเท่านั้นที่ได้ยินเสียงเครื่องสาย
เขาเดินตามเสียงนั้นไปจนสุด จุดใต้เกียวโต - สู่ประตู Rashomon ที่เป็นลางไม่ดี Hiromasa และคนรับใช้ของเขายืนอยู่ใต้ประตู ได้ยินเสียงพิณดังมาจากด้านบน “มันไม่ใช่มนุษย์” ฮิโรมาสะกระซิบ “มันคือปีศาจ”
เขาขึ้นเสียง "เฮ้ ใครเล่นเก็นโจ! จักรพรรดิ Tenno ได้ค้นหาเครื่องมือตั้งแต่มันหายไป ฉันรู้ว่าคุณอยู่ที่นี่ ฉันติดตามคุณมาตลอดตั้งแต่พระราชวัง!”
เสียงเพลงหยุดลง มีบางอย่างตกลงมาจากด้านบนและแขวนอยู่ที่ทางเดิน ฮิโรมาสะถอยกลับ - เขาคิดว่ามันเป็นปีศาจ แต่พิณของ Genjou ห้อยลงมาจากเชือกด้านบน
จักรพรรดิมีความสุขมากกับการกลับมาของเก็นโจ ไม่มีใครสงสัยเลยว่าเป็นปีศาจที่ขโมยสมบัติแล้วมอบให้ ฮิโรมาสะได้รับรางวัลอย่างไม่เห็นแก่ตัว
เก็นโจยังอยู่ พระราชวังอิมพีเรียล. นี่ไม่ใช่แค่พิณ แต่เป็นสิ่งที่มีชีวิตด้วยลักษณะเฉพาะของมันเอง หากนักดนตรีที่ไม่ชำนาญหยิบขึ้นมา ก็จะไม่ส่งเสียง
วันหนึ่งเกิดไฟไหม้ในพระราชวัง ทุกคนวิ่งหนีและไม่มีใครคิดจะช่วยเก็นโจ แต่บังเอิญพบเธอที่สนามหญ้าหน้าพระราชวังซึ่งดูเหมือนว่าเธอจะโดนเอง!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

สี จิ้นผิง ประธานจีน สาธารณรัฐของประชาชนกล่าวในการประชุมสัมมนาที่อุทิศให้กับวันครบรอบ 69 ปีของชัยชนะเหนือผู้รุกรานของญี่ปุ่นในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง โดยเรียกร้องให้ญี่ปุ่นใช้แนวทางที่มีความรับผิดชอบมากขึ้นในการประเมิน ...

เพิ่ม: 04 มี.ค. 2014

ดนตรีและเครื่องดนตรีประจำชาติของญี่ปุ่น

ดินแดนแห่งอาทิตย์อุทัย ประเทศญี่ปุ่นมีวัฒนธรรมที่โดดเด่นและเป็นเอกลักษณ์ มรดกของชาติที่ยิ่งใหญ่มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับดนตรี เพลงชาติญี่ปุ่นเป็นปรากฏการณ์เดิมซึ่งเกิดจากความโดดเดี่ยวของประเทศ

ชาวญี่ปุ่นมักจะปฏิบัติต่ออนุสรณ์สถานแห่งวัฒนธรรมของบ้านเกิดอย่างระมัดระวังและให้ความเคารพ ดนตรีใด ๆ ก็เป็นไปไม่ได้หากไม่มีเครื่องดนตรี วัฒนธรรมดนตรีของญี่ปุ่นมีแนวเพลงที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง สิ่งนี้อธิบายถึงความหลากหลายของเครื่องดนตรีที่ใช้ในการสร้างผลงานชิ้นเอกทางดนตรี

เครื่องดนตรีเด่น

หนึ่งในเครื่องดนตรีญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ ชามิเซ็นซึ่งเปรียบได้กับพิณ อยู่ในประเภทเครื่องดีดสามสาย เขามาจาก ซันชินะซึ่งจะมาจาก ซานเซียนซึ่งมีถิ่นกำเนิดในประเทศจีน

