Kubismus. Entwicklung des Kubismus

KUBISMUS Der Kubismus ist die vollständigste und radikalste künstlerische Revolution seit der Renaissance J.Golding

Der Kubismus (frz. Kubismus, von Kubus – Kubus) ist eine Richtung in der Kunst des ersten Viertels des 20. Jahrhunderts. Die plastische Sprache des Kubismus basierte auf der Deformation und Zerlegung von Objekten in geometrische Flächen, der plastischen Formverschiebung. Viele russische Künstler haben eine Leidenschaft für den Kubismus durchgemacht und seine Prinzipien oft mit den Techniken anderer moderner künstlerischer Strömungen kombiniert - Futurismus und Primitivismus. Futurismus des Primitivismus Der Kubo-Futurismus wurde zu einer spezifischen Variante der Interpretation des Kubismus auf russischem Boden. Kybofutypismus

Die Geburt des Kubismus fällt auf das Jahr - den Vorabend des Ersten Weltkriegs. Die neue Richtung in der Kunst der Moderne löste unter den Spießern einen natürlichen Rausch aus. Jenseits des Kubismus Bildende Kunst Es gab einst einen Kreis von Dichtern und Kritikern, die der Philosophie von Bergson folgten, auch sehr bedingt Kubisten genannt. Der unbestrittene Anführer dieser Richtung war der Dichter und Publizist G, Apollinaire G, Apollinaire 1912 erschien das erste Buch der Kubismustheorie der Künstler Gleizes und Metzinger On Cubism. 1913 erschien eine Sammlung von Artikeln von Apollinaire, The Cubist Artists. Erst 1920 entstand Kahnweilers Klassiker „Der Aufstieg des Kubismus“.

Delaunay, Robert (Delaunay, Robert) (1885-1941), französischer Künstler, Schöpfer des Orphismus-Stils. Geboren am 12. April 1885 in Paris in einer aristokratischen Familie. 1902 verließ er das College, besuchte privaten Malunterricht und beschloss, Theatermaler zu werden. Er wurde vom Neoimpressionismus von J. Seurat sowie der vom Physiker M. Chevreil entwickelten Farbtheorie beeinflusst. 1910 heiratete er die Künstlerin S. Turk (S. Delone), die seine treue Weggefährtin in der Kunst wurde. 1911 nahm er an der Münchner Ausstellung des Blauen Reiters teil. Er lebte hauptsächlich in Paris und im Ersten Weltkrieg und in den Nachkriegsjahren (bis 1920) - in Spanien und Portugal. Vom frühen Postimpressionismus bewegte er sich in den frühen 1910er Jahren zu einer Reihe von verallgemeinerten und farbenfrohen Stadtlandschaften, die Beweis seiner künstlerischen Reife wurden. Seit 1910 werden sie vom Motiv des Eiffelturms dominiert, als ob sie frei zwischen den wirbelnden Raumfragmenten schweben würden. Die Kristallinität der kompositorischen Strukturen lässt diese Leinwände mit dem Kubismus und die räumliche Dynamik mit dem Futurismus in Verbindung bringen, aber der Geist der reinen Kontemplation, der zu großen „musikalischen“ Farbharmonien neigt, verleiht Delaunays Werken einen ganz besonderen Charakter. Seine Bilder nehmen oft den Charakter von dekorativen Tafeln an (City of Paris, 1910–1912, Nationalmuseum zeitgenössische Kunst, Paris). Der Künstler skizzierte sein Verständnis der dekorativen und dynamischen Möglichkeiten der Farbe, des Systems ihrer optimalen Kontraste in dem Aufsatz On Color (1912), der zum Manifest des Orphismus wurde (der neue Trend verdankt seinen Namen G. Apollinaire). Im selben Jahr schuf er gegenstandslose Gemälde (Simultaneously Open Windows, Tate Modern Gallery, London; etc.), darunter die sog. Kreisformen, entstanden aus Beobachtungen über die konzentrisch-kreisförmige Natur der Lichtstrahlung und des Farbspektrums. In den 1920er Jahren kehrte Delaunay zur figurativen Kunst zurück, setzte insbesondere eine Reihe von "Eiffeltürmen" fort und schrieb viele ausdrucksstarke Porträts (F. Soupault, 1922, Centre J. Pompidou, Paris). Dann, um die Wende des nächsten Jahrzehnts, wandte er sich wieder der Abstraktion zu (der Gemäldezyklus Unendliche Rhythmen - von 1933 - horizontal verlängerte Kompositionen, viel zurückhaltender in der Farbe). Zusammen mit seiner Frau schuf er mehrere große Tafeln für die Eisenbahn- und Luftfahrtpavillons der Weltausstellung in Paris (1937). Mit Ausbruch des Zweiten Weltkriegs zog er in die Auvergne. Delaunay starb am 25. Oktober 1941 in Montpellier.

