Projekte idealer Städte im Italien der Renaissance. Ideale Stadt

Einführung

Die Renaissance als neue Weltanschauung und neuer Kunststil entstand Ende des 14. Jahrhunderts in Italien. Die ersten städtebaulichen Ideen stellten die Stadt als architektonische Einheit nach einem vorgegebenen Plan dar. Unter dem Einfluss dieser Ideen entstanden in italienischen Städten anstelle der schmalen und krummen mittelalterlichen Gassen gerade, breitere Straßen mit großen Gebäuden.

Die Anordnung und Architektur der Plätze während der Renaissance nahm im 15.-16. Jahrhundert Gestalt an. in Rom und anderen Großstädte Italien.

In dieser Zeit wurden hier mehrere Städte nach neuen städtebaulichen Grundsätzen wieder aufgebaut. In den meisten Fällen befanden sich Paläste in solchen Städten auf den zentralen Plätzen, was manchmal den Beginn dreistrahliger Kompositionen darstellte.

Renaissancestädte erhielten unter dem Einfluss gesellschaftlicher Veränderungen nach und nach neue Merkmale. Aufgrund des privaten Landbesitzes und der rückständigen Technologie war ein schneller Umzug von der Altstadt in die neue Stadt jedoch nicht möglich. In allen Epochen der Renaissance galten die Hauptbemühungen der Stadtplaner der Entwicklung des Stadtzentrums – des Platzes und der nächstgelegenen Viertel. Während der Blütezeit der monarchischen Staaten im 18. Jahrhundert. Den Ensembles der zentralen Plätze der Städte wurde als Hauptdekoration eine herausragende Bedeutung beigemessen. Stadtplätze hatten meist geometrisch korrekte Umrisse.

War die Architektur antiker griechischer und römischer Plätze durch Säulen und Portiken geprägt, so wurden für die Plätze der Renaissance die Arkaden zu neuen Elementen, die sich gleichzeitig mit der Entwicklung ganzer Platzsysteme entwickelten.

In den meisten mittelalterlichen Städten fehlte dekoratives Grün. In den Gärten der Klöster wurden Obstgärten angelegt; Obstgärten oder Weinberge der Stadtbewohner lagen hinter der Stadtbefestigung. in Paris im 18. Jahrhundert. Gassen, beschnittenes Grün, Blumengartenparterres erscheinen. Die Parks der Schlösser und Burgen befanden sich jedoch in Privatbesitz. Öffentliche Gärten entstanden in den meisten europäischen Städten erst Ende des 18. Jahrhunderts.

Wasserbecken stellten im Mittelalter im Wesentlichen ein Hindernis für die Entwicklung der Stadt dar, teilten ihre Bezirke und dienten eher praktischen Zwecken. Seit dem 18. Jahrhundert Flüsse wurden als Verbindungselemente von Städten und unter günstigen Bedingungen als Kompositionsachsen genutzt. Ein anschauliches Beispiel ist die kluge städtebauliche Nutzung der Flüsse Newa und Newka in St. Petersburg. Der Bau von Brücken und Dämmen festigte diese Richtung in der Stadtplanung.

Im Mittelalter wurde die Skyline der Stadt maßgeblich durch die spitzen Türme der Stadtverwaltungen, Kirchen und öffentlichen Gebäude bestimmt. Die Silhouette der Stadt wurde durch viele kleine und einige dominante Vertikalen bestimmt. Im Zusammenhang mit dem neuen künstlerischen Verständnis der Stadtsilhouette wurden hochmittelalterliche Dächer nach und nach beseitigt, Renaissancebauten wurden durch Dächer mit Attika und Balustraden ergänzt.

Mit zunehmender Größe von Gebäuden und neuen Arten von Abdeckungen wird die Silhouette der Stadt durch Kuppeln mit glatten Umrissen aufgeweicht, die eine dominierende Rolle in den Panoramen der Städte einnehmen. Ihr Wandel wurde maßgeblich von Gärten und Parks beeinflusst, deren Bäume die Gebäude weitgehend verdecken.

Die Architekten der Renaissance nutzten in der Stadtplanung strenge Ausdrucksmittel: harmonische Proportionen, die Größe einer Person als Maß für die umgebende architektonische Umgebung.

Der ideologische Kampf des aufstrebenden italienischen Bürgertums gegen mittelalterliche Religions-, Moral- und Rechtsformen führte zu einer breiten fortschrittlichen Bewegung – dem Humanismus. Der Humanismus basierte auf bürgerschaftlichen lebensbejahenden Prinzipien: dem Wunsch, die menschliche Persönlichkeit von geistigen Zwängen zu befreien, dem Wissensdurst über die Welt und den Menschen selbst und daraus resultierend das Verlangen nach säkularen Formen des gesellschaftlichen Lebens, dem Wunsch nach Erkenntnis der Gesetze und Schönheit der Natur, nach einer allumfassenden harmonischen Verbesserung des Menschen. . Diese Veränderungen in der Weltanschauung führten zu einer Revolution in allen Bereichen des spirituellen Lebens – Kunst, Literatur, Philosophie, Wissenschaft. Bei ihren Aktivitäten stützten sich die Humanisten weitgehend auf antike Ideale und belebten oft nicht nur die Ideen, sondern auch die Formen selbst und die Ausdrucksmittel antiker Werke. In dieser Hinsicht die kulturelle Bewegung Italiens im XV.-XVI. Jahrhundert. Renaissance oder Auferstehung genannt

Die humanistische Weltanschauung stimulierte die Entwicklung des Einzelnen und erhöhte seine Bedeutung im öffentlichen Leben. Der individuelle Stil des Meisters spielte in der Entwicklung von Kunst und Architektur eine zunehmende Rolle. Die Kultur des Humanismus hat eine ganze Galaxie brillanter Architekten, Bildhauer und Künstler wie Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raffael, Michelangelo, Palladio und andere hervorgebracht.

Streben nach Schöpfung perfektes Bild Der Mensch“ in Kombination mit der Suche nach Methoden der künstlerischen Entwicklung der Welt führte zu einer Art kognitivem Realismus der Renaissance, der auf einer engen Verbindung der Kunst mit einer sich schnell entwickelnden Wissenschaft beruhte. In der Architektur ist die Suche nach „idealen“ Gebäudeformen, basierend auf einer vollständigen und vollständigen Komposition, zu einem ihrer bestimmenden Trends geworden. Zusammen mit der Entwicklung neuer Arten ziviler und religiöser Gebäude schreitet die Entwicklung des architektonischen Denkens voran, es besteht ein dringender Bedarf an theoretischen Verallgemeinerungen moderner Erfahrungen, insbesondere historischer und vor allem antiker.

Drei Perioden der italienischen Renaissance

Die Architektur der Renaissance in Italien ist in drei Hauptperioden unterteilt: frühe, hohe und späte. Architekturzentrum Frührenaissance war die Toskana mit der Hauptstadt Florenz. Dieser Zeitraum umfasst das zweite Viertel und die Mitte des 15. Jahrhunderts. Als Beginn der Renaissance in der Architektur gilt das Jahr 1420, als mit dem Bau der Kuppel über der Florentiner Kathedrale begonnen wurde. Bauliche Errungenschaften, die zur Schaffung einer riesigen zentrischen Form führten, sind zu einer Art Symbol der Architektur des New Age geworden.

1. Zeit der Frührenaissance

Die frühe Renaissance in der Architektur ist vor allem durch die Gebäudeformen des berühmten Architekten-Ingenieurs Filippo geprägt Brunellesco (erste Hälfte des 15. Jahrhunderts). Insbesondere verwendete er im Waisenhaus in Florenz einen leichten Halbkreis anstelle eines Spitzbogens. Rippengewölbe charakteristisch für gotische Architektur begann einem neuen Design Platz zu machen – einem modifizierten Kastengewölbe. Die Spitzbogenformen des Bogens wurden jedoch noch bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts verwendet.

Eines der herausragenden Bauwerke Brunellescos war die riesige Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz, die seit dem 14. Jahrhundert unvollendet blieb.

In der vom Architekten geschaffenen Form einer großen Kuppel ist ein Anklang an den gotischen Spitzbogen erkennbar. Die Spannweite der Kuppel dieser Kathedrale ist groß – 42 m. Die aus Ziegeln gefertigten Gewölbe der Kuppel ruhen auf einem achteckigen Sockel aus Baumstämmen, die mit Eisenblechen ummantelt sind. Dank der erfolgreichen Lage der Kathedrale auf einem Hügel und ihrer hohen Höhe (115 m) verleiht ihr oberer Teil, insbesondere die Kuppel, dem architektonischen Panorama von Florenz Feierlichkeit und Originalität.

Die Zivilarchitektur nahm in der Architektur der italienischen Renaissance einen bedeutenden Platz ein. Es umfasst vor allem große Stadtpaläste (Palazzo), die neben Wohnraum auch für feierliche Empfänge gedacht waren. Mittelalterliche Paläste, die mit Hilfe von Marmorverkleidungen und Skulpturen nach und nach ihre strengen romanischen und gotischen Gewänder ablegten, erhielten ein fröhliches Aussehen.

Die Merkmale der Renaissancefassaden sind riesige, durch Säulen getrennte, gewölbte Fensteröffnungen, Rustisierung der ersten Stockwerke mit Steinen, obere Platten, große vorspringende Gesimse und fein gezeichnete Details. Im Gegensatz zu strengen Fassaden hat die Architektur heller Innenräume einen fröhlichen Charakter.

Zur Dekoration der Fassaden der Paläste der Frührenaissance wurden häufig Rustikierungen verwendet. Steine ​​zur Rustisierung hatten meist eine unbearbeitete (abgesplitterte) Vorderseite mit einem sauber behauenen Randstreifen. Mit zunehmender Geschosszahl nahm das Relief der Rustikation ab. Später blieb die Verzierung mit Rustika nur noch bei der Bearbeitung von Sockeln und an Gebäudeecken erhalten.

Im 15. Jahrhundert. Italienische Architekten verwendeten häufig die korinthische Ordnung. Oft kam es vor, dass mehrere Ordnungen in einem Gebäude kombiniert wurden: für die unteren Stockwerke eine dorische Ordnung und für die oberen Stockwerke eine Komposition aus Kapitellen, die in Proportionen und Muster dem ionischen Typ nahe kamen.

Eines der Beispiele der Palastarchitektur der Mitte des 15. Jahrhunderts. In Florenz kann der dreistöckige Medici-Ricardi-Palast dienen, der nach dem Projekt des Architekten Michelozzo di Bartolomeo in der Zeit von 1444 bis 1452 im Auftrag von Cosimo Medici, dem Herrscher von Florenz, erbaut wurde. Nach dem Schema der Fassade des Medici-Palastes wurden später Hunderte von Palästen in anderen Städten gebaut.

Eine Weiterentwicklung der Palastkomposition ist der Palazzo Rucchelai in Florenz erbaut 1446–1451 entworfen von Leon Battista Alberti (1404–1472). Wie das antike römische Kolosseum ist seine Fassade durch Ordnungen in Stockwerke unterteilt, mit einem Übergang von der einfachsten dorischen Ordnung in der unteren Etage zur subtileren und reichhaltigeren korinthischen Ordnung in der oberen Etage.

Der Eindruck der Aufhellung des Gebäudes nach oben, der im Palazzo Medici-Riccardi mit Hilfe der Rustizierung der Wände entstand, kommt hier in Form eines nach oben aufhellenden, abgestuften Ordnungssystems zum Ausdruck. Gleichzeitig korreliert das große krönende Gesims nicht mit der Höhe der oberen Etage, sondern mit der Höhe des gesamten Gebäudes, wodurch die Komposition die Merkmale von Vollständigkeit und Statik erhält. Bei der Entwicklung der Fassade sind traditionelle Motive erhalten geblieben: Doppelbogenfenster, die der mittelalterlichen Fensterform entstammen, Rustikierung der Wände, die allgemeine Monumentalität der Wolke usw.

Pazzi-Kapelle (1430-1443) – ein Kuppelbau im Innenhof des Klosters. In der Komposition der Fassade wurde eine durch eine Ordnung zergliederte innere Struktur dargestellt, wobei das Volumen der Halle mit einer Kuppel auf Segeln dominiert wurde. Die Kolonnade, die entlang der Achse durch einen Bogen geschnitten und durch eine fein zergliederte Attika vervollständigt wird, wird durch kartellierte Pilaster an der Innenwand der Loggia und hervorstehende Bogengliederungen an der gewölbten Decke ergänzt.

Die Übereinstimmung der Ordnungen und die Wiederholung kleiner Kuppeln in der Loggia und im Altarteil tragen zur organischen Verbindung der Fassade mit dem Innenraum bei. Die Wände im Inneren werden von flachen, aber farblich hervorgehobenen Pilastern zergliedert, die, in der Unterteilung der Gewölbe fortgeführt, eine Vorstellung von der Logik des Bauraums, dem tektonischen System, vermitteln. Die Ordnung entwickelt sich dreidimensional und betont die Einheit und Unterordnung der Hauptteile. Das optische „Gerüst“ prägt auch die Zergliederung der Kuppel von innen, die ein wenig an die Struktur der gotischen Nervengewölbe erinnert. Die Harmonie der Ordnungsformen und die Klarheit der tektonischen Struktur, Ausgewogenheit und Vergleichbarkeit mit dem Menschen sprechen jedoch vom Triumph neuer architektonischer Ideale über die Prinzipien des Mittelalters.

Neben Brunellesco und Michelozzo da Bartolomeo spielten auch andere Meister (Rosselino, Benedetto da Maiano usw.), deren Werk hauptsächlich mit der Toskana und Norditalien in Verbindung gebracht wurde, eine wichtige Rolle bei der Entwicklung neuer Architektur. Alberti, der neben dem Palazzo Ruccellai eine Reihe großer Bauwerke errichtete (die Fassade der Kirche Santa Maria Novella, die Kirche Sant'Andrea in Mantua usw.), vollendet diese Periode.

2. Die Zeit der Hochrenaissance

Die Zeit der Hochrenaissance umfasst das Ende des 15. bis zur ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Zu diesem Zeitpunkt erlebte Italien aufgrund der Verlagerung der Haupthandelsrouten vom Mittelmeer zum Atlantik einen bekannten wirtschaftlichen Niedergang und einen Rückgang der Industrieproduktion. Oftmals kaufte das Bürgertum Land auf und verwandelte sich in Wucherer und Grundbesitzer. Der Prozess der Feudalisierung des Bürgertums geht mit einer allgemeinen Aristokratisierung der Kultur einher, der Schwerpunkt verlagert sich auf den Hofkreis des Adels: Herzöge, Fürsten, Päpste. Rom wird zum Zentrum der Kultur – zur Residenz der Päpste, die oft aus Vertretern der humanistisch gesinnten Aristokratie gewählt werden. In Rom sind gewaltige Bauarbeiten im Gange. In diesem Unterfangen des päpstlichen Hofes zur Steigerung des eigenen Ansehens erlebte die humanistische Gemeinschaft die Erfahrung, die Größe des antiken Roms und damit der Größe ganz Italiens wiederzubeleben. Am Hofe, der 1503 den Thron bestieg. Der Humanist von Papst Julius II. war das Werk der bedeutendsten Architekten – darunter Bramante, Raffael, Michelangelo, Antonio da Sangallo und andere.

In der Architektur dieser Zeit finden die Hauptmerkmale und Tendenzen der Renaissance ihren vollendeten Ausdruck. Es entstehen die vollkommensten zentrischen Kompositionen. Endlich nimmt der Typus des städtischen Palazzo Gestalt an, der in dieser Zeit nicht nur die Züge eines privaten, sondern auch öffentlichen Gebäudes annimmt und so in einem bestimmten Bereich zum Prototyp vieler späterer öffentlicher Gebäude wird. Der für die frühe Renaissance charakteristische Kontrast (zwischen den architektonischen Merkmalen des äußeren Erscheinungsbildes des Palazzo und seines Innenhofs) wird überwunden. Unter dem Einfluss einer systematischeren und archäologisch genaueren Kenntnis der antiken Denkmäler werden die Ordnungskompositionen strenger: zusammen mit dem Ionischen und korinthische Ordnungen, einfachere und monumentalere Ordnungen sind weit verbreitet - römisch-dorisch und toskanisch, und eine fein gestaltete Arkade auf Säulen weicht einer monumentaleren Ordnungsarkade. Im Allgemeinen erlangen die Kompositionen der Hochrenaissance größere Bedeutung, Strenge und Monumentalität. Das Problem der Schaffung eines regelmäßigen städtischen Ensembles wird auf eine reale Grundlage gestellt. Landvillen werden als integrale architektonische Komplexe gebaut.

Der bedeutendste Architekt dieser Zeit war Donato d'Angelo Bramante (1444–1514). Das Bramante zugeschriebene Cancelleria-Gebäude (das wichtigste päpstliche Amt) in Rom – eines der herausragenden Palastgebäude – ist ein riesiges Parallelepiped mit einem rechteckigen, von Arkaden umgebenen Innenhof. Die harmonische Komposition der Fassaden entwickelt die im Palazzo Ruccellai festgelegten Prinzipien weiter, die rhythmische Gesamtstruktur schafft jedoch ein komplexeres und feierlicheres Bild. Das als Untergeschoss genutzte Erdgeschoss verstärkte den Kontrast durch eine leichte Decke. Rhythmisch angeordnete plastische Akzente, die durch große Öffnungen und sie umrahmende Platbands erzeugt wurden, erlangten in der Komposition große Bedeutung. Der Rhythmus der horizontalen Artikulationen wurde noch deutlicher.

Unter den religiösen Gebäuden von Bramante sticht eine kleine Kapelle namens Tempietto im Innenhof des Klosters San Pietro in Montrrio hervor. (1502) – ein Gebäude in einem eher engen Innenhof, der im Grundriss von einer kreisförmigen Arkade umgeben sein sollte.