ดนตรีและการเต้นรำของญี่ปุ่นจะไม่สมบูรณ์หากไม่มีชามิเซ็น ซึ่งยังคงได้รับความเคารพมาจนถึงทุกวันนี้ เกาะญี่ปุ่นและมักใช้ในโรงละครญี่ปุ่น บุนราคุและคาบุกิ. สิ่งสำคัญคือเกมบนชามิเซ็นรวมอยู่ในโปรแกรมการฝึกอบรมสำหรับเกอิชา - ไมโกะ

ดนตรีประจำชาติของญี่ปุ่นเชื่อมโยงกับฟลุตอย่างแยกไม่ออก เครื่องดนตรี เชื้อเพลิงอยู่ในตระกูลฟลุตที่ขึ้นชื่อเรื่องเสียงสูง ทำจากไม้ไผ่ ขลุ่ยนี้มีต้นกำเนิดมาจากขลุ่ยจีน --" ป๋ายเซียว«.

ขลุ่ยที่มีชื่อเสียงที่สุดในตระกูล Fu คือ ชาคุฮาจิ, ซึ่งใช้เป็นเครื่องดนตรีของพระสงฆ์นิกายเซ็น ตามตำนาน ชาคุฮาจิถูกคิดค้นโดยชาวนาธรรมดา เมื่อเขากำลังขนย้ายไม้ไผ่ เขาได้ยินเสียงดนตรีอันน่าอัศจรรย์ที่ออกมาจากไม้ไผ่เมื่อลมพัดเข้ามา

ขลุ่ย fue และ shamisen มักถูกใช้เป็นดนตรีประกอบในโรงละคร Banraku และ Kabuki และวงดนตรีต่างๆ ฟูเอตบางส่วนสามารถปรับให้เข้ากับแนวทางตะวันตกได้ และด้วยเหตุนี้จึงกลายเป็นศิลปินเดี่ยว เป็นที่น่าสนใจว่าการเล่นฟิวในสมัยก่อนนั้นมีลักษณะเฉพาะสำหรับพระพเนจรชาวญี่ปุ่นเท่านั้น

ซุยคินคุตสึ

อีกหนึ่งเครื่องมือที่แสดงถึง วัฒนธรรมญี่ปุ่นเป็น ซุยคินคุตสึ. มีลักษณะเป็นเหยือกคว่ำซึ่งมีน้ำไหลผ่าน เมื่อเข้าไปในรูบางรู จะทำให้เครื่องดนตรีส่งเสียงที่คล้ายกับเสียงกระดิ่ง เครื่องดนตรีนี้เล่นก่อนพิธีชงชา และยังใช้เป็นคุณลักษณะของสวนญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมอีกด้วย

อย่างไรก็ตาม เพื่อความสะดวก พิธีชงชาสามารถจัดขึ้นในสวนได้ เสียงของเครื่องดนตรีทำให้คนรู้สึกผ่อนคลายอย่างอธิบายไม่ได้สร้างอารมณ์ครุ่นคิด สภาพเช่นนี้เหมาะมากสำหรับการดื่มด่ำกับเซน เนื่องจากการพักผ่อนในสวนระหว่างพิธีชงชาเป็นส่วนหนึ่งของประเพณีเซน

เข้าใจมากขึ้นสำหรับการรับรู้ของเราคือเครื่องมือ ไทโกะ,ซึ่งแปลเป็นภาษารัสเซียแปลว่า "กลอง" ไทโกะมีชื่อเสียงในกิจการทางทหารเช่นเดียวกับประเทศอื่น ๆ ดังที่พวกเขากล่าวไว้ ในพงศาวดารของ Gunji Yeshu การโจมตี 9 ต่อ 9 ครั้งหมายถึงการเรียกร้องให้สู้รบ และในทางกลับกัน 9 ต่อ 3 หมายความว่าศัตรูจะต้องถูกไล่ตาม

ควรระลึกไว้เสมอว่าในระหว่างการแสดงของมือกลอง ควรให้ความสนใจกับความสวยงามของการแสดงที่เขานำเสนอ เนื่องจากไม่เพียงแต่ท่วงทำนองและจังหวะของการแสดงเท่านั้นที่มีความสำคัญ แต่ยังรวมถึงรูปลักษณ์ของเครื่องดนตรีที่ใช้เมโลดี้ด้วย กำลังเล่น