LEGER, Fernand (Leger, Fernand) (1881-1955), französischer Maler, Bildhauer, Grafiker, Keramiker und Dekorateur, Verfechter des sogenannten. „Ästhetik maschineller Formen“ und „mechanische Kunst“. Geboren am 4. Februar 1881 in Argentan in der Familie eines normannischen Bauern; Mit 16 Jahren begann er in einem Architekturbüro in Caen zu arbeiten und war 1900 Zeichner in einem Architekturbüro in Paris. Nach seinem Militärdienst ließ er sich in einem malerischen und attraktiven Haus für Künstler mit den Werkstätten "La Ruche" ("Bienenstock") nieder, wo er Meister wie A. Archipenko, A. Laurent, J. Lipchitz, Delaunay traf, M. Chagall und X. Sutin. 1910 lernte er P. Picasso und J. Braque kennen. Leger malte seine ersten Leinwände unter dem Einfluss der Malerei von P. Cezanne, insbesondere die Hochzeit (1910), die berühmte Dame in Blau (1912) und die Serie Geometric Elements (1913-1914). Nach dem Ersten Weltkrieg interessierte sich Léger dafür moderne Theorien Bewegung und Mechanik. Dieses Interesse drückte sich in Werken wie The City (1919), Mechanics (1920), Big Breakfast (anderer Name Three Women, 1921) und Station (1923) aus. In ihnen ähneln die Elemente des menschlichen Körpers den Formen von Rohren, Motoren, Stangen und Zahnrädern. Léger führte auf der Ausstellung große Dekorationsprojekte durch dekorative Kunst in Paris (1925), auf der Brüssel Internationale Ausstellung(1935) und im UN-Gebäude in New York (1952). Von 1931 bis 1939 besuchte Léger mehrmals die USA. Während des Zweiten Weltkriegs (ab 1940) erhielt er dort Asyl und lehrte an der Yale University. Als er im Dezember 1945 nach Paris zurückkehrte, vollendete er eine Reihe bedeutender Kompositionen: Goodbye New York (1946), Entertainment (1949), Constructors (1950), Country Company (1953), Grand Parade (1954). Leger interessierte sich für verschiedene Bereiche der Kunst: Mosaik, farbiges Glas, Buchillustration, Herstellung von Kartons für Teppiche, Theaterdekorationen. Überall suchte er Bewegung zu vermitteln. Im Kino schuf Léger den ersten Film ohne Drehbuch, Mechanical Ballet (1924). 1934 bat ihn A. Korda, Kulissen für einen Film zu machen, der auf dem Drehbuch von H. Wells The Form of the Future basiert. Zusammen mit A. Calder, M. Duchamp, M. Ernst und M. Ray arbeitete er an dem Film Träume, die man mit Geld kaufen kann ("Hans Richter Film", 1948). Léger starb am 17. August 1955 in Giff-sur-Yvette (Seine-et-Oise).

