20. yüzyıl edebiyatında Rus avangard. Resimde Rus avangard - sanatçılar, eğilimler, özellikler
Leningrad mimarisinde avangard (konstrüktivizm) - 1920'lerin ikinci yarısında ve 1930'ların başında Rus (Sovyet) mimarisinde bir eğilim (bazı nesneler 1930'ların sonundan önce tanıtıldı). Rus devrimi, yeni bir inşa ... ... Wikipedia
avangard- a, m. avangart f. 1. askeri Ana kuvvetlerin önünde bulunan birliklerin bir kısmı. İlk başta güçlü bir birlik olması için bakmak gerekir .. önceden tüm yollar ve geçitler incelendi .. hangi kolordu avangard olarak adlandırılır. UV 1716 188. Düşman öncüsü. JCF… … Rus Dilinin Galyacılığının Tarihsel Sözlüğü
Öncü (sinema)- Bu terimin başka anlamları da var, bkz. Öncü. Dziga Vertov'un "Kameralı Bir Adam" filminin afişi Av ... Wikipedia
Öncü (filmde)
Öncü (film yönetmenliği)- DVD kapağı "Avant-garde: 30'ların 1920'lerinin Deneysel sineması" Avant-garde (fr. Avant-garde, fr. avant öncesi ve fr. gard guard, guard) sinemanın gelişiminde şu şekilde ortaya çıkan bir yöndür: ticari sinemaya karşı bir ağırlık. Avant-garde film ... ... Wikipedia
Öncü (film)- DVD kapağı "Avant-garde: 30'ların 1920'lerinin Deneysel sineması" Avant-garde (fr. Avant-garde, fr. avant öncesi ve fr. gard guard, guard) sinemanın gelişiminde şu şekilde ortaya çıkan bir yöndür: ticari sinemaya karşı bir ağırlık. Avant-garde film ... ... Wikipedia
Öncü- (Fransızca avangart, kelimenin tam anlamıyla: avant ileri; bekçi): Vikisözlük'te "avant-garde" için bir giriş var ... Wikipedia
Öncü (futbol kulübü)- Avant-garde (fr. avant-garde, kelimenin tam anlamıyla: avangard; garde muhafızlar): Öncü (askeri işler) askeri terim Avant-garde (sanat) sanatta terim Avant-garde (sinema) sinemanın gelişiminde yön Avant-garde metal alt stil Avant-garde ... Wikipedia
Sanat- Vincent van Gogh. Yıldızlı Gece, 1889 ... Wikipedia
ÖNCÜ- VANGUARD (Fransız avangart ileri müfrezesi), modern estetik ve sanat tarihinde 1. kat sanatındaki çeşitli yenilikçi hareketlerin ve eğilimlerin toplamı anlamına gelen bir kategori. 20. yüzyıl Rusya'da ilk kez kullandı (olumsuz ... ... Felsefi Ansiklopedi
Kitabın
- 1910'lar-1930'larda Rusya'da Kitap Sanatı. Solun Ustaları. Katalog için malzemeler, S. V. Khachaturov. Okuyuculara, 1910'lar-1930'ların sözde 'avant-garde' (veya 'sol') hareketlerinin sanatçıları tarafından tasarlanan sistematik bir yayın kataloğu için ilk girişim sunuluyor. Toplanan malzemeler… 1078 UAH karşılığında satın alın (yalnızca Ukrayna)
- Rusya'da kitap sanatı 1910-1930, S. V. Khachaturov. Okuyucuların dikkatine, 1910-1930'ların sözde "avant-garde" (veya "sol") hareketlerinin sanatçıları tarafından tasarlanan sistematik bir yayın kataloğuna yönelik ilk girişim sunuluyor. Toplanmış…
Avant-garde - (fr. avant-garde - "öncü") - çeşitli yenilikçi hareketler ve yönler kümesi sanatsal kültür 20. yüzyılın ilk üçte birinin modernizmi: fütürizm, dadaizm, gerçeküstücülük, kübizm, süprematizm, fovizm vb. Avangard, bir bütün olarak modernizmin aşırı bir tezahürüdür. Avangard dinamik, deneysel bir sanattır. Avangardın başlangıcı 1905-1906'dır ve insanlar onun 20'li yıllardaki ölümü hakkında konuşurlar.
Avangardın toplumsal temeli protestodur, modern medeniyete düşmanlıktır. Avant-garde eserler, klasik kültürle oynamaya dayalı, yok etme fikriyle birleşiyor. Avangardın karakteristik bir özelliği, hem sanatsal form alanında hem de edimbilim alanında (metnin okuyucuyla etkileşimi, algılayan kişinin eserin yapısına dahil edilmesi) yenilikçi bir sanatsal uygulamadır. ).
Vanguard, klasik modernizmin aksine, bilinçli olarak izleyiciye odaklanır, onu aktif olarak etkiler. Avangardda evrim kavramı yoktur, gelişmez - bu, avangard için muhafazakar görünen her şeye karşı keskin bir protestodur. Rus filozof V.F. Petrov-Stromsky'nin belirttiği gibi, "yıkıcı eğilimleriyle bu sanat, Nietzsche-Gorky'nin "insanın gururlu göründüğü" iddiasının tüm boş laflarını ortaya çıkaran 1914'teki insani felaketin bir önsezisi ve habercisiydi.
Menşe yılı, genç Pablo Picasso'nun (1881-1973) programatik kübist tablosu The Maidens of Avignon'u yaptığı 1907'dir. Kübizm, post-izlenimcilerin sanatındaki analitik arayışlarının mantıksal bir devamı olarak ortaya çıktı, örneğin 1907'de sanatçılara şu ünlü çağrıyla dönen Paul Cezanne: "Doğayı bir silindir, bir top, bir koni aracılığıyla yorumlayın."
Kübizm tarihinde üç aşama vardır:
1. Cezanne (1907-1909), kübistler dünya fenomenlerinin en basit uzamsal yapılarını bulmaya çalıştıklarında, gerçekliği tasvir etmediler, ancak nesnenin görünümünü değil, "farklı bir gerçeklik" yarattılar. tasarım, mimarlık, yapı, öz.
2. Kübizm'in (1910-1912) analitik aşaması, belirli geometrik tekniklerin uygulanmasından ve bir nesne üzerinde farklı noktaların veya bakış açılarının kombinasyonundan oluşuyordu. Kübist bir eserde, görünen dünyanın tüm özne-mekânsal ilişkileri kasıtlı olarak ihlal edilir. Yoğun ve ağır nesneler burada ağırlıksız hale gelebilir ve hafif nesneler ağırlaşabilir. Duvarlar, masaların yüzeyleri, kitaplar, keman unsurları, gitarlar optik olarak gerçeküstü bir alanda süzülüyor.
3. Kübizmin son, sentetik aşamasında (1913-1914), kübistler tuvallerine resimsel olmayan öğeler eklerler - gazete çıkartmaları, tiyatro programları, posterler, kibrit kutuları, giysi artıkları, duvar kağıdı parçaları, kum ve boya karışımı dokunsal doku, çakıl ve diğer küçük öğeleri geliştirmek için.
N. Berdyaev, kübizmde çürümenin, ölümün dehşetini, eski sanatı ve varlığı süpüren "kozmik kış rüzgarını" gördü.
Kübizm temsilcileri: P. Picasso, J. Braque, H. Gris.
Fovizm - (fr. Les faues - "vahşi hayvanlar; açık renkle deneyler") renk, çevreleyen dünyanın nesnelerine sempati göstererek duygusal kendini ifade etmenin ana aracı haline geldi. Fauvistler, nesnelerin renkli, anlamlı tezahürlerinin aktarılmasından, renk efektlerinin büyüsünden endişe duyuyorlardı. iç dünya kişi. 1905'te Henri Matisse'in (1869-1954) "Yaşama Sevinci" tablosu Paris'te bir sergide yer aldı ve burada soyut güzelliğe olan eğilim açıkça belirlendi.
Fovizm Temsilcileri: J. Rouault, R. Dufy, A. Matisse, M. Vlaminka, A. Marquet, A. Derain.
Fütürizm ve Kübofütürizm.
Fütürizm - (lat. Futurum - "gelecek") - avant-garde sanattaki en çirkin eğilimlerden biri, en çok İtalya ve Rusya'nın görsel ve sözlü sanatlarında gerçekleşti. Fütürizmin başlangıcı - 20 Şubat 1909'da İtalyan şair F.T.'nin "Fütürizm Manifestosu" nun Paris gazetesi "Figaro" da yayınlanması. Marinetti'nin (1876-1944). Fütürizm estetiğinin merkezinde modern uygarlığa hayranlık vardır: teknolojideki en son gelişmelerle sarhoş olan fütüristler kentleşmeyi, endüstrinin gelişimini ve maddi değerleri idealleştirdiler. Fütürizm, klasik yüksek sanatı ve onun "mistik ideallerini" reddetti.
Rus fütürizmi, İtalyan fütürizminden bağımsız olarak ortaya çıktı ve daha önemliydi. Rus fütürizminin temeli, eski olan her şeyin krizi, çöküş duygusudur. Fütürizme en yakın olanı, A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, kardeşler V. ve D. Burliuks, V. Kamensky ve kendilerini "fütüristler" olarak adlandıran diğerlerini içeren kübo-fütüristler "Gilea" derneğiydi. "budetlenami" .
Şairlerle yaratıcı bir şekilde etkileşime giren Rus kübo-fütüristler-sanatçılar özellikle öne çıkıyor: N. Goncharova, M. Larionov, M. Matyushin, K. Malevich.
Soyutlamacılık.
Soyutlamacılık, 1910'lar-1920'lerin bir dizi avangard alanında genel bir eğilimdir. resimde herhangi bir sözlü anlamdan yoksun resimsel-plastik kompozisyonlar, renk kombinasyonları yaratmak için. Soyutlamacılıkta iki akım gelişmiştir: psikolojik ve geometrik.
Psikolojik soyutlamacılığın kurucusu Wassily Kandinsky (1866-1944) idi, "Dağ", "Moskova" ve diğer resimlerinde rengin bağımsız ifade değerini vurguladı. Renk kombinasyonlarının müzikal çağrışımları önemlidir ve bunların yardımıyla soyut sanat"varlığın derin gerçeklerini", "kozmik güçlerin" hareketini ve insan deneyimlerinin lirizmi ve dramasını ifade etmeye çalıştı.
Geometrik (mantıksal, entelektüel) soyutlama, figüratif olmayan bir kübizmdir. Sanatçılar, çeşitli geometrik şekilleri, renkli düzlemleri, düz ve kesik çizgileri birleştirerek yeni bir sanatsal alan yaratmışlardır. Örneğin, Rusya'da - nükleer fizik alanındaki ilk keşiflerin bir tür kırılması olarak ortaya çıkan M. Larionov'un (1881-1964) Rayonizmi; O. Rozanova, L. Popova, V. Tatlin'in yazdığı "nesnel olmama"; Süprematizm, K. Malevich.
süprematizm.
Kazimir Malevich (1878,1879-1935), Süprematizmi 1913'te "Siyah Kare" tablosuyla keşfetti. "Tasvir ettiğim şey" boş bir kare değil, bir önyargı algısıydı "" (K. Malevich).
Daha sonra, "Süprematizm veya Gösterişsiz Dünya" (1920) adlı makalesinde sanatçı, estetik ilkelerini formüle etti: sanat kalıcıdır, saf plastik duyarlılık, evrensel (Suprematist) resimsel formüller ve kompozisyonlar - geometrik olarak doğru unsurlardan ideal yapılar . Süprematizmde olay örgüsü, çizim, mekansal perspektif yoktur, asıl önemli olan geometrik şekil ve açık renktir. Soyut formlarda bakım. Süprematizm'in 3 dönemi: siyah, renkli ve beyaz. Beyaz: sanatçı beyaz zemin üzerine beyaz formlar yazmaya başladığında.
Yapılandırmacılık.
Konstrüktivizm, inşa kategorisini estetiğinin merkezine yerleştiren avangardın ana yönlerinden biridir. Yapılandırmacılık, bilimsel ve teknolojik devrimin şafağında ortaya çıktı ve teknizm fikirlerini idealleştirdi; makinelere ve ürünlerine bireyden daha çok değer veriyor, sanata karşı mücadele çağrısında bulunuyordu. Tasarım - elemanların amaca uygun organizasyonu sanatsal yapı belirli bir faydacı veya işlevsel değeri olan. Rusya'da konstrüktivizmin atası, bir dizi sözde köşe kabartması yaratan Vladimir Tatlin'dir (1885-1953): resimdeki plastik görüntüleri gerçek malzemeler kullanarak gerçek pozlama alanına getirmek: kalay, ahşap, kağıt, boyalı uygun renkler. Üçüncü Enternasyonal'in sosyo-politik rolü fikrini somutlaştıran ünlü projesi "Üçüncü Komünist Enternasyonal Anıtı". Rus konstrüktivizmi, Bolşeviklerin devrimci ideolojisinin hizmetindeydi.
Avrupa'da konstrüktivizmin ilk resmi teyidi, 1922'de Düsseldorf'ta, "Uluslararası Konstrüktivist Fraksiyon"un kurulduğu duyurulduğu zaman gerçekleşti. Konstrüktivist estetiğe göre, sanatsal yaratıcılığın amacı "yaşam inşa etmek", amaca uygun "şeyler" üretmektir. Bu, tasarımın gelişmesine katkıda bulundu. İşlevselcilik (konstrüktivizm) teorisyeni ve uygulayıcısı Le Corbusier (1887-1965), şehri güneşli ve açık hava parkına dönüştürmeye çalıştı. Hiyerarşik olarak farklı düzeylerde bölgelere bölünmemiş bir "parlak şehir" modeli yarattı. Corbusier, mimaride rasyonalizm, demokrasi ve eşitlik fikirlerini ileri sürdü.
Yapılandırmacılık tarihinde özel bir yer, mimar W. Gropius tarafından 1919'da Almanya'da düzenlenen ve Weimar, Dessau'da aktif olarak faaliyet gösteren bir sanat ve endüstri okulu olan "Bauhaus" (Bauhaus - "inşaatçılar loncası") tarafından işgal edildi. 1933'te Naziler tarafından kapatılana kadar Berlin Bu okulun amacı sanat, bilim ve teknolojinin en son kazanımlarını birleştirerek tasarımcılar yetiştirmekti.