แนวเพลงญี่ปุ่น

ดนตรีพื้นบ้านของญี่ปุ่นพัฒนาไปไกลมาก มีต้นกำเนิดมาจากเพลงวิเศษ ต่อมาได้พัฒนาและก่อร่างสร้างตัวขึ้น แนวดนตรีได้รับอิทธิพลจากลัทธิขงจื๊อและศาสนาพุทธ ดังนั้นดนตรีญี่ปุ่นจึงเกี่ยวข้องกับพิธีกรรม วันหยุดตามประเพณี การแสดงละคร และกิจกรรมอื่นๆ ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ญี่ปุ่น เพลงชาติพันธุ์, ฟังออนไลน์ซึ่งในโลกสมัยใหม่สามารถเป็นได้ทุกเวลาของวันและทุกที่ได้กลายเป็น ส่วนสำคัญ มรดกทางวัฒนธรรมประเทศ.

มีสองหลักส่วนใหญ่ สายพันธุ์ยอดนิยมเพลงชาติญี่ปุ่น.

• คนแรกคือ โชเมียวซึ่งเป็นบทสวดทางพระพุทธศาสนา
• ที่สอง - กากาคุซึ่งเป็นดนตรีประเภทออเคสตร้าในราชสำนัก

แต่ก็มีประเภทดังกล่าวที่ไม่มีรากโบราณ พวกเขาเป็นของ ยาสุงิ บูชิ และ เอนกะ.

แนวเพลงพื้นบ้านของญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ ยาสุงิ บูชิซึ่งตั้งชื่อตามเมืองยาสึกิ ธีมของประเภทนี้เชื่อมโยงกับประวัติศาสตร์สมัยโบราณและนิทานปรัมปรา-กวีนิพนธ์ แต่ยาสุงิ บูชิไม่ได้เป็นเพียงเพลงเท่านั้น แต่ยังเป็นการเต้นรำอีกด้วย ซุคุอิ โดโจตลอดจนศิลปะการเล่นกลประกอบเสียงดนตรี เซนิ ไดโกะซึ่งใช้ก้านไม้ไผ่เป็นเครื่องดนตรีใส่เหรียญ

เอ็นก้าเป็นแนวเพลงที่เกิดขึ้นค่อนข้างเร็วในช่วงหลังสงคราม ในนั้น ลวดลายพื้นบ้านของญี่ปุ่นผสมผสานกับดนตรีแจ๊สและบลูส์ ดังนั้นดนตรีญี่ปุ่นจึงมีความเป็นตัวของตัวเอง ลักษณะประจำชาติจึงแตกต่างจากแนวดนตรีอื่น ๆ ในประเทศอื่น ๆ ดังนั้นจึงมีเครื่องดนตรีที่เรียกว่าบ่อร้องเพลงซึ่งคุณจะไม่เห็นที่ใดในโลกยกเว้นบางทีในทิเบต

ดนตรีญี่ปุ่นมีลักษณะพิเศษคือมีจังหวะและจังหวะที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา มักจะไม่มีขนาดอยู่ในนั้น ดนตรีญี่ปุ่นมีความใกล้ชิดกับเสียงของธรรมชาติ ซึ่งทำให้มีความลึกลับและแปลกประหลาดมากยิ่งขึ้น

วิดีโอ: เพลงญี่ปุ่นออนไลน์

ดูตาร์ ดู่ - สอง น้ำมันดิน - สตริง เครื่องดนตรีที่มีเฟร็ตปลอมและสายสองเส้น คุณคิดว่ายิ่งสตริงน้อยยิ่งเล่นง่าย เพราะเหตุใด

ถ้าอย่างนั้นฟังหนึ่งในนั้น ช่างฝีมือที่ดีที่สุดเล่นดูตาร์ - อับดูราคิม ไคตา ชาวอุยกูร์จากซินเจียง ประเทศจีน
นอกจากนี้ยังมี Turkmen dutar สายและเฟร็ตของ Turkmen dutar เป็นโลหะ ตัวเครื่องทำจากไม้ชิ้นเดียว เสียงที่สดใสและดังกังวาล เครื่องดนตรีดูตาร์ของเติร์กเมนิสถานเป็นเครื่องดนตรีชิ้นโปรดของฉันในช่วงสามปีที่ผ่านมา และเครื่องดนตรีดูตาร์ที่แสดงในภาพเพิ่งนำมาให้ฉันจากทาชเคนต์ไม่นานมานี้ เครื่องมือที่น่าทึ่ง!