Picasso Pablo (Picasso, Pablo) (gg.), französischer Künstler, ursprünglich Spanier. Bildhauer, Grafiker, Maler, Keramiker und Designer, der berühmteste, vielseitigste und produktivste unter seinen Zeitgenossen. Pablo Picasso wurde am 25. Oktober 1881 in Malaga (Spanien) in der Familie des Künstlers Jose Ruiz Blasco und Maria Picasso Lopez geboren. In seiner Jugend beschloss Picasso, mehr zu nehmen seltener Familienname Mutter statt der gemeinsamen Ruiz. Er war ein ungewöhnlich begabtes Kind und trat im Alter von vierzehn Jahren in die Schule ein Bildende Kunst in Barcelona, ​​Abschluss an einem Tag Prüfungszettel für die ein Monat gegeben wurde. Studium an der Königlichen Akademie der Künste von San Fernando in Madrid. 1899 kehrte Picasso nach Barcelona zurück, wo er Stammgast im berühmten Four Cats Café wurde, das Künstler und Schriftsteller versammelte. Die Jahre von 1901 bis 1904 in der Schaffensbiografie des Meisters hießen „ blaue Periode„aufgrund der Dominanz des Blautons in seinen damaligen Gemälden. In diesen Jahren lebte er entweder in Paris oder in Barcelona. Damals begann seine langjährige Freundschaft mit dem Dichter Max Jacob und dem Bildhauer Julio Gonzalez. 1904 ließ sich Picasso in Paris in der Rue Ravignon nieder, im berühmten Haus von Bato Lavoir ("Schwimmende Wäsche"), wo viele Künstler lebten. 1904 lernte er Fernanda Olivier kennen, die seine Geliebte und Inspiratorin seiner Kunst wurde. 1905 die „blaue Periode“ wird durch „rosa“ ersetzt, Picasso trifft auf den Kritiker Guillaume Apollinaire und die Amerikaner Leo und Gertrude Stein.Bis zu diesem Zeitpunkt war das Leben des Künstlers eher ein Kampf ums Dasein, doch seine Situation besserte sich deutlich Innerhalb weniger Jahre erwarb der russische Sammler Sergei Shchukin etwa fünfzig seiner Werke. Shchukin hatte damals die beste Sammlung von Picassos Gemälden. 1907 malte Picasso l Bild der Jungfrauen von Avignon, das als Wendepunkt in der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts gilt. Im selben Jahr lernte er J. Braque kennen. Braque und Picasso wurden die Begründer und Führer des Kubismus. 1917 ist die erste Erfahrung von Picasso als Theaterkünstler. Er entwarf Kostüm- und Bühnenbildentwürfe für die Inszenierung der Ballettparade für „Russische Jahreszeiten“ von Sergei Diaghilev. IN nächstes Jahr heiratete eine der Ballerinas der Diaghilev-Truppe, Olga Khokhlova.

In den 1920er Jahren arbeitete Picasso weiterhin für das Theater und malte auch in verschiedenen Stilrichtungen, von neoklassizistisch über kubistisch bis hin zum Surrealismus. In Picasso schuf er zusammen mit seinem alten Freund Gonzalez Werke aus geschweißten Metallstrukturen. In den frühen 1930er Jahren fertigte der Künstler mehrere grafische Serien an, darunter 30 Radierungen zu Ovids Metamorphosen für den Skira-Verlag und zu Balzacs Unbekanntem Meisterwerk im Auftrag des Sammlers Ambroise Vollard. Einige der Hauptmotive, die normalerweise mit dem Werk von Picasso in Verbindung gebracht werden – der Minotaurus, der Künstler und das Modell usw. – wurden in die berühmte Radierungsserie von Vollards Suite aufgenommen, an der er in diesen Jahren zu arbeiten begann, Picassos die Ehe zerbrach; seine neue Geliebte war Marie-Thérèse Walter. 1936, als Spanien begann Bürgerkrieg, stellte sich Picasso auf die Seite der republikanischen Regierung und nahm als Bestätigung seiner Loyalität das Angebot an, den Ehrenposten des Direktors des Prado-Museums zu übernehmen. Ende April 1937 erfuhr die Welt von der Bombardierung Guernicas, in deren Folge die baskische Kleinstadt vom Erdboden vernichtet wurde. Picasso äußerte seine Haltung zu dem, was im Guernica-Panel geschah. Es war für den spanischen Pavillon auf der Weltausstellung in Paris bestimmt und wurde dann im New Yorker Museum of Modern Art aufbewahrt. 1981, sechs Jahre nach Francos Tod, wurde das Gemälde in den Prado überführt. Während des Zweiten Weltkriegs lebte Picasso mit Françoise Gilot in Paris, die ihm zwei Kinder gebar. 1946 wandte sich der Meister der Keramikkunst zu und belebte praktisch im Alleingang das dort einst blühende Keramikhandwerk in der Stadt Vallauris an der Riviera. Picasso war immer an neuen Technologien interessiert und entwickelte eine spezielle Technik der Lithografie. 1944 trat der Künstler der Kommunistischen Partei Frankreichs bei. Die politischen Überzeugungen von Picasso, die sich in Guernica widerspiegelten, tauchten in dem Gemälde Der Koreakrieg (1951) und zwei großen Tafeln Krieg und Frieden (1952) wieder auf, die zur Dekoration des Tempels des Friedens in Vallauris geschaffen wurden. In den 1950er Jahren gab es mehrere retrospektive Ausstellungen von Picasso; zeitgleich mit der Begegnung mit Jacqueline Roque, die er in den 1950er Jahren heiratete, trat der Künstler in einen Dialog mit den großen Meistern der Vergangenheit: in mehreren Variationen über das Thema von Delacroix' Gemälde Frauen von Algier, in Velasquez' Menin, und in Manets Breakfast on the Grass. In den 1960er Jahren schuf Picasso ein Monumentalwerk skulpturale Komposition 15 m hoch für ein Gemeindezentrum in Chicago. 1970 schenkte der Künstler über 800 seiner Werke dem Aguilar Palace Museum in Barcelona. Picasso starb am 8. April 1973 in Mougins (Frankreich).