Dadaizm, sanat ve edebiyatta avangard bir harekettir. Batı Avrupa. İsviçre'de kuruldu ve 1916'dan 1922'ye kadar geliştirildi. Yönün kurucusu Rumen şair Tristan Tzara'dır (1896-1963). Dada'nın kökenleri, 1916'da Zürih'te açılan ve Dadaistlerin (H.Ball, R.Hülzenbeck, G.Arp) tiyatro ve müzik geceleri düzenlediği "Voltaire" kafesine kadar uzanır.
Fransızca "dada" - tahta bir çocuk atı (Tzara, Larousse'un "Sözlüğünü" rastgele açtı),
- "dada" - tutarsız, bebek konuşması,
Dada boşluktur. Temel olarak, bu kelime hiçbir şey ifade etmiyor. Anlamın yokluğunda anlam vardır.
Dadaizmin kurucularından Alman şair ve müzisyen Hugo Ball (1886-1927), Almanlar için bunun "aptalca saflığın bir göstergesi" ve her türlü "çocukluk" olduğuna inanıyordu: Her zamankinden daha büyük endişelerle sarmalandığımız boşluk, gladyatörün jesti, eskimiş tarafından oynanan oyun ... sahte bir ahlakın halka açık performansı."
Dadaizm'in ilkeleri şunlardı: dünya kültürünün geleneklerinden bir kopuş, kültürden ve gerçeklikten kaçış, savunmasız bir insanın içine atıldığı kaos ve çılgınlık olarak dünya fikri, karamsarlık, inançsızlık, değerlerin reddi, genel bir kayıp ve varlığın anlamsızlığı hissi, ideallerin ve yaşamın amacının yok edilmesi . Dadaistlerin çalışmalarındaki gerçeklik saçma bir noktaya getirildi. Dilde bir devrimin yardımıyla toplumla savaştılar: dili yok ederek toplumu yok ettiler. Dadaistler, öncelikle sloganları ve şok edici davranışlarıyla ve ancak o zaman sanatsal metinleriyle tanınırlar. Dadaistlerin eserleri, ilk bakışta anlamsız görünen kelimelerin ve seslerin irrasyonel, anarşik bir kombinasyonunu şok etmek ve temsil etmek için tasarlanmıştır. İroni, erotizm, kara mizah, bilinçdışının bir karışımı, Dadaizm eserlerinin bileşenleridir.
Hazır ürünler.
Hazır ürünler - (İng. Hazır - "hazır") - eserler - normal işleyiş ortamlarından çıkarılan ve bir sanat sergisinde herhangi bir değişiklik yapılmadan sanat eseri olarak sergilenen faydacı öğeler. 1913'te New York'ta ilk hazır yapımı sergileyen kurucu Marcel Duchamp (1887-1968): Beyaz bir tabureye monte edilmiş Bisiklet Tekerleği (1913), bir hurdacıdan ara sıra satın alınan Şişe Kurutucu (1914), "Çeşme" (1917) - doğrudan mağazadan sergiye teslim edilen bir pisuar.
Duchamp, hiçbir resimli kopyanın konuyu görünüşüyle kendisinden daha iyi gösteremeyeceğine inanıyordu. Orijinalde nesnenin kendisini teşhir etmek, onu tasvir etmeye çalışmaktan daha kolaydır. Bir sanat sergisinin alanına herhangi bir nesnenin sokulması, eğer bu "tanıtma" tanınmış bir sanatçı tarafından yapılmışsa, o nesnenin bir sanat eseri statüsünü meşrulaştırıyordu.
Sürrealizm.
Sürrealizm (fr. Sürrealizm - "süperrealizm") 1920'lerde ortaya çıktı. Fransa'da Freudculuk, sezgicilik, Dadaizm'in sanatsal keşifleri ve metafizik resim fikirlerinin sanatsal ve estetik topraklarında ortaya çıkan bir yön olarak.
Gerçeküstücülüğün estetiği, Andre Breton'un (1896-1966) 2 "Sürrealizm Manifestosu"nda ortaya konulmuştur. Sürrealistler, insan ruhunu bilimcilik, mantık, akıl ve geleneksel estetiğin "prangalarından" kurtarma çağrısında bulundular. Gerçeküstücülüğün 2 temel ilkesi: otomatik yazma ve rüya kaydı. Mantıksızlık, paradoksallık, sürpriz yöntemlerinin ağırlaştırılması. İzleyiciyi başka bilinç seviyelerine götüren gerçeküstü (süper-gerçek) bir sanatsal atmosfer. Sürrealizm için insan ve dünya, uzay ve zaman akışkan ve görecelidir. Dünyanın kaosu kaosa neden olur sanatsal düşünme- bu gerçeküstücülüğün estetiğinin ilkesidir. Sürrealizm, bir insanı gizemli ve bilinemez, dramatik bir şekilde gergin bir evrenle buluşturur. Yalnız bir adam gizemli bir dünyayla karşı karşıyadır.
Resimde Sürrealizm: J. Miro, I. Tanguy, G. Arp, S. Dali, M. Ernst, A. Masson, P. Delvaux, F. Picabia, S. Matta.
"Sürrealizm benim" diyen İspanyol ressam, heykeltıraş ve grafik sanatçısı Salvador Dali'nin (1904-1989) tablolarının evreni uçsuz bucaksızdır. ("Hafızanın Kalıcılığı", "Gala" vb. çalışır). Tuvalleri muhteşem bir "Tanrı'nın cenazesi", göğsünde ölmekte olan bir insan ve bu kayıp için soğuk gözyaşları gibidir. Tuvallerindeki kayan ve çarpık tanınmaz dünya ya donar ya da sarsılır. Amaç, dünyadaki her şeyin birbiriyle dönüştürülebilir olduğunu göstermektir. talihsiz bir ironi.
Sinemada gerçeküstücülük, yönetmen Luis Bunuel'in (1900-1983) çalışmaları ile temsil edilir.
Sinema rüyaları andırır ve gizemle ilişkilendirilir. Bunuel'in "Endülüs Köpeği" filmi, gözü kesme sahnesiyle ünlüdür - bu gerçeküstü bir jestin (oyunun) sahnesidir, "Günün Güzelliği", "Aşksız Kadın" filmleri dikkat çekicidir.
"Pop art" terimi (İng. Popüler sanat - "popüler, kamusal sanat") eleştirmen L. Allway tarafından 1965'te tanıtıldı. soyut sanat. Pop art teorisyenleri, belirli bir bağlamda her nesnenin orijinal anlamını yitirdiğini ve bir sanat eserine dönüştüğünü savunur. Sanatçının görevi, algısı için belirli bir bağlam düzenleyerek sıradan bir nesneye sanatsal nitelikler kazandırmaktır. Etiket ve reklam şiirselliği. Pop art, bazen bir model veya heykelle birleştirilen günlük nesnelerin bir bileşimidir.
Temsilciler: R. Hamilton, E. Paolozzi, L. Allway, R. Banham, P. Blake, R.B. Çin, D.Hockney, P.Phillips. Amerika'da: Robert Rauschenberg (1925-2008), Jesper Johns (d.1930), Andy Warhol, R. Lichtenstein, K. Oldenburg, D. Dyne ve diğerleri.
Andy Warhol, The Factory'deki çalışmalarını toplu olarak üretmek için şablonlar kullandı. Kişisel olarak tanıdığı ünlü diptik "Merlin". Solan, solan "fotokopi" boya fikri: ünlü olmak, tekrarlanabilir, savunmasız hale gelirsiniz ve yavaş yavaş var olmayı bırakır, ölümün karanlığında silinirsiniz. Jasper Johns Amerikan bayrağını boyadı: gazeteyi parçalara ayırdı ve üzerini boya ve balmumu ile kapladı.
minimalizm.
Minimalizm, pop art'ın rengarenk dünyasına bir tepki, sanatta minimum miktarda ve sanatçının minimum müdahalesiyle teknik ayrıntılar ve tasarımlar olan "grafik ve ifade araçlarının" marjinal ekonomisinin ilkelerini ilan eden bir sanat akımıdır. oluşturulan nesnenin organizasyonu. Daha sıklıkla bunlar, sağduyulu renklerle boyanmış metal heykellerdi.
Temsilciler: S. LeWitt, D. Flavin, K. Andre, R. Morris, D. Judd, F. Stellar.
Arazi sanatı.
Land-art (eng. Land-art - "doğa-sanat"), sanatçının faaliyetinin doğaya götürüldüğü ve sanat nesneleri için malzemenin ya tamamen olduğu bir sanat pratiğidir. doğal materyaller veya bunların minimum sayıda yapay elemanla kombinasyonları. 1960'larda-1980'lerde. sanatçılar V. de Maria, M. Heitzer, D. Oppenheim, R. Smithson, Christo ve diğerleri, doğal peyzajın erişilemeyen yerlerinde ve çöllerde büyük projeler gerçekleştirdiler. Dağlarda, kurumuş göllerin dibinde sanatçılar devasa çukurlar ve hendekler kazdılar. çeşitli şekiller, kaya parçalarından tuhaf yığınlar inşa etti, deniz koylarına taş spiralleri yerleştirdi, kireç yardımıyla çayırlarda bazı devasa çizimler yaptı, vb. Land-aristler, projeleriyle modern kentsel uygarlığı, metal ve plastiğin estetiğini protesto ettiler.
kavramsalcılık.
Kavramsalcılık (İng. Kavram - "kavram, fikir, kavram") 1968'de Amerikalı sanatçılar T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, J. Kossuth, L. Weiner tarafından doğrulandı. Joseph Kossuth (d.1945) "Felsefeden Sonra Sanat" (1969) adlı program makalesinde kavramsal sanat olarak adlandırılmıştır. kültürel fenomen geleneksel sanat ve felsefenin yerini aldı. Konsept, işin arkasındaki fikirdir. Çalışma, belgelenmiş bir proje, kavramın belgesel bir tespiti ve somutlaşma süreci olmalıdır. Örneğin, J. Kossuth'un New York Modern Sanat Müzesi'nden bir sandalyenin üç "hipostazını" temsil eden "Bir ve Üç Sandalye" (1965) kompozisyonu: sandalyenin kendisi aslında duvara dayalı, fotoğrafı ve sözlü ansiklopedik sözlükten sandalyenin tanımı.
Tiyatro ve sinemada modernizm.
Modernizmin ideologlarından biri olan Fransız filozof Jacques Lacan (1901-1981), birçok nevroz, psikoz ve diğer bozuklukların nedeninin insan yaşamını tehdit ettiğine inanıyordu. zihinsel yaşam insan, "insan benliğinin teatral etkileridir". Tanımlama sürecine dahil olan (kişinin kendi gerçek "Ben" ini arayın), bir kişi maske değiştirerek oyunun cazibesine maruz kalır. Modernist tiyatro, insan bölünmesinin bu trajedisini, dünyanın saçmalığını gösteren "Ben" in kırılganlığını yansıtıyor ve aynı zamanda insan ruhunu kendi kendine izolasyondan kurtarmanın bir tür terapötik-katartik işlevini yerine getiriyordu. yalnızlığın vahşileri.
Trajedi tiyatrosu. Sahne alanında gerçekleştirme, oyun yazarının belirli bir işi değil, onu etkileşimli görüntülerin ve birbiriyle ilişkili çarpışmaların bütünsel bir dünyası olarak algılayan tüm eseridir.
Temsilci: İngiliz sinemacı-reformist Gordon Craig.
Epik tiyatro. Neşeli göreliliğe ve ahlaki ahlaksızlığa, oyuncu ile karakter arasındaki alaycı iletişim özgürlüğüne dayanan yeni bir ilişkiler sistemi yaratır.
Temsilci: Alman oyun yazarı ve yönetmen Bertolt Brecht (1898-1956) - "Berlin Ensemble" tiyatrosunun kurucusu.
Sosyal maske tiyatrosu. Tiyatro maskesi, bireysel özellikler olmadan belirli bir sosyal tipi ifade eder. Örneğin, V. Meyerhold'un ("Tahtakurusu", "Orman", "Kamelyalı Kadın" vb.) Performanslarındaki her karakter oditoryuma dönüktü ve seyirciye bağımsız olarak kendisi hakkında bilgi verdi. İnsanlar arasındaki ilişkiler zayıflar, çatışmalar gizlenir.
Temsilci: Rus deneysel yönetmen Vsevolod Meyerhold (1874-1940).
"Şiddet Tiyatrosu" Tiyatroyu, izleyicinin canlılığın orijinal, "kozmik" unsurlarına katılarak "aşkın bir transa" düşebileceği eski bir ritüel sığınak biçimine döndürmeye çalıştılar.
Temsilci: Antonin Artaud (1896-1948).
saçma tiyatro.
Ana slogan: "İfade edilecek bir şey yok, ifade edilecek bir şey yok, ifade edecek güç, ifade etme arzusu ve ayrıca ifade etme zorunluluğu yok."
Ana temsilci: Eugene Ionesco (1909-1994), "Kel Şarkıcı", "Ders", "Sandalyeler" vb. gündelik yaşamı fanteziye taşıyarak, insan ilişkilerini ve duygularını abartarak, insan varoluşunun saçmalığını göstermeye çalışır. Örneğin, "Ders" oyununda: bir matematik öğretmeni öğrencisini şu mantıkla öldürür: "aritmetik felsefeye, felsefe suça götürür", "sözler öldürebilir." "Sandalyeler" oyununda iki yaşlı adam sandalye taşır, gelmeyen bir konuşmacıyı bekler - kendilerini öldürürler. Salondaki ve bu yaşlıların ruhlarındaki boşluğun görüntüsü sınıra getirildi. Ionesco'nun "Godot'yu Beklerken" trajikomedisinde sahne, yanında 2 kahramanın oturduğu ıssız bir ağacın olduğu bir yoldur. Buluşmaları bir an, bir an. Geçmiş artık yoktur ve gelecek gelmemiştir. Kahramanlar nereden geldiklerini bilmiyorlar, zamanın akışı hakkında hiçbir fikirleri yok. Hiçbir şey yapmak için güçsüzler. Zayıflar ve hasta gibi görünüyorlar. Godot'yu bekliyorlar - ve onun kim olduğunu kendileri de bilmiyorlar. "Endgame" oyununda aksiyon, kahramanın bağımsız hareket edemeyen bir sandalyeye kapatıldığı bir odada gerçekleşir. Çöl uzayında "Ah mutlu günler" oyununda, kahraman Vini bir noktaya zincirlenmiştir. 1. perdede beline kadar toprakla örtülür, 2. perdede sadece başı görünür. Kahramanın bağlı olduğu uzaydaki bir noktanın metaforu ölümdür, varlığına kadar herkes fark etmese de herkesi kendine çeken bir mezar.
