Was ist das Genre des Stilllebens? Stillleben

Das Stillleben als eigenständiges Genre der Malerei nahm schließlich im 17. Jahrhundert Gestalt an. im Werk niederländischer und flämischer Künstler.

Bis zu diesem Zeitpunkt war es kein eigenständiges Genre, sondern wurde in andere Genres nur als Rahmen für andere Gemälde (z. B. Blumengirlanden), Dekoration von Möbeln, Innenräumen usw. aufgenommen.

Begriff

Das Wort „Stillleben“ bedeutet auf Französisch „tote Natur“ (nature morte). Blumen in einer Vase sind ein Stillleben; die gleichen Blumen in einem Blumenbeet oder im Vorgarten – eine Landschaft. Im weitesten Sinne ist ein Stillleben eine künstlerische Darstellung unbelebter Objekte: Pflanzen, Wild, Geschirr usw. Der Künstler stellt keine Objekte „aus der Natur“ dar, wie sie sich im Innenraum befinden, sondern ordnet sie bewusst so an, dass sie einige seiner eigenen semantischen und künstlerischen Aufgaben lösen.
Stillleben enthalten oft eine verborgene Allegorie durch die Verwendung gewöhnlicher Gegenstände, denen der Künstler ein Symbol, zusätzliche Bedeutung und Bedeutung verleiht. Ein Beispiel für ein allegorisches Stillleben ist Vanitas (von lateinisch vanitas „Eitelkeit, Eitelkeit“).

Verschiedene Stillleben

Vanitas

Michael Conrad Hirt. Vanitas
Vanitas ist ein allegorisches Stillleben. Meist ist darauf unter anderem ein Totenkopf abgebildet. Ein solches Stillleben soll an die Vergänglichkeit des Lebens, die Sinnlosigkeit der Freuden und die Unvermeidlichkeit des Todes erinnern – Reflexionen über den Sinn der menschlichen Existenz. Der Begriff ist einem Vers aus der Bibel entnommen: „Eitelkeit der Eitelkeiten, sagten die Prediger, Eitelkeit der Eitelkeiten, alles ist Eitelkeit!“ Auf Latein klang es so: Vanitas vanitatum dixit Prediger Vanitas vanitatum omnia Vanitas". Lesen Sie mehr über Vanitas.

Niederländisches Stillleben

Niederländisches Stillleben, das im 17. Jahrhundert Gestalt annahm. als eigenständiges Genre, beeinflusst weitere Entwicklung alle Europäische Malerei. Es stellt sich heraus, dass auch gewöhnliche Gegenstände leben, aber ihr Leben verläuft ruhig und für den Menschen unsichtbar. Darin liegt ein Geheimnis. Offenbar ist dies der Grund, warum das Genre des Stilllebens populär wurde und bis heute überlebt hat. Manchmal zieht ein Stillleben die Blicke auf sich, erregt Gefühle, man kann sich nicht davon losreißen – es entstehen einige Assoziationen, flüchtige Erinnerungen ...

Blumenstillleben

Diese Art von Stillleben ist vielleicht die am weitesten verbreitete und die allererste, die in ein eigenes Genre unterteilt wurde.

Jan Davids de Heem (1606-1684). Stillleben mit Blumenvase (um 1645). Nationalgallerie Kunst (Washington)
Traditionell wurden in den Niederlanden viele Blumen angebaut und Gärten angelegt, sodass Blumenstillleben eine natürliche Erweiterung der Gesellschaft darstellten. Die allerersten Künstler dieser Gattung waren Ambrosius Bosschaert der Ältere (1573–1621) und Balthasar van der Ast (1593–1657).

Ambrosius Bosschaert der Ältere „Tulpen, Rosen, weiße und rosa Nelken, Vergissmeinnicht und andere Blumen in einer Vase“ (um 1619). Öl auf Kupfer

Wissenschaftler-Stillleben

Die intellektuellste Art von Stillleben. In solchen Stillleben sollte über das Dargestellte nachgedacht werden, und zwar über die Kenntnis der Bibel und anderes Wissen über die Welt. Vanitas können ebenfalls in diese Kategorie aufgenommen werden, aber das wissenschaftliche Stillleben ist thematisch umfassender: Es enthält Bücher, Musikinstrumente usw.

Maria van Oosterwijk. Stillleben

D. Annenkov „Reflexionen mit Baudelaire“

Stillleben in der russischen Malerei

In Russland erschien das Stillleben als eigenständiges Genre zu Beginn des 18. Jahrhunderts. Aber seit einiger Zeit (fast Ende des 19. Jahrhunderts c.) Stillleben galten als niedrigeres Genre und zeigten nur Blumen und Früchte.
Ein berühmter Künstler dieses Genres im 19. Jahrhundert. war ich. Chrutski.