PICASSO-PABLO. VASE MIT TÄNZERN. Ok Nationalmuseum für moderne Kunst, Paris.

GRIS, Juan (Gris, Juan) (1887-1927), spanischer Künstler, einer der Begründer des Kubismus. Geboren am 23. März 1887 in Madrid, richtiger Name - José Victoriano Gonzalez (Jos Victoriano Gonz lez). Zunächst verdiente er sich seinen Lebensunterhalt mit dem Zeichnen für humoristische Publikationen und studierte nebenbei Malerei. 1906 kam Gris nach Paris und ließ sich in Montmartre, nicht weit von seinem Landsmann Pablo Picasso, nieder. Während seiner prägenden Jahre, zu Beginn der Pariser Zeit (1906–1912), war Gris vom Kubismus fasziniert. Sein frühe Arbeit(1911-1912) sind auf "analytische" Weise hergestellt und gehen sowohl auf Cezanne als auch auf Picasso und Braque zurück. Gris entwickelt sich schnell und entwickelt bereits 1913-1914 seine eigene Version des "synthetischen" Kubismus. Er definiert seine Malerei als „eine Variante der flächigen, farbigen Architektur“, oder vielmehr als deren „Vorahnung“, eine harmonische Anordnung von Formen und Farben. Er glaubte, dass „das Wesen der Malerei eine ausdrucksstarke Interaktion zwischen dem Künstler und Außenwelt“, aber er nannte die Bilder ohne malerischen Anfang eine „fehlerhafte technische Übung“. Gris' Version des Kubismus war strenger und klassischer, weniger spontan als die von Braque oder Picasso. In den Gemälden von 1920-1927 kultiviert der Künstler „eine verfeinerte und ästhetisierte Seite der Malerei, für die er zuvor keinen Platz in seinem Werk gefunden hatte“. Infolgedessen erlangte sein Stil eine außergewöhnliche Freiheit, Lyrik und gleichzeitig Kühnheit und Vollständigkeit. Gris starb am 11. Mai 1927 in Boulogne-Billancourt (Frankreich).

JUAN GRIS. RAUCHER Museum Thyssen-Bornemisza, Madrid.