"Saçma tiyatronun" temsilcileri: A. Adamov, J. Genet, S. Beckett.
"Fotojeni" - Fransız yönetmen ve film teorisyeni Louis Delluc'un (1890-1924) tarzı, hızlı ve yavaş çekim yöntemleri, ilişkisel düzenleme, konunun içsel önemini ve gizemini vurgulamak için çift kompozisyon.
anıtsal stil.
Anıtsal tarzdaki filmler senaryosuz filmlerdir, eserin anlamı izleyicilere karakterlerin veya olay örgüsünün geliştirilmesi yoluyla değil, yeni bir montaj türü - jestlerin önemli bir rol oynadığı "çekim merkezlerinin montajı" aracılığıyla aktarıldı. rol.
Temsilci: Rus film yönetmeni Sergei Eisenstein (1898-1948), "Battleship Potemkin", "Korkunç İvan", "Alexander Nevsky" vb.
Hollywood sonrası tarzı.
İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra Avrupa'da yaşanan "ekonomik mucize"nin sonuçlarına bir tepki olarak ortaya çıktı. Felsefi temel, F. Nietzsche'nin ("Tanrı'nın ölümü hakkında") ve O. Spengler'in (Avrupa'nın gerilemesi hakkında) fikirleridir. Filmlerin kahramanı, refah toplumunda fazladan bir kişidir.
Böylece Alman yönetmen ve senarist Rainer Werner Fassbinder (1945-1982), T. Mann'ın eserlerinin motiflerini suç tarihi unsurlarıyla, L. Beethoven'ın müziğini futbol taraftarlarının çığlıklarıyla vb.
Müzikte modernizm.
XX yüzyılın ortalarında Alman filozof ve sosyolog. Theodor Adorno (1903-1969), gerçek müziğin, bireyin dış dünyadaki kafa karışıklığı hissini aktaran ve herhangi bir sosyal görevden tamamen uzaklaştırılan müzik olduğuna inanıyordu.
belirli müzik.
Daha sonra karıştırılan ve düzenlenen doğal veya yapay sesleri kaydetme.
Temsilci: Fransız akustikçi ve besteci Pierre Schaeffer (1910-1995).
Aleatorica.
Müzikte asıl olan rastgeleliktir. Böylece, bir satranç oyununun hamlelerine, nota kağıdına mürekkep sıçratmaya, zar atmaya vb.
Temsilciler: Alman besteci, piyanist ve orkestra şefi Karlheinz Stockhausen (1928 doğumlu), Fransız besteci Pierre Vulez.
Noktacılık.
Duraklamalarla çevrili sarsıntılı sesler şeklinde müzik ve ayrıca kısa 2-3 ses, motifler.
Temsilci: Avusturyalı besteci ve orkestra şefi Anton Webern (1883-1945).
Elektronik müzik.
Elektronik-akustik ve ses üreten ekipmanlar yardımıyla oluşturulan müzik.
Temsilciler: H. Eimert, K. Stockhausen, W. Mayer-Epper.
XIX-XX YÜZYILLARIN BAŞINDA
giriiş
İnsan gelişiminin kilometre taşı dönemlerinin kültür tarihi her zaman ilginçtir, çünkü yüzyılın başında müzikte yeni fenomenler ortaya çıkar, genç besteciler, sanatçılar ve yazarlar tarafından temsil edilen yeni akımlar sadece teknikleri ve teknikleri reddetmekle kalmaz. önceki zamanların değil, aynı zamanda kendi dünya vizyonunu da sunarak onun yeni felsefe ve ideolojinin yanı sıra kendi resim, şiir ve müzik yazma yöntemleri.
Rus avangard fenomeninin uzun süredir var olmamasına rağmen, sadece birkaç on yıl, bu sayede Kazimir Malevich ve Vasily Kandinsky gibi çok sayıda sanat eseri bırakan büyük sanatçılar "doğdu". Geçen yüzyılın ikinci on yılı, Malevich ve Kandinsky'yi Picasso ile aynı seviyeye getirdi. özel anlam"Rus avangardının" genel konseptinin, yalnızca resim için değil, mimarlık, heykel, sinema, tasarım ve edebiyat da dahil olmak üzere o zamanın tüm sanatı için karakteristik olan birkaç eğilimden oluştuğu gerçeğine sahiptir. Sanatta avangard akımın diğer ülkelerde gelişmesine rağmen, Rusya'da birçok akım ortaya çıktı. Ayrıca "Rus avangard" adını da aldılar. Rus avangard sanatçılarının mirası hala çok popüler. Bunlar, Vladimir Mayakovsky'nin çalışmalarının özel bir yeri olan sanatçıların resimleri ve şairlerin şiirleridir; ve zamanımızda Moskovalıların gözlerini memnun eden eşsiz binalar ve yapılar.
Projenin alaka düzeyi.
20. ve 21. yüzyılların dönüşü, yaşadığımız zamandır. Bu nedenle, romantik ve romantik sonrası sanatın yerini eserlerinde avangard fikirleri ilan eden besteciler, sanatçılar ve şairlerin aldığı geçen yüzyılın kültür tarihine dönmekle ilgileniyordum. Avangardlığın habercilerinin fikirlerini anlamak istedim, çünkü bugün bile 100 yıldan daha uzun bir süre önce ortaya koydukları fikirlerin çoğu zamanımızın sanatında tezahür ediyor, birçok besteci hala yazarların önerdiği beste tekniğini kullanıyor. yirminci yüzyılın başlarında, avangart sanatçıların hala resimleri dikkat çekiyor, savunmalarında ve aleyhlerinde tartışmalara neden oluyor.
Yaratıcı bir proje üzerinde çalışma aşamaları.
Proje üzerinde çalışırken, belirli görevlerin çözümüyle ilişkili işin ana aşamalarını belirleyebilirsiniz.
BEN. sorunsallaştırma aşaması . Aşağıdaki soruları cevaplamaya çalıştığımız projenin konusu olan problemin formülasyonu.
Temel soru:
Sanatta avangard nedir?
Avangardın ortaya çıkış tarihi nedir?
Yirminci yüzyılın başlarındaki felsefe, resim, şiir ve müzikte yeni, avangart görüşler kendilerini nasıl gösteriyor?
Genç yazarlar bir eserde içeriği aktarmanın hangi yollarını sunuyor?
Avangardın özellikleri çeşitli sanat türlerinde nasıl ortaya çıkıyor?
20. yüzyılın başında hangi yeni müzik besteleme teknikleri ortaya çıkıyor?
20. yüzyılın ilk on yıllarında avangardizmin dünya kültür tarihindeki önemi nedir?
Böylece, araştırma konusu XX yüzyılın müzik, şiir ve resim alanındaki avangart yazıları ve eserleridir.
Beklenen sonuçlar:
1. Avant-garde fikirlerin ortaya çıkışı ve gelişimi üzerine tarihsel bir çalışma yürütmek, ufkunuzu genişletmenize yardımcı olacaktır;
2. Genişletme kendi fikirleri XIX-XX yüzyılların başında meydana gelen kültürel olaylar hakkında;
3. Novovensk okulunun bestecileri tarafından önerilen dodekafoni tekniğini incelerken ve incelerken analitik becerilerin geliştirilmesi;
4. Avant-garde tezahürünü yansıtan bir sunum oluşturmak çeşitli tipler sanat.
2. Hedef belirleme aşaması. Faaliyetimizin amacı, bu konuyu ve pratik uygulamasını araştırmak ve incelemektir.
projenin amacı: 20. yüzyılın ilk on yıllarının avangart sanatının çeşitli alanlarıyla tanışma.
Proje hedefleri:
Avant-garde çerçevesinde sanatın çeşitli yönleri hakkında bilgi edinin;
Bazılarının özelliklerini, ideolojik içeriklerini belirleyin;
Avangardın dünya kültürünün gelişimi için önemini ortaya koyar;
Bu konunun içeriğini yansıtan yaratıcı bir projeye dayalı bir sunum oluşturun.
Projenin araştırma kısmını 2 ayda (60 gün) tamamlamayı planladığımız için aşağıdaki iş planı oluşturuldu.
|
№ |
Ne yapılmalı |
yürütme süresi |
Verim |
|
1. |
Projenin amacını ve hedeflerini düşünmek |
1 gün |
Tamamlamak |
|
2. |
İş ve planlama aşamalarının kaydedilmesi |
1 gün |
Tamamlamak |
|
3. |
Bir proje geliştirmenin hazırlanması |
2 gün |
Tamamlamak |
|
4. |
Çeşitleri ve özellikleri hakkında malzeme seçimi sanatsal dil avangard içinde. |
15 gün |
Tamamlamak |
|
5. |
Kaynaklarla çalışmak: Konuyla ilgili literatürün gözden geçirilmesi; Müzikal, şiirsel ve resimsel sanat eserleri ile tanışma;
|
25 gün |
Tamamlamak |
|
6. |
Proje metninin oluşturulması. Çalışılan materyalin sistematikleştirilmesi. |
5 gün |
Tamamlamak |
|
7. |
Yapılan işin değerlendirilmesi |
2 gün |
Tamamlamak |
|
8. |
Çalışmanızı düzenleme |
1 gün |
Tamamlamak |
|
9. |
Sunu oluşturma üzerinde çalışın |
8 gün |
Tamamlamak |
Proje tamamlanma süresi - 2 ay (60 gün)
Çalışmamızda aşağıdakileri kullandık: yöntemler:
Çeşitli sanat türlerindeki (resim, müzik, edebiyat) eserlerde avangardın özelliklerinin tezahürünün kapsamlı bir karşılaştırmalı analiz yöntemi
Tarihsel analiz yöntemiyle, sanat eserlerinde olduğu gibi, yeni felsefi fikirlerin özellikleri, yeni figüratif içerik kendini gösterir;
Çalışılan materyali tanımlama yöntemi.
Araştırma materyalinin incelenmesi ve analizi.
Proje ürününün üretimi ve tasarımı.
Araştırma materyalinin sunumu için hazırlık.
20. yüzyılın başında avangart sanatın ortaya çıkış tarihi ve sanatsal önemi ile sınıf arkadaşlarının tanışması.
Proje içeriğinin sunumu ve Çocuk Sanat Okulu'ndaki müzik edebiyatı derslerinde sunum, bir ortaokulda Moskova Sanat Tiyatrosu dersleri.
Projedeki ilerleme hakkında bir rapor yazmak için WORD metin düzenleyicisinin yetenekleri kullanıldı.
Sunumu geliştirirken, aşağıdaki bilgisayar teknolojilerinde uzmanlaştı: ofis programları Microsoft Word, Microsoft PowerPoint.
Bu projenin uygulanması sonucunda bilgi arama ile çalışma becerileri, konunun açıklanması için en önemli materyali seçme ve değerlendirme becerisi geliştirildi.
Öğrencilere sunum şeklinde yaratıcı bir rapor düzenlendi.
Proje şu adreste sunuldu: Tüm Rusya rekabeti yaratıcı projeöğrencileri.
Sonuçların sunumu için hazırlık.
Öğrencilerin yaratıcı projelerinin Tüm Rusya yarışmasında elde edilen sonuçların sunumu.
Edebiyat
İnternet
Çocuk Sanat Okulu'ndaki öğretmenlerle ilgilenilen konularda sohbetler.
Bir sözlükle çalışmak;
İnternet siteleriyle çalışın;
Müzikal, şiirsel ve sanatsal eserlerin analizi.
Bir ortaokulda tarih ve dünya sanat kültürü derslerinde edinilen bilgileri uygulayın.
Bu yaratıcı projeyi müzik edebiyatı derslerinde açıklayıcı bir materyal olarak kullanın.Çocuk Sanat Okulu'nda.
"Avangard" terimi 1920'lerde ortaya çıktı ve nihayet İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra kuruldu. Avant-garde olguları birçok sanat türünün -tiyatro, edebiyat, müzik ama özellikle görsel sanatlar için- karakteristiğidir. Avangardlar, gerçekçi sanat hareketlerinin karakteristik özelliği olan geleneksel teknikleri terk ettiler. Görsel sanatlardaki yeni eğilimler (kübizm, süprematizm, soyutlamacılık vb.), kendilerini nesnellikten ve figüratiflikten kurtarma çabasıyla bir araya geldi. Avangardizm, tüm temellerin reddi ile karakterize edilir; bu yön, sanatsal geleneklerin sürekliliğinin herhangi bir tezahürünü reddeder.
Farklı tarihsel aşamalarda, avangardın rolü birbirini izleyen akımlar tarafından oynandı: 1900-1910. - Fovizm, Kübizm, Fütürizm, Ekspresyonizm, Dadaizm, soyut sanatın ortaya çıkma zamanı; 1920'ler-1930'larda sürrealizm öne çıkıyor, savaş sonrası dönemde yeni soyutlama eğilimleri ortaya çıkıyor - soyut dışavurumculuk, tachisme, gayri resmi sanat vb. 1960'lar-1970'ler - "klasik" avangarddan neo-avangard veya postmodernizme geçiş dönemi. Avangard sanatçılar, sanatsal ve anti-sanatsal ifade için birçok teknik, yöntem, biçim yaratarak fotoğraf, sinema ve elektronik müzik gibi yeni sanat türlerinin ortaya çıkmasına ve gelişmesine katkıda bulundular.
Tüm çeşitlilikle yaratıcı programlar Avant-garde, sürekli protesto pozisyonu, klasik incelik ve güzellik biçimlerinin ilkel olana odaklanma lehine reddedilmesi, sürekli kendini yenileme yeteneği gibi bir dizi ortak özelliği hala seçebilir. Görüntü, resimselliğin tamamen yer değiştirmesine kadar anlamlı deformasyonlara, analitik artikülasyona ve çeşitli oyun dönüşümlerine tabi tutulur. Kendi kendine yeten formu reddeden avangart sanatçılar, esere çeşitli şekillerde dinamikler vererek onu "açmaya" çalışırlar. Böyle bir "açık" çalışma, izleyicinin eserin anlamını ortaya çıkarma sürecine katılımını varsayar: izleyici kendisine sunulan bilmeceleri ve paradoksları çözer, işaret ve sembollere kendi anlamlarını verir. En iyi örnek Süprematizmin resimde “çözülmesi” böyledir. süprematizm 1910'da K. Malevich tarafından yaratılmıştır. Yönün amacı, gerçekliği fiziksel dünyanın diğer biçimlerinin altında yatan basit biçimlerde (kare, daire, üçgen, düz çizgi) ifade etmektir. Bu yöndeki resimlerde üst, alt, sağ, sol kavramları yoktur - sanki uzaydaymış gibi tüm yönler eşittir. Kendi kendine yeten bir dünya ortaya çıkıyor. Malevich'in ünlü "Kara Kare"si, akımın resimli manifestosu oldu.