I. Chrutski. Stillleben mit Vase (1832)

I. Khrutsky „Blumen und Früchte“ (1838)
Im zwanzigsten Jahrhundert Die russische Stilllebenmalerei ist unter anderen Genres gleichberechtigt geworden. Künstler arbeiteten an der Perfektion von Farbe, Form und Komposition, das Genre begann sich rasant zu entwickeln.
Berühmte Russen und Sowjetische Künstler, die im Genre des Stilllebens arbeiteten und arbeiten: Konstantin Korowin (1861-1939), Igor Grabar (1871-1960), Pjotr ​​Kontschalowski (1876-1956), Kusma Petrow-Wodkin (1878-1939), Martiros Sarjan (1880-1972), Ilja Maschkow (1881-1944), Elena Skuin (1 9 09-1986), Peter Alberti (1913-1994), Sergei Osipov (1915-1985), Evgenia Antipova (1917-2009), Viktor Teterin (1922-1991), Maya Kopyttseva (1924-2005), Yaroslav Krestovsky (1925-2003), Vladimir Stozharov (1926-1973). ), Boris Schamanow (1931-2008) und andere.

E. Skuin „Pfingstrosen und Kirschen“ (1956)

V. Stozharov. Stillleben mit Eberesche (1969)

Stillleben in verschiedenen Stilrichtungen und Kunstrichtungen

Die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. bekannt für Experimente auf diesem Gebiet künstlerische Kreativität. Auch das Stillleben entging diesem Schicksal nicht. Paul Cezanne, Paul Gauguin, Henri Matisse und andere waren die ersten, die mit Stillleben experimentierten.

P. Cezanne. Stillleben mit Vorhängen (1889). Eremitage (St. Petersburg)
Der Kubist P. Picasso experimentierte mutig.

P. Picasso „Krug, Glas und Buch“ (1908)
Auch J. Braque arbeitete im kubistischen Stil.

J. Ehe“ Musikinstrumente» (1908)
Kubofuturisten waren auf der Suche nach einer neuen Raum-Zeit-Dimension.

K. Malewitsch „Kuh und Geige“ (1913). Staatliches Russisches Museum (St. Petersburg)
Sein „… intuitives Gefühl fand in den Dingen die Energie von Dissonanzen, die aus der Begegnung zweier gegensätzlicher Formen entstehen“ (K. Malewitsch „Vom Kubismus und Futurismus zum Suprematismus“).
In den metaphysischen Stillleben von Giorgio Morandi (1890-1964) werden Objekte aneinander gepresst und formen sich dichte Gruppen, als würde man versuchen, sich warm zu halten, aus Angst vor äußerer Kälte und Aggression.

Giorgio Morandi. Natura Morta (1956)
Am meisten berühmter Vertreter Surrealismus Salvador Dali in seinem berühmtes Werk„The Persistence of Memory“, im Wesentlichen ein allegorisches Stillleben, reflektiert die Relativität der Zeit.

S. Dali „Die Beständigkeit der Erinnerung“ (1931)
Kommerzielle Werbung der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. erweckte bei den Menschen eine gierige Einstellung zu Dingen und einen unersättlichen Konsum. Es findet eine Fetischisierung des Themas statt. Elemente des Stillleben-Genres beginnen sich von der Kunst in eine Konsumquelle zu verwandeln.

Andy Warhol Campbells Suppendose (1968)
Dmitry Krasnopevtsev vertritt russische „inoffizielle“ Kunst, obwohl er eine völlig offizielle Klassik hat Kunstunterricht(Absolvent der Moskauer Kunstinstitut benannt nach V. I. Surikov).

D. Krasnopevtsev. Stillleben
Krasnopevtsevs Hauptgenre ist ein „metaphysisches Stillleben“ nahe dem Surrealismus mit einfacher, oft geschlagener Keramik, trockenen Pflanzen und Muscheln. Diese in aschigen Tönen gemalten Werke entwickeln das Motiv der Zerbrechlichkeit und Unwirklichkeit der Welt.
Hier sind die Stilllebengemälde zeitgenössischer Künstler Dmitry Annenkov sind ziemlich „animiert“. Sie sind unterschiedlich: fröhlich, traurig, lustig, aber ganz lebendig. Sie wollen berührt werden. Beim Betrachten dieser Stillleben kann man sich eines freundlichen Lächelns nicht verkneifen.