Die Kapelle ist eine gewölbte Rotunde, die von einer römisch-dorischen Kolonnade umgeben ist. Das Gebäude zeichnet sich durch die Perfektion der Proportionen aus, die Ordnung wird streng und konstruktiv interpretiert. Im Vergleich zu den zentrischen Gebäuden der Frührenaissance, bei denen eine linear-flächige Wandbebauung vorherrscht (Pazzi-Kapelle), ist das Volumen von Tempietto plastisch: Seine geordnete Plastizität entspricht der tektonischen Integrität der Komposition. Der Kontrast zwischen dem monolithischen Kern der Rotunde und der Kolonnade, zwischen der Glätte der Wand und der Plastizität tiefer Nischen und Pilaster unterstreicht die Ausdruckskraft der Komposition, völlige Harmonie und Vollständigkeit. Trotz seiner geringen Größe vermittelt Tempietto den Eindruck von Monumentalität. Bereits von Zeitgenossen Bramantes wurde dieses Gebäude als eines der Meisterwerke der Architektur anerkannt.

Als Chefarchitekt am Hofe von Papst Julius II. Bramante ab 1505. arbeitet am Wiederaufbau des Vatikans. Es wurde ein grandioser Komplex aus Prunkgebäuden und feierlichen Höfen auf verschiedenen Ebenen konzipiert, der einer einzigen Achse untergeordnet ist und von der majestätischen Exedra des Belvedere abgeschlossen wird. In diesem im Wesentlichen ersten derart grandiosen Design wurde das Renaissance-Ensemble meisterhaft eingesetzt Kompositionstechniken antike römische Foren. päpstliche Residenz sollte mit einem anderen grandiosen Bauwerk in Rom verbunden werden – dem Petersdom, für dessen Bau ebenfalls das Bramante-Projekt übernommen wurde. Die Perfektion der zentralen Komposition und der grandiose Umfang des Projekts der Kathedrale von Peter Bramante geben Anlass, dieses Werk als Höhepunkt der Entwicklung der Renaissance-Architektur zu betrachten. Das Projekt sollte jedoch nicht in Form von Sachleistungen verwirklicht werden: Zu Bramantes Lebzeiten wurde erst mit dem Bau der Kathedrale begonnen, die ab 1546, 32 Jahre nach dem Tod des Architekten, auf Michelangelo übertragen wurde.

Er beteiligte sich zusammen mit Bramante am Wettbewerb für die Gestaltung des Petersdoms sowie am Bau und der Ausmalung der Gebäude des Vatikans großartiger Künstlerи архитектор Рафаэль Санти, построивший и расписавший знаменитые лоджии Ватикана, получившие его имя («лоджии Рафаэля»), а также ряд замечательных сооружений, как в самом Риме, так и вне его (постройка и роспись виллы Мадама в Риме, палаццо Пандольфини во Флоренции usw.).

Einer der besten Schüler Bramantes – der Architekt Antonio da Sangallo Jr. – besitzt das Projekt des Palazzo Farnese in Rom , Die Entwicklung des Renaissance-Palastes wurde gewissermaßen abgeschlossen.

Bei der Gestaltung der Fassade wurde auf traditionelle Rustikationen und vertikale Gliederungen verzichtet. Auf der glatten, mit Ziegeln verputzten Oberfläche der Wand zeichnen sich deutlich breite, über die gesamte Fassade verlaufende horizontale Bänder ab; Als würden sie sich daran lehnen, sind die Fenster mit geprägten Architraven in Form einer antiken „Ädikula“ zu sehen. Die Fenster des ersten Stockwerks haben im Gegensatz zu den Florentiner Palästen die gleichen Abmessungen wie die Fenster der oberen Stockwerke. Das Gebäude wurde von der Festungsisolation befreit, die noch immer den Palästen der Frührenaissance innewohnt. Im Gegensatz zu den Palästen des 15. Jahrhunderts, wo der Hof von leichten Bogengalerien auf Säulen umgeben war, erscheint hier eine monumentale Ordnungsarkade mit Halbsäulen. Die Ordnung der Galerie ist etwas schwerer und erhält die Züge von Feierlichkeit und Repräsentativität. Der schmale Durchgang zwischen Hof und Straße wurde durch einen offenen „Vorraum“ ersetzt, der den Blick auf den Vorgarten freigibt.

3. Späte Periode Renaissance

Als Spätzeit der Renaissance gilt üblicherweise die Mitte und das Ende des 16. Jahrhunderts. Zu diesem Zeitpunkt hielt der wirtschaftliche Abschwung in Italien an. Die Rolle des feudalen Adels und der kirchlich-katholischen Organisationen nahm zu. Um die Reformation und alle Erscheinungsformen eines antireligiösen Geistes zu bekämpfen, wurde die Inquisition gegründet. Unter diesen Bedingungen begannen Humanisten Verfolgung zu erfahren. Ein erheblicher Teil von ihnen zog, verfolgt von der Inquisition, dorthin nördliche Städte Italien, insbesondere nach Venedig, das noch die Rechte einer unabhängigen Republik behielt, wo der Einfluss der religiösen Gegenreformation nicht so stark war. In dieser Hinsicht waren in der Spätrenaissance zwei Schulen am auffälligsten – die römische und die venezianische. In Rom, wo der ideologische Druck der Gegenreformation die Entwicklung der Architektur sowie die Entwicklung der Prinzipien der Hochrenaissance stark beeinflusste, gibt es eine Abkehr von den Klassikern hin zu komplexeren Kompositionen, größerer Dekorativität und einer Verletzung der Klarheit der Formen, des Maßstabs und der Tektonizität. In Venedig blieb trotz des teilweisen Eindringens neuer Trends in die Architektur die klassische Grundlage der architektonischen Komposition besser erhalten.

Ein prominenter Vertreter der römischen Schule war der große Michelangelo Buonarroti (1475-1564). In seinen architektonischen Werken werden die Grundlagen eines für diese Zeit charakteristischen neuen Formverständnisses gelegt, das sich durch großen Ausdruck, Dynamik und plastische Ausdruckskraft auszeichnet. Sein Werk, das in Rom und Florenz stattfand, spiegelte mit besonderer Eindringlichkeit die Suche nach Bildern wider, die die allgemeine Krise des Humanismus und die innere Angst ausdrücken konnten, die die fortschrittlichen Kreise der Gesellschaft damals vor den drohenden Kräften der Reaktion erlebten. Als brillanter Bildhauer und Maler gelang es Michelangelo, leuchtende plastische Mittel zu finden, um die innere Stärke seiner Helden und ihren ungelösten Konflikt in der Kunst auszudrücken. Seelenfrieden, gigantische Anstrengungen im Kampf. Im architektonischen Schaffen entsprach dies der betonten Identifikation der Plastizität von Formen und ihrer intensiven Dynamik. Michelangelos Auftrag verlor oft seine tektonische Bedeutung und verwandelte sich in ein Mittel zur Wanddekoration, wodurch vergrößerte Massen entstanden, die den Menschen durch ihre Größe und Plastizität in Erstaunen versetzen. Michelangelo war gewissermaßen der Gründer und verstieß kühn gegen die architektonischen Prinzipien der Renaissance kreative Art und Weise, später in der Architektur des italienischen Barock aufgegriffen. Zum Größten architektonisches Werk Michelangelo verweist auf die Fertigstellung des Petersdoms in Rom nach dem Tod Bramantes. Michelangelo, der ein zentrisches Schema zugrunde legte, das Bramantes Plan nahe kam, führte neue Merkmale in seine Interpretation ein: Er vereinfachte den Plan und verallgemeinerte den Innenraum, machte die Stützen und Wände massiver und fügte von der Westseite einen Portikus mit einer feierlichen Kolonnade hinzu Fassade. In der dreidimensionalen Komposition werden das ruhige Gleichgewicht und die Unterordnung der Räume von Bramantes Projekt in die betonte Dominanz der Hauptkuppel und des Unterkuppelraums übersetzt. Bei der Komposition der Fassaden wurden Klarheit und Einfachheit durch komplexere und große plastische Formen ersetzt, die Wände werden durch Leisten und Pilaster in großer Form zergliedert Korinthischer Orden mit mächtigem Gebälk und hoher Attika; Zwischen den Pilastern sind Fensteröffnungen, Nischen und verschiedene dekorative Elemente (Gesimse, Konsolen, Sandriks, Statuen usw.) sozusagen in die Pfeiler eingequetscht, was den Wänden eine fast skulpturale Plastizität verleiht.

In der Zusammensetzung der Medici-Kapelle In der Kirche San Lorenzo in Florenz (1520) verschmolzen der Innenraum und die Skulpturen von Michelangelo zu einem Ganzen. Skulpturale und architektonische Formen sind voller innerer Spannung und Dramatik. Ihre scharfe emotionale Ausdruckskraft überwiegt die tektonische Grundlage, die Ordnung wird als Element der allgemeinen skulpturalen Konzeption des Künstlers interpretiert.

Einer der herausragenden römischen Architekten der Spätrenaissance ist auch Vignola, der Autor der Abhandlung „Die Regel der fünf Ordnungen der Architektur“. Die bedeutendsten seiner Werke sind das Schloss von Caprarola und die Villa von Papst Julius II. . Während der Renaissance erfuhr der Villentyp eine bedeutende Entwicklung, die mit einer Änderung seines funktionalen Inhalts einherging. Schon zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Es war ein Landsitz, der oft von Mauern umgeben war und manchmal sogar Wehrtürme besaß. Bis zum Ende des 15. Jahrhunderts. Die Villa wird ab dem 16. Jahrhundert zu einem Ort der Landruhe für wohlhabende Bürger (Villa Medici bei Florenz). Es wird oft zur Residenz großer Feudalherren und höherer Geistlicher. Die Villa verliert ihre Intimität und nimmt den Charakter einer frontal-axialen Struktur an, die sich zur umgebenden Natur hin öffnet.

Ein Beispiel für diesen Typ ist die Villa von Papst Julius II. Seine streng axiale und rechteckige Komposition verläuft in Felsvorsprüngen den Berghang hinab und schafft so ein komplexes Spiel aus offenen, halboffenen und geschlossenen Räumen auf verschiedenen Ebenen. Die Komposition ist von den antiken römischen Foren und Höfen des Vatikans beeinflusst.

Die herausragenden Meister der venezianischen Schule der Spätrenaissance waren Sansovino, der das Gebäude der Bibliothek von San Marco in Venedig (begonnen im Jahr 1536) errichtete – ein wichtiger Bestandteil des bemerkenswerten Ensembles des venezianischen Zentrums und die meisten heller Vertreter klassische Schule Renaissance - Architekt Palladio.

Die Aktivitäten von Andrea Palladio (1508 - 1580) fanden hauptsächlich in der Stadt Vicenza unweit von Venedig statt, wo er Palastgebäude und Villen errichtete, sowie in Venedig, wo er hauptsächlich Kirchengebäude errichtete. Sein Wirken in zahlreichen Bauwerken war eine Reaktion auf die antiklassizistischen Tendenzen der Spätrenaissance. Ich versuche sauber zu bleiben klassische Prinzipien, Palladio verlässt sich auf die reiche Erfahrung, die er bei der Erforschung des antiken Erbes gesammelt hat. Er versucht, nicht nur Ordnungsformen, sondern ganze Elemente und sogar Gebäudetypen der Antike wiederzubeleben. Die strukturgetreue Ordnung des Portikus wird zum Hauptthema vieler seiner Werke.

In der Villa Rotonda , In der Nähe von Vicenza erbaut (Baubeginn 1551), erreichte der Meister eine außergewöhnliche Integrität und Harmonie der Komposition. Auf einem Hügel gelegen und von weitem gut sichtbar, bilden die vier Fassaden der Villa mit allseitigen Portiken zusammen mit der Kuppel eine klare zentrische Komposition.

In der Mitte befindet sich eine runde Kuppelhalle, von der aus Ausgänge unter den Portiken führen. Breite Portikustreppen verbinden das Gebäude mit der umliegenden Natur. Die zentrische Komposition spiegelt den allgemeinen Anspruch der Architekten der Renaissance nach absoluter Vollständigkeit der Komposition, Klarheit und Geometrie der Formen, der harmonischen Verbindung einzelner Teile mit dem Ganzen und der organischen Verschmelzung des Gebäudes mit der Natur wider.

Aber dieses „ideale“ Kompositionsschema blieb einzigartig. Beim eigentlichen Bau zahlreicher Villen achtete Palladio stärker auf das sogenannte dreiteilige Schema, bestehend aus dem Hauptvolumen und einstöckigen Ordnungsgalerien, die sich von diesem zu den Seiten erstrecken und der Kommunikation mit den Dienstleistungen des Anwesens und dienen Gestaltung des Vorhofs vor der Fassade der Villa. Es war dieses Schema eines Landhauses, das später zahlreiche Anhänger beim Bau von Herrenpalästen fand.

Im Gegensatz zur freien Entwicklung der Volumen von Landvillen weisen Palladios Stadtpaläste meist eine strenge und lakonische Komposition mit einer großformatigen und monumentalen Hauptfassade auf. Der Architekt verwendet häufig einen Großauftrag und interpretiert ihn als eine Art „Säulen-Wand“-System. Ein markantes Beispiel– Palazzo Capitanio (1576), dessen Wände mit Säulen großer zusammengesetzter Ordnung mit einem mächtigen, lockeren Gebälk verziert sind. Das in Form eines Überbaus (Dachgeschoss) ausgebaute Obergeschoss verlieh dem Gebäude Vollständigkeit und Monumentalität,

Palladio nutzte in seinen Stadtpalästen auch häufig die zweistufige Aufteilung der Fassaden mit Ordnungen sowie eine Anordnung auf einem hohen, rostigen Kellergeschoss – eine Technik, die zuerst von Bramante verwendet wurde und später in der klassizistischen Architektur weit verbreitet war.

Abschluss

Die moderne Architektur verhehlt bei der Suche nach Formen ihrer eigenen stilistischen Ausprägung nicht, dass sie sich des historischen Erbes bedient. Am häufigsten bezieht sie sich auf jene theoretischen Konzepte und Gestaltungsprinzipien, die in der Vergangenheit die größte stilistische Reinheit erreicht haben. Manchmal scheint es sogar so, als ob alles, was das 20. Jahrhundert zuvor erlebte, in neuer Form zurückkehrte und sich schnell wieder wiederholte.

Vieles, was ein Mensch in der Architektur schätzt, bezieht sich nicht so sehr auf eine sorgfältige Analyse einzelner Teile eines Objekts, sondern auf sein synthetisches, ganzheitliches Bild, auf den Bereich der emotionalen Wahrnehmung. Das heißt, Architektur ist Kunst oder enthält auf jeden Fall Elemente der Kunst.

Manchmal wird Architektur als Mutter der Künste bezeichnet, was bedeutet, dass sich Malerei und Bildhauerei lange Zeit in einer untrennbaren organischen Verbindung mit der Architektur entwickelten. Der Architekt und der Künstler hatten in ihrer Arbeit schon immer viele Gemeinsamkeiten und manchmal verstanden sie sich auch gut in einer Person. Der antike griechische Bildhauer Phidias gilt zu Recht als einer der Schöpfer des Parthenon. Der anmutige Glockenturm der Hauptkathedrale von Florenz, Santa Maria del Fiore, wurde „nach der Zeichnung“ des großen Malers Giotto erbaut. Michelangelo, der als Architekt, Bildhauer und Maler gleichermaßen großartig war. Auch im architektonischen Bereich war Raphael erfolgreich tätig. Ihr Zeitgenosse, der Maler Giorgio Vasari, baute die Uffizien in Florenz. Eine solche Synthese des Talents des Künstlers und Architekten fand sich nicht nur bei den Titanen der Renaissance, sie prägte auch die neue Zeit. Einen großen Beitrag zur Entwicklung leisteten der Engländer William Morris und der Belgier Van de Velde moderne Architektur. Corbusier war ein talentierter Maler und Alexander Vesnin ein brillanter Theaterkünstler. Sowjetische Künstler K. Malewitsch und L. Lissitzky experimentierten interessanterweise mit architektonischen Formen, und ihr Kollege und Zeitgenosse Wladimir Tatlin wurde zum Autor des legendären Projekts des 111 International Tower. Der Autor des berühmten Projekts des Palastes der Sowjets, der Architekt B. Iofan, gilt zusammen mit der bemerkenswerten sowjetischen Künstlerin Vera Mukhina zu Recht als Co-Autor der Skulptur „Arbeiterin und Kolchosmädchen“.

Grafische Darstellung und dreidimensionale Gestaltung sind die Hauptmittel, mit denen der Architekt seine Entscheidungen sucht und verteidigt. Die Entdeckung der linearen Perspektive in der Renaissance beeinflusste maßgeblich das Raumkonzept der Architektur dieser Zeit. Letztlich führte das Verständnis der linearen Perspektive zur Verknüpfung des Platzes, der Treppen, des Gebäudes zu einer einzigen Raumkomposition und in der Folge zur Entstehung gigantischer Architekturensembles aus Barock und Hochklassizismus. Viele Jahre später hatten die Experimente kubistischer Künstler großen Einfluss auf die Entwicklung der architektonischen Formengestaltung. Sie versuchten, ein Objekt aus verschiedenen Blickwinkeln darzustellen, seine dreidimensionale Wahrnehmung durch Überlagerung mehrerer Bilder zu erreichen, die Möglichkeiten der räumlichen Wahrnehmung durch die Einführung einer vierten Dimension – der Zeit – zu erweitern. Diese dreidimensionale Wahrnehmung diente als Ausgangspunkt für die formale Suche nach moderner Architektur, die der flachen Fassade ein komplexes Spiel aus frei im Raum liegenden Volumen und Flächen gegenüberstellte.