Rus avangardının diğer birçok akımının temelini oluşturan geçiş olgusu, kübo-fütürizm. Bu yön, İtalyan Fütürizmi ve Fransız Kübizmi geleneklerini birleştirdi. O. Rozanova, L. Popova, N. Udaltsova, N. Goncharova, A. Exter, K. Malevich çalışmalarının belirli bir döneminde kübo-fütürizm ruhuyla çalıştılar. Bu çalışmalar olabildiğince soyuttu, gerçekliğin belirli biçimlerinden ve bir resim yaratmanın geleneksel kurallarından soyutlanmıştı.
Avangardın temel özellikleri
1. "Akademik", "müze" olarak etiketlenen her şeyin enerjik bir reddi ve tam tersine folklora yaratıcı bir ilgi ile birlikte, edebiyatın profesyonel ve profesyonel olmayan olarak geleneksel bölünmesinin reddedilmesi.
2. Estetik algının otomatizminin üstesinden gelmenin bir yolu olarak "anlaşılmazlığa" yönelik bilinçli ve bazen şok edici bir tutum, bu nedenle Maxim Shapir'e göre, "yanlış anlama, tam veya kısmi, organik olarak avangart sanatçının planına girer.
3. Aradaki çizgileri bulanıklaştırma arzusu farklı türler ve dahası, görsel şiir gibi melez biçimlerle sonuçlanan bireysel sanat biçimleri.
4. Halkın zihninde ve kültürün hafızasında bundan böyle kesinlikle bununla ve başka hiçbir adla ilişkilendirilmeyecek olan kişinin kendi "onaylı" türünü, tekniğini veya tekniğini araması. Yani, Dmitry Avaliani'nin arama kartı yaprak çevirenlerdi, Alexander Gornon özellikle fonosemantikle ilgileniyor.
5. Avant-garde sanatçıların kendilerini ve eserlerini sunmalarının çirkin ve skandal niteliğindeki doğası.
Avangardizm sanatın birçok alanına dokunmuştur: resim, edebiyat, sinema, müzik ve daha fazlası. Birkaç avangart hareket düşünün. Avangard edebiyata dönelim.
Fütürizm- modernizmin bir dalı, XX yüzyılın 10-30'larının avangart bir hareketi. 1909'da İtalya'da ortaya çıktı. Fütüristlerin ilk manifestosunun yazarı şair Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) olurdu. . Fütüristler karşı çıktı edebi gelenekler. Müzelerin ve kütüphanelerin yok edilmesi, İtalya'nın profesörlerden ve arkeologlardan kurtarılması çağrısında bulundular.Onlara göre düşünce tembelliği ve eylemsizlik şarkısını söyleyen eski kültür, fütüristler tarafından yeni kültüre karşı çıktı. Fütüristler edebiyatta psikolojizme karşı çıktılar, çünkü psikoloji dibe vurmuştur ve yerini cansız maddenin sözlerine bırakacaktır. Onlara göre kızgın bir odun ya da demir, bir kadının gülümsemesinden ya da gözyaşlarından daha güçlü duygular uyandırır. Fütüristler, isimlerin akla geldikleri gibi konmalarına, algı dinamiklerini geciktiren sıfatları iptal etmeye, yardımcı kelimeler olmadan kelimeleri birbirine bağlamaya çağıran kelime dağarcığı yıkımını gerçekleştirdiler. Fütüristler, seyirciyi abartılı bir dille şok etti. Görsel sanatlarda, dinamikler, dönemin ruhu, fütüristler soyut çizgilerle ve inanılmaz şekiller, alacalı renkler. Müzik birikmiş kükreme, gürültü.
Fütürizmin başka özellikleri de vardı. Slav ülkeleri. En açık şekilde Rusya'da kendini gösterdi. Fütüristler 1911'de kendilerini ilan ettiler. Rus fütüristler yapay sözcükler, mantıksız sözdizimsel yapılar yarattılar. Örneğin Rus fütürist O. Kruchenykh böyle bir şiir yazdı
delik, bul, schyl
ubeshur
skoom
boo ile sen
g l ez
Bu beş mısrada A.S.'nin tüm şiirinden daha fazla Rus uyruğu olduğunu belirtti. Puşkin.
Resimde öncü .
E 
DIŞAVURUMCULUK- akım Avrupa sanatı 20. yüzyılın ilk on yıllarında en çok Almanya ve Avusturya'da gelişen modernizm çağı. Dışavurumculuk, yazarın duygusal durumunu ifade edecek kadar gerçekliği yeniden üretmeye çalışmaz. Dışavurumculuk, Birinci Dünya Savaşı'na şiddetli, acı verici bir tepki olarak ortaya çıktı ve devrimci hareketler. Dünya Savaşı'ndaki katliamın travmasını yaşayan kuşak, gerçekliği son derece öznel bir şekilde, hayal kırıklığı, kaygı, korku gibi duyguların prizmasından algıladı. Acı ve çığlık motifleri çok yaygındır. Alman Ekspresyonistler, seleflerini Post-Empresyonistler olarak görüyorlardı. geç XIX yüzyılda, renk ve çizgide yeni ifade olanakları açarak, gerçekliği yeniden üretmekten kendi öznel durumlarını ifade etmeye geçtiler. Vincent, van Gogh, Edvard Munch ve James Ensor'un dramatik tuvalleri, bu sanatçıların tüm bireysel tavırlarıyla birlikte, ezici zevk, öfke ve korku duygularıyla dolu. Sıradanlık, çirkinlik ve çelişkiler modern hayat dışavurumculara köşeli, çarpık çizgiler, hızlı ve sert vuruşlarla aktardıkları tahriş, tiksinti, endişe duyguları verdi,
Edvard Munch. bağırmak
çığlık atan renk İzleyici üzerindeki etkiyi artırmak, onu kayıtsız bırakmamak için son derece zıt renkler tercih edildi. İlk bakışta dikkat çekici olmayan, duygusal renklerle dolup taşan dışavurumcuların fırçasının altına alınan modern sokak yaşamının resimleri.
Yirminci yüzyılın başında sanatta yeni bir yön ortaya çıktı - kübizm. Bu yön, nesnelerin ayrışmasına ve deformasyonuna dayanmaktadır. Tasvir edilen nesneler geometrik düzlemlere ayrıştırılır, şekilleri belirli bir şekilde kaydırılır. Kübizmin kökenleri, ünlü Pablo Picasso'nun adıyla yakından bağlantılıdır. Picasso'nun kübizmi, sanatçının ilkelciye olan ilgisinden kaynaklanır. Afrika heykeli. 1907-1908'in başında onunla ilgilenmeye başladı. Kıyılmış formlar Afrika sanatı Picasso'nun imgelerin soyut bir genelleştirilmesi arzusunu pekiştirdi
Kübizm resimde - sadece bir nesnenin görüntüsü değil, bir nesnenin görüntüsüdür, 
zihinsel olarak yıkılan ve sanatçının zihninde yeniden yaratılan. Çoğu zaman, kübizm tarzındaki tuvallerdeki nesneler, gerçek prototipleriyle temasını tamamen kaybeder ve anlamı yalnızca bir yazara açık olan soyut sembollere dönüşür. Kübizm tarzı, resmin gelişimi üzerinde büyük bir etki ifade etti, sanatçıların doku, hacim ve mekanı nasıl aktaracakları konusundaki fikrini değiştirdi.
Rus kübizmi hakkında konuşursak, bu ülkede bu yöndeki gelişimin Avrupa ülkelerinden biraz farklı olduğu anlaşılmalıdır. Chagall, Malevich, Archipenko, Altman ve Lentulov'un çalışmaları genellikle Rus kübizmine atfedilir, ancak çalışmaları diğer sanat akımlarına da örnek olarak alınabilir. Kuşkusuz resimdeki kübizm çok büyük bir şok yarattı. Soyut yaratıcılığın yolunu açan, izleyicilere Kübistlerin eserlerinde tasvir edilen sembolleri yorumlama fırsatı veren oydu. Resimde kübizm, fütürizm, yapılandırmacılık ve çok daha fazlası gibi soyut sanat hareketlerinin gelişimine temel teşkil eden izleyicilerin ve sanatçıların kitlesel bilincini hazırladı.
baba teatral avangard Alfred Jarry, ilk olarak 1896'da Paris'teki sembolist tiyatro "Yaratıcılık" sahnesinde sahnelenen Kral Ubu oyununun yazarı olarak kabul edilir. Klasisizmle büyüyen Parisliler, müstehcen üslup karşısında şok oldular ve oyunun alışılmadık biçimi karşısında şaşkına döndüler. Birçok tiyatro tarihçisi, Alfred'in 20. yüzyılın tüm avangart tiyatro hareketlerini doğurduğunu iddia ediyor: gerçeküstücülük, saçmalık ve "zulüm tiyatrosu". Rusya'da bu oyun pratikte sahnelenmedi, 2001'de Moskova tiyatrolarından biri tarafından sahnelendi.
Avangard hareketlerin tüm temsilcileri tiyatro reformundan yanaydı, ancak F.T. liderliğindeki Fütüristler. Teatral teorileri, 20. yüzyılda sonraki tüm Avrupa sahne yönetmenliğini etkiledi. İtalyan fütürizmi ve Dadaizm'in ortak kökleri vardır - A. Jarry'nin eseri. .
Fütüristler ve Dadaistler çağdaş tiyatro sistemini sorguladılar. Yeni tiyatro çözümleri fütüristler on iki teorik manifesto belgesinde doğrulandı. Eleştirileri, dramaturjinin önceliğini kınamakla başladı. tiyatro sanatı oyuna karşı şiddet olarak kabul edilen - ücretsiz bir yaratıcı unsur. Manifesto'da fütüristler, doğaçlama, dinamik, gerçeküstü yeni bir tiyatronun yaratıldığını duyurdular. Akademik tiyatronun ana unsuru olan sözden önceliği aldılar ve onu fiziksel eyleme verdiler. Dramaturjinin yeri, sahnelerin iskeletlerinin olduğu, ancak eylem mantığının, görüntünün psikolojik gelişiminin olmadığı, sözsüz kısa oyunlar tarafından işgal edildi. Daha sonra, 20. yüzyılın ikinci yarısında. sanatçının plastik tiyatrosu ortaya çıktı. Hem Fütürizm hem de Dadaizm, 20. yüzyılın başlarındaki ana fetih konusunda şüpheciydi. - yönetmen tiyatrosu. Yönetmende sanattan bir burjuva gördüler. Sahnede bir nesneden başka bir şey olarak görülmeyen oyuncunun masa veya sandalye gibi konumunu da reddettiler.
Avangard müzik kendini nasıl gösteriyor?
Müzik tartışmasına dönersek, bu müzikal yeniliklerin nispeten kısa bir süre içinde nasıl ortaya çıktığını not etmek özellikle ilginçtir. farklı noktalar dünyanın, birbirleriyle hiçbir teması olmayan besteciler arasında, bu nedenle burada "müziğin yasalarını çiğneyen" ve sonra din değiştiren "eski müzik normlarından bir mürtedin kötü niyetli etkisinden" söz edilemez. diğer meslektaşları onun inancına. Bildiğiniz gibi Scriabin, Schoenberg, Stravinsky, Bartok, Ives, Roslavets, Lurie ve diğerleri gibi yazarlar tamamen bağımsız hareket ettiler ve cesaret, yaratıcılık ve ayrılık açısından birbirine benzediği kadar birbiriyle çelişen sonuçlara ulaştılar. geçmişin müzik dilinden. Birbirinden farklı bu bestecileri birleştiren en önemli şeyin, o zamanın mekanını işgal eden kozmik süreçlerin duyulması olduğu söylenebilir. Estetik oluşumlarında belirleyici olan da bu faktördü. On dokuzuncu yüzyılın sonlarının müzik dilinin gelişim yolu. dramatik ve dokunaklıydı. Sanatta her zaman olduğu gibi bazı sistemler eskimekte ve yerlerine yenileri gelmektedir. Avangardın özü budur. Rus müzikal avangardında, temelde farklı iki kuşak ayırt edilmelidir: 1910'lar-1920'lerin avangardları ve 1960'lar-1980'lerin avangardları. Aralarında bir miktar süreklilik olsa da, anlamlı değildir.
Avangard 1910'lar – 1920'ler
Araştırmacılar, erken müzikal avangardın çok heterojen bir fenomen olduğuna dikkat çekiyor. Buradaki en önemli şey, bir tür "yeni dünya görüşü", "sağlam dünya görüşü" arayışıydı. "Yeni dünya işitme" doğrultusunda birçok temel müzik kategorisi yeniden düşünüldü - ses, perde sistemi, tını, armoni vb. İlk avangart sanatçıların neredeyse tamamı şu ya da bu şekilde geleneksel mizaç sistemini güncelliyor ve yeni ton ayırma sistemleri icat ediyorlardı. Mizacın yenilenmesiyle bağlantılı olarak, sese karşı yeni bir tutum sorusu ortaya çıktı. İdeal olarak, avangardistler bu yaklaşıma karşılık gelen yeni enstrümanlar veya cihazlar icat etmeye çalıştılar: ünlü teremin (mühendis L.S. tarafından yapılan dünyanın ilk elektroakustik enstrümanı ”ve“ Kristal ”. Bu enstrümanlar temelde yeni bir sonorik sağladı, ancak geleneksel piyanoları, orgları "geliştirmek" ve bunlara yeni çalma teknikleri uygulamak için sıklıkla girişimlerde bulunuldu.
20. yüzyıl müziğinde avangard hareketin yaratımlarından biri dodekafoniydi. Bu tekniğin yazarı, Anton Webern, Alban Berg ve diğerleri gibi seçkin öğrencilere eğitim veren bir öğretmen olan "Yeni Viyana Okulu" nun yaratıcısı Avusturyalı bir besteci olan Arnold Schoenberg'di.