D. Annenkov „Stillleben mit Kaffeemühle“

D. Annenkov „Frühlingssonne“

D. Annenkov „Erinnerungen an den Sommer“

Stillleben(Französisch Nature morte – tote Natur), eine der Gattungen der Malerei, die die Gaben der Natur (Früchte, Blumen, Fische, Wild) sowie von Menschenhand geschaffene Dinge (Geschirr, Vasen, Uhren usw.) darstellt. Manchmal existieren unbelebte Objekte neben Lebewesen – Insekten, Vögeln, Tieren und Menschen.

Stilllebenmotive finden sich bereits in der Kunst des Alten Orients und der Antike. Einer Legende zufolge stellte der antike griechische Künstler Apelles Weintrauben so geschickt dar, dass die Vögel ihn für einen echten hielten und anfingen zu picken.

Die erste Erwähnung von Stillleben findet sich in XV-XVI Jahrhunderte. Lange Zeit Das Stillleben behielt eine Verbindung zum religiösen Bild.

Als eigenständige Gattung entwickelte sich das Stillleben im 17. Jahrhundert. und erlebte dann seine glänzende Blütezeit im Werk der niederländischen, flämischen und spanischen Meister. Die damalige Vielfalt seiner Typen und Formen ist mit der Entwicklung nationalrealistischer Malschulen verbunden.

In Holland gab es verschiedene Arten von Stillleben. Die Künstler malten „Frühstücke“ und „Desserts“ so, dass es schien, als ob eine Person irgendwo in der Nähe wäre und bald zurückkehren würde. Auf dem Tisch raucht eine Pfeife, eine Serviette ist zerknittert, der Wein im Glas ist noch nicht ausgetrunken, eine Zitrone ist angeschnitten, Brot ist zerbrochen (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf).

Beliebt waren auch Bilder von Küchenutensilien, Vasen mit Blumen und schließlich Vanitas(„Eitelkeit der Eitelkeiten“), Stillleben zum Thema der Zerbrechlichkeit des Lebens und seiner kurzfristigen Freuden, die zum Erinnern aufrufen wahre Werte und kümmere dich um das Heil der Seele. Lieblingsattribute von „Vanitas“ sind ein Totenkopf und eine Uhr (J. van Strek. „Vanity of Vanities“).

Für Niederländische Stillleben sowie allgemein für das Stillleben des 17. Jahrhunderts ist das Vorhandensein versteckter philosophischer Untertöne, komplexer christlicher oder Liebessymbolik charakteristisch (die Zitrone war ein Symbol der Mäßigung, der Hund war Treue usw.)

Die Flamen hingegen malten große, manchmal riesige Leinwände, die die Palastsäle schmücken sollten. Sie zeichnen sich durch eine festliche Mehrfarbigkeit, eine Fülle an Objekten und die Komplexität der Komposition aus. Solche Stillleben wurden genannt „Geschäfte“(J. Feith, F. Snyders). Sie zeigten Tische voller Wild, Meeresfrüchte und Brot, und daneben boten die Besitzer ihre Waren an. Reichlich Essen, als ob es nicht auf die Tische gepasst hätte, hing herunter und fiel direkt auf das Publikum.

IN Italien und Spanien Der Aufstieg des Stilllebens trug wesentlich zum Werk von Caravaggio bei. Die beliebtesten Stilllebenthemen waren Blumen, Gemüse und Früchte, Meeresfrüchte, Küchenutensilien usw. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis usw.).

Spanische Künstler Sie beschränkten sich lieber auf eine kleine Menge an Gegenständen und arbeiteten diskret Farbschema. Die Formen sind einfach und edel; sie sind sorgfältig mit Hell-Dunkel geformt, fast greifbar, die Komposition ist streng ausbalanciert (F. Zurbaran. „Stillleben mit Orangen und Zitronen“, 1633; A. Pereda. „Stillleben mit einer Uhr“).

In Russland erschienen die ersten Stillleben im 18. Jahrhundert. in dekorativen Gemälden an den Wänden von Palästen und „Dummy“-Gemälden, in denen Objekte so genau reproduziert wurden, dass sie real wirkten (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov).

Im 19. Jahrhundert Tricksereien wurden neu überdacht. Im ersten Stock erlebt das Stillleben einen Aufschwung. 19. Jahrhundert im Werk von F.P. Tolstoi, der die Traditionen der „Tricks“ („Beeren roter und weißer Johannisbeeren“, 1818), Künstler, neu überdachte Venezianische Schule, I. T. Khrutsky. In Alltagsgegenständen suchten Künstler nach Schönheit und Perfektion.