Skulptur und Malerei erlangten nicht sofort eine Unabhängigkeit von der Architektur. Zunächst waren es nur Elemente architektonische Struktur. Es dauerte mehr als ein Jahrhundert, bis sich das Gemälde von der Wand oder der Ikonostase löste. Am Ende der Renaissance drängen sich auf der Piazza della Signoria in Florenz noch immer schüchtern Skulpturen um die Gebäude, als hätten sie Angst, völlig mit den Fassaden zu brechen. Michelangelo ist der erste, der eine Reiterstatue in der Mitte des Kapitolplatzes in Rom errichtet. Wir schreiben das Jahr 1546. Seitdem erwirbt das Denkmal, die monumentale Skulptur die Rechte eines eigenständigen Elements der Komposition, das den Stadtraum organisiert. Zwar lebt die skulpturale Form noch einige Zeit an den Wänden des architektonischen Bauwerks weiter, doch diese letzten Spuren des „ehemaligen Luxus“ verschwinden nach und nach von ihnen.

Corbusier bestätigt diese Komposition moderner Architektur mit seiner charakteristischen Sicherheit: „Ich erkenne weder Skulptur noch Malerei als Dekoration an. Ich gebe zu, dass beides beim Betrachter tiefe Emotionen hervorrufen kann, genauso wie Musik und Theater auf einen wirken – es hängt alles von der Qualität des Werkes ab, aber ich bin definitiv gegen Dekoration. Betrachtet man andererseits ein architektonisches Werk und insbesondere die Plattform, auf der es errichtet ist, erkennt man, dass bestimmte Stellen des Gebäudes selbst und um es herum bestimmte intensive mathematische Orte sind, die sich sozusagen als Schlüssel erweisen auf die Proportionen des Werkes und seiner Umgebung. Dies sind die Orte höchster Intensität, und an diesen Orten kann der konkrete Zweck des Architekten verwirklicht werden – sei es in Form eines Pools, eines Steinblocks oder einer Statue. Wir können sagen, dass an diesem Ort alle Bedingungen für eine Rede, die Rede eines Künstlers, eine plastische Rede, vereint sind.

Stadtplanung und die Stadt als Gegenstand besonderer Forschung weckten das Interesse vieler führender Architekten. Als weniger bedeutsam gilt der Beitrag Italiens im Bereich der praktischen Stadtplanung. Zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Die Stadtgemeinden Mittel- und Norditaliens waren bereits seit langem etablierte architektonische Organismen. Darüber hinaus die Republiken und Tyrannenherrschaften des 15. und 16. Jahrhunderts. (mit Ausnahme der größten – wie Florenz, Mailand, Venedig und natürlich das päpstliche Rom) verfügten nicht über ausreichende Mittel, um neue große Ensembles zu schaffen, zumal weiterhin alle Aufmerksamkeit auf den Bau oder die Fertigstellung von Kathedralen als Hauptobjekt gerichtet wurde religiöses Zentrum der Stadt. Nur wenige integrale Stadtentwicklungen wie das Zentrum von Pienza verbinden neue Trends mit mittelalterlichen Bautraditionen.

Dennoch unterschätzt die allgemein akzeptierte Sichtweise die Veränderungen, die im XV.-XVI. Jahrhundert stattfanden, etwas. in italienischen Städten. Neben Versuchen, theoretisch zu verstehen, was auf dem Gebiet der Stadtplanung bereits praktisch getan wurde, sind auch Versuche zu beobachten, bestehende theoretische Stadtplanungsvorstellungen in die Praxis umzusetzen. So wurde beispielsweise in Ferrara gebaut neues Gebiet mit einem regelmäßigen Straßennetz; In den Städten Bari, Terra del Sole, Castro und auch in einigen anderen wurde versucht, gleichzeitig einen ganzheitlichen städtischen Organismus zu schaffen.

Entstand im Mittelalter das architektonische Erscheinungsbild der Stadt im Prozess der Kreativität und Bautätigkeit der gesamten Stadtbevölkerung, so spiegelte der Städtebau in der Renaissance immer mehr die Wünsche einzelner Auftraggeber und Architekten wider.

Mit dem wachsenden Einfluss der reichsten Familien beeinflussten deren persönliche Ansprüche und Vorlieben zunehmend das architektonische Erscheinungsbild der gesamten Stadt. Von großer Bedeutung beim Bau von Palästen, Villen, Kirchen, Gräbern und Loggien war der Wunsch, sich selbst zu verewigen und zu verherrlichen, oder der Wettbewerb um Reichtum und Pracht mit den Nachbarn (Gonzaga - d'Este, d'Este - Sforza usw.). und der unveränderliche Wunsch, luxuriös zu leben. Gleichzeitig zeigten die Kunden ein gewisses Interesse an der Verbesserung der Stadt und stellten Mittel für den Wiederaufbau ihrer Ensembles, für den Bau öffentlicher Gebäude, Brunnen usw. bereit.

Ein erheblicher Teil des Palast- und Tempelbaus fiel in die Jahre der Wirtschaftskrise, die mit dem Verlust der Ostmärkte verbunden war, und wurde auf Kosten des bereits gesammelten Reichtums durchgeführt, der in der Zeit des Niedergangs des Handwerks entstand Handel mit unproduktivem Kapital. Am Bau waren die bekanntesten und bekanntesten Architekten, Künstler, Bildhauer beteiligt, die für die Umsetzung der ihnen anvertrauten Arbeiten große Mittel erhielten und durch die Befriedigung der persönlichen Wünsche der Kunden ihre schöpferische Individualität in größerem Maße zur Geltung bringen konnten.

Deshalb sind die italienischen Städte der Renaissance reich an originellen, unterschiedlichen Architekturensembles. Da es sich bei diesen Ensembles jedoch um Werke derselben Epoche mit etablierten ästhetischen Ansichten handelte, basierten sie auf allgemeinen Kompositionsprinzipien.

Die neuen Anforderungen an die volumetrische und räumliche Organisation der Stadt und ihrer Elemente beruhten auf einer sinnvollen, kritischen Wahrnehmung mittelalterlicher Traditionen, auf dem Studium von Denkmälern und Kompositionen der Antike. Die Hauptkriterien waren die Klarheit der räumlichen Organisation, die logische Verbindung von Haupt- und Nebenraum, die proportionale Einheit der sie umgebenden Strukturen und Räume, die Verbindung einzelner Räume und das alles in einem der Person angemessenen Maßstab. neue Kultur der Renaissance drangen zunächst geringfügig, dann immer aktiver in die Stadtplanung ein. Die mittelalterliche Stadt, die die Grundlage der Städte der Renaissance bildete, konnte nicht wesentlich verändert werden, daher wurden auf ihrem Territorium nur Wiederaufbauarbeiten durchgeführt, es wurden separate öffentliche und private Gebäude errichtet, was manchmal einige Planungsarbeiten erforderte; Das Wachstum der Stadt, das sich im 16. Jahrhundert etwas verlangsamte, ging meist zu Lasten der Erweiterung ihres Territoriums.

Die Renaissance brachte keine offensichtlichen Veränderungen in der Stadtplanung mit sich, veränderte jedoch ihr volumetrisches und räumliches Erscheinungsbild erheblich und löste eine Reihe städtebaulicher Probleme auf neue Weise.

Abb.1. Ferrara. Schematischer Plan der Stadt: 1 - Schloss d'Este; 2 - Ariosto-Platz; 3 - Kartäuserkloster; 4 – Kirche Santa Maria Nuova degli Aldigieri; 5 - Kirche San Giuliano; c – Kirche San Benedetto; 7 - Kirche San Francesco; 8 – Palazzo dei Diamanti; 9 - Kathedrale

Abb.2. Verona. Schematischer Plan der Stadt: 1 - Kirche San Zeno; 2 - Kirche San Bernardino; 3 – Bereich der Krankenhäuser und Fort San Spirito; 4 – Gran Guardia Vecchia; 5 - Castello Vecchio; 6 - Palazzo Malfatti; 7 – Bereich delle Erbe; 8 - Piazza dei Signori; 9 – Santa-Anastasia-Platz; 10 - Kathedrale; 11 - Bischofspalast; 12 - antikes Amphitheater; 13 - der Palast von Pompeji; 14 – Palazzo Bevilacqua

Eines der ersten Beispiele einer neuen Anlage an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert. Ferrara kann dienen (Abb. 1). Sein nördlicher Teil wurde nach dem Projekt von Biagio Rossetti (erwähnt 1465-1516) erbaut. Die Hauptlinien des neuen Straßennetzes verbanden die Eingangstore der von ihm errichteten Befestigungsanlagen. An den Kreuzungen der Straßen befanden sich Paläste (Palazzo dei Diamanti usw.) und Kirchen, die vom selben Architekten oder unter seiner direkten Aufsicht errichtet wurden. Das mittelalterliche Zentrum mit der von einem Wassergraben umgebenen Burg d'Este, dem Palazzo del Comune und anderen Gebäuden aus dem 12.-15. Jahrhundert sowie der angrenzende Handels- und Handwerksteil der Stadt blieben unberührt. Der neue Teil der Stadt, der in Richtung d'Este mit Häusern einer bestimmten Anzahl von Stockwerken bebaut wurde, erhielt einen weltlicheren, aristokratischeren Charakter, und seine geraden, breiten Straßen mit Renaissancepalästen und -kirchen gaben Ferrara ein anderes Aussehen als das mittelalterliche Stadt. Kein Wunder, dass Burckhardt schrieb, Ferrara sei die erste moderne Stadt Europas.

Aber auch ohne die Planung neuer Gebiete nutzten die Baumeister der Renaissance mit größter Kunst alle Elemente der Verbesserung und kleinen architektonischen Formen der Stadt, von Kanälen über Arkaden, Brunnen bis hin zu Pflastersteinen ( Ein charakteristisches Beispiel aus dem 15. Jahrhundert ist ein Brunnen auf dem Domplatz in Pienza; Im 16. Jahrhundert Die Rolle des Brunnens in Ensembles wird komplizierter (z. B. die von Vignola in Rom, Viterbo und in den in ihrer Nähe gelegenen Villen installierten Brunnen). ) – zur allgemeinen Verbesserung und ästhetischen Bereicherung des architektonischen Erscheinungsbildes auch kleiner Städte oder einzelner Ensembles. In einer Reihe von Städten, wie Mailand, Rom, wurden die Straßen begradigt und verbreitert.

Kanäle wurden nicht nur zur Bewässerung von Feldern gebaut, sondern auch in Städten (zur Verteidigung, Transport, Wasserversorgung, Hochwasserschutz, für die Produktion – Wolle waschen usw.), wo sie ein gut geplantes System darstellten (Mailand), oft einschließlich Dämmen und Schleusen und mit städtischen Verteidigungsanlagen verbunden (Verona, Mantua, Bologna, Livorno usw., Abb. 2, 3, 5, 21).

Straßenarkaden, die auch im Mittelalter zu finden waren, erstreckten sich teilweise über ganze Straßenzüge (Bologna, Abb. 4) oder entlang der Platzseiten (Florenz, Vigevano, Abb. 7).

Die Renaissance hat uns wundervolle städtische Komplexe und Ensembles hinterlassen, die sich in zwei Hauptgruppen einteilen lassen: Ensembles, die sich historisch entwickelt haben (sie stammen hauptsächlich aus dem 15. Jahrhundert) und Ensembles, die gleichzeitig oder über mehrere Bauperioden hinweg entstanden sind nach dem Plan eines Architekten, teilweise in der Renaissance (zumeist im 16. Jahrhundert) vollständig fertiggestellt.

Ein bemerkenswertes Beispiel für Ensembles der ersten Gruppe ist das Ensemble von Piazza San Marco und Piazzetta in Venedig.

In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts. Teile des Dogenpalastes wurden gebaut und überblickten sowohl die Piazzetta als auch den Canal San Marco. Zu Beginn des gleichen Jahrhunderts entstand die Marmorpflasterung des Markusplatzes, die ihn später mit der Piazzetta verband. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts. Die Umbauarbeiten am zentralen Platz der Stadt lockten die bedeutendsten Architekten an: Bartolomeo Bon erhöhte die Höhe des Glockenturms von 60 auf 100 m und krönte ihn mit einer Zeltüberdachung; Pietro Lombardo und andere bauen die Alten Prokurationen und Glockenturm; 1529 werden die Stände von der Piazzetta entfernt, was den Blick auf die Lagune und das Kloster San Giorgio Maggiore freigibt. Als räumlicher Übergang von der Weite der Lagune zum zentralen Platz spielt die Piazzetta eine wichtige Rolle und unterstreicht deren Größe und kompositorische Bedeutung im Stadtgefüge. Dann erweitert Sansovino den Platz nach Süden, indem er das Gebäude der von ihm errichteten Bibliothek auf der Piazzetta, 10 Meter vom Glockenturm entfernt, platziert und am Fuße des Loggetta-Turms errichtet. Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts. Scamozzi errichtet neue Prokurationen. Allerdings wurde die Westseite des Platzes erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts fertiggestellt.

Die Entwicklung des Markusplatzes am Ufer der Lagune an der Mündung des Canal Grande ist sowohl funktional – der Bequemlichkeit der Warenlieferung an den Ort der wichtigsten venezianischen Messen als auch der Ausschiffung von Ehrengästen vor dem Palast und – bedingt die Kathedrale – und künstlerisch: Der Hauptplatz vor der Stadt öffnet sich feierlich für diejenigen, die vom Meer herkommen, und gleicht einer Empfangshalle der Stadt; Wie das Platzensemble des antiken Milet zeigte der Markusplatz den Ankömmlingen, wie reich und schön die Hauptstadt der Republik Venedig war.

Eine neue Einstellung zum Bauen als Teil eines Ganzen, die Fähigkeit, Gebäude mit dem umgebenden Raum zu verbinden und eine kontrastierende, für beide Seiten vorteilhafte Kombination unterschiedlicher Strukturen zu finden, führten zur Entstehung eines der besten Ensembles nicht nur der Renaissance, sondern auch der Weltarchitektur.

Die hohe Architekturkultur Venedigs manifestierte sich auch in den nach und nach entstehenden Ensembles der Piazza Santi Giovanni e Paolo (mit dem Colleoni-Denkmal von Verrocchio) und dem Einkaufszentrum der Stadt.

Als Beispiel für die konsequente Entwicklung des Ensembles können die Piazza della Signoria in Florenz sowie der zentrale Platzkomplex in Bologna dienen, an dem sich zu dieser Zeit interessante städtebauliche Traditionen entwickelt hatten.

Abb.5. Bologna. Schematischer Plan der Stadt: 1 - Malpighi-Gebiet; 2 - Ravenyan-Platz; 3 - Piazza Maggiore; 4 - Neptungebiet; 5 - Arcijinnacio-Platz; 6 - Kirche San Petronio; 7 - Palazzo Publico; 8 - Palazzo Legata; 9 – Palazzo del Podesta; 10 - Portikus dei Banki; 11 – Palazzo dei Notai; 12 - Palazzo Arciginnasio; 13 – Palazzo del Re Enzo; 14 - Mercantia; 15 - isolanische Paläste; 16 – Kirche San Giacomo; 17 - Casa Grassi; 18- Palazzo Fava; 19 – Palazzo Armorini; 20-Collegio di Spagna; 21 – Palazzo Bevilacqua; 22 – Palazzo Tanari

Der Grundriss von Bologna hat die Spuren seiner jahrhundertealten Geschichte bewahrt (Abb. 5). Das Stadtzentrum stammt aus der Zeit des römischen Militärlagers. Im Mittelalter entstanden die radial divergierenden Straßen der östlichen und westlichen Regionen, die die alten Tore (nicht erhalten) mit den Toren der neuen Befestigungsanlagen (XIV. Jahrhundert) verbanden.

Die frühe Entwicklung der Zunftproduktion aus feinen dunkelroten Ziegeln und Terrakotta-Gebäudedetails sowie die Ausbreitung von Arkaden an den Seiten vieler Straßen (sie wurden vor dem 15. Jahrhundert erbaut) verliehen den Stadtgebäuden eine bemerkenswerte Gemeinsamkeit. Diese Merkmale entwickelten sich auch in der Renaissance, als der Stadtrat dem Bauwesen große Aufmerksamkeit schenkte (siehe die auf Beschluss des Rates entwickelten Modellprojekte von Häusern für die Vororte mit primitiven Säulengängen, die sich zu Straßenarkaden entwickeln sollten – Abb. 6). .

Piazza Maggiore, im Herzen der Altstadt gelegen, mit dem riesigen, schlossähnlichen Palazzo Publico darüber, der eine Reihe öffentlicher Gebäude der mittelalterlichen Gemeinde und der Kathedrale aus dem 15. und 16. Jahrhundert vereint. erhielt durch den Neptunplatz eine organische Verbindung mit der Hauptstraße (der Brunnen, der ihm seinen Namen gab, wurde im 16. Jahrhundert von G. da Bologna erbaut) und veränderte sein Erscheinungsbild im Geiste des neuen Stils erheblich: im 15. Jahrhundert. Fioravante wirkte hier, baute im 16. Jahrhundert den Palazzo del Podesta wieder auf. - Vignola, das die Gebäude auf der Ostseite des Platzes mit einer gemeinsamen Fassade mit einem monumentalen Arkadengang (Portico dei Banki) vereint.

Die zweite Gruppe von Ensembles, die vollständig einem einzigen kompositorischen Entwurf untergeordnet sind, umfasst hauptsächlich architektonische Komplexe des 16. und der folgenden Jahrhunderte.