Dodekafoni, bize tanıdık gelen diyatonik sistemin yerini aldı. Diyatonik sistemin özü, Avrupa kulağının ayırt ettiği 12 sesten (sözde mizaç sistemi), yalnızca 7 tanesini alıp bunlara dayalı bir kompozisyon oluşturabilirsiniz. Yedi ses bir tonalite oluşturdu. Örneğin, C majördeki en basit anahtar iyi bilinen ölçeği kullanır: do, re, mi, fa, salt, la, si. Basitçe söylemek gerekirse, bu tuş sadece piyanodaki beyaz tuşları kullanır. C minörün tonalitesi, mi yerine E-bemol görünmesi bakımından farklılık gösterir. Yani, C minör anahtarında, sözde modülasyonlar, yani orijinalden bir azalma veya artışla farklı olan ilgili bir anahtara geçişler dışında basit bir mi kullanmak artık mümkün değildir. yarım ton. Yavaş yavaş on dokuzuncu yüzyılın sonlarına doğru. modülasyonlar giderek daha cüretkar hale geldi, besteciler Webern'in sözleriyle "kendilerine çok fazla izin vermeye başladılar." Ve şimdi majör ve minör arasındaki karşıtlık yavaş yavaş kaybolmaya başladı. Chopin ile başlar, Brahms'ta zaten açıkça görülür ve Gustav Mahler'in müziği bunun üzerine inşa edilmiştir. Yirminci yüzyılın başlarında. Müzik formunu deneyen Novye bestecileri çıkmaza girdi. On iki tonun tümünü kullanarak müzik besteleyebileceğiniz ortaya çıktı: bu kaostu - acı verici bir atonalite dönemi.
Müzikal kaostan çıkan iki zıt yol vardı. Birincisi, diyatonik sistemin çok tonluluk, yani karmaşıklığıdır. sesin eşzamanlılığı yoluyla - gitti Stravinsky, Hindemith, Shostakovich. İkinci, zorlu yol Yeni Viyanalılar tarafından izlendi ve bu, eski sistemin bir parçasından bütün bir sistemin yaratılmasıydı.
Gerçek şu ki, on dokuzuncu yüzyılın sonunda. sadece diyatonik ilke değil, aynı zamanda klasik Viyana armonisinin kendisi de düşüşe geçti, yani melodiyi yöneten bir sesin olduğu ama bir eşliğin olduğu ilke. Müzik tarihinde, Viyana armonisinden önce melodi ve eşlik hiyerarşisinin olmadığı, ancak birkaç eşit sesin olduğu kontrpuan veya çok seslilik vardı.
Novovenets, büyük ölçüde katı Bach öncesi kontrpuan sistemine geri döndü. Uyumu ilke olarak terk ederek, müziği yeni bir şekilde daha kolay organize edebildiler. Schoenberg, 12 ton eşitliğini (atonizm) terk etmeden, bir kompozisyon oluştururken, tekrarlanmayan 12 tonun bir dizisinin geçmesi gereken, ardından tekrarlanıp değiştirilebileceği, yani 1 olabileceği bir kural getirdi. ) doğrudan; 2) rakhodnaya, yani baştan sona gitmek; 3) ters çevrilmiş, yani yataya göre ters çevrilmiş gibi ve 4) bir kabuk içinde ters çevrilmiş. Bestecinin cephaneliğinde dört dizi vardı. Bu elbette çok azdı. Ardından, dizinin yalnızca orijinal ton ve yarı ton sırasını koruyarak herhangi bir adımdan başlayabileceği bir kural getirildi. Ardından 12 mizaç tonuyla çarpılan 4 seri 48 olasılık verdi. 12 tonlu müziğin özü budur. Temeli, tüm seslerin eşitliğidir.
20. yüzyılın bir sanat olgusu olarak Rus avangardı
Rus avangardı, Rusya'da 1890'dan 1930'a kadar gelişen önemli bir sanatsal fenomen için kullanılan genel bir terimdir, ancak bazı erken belirtiler 1850'lere ve daha sonra 1960'lara kadar uzanmaktadır. "Rus avangard" terimiyle tanımlanan 20. yüzyıl sanatı olgusu, herhangi bir özel sanatsal programa veya stile karşılık gelmez. Bu terim nihayet, savaş öncesi yıllarda - 1907-1914 - Rus sanatında şekillenen, devrim yıllarında öne çıkan ve devrim sonrası ilk on yılda olgunluğa ulaşan radikal yenilikçi eğilimlere atandı. Sanatsal avangardın çeşitli akımları, yalnızca 19. yüzyılın akademik gelenekleri ve eklektik estetiğinden değil, aynı zamanda o zamanlar her yerde ve her biçimde egemen olan Art Nouveau tarzındaki yeni sanattan da kesin bir kopuşla birleşiyor. mimarlık ve resimden tiyatro ve tasarıma kadar sanatın Rus avangardında ortak olan, kültürel mirasın radikal bir şekilde reddedilmesi, sanatsal yaratıcılığın sürekliliğinin tamamen reddedilmesi ve yıkıcı ve yaratıcı ilkelerin bir kombinasyonuydu: nihilizm ruhu ve temelde yeni bir şey yaratmayı amaçlayan yaratıcı enerjiyle devrimci saldırganlık. sanatta ve hayatın diğer alanlarında.
Bu akımın Rusya'daki ana temsilcileri V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender ve diğerleridir.
Avangard sanatın tüm akımları gerçekten de manevi içeriğin pragmatizmle, duygusallığın ölçülü hesaplamayla, sanatsal imgelemenin basit uyumla, estetik formların, kompozisyonun yerine konstrüksiyonun, büyük fikirlerin faydacılıkla ikame edilmesiyle karakterize edilir. 19. yüzyılın Gezginler hareketinde ve "altmışlarında" açıkça ortaya çıkan geleneksel Rus maksimalizmi, yalnızca Rus devrimiyle güçlendi ve Sovyet Rusya'nın her yerde avangart sanatın doğum yeri olarak kabul edilmesine yol açtı. Dünya.
Yeni sanat, dizginsiz bir özgürlükle fetheder, büyüler ve büyüler, ancak aynı zamanda içerik ve biçim bütünlüğünün bozulmasına, yok edilmesine tanıklık eder. Avangard sanattaki bazı akımların doğasında var olan ironi, oyun, karnavalcılık ve maskeli balo atmosferi, sanatçının ruhundaki derin bir iç uyumsuzluğu yalnızca maskelemekle kalmaz, daha çok açığa çıkarır. Avangard ideoloji kendi içinde yıkıcı bir güç taşır. N. Berdyaev'e göre 1910'larda Rusya'da bir "holigan nesil" büyüyordu.
Avant-garde, sanatsal ütopik stratejisi ve taktikleri çok daha kararlı, anarşist ve asiyken, avangard, sanat aracılığıyla insan bilincinin radikal bir dönüşümünü, var olan toplumun tinsel ataleti yok edecek bir estetik devrimi hedefliyordu. Güzelliğin ve gizemin enfes "merkezlerinin" yaratılmasıyla yetinmeyen, varlığın temel maddiliğine karşı çıkan avangard, imgelerine hayatın kaba maddesini, "sokak şiirselliğini", modern hayatın kaotik ritmini kattı. güçlü bir yaratıcı ve yıkıcı güce sahip şehir, doğa. Bir kereden fazla, eserlerinde "sanat karşıtı" ilkesini açıkça vurguladı, böylece yalnızca eski, daha geleneksel stilleri değil, aynı zamanda bir bütün olarak köklü sanat kavramını da reddetti.
Avangard trendlerin yelpazesi harika. Dönüşümler her türlü yaratıcılığı kapsadı, ancak güzel sanatlar sürekli olarak yeni hareketlerin başlatıcısı olarak hareket etti. Post-izlenimciliğin ustaları, avangardın en önemli eğilimlerini önceden belirlediler; erken cephesi, Fovizm ve Kübizm temsilcilerinin grup performanslarıyla belirlendi. Fütürizm, avangardın uluslararası bağlantılarını güçlendirdi, sanatların (sanat, edebiyat, müzik, tiyatro, fotoğraf ve sinema) etkileşimi için yeni ilkeler getirdi. 1900-10'larda birbiri ardına yeni trendler doğuyor. Dışavurumculuk, Dadaizm, Sürrealizm bilinçdışına duyarlılıkları ile insan ruhu avangardın irrasyonel çizgisini çizdi, konstrüktivizmde ise tam tersine rasyonel, yapıcı iradesi kendini gösterdi. Avrupa avangardının tüm akımları Rus avangardında yansıma bulmadı. Dadaizm, Sürrealizm, Fovizm ve diğerleri gibi akımlar yalnızca Avrupa'ya özgüydü.
1910'ların savaşları ve devrimleri sırasında, politik ve sanatsal avangard aktif olarak etkileşime girdi. Politikadaki sol güçler avangardı ajitasyon ve propaganda amaçları için kullanmaya çalıştılar, daha sonra totaliter rejimler (öncelikle Almanya ve SSCB'de) avangardı yeraltına iterek katı sansürle bastırmaya çalıştılar.
Siyasal liberalizm koşullarında, 1920'lerden bu yana avangard, eski yüzleşme tutkularını kaybetmekte, modernite ile ittifaka girmekte, modernite ile temas kurmaktadır. popüler kültür. 20. yüzyılın ortalarında eski "devrimci" enerjisini büyük ölçüde tüketen avangardın krizi, ana alternatifi olarak postmodernizmin oluşması için bir teşvikti.
1917 her şeyi değiştirdi. Hemen belli olmadı. İlk 5 yıl - 1917-1922 arasındaki kahramanca beş yıllık dönem - hala umut için zemin bırakıyordu. Ama çok geçmeden illüzyonlar dağıldı. Rusya'da deha ve emek, manifestolar ve dünyaca ünlü ustaların hararetli tartışmaları tarafından yaratılan modernist sanatın görkemli kalesinin yıkım draması başladı. 1920'lerin ve 1930'ların başında, gerçekçi olmayan eğilimler tamamen yasaklandı; bazı sanatçılar başka ülkelere gitti; diğerleri bastırıldı veya acımasız kaçınılmazlığa yenik düşerek avangart aramayı bıraktı. 1932'de çok sayıda sanat derneği nihayet kapatıldı; yetkililer tek bir Sanatçılar Birliği oluşturdu.
Rus avangardının aslında 20. yüzyılın bir fenomeni olduğu sonucuna varılabilir, çünkü ondan önce başka hiçbir sanat tarzı geleneksel sanata böylesine meydan okumaya cesaret etmemişti.
Çözüm
Bu konuyu inceledikten sonra, 20. yüzyıl müziğinin tüm gelişiminin, yüzyılın başındaki yaratıcı patlama tarafından belirlendiğini rahatlıkla söyleyebiliriz. Yüzyılın başındaki yeni bir estetik deneyimin tezahürü, iki boyutlu dünyadan üç boyutlu dünyaya bu geçişle karşılaştırılabilir. Yirminci yüzyılın başlarındaki sanatsal dalgalanma fenomeninin iki olası açıklaması vardır - birincisi bir mucize ve ilahi bir fenomendir ve ikincisi, bir gün aniden bu şekilde kendini gösteren manevi zenginliğin ilerleyen birikimidir. Ne de olsa ondan önceki yüksek kültür, Yeni Kültür için besin toprağıydı. Schoenberg, Bach, Beethoven, Wagner ve Brahms geleneklerinde büyümemiş olsaydı, asla Schoenberg olarak şekillenemezdi. Bu fikir edebiyat ve resim için oldukça alakalı.
Hipotez yeni felsefi bilimsel görüşlerin ortaya çıkması, bir kişinin yaşam felsefesinin, bir kişinin dünya görüşünün bir ifadesi olarak, bir kişinin kültürel yaşamında çeşitli yeni eğilimlerin ortaya çıkmasına neden olur. doğru. Bu, sanatçıların resimleri, müzik eserleri ve şiirsel kreasyonlarla tanışmayı doğruladı.
Bu proje üzerinde çalışmak, çeşitli sanat türleri hakkındaki anlayışımı genişletmeme yardımcı oldu, yirminci yüzyılın başlarındaki kültürü daha derinden anlamama katkıda bulundu. Pek çok ilginç şeyi görmeye ve öğrenmeye yardımcı oldu müzik besteleri, edebiyat ve resim eserleri
Proje üzerindeki çalışmanın sonuçlarına dayanarak, sınıfta grubumdaki öğrencilerin önünde yirminci yüzyılın başlarındaki avangard hakkında bir sunum ve bir hikaye sundum. müzik edebiyatı. Adamlar projeme ilgi gösterdiler ve sunduğum bilgilerle yakından ilgilendiler.
Sonuç olarak proje aktiviteleri avangart eserlerin incelenmesiyle ilgili materyalin yalnızca entelektüel gelişimime katkıda bulunmadığını, aynı zamanda yaratıcı potansiyelimi gerçekleştirerek hayal gücümü, ilhamımı harekete geçirdiğini gösteren bir bilgisayar sunumunun oluşturulmasıydı.
Kaynakça
Alpatov M. Art. - M.: Aydınlanma, 1969.
Albüm. “A”dan “Z”ye Rus sanatçılar. - M.: Slovo, 1996.
Vlasov V.G. Sanatta stiller. Sözlük. - St.Petersburg: Lita, 1998.
Rus ve Sovyet Sanatı Tarihi - M.: Yüksek Okul, 1989. S. 53.
Krusanov A.V. Rus Avangard 1907-1932: Tarihsel Bir İnceleme. T.1. - St.Petersburg, 1996.
Kültüroloji: Proc. Üniversiteler için / Ed. N.G. Bağdasaryan. - M.: Lise, 1998.
Popüler sanat ansiklopedisi. - M.: Pedagoji, 1986.
Rus sanatçılar - Samara: AGNI, 1997.
XII-XX yüzyılların Rus sanatçıları: Ansiklopedi. - M.: Azbuka, 1999.
Resimlerle fütürizm sitesi http://www.woodli.com
Vikipedi sitesi http://www.wikipedia.org
Site http://www.Artonline.ru
Site http://www.krugosvet.ru
yüklemeler -> Araştırma çalışması Baltasinsky bölgesi ormancılığı örneğinde Arsky ormancılığının ormanlarındaki ekolojik durum
Avangardın ana yönlerinden biri. Geleneksel sanatın aksine, gerçekliği taklit etmez ve unsurlarını yeniden üretmez. Soyut sanatın nesnesi, sanatçının araç takımıdır: renk, çizgi ve biçim. İlk soyut eserler, 1900'lerin sonlarında ve 1910'ların başlarında Wassily Kandinsky tarafından yaratıldı; İlk soyut çalışması "Çemberli Resim" (1911) olarak kabul edilir. 1912-1915'te Luchism (Larionov, 1912) ve Süprematizmin (Malevich, 1915) soyut resim sistemleri ortaya çıktı.