Im 18. Jahrhundert der französische Meister J.-B. MIT. Chardin. Seine Gemälde, die einfache, solide Utensilien (Schüsseln, ein Kupfertank), Gemüse und einfache Lebensmittel darstellen, sind erfüllt vom Atem des Lebens, erwärmt von der Poesie des Herdes und bekräftigen die Schönheit des Alltags. Chardin malte auch allegorische Stillleben (Stillleben mit Attributen der Künste, 1766).

neue Blüte Das Genre gerät ins Wanken. 19 - betteln. 20. Jahrhundert, als das Stillleben zum Labor für kreative Experimente wird, zum Ausdrucksmittel der Individualität des Künstlers. Stillleben dauert bedeutender Ort im Werk der Postimpressionisten - V. Van Gogh, P. Gauguin und vor allem P. Cezanne. P. Picasso, A. Matisse

Was ist Stillleben?

Stillleben (aus dem Französischen „nature morte“ – „tote Natur“) ist ein Kunstgenre, das unbelebte Objekte in einer speziell geschaffenen Komposition darstellt.

Schauen wir uns genauer an, was ein Stillleben ist und in welche Arten es unterteilt werden kann.

Niederländisches Stillleben des 17. Jahrhunderts

In den niederländischen Stillleben dieser Zeit wurde größtenteils ein gemessenes, wie eingefrorenes Leben eingefangen.

Zu dieser Zeit entwickelte sich in Holland das Stillleben als Genre recht intensiv, was durch verschiedene Faktoren begünstigt wurde. Damals herrschte ein hohes Niveau wissenschaftliche Entwicklung in Mathematik, Physik, Naturwissenschaften, Sozialwissenschaften. Seefahrer brachten viele neue Gegenstände aus dem Ausland mit, es entstanden neue Technologien zur Herstellung verschiedener Dinge und viele verschiedene schöne Waren wurden in den Schaufenstern platziert.

Derzeit gibt es zwei Arten beliebter Stillleben: Blumen- und Wissenschaftlerstillleben.

Blumenstillleben

Aus den 40er Jahren. Das Stillleben begann sich im 17. Jahrhundert zu einem eigenständigen Genre zu entwickeln. Seine Beliebtheit lässt sich leicht erklären: Damals galt es als traditionell, luxuriöse Gärten zu haben und aktiv Blumen zu kultivieren.

Vertreter: Ambrosius Bosschaert der Ältere, Balthasar van der Ast, Jan David de Heem.

Wissenschaftler-Stillleben

Es gilt als eine intellektuelle Art des Stilllebens. Um ein solches Stillleben zu verstehen, muss man die Bibel verstehen und religiöse Symbole. Es ist in diesem Genre nicht ungewöhnlich, Illusionen zu verwenden, um eine optische Täuschung zu erzeugen. Die größte Popularität erlangten sie Mitte des 17. Jahrhunderts in Holland und im Ausland.

Unter beliebte Künstler die folgenden: Jacob de Gijn der Jüngere, Floris van Dijk, Hans van Essen, Amborius Bosschaert der Ältere und der Jüngere, Clara Peters, David Bailey, Maria van Oosterwijk, Cornelis Briese, Abraham Mignon, Willem van Aelst, Jan van Huysum.

Stillleben in Russland XVIII-XX Jahrhunderte.

Als Genre nahm das Stillleben in Russland zu Beginn des 18. Jahrhunderts Gestalt an. Bis zum 19. Jahrhundert galt es als niederes Genre, das in begrenztem Umfang verstanden wurde und hauptsächlich als einfache Komposition, beispielsweise eine Produktion von Früchten und Blumen, verstanden wurde. Ursprünglich stellte das Stillleben die Gaben des Meeres und der Erde dar, verschiedene Dinge.

Im 20. Jahrhundert erlebte dieses Genre einen gewaltigen Aufschwung, dies ist die Zeit seiner Blütezeit in Russland. Die Suche nach neuen Farben, Formen, Kompositionen begann. Innerhalb von buchstäblich 15 Jahren hat sich das Stillleben vom Impressionismus zur abstrakten Kunst gewandelt.

In den 30-40er Jahren. Im 20. Jahrhundert kam die Entwicklung des Genres etwas zum Stillstand, doch in den 50er Jahren kam es zu einem neuen Aufschwung und das Stillleben festigte seine Stellung unter anderen Bildgattungen.