Die Piazza Santissima Annunziata in Florenz ist trotz ihrer einheitlichen Entwicklung ein Beispiel für ein Ensemble mittleren Typs, da sie nicht von einem Meister konzipiert wurde. Allerdings bestimmte der schlichte, helle und zugleich monumentale Arkadengang des Brunellesco-Waisenhauses (1419–1444) das Erscheinungsbild des Platzes; Eine ähnliche Arkade wiederholte sich auf der Westseite vor dem Kloster Servi di Maria (Sangallo der Ältere und Baccio d'Agnolo, 1517-1525). Der spätere Portikus vor der Kirche Santissima Annunziata (Giovanni Caccini, 1599-1601) über den beiden seitlichen und zusammen mit dem Reiterdenkmal Ferdinands I. (G. da Bologna, 1608) und Brunnen (1629) zeugen von einem Neuen Trend beim Bau von Ensembles: Betonen Sie die Rolle der Kirche und identifizieren Sie die dominierende kompositorische Achse.

Mit der Anhäufung von Reichtum versuchten die einflussreichsten Vertreter des jungen Bürgertums, sich die Anerkennung ihrer Mitbürger zu verdienen, indem sie ihre Heimatstadt schmückten und gleichzeitig ihre Macht durch Architektur zum Ausdruck brachten, indem sie prächtige Paläste für sich selbst bauten, aber auch Geld spendeten den Wiederaufbau und sogar den vollständigen Umbau ihrer Pfarrkirche und anschließend den Bau weiterer Gebäude in der Pfarrei. So entstanden beispielsweise um die Paläste der Medici und Rucellai in Florenz eigentümliche Gebäudegruppen; der erste umfasste neben dem Palast die Kirche San Lorenzo mit einer Kapelle – dem Grab der Medici und der Laurenzianischen Bibliothek, der zweite bestand aus dem Rucellai-Palast mit einer Loggia gegenüber und der Rucellai-Kapelle in der Kirche San Pancrazio.

Von der Errichtung einer solchen Gebäudegruppe war es nur noch ein Schritt bis zur Schaffung eines ganzen Ensembles, das die Heimatstadt schmückte, auf Kosten des „Vaters der Stadt“.

Ein Beispiel für einen solchen Wiederaufbau ist das Fabriano Center, wohin Papst Nikolaus V. mit seinem Gefolge während der Pest in Rom zog. Der Wiederaufbau von Fabriano wurde 1451 Bernardo Rosselino anvertraut. Ohne die Konfiguration des zentralen Platzes zu ändern, der im Mittelalter noch geschlossen blieb, versucht Rosselino, seine Entwicklung etwas zu rationalisieren, indem er die Seiten mit Portiken umschließt. Die Umrahmung des Platzes durch Galerien, die die Aufmerksamkeit des Publikums auf den strengen, mit Zinnen gekrönten Palazzo Podestà lenken, weist darauf hin, dass dieses alte Zivilgebäude trotz der Ankunft des Papstes in der Stadt das wichtigste Gebäude bleibt. Der Wiederaufbau des Fabriano Center ist einer der ersten städtebaulichen Versuche der Renaissance, den Platzraum nach dem Prinzip der Regelmäßigkeit zu ordnen.

Ein weiteres Beispiel für eine einmalige Rekonstruktion des zentralen Platzes und der gesamten Stadt ist Pienza, wo nur ein Teil der von demselben Bernardo Rosselino vorgesehenen Arbeiten ausgeführt wurde.

Pienza-Platz, mit einer klaren Aufteilung der dort befindlichen Gebäude in Haupt- und Nebengebäude, mit einem regelmäßigen Grundriss und einer bewussten Erweiterung des Platzgebiets in Richtung der Kathedrale, um Freiraum um ihn herum zu schaffen, mit gemustertem Pflaster, das das eigentliche Trapez trennt Von der entlang verlaufenden Straße aus gesehen ist der Platz mit der sorgfältig durchdachten Farbgestaltung aller den Platz umrahmenden Gebäude eines der charakteristischsten und bekanntesten Ensembles des 15. Jahrhunderts.

Ein interessantes Beispiel ist der regelmäßige Bau des Platzes in Vigevano (1493-1494). Der Platz, auf dem sich die Kathedrale und der Haupteingang zum Schloss Sforzesco befanden, war von einem durchgehenden Arkadengang umgeben, über den sich eine einzige Fassade erstreckte, die mit Gemälden und farbiger Terrakotta verziert war (Abb. 7).

Die Weiterentwicklung der Ensembles ging in die Richtung einer zunehmenden Isolation vom öffentlichen Leben der Stadt, da jedem von ihnen eine bestimmte Aufgabe untergeordnet und mit ausgeprägter Individualität gelöst und von der Umwelt abgegrenzt wurde. Plätze aus dem 16. Jahrhundert waren keine öffentlichen Plätze mehr der Kommunalstädte der Frührenaissance, die für Paradeumzüge und Feiertage gedacht waren. Trotz der Komplexität der Raumkompositionen und der weit offenen Perspektiven spielten sie vor allem die Rolle eines offenen Vestibüls vor dem Hauptgebäude. Wie im Mittelalter, allerdings mit einer anderen räumlichen Organisation und kompositorischen Bauweise, wurde der Platz wieder dem Gebäude – dem Leitgebäude des Ensembles – untergeordnet.

Zu den ersten Ensembles des 16. Jahrhunderts, in denen die zuvor skizzierten Kompositionstechniken bewusst in einem einzigen Entwurf angewendet wurden, gehören der Belvedere-Komplex im päpstlichen Vatikan, dann der Platz vor dem Farnese-Palast in Rom (der Ensembleplan enthielt eine (nicht realisierte Brücke über den Tiber), das römische Kapitol und der Komplex des erweiterten Palazzo Pitti mit den Boboli-Gärten in Florenz.

Die Mitte des 16. Jahrhunderts fertiggestellte rechteckige Piazza Farnese sowie der von Antonio de Sangallo d Ensemble Santissima Annunziata.

Drei kurze Parallelstraßen führen vom Campo di Fiori zur Piazza Farnese, deren mittlere breiter ist als die seitlichen, was sozusagen die Symmetrie des Ensembles vorgibt. Das Portal des Farnese-Palastes fällt mit der Achse des Gartenportals und der Mitte der hinteren Loggia zusammen. Die Zusammensetzung des Ensembles wurde durch die Aufstellung zweier Brunnen (für die Vignola Bronzebäder aus den Caracalla-Thermen übernahm) vervollständigt, die symmetrisch zum Haupteingang und etwas zur Ostseite des Platzes verschoben platziert waren. Eine solche Anordnung der Brunnen schafft gewissermaßen Platz vor dem Palast und verwandelt den Stadtplatz in eine Art Atrium vor dem Wohnsitz einer mächtigen Familie (vgl. den zentralen Platz in Vigevano).

Eines der bemerkenswertesten Beispiele eines architektonischen Ensembles nicht nur des 16. Jahrhunderts. In Italien, aber auch in der gesamten Weltarchitektur gibt es den Kapitolplatz in Rom, der nach dem Plan von Michelangelo geschaffen wurde und die soziohistorische Bedeutung dieses Ortes zum Ausdruck bringt (Abb. 9).

Die zentrale Lage des Senatorenpalastes mit Turm und Doppeltreppe, die trapezförmige Form des Platzes und der zu ihm führenden Rampe, die Symmetrie der Seitenpaläste, schließlich das Pflastermuster des Platzes und die zentrale Lage des Reiterskulptur - all dies stärkte die Bedeutung des Hauptgebäudes und der dominanten Achse des Ensembles, betonte die Bedeutung und die eigenständige Stellung dieses Platzes in der Stadt, von dem aus sich am Fuße des Platzes ein weiter Blick auf Rom ausbreitete Hügel geöffnet. Die Offenlegung einer Seite des Platzes, seine klar zum Ausdruck gebrachte Ausrichtung auf die Stadt bei gleichzeitiger Unterordnung des Platzraumes unter das Hauptgebäude – das ist ein von Michelangelo eingeführtes neues Merkmal in der Architektur städtischer Ensembles.

Die Werke, die Rom erheblich veränderten und es aus den Ruinen des Mittelalters wiederauferstanden, hatten erhebliche Auswirkungen auf die Architektur Italiens und ganz Europas. Die über das gesamte Gebiet der antiken Hauptstadt verstreuten Ensembles der Renaissance wurden erst viel später von der Stadt erfasst und als ihre Elemente in ein einziges System integriert, bildeten jedoch das Rückgrat, das die weitere architektonische und räumliche Organisation Roms als Ganzes bestimmte .

Die Ruinen der antiken Stadt gaben den Maßstab und die Monumentalität der angelegten Straßen und Gebäude der führenden Ensembles vor. Die Architekten studierten und beherrschten die Prinzipien regelmäßiger antiker Stadtplanungskompositionen. Neue Wege in der Stadtplanung basierten auf einer bewussten Suche nach besseren, bequemeren und rationelleren Grundrissen, auf sinnvollen Rekonstruktionen alter Gebäude, auf einer durchdachten Synthese von bildender Kunst und Architektur (Abb. 9, 10).

Die herausragenden Architekten der Renaissance – Brunellesco, Alberti, Rosselino, Leonardo da Vinci, Bramante, Michelangelo – konzipierten eine Reihe grandioser Stadtumgestaltungen. Hier sind einige dieser Projekte.

Im Jahr 1445, zum Jahrestag von 1450, waren in Rom bedeutende Arbeiten zum Wiederaufbau des Borgo-Gebiets geplant. Die Autoren des Projekts (Rosselino und möglicherweise Alberti) sahen offenbar Verteidigungsanlagen und die Verbesserung der Stadt sowie den Wiederaufbau des Borgo-Viertels und einer Reihe von Kirchen vor. Doch das Projekt erforderte viel Geld und blieb unerfüllt.

Leonardo da Vinci war Zeuge des Unglücks, das Mailand ereilte – der Pest von 1484-1485, die mehr als 50.000 Einwohner tötete. Die Ausbreitung der Krankheit wurde durch Überfüllung, Überfüllung und unhygienische Bedingungen der Stadt erleichtert. Der Architekt schlug einen neuen Grundriss Mailands innerhalb der erweiterbaren Stadtmauern vor, in dem nur wichtige Bürger verbleiben sollten, die gezwungen waren, ihre Besitztümer wieder aufzubauen. Gleichzeitig sollen laut Leonardo in der Nähe von Mailand zwanzig kleinere Städte mit jeweils 30.000 Einwohnern und 5.000 Häusern gegründet worden sein. Leonardo hielt es für notwendig: „Diese riesige Menschenmenge zu trennen, die wie Schafe in einer Herde einen üblen Geruch verbreitet und ein fruchtbarer Boden für Epidemien und Tod ist.“ Zu Leonardos Skizzen gehörten Straßen auf zwei Ebenen, Viadukte auf den Zufahrten vom Land, ein ausgedehntes Kanalnetz, das die Städte ständig mit Frischwasser versorgte, und vieles mehr (Abb. 11).

In den gleichen Jahren arbeitete Leonardo da Vinci an einem Plan für den Wiederaufbau, oder besser gesagt, die radikale Umstrukturierung von Florenz, indem er es in ein regelmäßiges Dekaeder aus Mauern einschloss und entlang seines Durchmessers unter Verwendung eines Flusses einen grandiosen Kanal gleicher Breite anlegte zum Arno (Abb. 12). Der Entwurf dieses Kanals, der eine Reihe von Dämmen und kleineren Umleitungskanälen umfasste, die dazu dienten, alle Straßen der Stadt zu spülen, war eindeutig utopischer Natur. Trotz der von Leonardo vorgeschlagenen sozialen (standesrechtlichen) Siedlung in der Stadt war der Architekt bestrebt, gesunde und komfortable Lebensbedingungen für alle Einwohner von Florenz zu schaffen.

Nach einem Brand, der 1514 den Markt in der Nähe der Rialtobrücke in Venedig zerstörte, erstellte Fra Giocondo ein Projekt zum Wiederaufbau dieses Gebiets. Die von Kanälen eingerahmte viereckige Insel hatte eine viereckige Form und sollte entlang des Umfangs mit zweistöckigen Geschäften bebaut werden. In der Mitte befand sich ein Platz mit vier gewölbten Toren an den Seiten. Die Zentralität der Komposition wurde durch die in der Mitte platzierte Kirche San Matteo betont.

Die Vorschläge von Fra Giocondo waren aus städtebaulicher Sicht interessant und neu, blieben jedoch unerfüllt.

Michelangelo, der die Freiheit seines geliebten Florenz verteidigte und offenbar den Geist der Demokratie bewahren wollte, der ihm früher so innewohnte, schlug ein Projekt zum Wiederaufbau seines Zentrums vor. Aller Wahrscheinlichkeit nach dienten die öffentlichen Zentren der Antike, die Peristyle der Politik, als Prototyp für den neuen Platz.

Michelangelo wollte die Piazza della Signoria mit Galerien umgeben, die alle zuvor errichteten Paläste, Handelskammern, Zunft- und Werkstatthäuser verbergen und mit ihrer Einheitlichkeit die Erhabenheit des Signoria-Palastes betonen. Die gigantischen Ausmaße der Loggia dei Lanzi, die als Motiv für die Arkaden dieser Galerien dienen sollte, und die monumentalen Gewölbedecken der den Platz überblickenden Straßen entsprachen dem Umfang der römischen Foren. Die Herzöge von Florenz brauchten eine solche Umstrukturierung nicht, wichtiger war der Bau der Uffizien mit Übergängen von der Verwaltung des Herzogtums – dem Palazzo Vecchio – zu den persönlichen Gemächern der Herrscher – dem Pitti-Palast. Auch das Projekt des großen Meisters wurde nicht umgesetzt.

Die oben genannten Projektbeispiele sowie die durchgeführten Arbeiten deuten darauf hin, dass nach und nach eine neue Idee der Gesamtstadt heranreifte: ein Ganzes, in dem alle Teile miteinander verbunden sind. Der Stadtbegriff entwickelte sich parallel zur Entstehung der Idee eines Zentralstaates, einer Autokratie, die unter den neuen historischen Bedingungen eine sinnvolle Neuentwicklung der Städte ins Leben rufen könnte. In der Entwicklung der Stadtplanung kam die Besonderheit der Renaissancekultur deutlich zum Ausdruck, in der Kunst und Wissenschaft untrennbar miteinander verbunden waren, was den Realismus der Kunst der neuen Ära vorgab. Als eine der wichtigsten Formen sozialer Aktivität erforderte die Stadtplanung von den Architekten der Renaissance erhebliche wissenschaftliche, technische und spezifische künstlerische Kenntnisse. Die Neugestaltung der Städte war größtenteils mit der veränderten Kampftechnik, der Einführung von Schusswaffen und Artillerie verbunden, die den Wiederaufbau der Verteidigungsstrukturen fast aller mittelalterlichen Städte erzwang. Ein einfacher Mauergürtel, der meist dem Gelände folgte, wurde durch Mauern mit Bastionen ersetzt, die den sternförmigen Umfang der Stadtmauer bestimmten.

Städte dieser Art tauchen ab dem zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts auf und zeugen von der erfolgreichen Entwicklung des theoretischen Denkens.

Der Beitrag der Meister der italienischen Renaissance zur Theorie der Stadtplanung ist sehr bedeutsam. Trotz des unvermeidlichen Utopismus in der Formulierung dieser Probleme unter den damaligen Bedingungen wurden sie dennoch mit großem Mut und Vollständigkeit in allen Abhandlungen und theoretischen Dokumenten des 15. Jahrhunderts entwickelt, ganz zu schweigen von den urbanen Fantasien in der bildenden Kunst. Dies sind die Abhandlungen von Filarete, Alberti, Francesco di Giorgio Martini und sogar Polifilos fantastischer Roman Hypnerotomachia (veröffentlicht 1499) mit ihren Entwürfen einer idealen Stadt; ebenso die zahlreichen Notizen und Zeichnungen von Leonardo da Vinci.

Die Renaissance-Abhandlungen über Architektur und Stadtplanung gingen von der Notwendigkeit aus, den Bedürfnissen der städtischen Neuordnung gerecht zu werden, und stützten sich vor allem auf die wissenschaftlichen und technischen Errungenschaften und ästhetischen Ansichten ihrer Zeit sowie auf das Studium der neu entdeckten Werke antiker Denker Vitruv.

Vitruv betrachtete die Planung und Entwicklung von Städten im Hinblick auf Annehmlichkeiten, Gesundheit und Schönheit, was mit den neuen Ansichten der Renaissance übereinstimmte.

Die durchgeführten Rekonstruktionen und nicht realisierten Projekte der Stadtumgestaltung stimulierten auch die Entwicklung der Stadtplanungswissenschaft. Die Schwierigkeiten grundlegender Transformationen in den bereits etablierten Städten Italiens verliehen den städtischen Theorien jedoch einen utopischen Charakter.

Urbane Theorien und Projekte ideale Städte Die Renaissance kann in zwei Hauptphasen unterteilt werden: von 1450 bis 1550 (von Alberti bis Pietro Cataneo), als die Probleme der Stadtplanung sehr breit und umfassend betrachtet wurden, und von 1550 bis 1615 (von Bartolomeo Ammanati bis Vincenzo Scamozzi), als Fragen der Verteidigung und zugleich der Ästhetik begannen sich durchzusetzen.

In den Abhandlungen und Projekten der Städte wurde in der ersten Periode der Auswahl der Gebiete für den Standort der Städte und den Aufgaben ihrer allgemeinen Neuordnung große Aufmerksamkeit gewidmet: der Umsiedlung der Bewohner nach beruflichen und sozialen Gesichtspunkten, der Planung, Verbesserung und Entwicklung. Ebenso wichtig war in dieser Zeit die Lösung ästhetischer Probleme sowie die architektonische und räumliche Organisation sowohl der gesamten Stadt als Ganzes als auch ihrer Elemente. Allmählich, bis zum Ende des 15. Jahrhunderts, wurde den Fragen der allgemeinen Verteidigung und dem Bau von Befestigungsanlagen immer mehr Bedeutung beigemessen.