Öncü
İlk başta, terim askeri işlerde ve ilgili olarak kullanıldı. siyasi olaylar- 1885'e kadar Fransız eleştirmen Théodore Duret bunu kullandı. sanat eleştirisi. Ancak bu anlamda kelime kök salmadı. İlk kez 20. yüzyılın başlarındaki Rus sanatına avangard adını veren Fransız eleştirmen Michel Sefort sayesinde ancak 1950'lerde sanat tarihine geri döndü.
Bütünlük
Terim, 1913 baharında bir sanatçı, yazar, yayıncı ve gazeteci olan Ilya Zdanevich tarafından icat edildi. Mikhail Larionov ve çevresinin sanatçılarının sanatsal ve estetik fikirleri, her şeye gücü yetmenin temelini oluşturdu: "Hedef" sergisinin kataloğunda, mevcut tüm stilleri - kübizm, fütürizm, orfeizm ve diğerleri - tanıdı. Aynı yılın 5 Kasım'ında Zdanevich, Natalia Goncharova sergisinin kapanışında Moskova'da konseptini halka tanıttı. Dersin adı "Natalia Goncharova ve Tüm Mutluluk" idi. Bundan sonra Zdanevich, derslerde ve tartışmalarda her şeye kadirlik fikirlerini orada yaymak için St. Petersburg'a gitti. Bu performanslar, avangart çirkin karakterin karakteristiğiydi. Böylece, 9 Nisan 1914'teki "Yüz Boyama" performansının sonunda Zdanevich yüzünü siyah boyayla boyadı ve aynı yılın 17 Nisan'ında "Ayakkabıya Tapınma" eyleminde olan her şeyi yalanladı. güzel olarak kabul edildi ve ayakkabının güzelliğini "güzel, arabalar ve motorlar gibi" söyledi.
çit boyama
Çitler üzerindeki yazıtların olay örgüsüne ve üslubuna hitap etmesi, avangardın ve neo-primitivizmin en karakteristik özelliklerinden biridir. Bu yön, özellikle neo-primitivist dönemin Larionov'un eserlerinde belirgindir.
yapılandırmacılık
El Lissitzky. Nikitsky Kapıları yakınlarındaki bir gökdelen projesi, Tverskoy Bulvarı'ndan görünüm charnelhouse.org Latince yapıdan - "inşaat". Yapılandırmacılığın temel özellikleri titizlik, özlülük ve geometrik biçimlerdir. Stil, 1922'de sanatçı ve sanat teorisyeni Alexei Gan tarafından aynı adlı kitapta resmen belirlendi. En ünlü yapılandırmacılar arasında Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, mimarlar Moses Ginzburg, Konstantin Melnikov ve Vesnin kardeşler bulunmaktadır. Konstrüktivizm en çok yayılan farklı bölgeler sanatsal yaratıcılık: tiyatro dekoru ve kostümleri, kitap tasarımı, mimari vb.
kozmizm
Lazar Hidekel. Geleceğin şehirleri. Yer üstü şehir. 1927 haber akışı.kosmograd.com 1870'lerde ortaya çıkan ve dünya dışı uzay ve kozmos hakkında düşünen filozoflara ve bilim adamlarına atıfta bulunan felsefi bir kavram. Nesnel olmayan veya soyut sanat, kozmizmin gelişimine katkıda bulunurken, Malevich'in öğrencileri - sanatçı Ivan Kudryashov ve mimar Lazar Khidekel - geometrik nesnesizliğin kozmik yönünü ve kozmizm fikirlerini geliştirdiler.
Kübizm
George Braque. Keman ve şamdan. 1910 San Francisco Modern Sanat Müzesi Kübizm, 1908 sonbaharında Fransa'da Georges Braque ve Pablo Picasso'nun eserlerinde şekillendi. Rusya'ya farklı şekillerde giriyor. Böylece, sanatçı Alexandra Exter, Paris'ten yeni moda stil hakkında düzenli olarak çeşitli bilgiler getiriyor ve 1908'de koleksiyoncu Sergei Ivanovich Shchukin, Bolshoy Znamensky Lane'deki malikanesini herkese açıyor. Diğer şeylerin yanı sıra koleksiyon, Kübistlerin eserlerini içerir ve gelecekteki tefler düzenli olarak galeriyi ziyaret eder. 1912'de sanatçı ve şair David Burliuk'un "Kübizm" adlı bir makalesi "Halkın Zevki Yüzüne Bir Tokat" koleksiyonunda yayınlandı. Kübizm, diye yazar, düz bir dünya anlayışını veya kaydırılmış bir yapının kanonunu ima eder ve en önemli tekniği, bir nesnenin çeşitli bakış açılarından tasvir edilmesidir. Üç yıl sonra, “Kübizmden Süprematizme” manifestosunda Kazimir Malevich, hareketin özünü “iki biçimin buluşmasından” kaynaklanan “uyumsuzluk” olarak tanımlar: “Kübizm ilkesinde hala çok değerli bir görev var. , nesneleri aktarmak için değil, resim yapmak için.<...>Kübizm çağımızda sanatçı, şeyi olduğu gibi, anlamı, özü ve amacı ile yok etti.
kübofütürizm
Natalya Gonçarova. Fabrika. 1912 Devlet Rus Müzesi Bu kavram ilk kez 1912'de Fransız eleştirmen Marcel Boulanger tarafından kullanıldı ve ertesi yıl terim Rus kültüründe yaygınlaştı. Şiir-sanat grubu "Gileya" ve "Gençler Birliği" çevresinin sanatçıları kendilerini Kübo-Fütüristler olarak görüyorlar. Kübo-fütüristik eserlerde, dünya parçalara bölünmüş veya parçalara ayrılmış olarak görünür. Kasım 1913'te Malevich, Gençlik Birliği sergisinin kataloğunda eserlerini kübo-fütüristik olarak adlandırıyor. 1912-1913'te Natalia Goncharova'nın ("Fabrika") kübo-fütüristik tablosu ortaya çıktı.
sol sanat
Alexander Rodchenko. Dergi kapağı seçeneği "Sol" "Sol"- "Sol Cephe", 1923-1925'te Moskova'da yayınlanan bir dergi, genel yayın yönetmeni - Vladimir Mayakovsky. Birkaç oda Alexander Rodchenko tarafından dekore edilmiştir.(O. Brik'in karikatürü). 1924 Devlet Müzesi güzel Sanatlar onlara. AS Puşkin
1915 baharında, Petrograd'daki sol akımların resim sergisinden sonra, yenilikçi sanata "fütürizm" kavramıyla birlikte "sol sanat" terimi uygulanmaya başlandı. 1917'de üç federasyon kuruldu; bunlardan biri "sol" olarak adlandırıldı ve avangart sanatçıların çoğunu birleştirdi. 1919'da terim anlamını değiştirdi: şimdi amaçsız ve proleter sanatçılar olarak adlandırılıyor. 1920'lerin başında, ikincisi Lef dergisi etrafında bir grup oluşturdu.
lineizm
Alexander Rodchenko. Doğrusal tasarım No. 108. 1920 monoskop.org 1919'da terim, nesnel olmayan sanattaki akımlardan birini ifade eden Alexander Rodchenko tarafından icat edildi. Manifesto of Early Constructivism'de "Bir inşaat unsuru ve bağımsız bir resim biçimi olarak çizgiyi tanıttı ve duyurdu" diye yazdı.
Rayizm
Mihail Larionov. Horoz (Radyant çalışma). 1912Mikhail Larionov tarafından geliştirilen ilk objektif olmayan boyama sistemlerinden biri. Larionov, Rayonizmin görünür maddi dünya ile manevi dünyayı tek bir uyum içinde birbirine bağlaması gerektiğine inanıyordu. Sanatçı ilk Luchist eserlerini 1912'de yarattı ve aynı zamanda World of Art sergilerinde gösterildi. 1913 ve 1914'te Larionov'un Luchist tablosu Hedef ve 4 Numara sergilerinde sergilendi. Gerçekçi Rayonizm, hayvani arazilerle karakterizedir. Rayonizmin bir sonraki aşaması için - pnömorayizm - diğer tekniklerin kullanımı (örneğin, kartonpiyer ekler, notlar, haçlar vb. gibi işaretler).
Oryantalizm
Sanatçı programının önemli bir parçası erken avangard. Doğu sanatının etkisi esas olarak teorilere ve manifestolara yansıdı ve avangart sanatçıları tekniklerden çok olay örgüsü ve temalarla cezbetti. Önemli olan, sanatın özelliklerinin incelenmesi değil, Doğu atmosferine dalmaktı. Oryantalizmin teorik gerekçesi, Mihail Larionov ve İlya Zdaneviç tarafından geliştirildi. Ve Larionov'un "Karo Jack" ile ara vermesinin nedeni tam da Doğu sevgisiydi - sanatçı, üyelerini taklitçi Batıcılıkla suçladı. Ancak 1910'ların ortalarına gelindiğinde Doğu teması unutulmuş ve Oryantalizm kendini tüketmişti.
ilkelcilik
Mihail Larionov. Bahar. Mevsimler (Yeni ilkel). 1912 Devlet Tretyakov Galerisi Erken Rus avangardının yönü (1900'lerin sonu - 1910'ların başı). İlkelciliğin özellikleri arasında figürlerin çocuksu, çocuksu formları ve oranları, beceriksiz plastiklik, amatör çizim taklidi ve naif masalsılık vardır. Buradaki temel rol, ulusal geleneğe, eski ve eski örneklere güvenerek oynandı. Halk sanatı, her şeyden önce ikon, atel, heykelsi arkaik. Bu kelime ilk kez şair ve eleştirmen Sergei Makovsky tarafından Mavi Gül sergisiyle ilgili bir makalede kullanıldı: “Onlar, modern resmin geldiği ilkelliğin habercileridir, pınarlarda - doğrudan yaratıcılıkta canlanmayı ararlar, tarihsel deneyimin ağırlığıyla tükenmez.<...>Ana görev olarak anlaşılan modern bilinçli ilkelcilik, sanatsal özgürleşmenin son zaferidir. 1907 yazında terim, Herson'daki Burliuk sergisinin duyurusunda da kullanıldı.
süprematizm
Kazimir Maleviç. İsimsiz. 1916 civarında Solomon R. Guggenheim Vakfı Peggy Guggenheim Koleksiyonu, Venedik Böylece Aralık 1915'te Malevich, "Son Fütürist Sergisi" 0.10 "" da gösterilen eserlerini anlattı. Onun "Siyah Karesi" yeni bir deney alanı açtı - tamamen geometrik, nesnel olmayan bir biçim. 1920'nin başında Malevich, Vitebsk'te öğretmenlik yapmak için ayrıldı ve orada Süprematizm, Unovis'in yeni pedagojisinin temeli oldu - "Yeni Sanatın Olumluları".
Fütürizm
Giacomo Balla. Hız + ses. 1913-1914 Solomon R. Guggenheim Vakfı Peggy Guggenheim Koleksiyonu, Venedik, 1976 İtalyan futuro'dan - "gelecek". Fütürizm, 1909 yılında Filippo Tommaso Marinetti sayesinde İtalya'da ortaya çıktı ve sanatsal yaratıcılığın tüm alanlarına yayıldı. Fütürizmin temeli, değişen dünyaya karşılık gelen yeni bir sanat dilidir. David Burliuk'a göre, Rus sanatçılar ve yazarlar bu terimi 1911'de kullanmaya başladılar. Fütüristler ise o zamanlar kendilerini fütüristler veya geleceğin insanları olarak adlandırıyorlardı. Fütürizme en yakın gruplar Eşek Kuyruğu ve Gençlik Birliği idi. Fütürizm, 1914'e kadar Rus resminde özellikle popülerdi.
Avant-garde kelimesinin kendisi, ana ordunun önünde düşman topraklarına giren ve onun yolunu açan küçük bir elit müfrezeyi ifade ettiği askeri sözlükten geldi ve bu terimin sanat tarihi anlamı, bir neolojizm olarak, kullanılmış Alexandre Benois(1910), yirminci yüzyılın ilk on yıllarında satın alındı. O zamandan beri, klasik avangard, klasik ya da başka bir deyişle Birinci Modernizmin bağrında doğan ve hem çağdaş modernist akıma hem de asi muhalefetini ortaya koyan heterojen ve farklı anlamlara sahip sanatsal hareketlerin, akımların ve okulların toplamı olarak adlandırıldı. norm ve özellikle geleneksel sanat fikri, görevleri ve biçimleri. Lev Rubinshtein bugün "Modernizm" diyor, "geleneksel sanatın temel değerlerini kabul ediyormuş gibi, ancak sanatın sözde ebedi görevlerini çözmede sanatsal araçların yenilenmesiyle meşgul. Bu anlamda aynı geleneksel sanat, ancak aynı şeyi tanımlamak için yeni bir dille ele alındı. Avangardizm ise her an başka bir sanat yaratır, araçlarını değil sanatın nesnesini yeniler. Bu ilkeler, yani Alexei Zverev'in bir bütün olarak tüm fenomenin "ana ayırt edici özelliği" olarak seçtiği, gösterici ve genellikle agresif radikalizm, "geleneksel olmayanın baskın olanı" ve aynı zamanda ayardan gerçekliği tanınabilir ve hayati bir şekilde yeniden yaratmaya sıçrama Avangardizm, toplam analitik deformasyonunun özgün biçimlerini korudu ve ülkemizde modernizmin ikinci dönemine estetik açıdan keskin bir tepki olan yeni ortaya çıkışı, zaman içinde " Batı sanat pratiğinde karşı kültür ”.
Şimdi avangardizm, Boris Groys'un terimini kullanırsak, modernizm veya diyelim ki klasisizm kadar "arşivlendi". Ancak sanat devrimcileri, yüzyılı aşkın bir süredir soğumayan coşkuyla hala haykırmaya hazır olduklarından: "Avangard öldü, ama ben hala hayattayım!" İlk olarak, genetik olarak envanter çıkarmak mantıklıdır. ortak özellikler ve bir bütün olarak bu fenomenin belirtileri ve ikincisi, klasik avangard ile 1950'lerde ve 1960'larda yeniden canlanan ve daha sonra postmodernizmle dramatik bir ittifak-düşmanlık ilişkisine giren avangard arasındaki farklara işaret etmek. hala modern hissettiriyor.