อาเซอร์ไบจาน saz. เครื่องสายทั้ง 9 สายแบ่งออกเป็นสามกลุ่ม แต่ละสายได้รับการปรับเสียงอย่างพร้อมเพรียงกัน เครื่องดนตรีที่คล้ายกันในตุรกีเรียกว่าบากลามา

อย่าลืมฟังว่าเครื่องดนตรีนี้ให้เสียงอย่างไรเมื่ออยู่ในมือของปรมาจารย์ หากคุณมีเวลาน้อย ให้ดูอย่างน้อยตั้งแต่ 2:30 น.
จาก saz และ baglama เครื่องดนตรีกรีก bouzouki และเวอร์ชันไอริช

Oud หรือ al-ud ถ้าคุณเรียกเครื่องดนตรีนี้ในภาษาอาหรับ มันมาจากชื่อภาษาอาหรับของเครื่องดนตรีนี้ซึ่งเป็นที่มาของชื่อพิณยุโรป Al-ud - lute, lute - คุณได้ยินไหม? ไม้อู๊ดแบบปกติไม่มีเฟรต - เฟรตในตัวอย่างจากคอลเลคชันของฉันนี้ปรากฏในความคิดริเริ่มของฉัน

ฟังว่าปรมาจารย์จากโมร็อกโกเล่นอู๊ดอย่างไร

จากไวโอลิน Erhu สองสายของจีนที่มีตัวสะท้อนเสียงที่เรียบง่ายและเยื่อหุ้มหนังขนาดเล็ก กิดจักแห่งเอเชียกลางถือกำเนิดขึ้น ซึ่งในคอเคซัสและตุรกีเรียกว่าเคมันชา

ฟังว่า kemancha ฟังอย่างไรเมื่อ Imamyar Khasanov เล่น

rubab มีห้าสาย สี่ตัวแรกจะเพิ่มเป็นสองเท่า แต่ละคู่จะถูกปรับโดยพร้อมเพรียงกัน และสายเบสจะเป็นหนึ่งเดียว คอยาวมีเฟรตตามสเกลสีเกือบสองอ็อกเทฟและรีโซเนเตอร์ขนาดเล็กพร้อมเมมเบรนหนัง คุณคิดว่าเขาที่โค้งลงมาจากคอถึงเครื่องดนตรีหมายถึงอะไร รูปร่างของมันทำให้คุณนึกถึงหัวแกะหรือไม่? แต่รูปร่างโอเค - ช่างเป็นเสียง! คุณน่าจะเคยได้ยินเสียงของเครื่องดนตรีชิ้นนี้! มันสั่นสะเทือนและสั่นแม้กับคอที่ใหญ่โตของมัน มันเติมเต็มพื้นที่ทั้งหมดด้วยเสียงของมัน

ฟังเสียงของ Kashgar rubab แต่ rubab ของฉันฟังดูดีกว่าจริงๆ

น้ำมันดินอิหร่านมีลำตัวกลวง 2 ชั้นทำจากไม้ชิ้นเดียวและเยื่อที่ทำจากหนังปลาอย่างดี สายหกคู่: สายเหล็กสองเส้น ตามด้วยเหล็กและทองแดงผสมกัน และคู่ถัดไปปรับเป็นอ็อกเทฟ - สายทองแดงหนาจะปรับอ็อกเทฟใต้เหล็กบาง น้ำมันดินของอิหร่านได้บังคับเฟร็ตที่ทำจากเส้นเลือด

ฟังว่าน้ำมันดินอิหร่านมีเสียงอย่างไร
น้ำมันดินของอิหร่านเป็นบรรพบุรุษของเครื่องดนตรีหลายชนิด หนึ่งในนั้นคือ setar ของอินเดีย (se - three, tar - string) และฉันจะพูดถึงอีกสองตัวด้านล่าง