Vernünftige und überzeugende Urteile über die Standortwahl von Städten waren in der Praxis völlig unbrauchbar, da neue Städte selten an Orten errichtet wurden, die durch die wirtschaftliche Entwicklung oder Strategie vorgegeben waren.

Die Abhandlungen von Architekten und ihre Projekte drücken die neue Weltanschauung der Ära aus, in der sie geboren wurden, in der es vor allem darum geht, sich um eine Person zu kümmern, aber um eine auserwählte, edle und reiche Person. Die Klassenschichtung der Renaissance-Gesellschaft führte dementsprechend zur Entstehung einer Wissenschaft, die dem Nutzen der besitzenden Klasse diente. Für die Umsiedlung der „Adligen“ wurden die besten Gebiete der Idealstadt zugewiesen.

Das zweite Prinzip der Organisation des Stadtgebietes ist die berufsgruppenmäßige Ansiedlung der übrigen Bevölkerung, was auf einen erheblichen Einfluss mittelalterlicher Traditionen auf die Urteile der Architekten des 15. Jahrhunderts hinweist. Handwerker verwandter Berufe mussten in unmittelbarer Nähe zueinander wohnen, und ihr Wohnsitz richtete sich nach dem „Adel“ ihres Handwerks oder Berufs. Im zentralen Bereich nahe dem Hauptplatz konnten Kaufleute, Geldwechsler, Juweliere und Wucherer wohnen; Schiffbauer und Kabelarbeiter hatten das Recht, sich nur in den Außenbezirken der Stadt hinter der Ringstraße niederzulassen; In der Nähe der Eingangstore zur Stadt sollten Maurer, Schmiede, Sattler usw. errichtet werden. Handwerker, die für alle Bevölkerungsschichten notwendig waren, wie Friseure, Apotheker, Schneider, mussten gleichmäßig in der Stadt angesiedelt werden.

Das dritte Prinzip der Stadtorganisation war die Aufteilung des Territoriums in Wohn-, Industrie-, Gewerbe- und öffentliche Komplexe. Sie sorgten durch ihre sinnvolle Verbindung untereinander und manchmal auch durch ihre Kombination für eine möglichst umfassende Versorgung der Stadt als Ganzes und die Nutzung ihrer Wirtschafts- und Naturdaten. Dies ist das Projekt der idealen Stadt Filarete – „Sforzinda“.

Die Planung von Städten musste nach Ansicht der Stadtplanungstheoretiker unbedingt regelmäßig sein. Manchmal wählten die Autoren eine radial-zirkuläre (Filarete, F. di Giorgio Martini, Fra Giocondo, Antonio da Sangallo Jr., Francesco de Marchi, Abb. 13), manchmal eine orthogonale (Martini, Marchi, Abb. 14) und eine Zahl der von den Autoren vorgeschlagenen Projekte, die beide Systeme kombinieren (Peruzzi, Pietro Cataneo). Allerdings war die Wahl des Grundrisses in der Regel kein rein formaler, mechanischer Vorgang, da die meisten Autoren ihn in erster Linie durch natürliche Gegebenheiten bestimmten: Gelände, Vorhandensein von Gewässern, Fluss, vorherrschende Winde usw. (Abb. 15).

Normalerweise befand sich der öffentliche Hauptplatz im Zentrum der Stadt, zunächst mit dem Schloss, später mit dem Rathaus und der Kathedrale in der Mitte. Handels- und Religionsgebiete von Bezirksbedeutung in Radialstädten befanden sich an der Kreuzung von Radialstraßen mit einer der Ring- oder Umgehungsstraßen der Stadt (Abb. 16).

Nach Ansicht der Architekten, die diese Projekte erstellt haben, musste das Stadtgebiet landschaftlich gestaltet werden. Die Überfüllung und die unhygienischen Bedingungen mittelalterlicher Städte sowie die Ausbreitung von Epidemien, die Tausende von Bürgern töteten, ließen uns über die Neuordnung von Gebäuden, über die grundlegende Wasserversorgung und Sauberkeit in der Stadt und über ihre maximale Erholung, zumindest innerhalb der Stadtmauern, nachdenken. Die Autoren von Theorien und Projekten schlugen vor, die Gebäude zu entschärfen, die Straßen zu begradigen, Kanäle entlang der Hauptstraßen zu verlegen und empfahlen, die Straßen, Plätze und Böschungen auf jede erdenkliche Weise zu begrünen.

In der imaginären „Sforzinda“ von Filarete mussten die Straßen also ein Gefälle zum Stadtrand hin aufweisen, damit Regenwasser abfließen und mit Wasser aus dem Stausee im Stadtzentrum gespült werden konnte. Entlang der acht Hauptsternstraßen und rund um die Plätze wurden Fahrrinnen angelegt, die für Ruhe im zentralen Teil der Stadt sorgten, wo die Einfahrt von Radfahrzeugen verboten werden sollte. Die radialen Straßen mussten landschaftlich gestaltet werden, während die Hauptstraßen (25 m breit) von Galerien entlang der Kanäle eingerahmt wurden.

Die in seinen zahlreichen Skizzen zum Ausdruck gebrachten städtebaulichen Ideen Leonardo da Vincis sprechen von einer außergewöhnlich breiten und mutigen Herangehensweise an die Probleme der Stadt und weisen gleichzeitig auf konkrete technische Lösungen für diese Probleme hin. So legte er das Verhältnis der Höhe der Gebäude und der Lücken zwischen ihnen fest, um die beste Sonneneinstrahlung und Belüftung zu gewährleisten, und entwickelte Straßen mit Verkehr auf verschiedenen Ebenen (außerdem waren die oberen – von der Sonne beleuchteten und verkehrsfreien – für die Straßen bestimmt "reich").

Antonio da Sangallo der Jüngere schlug in seinem Projekt eine umlaufende Quartiersbebauung mit einem gut belüfteten, begrünten Innenraum vor. Hier wurden offenbar die von Leonardo da Vinci geäußerten Ideen zur Verbesserung und Verbesserung des Stadtgebiets entwickelt.

Skizzen von Häusern in der idealen Stadt Francesco de Marcha sind deutlich von früheren Epochen beeinflusst oder behalten vielmehr den aus dem Mittelalter übernommenen Charakter des Gebäudes bei, der in den Städten der Renaissance vorherrscht – schmal, mehrstöckige Häuser mit nach vorne verschobenen Obergeschossen (siehe Abb. 16).

Neben den aufgezeigten funktionalen und utilitaristischen Problemen spielten Architekten des 15. und frühen 16. Jahrhunderts eine bedeutende Rolle in den Projekten idealer Städte. beschäftigen sich auch mit ästhetischen Fragen der volumenräumlichen Organisation der Stadt. In den Abhandlungen kommen die Autoren immer wieder darauf zurück, dass die Stadt mit schönen Straßen, Plätzen und einzelnen Gebäuden geschmückt werden sollte.

Als Alberti von Häusern, Straßen und Plätzen sprach, erwähnte er immer wieder, dass diese sowohl in der Größe als auch im Erscheinungsbild aufeinander abgestimmt sein sollten. F. di Giorgio Martini schrieb, dass alle Teile der Stadt mit Bedacht organisiert sein sollten, dass sie in Beziehung zueinander stehen sollten, ähnlich wie Teile des menschlichen Körpers.

Die Straßen idealer Städte waren oft von Arkaden mit komplexen Bogengängen an ihren Kreuzungen eingerahmt, die nicht nur funktional waren (Schutz vor Regen und sengender Sonne), sondern auch sauber waren künstlerischer Wert. Dies belegen die Vorschläge von Alberti, das Projekt einer ovalen Stadt und des zentralen rechteckigen Stadtplatzes von F. de Marchi und anderen (siehe Abb. 14).

Ab dem Ende des 15. Jahrhunderts erlangte die Technik der zentrischen Städtekomposition (Fra Giocondo) nach und nach immer größere Bedeutung im Schaffen von Architekten, die an den Entwürfen idealer Städte arbeiteten. Die Idee der Stadt als ein einziger Organismus, der einem gemeinsamen Plan unterliegt, entstand im 16. Jahrhundert. dominiert die Theorie der Stadtplanung.

Ein Beispiel für eine solche Lösung ist die ideale Stadt Peruzzi, die von zwei Mauern umgeben und nach einem radialen Schema gebaut ist, mit einer eigenartig gestalteten Umgehungsstraße in Form eines Quadrats. Wehrtürme, die sich sowohl in den Ecken als auch in der Mitte der Komposition befinden, verstärken die Zentralität nicht nur des Hauptgebäudes, sondern der gesamten Stadt als Ganzes.

Das Bild der idealen Stadt von Antonio da Sangallo dem Jüngeren ähnelt mit seinen sternförmigen Mauern und radialen Straßen mit einer gemeinsamen ringförmigen Autobahn der Stadt Filarete. Allerdings ist der runde Platz mit einem runden Gebäude in der Mitte eine Weiterentwicklung der Ideen der Vorgänger von Antonio da Sangallo Jr. und führt sozusagen die Idee einer zentrischen Komposition in Bezug auf die Stadt fort. Dies war weder in der Radialstadt Filaret (das Zentrum ist ein Komplex aus asymmetrisch angeordneten rechteckigen Quadraten) noch in den Radial- und Serpentinenstädten von Francesco di Giorgio Martini der Fall.

Der letzte Vertreter der Renaissance-Theoretiker, der alle Fragen der Stadtplanung umfassend abdeckte, war Pietro Cataneo, berühmter Baumeister Befestigungsanlagen, ab 1554 begann er, seine Abhandlung über Architektur in Teilen zu veröffentlichen. Cataneo nennt fünf Grundbedingungen, die seiner Meinung nach bei der Gestaltung und dem Bau der Stadt berücksichtigt werden müssen: Klima, Fruchtbarkeit, Bequemlichkeit, Wachstum und die beste Verteidigung. Unter dem Gesichtspunkt der Verteidigung hält der Autor der Abhandlung polygonale Städte für am geeignetsten und argumentiert, dass die Form der Stadt eine Ableitung der Größe des von ihnen besetzten Territoriums sei (je kleiner die Stadt, desto einfacher ihre Konfiguration). ). Der Innenraum der Stadt Cataneo besteht jedoch unabhängig von seiner äußeren Konfiguration aus rechteckigen und quadratischen Wohnblöcken. Auch bei ihm dominiert der Gedanke der Autokratie: Für den Herrscher der Stadt sorgte Cataneo für die Schaffung einer ruhigen und gut geschützten Burg, sowohl vor inneren als auch äußeren Feinden.

Seit der Mitte des 16. Jahrhunderts. Fragen der Stadtplanung und idealer Städte waren nicht mehr Gegenstand spezieller Arbeiten, sondern wurden in Abhandlungen behandelt allgemeine Probleme die Architektur. In diesen Abhandlungen variieren bereits bekannte Methoden der Planung und volumetrischen Zusammensetzung. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die rein äußere Seite des Entwurfs des Projekts und die Zeichnung von Details werden fast zum Selbstzweck (Buonayuto Lorini, Vasari). Manchmal wurden nur einzelne Elemente der Stadt entwickelt, ohne deren Gesamtkonzept zu berücksichtigen (Ammanati). Die gleichen Tendenzen zeichnen sich bereits in der Mitte des 16. Jahrhunderts ab. und in der Praxis der Stadtplanung.

Palladios Abhandlung über die Architektur (1570) ist das letzte theoretische Werk des 15. Jahrhunderts, das viele interessante und tiefgreifende Urteile auch zur Stadtplanung enthält. Ebenso wie Alberti hinterließ Palladio kein Projekt einer idealen Stadt und äußerte in seiner Abhandlung lediglich Wünsche darüber, wie die Straßen geplant und bebaut werden sollten, wie die Plätze der Stadt aussehen sollten und welchen Eindruck ihre einzelnen Gebäude hatten und Ensembles machen sollten.

Die letzten Vertreter der italienischen Stadttheoretiker waren Vasari der Jüngere und Scamozzi.

Giorgio Vasari der Jüngere stellte bei der Erstellung seines Stadtprojekts (1598) ästhetische Aufgaben in den Vordergrund. In seinem Grundriss stechen die Prinzipien der Regelmäßigkeit und der strengen Symmetrie hervor (Abb. 17).

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts. (1615) Vincenzo Scamozzi wandte sich der Gestaltung idealer Städte zu. Es ist davon auszugehen, dass er bei der Gestaltung der Stadt im Gegensatz zu Vasari von Befestigungsüberlegungen ausging. Der Autor regelt in gewissem Umfang sowohl die Besiedlung der Stadt als auch ihre Handels- und Handwerksorganisation. Der Grundriss von Scamozzi ist jedoch immer noch mechanistisch und weder mit der Form des zwölfeckigen Grundrisses noch mit dem Schema der Verteidigungsanlagen organisch verbunden. Dies ist nur ein wunderschön gezeichneter Umriss des Masterplans. Das Verhältnis der Flächengrößen einzeln und im Vergleich zueinander wurde nicht ermittelt. Der Zeichnung fehlt die feine Proportionierung, die Vasari in seinem Projekt anstrebt. Die Plätze der Stadt Scamozzi sind zu groß, wodurch das gesamte Projekt an Maßstab verliert, wovor Palladio warnte und sagte, dass der Platz in der Stadt nicht zu geräumig sein dürfe. Es ist anzumerken, dass in der Stadt Sabbioneta, an deren Planung und Entwicklung Scamozzi im Auftrag von Gonzago aktiv beteiligt war, der Maßstab der Straßen und Plätze sehr überzeugend gewählt wurde. Scamozzi folgt der gleichen Methode der Gestaltung des zentralen Platzes, die von Lupicini und Lorini entworfen wurde. Er baut es nicht auf, sondern platziert die Hauptgebäude auf dem Territorium der an den Platz angrenzenden Viertel, so dass sie mit ihren Hauptfassaden dem Platz zugewandt sind. Eine solche Technik ist typisch für die Renaissance und wird von Stadttheoretikern und in den Plänen idealer Städte legitimiert.

In der Zeit des allgemeinen wirtschaftlichen Niedergangs und der sozialen Krise Mitte des 16. Jahrhunderts. Zweitrangige Themen beginnen in der Stadtplanungstheorie vorherrschend zu werden. Eine umfassende Betrachtung der Probleme der Stadt gerät nach und nach aus dem Blickfeld der Meister. Sie lösten bestimmte Probleme: die Zusammensetzung der Randgebiete (Ammanati), neues System Entwicklung des Zentrums (Lupicini, Lorini), sorgfältige Entwicklung des Entwurfs von Verteidigungsanlagen und des Gesamtplans (Maggi, Lorini, Vasari) usw. Allmählich, mit dem Verlust eines breiten Ansatzes für die Entwicklung funktionaler und künstlerischer Aufgaben in In der städtischen Wissenschaft und Praxis zeichnet sich auch ein beruflicher Niedergang ab, der sich in ästhetischem Formalismus und der Willkür mancher Planungsentscheidungen äußert.

Die theoretischen Lehren der Renaissance zur Stadtplanung hatten trotz ihres utopischen Charakters dennoch einen gewissen Einfluss auf die Praxis der Stadtplanung. Dies machte sich besonders beim Bau von Befestigungsanlagen in kleinen Hafen- und Grenzstädten-Festungen bemerkbar, die in Italien im 16. und sogar im 17. Jahrhundert errichtet wurden. innerhalb kürzester Zeit.

Am Bau dieser Festungen waren fast alle bedeutendsten Architekten dieser Zeit beteiligt: ​​Giuliano und Antonio da Sangallo der Ältere, Sanmicheli, Michelangelo und viele andere. Unter den vielen Festungen, die Antonio da Sangallo der Jüngere errichtete, ist die zwischen 1534 und 1546 erbaute Stadt Castro am Bolsenasee hervorzuheben. im Auftrag von Papst Paul III. (Alessandro Farnese). Sangallo entwarf und realisierte die gesamte Stadt, wobei er insbesondere die Paläste des Papstes und seines Gefolges, öffentliche Gebäude mit großzügigen Galerien, eine Kirche und eine Münzstätte hervorhob und platzierte. Auch im Übrigen gelang es ihm laut Vasari, ausreichende Annehmlichkeiten zu schaffen. Castro wurde 1649 zerstört und ist hauptsächlich aus den Skizzen des Meisters bekannt.

Der zentrische Aufbau idealer Städte wurde von Architekten nicht ignoriert, die große architektonische Komplexe schufen, in denen die Residenz des Feudalherrn dominieren sollte. So wurde die Stadt Caprarola tatsächlich von Vignola gegründet – nur die Annäherung an den Farnese-Palast. Enge Gassen, niedrige Häuser, kleine Kirchen – wie am Fuße des prächtigen Schlosses Farnese. Die Enge und Bescheidenheit der Stadt unterstreicht die Erhabenheit und Monumentalität des Palastes. Dieses logisch einfache Schema drückt mit größter Klarheit die Absicht des Autors aus, der es geschafft hat, das Haupt- und das Nebengebäude in der in der Architektur der Renaissance so üblichen Kontrastkombination darzustellen.

Fast gleichzeitig errichteten die Italiener auf Malta, das seit 1530 zum Malteserorden gehörte, die befestigte Stadt La Valletta, die zu Ehren des Sieges über die Türken (1566) gegründet wurde. Die Stadt wurde auf einem Kap gegründet, das von tief in das Inselgebiet eingeschnittenen Buchten umspült und durch Festungen geschützt wurde, die die Hafeneingänge umrahmten. Aus verteidigungstechnischer Sicht wurde das Stadtgebiet in höchstem Maße sinnvoll ausgewählt. Der Befestigungsgürtel bestand aus mächtigen Mauern und hohen Bastionen, umgeben von tiefen, in den Felsen gehauenen Wassergräben, auf denen die Stadt ruhte. In den Verteidigungsanlagen wurden Ausgänge direkt zum Meer eingerichtet und im nordöstlichen Teil ein künstlicher Innenhafen angelegt, der von einem Ring aus Stadtmauern umgeben ist. Der ursprünglich geplante rechteckige Grundriss wurde nicht vollständig umgesetzt, da die Stadt ein felsiges Fundament hatte, was es schwierig machte, die Straßen zu verfolgen und die Häuser selbst zu bauen (Abb. 18).