EHE, GEORGE (Braque, Georges) (1882-1963), französischer Maler, Grafiker, Bildhauer und Dekorateur; ist zusammen mit Picasso der Schöpfer des Kubismus. Geboren am 13. Mai 1882 in Argenteuil (Departement Seine und Oise) in der Familie eines Künstler-Dekorateurs. 1900-1901 studierte er an der Technischen Schule in Paris. 1902–1904 besuchte er Kurse an der School of Fine Arts und der Amber Academy, Museen und Privatsammlungen, studierte impressionistische und postimpressionistische Malerei, ägyptische und Griechische Skulptur, sowie Werke von Corot und Cezanne. In Braque malte er mehrere Landschaftsserien, in denen der Einfluss der Malerei der Fauves und Cezannes zu spüren ist. Picassos Jungfrauen von Avignon (1907) machten einen starken Eindruck auf ihn. Im folgenden Sommer schuf Braque eine Reihe bahnbrechender Landschaften, in denen er Cezannes Aufruf folgte: „Stellen Sie die Natur in Form von Zylindern, Kugeln und Kegeln dar.“ Diese Landschaften wurden vom Salon d'Automne nicht akzeptiert. Henri Matisse sagte, dass sie aus Würfeln bestehen, daher kommt das Wort "Kubismus". In den Jahren 1908-1914 arbeiteten Braque und Picasso eng zusammen und entwickelten die Prinzipien des Neuen künstlerische Leitung. Zunächst zerstörten sie analytisch die gewohnten Bilder von Objekten, als würden sie sie in getrennte Formen und räumliche Strukturen „zerlegen“. 1912 begannen sie mit der Technik der Collage und Applikation zu arbeiten und interessierten sich für den umgekehrten Prozess - die Synthese von Objekten aus unähnlichen Elementen. Ein bedeutender Beitrag von Braque zum kreativen Prozess war die Verwendung von Inschriften und verschiedenem dekorative Techniken. Die große Komposition The Musician (1917–1918, Basel, Öffentliche Kunstsammlung) war das Ergebnis der Phase des synthetischen Kubismus im Werk von Braque und geprägt Startpunkt in seinen neuen kreativen Beschäftigungen. In den 1920er Jahren verschwinden Elemente des Kubismus allmählich aus den Werken von Braque, er verwendet mehr Bildmotive. Öffentliche Anerkennung erlangte er 1922 nach einer Ausstellung, bei der der Künstler eine Reihe von Gemälden präsentierte, die reich an Bildern geschrieben waren: Feuerstellen, Tische und Kanephoren (Mädchen, die Körbe mit Opferutensilien trugen). In den späten 1920er Jahren gab Braque auffällige malerische Effekte auf und experimentierte weiter mit Form und Farbe; er malte Seestücke, Badende, neoklassizistische Motive und Köpfe mit Doppelprofil. In den 1930er und 1940er Jahren malte Braque Stillleben und Interieurkompositionen, mal mit Musikern, Sitzenden und Malern, mal ganz ohne menschliche Figuren. Nach dem Krieg nahm Braques Werk einen kontemplativen, esoterischen Charakter an, wie die Serie von 8 Gemälden Workshop (1949–1956) belegt. 1952–1953 malte der Künstler die Plafonds im Louvre. Die darauf abgebildeten großen schwarzen Vögel vor blauem Himmel wurden zu einem der am häufigsten anzutreffenden Motive in den späteren Werken des Meisters. Braque produzierte viele Zeichnungen, Drucke und bildhauerische Werke, aber den Hauptplatz in seiner Arbeit nahm die Malerei ein. Braque starb am 31. August 1963 in Paris. 31

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Die wichtigsten Tendenzen und Stilrichtungen in der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts Kubismus Fauvismus Futurismus Expressionismus Dadaismus Surrealismus Abstraktionismus

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Cubi zm (fr. Cubisme) ist eine modernistische Richtung in der bildenden Kunst, vor allem in der Malerei, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand und durch die Verwendung betont geometrisierter Bedingungsformen gekennzeichnet ist, der Wunsch, reale Objekte in „zu teilen“. stereometrische Primitive. Die Entstehung des Kubismus wird traditionell auf die Jahre 1906 bis 1907 datiert.Der Begriff "Kubismus" tauchte 1908 auf, nachdem der Kunstkritiker Louis Vaucelles die neuen Gemälde von Georges Braque als "cubic whims" bezeichnet hatte.