Zu dieser Zeit tätige russische Künstler: Pjotr ​​​​Konchalovsky, Viktor Teterin, Sergei Zakharov, Nikolai Pozdneev, Ilya Meshkov, Konstantin Korovin, Sergei Osipov, Maya Kopyttseva, Evgenia Antipova, Yaroslav Krestovsky, Kapitolina Rumyantseva usw.

Stillleben XX-XXI Jahrhunderte.

Das Stillleben in dieser Zeit ist ein weites Feld zum Experimentieren. Dieses Genre entwickelt sich in verschiedenen Bereichen:

Wenn Sie nun wissen, was ein Stillleben ist, können Sie dieses Genre üben, wenn Sie möchten. Sie benötigen außerdem einen Artikel nützliche Materialien finden Sie in der Rubrik.

Was für ein seltsames Gemälde es ist – ein Stillleben: Es lässt Sie eine Kopie jener Dinge bewundern, deren Originale Sie nicht bewundern.

Blaise Pascal

Haben Sie schon einmal die Früchte vom Küchentisch aus betrachtet? Na ja... außer wenn du hungrig warst, oder? Aber auch ein Bild mit einer Fruchtkomposition oder einem luxuriösen Blumenstrauß lässt sich stundenlang bewundern. Das ist der besondere Zauber des Stilllebens.

Aus dem Französischen übersetzt bedeutet Stillleben „tote Natur“(Natur morte). Dies ist jedoch nur eine wörtliche Übersetzung.

Tatsächlich Stillleben- Dies ist ein Bild von bewegungslosen, gefrorenen Objekten (Blumen, Gemüse, Obst, Möbel, Teppiche usw.). Die ersten Stillleben finden sich auf den Fresken des antiken Griechenlands und des antiken Roms.

Stillleben (Fresko aus Pompeji) 63-79, Neapel, Nationalgalerie von Capodimonte. Unbekannter Autor.

Wenn ein Freund einen Römer besuchte, verlangten die guten Manieren, dass der Besitzer des Hauses das Beste aus seinem Silberbesteck zeigte. Diese Tradition spiegelt sich anschaulich in einem Stillleben aus dem Grab des Vestorius Prisca in Pompeji wider.

Im Zentrum der Komposition steht ein Gefäß zum Mischen von Wein und Wasser, die Inkarnation des Fruchtbarkeitsgottes Dionysos-Liber. Auf beiden Seiten des goldenen Tisches stehen symmetrisch Krüge, Schaufeln und Weinhörner.

Ein Stillleben besteht jedoch nicht nur aus Früchten, Gemüse und Blumen, sondern auch ... aus einem menschlichen Schädel, der die Vergänglichkeit widerspiegeln soll Menschenleben. So stellten die Anhänger des Vanitas-Genres, Vertreter der frühen Entwicklungsphase des Stilllebens, das Stillleben dar.

Ein herausragendes Beispiel ist das allegorische Stillleben Niederländischer Künstler Willem Klas Heda, wo neben dem Schädel eine Pfeife steht – ein Symbol für die Flüchtigkeit irdischer Freuden, ein Glasgefäß – ein Spiegelbild der Zerbrechlichkeit des Lebens, Schlüssel – ein Symbol für die Macht einer Hausfrau, die Vorräte verwaltet. Das Messer symbolisiert die Verletzlichkeit des Lebens und die Kohlenpfanne, in der die Kohlen kaum glühen, bedeutet sein Aussterben.

Eitelkeit. Vanitas, 1628, von Willem Claesz Heda.

Willem Heda wird zu Recht genannt „Frühstücksmeister“ Mithilfe einer interessanten Anordnung von Speisen, Geschirr und Küchenutensilien gelang es dem Künstler, die Stimmung der Gemälde überraschend genau wiederzugeben. Und seine Fähigkeit, Lichtreflexe auf perfekt glatten Oberflächen von Silberschalen und Glaskelchen darzustellen, überraschte sogar die bedeutenden Zeitgenossen des Künstlers.

Es ist unglaublich, wie genau und feinfühlig Kheda jede Kleinigkeit wiedergeben konnte: das Spiel des Lichts, die Besonderheiten der Form, die Farben der Objekte. In allen Gemälden des Niederländers steckt Geheimnis, Poesie, aufrichtige Bewunderung für die Welt der Objekte.

Stillleben berühmter Künstler

Stillleben war oft beliebt berühmte Künstler. Es geht um die Meister des Pinsels und ihre entzückenden Werke, die ich Ihnen weiter erzählen werde.