Von Nordosten nach Südwesten wurde die Stadt von der Hauptlängsstraße durchzogen, die vom Haupttor auf dem Festland bis zum Platz vor der Zitadelle von Valletta führte. Parallel zu dieser Hauptstraße wurden auf beiden Seiten symmetrisch drei weitere Längsstraßen angelegt, die von senkrecht zu den Hauptstraßen verlaufenden Querstraßen gekreuzt wurden; Sie waren nicht begehbar, da es sich um in den Fels gehauene Treppen handelte. Die Anordnung der Straßen war so gestaltet, dass man von den Längsstraßen aus von jeder Kreuzung entlang der vier sich rechtwinklig kreuzenden Straßen das Erscheinungsbild des Feindes beobachten konnte, also eines der Grundprinzipien, die der Gestaltung des Ideals zugrunde liegen Städte wurde hier voll beachtet, insbesondere von Alberti zum Ausdruck gebracht.

Die geometrische Starrheit des Plans wurde durch die komplexe Form der Verteidigungsstrukturen und die Platzierung einer Reihe kleiner Blöcke gemildert, deren Größe aufgrund der Komplexität des Küstenreliefs vom freien Raum in den Randgebieten der Stadt abhing und die Lage der Stadtmauern. Valletta wurde fast gleichzeitig mit sehr ähnlichen Wohngebäuden gleicher Höhe und einer geringen Anzahl von Fenstern in Form von Schießscharten bebaut. Das Gebäude erstreckte sich entlang des Viertels und der Rest des Territoriums der Wohnblöcke wurde landschaftlich gestaltet. Eckhäuser hatten notwendigerweise Wohntürme, die mit Verteidigungsplattformen ausgestattet waren, wo ein Vorrat an Steinen und anderen Mitteln zum Schutz vor dem Einbruch des Feindes in die Stadt gelagert wurde.

Tatsächlich war Valletta eine der ersten, fast vollständig verwirklichten Idealstädte der Renaissance. Sein allgemeines Erscheinungsbild weist darauf hin, dass die spezifischen natürlichen Bedingungen, die Ziele einer bestimmten Strategie, die bequeme Kommunikation mit Häfen und viele andere direkt vom Leben diktierte Bedingungen es notwendig machten, eine Stadt nicht in Form eines abstrakten Schemas mit einem bizarren Muster zu errichten von Plätzen und Kreuzungen, sondern in Form eines rationalen, wirtschaftlichen Schemas, das sich deutlich an die Anforderungen der Realität im Bauprozess anpasst.

Im Jahr 1564 baute Bernardo Buontalenti an der Nordgrenze der Romagna (in der Nähe von Forlì) die befestigte Stadt Terra del Sole, ein Beispiel für die Verwirklichung einer idealen Renaissancestadt mit regelmäßigem Grundriss. Die Umrisse der Befestigungsanlagen, der Plan der Stadt selbst und die Lage des Zentrums ähneln den Zeichnungen von Cataneo (Abb. 19).

Bernardo Buontalenti war einer der bedeutendsten Stadtplaner und Festungsbauer seiner Zeit, dem es gelang, das Problem des Baus einer befestigten Stadt umfassend zu lösen. Sein umfassender Blick auf die Stadt als einen einheitlichen Organismus wird auch durch seine Arbeit in Livorno bestätigt.

Die sternförmige Form der Festung, die Umgehungskanäle, der orthogonale Grundriss, die axiale Konstruktion des Hauptplatzes, eingerahmt von Galerien und die Schwelle der Kathedrale – all dies weist darauf hin, dass Livorno die Verwirklichung der idealen Stadt ist Renaissance. Lediglich das Vorhandensein einer gewundenen Küstenlinie und die Gestaltung des Hafens verstoßen etwas gegen die geometrische Richtigkeit des idealen Schemas (Abb. 20, 21).

Abb.22. Links - Palma Nuova, 1595; rechts - Grammikele (Luftaufnahmen)

Eine der letzten in der Natur verwirklichten Idealstädte der Renaissance ist die nordöstliche venezianische Festungsstadt Palma Nuova. Der Autor des Projekts ist unbekannt (vermutlich Lorini oder Scamozzi). Laut Merian, einem deutschen Geographen aus dem 17. Jahrhundert, wurde Palma Nuova 1593 von den Venezianern gegründet und 1595 fertiggestellt.

Der Gesamtplan der Stadt, umgeben von mächtigen Verteidigungsanlagen, ist ein radiales Diagramm der idealen Städte der Renaissance (Abb. 22) und kommt der Zeichnung zufolge dem Lorini-Projekt von 1592 am nächsten.

Der Grundriss von Palma Nuova sieht ein Neun-Ecken-Gebiet mit achtzehn radialen Straßen vor, die zu einer Ringstraße führen, die sich ganz in der Nähe des Zentrums befindet. Sechs davon sind dem sechseckigen Hauptquadrat zugewandt. Das Können des Autors des Projekts zeigt sich in der Anordnung der Straßen, wodurch die Kombination des Sechsecks des Außenumfangs der Mauern und des Sechsecks des zentralen Platzes der Stadt völlig organisch wirkt.

Vor jeder Bastion und jedem Eingangstor wurden zwölf Plätze angelegt, und an der Kreuzung der dritten Ringautobahn mit radialen Straßen, die nicht zum zentralen Platz führten, wurden sechs zusätzliche bezirksinterne Plätze angelegt.

Wenn die Nachzeichnung der Straßen von Palma Nuova fast genau nach dem Projekt durchgeführt wurde, dann wurden die Verteidigungsanlagen viel mächtiger errichtet als vorgesehen. Die Entwicklung der Stadt ist nicht ganz regelmäßig und sehr vielfältig, was jedoch nicht gegen die innere Ordnung von Palma Nuova verstößt.

Die Zentralität der Komposition wird durch einfachste Mittel betont: Der sechseckige Platz ist begrünt und hatte in der Mitte anstelle des unbebauten Hauptgebäudes einen Fahnenmast, an dem sich die Achsen aller dem Platz zugewandten radialen Straßen orientierten.

Unter dem Einfluss städtebaulicher Theorien der Renaissance entstand der Grundriss von Grammikele auf Sizilien, der 1693 in Form eines Sechsecks angelegt wurde (Abb. 22).

Im Allgemeinen zeigt die Geschichte der italienischen Stadtplanung des 15.-16. Jahrhunderts, die uns eine Reihe architektonischer Ensembles von Weltrang und viele kleinere Komplexe und städtische Zentren voller einzigartiger Reize hinterlassen hat, immer noch ein eher gemischtes Bild.

Bis zur zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, als die Städte noch eine gewisse Unabhängigkeit genossen, waren die Traditionen des Mittelalters in der Stadtplanung stark vertreten, obwohl die Architekten versuchten, den bestehenden Städten ein neues, meist regelmäßigeres Aussehen zu verleihen.

Aus der Mitte des 15. Jahrhunderts. Neben dem öffentlichen Kunden in der Person der Stadt wird der einzelne Kunde, der über die Mittel, die Macht, den individuellen Geschmack und die Bedürfnisse verfügt, immer wichtiger. Der Testamentsvollstrecker war keine Werkstatt mehr, sondern ein Architekt. Mehr noch als der Kunde hatte er eine eigene Individualität, ein besonderes Talent, ein bestimmtes kreatives Credo und bedeutende Kräfte des Kunden. Daher sind die Städte Italiens dieser Zeit trotz größerer wirtschaftlicher, sozialer und kultureller Einheit als im Mittelalter sehr individuell und unterschiedlich.

Aus dem zweiten Viertel des 16. Jahrhunderts. Mit der Entwicklung zentralisierter Staaten, mit der Straffung des Autokratiegedankens werden die Anforderungen an die Stadt als ganzheitlichen Organismus immer klarer umrissen.

Während dieser ganzen Zeit entwickelte sich parallel zur praktischen Tätigkeit von Architekten, die nur im Auftrag von Senioren bauten, die Wissenschaft der Stadtplanung, die in der Regel in Abhandlungen über ideale Städte, ihre Befestigungen und die Schönheit ihrer Zusammensetzung zum Ausdruck kam und zu vielen anderen verwandten Themen. Diese Ideen wurden jedoch nicht immer in die Realität umgesetzt, so dass sich die Stadtplanung praktisch in zwei Richtungen entwickelte: den Bau einer Reihe großer Ensembles in bestehenden Städten und den Bau von Festungsstädten in den am stärksten gefährdeten Gebieten einzelner Staaten und Herzogtümer Italiens.

Von Beginn der Renaissance an wurde jedes Element der Stadt und des Ensembles komplex durchdacht, nicht nur von der funktionalen, sondern auch von der künstlerischen Seite.

Einfachheit und Klarheit der räumlichen Organisation – rechteckige Quadrate, oft mit mehreren Verhältnissen, eingerahmt von Galerien (Carpi, Vigevano, Florenz – Piazza Santissima Annunziata); logische Auswahl der Hauptsache, wenn alle Gebäude des Ensembles, ohne ihre Individualität zu verlieren, eine integrale Komposition bildeten (Pienza, Bologna, Venedig); proportionale und großräumige Einheitlichkeit der Strukturen und der sie umgebenden Räume, die die Bedeutung einer bestimmten Struktur hervorheben (Inszenierung der Kathedrale in Pienza, eines trapezförmigen Platzes vor der Kathedrale in Venedig); Teilung und Kombination einzelner Räume, die miteinander verbunden und einander untergeordnet sind (die zentralen Plätze von Bologna, Piazza della Signoria in Florenz, Piazzetta, Piazza San Marco in Venedig); die weit verbreitete Verwendung von Brunnen, Skulpturen und kleinen Formen (Säulen auf der Piazzetta, Masten vor der Kathedrale und das Denkmal für Colleoni in Venedig, das Denkmal für Gattamelate in Padua, der Neptunbrunnen in Bologna, das Denkmal für Marcus Aurelius). das Kapitol in Rom) - das sind die wichtigsten Kompositionsmethoden des architektonischen Ensembles, die während der Renaissance in Italien weit verbreitet waren. Und obwohl das Leben einen radikalen Zusammenbruch und eine Umstrukturierung bestehender Städte nicht zuließ, erhielten die zentralen Ensembles vieler von ihnen ein neues, wahrhaft Renaissance-Gesicht.

Nach und nach strebten die Meister der Renaissance nach Einheitlichkeit bei der Entwicklung ganzer Komplexe (Florenz, Vigevano, Carpi, Venedig, Rom) und gingen noch weiter, indem sie die architektonische und räumliche Komposition verkomplizierten und die komplexen Probleme der Einbeziehung neuer repräsentativer Ensembles lösten der Bau der Stadt (Kapitol, Petersdom).

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Es entstand ein neues Verständnis des Ensembles: Es entsteht um eine Struktur herum, in der Regel mit symmetrischem Aufbau. Die Einfachheit und Klarheit der alten Kompositionen werden nach und nach durch ausgefeilte Methoden der architektonischen und räumlichen Organisation ersetzt. Der Platz wird zunehmend als offenes Vestibül, als untergeordneter Raum interpretiert, der sich vor den repräsentativen Gebäuden des feudalen Adels oder der Kirche öffnet. Schließlich besteht der Wunsch, die Bewegung des Betrachters zu berücksichtigen und dementsprechend neue Elemente der dynamischen Entwicklung in das Ensemble (Kapitol in Rom) einzuführen – eine Technik, die bereits in der nächsten Ära entwickelt wurde.

Auch in den Stadttheorien der Architekten der Renaissance finden Veränderungen statt. Ob im 15. und in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Diese Theorien erfassten das Problem der Stadt umfassend, damals in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die Autoren konzentrieren sich in erster Linie auf einzelne Fragestellungen, ohne jedoch die Idee der Stadt als einen einzigen Organismus zu verlieren.

Wir sehen, dass die Renaissance nicht nur der Entwicklung städtebaulicher Ideen, sondern auch dem praktischen Bau bequemerer und gesünderer Städte Impulse gab und Städte auf eine neue Existenzperiode, auf eine Periode der kapitalistischen Entwicklung, vorbereitete. Doch die kurze Dauer dieser Ära, der rasche wirtschaftliche Niedergang und die Verschärfung der feudalen Reaktion, die Errichtung eines monarchischen Regimes in einer Reihe von Gebieten und ausländische Eroberungen unterbrachen diese Entwicklung.

Kapitel „Ergebnisse der Entwicklung der italienischen Architektur im 15.-16. Jahrhundert“, Abschnitt „Renaissance-Architektur in Italien“, Enzyklopädie „Allgemeine Architekturgeschichte“. Band V. Architektur Westeuropas XV-XVI Jahrhundert. Renaissance". Chefredakteur: V.F. Marcuson. Autoren: V.F. Markuzon (Ergebnisse der Architekturentwicklung), T.N. Kozina (Stadtplanung, ideale Städte), A.I. Opochinskaya (Villen und Gärten). Moskau, Stroyizdat, 1967

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts kam es in Italien zu großen Veränderungen im Leben und in der Kultur. Seit dem 12. Jahrhundert führen die Bürger, Kaufleute und Handwerker Italiens einen heldenhaften Kampf gegen die feudale Abhängigkeit. Durch die Entwicklung von Handel und Produktion wurden die Städter nach und nach reicher, entledigten sich der Macht der Feudalherren und organisierten freie Stadtstaaten. Diese freien italienischen Städte wurden sehr mächtig. Ihre Bürger waren stolz auf ihre Eroberungen. Der enorme Reichtum der unabhängigen italienischen Städte ließ sie aufblühen. Die italienische Bourgeoisie betrachtete die Welt mit anderen Augen, sie glaubte fest an sich selbst, an ihre eigene Stärke. Der Wunsch nach Leiden, Demut, die Ablehnung aller irdischen Freuden, die ihnen bisher gepredigt wurden, waren ihnen fremd. Der Respekt vor dem irdischen Menschen, der die Freuden des Lebens genießt, wuchs. Die Menschen begannen, eine aktive Lebenseinstellung einzunehmen, eifrig die Welt zu erkunden und ihre Schönheit zu bewundern. In dieser Zeit entstehen verschiedene Wissenschaften und die Kunst entwickelt sich.

In Italien sind viele Denkmäler der Kunst des antiken Roms erhalten geblieben, so dass die Antike erneut als Vorbild verehrt wurde und antike Kunst zum Gegenstand der Bewunderung wurde. Nachahmung der Antike und gab Anlass, diese Epoche in der Kunst zu nennen - Wiedergeburt was auf Französisch bedeutet "Renaissance". Natürlich handelte es sich hierbei nicht um eine blinde, exakte Wiederholung antiker Kunst, es handelte sich bereits um neue Kunst, die jedoch auf antiken Vorbildern basierte. Die italienische Renaissance ist in drei Phasen unterteilt: VIII. - XIV. Jahrhundert - Vorrenaissance (Proto-Renaissance oder Trecento).- damit.); XV Jahrhundert - Frührenaissance (Quattrocento); Ende des 15. – Anfang des 16. Jahrhunderts – Hochrenaissance.

In ganz Italien wurden archäologische Ausgrabungen auf der Suche nach antiken Denkmälern durchgeführt. Die neu entdeckten Statuen, Münzen, Gebrauchsgegenstände und Waffen wurden sorgfältig konserviert und in eigens dafür geschaffenen Museen gesammelt. Künstler studierten diese antiken Muster und zeichneten sie aus dem Leben.

Trecento (Vorrenaissance)

Mit dem Namen ist der wahre Beginn der Renaissance verbunden Giotto di Bondone (1266? - 1337). Er gilt als Begründer der Renaissance-Malerei. Der Florentiner Giotto hat große Beiträge zur Kunstgeschichte geleistet. Er war ein Erneuerer, der Urvater der gesamten europäischen Malerei nach dem Mittelalter. Giotto hauchte den Szenen des Evangeliums Leben ein, schuf Bilder von echten Menschen, vergeistigt, aber irdisch.

Giotto schafft erstmals Volumen mit Hilfe von Hell-Dunkel. Er mag klare, helle Farben in kalten Farbtönen: Rosa, Perlgrau, blasses Lila und helles Flieder. Die Menschen auf den Fresken von Giotto sind stämmig und mit kräftigem Schritt. Sie haben große Gesichtszüge, breite Wangenknochen und schmale Augen. Sein Mann ist freundlich, rücksichtsvoll, ernst.

Von den Werken Giottos sind die Fresken in den Tempeln von Padua am besten erhalten. Er stellte die Evangeliengeschichten hier als existent, irdisch, real dar. In diesen Werken erzählt er von den Problemen, die die Menschen zu jeder Zeit beschäftigen: von Freundlichkeit und gegenseitigem Verständnis, Betrug und Verrat, von Tiefe, Trauer, Sanftmut, Demut und ewiger, alles verzehrender Mutterliebe.

Anstelle disparater Einzelfiguren wie in der mittelalterlichen Malerei gelang es Giotto, eine zusammenhängende Geschichte zu schaffen, eine ganze Erzählung über das komplexe Innenleben der Charaktere. Anstelle eines herkömmlichen goldenen Hintergrunds Byzantinische Mosaike Giotto führt einen Landschaftshintergrund ein. Und wenn in der byzantinischen Malerei die Figuren sozusagen schwebten, im Raum hingen, dann fanden die Helden von Giottos Fresken festen Boden unter ihren Füßen. Giottos Suche nach Raumübertragung, Plastizität der Figuren, Ausdruckskraft der Bewegung machte seine Kunst zu einer ganzen Etappe der Renaissance.