อาเซอร์ไบจันทาร์ไม่มีหก แต่มีสิบเอ็ดสาย เช่นเดียวกับน้ำมันดินอิหร่าน 6 สาย สายเบสเพิ่มเติมและสายที่ไม่ได้เล่นอีก 4 สายที่กังวานเมื่อเล่น เพิ่มเสียงก้องให้กับเสียงและทำให้เสียงอยู่ได้นานขึ้น Tar และ kemancha อาจเป็นเครื่องดนตรีหลักสองชิ้นของดนตรีอาเซอร์ไบจัน

ฟังสักครู่ เริ่มเวลา 10:30 น. หรืออย่างน้อยเริ่มเวลา 13:50 น. คุณไม่เคยได้ยินเรื่องแบบนี้มาก่อนและนึกไม่ถึงว่าการแสดงแบบนี้จะเป็นไปได้ในเครื่องดนตรีชิ้นนี้ เรื่องนี้เล่นโดยพี่ชายของ Imamyar Khasanov - Rufat

มีสมมติฐานว่าน้ำมันดินเป็นบรรพบุรุษของกีตาร์ยุโรปสมัยใหม่

เมื่อเร็ว ๆ นี้เมื่อฉันพูดถึงหม้อไฟฟ้าพวกเขาตำหนิฉัน - พวกเขาพูดว่าฉันเอาวิญญาณออกจากหม้อต้ม อาจมีการพูดเรื่องเดียวกันนี้กับคนที่เมื่อ 90 ปีก่อนเดาว่าจะวางปิ๊กอัพบนกีตาร์อะคูสติก ประมาณสามสิบปีต่อมา กีตาร์ไฟฟ้าตัวอย่างที่ดีที่สุดได้ถูกสร้างขึ้น ซึ่งยังคงเป็นมาตรฐานมาจนถึงทุกวันนี้ หนึ่งทศวรรษต่อมา The Beatles ก็ปรากฏตัวขึ้น หินกลิ้งตามด้วย Pink Floyd
และความคืบหน้าทั้งหมดนี้ไม่ได้รบกวนผู้ผลิต กีต้าร์โปร่งและผู้เล่นกีตาร์คลาสสิก

แต่เครื่องดนตรีไม่ได้แพร่กระจายจากตะวันออกไปตะวันตกเสมอไป ตัวอย่างเช่นหีบเพลงกลายเป็นเรื่องผิดปกติ เครื่องดนตรียอดนิยมในอาเซอร์ไบจานในศตวรรษที่ 19 เมื่อผู้ตั้งถิ่นฐานชาวเยอรมันกลุ่มแรกปรากฏตัวที่นั่น

หีบเพลงของฉันทำโดยปรมาจารย์คนเดียวกับที่ทำเครื่องดนตรีให้กับ Aftandil Israfilov ฟังว่าเสียงเครื่องดนตรีนี้เป็นอย่างไร

โลกของเครื่องดนตรีตะวันออกมีขนาดใหญ่และหลากหลาย ฉันยังไม่ได้แสดงให้คุณเห็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชันของฉัน ซึ่งยังห่างไกลจากความสมบูรณ์ แต่ฉันต้องบอกคุณเกี่ยวกับเครื่องดนตรีอีกสองชิ้น
ท่อที่มีกระดิ่งอยู่ด้านบนเรียกว่า zurna และเครื่องดนตรีที่อยู่ข้างใต้นั้นเรียกว่า ดูดุก หรือ บาลาบัน

การเฉลิมฉลองและงานแต่งงานเริ่มต้นด้วยเสียงของ Zurna ในคอเคซัส ตุรกี และอิหร่าน

นี่คือลักษณะของเครื่องดนตรีที่คล้ายกันในอุซเบกิสถาน

ในอุซเบกิสถานและทาจิกิสถาน zurna เรียกว่า surnay ใน เอเชียกลางและอิหร่าน เสียงที่เอ้อระเหยของเครื่องดนตรีอีกชิ้นหนึ่งคือ คาร์เนย์ จำเป็นต้องเพิ่มเข้าไปในเสียงของซุนนะห์และรำมะนา Karnay-surnay เป็นวลีที่มั่นคงซึ่งแสดงถึงการเริ่มต้นของวันหยุด

ที่น่าสนใจคือเครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้องกับ karnay มีอยู่ใน Carpathians และชื่อนี้เป็นที่คุ้นเคยสำหรับหลาย ๆ คน - trembita