Pablo Picasso ist der teuerste Künstler der Welt

Einzigartig und unnachahmlich – das nennt man etwas Herausragendes Spanischer Künstler 20. Jahrhundert Pablo Picasso. Jedes Werk des Autors ist ein Tandem aus originellem Design und Genialität.

Stillleben mit Blumenstrauß, 1908

Stillleben mit Glühbirnen, 1908

Neben traditionell perfekt realistischen, mit hellen und leuchtenden Farben gefüllten oder düsteren, in bläulich-grauen Tönen gehaltenen Stillleben mochte Picasso eine Vorliebe Kubismus. Der Künstler ordnete die Objekte oder Charaktere seiner Gemälde in kleinen geometrischen Formen an.

Und obwohl Kunstkritiker Picassos Kubismus nicht erkannten, verkaufen sich seine Werke mittlerweile gut und gehören zu den reichsten Sammlern der Welt.

Gitarre und Noten, 1918

Der exzentrische Vincent van Gogh

Neben der berühmten „Sternennacht“ ist eine Gemäldeserie mit Sonnenblumen zu einem einzigartigen Symbol für Van Goghs Werk geworden. Der Künstler plante, sein Haus in Arles zur Ankunft seines Freundes Paul Gauguin mit Sonnenblumen zu schmücken.

„Der Himmel ist herrlich blau. Die Sonnenstrahlen sind blassgelb. Dies ist eine sanfte, magische Kombination aus Himmelblau- und Gelbtönen aus den Gemälden von Vermeer aus Delft ... So etwas Schönes kann ich nicht schreiben ... " Van Gogh sagte zum Scheitern verurteilt. Vielleicht hat der Künstler deshalb unzählige Male Sonnenblumen gemalt.

Vase mit 12 Sonnenblumen, 1889

Unglückliche Liebe, Armut und Ablehnung seiner Arbeit verleiten den Künstler zu verrückten Taten und beeinträchtigen seine Gesundheit erheblich. Sondern zum Malen talentierter Künstler hartnäckig schrieb: „Selbst wenn ich neunundneunzig Mal falle, werde ich immer noch zum hundertsten Mal wieder aufstehen.“

Stillleben mit roten Mohnblumen und Gänseblümchen. Auvers, Juni 1890.

Iris. Saint-Remy, Mai 1890

Umfassende Stillleben von Paul Cezanne

„Ich möchte der Natur die Ewigkeit zurückgeben“,- wiederholte gerne den großen französischen Künstler Paul Cezanne. Der Künstler stellte kein zufälliges Spiel von Licht und Schatten dar, keine Veränderung, sondern die konstante Beschaffenheit von Objekten.

Im Bemühen, Objekte von allen Seiten zu zeigen, beschreibt er sie so, dass der Betrachter das Stillleben wie aus verschiedenen Blickwinkeln bewundert. Wir sehen den Tisch von oben, die Tischdecke und die Früchte von der Seite, die Kiste im Tisch von unten und den Krug gleichzeitig von verschiedenen Seiten.

Pfirsiche und Birnen, 1895

Stillleben mit Kirschen und Pfirsichen, 1883-1887

Stillleben zeitgenössischer Künstler

Eine Farbpalette und eine große Vielfalt an Schattierungen ermöglichen es den aktuellen Meistern des Stilllebens, unglaublichen Realismus und Schönheit zu erreichen. Möchten Sie die beeindruckenden Gemälde talentierter Zeitgenossen bewundern?

Der Brite Cecil Kennedy

Es ist unmöglich, den Blick von den Gemälden dieses Künstlers abzuwenden – seine Kräuter sind so bezaubernd! Mmm... ich glaube, ich kann diese unglaublich schönen Blumen schon riechen. Und du?

Cecil Kennedy gilt zu Recht als der herausragendste britische Künstler unserer Zeit. Gewinner mehrerer prestigeträchtiger Auszeichnungen und ein Favorit vieler. die Mächtigen der Welt„Berühmt wurde Kennedy dennoch erst, als er deutlich über 40 war.

Der belgische Künstler Julian Stappers

Informationen über das Leben des belgischen Künstlers Julian Stappers sind rar, was über seine Gemälde nicht der Fall ist. Fröhliche Stillleben des Künstlers befinden sich in den Sammlungen der reichsten Menschen der Welt.

Gregory Van Raalte

Der zeitgenössische amerikanische Künstler Gregory Van Raalte legt besonderen Wert auf das Spiel von Licht und Schatten. Der Künstler ist davon überzeugt, dass das Licht nicht direkt fallen sollte, sondern durch den Wald, Baumblätter, Blütenblätter oder von der Wasseroberfläche reflektiert wird.