Ein von berühmte Meister vor der Wiederbelebung -

Simone Martini (1284 - 1344).

In seinem Gemälde blieben die Merkmale der Nordgotik erhalten: Martinis Figuren sind länglich und in der Regel auf goldenem Grund. Aber Martini schafft Bilder mit Hilfe von Hell-Dunkel, verleiht ihnen eine natürliche Bewegung, versucht einen bestimmten psychologischen Zustand zu vermitteln.

Quattrocento (Frührenaissance)

Die Antike spielte eine große Rolle bei der Entstehung der säkularen Kultur der Frührenaissance. In Florenz wird die Platonische Akademie eröffnet, die Laurentianische Bibliothek enthält die reichste Sammlung antiker Manuskripte. Der erste Kunstmuseen gefüllt mit Statuen, Fragmenten antiker Architektur, Marmor, Münzen und Keramik. In der Renaissance stachen die wichtigsten Zentren des künstlerischen Lebens Italiens hervor – Florenz, Rom, Venedig.

Eines der größten Zentren und Geburtsort einer neuen, realistischen Kunst war Florenz. Im 15. Jahrhundert lebten, studierten und arbeiteten hier viele berühmte Meister der Renaissance.

Architektur der Frührenaissance

Die Einwohner von Florenz verfügten über eine hohe künstlerische Kultur, beteiligten sich aktiv an der Schaffung von Stadtdenkmälern und diskutierten Möglichkeiten für den Bau schöner Gebäude. Architekten verzichteten auf alles, was der Gotik ähnelte. Unter dem Einfluss der Antike galten mit einer Kuppel gekrönte Gebäude als die vollkommensten. Vorbild war hier das römische Pantheon.

Florenz ist eine der schönsten Städte der Welt, eine Museumsstadt. Die Architektur aus der Antike ist nahezu vollständig erhalten geblieben, die schönsten Gebäude wurden überwiegend in der Renaissance erbaut. Über den roten Ziegeldächern der antiken Gebäude von Florenz erhebt sich das riesige Gebäude der Kathedrale der Stadt Santa Maria del Fiore, die oft einfach als Kathedrale von Florenz bezeichnet wird. Seine Höhe erreicht 107 Meter. Eine prächtige Kuppel, deren Harmonie durch weiße Steinrippen betont wird, krönt die Kathedrale. Die Kuppel ist von beeindruckender Größe (ihr Durchmesser beträgt 43 m) und krönt das gesamte Panorama der Stadt. Die Kathedrale ist von fast jeder Straße in Florenz aus sichtbar und ragt deutlich in den Himmel. Dieses prächtige Bauwerk wurde vom Architekten erbaut

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Der prächtigste und berühmteste Kuppelbau der Renaissance war Petersdom in Rom. Es wurde über 100 Jahre gebaut. Die Schöpfer des ursprünglichen Projekts waren Architekten Bramante und Michelangelo.

Renaissancegebäude sind mit Säulen, Pilastern, Löwenköpfen usw. geschmückt „Putten“(nackte Babys), Gipskränze aus Blumen und Früchten, Blättern und vielen Details, von denen Proben in den Ruinen antiker römischer Gebäude gefunden wurden. Zurück in Mode Halbkreisbogen. Wohlhabende Menschen begannen, schönere und komfortablere Häuser zu bauen. Statt eng aneinander gedrängt wirkten die Häuser luxuriös Paläste - Palazzo.

Skulptur der Frührenaissance

Im 15. Jahrhundert arbeiteten zwei berühmte Bildhauer in Florenz - Donatello und Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- einer der ersten Bildhauer Italiens, der die Erfahrungen der antiken Kunst nutzte. Er schuf eines der schönsten Werke der Frührenaissance, die Davidstatue.

Entsprechend biblische Legende Als einfacher Hirte besiegte der junge Mann David den Riesen Goliath und rettete dadurch die Bewohner Judäas vor der Versklavung und wurde später König. David war eines der Lieblingsbilder der Renaissance. Er wird vom Bildhauer nicht als bescheidener Heiliger aus der Bibel dargestellt, sondern als junger Held, Sieger, Verteidiger seiner Heimatstadt. In seiner Skulptur besingt Donatello den Menschen als das Ideal einer schönen Heldenpersönlichkeit, die in der Renaissance entstand. David wird mit dem Lorbeerkranz des Siegers gekrönt. Donatello scheute sich nicht, ein Detail wie einen Hirtenhut einzuführen – ein Zeichen seiner einfachen Herkunft. Im Mittelalter verbot die Kirche die Darstellung eines nackten Körpers, da sie ihn als Gefäß des Bösen betrachtete. Donatello war der erste Meister, der mutig gegen dieses Verbot verstieß. Er behauptet damit, dass der menschliche Körper schön ist. Die Davidstatue ist die erste runde Skulptur dieser Zeit.

Eine weitere schöne Skulptur von Donatello ist ebenfalls bekannt – eine Kriegerstatue , Kommandant von Gattamelata. Es war das erste Reiterdenkmal der Renaissance. Dieses vor 500 Jahren errichtete Denkmal steht noch immer auf einem hohen Sockel und schmückt den Platz der Stadt Padua. Zum ersten Mal wurde in der Skulptur kein Gott, kein Heiliger, kein edler und reicher Mann verewigt, sondern ein edler, tapferer und beeindruckender Krieger mit einer großen Seele, der für große Taten Ruhm verdiente. In einer antiken Rüstung sitzt Gattemelata (das ist sein Spitzname, der „gefleckte Katze“ bedeutet) in ruhiger, majestätischer Pose auf einem mächtigen Pferd. Die Gesichtszüge des Kriegers unterstreichen einen entschlossenen, festen Charakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Der berühmteste Schüler Donatellos, der das berühmte Reiterdenkmal für den Condottiere Colleoni schuf, das in Venedig auf dem Platz in der Nähe der Kirche San Giovanni aufgestellt wurde. Das Hauptaugenmerk des Denkmals liegt auf der gemeinsamen energischen Bewegung von Pferd und Reiter. Das Pferd saust sozusagen über den Marmorsockel hinaus, auf dem das Denkmal errichtet ist. Colleoni, in den Steigbügeln stehend, blickt ausgestreckt mit erhobenem Kopf in die Ferne. Eine Grimasse aus Wut und Anspannung erstarrte auf seinem Gesicht. In seiner Körperhaltung spürt man einen gewaltigen Willen, sein Gesicht gleicht einem Raubvogel. Das Bild ist erfüllt von unzerstörbarer Kraft, Energie und strenger Autorität.

Malerei der Frührenaissance

Die Renaissance erneuerte auch die Kunst der Malerei. Maler haben gelernt, Raum, Licht und Schatten, natürliche Posen und verschiedene menschliche Gefühle richtig zu vermitteln. Die Zeit der Anhäufung dieser Kenntnisse und Fähigkeiten war die Frührenaissance. Die Gemälde dieser Zeit sind von Licht und Hochstimmung durchdrungen. Der Hintergrund ist oft in hellen Farben gemalt, während Gebäude und Naturmotive mit scharfen Linien umrissen werden, es dominieren reine Farben. Mit naiver Sorgfalt werden alle Details des Geschehens dargestellt, die Figuren sind meist aneinandergereiht und durch klare Konturen vom Hintergrund abgegrenzt.

Die Malerei der Frührenaissance strebte nur nach Perfektion, berührt aber dank ihrer Aufrichtigkeit die Seele des Betrachters.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, bekannt unter diesem Namen Masaccio (1401 - 1428)

Er gilt als Anhänger Giottos und als erster Meister der Malerei der Frührenaissance. Masaccio lebte nur 28 Jahre, aber in einem so kurzen Leben hinterließ er Spuren in der Kunst, die kaum zu überschätzen sind. Es gelang ihm, die von Giotto begonnenen revolutionären Veränderungen in der Malerei zu vollenden. Seine Malerei zeichnet sich durch eine dunkle und tiefe Farbe aus. Die Menschen in den Fresken von Masaccio sind viel dichter und kraftvoller als in den Gemälden der Gotik.

Masaccio war der erste, der Objekte im Raum unter Berücksichtigung der Perspektive richtig anordnete; er begann, Menschen nach den Gesetzen der Anatomie darzustellen.

Er verstand es, Figuren und Landschaft in einer einzigen Handlung zu verbinden, das Leben der Natur und der Menschen auf dramatische und zugleich ganz natürliche Weise darzustellen – und darin liegt das große Verdienst des Malers.

Dies ist eine der wenigen Staffeleiarbeiten, die Masaccio 1426 für die Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Pisa in Auftrag gab.

Die Madonna sitzt auf einem Thron, der streng nach den Gesetzen von Giottos Perspektive gebaut ist. Ihre Figur ist mit souveränen und klaren Strichen gezeichnet, wodurch der Eindruck eines skulpturalen Volumens entsteht. Ihr Gesicht ist ruhig und traurig, ihr distanzierter Blick ist nirgendwohin gerichtet. In einen dunkelblauen Mantel gehüllt, hält die Jungfrau Maria das Kind auf ihren Armen, dessen goldene Gestalt sich deutlich vom dunklen Hintergrund abhebt. Die tiefen Falten des Umhangs ermöglichen dem Künstler ein Spiel mit Hell-Dunkel, was auch einen besonderen visuellen Effekt erzeugt. Das Baby isst schwarze Weintrauben – ein Symbol der Gemeinschaft. Tadellos gezeichnete Engel (der Künstler kannte die menschliche Anatomie perfekt) rund um die Madonna verleihen dem Bild einen zusätzlichen emotionalen Klang.

Die einzige von Masaccio bemalte Schärpe für ein doppelseitiges Triptychon. Nach dem frühen Tod des Malers wurde der Rest des von Papst Martin V. für die Kirche Santa Maria in Rom in Auftrag gegebenen Werks vom Künstler Masolino fertiggestellt. Dargestellt sind zwei streng, monumental ausgeführte, ganz in Rot gekleidete Heiligenfiguren. Hieronymus hält ein offenes Buch und ein Modell der Basilika, zu seinen Füßen liegt ein Löwe. Johannes der Täufer wird in seiner üblichen Form dargestellt: Er ist barfuß und hält ein Kreuz in der Hand. Beide Figuren bestechen durch anatomische Präzision und ein fast skulpturales Volumengefühl.

Das Interesse an einem Menschen und die Bewunderung für seine Schönheit waren in der Renaissance so groß, dass dies zur Entstehung einer neuen Gattung in der Malerei führte – der Gattung des Porträts.

Pinturicchio (Variante von Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Ein gebürtiger Einwohner von Perugia in Italien. Eine Zeit lang malte er Miniaturen und half Pietro Perugino, die Sixtinische Kapelle in Rom mit Fresken zu schmücken. Sammelte Erfahrung in der komplexesten Form der dekorativen und monumentalen Wandmalerei. Einige Jahre später wurde Pinturicchio ein unabhängiger Wandmaler. Er arbeitete an Fresken in den Borgia-Apartments im Vatikan. Er fertigte Wandgemälde in der Bibliothek des Doms in Siena an.

Der Künstler vermittelt nicht nur eine Porträtähnlichkeit, sondern versucht auch, den inneren Zustand einer Person zu offenbaren. Vor uns steht ein Teenager, gekleidet in ein strenges rosafarbenes Stadtkleid, mit einer kleinen blauen Mütze auf dem Kopf. Braunes Haar fällt bis zu den Schultern und umrahmt ein zartes Gesicht, der aufmerksame Blick der braunen Augen ist nachdenklich, ein wenig ängstlich. Hinter dem Jungen liegt eine umbrische Landschaft mit dünnen Bäumen, einem silbernen Fluss und einem Himmel, der sich am Horizont rosa färbt. Die frühlingshafte Zärtlichkeit der Natur als Echo des Charakters des Helden steht im Einklang mit der Poesie und dem Charme des Helden.

Das Bild des Jungen ist im Vordergrund dargestellt, groß und nimmt fast die gesamte Bildfläche ein, und die Landschaft ist im Hintergrund gemalt und sehr klein. Dadurch entsteht der Eindruck von der Bedeutung des Menschen, seiner Dominanz über die umgebende Natur und der Behauptung, der Mensch sei die schönste Schöpfung der Erde.

Hier wird die feierliche Abreise von Kardinal Kapranik in das Basler Münster dargestellt, die fast 18 Jahre dauerte, von 1431 bis 1449, zunächst in Basel, dann in Lausanne. Auch der junge Piccolomini befand sich im Gefolge des Kardinals. In einem eleganten Rahmen eines Halbkreisbogens wird eine Gruppe Reiter präsentiert, begleitet von Pagen und Dienern. Das Ereignis ist nicht so real und zuverlässig, sondern ritterlich raffiniert, fast fantastisch. Im Vordergrund blickt ein schöner Reiter auf einem weißen Pferd in luxuriösem Kleid und Hut den Betrachter an – das ist Aeneas Silvio. Mit Freude malt der Künstler reiche Kleidung, schöne Pferde in Samtdecken. Die gestreckten Proportionen der Figuren, die leicht manierierten Bewegungen und die leichten Neigungen des Kopfes kommen dem Hofideal nahe. Das Leben von Papst Pius II. war voller glanzvoller Ereignisse, und Pinturicchio sprach über die Treffen des Papstes mit dem König von Schottland und Kaiser Friedrich III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Es gab Legenden über Lippis Leben. Er selbst war Mönch, verließ aber das Kloster, wurde Wanderkünstler, entführte eine Nonne aus dem Kloster und starb vergiftet durch die Verwandten einer jungen Frau, in die er sich im fortgeschrittenen Alter verliebte.

Er malte Bilder der Madonna mit Kind, erfüllt von lebendigen menschlichen Gefühlen und Erfahrungen. In seinen Gemälden stellte er viele Details dar: Haushaltsgegenstände, die Umgebung, sodass seine religiösen Motive weltlichen Gemälden ähnelten.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Er malte nicht nur religiöse Themen, sondern auch Szenen aus dem Leben des Florentiner Adels, seinem Reichtum und Luxus, Porträts von Adligen.

Vor uns steht die Frau eines wohlhabenden Florentiners, einer Freundin des Künstlers. In dieser nicht sehr schönen, luxuriös gekleideten jungen Frau drückte der Künstler Ruhe aus, einen Moment der Stille und Stille. Der Gesichtsausdruck der Frau ist kalt, gleichgültig gegenüber allem, es scheint, als würde sie ihren bevorstehenden Tod vorhersehen: Bald nach dem Malen des Porträts wird sie sterben. Die Darstellung der Frau erfolgt im Profil, was für viele Porträts dieser Zeit typisch ist.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Einer der bedeutendsten Namen der italienischen Malerei des 15. Jahrhunderts. Er führte zahlreiche Transformationen in den Methoden zur Konstruktion der Perspektive eines malerischen Raums durch.

Das Bild wurde in Eitempera auf eine Pappelplatte gemalt – offensichtlich beherrschte der Künstler zu diesem Zeitpunkt noch nicht die Geheimnisse der Ölmalerei, in deren Technik seine späteren Werke gemalt werden sollten.

Der Künstler hat die Manifestation des Geheimnisses der Heiligen Dreifaltigkeit zur Zeit der Taufe Christi eingefangen. weiße Taube, das seine Flügel über dem Haupt Christi ausbreitet, symbolisiert die Herabkunft des Heiligen Geistes auf den Erretter. Die Figuren von Christus, Johannes dem Täufer und den daneben stehenden Engeln sind in zurückhaltenden Farben bemalt.
Seine Fresken sind feierlich, erhaben und majestätisch. Francesca glaubte an die hohe Bestimmung des Menschen und in seinen Werken vollbrachten die Menschen immer wunderbare Dinge. Er verwendete subtile, sanfte Farbübergänge. Francesca war die erste, die en plein air (in der Luft) malte.

In der Renaissance entwickelten die Architekten allmählich eine Haltung gegenüber dem Bauwerk als Teil eines Ganzen, das sich mit dem umgebenden Raum verbinden und eine kontrastierende, für beide Seiten vorteilhafte Kombination unterschiedlicher Bauwerke finden muss. Die Kultur der Stadtplanung der Renaissance nahm nach und nach und in verschiedenen Ensembles Gestalt an – auf dem Markusplatz in Venedig, im Ensemble des Bildungshauses der Seidenraupenwerkstatt, Architekt. Brunelleschi und andere. Von großer Bedeutung war die Verwendung von Arkaden und Kolonnaden entlang der Straßen, die der Stadtentwicklung spürbare Gemeinsamkeitsmerkmale verliehen (Uffizienstraße in Florenz, Architekt Vasari).

Ein wesentlicher Beitrag zur beispielhaften Bildung eines Architekturensembles istKapitolplatz in Rom,entworfen von Michelangelo. Die Öffnung des Platzes zur Stadt bei gleichzeitiger Unterordnung des Platzraumes unter das Hauptgebäude ist ein von Michelangelo eingeführtes Novum in der Architektur städtischer Ensembles.

Allmählich reifte im Verständnis der Architekten die Idee der Stadt als ein Ganzes, in dem alle Teile miteinander verbunden sind. Die neuen Schusswaffen machten die mittelalterlichen Steinbefestigungen wehrlos. Dies prägte das Erscheinungsbild von Mauern mit Erdwällen entlang der Stadtränder.Bastionenund bestimmte die Sternform der Stadtbefestigungslinie. Städte dieser Art tauchen im 2/3 des 16. Jahrhunderts auf. Eine Renaissance-Idee entsteht„ideale Stadt“die bequemste Stadt zum Leben.