Dolayısıyla, sabitler hakkında konuşursak, bunlar şunları içermelidir:
- a) resimselliğe karşı koşulsuz ifade tercihi ve yaratıcı sonuçlar için - tiyatro alanında Anatoly Vasiliev ile sinema alanında bir prova kültüne yol açan - Alexei German ve Yuri ile yorucu uzun çekimlere yol açan yaratıcı süreç Nordshtein ve edebiyat alanında - taslakların halihazırda kopyalanmış "başyapıtlara" göre önceliğine (el yazmalarıyla doldurulmuş efsanevi Khlebnikov yastık kılıfı, bu söylem için geniş bir metafordur);
- b) "akademik", "müze" olarak etiketlenen her şeyin enerjik bir reddi ve tersine, folklora (öncelikle egzotik) yaratıcı bir ilgi ile birlikte, edebiyatın profesyonel ve profesyonel olmayan olarak geleneksel bölünmesinin reddedilmesi ), saf sanat, grafomani, çocukların yaratıcılığı, akıl hastaları, alkolikler ve uyuşturucu bağımlıları;
- c) estetik algının otomatizminin üstesinden gelmenin (veya yok etmenin) bir yolu olarak "anlaşılmazlığa" karşı bilinçli ve bazen şok edici bir tutum, bu nedenle Maxim Shapir'e göre, "yanlış anlama, tam veya kısmi, organik olarak avangard sanatçının içine girer. planlar ve muhatabı algı öznesinden bir nesneye, yaratıcısı-sanatçısının hayranlık duyduğu estetik bir şeye dönüştürür”;
- c) görsel (boşluk dahil) ve sesli şiir gibi melez biçimlerde doruğa ulaşan, farklı türler ve ayrıca bireysel sanat türleri arasındaki çizgileri bulanıklaştırma arzusu;
- d) yanlışlıkla kolun altına girmiş gibi görünen malzemeleri birleştirme konusunda "mühendislik" yaklaşımı ve bilimsel ve teknolojik ilerlemenin başarılarının yanı sıra Boris Groys'un da vurguladığı gibi, - isteklilik ve " "hak etmeyen" bir nesneye değer verme yeteneği, yani. sanatçı olarak seçilmesinden önce ve ayrı olarak kendi başına değerli değildir” (Marcel Duchamp'ın Louvre'a getirdiği ünlü klozet ve Sergey Provorov ve Ignat Filippov'un görsel şiir olarak konumlandırdığı buruşuk, hafif kirli çarşaflar bu şiirde estetik olarak eşanlamlıdır. saygı);
- e) halkın zihninde ve kültürün hafızasında bundan sonra kesinlikle bununla ve başka hiçbir adla ilişkilendirilmeyecek olan kişinin kendi "onaylı" türünü, tekniğini veya tekniğini araması (dolayısıyla, Dmitry Avaliani'nin arama kartı) yaprak çeviren biriydi, Alexander Gornon özellikle fonosemantikle ilgileniyor ve dizin kartlarına şiir yazan Lev Rubinstein);
- f) aktif hayat inşa eden dokunaklılıklar, çünkü avangard sanatçılar için biyografiler, sanat eserlerinden daha az bir manipülasyon nesnesi değildir ve bu anlamda haklı olarak, Dmitry Aleksandrovich Prigov hakkında kendi imajının onun en yüksek yaratıcı başarısı olduğunu söylüyorlar;
- e) avangard sanatçıların kendilerini ve eserlerini sunmalarının çirkin ve skandal niteliği, bu nedenle bu sunumlar genellikle oyun veya performans olarak oynanır.
Yukarıdakilerin hepsi, postomodernizmin kaotik, estetik açıdan gevşek ve etik açıdan koordine olmayan bağlamına dalmış olmasıyla, hem sanatta hem de sanatta herhangi bir hedef belirlemeyi tamamen reddetmesi ve tamamen ironisi ile yüzyılımızda zaten gerçekleşmiş olduğunu gösteriyor. avangardizm ciddi bir dönüşüm geçirmek zorunda kaldı. Acı çekti - ütopyacılığını ve yalnızca sanatı değil, gerçekliği de yeniden düzenlemeye yönelik devrimci dürtüsünü neredeyse tamamen kaybetti. Belki de bunun nedeni, Boris Groys'un ironi olmadan söylediği gibi, “Stalin'in zamanında, avangardın rüyasını gerçekleştirmek ve toplumun tüm yaşamını birleşik sanat biçimlerinde organize etmek gerçekten mümkündü, ancak elbette içinde olmasa da. avangardın kendisine arzu edilir görünenler. ". Ama ne olursa olsun, "günümüzün avangart sanatçıları Mayakovski'nin mesih iddialarını, iktidar iradesini ve tribün benzeri doğasını değil, Khlebnikov'un özel, "küçük adam" rolünü miras aldılar ve elbette "Zemshar"ı atadı. başkanlar”, ancak bu emirlerin yerine getirilmediğine veya ancak hayallerde gerçekleşebildiğine itiraz etmez. Avangardistler ya laboratuvarlarında halktan saklanırlar, yalnızca dar bir inisiye çemberine açıktırlar (Ry Nikonova veya Viktor Sosnora gibi) ya da halka açık bir tezahür söz konusu olduğunda, bir anıttan çok şov dünyasının figürleri gibidirler. Barikatlarda Mayakovsky veya Svoboda.
Yaşam inşa etme tasarımı kasıtlı olarak toplumu değil, yalnızca kişinin kendi imajını hedef aldığında, bu sosyal hırs kaybı, günümüzün avangardının marjinalleşmesinin, alanın dışına düşmesinin nedenlerinden biri olabilir. sanatsal risk ve okuyucu beklentilerinin odak noktası. Ancak iki isim daha vermek gerekirse Olası nedenler. İşte Jan Shenkman tarafından formüle edilen ilki, “okuyucu deneylerden hoşlanmaz. Çünkü nadiren başarılı olurlar. Başarılı bir deneyci için, ilerleme ve uygarlığın on beş ila yirmi kurbanı vardır. İsimleri ölümsüz, başarıları ölümsüz. edebi süreç onlarsız neredeyse imkansız. Edebiyat - oldukça. Ve ikinci neden hakkında, Novosibirsk araştırmacısı E. Tyryshkina nazikçe şunları söyledi: "Avangardda ustalık anı azalır" ve yetenek kavramı da varsayılabilir, yaratıcı yetenek de sonunda azalır. - kim tartışacak? - sanatta kesinlikle her şeye karar verirler.
Sanatta avangard akımın yirminci yüzyılda ortaya çıktığı genel olarak kabul edilmektedir. Bu, tüm modern yetkili kaynaklar tarafından belirtilir. Yabancı kelimelerin sözlüğünde şunları okuyoruz: “avangard (fr. avant-gardisme) - avangard - yirminci yüzyıl sanatındaki bir dizi eğilimin adı, mevcut gerçekçi norm ve geleneklerden koparak, güncelleme araçları sanatsal ifade. Avangardistler, sanatı toplumsal anlamdan yoksun özel bir estetik alan olarak görürler; sanatsal ifade araçlarının biçimsel olarak yenilenmesi büyük önem taşımaktadır.
Sovyet Ansiklopedik Sözlüğünde: “Avangardizm (Fransız Avangardizmi), 20. yüzyılın sanat kültüründe, mevcut norm ve geleneklerden kopan, ifade araçlarının yeniliğini kendi içinde bir amaca dönüştüren bir harekettir. Avangardizm, modernizmle yakından ilişkilidir ve anarşist-öznelci bireyci bir dünya görüşünü yansıtır. Avangardın ilkeleri, dışavurumculuk, kübizm, fütürizm, dadaizm, sürrealizm gibi edebi ve sanatsal hareketler tarafından benimsendi. Ayrıca "bilinç akışı edebiyatı", "yeni roman", saçma drama ve diğerleri tarafından da alındı.
İnsani Ansiklopedik Sözlük'te: “Avangardizm (Fransız Avangard - ileri ayrılma), yirminci yüzyılın sanat kültüründe yerleşik ilke ve sanat normlarından kopan bir harekettir; sanatsal dilin temelde yeni ifade araçlarını ve izleyiciyi etkilemenin yollarını bulmaya çalışmak. Avangardizm, estetik özü, merkezi estetik kategorinin yeni, orijinalin güzel kategorisiyle açıkça ilan edilmiş veya gizli bir şekilde ikame edilmesine indirgenen, görünüşte farklı bir dizi akımı birleştirir.
Dolayısıyla, ansiklopedilerin resmi, akademik, yetkili yayınevleri, kurmacada ileri bir hareket olarak avangardın 20. yüzyılda ortaya çıktığını oybirliğiyle kabul ediyor. Görünüşe göre yirmi ciltlik Büyük Rus Ansiklopedisi'nin yeni baskısında, daha önce inanıldığı gibi, avangart akımın bu haliyle yirminci yüzyılda ortaya çıktığı kabul edilecek. Gerçekten mi? Soru boş değil, çünkü bilindiği gibi, sanatsal değerler sistemindeki herhangi bir halka koparsa, bu tüm zincirin bir dereceye kadar zayıflığını gösterir.
Şu soruyu açıklığa kavuşturmak için: Sanat kültüründe bir akım olarak avangardizm gerçekten 20. yüzyılda ortaya çıktı mı? -- bu makalenin yazarı, Rönesans'tan 19. yüzyılın ortalarına kadar dünya edebiyatında şiirsel yaratıcılık süreçlerini analiz etti ve ayrıca geçmişin eski çağlardan şiirsel sözlerin gelişim tarihini analiz etti. Bu makalenin yazarı, yaptığı çalışmada Amerikalı şair Walt Whitman'ın eserlerine dikkat çekmiştir. Walt Whitman'ın Leaves of Grass (4 Haziran 1855) şiir kitabını yayınlamasının üzerinden bir buçuk asırdan fazla zaman geçti. Kitap tam anlamıyla Amerikalı okuyucuların cesaretini kırdı, onları cesaret ve yenilikle şaşırttı, Amerikan gazete dünyasını heyecanlandırdı ve yazarın üzerine tüm ölümcül günahlara yönelik suçlamalar ve suçlamalar yağdı; Ona karşı kaba parodiler ve hakaretler yağdı.
Ama kim o, bu sonradan görme - okuyucuların kafası karışmıştı - ve kendine ne yapmasına izin veriyor? Bu, müminlere karşı apaçık bir küfürdür. Tanrı gibi davranıyor. O sadece ahlaksız ve küstah bir yazar...
Lanier, "Whitman'a göre," diye yazdı, "kır genişse, o zaman sefahat övgüye değer ve Mississippi Nehri doluysa, o zaman her Amerikalı Tanrı'dır."
Walt Whitman, yazılarında günahkâr insana Tanrı'nın Oğlu'nun özelliklerini bahşetmiştir. Yeryüzünde saygı duyulan ve saygı duyulan tüm tanrılara ve tanrılara olan bağlılığını inkar etmedi. Sapkın toplumu, onun ikiyüzlülüğünü ve ikiyüzlülüğünü eleştiren Whitman, içinde herkesin eşit olduğunu savundu. insan onuru dünyadaki tüm yaşamın erdemleriyle.
Whitman'ın serbest (serbest nazım) yazılmış minyatürleri, birçok Anglo-Amerikan İmgeci için bir okuldu - Richard Aldington, Hilda Doolittle, Ezra Pound, David Herbert Lawrence. Whitman'ı çalışma tarzını benimseyen Carl Sandburg ve Edgar Lee Masters takip etti.
Whitman'ın yeniliği Rus şairler tarafından alkışlandı. Rus şairler sadece onun hayranı olmakla kalmadılar, aynı zamanda bazıları şiirsel çalışmalarında belirli durumlarda, bir dereceye kadar onun avangard örneğini izlediler. Örneğin, Fet'in uzay temaları şüphesiz Whitman'ın poetikasından esinlenmiştir. "Song of Myself"te Whitman şöyle haykırıyor:
Büyük parlak güneş, beni ne çabuk öldürürdün
İçimde aynı güneş doğmasaydı...
Fet kuşkusuz bu parçanın da etkisiyle Tanrı'ya döner:
Hayır, sen benim için güçlü ve anlaşılmazsın
Gerçek şu ki, kendim, güçsüz ve anlık,
O seraph gibi göğsümde taşıyorum,
Ateş, tüm evrenden daha güçlü ve daha parlaktır...
I. S. Turgenev, kendisi tarafından yayınlanmamış olmasına rağmen, Whitman'ın şiirsel çevirilerinden büyülenmişti:
Vur, vur, davul! - Üfle, üfle, üfle!
Pencerelerden, kapılardan - acımasız insanların küstah gücü gibi içeri dalın.
Nihilist Bazarov'un I. S. Turgenev'in "Babalar ve Oğullar" çalışmasındaki prototipi Whitman'dı. Whitman'ın Kuzey ve Güney Amerika savaşı sırasında bir askeri hastanede çalışırken kesik olan elini bir askerin kangrenli yarasına değdirdiği, kan zehirlenmesi geçirdiği ve hayatının geri kalanı yatalaktı, felçliydi. Buna rağmen Whitman neşeli kaldı. Hastaya yardım ederken kan zehirlenmesinden muzdarip olan Turgenev'in Bazarov'unun kaderi de bir o kadar trajik çıktı.
20. yüzyılın başında Konstantin Balmont, Whitman'ın şiir okuluna "dokundu". Kısa bir süre sonra, Rusya'da Whitman okulunun tüm bir takipçisi galaksisi ortaya çıktı - Blok, Mandelstam, Mayakovsky. Mayakovski'nin şiirsel yazı tarzını genel olarak Whitman'dan devraldığına inanılıyordu. Bu bağlamda, Yesenin'in Mayakovski hakkındaki meşhur düşmanca nüktesi ortaya çıktı:
Döküntü! Eh, ısı! Mayakovski - sıradanlık!
Yüz yağla besleniyor, ”Whitman'ın derisi yüzüldü.