Der talentierte Künstler lebt in New York. Er zeichnet gern Stillleben in Aquarelltechnik.

Der iranische Künstler Ali Akbar Sadehi

Ali Akbar Sadeghi ist einer der erfolgreichsten iranischen Künstler. In seinen Werken kombiniert er gekonnt die Kompositionen traditioneller iranischer Gemälde, persischer Kulturmythen mit Ikonographie und Glasmalerei.

Stillleben moderner ukrainischer Künstler

Was auch immer Sie sagen, aber die ukrainischen Meister des Pinsels haben ihre eigene, einzigartige Vision des Stilllebens Seiner Majestät. Und jetzt werde ich es dir beweisen.

Sergey Shapovalov

Gemälde von Sergei Shapovalov sind voll davon Sonnenstrahlen. Jedes seiner Meisterwerke ist erfüllt von Licht, Güte und Liebe Heimatland. Und der Künstler wurde im Dorf Ingulo-Kamenka, Bezirk Nowgorodkowski, Region Kirowograd, geboren.

Sergey Shapovalov ist ein geehrter Künstler der Ukraine und Mitglied der Nationalen Union der Künstler.

Igor Derkatschow

Der ukrainische Künstler Igor Derkachev wurde 1945 in Dnepropetrowsk geboren, wo er noch heute lebt. Fünfundzwanzig Jahre lang besuchte er das Kunstatelier des Studentenkulturhauses. Y. Gagarin, zuerst als Schüler, dann als Lehrer.

Die Gemälde des Künstlers sind durchdrungen von Wärme, Liebe zu einheimischen Traditionen und Geschenken der Natur. Diese besondere Wärme wird durch die Gemälde des Autors an alle Bewunderer seiner Arbeit weitergegeben.

Viktor Dovbenko

Laut dem Autor sind seine Stillleben ein Spiegel eigene Gefühle und Stimmungen. In Rosensträußen, in Streuungen aus Kornblumen, Astern und Dahlien, in „duftenden“ Waldgemälde- ein einzigartiges Sommeraroma und unschätzbare Geschenke der reichen Natur der Ukraine.

Roger Fenton. Früchte. 1860 Graham Clarke. Der Fotograf. Oxford, 1997

Die fotografische Enzyklopädie von Fred und Gloria McDurr definiert das Wort „Stillleben“ wie folgt: Allgemeiner Begriff für Fotografien von unbelebten Gegenständen, Produkten und Waren, häufig zur Verwendung in der Werbung. Wenn kleine Objekte auf der Oberfläche eines Tisches platziert werden, wird die Stilllebenfotografie manchmal als „Tischfotografie“ bezeichnet. Mit Ausnahme der letzten Klarstellung, diese Definition entspricht voll und ganz dem, was in Bezug auf die Malerei verwendet wird. Interessanterweise erschien der Begriff selbst viel später als das Bild und bezieht sich auf Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert. Die französische Kombination „nature morte“ (tote oder beschämte Natur) unterscheidet sich vom englischen „still life“ und dem deutschen „stilleben“ (ruhige, beschämte Natur). ruhiges Leben) nicht nur in der Schreibweise, sondern auch in der Bedeutung. In Holland gab es überhaupt keinen einheitlichen Begriff: Jede Spezialisierung (Frühstück, Blumensträuße, Fischstillleben) hatte einen eigenen Namen.

Unbelebte Objekte sind seit der Altsteinzeit in Kunstwerken präsent. IN andere Zeit Sie haben ihre eigene Rolle und Bedeutung. Die Werke von Hans Holbein, Caravaggio oder Jan Vermeer sind keine Stillleben, doch in ihren Werken wird ihm sowohl künstlerisch als auch inhaltlich eine Sonderstellung eingeräumt. Als unabhängiges Genre Stillleben erschienen erst im 17. Jahrhundert.

Die Fotografie, die fast alle Genres der Malerei entlehnte, machte für das Stillleben keine Ausnahme. Wie die Geschichte der Fotografie zeigt, war das Stillleben in der Fotokunst am wenigsten vertreten, obwohl diese Geschichte eigentlich damit begann. Zu den frühen heliographischen Experimenten von Nicephore Niepce gehörte ein Stillleben, bestehend aus einer Flasche, einem Messer, einem Löffel, einer Schüssel und einem Laib Brot, die auf einem Tisch lagen. Hippolyte Bayard fertigte 1839 eine Komposition aus Gipsabgüssen an, Jacques-Louis Daguerre fertigte mehrere Stillleben mit Gipsabgüssen, kleinen Skulpturen, Gemälden und Fragmenten antiker Friese an, Henry Fox Talbot – mit Muscheln und Fossilien. Bemerkenswert ist, dass auch im Gemälde von Jean Baptiste Chardin Stillleben mit Kunstattributen zu finden waren.