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Kubi zm ist eine im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts in der Malerei gegründete Kunstrichtung, deren Vertreter die gegenständliche Welt in Form von Kombinationen regelmäßiger geometrischer Volumen darstellen: ein Würfel, eine Würfelkugel, ein Würfelzylinder, ein Würfelkegel, Um die Ideen der Dinge vollständiger auszudrücken, verwenden Künstler die traditionelle Perspektive als optische Täuschung und bemühen sich, ihnen ein umfassendes Bild zu geben, indem sie die Form zerlegen und mehrere ihrer Typen im Rahmen eines Bildes kombinieren. Ein gesteigertes Interesse an der Form führt zu einer Differenzierung im Umgang mit Farben. warme Farben für hervorstehende Elemente des Handlungsmotivs, kalte Farben für entfernte oder ferne Bildelemente. In Architektur und Bildhauerei ist es gekennzeichnet durch die Verwendung betont geometrisierter bedingter Formen, den Wunsch, reale Objekte in stereometrische Primitiven zu zerlegen, den Wunsch, die einfachsten geometrischen Formen zu identifizieren, die Objekten zugrunde liegen.

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Bei der Entwicklung des Kubismus werden drei Perioden unterschieden: Cezanov, analytisch, synthetisch. 1. Die „Cezanovsky“- oder anderweitig „Neger“-Periode ist mit der Entdeckung und Überarbeitung der primitiven Kunst verbunden, die von Paul Cezan begonnen wurde. Diese Zeit ist geprägt von Gemälden, die scharfe Formbrüche darstellen, große Volumen, die sozusagen auf einer Ebene angeordnet sind und ein Gefühl der Erleichterung im Bild erzeugen. Die Farbgebung betonte und drückte das Volumen. Kompositionen entstehen hauptsächlich auf der Grundlage von Landschaften, Figuren und Stillleben, die nach der Natur gemalt sind. 2. Die analytische Periode ist dadurch gekennzeichnet, dass das abgebildete Objekt vollständig in seine Bestandteile zerkleinert und in kleine, voneinander getrennte Gesichter geschichtet wurde. Die Farbpalette wurde auf Schwarz und Weiß reduziert. Diese Periode in der Entwicklung des Kubismus war eher vorübergehend als unabhängig. 3. Die Synthesephase dauerte von 1912 bis 1914. In dieser Zeit überwiegt die Dekoration, die Gemälde werden eher zu Tafeln.

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Vertreter Malerei Pablo Picasso, Georges Braque, Aristarkh Lentulov Skulptur Alexander Archipenko, Konstantin Brancusi Fotografie Iosif Badalov

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Am meisten prominente Vertreter Der Kubismus und seine Begründer gelten als zwei große Künstler - Pablo Picasso und Georges Braque. Künstler verglichen in ihren Werken geometrische Oberflächen mit minimaler Ähnlichkeit mit den abgebildeten Objekten, sie glaubten, dass die Form weit vom abgebildeten Objekt entfernt sein sollte. Es gab keinen emotionalen Reichtum in den Werken. Linien und Formen ersetzten Gefühle. Der Farbe wurde in den Werken der Kubisten ein minimaler Wert beigemessen, die Künstler versuchten, sie so wenig wie möglich zu verwenden. Sie waren meist grau, schwarz, braune Farben. Die Bilder in den Werken der Kubisten hatten keine Prototypen im Leben, verloren ihre Realität, wurden abstrakt und nur für den Autor selbst verständlich. Die Maler stellten das Objekt so dar, als ob sie diese Bilder aus mehreren Blickwinkeln von oben, unten, von innen, von der Seite auf einer Leinwand übereinander legten. Der Wunsch, das Unvorstellbare darzustellen, führte zu einer Vereinfachung der Gattungen der Malerei.

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Die Kubisten untergliederten Werke nicht nach Genres (Porträt, Landschaft, Stillleben), sondern gaben ihnen einen gemeinsamen Namen - Malerei. Die wichtigste Eroberung der Kubisten betrachten Kunsthistoriker als unbegrenzte Freiheit. Um die Möglichkeiten ihrer Regie zu erweitern, kombinierten die Kubisten eine Vielzahl von Techniken und Materialien im Bild: buntes Papier, Tapeten usw. Einer der Neuen Ausdrucksmittel wurde zu einer Collage - einer Montage eines Bildes aus Aufklebern. Mit der Zeit geriet die Neuausrichtung ins Stocken. Auf der Suche nach neuen Ausdrucksmitteln klebten die Künstler Zeitungen auf das Bild und übermalten das Packpapier. Sie glaubten, dadurch Raum schaffen zu können.