20. yüzyılın başlarında şiirsel yaratıcılıkta avangart yönün Whitman okulu ve Nietzsche okulu olmak üzere iki ana kanal boyunca geliştiği düşünülebilir. Sembolizm ve acmeizm daha çok Nietzsche'ye yönelirken, Fütürizm ve İmgecilik Whitman'ın kaynağından beslendi. Whitman'ın fikirlerinin bazı Ortodoks hiyerarşileri tarafından bile kabul edilmiş olması da dikkat çekicidir. Bu yüzden Anthony of Surozh'un meşhur ifadesi, Whitman'ın şu fikrini aynen tekrarlıyor: "... İnsan mutluluğu başka hiçbir yerde bulamaz, ancak Tanrı'nın huzurunda."
Walt Whitman'ın "Leaves of Grass" kitabı, cesaret ve yenilikle dünyayı hayrete düşürdü, dünya edebiyatının oluşum sürecini kökten etkiledi, kelimenin en yüksek ve en geniş anlamıyla gerçekten avangarddı. Dolayısıyla dünya avangart şiirinin ortaya çıkışının çıkış noktası 20. yüzyıl değil, 19. yüzyıl ortası olarak değerlendirilmelidir.
Avant-garde sanatın Rusya da dahil olmak üzere daha da gelişmesi, günümüze kadar iyi bilinmektedir. yeni okul kurucusu genç, yetenekli bir yazar olan, şu anda Almanya'da yaşayan Rusya doğumlu Yuri Tuboltsev olan saçma minyatür. Derginin okuyucuları “Bilgi. Anlamak. Skill”, “Genişletilmiş Saçmalığın Şiirleri”nin içeriğini, yayınlanan “Yuri Tuboltsev ve avangardın edebi minyatürü” makalesinden zaten biliyor.
İlk hisseden Yuri Tuboltsev oldu. kritik durum edebiyatta ve yaratıcı çabalarının ana vektörünü hemen avangardizmde yeni, bilinmeyen bir dönüm noktasına - genişletilmiş absürtlük felsefesi olan absürdizm'e yönlendirdi. İnternette ve geleneksel edebi alanda ortaya çıkan dayanak noktasında kendini kurmak gibi zor bir görevle karşı karşıya kalacak. Avangardizm hayatın kendisi tarafından hayata geçirilir; gerçekliğin kendisi, kelimenin ustalarının karşılık gelen yaratıcılığını gerektirir ve kural olarak, genç yazarlar yeni yönün liderleri olurlar. Yuri Tuboltsev, katılaşmış alışkanlıkların üstesinden gelerek kasıtlı ve ısrarla yeni bir edebi alanın genişliğine giriyor. Genç yazarın alışılmadık, grotesk bir üslupla ifade edilen birçok estetik güzelliği var. Saçma şiirindeki şiirler ve minyatürler, gerçeklik ve kurgu arasındaki ilişkiye yaklaşımlarındaki çok yönlülükleri ve özgünlükleriyle ayırt edilir. Nefis minyatür eserleri hem tarihi hem de tarihi açıdan önemli değerdedir. sanatsal kelime ve pratik amaçları; kapsamlı bir yalanın, ikiyüzlülüğün, iğrençliğin, açgözlülüğün, iktidardakilerin güvenilmezliğinin vb. bol
Böylece, avangard şiirin ortaya çıkma zamanı belirlenir - on dokuzuncu yüzyılın ortaları, hafif el Walt Whitman (1855, Çim Yaprakları). Avangard edebiyatın modern eğilimi de tanımlandı - "genişletilmiş saçmalığın şiirselliği", saçmalık. Ancak başka bir soru ortaya çıkıyor: avangart şiir daha önceki bir tarihsel dönemde biliniyor muydu? En eski şiir kaynaklarına - eski Hint slokalarına (ayetler) girmeye çalışalım. Dünya krizinin şu anda şiddetlendiği dönemde, zamanımızın birçok ileri insanı Avrupa uygarlığı genel olarak ve özel olarak maneviyat, sanat, kültür ve edebiyatta, olup biten her şeyi düşündüler. Hayal kırıklığı başladı ve konuyla ilgili bir düşünme dönemi başladı: "Bundan sonra nereye gidebiliriz?" Giderek artan bir şekilde insanlar gözlerini "Doğu'nun Yıldızı"na - insanlığın beşiği olan kadim Bharata ülkesine - çevirmeye başladılar. Gözümüzü ve aklımızı Doğu'ya çevirelim. Bizi ilgilendiren sorunun cevabını bulmaya çalışalım: avangart şiir eski zamanlarda modern Hindistan topraklarında biliniyor muydu?
Devanagari dili, dünyadaki en eski dildir. İÇİNDE altın Çağİnsanlığın tüm insanları, orijinal hece sistemi olan ve Sanskrit diline dönüştürülen aynı Devanagari dilini konuşuyordu. Sanskrit dili ile benzerliği Slavözellikle Doğu Slav dillerinde - temel sözcük fonu, dilbilgisi yapısı, biçimlendiricilerin rolü ve diğer birçok ayrıntı açısından çarpıcı. Rus dili gibi, Sanskritçe ve Devanagari dilleri de, diğer dillerin yalnızca küçük bir ölçüde özelliği olan, kelimelerin ses yapısının görsel bir aracı olarak, ünsüz seslerin olağanüstü bir zenginliğine, esnekliğine sahiptir. Sanskritçe ve Rusça bir deyimin enstrümantasyonu ve ses yapısı, onu oluşturan kelimelerin enstrümantasyonundan ve ses yapısından önemli ölçüde farklı olabilir. Dilin bu tür özellikleri, neredeyse çeviride aktarılmayan çok güçlü ve orijinal bir sanatsal ifade aracı yaratır. Bu, Rus şiirinin poetikasında ve Sanskritçe şiirsel slokalarda var olan çok önemli bir özgünlüktür.
Rus poetikasında olduğu gibi, Sanskrit şiirinde de sanatsal ifade araçları olarak içsel tekerlemelere, çağrışımlara ve aliterasyonlara önemli bir rol düşmektedir. Bryusov'un gösterdiği gibi, bu tür şiirsel teknikler Puşkin tarafından zaten yaygın olarak kullanılıyor olsa da, teorik olarak on dokuzuncu yüzyılın sonları ve yirminci yüzyılın başlarındaki şairler tarafından geliştirildi. Rus şairlerinden A. Bely, V. Bryusov tarafından dikkatlice incelendi; sembolistler ve fütüristler bu teknikleri modern poetikanın özel bir başarısı olarak gördüler ve onları sergilediler ("... Ve kılıçlar gibi asonanslar kafiyeyi aceleyle kesti", I. Severyanin). Ancak, durum hiç de böyle değil. Bahsedilen tüm teknikler eski zamanlarda zaten biliniyordu. Mükemmel bir şekilde Yunan ve Roma şairlerine aitlerdi.
Sanskrit şiirinin, hatta epik şiirin bu "modanın en son çığlığını" ne ölçüde incelikli ve düşünceli bir şekilde kullandığını merak etmek yeterlidir. Rus modernliği ve avangardizminin Sanskrit şiirini soluduğu şey. "Rama'nın Hikâyesi" gibi şekil olarak takip edilen ve dil açısından mükemmel olan destansı anıtlarda her türlü aliterasyon, iç tekerlemeler vardır. Zenginlikleri tükenmez görünüyor, "Lakshmana’nın Motifi" - Sh'de, bazen - L'de, çeşitli enstrümantasyonlarla ve çeşitli aliterasyon varyasyonlarıyla (Rus şairleri A. S. Pushkin, V. V. Mayakovsky, V. Ya Bryusov ve diğerleri). Hatta burada hem yapım hem de enstrümantasyon açısından alışılmadık bir karmaşıklıkla geliştirilen Wagnerci anlamda "karakteristik motifler"den bahsetmek bile uygundur.
"Rama'nın Hikayesi", binlerce yıl boyunca bir devlet ve kültür kurmaya mahkum oldukları Aryanların yeni topraklara hakim olmalarını anlatan şiirsel bir hikaye. Rama, Aryan Hindistan'ın kurucusu olarak onurlandırılır. Zamanla Ramayana, Mahabharata şeklini aldı. Mahabharata destanındaki avangart ifadenin varlığına bir örnek olarak, savaştan sonra Kurukshetra savaş alanında dul kadının şarkısından bir alıntı yapalım.
Dul (anlatıcı)
Yüce Rabbim,
Haklı değil miyim?
Canlanmasına izin ver
Bir arkadaş olmadan - öldüm ...
bir arkadaşa ihtiyacım yok
Ekmeğim ve kanım var!
bir arkadaşa ihtiyacım yok
Ben günün gökyüzü!
arkadaş getirmene gerek yok
Ben bahar rengiyim!
bir arkadaşa ihtiyacım yok
Mutluyum ve hafifim!
bir eve ihtiyacım yok
Tarlalar ve bahçeler!
Arkadaşsız hayatım
Gerek yok! Gerek yok!..
Bırak yaşasın!
Arkadaşsız öldüm!
yüce rabbim
Zaten haklı değil miyim?
Ve Mahabharata'nın Sanskritçe slokalarında avangardın varlığına bir başka örnek: Kurukshetra savaş alanındaki savaş sırasında "Mahabharata'nın Vizyonu" oyunundan bir alıntı.
Tekerlekleri ve aksları ve çeki demirini kaybetmek,
Savaş arabası savaşında çarpışmak. Ve yabancı
Ve yerel olan, eziyet içinde işkence gördüler.
Filler, binicilerin kalınlığına tehditkar bir şekilde çarptı.
Atları, savaş arabalarını ve süvarileri ezmek.
Ve oklar öfkeli filleri deldi.
Ve filler üst üste yığıldı,
Ve mahalleler kükremeleriyle yankılandı.
Ve insanlar inledi ve atlar kişnedi.
Ve vadiler sallandı ve zirveler titredi,
Bhishma'daki Pandavalar öfkeyle dolu
Sağdan soldan oklarla saldırdılar:
Yakala, devir, belden vur! --
Savaşçılar savaş arabasını çevreleyerek bağırdılar ...
Ve vücutta Bhishma için yer yoktu,
Yağmur akıntıları gibi oklar nerede parlamaz b:
Kan ve pisliğin ortasında iğne gibi saplanan,
Kıllı bir kirpi gibi!..
Böylece Bhishma, ratinin gözleri önüne düştü,
Gün batımında arabasından düştü.
Doğuya düştü, tehditkar -
Ölümsüzler ve ölümlüler çığlıklar duydu,
Gün batımında düşmek - kanlı bir alanda,
Pandavalara cesaret ve sağlamlık verdi.
Ama bu, ailenin en güçlüsü, bir düşüş,
Sonra Kauravalar şaşkına döndü.
O sandık, diye yakındılar, arabadan düştüler,
Ölçüsüz olarak sınırın Kuru'sunu ölçtü.
Yıkıcı savaştan korku içinde, geri teperek,
İki internecine kampının savaşçıları…
Kalkanları ve savaşçı çelikleri yok,
Çeliğin ünlü savaşçısı Bhishma'nın etrafında…
Dostları ve düşmanları tarafından kuşatılmıştı,
Dünyanın yaratıcısı nasıl tanrılarla çevrilidir?
Cesur adamı onurlandırın, yeri unutun,
Pandavalar, Kauravalarla birlikte geldi!..
Hint felsefesindeki trajik çatışmanın özü, ahlaki soru ve zafer her zaman ahlaki Yasanın, Gerçeğin arkasındadır. (Aynı ahlaki yasa, uzak atalarımız tarafından Rusya'da ortaya konmuştur, Rus atasözünü hatırlayalım: Tanrı iktidarda değil, Hakikat'tedir). Karşılaştırmalı bir örnek için şöyle diyelim: Yunan edebiyatındaki trajik çarpışmanın özü, kişisel ve ahlaki bir ilkenin kör Kader ile mücadelesidir ve avantaj her zaman Kaderde kalır. "Ah dünya, annem, ey ebedi Eter, bak Tanrı'dan ne kadar acı çekiyorum - masum" - zincirlenmiş Prometheus'un çarpışması bu şekilde trajik bir şekilde sona eriyor - tüm Yunan dünya görüşünün (Aeschylus) kişileştirilmesi.
İlginç bir gerçek, eski Hint destanı "Ramayana" nın Rus şiir dehası A. S. Puşkin'in eseriyle şiirsel paralellikleridir. "Rama Masalı" planının Puşkin'in "Ruslan ve Lyudmila" planıyla tamamen örtüşmesi dikkat çekicidir (büyücü karısını kaçırır, koca büyücüyü bulur, onunla savaşır ve karısını geri verir). Bu planın Puşkin'e hangi yollarla ulaştığını öğrenmek büyük bir edebi ilgi olurdu.
Böylece şiirde avangard sanatı, bugün resmen kabul edildiği gibi 20. yüzyılda değil, 19. yüzyılın ortalarında ortaya çıktı. Walt Whitman'ın "Leaves of Grass" adlı kitabının yayınlanması, dünyadaki tüm avangart şiir akımları sistemine damgasını vurdu. Dahası, avangard şiirin en modern tekniklerinin tümü, Sanskrit şiirinde bile biliniyor ve başarıyla kullanılıyordu. epik eserler Ramayana ve Mahabharata gibi.
Modern yabancı kelimeler sözlüğü. M.: Rus dili. 1992, s.12.
Sovyet ansiklopedik sözlüğü (Üçüncü baskı), M .: Sovyet ansiklopedisi, 1985. C. 11.
Rus insani ansiklopedik sözlük. M.; SPb.: GIC "Vlados", 2002. S. 10.
Cit. Alıntı: Sharapova A. Önsöz // Whitman W. Leaves of Grass. M.: Eksmo, 2005. S. 7.
Whitman W. Çim Yaprakları. Moskova: Eksmo, 2005.
Sigachev A. A. Yu Tuboltsev ve avangardın edebi minyatürü // Elektronik günlük"Bilgi. Anlamak. Yetenek". 2009. No. 5. Filoloji. URL: http://www.zpu-journal.ru/e-zpu/2009/5/Sigachev/
Sigachev A. A. Avangard hakkında, zaman ve saçmalık hakkında // Elektronik dergi “Bilgi. Anlamak. Yetenek". 2009. No. 5. Filoloji. URL: http://www.zpu-journal.ru/e-zpu/2009/5/Sigachev_Absurdsophy/
Sigachev A. A. Hint-Rus. M .: Medina-Print LLC, 2006. S. 96. (Mahabharata'nın Vizyonu - bir oyun)