Fotografen wiederholten häufig die Komposition und verwendeten dieselben Motive wie die Künstler. Die Aussage von Henry Fox Talbot, dass „die niederländische Malschule als unsere maßgebliche Quelle für die Darstellung von Gegenständen des alltäglichen, alltäglichen Lebens dient“, scheint nicht unbemerkt geblieben zu sein, wie beispielsweise die Werke von Roger Fenton, William Lake Price und Drew Diamond belegen. Die Hauptgegenstände solcher Stillleben waren Blumen, Früchte oder totes Wild. In Frankreich ähnelte das Werk von Adolphe Braun der fotografischen Version des Werks von Jean-Baptiste Oudry, einem beliebten Hofmaler des 19. Jahrhunderts über die königliche Jagd Ludwigs XV.

Stillleben wurden normalerweise in Innenräumen aufgenommen, es gab jedoch Ausnahmen. Aufgrund der schlechten Lichtempfindlichkeit früher Fotomaterialien arbeiteten viele Fotografen lieber im Garten oder Vorgarten. Es wurden beliebige improvisierte Materialien (Leitern, Rechen, Schubkarren, Eimer usw.) verwendet, die oft mit mitgebrachten Haushaltsgegenständen, frischen Blumen, Bäumen neben unbelebten Gegenständen vermischt wurden. Dies sind beispielsweise die Stillleben von Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard und Richard Jones.

Fotografische Stillleben zum Thema Vanitas (lat. „gespenstisch“, „Eitelkeit“), deren integrales Merkmal der Schädel ist, erscheinen in Mitte des neunzehnten Jahrhundert, zum Beispiel von Louis Jules Duboc-Soleil, und von Zeit zu Zeit entstehen im 20. Jahrhundert - Alfred Stieglitz, Irving Penn, Robert Mapplethorpe und andere.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts suchte die Fotografie nach neuen Wegen und Objekten, um das Genre des Stilllebens zu verkörpern. Das bloße Erfassen der arrangierten Objekte reicht nicht mehr aus. Komplizierte Blickwinkel, Nahaufnahmen, Fotogramme, Leidenschaft für die Form und Textur des Objekts – all das verleiht dem alten Genre ein neues Aussehen. Das Spektrum der Objekte erweitert sich: Neben so banalen Alltagsgegenständen wie einer Gabel oder einer Brille tauchen auch Industrieobjekte (Werkzeuge, Maschinenteile und Werkzeugmaschinen) auf. Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus-Fotografen, Edward Weston, William Underhill und andere waren an ähnlichen Recherchen beteiligt.

Die Welt der gewöhnlichen Dinge blüht in der Mitte des Jahrhunderts mit den Stillleben von Josef Sudek wieder auf. Sanftes diffuses Licht verleiht einer gewöhnlichen Blume im Glas eine lyrisch-melancholische Stimmung.

In der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts sind Stillleben in der Werbebranche zunehmend gefragt. Die glückliche Verbindung von Kommerz und Kunst wird in den Stillleben von Irwin Pena verkörpert. Klassisch, stilvoll, ironisch, aber immer schlicht und raffiniert. Dank dieses Meisters wurde 1944 erstmals das Cover eines Modemagazins mit einem fotografischen Stillleben geschmückt.

Unter den russischen Fotografen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die in diesem Genre arbeiteten, nimmt Boris Smelov einen besonderen Platz ein. Seine klassischen Stillleben des alten St. Petersburger Alltags zeichneten sich durch perfekte Komposition und tadellose Technik aus. Joel-Peter Witkin ist ein unübertroffener Meister des „schockierenden“ Stilllebens. Übersetzung aus dem Französischen „tote Natur“ in dieser Fall spiegelt genau die Leidenschaften des Autors wider – verschiedene Teile menschlicher Körper einzeln („Torso“) oder umrahmt von Blumen und Früchten („Frauenkopf“, „Narrenfest“ etc.).

In quantitativer Hinsicht ist das fotografische Stillleben anderen Genres weit unterlegen und kommt nur gelegentlich im Werk des einen oder anderen Autors vor. Durchblättern von Büchern zur Geschichte der Fotografie und Sammlungskatalogen große Museen, ist die Chance, einen eigenen Bereich für Stillleben zu finden, nahezu gleich Null.