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Pablo PicassoPablo Picasso (1861-1973)- herausragender Künstler Maler, Zeichner, Graveur, Bildhauer des 20. Jahrhunderts, einer der Begründer des Kubismus. Pablo Picasso erhielt die Grundlagen der bildenden Kunst von seinem Vater, einem Zeichenlehrer. Dann studierte er ab seinem 14. Lebensjahr an der Barcelona Academy of Arts, mit 16 trat er in die Royal Academy of San Fernado in Madrid ein. 1904 zog der Künstler nach Paris.

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Eines der ersten Werke im Stil des Kubismus war das Gemälde "Avignon Girls" (1907). Auf dieser Leinwand ist die Handlung sichtbar, aber der Realismus verschwindet bereits. Die Frauenfiguren sind mit geometrischen Formen und konkav-konvexen Ebenen des Musters dargestellt. Das Vorhandensein von Licht- und Schattenmodellierung mit Schattierung ist teilweise noch zu spüren, aber der Strich wird bereits aktiv verwendet.

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Die Ereignisse in Spanien fanden eine Antwort im Werk von P. Picasso, er malte das Gemälde "Guernica" (1937). Hier sehen Sie einige Elemente des Realismus. Das Bild wurde zu einer Warnung an die Menschheit vor dem kommenden Krieg, vor den Schrecken des Faschismus, es löste einen emotionalen Ausbruch in der Gesellschaft aus. Der Autor drückte seinen Protest und seine Besorgnis mit Hilfe von spröden Linien aus, die die Gesichter der Bildfiguren durchzogen.

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Georges Braque Georges Braque (1882-1963) - Französischer Maler, Bildhauer, Kupferstecher, einer der Begründer des Kubismus. J. Braque wurde in Argenteuil geboren. Er studierte zunächst bei seinem Vater Bildende Kunst, dann im Atelier eines Dekorateurs. 1902 trat er in die Amber Academy in Paris ein. Zu Beginn seiner Arbeit wurde Braque mit dem Fauvismus in Verbindung gebracht und malte hauptsächlich Landschaften mit komplexen Farbschemata. Frühe Periode sein Werk fällt in die Zeit des analytischen Kubismus. Er arbeitet an Stillleben und Landschaften mit einer fast monochromen Palette. Während des Ersten Weltkriegs wurde Braque an die Front gerufen, verwundet und schwer operiert. Nach der Genesung kehrt er wieder zur Kreativität zurück. Allmählich entfernt sich Braque vom Kubismus und wechselt zur Schaffung von flächigen Gemälden mit vielfältigeren Farben. Seit 1930 beginnt der Künstler in Kompositionen zu verwenden menschliche Figuren im Innenraum, stilistisch sehr nahe an der abstrakten Kunst. Spätere Gemälde von J. Braque werden lakonisch. Die Motive der Wüstenebenen und der Meeresküste der Normandie werden harmonisch mit den Motiven eines verlassenen Bootes und eines Pfluges auf einem herbstlichen Feld kombiniert. Die Kompositionen sind harmonisch und dem Klassizismus sehr nahe.

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1949-1956. Braque schuf die Serie "Workshops", eines seiner bedeutendsten Werke, das acht großformatige Leinwände umfasst, die Kunstobjekte darstellen, auf denen ein funkelndes Bild eines weißen Vogels zu sehen ist - ein Symbol für kreativen Flug. Objekte werden besser erkennbar, die Farbgebung ist vielseitiger geworden. Später entwickelt sich das Bild des Vogels in seinem Werk zu einem eigenständigen Thema ("Black Birds", 1956-1957).