Bei der Organisation des Stadtgebiets folgten Renaissance-Architekten drei Hauptprinzipien:
1. Klassensiedlung (für den Adligen – die zentralen und besten Teile der Stadt);
2. Umsiedlung der übrigen Bevölkerung nach Berufsgruppen (Handwerker verwandter Berufe sind in der Nähe);
3. Aufteilung des Stadtgebiets in Wohn-, Industrie-, Gewerbe- und öffentliche Komplexe.
Der Grundriss „idealer Städte“ muss unbedingt regelmäßig oder radial-kreisförmig sein, die Wahl des Grundrisses sollte jedoch von den natürlichen Bedingungen bestimmt werden: Relief, Stausee, Fluss, Winde usw.

Palma Nuova, 1593

Normalerweise gab es im Zentrum der Stadt einen öffentlichen Hauptplatz mit einer Burg oder einem Rathaus und einer Kirche in der Mitte. Handels- oder Kultgebiete von Bezirksbedeutung in Radialstädten befanden sich an der Kreuzung von Radialstraßen mit einer der Ringautobahnen der Stadt.
Diese Projekte beinhalteten auch erhebliche Verbesserungen – die Begrünung der Straßen, die Schaffung von Kanälen für den Regenwasserabfluss und die Kanalisation. Für eine optimale Sonneneinstrahlung und Belüftung mussten die Häuser bestimmte Höhen- und Abstandsverhältnisse aufweisen.
Trotz ihres utopischen Charakters hatten die theoretischen Entwicklungen der „idealen Städte“ der Renaissance einen gewissen Einfluss auf die Praxis der Stadtplanung, insbesondere beim Bau kleiner Befestigungsanlagen in kurzer Zeit(Valetta, Palma Nuova, Granmichele- bis. 16.-17. Jahrhundert).

Die Entstehung des Begriffs „Renaissance“ (Renaissance, Renaissance) fällt auf das 16. Jahrhundert. Geschrieben über Renaissance„Kunst Italiens – der erste Historiograph der italienischen Kunst, ein großer Maler, Autor des berühmten „Lebens der berühmtesten Maler, Bildhauer und Architekten“ (1550) – Giorgio Vasari.

Dieses Konzept geht auf die damals weit verbreitete historische Vorstellung zurück, wonach die Epoche des Mittelalters von ständiger Barbarei und Unwissenheit geprägt war, die auf den Untergang folgte große Zivilisation klassisch archaisch.

Wenn wir von der Epoche des Mittelalters als einer Art einfacher Zeit in der Entwicklung der Kultur sprechen, müssen wir die Annahmen der damaligen Historiker über die Kunst berücksichtigen. Man glaubte, dass Kunst, die in Früher die in der Antike blühte, erlebt gerade zu ihrer Zeit ihre erste Wiederbelebung zu einer neuen Existenz.

Frühling/ Sandro Botticelli

Im anfänglichen Bewusstsein wurde der Begriff „Erweckung“ nicht so sehr als Name der gesamten Ära interpretiert, sondern vielmehr genaue Uhrzeit(normalerweise zu Beginn des XIV. Jahrhunderts) die Entstehung neuer Kunst. Erst nach einer gewissen Zeit erhielt dieser Begriff eine breitere Interpretation und begann in Italien und anderen Ländern die Ära der Entstehung und Blüte einer dem Feudalismus entgegengesetzten Kultur zu bezeichnen.

Nun gilt das Mittelalter nicht als Bruch in der Geschichte der künstlerischen Kultur Europas. Im letzten Jahrhundert begann eine gründliche Beschäftigung mit der Kunst des Mittelalters, die sich im letzten halben Jahrhundert stark intensivierte. Es führte zu seiner Neubewertung und zeigte dies sogar Renaissance-Kunst hat dem Mittelalter viel zu verdanken.

Man sollte jedoch nicht von der Renaissance als einer trivialen Fortsetzung des Mittelalters sprechen. Einige moderne westeuropäische Historiker haben versucht, die Grenze zwischen Mittelalter und Renaissance zu verwischen, fanden jedoch keine Bestätigung in historischen Fakten. Tatsächlich zeigt die Analyse der Kulturdenkmäler der Renaissance die Ablehnung der meisten Grundüberzeugungen der feudalen Weltanschauung.

Allegorie der Liebe und Zeit/ Agnola Bronzino

Die mittelalterliche Askese und Einsicht in alles Weltliche wird durch ein unstillbares Interesse an der realen Welt mit der Erhabenheit und Schönheit der Natur und natürlich des Menschen ersetzt. Glaube an Supermächte menschlicher Verstand als höchstes Kriterium der Wahrheit führte zu der für das Mittelalter so charakteristischen prekären Lage des unantastbaren Primats der Theologie vor der Wissenschaft. Die Unterordnung der menschlichen Persönlichkeit unter kirchliche und feudale Autoritäten wird durch das Prinzip der freien Entfaltung der Individualität ersetzt.

Mitglieder der neu gebildeten säkularen Intelligenz schenkten den menschlichen Aspekten im Gegensatz zum Göttlichen ihre ganze Aufmerksamkeit und nannten sich Humanisten (nach dem Konzept der Zeit von Cicero „studia hmnanitatis“, was das Studium von allem bedeutet, was mit der menschlichen Natur und seiner spirituellen Welt zusammenhängt). ). Dieser Begriff spiegelt eine neue Einstellung zur Realität wider, den Anthropozentrismus der Kultur der Renaissance.

In der Zeit des ersten heroischen Angriffs auf die feudale Welt eröffnete sich ein weites Feld für kreative Impulse. Die Menschen dieser Zeit haben den Netzwerken der Vergangenheit bereits abgeschworen, aber noch keine neuen gefunden. Sie glaubten, dass ihre Möglichkeiten endlos seien. Daraus entstand der für uns so charakteristische Optimismus Kultur der Renaissance.

schlafende Venus/ Giorgione

Fröhlicher Charakter und endloser Glaube an das Leben ließen den Glauben an die Grenzenlosigkeit der Möglichkeiten des Geistes und die Möglichkeit einer harmonischen und barrierefreien Persönlichkeitsentwicklung entstehen.
Renaissance-Kunst in vielerlei Hinsicht steht es im Gegensatz zum Mittelalter. Die europäische Kunstkultur entwickelt sich in der Herausbildung des Realismus. Dies hinterlässt Spuren sowohl in der Verbreitung weltlicher Bilder, der Entwicklung von Landschaften und Porträts, die der Genreinterpretation teilweise religiöser Themen nahe stehen, als auch in der radikalen Erneuerung einer gesamten künstlerischen Organisation.

Die mittelalterliche Kunst basierte auf der Idee der hierarchischen Struktur des Universums, deren Höhepunkt außerhalb des Kreises der irdischen Existenz lag, der einen der Bereiche einnahm letzte Plätze. Es kam zu einer Abwertung irdischer realer Zusammenhänge und Phänomene in Zeit und Raum, da die Hauptaufgabe der Kunst die visuelle Verkörperung der von der Theologie geschaffenen Werteskala war.

In der Renaissance verschwindet das spekulative Kunstsystem und an seine Stelle tritt ein System, das auf dem Wissen und dem objektiven Bild der Welt basiert, die dem Menschen präsentiert wird. Deshalb war die Frage der Raumreflexion eine der Hauptaufgaben der Renaissancekünstler.

Im 15. Jahrhundert diese Frage wurde überall verstanden, mit dem einzigen Unterschied, dass der Norden Europas (die Niederlande) aufgrund empirischer Beobachtungen schrittweise zur objektiven Konstruktion des Raums überging und die Gründung Italiens in der ersten Hälfte des Jahrhunderts auf Geometrie und Optik basierte.

David/Donatello

Diese Annahme, die die Möglichkeit bietet, ein dreidimensionales Bild auf einer Ebene zu konstruieren, das sich unter Berücksichtigung seines Standpunkts am Betrachter orientiert, diente als Sieg über das Konzept des Mittelalters. Die visuelle Darstellung einer Person zeigt die anthropozentrische Ausrichtung der neuen künstlerischen Kultur.

Die Kultur der Renaissance zeigt deutlich die charakteristische Verbindung zwischen Wissenschaft und Kunst. Eine besondere Rolle kam dem Erkenntnisprinzip zu, um die Welt und den Menschen einigermaßen wahrheitsgetreu abzubilden. Natürlich führte die Suche nach Unterstützung für Künstler in der Wissenschaft zu einer Stimulierung der Entwicklung der Wissenschaft selbst. In der Renaissance traten viele Künstler und Wissenschaftler auf, allen voran Leonardo da Vinci.

Neue Herangehensweisen an die Kunst diktierten eine neue Art der Darstellung menschliche Figur und Übertragung von Aktionen. Die damalige Vorstellung des Mittelalters über die Kanonizität von Gestik, Mimik und zulässiger Beliebigkeit der Proportionen entsprach nicht einer objektiven Sicht auf die uns umgebende Welt.

Den Werken der Renaissance ist menschliches Verhalten inhärent und unterliegt nicht Ritualen oder Kanons, sondern psychologischer Konditionierung und der Entwicklung von Handlungen. Künstler versuchen, die Proportionen der Figuren der Realität näher zu bringen. Sie gehen dabei auf unterschiedliche Weise vor, so geschieht dies in den nördlichen Ländern Europas empirisch, und in Italien erfolgt das Studium realer Formen in Verbindung mit der Kenntnis der Denkmäler der klassischen Antike (der Norden Europas wird erst später angegliedert). .

Die Ideale des Humanismus sind allgegenwärtig Renaissance-Kunst, wodurch das Bild einer schönen, harmonisch entwickelten Person entsteht. Für die Kunst der Renaissance sind charakteristisch: Titanismus der Leidenschaften, Charaktere und Heldentaten.

Meister der Renaissance schaffen Bilder, die das stolze Bewusstsein ihrer Kräfte, der Unendlichkeit, verkörpern menschliche Fähigkeiten im Bereich der Kreativität und des wahren Glaubens an die Freiheit seines Willens. Viele Schöpfungen der Kunst der Renaissance stehen im Einklang mit diesem Ausdruck des berühmten italienischen Humanismus Pico della Mirandola: „Oh, die wundersame und erhabene Bestimmung eines Menschen, dem es gegeben ist, das zu erreichen, was er anstrebt, und das zu sein, was er will.“

Leda und der Schwan/ Leonardo da Vinci

Wenn die Bestimmung des Wesens der bildenden Künste in größerem Maße der Wunsch war, die Realität wahrheitsgetreu darzustellen, dann spielte die Berufung auf die klassische Tradition eine wichtige Rolle bei der Bildung neuer architektonischer Formen. Dies bestand nicht nur in der Wiederherstellung des antiken Ordnungssystems und dem Verzicht auf gotische Konfigurationen, sondern auch in der klassischen Proportionalität, dem anthropozentrischen Charakter der neuen Architektur und in der Gestaltung zentrischer Gebäude in der Tempelarchitektur, bei denen der Innenraum gut sichtbar war.

Im Bereich der Zivilarchitektur entstanden viele neue Kreationen. So erhalten in der Renaissance mehrstöckige öffentliche Gebäude der Stadt: Rathäuser, Universitäten, Häuser von Kaufmannszünften, Bildungshäuser, Lagerhäuser, Märkte und Lagerhäuser eine elegantere Dekoration. Es entsteht eine Art Stadtpalast oder sonst ein Palazzo – das Wohnhaus eines wohlhabenden Bürgers, aber auch eine Art Landvilla. Es entstehen neue Systeme der Fassadendekoration, ein neues konstruktives System eines Backsteingebäudes wird entwickelt (im europäischen Bauwesen bis ins 20. Jahrhundert erhalten geblieben), das Ziegel- und Holzböden kombiniert. Stadtplanungsprobleme werden auf neue Weise gelöst, urbane Zentren werden umgebaut.

Der neue Baustil wurde mithilfe fortschrittlicher handwerklicher Bautechniken des Mittelalters zum Leben erweckt. Grundsätzlich waren Renaissance-Architekten direkt an der Gestaltung des Gebäudes beteiligt und steuerten dessen Umsetzung in die Realität. In der Regel verfügten sie auch über eine Reihe anderer architekturbezogener Fachrichtungen, wie zum Beispiel: Bildhauer, Maler, manchmal auch Dekorateur. Die Kombination von Fähigkeiten trug zur Steigerung der künstlerischen Qualität der Gebäude bei.

Im Vergleich zum Mittelalter, als die Hauptkunden der Werke große Feudalherren und die Kirche waren, erweitert sich heute der Kundenkreis mit einer Veränderung der sozialen Zusammensetzung. Zunftverbände von Handwerkern, Kaufmannszünften und auch Privatpersonen (Adel, Bürger) erteilen neben der Kirche nicht selten Aufträge an Künstler.

Auch der soziale Status des Künstlers verändert sich. Trotz der Tatsache, dass Künstler auf der Suche sind und in die Werkstätten eintreten, erhalten sie häufig Auszeichnungen und hohe Ehrungen, besetzen Sitze in Stadträten und führen diplomatische Missionen durch.
Die Einstellung eines Menschen zur bildenden Kunst verändert sich. War es früher auf der Ebene des Handwerks, so steht es heute auf einer Ebene mit den Wissenschaften, und Kunstwerke werden erstmals als Ergebnis spiritueller schöpferischer Tätigkeit betrachtet.

Jüngstes Gericht/ Michelangelo

Die Entstehung neuer Techniken und Kunstformen wird durch die Ausweitung der Nachfrage und die wachsende Zahl säkularer Kunden provoziert. Monumentale Formen werden von einer Staffelei begleitet: Malerei auf Leinwand oder Holz, Holzskulptur, Majolika, Bronze, Terrakotta. Die stetig wachsende Nachfrage nach Kunstwerken führte zur Entstehung von Gravuren auf Holz und Metall – der kostengünstigsten und beliebtesten Kunstform. Diese Technik ermöglichte erstmals die Reproduktion von Bildern in einer großen Anzahl von Kopien.
Eines der Hauptmerkmale der italienischen Renaissance ist die weit verbreitete Nutzung der Traditionen des antiken Erbes, die im Mittelmeerraum nicht aussterben. Hier zeigte sich schon sehr früh Interesse an der klassischen Antike – sogar an den Werken italienischer Proto-Renaissance-Künstler von Piccolo und Giovanni Pisano bis Ambrogio Lorsnzetti.

Die Erforschung der Antike im 15. Jahrhundert wird zu einer der zentralen Aufgaben der Geisteswissenschaften. Es gibt eine erhebliche Erweiterung der Informationen über die Kultur der Antike. In den Bibliotheken alter Klöster wurden viele Manuskripte bisher unbekannter Werke antiker Autoren gefunden. Die Suche nach Kunstwerken ermöglichte die Entdeckung vieler antiker Statuen, Reliefs und schließlich Fresken des antiken Roms. Sie wurden ständig von Künstlern studiert. Beispiele hierfür sind die erhaltenen Nachrichten über eine Reise von Donatello und Brunelleschi nach Rom, um Denkmäler der antiken römischen Architektur und Bildhauerei zu vermessen und zu skizzieren, die Werke von Leon Battista Alberti, über das Studium von Raffael über neu entdeckte Reliefs und Gemälde sowie die Art und Weise, wie der junge Michelangelo kopierte antike Skulptur. Die Kunst Italiens wurde (aufgrund der ständigen Anziehungskraft auf die Antike) mit einer Fülle von für die damalige Zeit neuen Techniken, Motiven und Formen bereichert und verlieh gleichzeitig einen Hauch heroischer Idealisierung, der in den Werken der Italiener völlig fehlte Künstler Nordeuropas.

Es gab ein weiteres Hauptmerkmal der italienischen Renaissance – ihre Rationalität. Viele Menschen arbeiteten an der Bildung der wissenschaftlichen Grundlagen der Kunst. Italienische Künstler. So entstand im Kreis von Brunelleschi, Masaccio und Donatello die Theorie der linearen Perspektive, die dann in der Abhandlung von Leon Battista Alberti von 1436 „Das Buch der Malerei“ dargelegt wurde. An der Entwicklung der Perspektiventheorie waren zahlreiche Künstler beteiligt, insbesondere Paolo Uccello und Piero della Francesca, die 1484–1487 die Abhandlung „Über die malerische Perspektive“ verfassten. Darin werden schließlich Versuche sichtbar, die mathematische Theorie auf die Konstruktion der menschlichen Figur anzuwenden.

Erwähnenswert sind auch andere Städte und Regionen Italiens, die eine herausragende Rolle in der Entwicklung der Kunst spielten: im 14. Jahrhundert – Siena, im 15. Jahrhundert – Umbrien, Padua, Venedig, Ferrara. Im 16. Jahrhundert verschwand die Vielfalt der örtlichen Schulen (die einzige Ausnahme bildet das ursprüngliche Venedig), und für eine gewisse Zeit konzentrierten sich die führenden künstlerischen Kräfte des Landes in Rom.

Unterschiede in der Bildung und Entwicklung der Kunst einzelner Regionen Italiens beeinträchtigen nicht die Schaffung und Unterordnung eines allgemeinen Musters, das es uns ermöglicht, die wichtigsten Entwicklungsstadien zu skizzieren Italienische Renaissance. Die moderne Kunstgeschichte unterteilt die Geschichte der italienischen Renaissance in vier Phasen: die Proto-Renaissance (Ende des 13. – erste Hälfte des 14. Jahrhunderts), die Frührenaissance (das 15. Jahrhundert), die Hochrenaissance (Ende). das 15. – die ersten drei Jahrzehnte des 16. Jahrhunderts) und die Spätrenaissance (die mittlere und zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts).

Italienische Renaissance (25:24)

Ein wunderbarer Film von Vladimir Ptashchenko, veröffentlicht im Rahmen der Masterpieces of the Hermitage-Reihe