และท่ออันที่สองที่แสดงในรูปภาพของฉัน เรียกว่า บาลาบัน หรือ ดูดุก ในตุรกีและอิหร่าน เครื่องดนตรีนี้เรียกอีกอย่างว่า mey

ฟังว่า Alikhan Samedov เล่นบาลาบันอย่างไร

เราจะกลับไปที่บาลาบัน แต่ตอนนี้ฉันต้องการพูดคุยเกี่ยวกับสิ่งที่ฉันเห็นในปักกิ่ง
เท่าที่คุณเข้าใจ ฉันสะสมเครื่องดนตรี และทันทีที่ฉันมีเวลาว่างระหว่างการเดินทางไปปักกิ่ง ฉันก็รีบไปที่ร้านขายเครื่องดนตรีทันที สิ่งที่ฉันซื้อเองในร้านนี้ฉันจะบอกคุณอีกครั้ง และตอนนี้ฉันไม่ได้ซื้อและสิ่งที่ฉันเสียใจมาก
ในหน้าต่างมีท่อที่มีระฆัง การออกแบบคล้ายกับ Zurna
- เรียกว่าอย่างไร? ฉันถามผ่านล่าม
- Sona - พวกเขาตอบฉัน
- คล้ายกับ "sorna - surnay - zurna" - ฉันคิดดัง ๆ และผู้แปลยืนยันการเดาของฉัน:
- คนจีนไม่ออกเสียงตัวอักษร r กลางคำ

คุณสามารถอ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับความหลากหลายของ zurna ของจีน
แต่คุณรู้ไหม zurna และ balaban นั้นไปด้วยกันได้ การออกแบบของพวกเขามีหลายอย่างที่เหมือนกัน - นั่นอาจเป็นเหตุผล และสิ่งที่คุณคิดว่า? ถัดจากเครื่องดนตรีโซนาคือเครื่องดนตรีอีกชิ้นหนึ่ง - กวนหรือกวนจี นี่คือสิ่งที่ดูเหมือน:

นี่คือสิ่งที่ดูเหมือน พวกสหายสุภาพบุรุษ แต่นี่คือ duduk!
แล้วเขาไปถึงเมื่อไหร่? ในศตวรรษที่แปด ดังนั้นจึงสันนิษฐานได้ว่ามาจากประเทศจีน - เวลาและภูมิศาสตร์ตรงกัน
จนถึงขณะนี้ มีเอกสารเพียงว่าเครื่องมือนี้แพร่กระจายไปทางตะวันออกจากซินเจียง พวกเขาเล่นเครื่องดนตรีนี้ในซินเจียงสมัยใหม่ได้อย่างไร?

รับชมและรับฟังตั้งแต่วินาทีที่ 18! แค่ฟังว่าอุยกูร์บาลามานมีเสียงที่หรูหราเพียงใด - ใช่เรียกที่นี่ว่าเหมือนกับในภาษาอาเซอร์ไบจันทุกประการ (มีการออกเสียงชื่อดังกล่าว)

แล้วมาทานอาหารกันเถอะ ข้อมูลเพิ่มเติมในแหล่งข้อมูลอิสระ เช่น ในสารานุกรมอิหร่าน:
บาลาบัน
ช. ไบรท์
เครื่องดนตรีประเภทเป่าลมสองลิ้นที่มีรูเจาะเป็นทรงกระบอก ยาวประมาณ 35 ซม. มีรูนิ้วเจ็ดรูและรูหัวแม่มือหนึ่งรู เล่นในอาเซอร์ไบจานตะวันออกในอิหร่านและในสาธารณรัฐอาเซอร์ไบจาน

หรืออิหร่านิกาเห็นอกเห็นใจอาเซอร์ไบจานหรือไม่? TSB ยังบอกด้วยว่าคำว่า duduk มีต้นกำเนิดจากภาษาเตอร์ก
อาเซอร์ไบจานและอุซเบกติดสินบนคอมไพเลอร์หรือไม่?
คุณจะไม่สงสัยว่าชาวบัลแกเรียเห็นอกเห็นใจพวกเติร์กอย่างแน่นอน!
บนไซต์ภาษาบัลแกเรียที่รุนแรงมากสำหรับคำว่า duduk:
ดูดุก, ดูดุก; duduk, dudyuk (จากภาษาตุรกี düdük), squeaker, svorche, glasnik, เพิ่มเติม - Naroden darven เป็นเครื่องดนตรีประเภท Aerophonite, ท่อครึ่งปิด
พวกเขาชี้ไปที่ที่มาของคำในภาษาตุรกีอีกครั้ง และเรียกมันว่าเครื่องดนตรีพื้นบ้านของพวกเขา
เครื่องมือนี้แพร่หลายโดยส่วนใหญ่ในหมู่ชนชาติเตอร์กหรือในหมู่ชนชาติที่มีการติดต่อกับพวกเติร์ก และทุกประเทศถือว่ามันเป็นเครื่องดนตรีประจำชาติของตนอย่างมีเหตุผล แต่มีเพียงหนึ่งเดียวที่ใช้เครดิตสำหรับการสร้าง

ท้ายที่สุด มีเพียงคนเกียจคร้านเท่านั้นที่ไม่ได้ยินว่า "ดูดุกเป็นคนโบราณ เครื่องดนตรีอาร์เมเนีย" ในเวลาเดียวกันพวกเขาบอกใบ้ว่า duduk ถูกสร้างขึ้นเมื่อสามพันปีที่แล้ว - นั่นคือในอดีตที่พิสูจน์ไม่ได้ แต่ข้อเท็จจริงและตรรกะเบื้องต้นแสดงให้เห็นว่าไม่เป็นเช่นนั้น

กลับไปที่จุดเริ่มต้นของบทความนี้และดูเครื่องดนตรีอีกครั้ง เครื่องดนตรีเหล่านี้เกือบทั้งหมดเล่นในอาร์เมเนียด้วย แต่ค่อนข้างชัดเจนว่าเครื่องมือเหล่านี้มีอีกมากมาย นานาประเทศด้วยประวัติศาสตร์ที่ชัดเจนและเข้าใจได้ซึ่งชาวอาร์เมเนียอาศัยอยู่ ลองนึกภาพคนกลุ่มเล็กๆ ที่อาศัยอยู่อย่างกระจัดกระจายท่ามกลางชนชาติอื่นๆ ที่มีรัฐและอาณาจักรเป็นของตนเอง คนเช่นนี้จะสร้างเครื่องดนตรีครบชุดสำหรับวงออร์เคสตราทั้งหมดหรือไม่?
ตรงไปตรงมา ฉันก็คิดเหมือนกันว่า: "เอาล่ะ เครื่องดนตรีเหล่านั้นมีขนาดใหญ่และซับซ้อน เลิกกันเถอะ แต่อย่างน้อยชาวอาร์เมเนียก็คิดท่อได้" และปรากฎว่าไม่ พวกเขาไม่ได้ทำ หากพวกเขาคิดขึ้นมาท่อนี้จะมีชื่ออาร์เมเนียล้วน ๆ ไม่ใช่ tsiranopok เชิงกวีและเชิงเปรียบเทียบ (วิญญาณของต้นแอปริคอท) แต่เป็นสิ่งที่ง่ายกว่าเป็นที่นิยมมากกว่าโดยมีรากเดียวหรือสร้างคำเลียนเสียงธรรมชาติทั้งหมด จนถึงตอนนี้ แหล่งที่มาทั้งหมดชี้ไปที่นิรุกติศาสตร์ของชื่อของเครื่องดนตรีนี้ และภูมิศาสตร์และวันที่จำหน่ายแสดงให้เห็นว่า duduk เริ่มจำหน่ายจากเอเชียกลาง
ลองตั้งสมมติฐานอีกครั้งแล้วบอกว่า duduk มาถึงซินเจียงจากอาร์เมเนียโบราณ แต่อย่างไร? ใครพาเขาไปที่นั่น? คนอะไรอพยพจากคอเคซัสไปยังเอเชียกลางในช่วงเปลี่ยนสหัสวรรษแรก? ไม่มีชนชาติดังกล่าว! แต่พวกเติร์กย้ายจากเอเชียกลางไปทางตะวันตกอย่างต่อเนื่อง พวกเขาสามารถแพร่กระจายเครื่องมือนี้ได้ดีในคอเคซัสและในดินแดนของตุรกีสมัยใหม่และแม้แต่ในบัลแกเรียตามที่เอกสารระบุ

ฉันคาดการณ์อีกหนึ่งข้อโต้แย้งของผู้พิทักษ์ของต้นกำเนิดของ duduk เวอร์ชันอาร์เมเนีย เช่นเดียวกับ duduk จริง ๆ ทำจากต้นแอปริคอทเท่านั้น ซึ่งในภาษาละตินเรียกว่า Prúnus armeniáca แต่ก่อนอื่นแอปริคอตในเอเชียกลางนั้นไม่น้อยไปกว่าในคอเคซัส ชื่อภาษาละตินไม่ได้ระบุว่าต้นไม้ชนิดนี้แพร่กระจายไปทั่วโลกจากอาณาเขตของพื้นที่ที่มีชื่อทางภูมิศาสตร์ของอาร์เมเนีย จากนั้นมันก็บุกเข้าไปในยุโรปและอธิบายโดยนักพฤกษศาสตร์เมื่อประมาณสามร้อยปีก่อน ในทางตรงกันข้าม มีรุ่นที่แอปริคอตแพร่กระจายจาก Tien Shan ซึ่งส่วนหนึ่งอยู่ในประเทศจีน และส่วนหนึ่งอยู่ในเอเชียกลาง ประการที่สอง ประสบการณ์ของคนที่มีพรสวรรค์แสดงให้เห็นว่าเครื่องดนตรีนี้สามารถทำจากไม้ไผ่ได้ และบาลาบันที่ฉันโปรดปรานทำจากมัลเบอร์รี่และฟังดูดีกว่าแอปริคอตมาก ซึ่งฉันก็มีเช่นกันและผลิตในอาร์เมเนียเท่านั้น

ฟังว่าฉันเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องดนตรีนี้ได้อย่างไรในสองสามปี เข้าร่วมในการบันทึก ศิลปินแห่งชาติ Turkmen Gasan Mammadov (ไวโอลิน) และ People's Artist of Ukraine, เพื่อนร่วมชาติของฉันจาก Fergana, Enver Izmailov (กีตาร์)

จากทั้งหมดนี้ ฉันต้องการแสดงความเคารพต่อ Jivan Gasparyan นักแสดงดูดุกผู้ยิ่งใหญ่ชาวอาร์เมเนีย ชายผู้นี้ทำให้เครื่องดนตรี duduk เป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ต้องขอบคุณผลงานของเขาที่ทำให้เกิดโรงเรียนสอนเล่น duduk ที่ยอดเยี่ยมขึ้นในอาร์เมเนีย
แต่คุยกัน อาร์เมเนีย duduk" ใช้ได้เฉพาะกับเครื่องดนตรีเฉพาะหากผลิตในอาร์เมเนีย หรือเกี่ยวกับประเภทของดนตรีที่เกิดขึ้นจากฝีมือของ J. Gasparyan ระบุ ต้นกำเนิดของอาร์เมเนีย duduk ทำได้เฉพาะคนที่ยอมให้ตัวเองยืนยันโดยไม่มีเหตุผล

โปรดทราบว่าตัวฉันเองไม่ได้ระบุสถานที่ที่แน่นอนหรือเวลาที่แน่นอนของการปรากฏตัวของ duduk อาจเป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างและต้นแบบของ duduk มีอายุมากกว่าชนชาติใด ๆ ที่ยังมีชีวิตอยู่ แต่ฉันกำลังสร้างสมมติฐานของฉันเกี่ยวกับการแพร่กระจายของ duduk โดยอิงจากข้อเท็จจริงและตรรกะเบื้องต้น ถ้ามีคนต้องการจะคัดค้านฉัน ฉันก็อยากจะถามล่วงหน้า: ในทำนองเดียวกันเมื่อสร้างสมมติฐาน โปรดพึ่งพาข้อเท็จจริงที่พิสูจน์ได้และได้รับการยืนยันจากแหล่งข้อมูลอิสระ อย่าอายที่จะหลีกเลี่ยงตรรกะและพยายามหาคำอธิบายอื่นที่เข้าใจได้ สำหรับข้อเท็จจริงที่ปรากฏ