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Aristarkh Lentulov (1882-1943) Geboren 1882 im Dorf Worona in der Provinz Penza in der Familie eines Priesters. Aristarkh Lentulovs Mutter wurde früh Witwe mit vier Kindern, von denen das jüngste der zukünftige Künstler war. Nach der Pensa Theological School wechselte Lentulov zum Priesterseminar. In Pensa wurde jedoch eine Kunstschule eröffnet, und Aristarkh Lentulov stieg in den ersten Satz ein. Weiter Kunstunterricht Lentulov erhielt in Kiew Kunstschule, im St. Petersburger Atelier von D. Kardovsky. Ab 1909 lebte er in Moskau.

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Nach seiner Rückkehr aus Paris schuf der Künstler eine Reihe von Tafeln, die die architektonischen Denkmäler Moskaus darstellen. Diese Arbeiten verbinden den natürlichen Eindruck von mittelalterliche Architektur, traditionelle folkloristische Helligkeit und kubo-futuristische Transformation der Form. In vielen Werken der 1910er Jahre verwendete Lentulov Applikationen. " Nizhny Novgorod» (1915)

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Alexander Archipenko (1887-1964) ukrainisch-amerikanischer Bildhauer, geboren in Kiew. 1906 zog er nach Moskau, 1908 nach Paris. Dort wurde in der Biographie von Archipenko die Entwicklung seiner kubischen Technik in der Skulptur dargelegt, wo er sich bald den Kubisten anschloss und 1923 in die USA zog. Archipenkos Skulptur basiert auf einer scharfen Verformung und geometrischen Stilisierung der plastischen Form, wobei sie nur einen entfernten Bezug zur Realität behält. Seine Werke zeichnen sich durch bewusste Verzerrung der Proportionen und einen scharfen linearen Rhythmus aus.

• Kubismus(Fr. Kubismus) ist ein avantgardistischer Trend in der bildenden Kunst, vor allem in der Malerei, der zu Beginn des 20.

DER AUFSTIEG DES KUBISMUS

• Die Entstehung des Kubismus wird traditionell auf 1906 - 1907 datiert und mit dem Werk von Pablo Picasso und Georges Braque in Verbindung gebracht. Der Begriff „Kubismus“ wurde 1908 geprägt, nachdem der Kunstkritiker Louis Vaucelle Braques neue Gemälde „kubische Macken“ nannte.
• Ab 1912 entstand ein neuer Zweig des Kubismus, den Kunstkritiker „synthetischer Kubismus“ nannten.Es ist ziemlich schwierig, eine einfache Formulierung der Hauptziele und Prinzipien des Kubismus zu geben; In der Malerei lassen sich drei Phasen dieses Trends unterscheiden, die unterschiedliche ästhetische Konzepte widerspiegeln und jeweils getrennt betrachtet werden können: Cezanne (1907-1909), analytischer (1909-1912) und synthetischer (1913-1914) Kubismus.

• Die berühmtesten kubistischen Werke des frühen 20. Jahrhunderts waren Picassos Gemälde " Avignon Mädchen“, „Gitarre“, Werke von Künstlern wie Juan Gris, Fernand Leger, Marcel Duchamp, Skulpturen von Alexander Archipenko usw.

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CEZANNE KUBISMUS

• So bezeichnet man meist die erste Phase des Kubismus, die durch eine Tendenz zur Abstraktion und Vereinfachung der Formen von Gegenständen gekennzeichnet ist. In Anlehnung an den Transzendentalismus des späten 19. Jahrhunderts argumentierten sie so echte Realität besitzt die Idee, nicht ihre Widerspiegelung in der materiellen Welt.

• Einen direkten Einfluss auf die Entstehung des Kubismus hatten Formexperimente in der Malerei von Paul Cezanne. 1904 und 1907 fanden Ausstellungen seiner Arbeiten in Paris statt. In dem 1906 von Picasso geschaffenen Porträt von Gertrude Stein spürt man bereits die Leidenschaft für die Kunst Cezannes. Dann malte Picasso das Gemälde Jungfrauen von Avignon, das als erster Schritt in Richtung Kubismus gilt.

Porträt von Gertrude Stein

• In den Jahren 1907 und Anfang 1908 verwendete Picasso weiterhin Formen der Negerskulptur in seinen Werken (später wurde diese Zeit in seiner Arbeit als "Neger" -Periode bezeichnet).
• Im Herbst 1907 zwei wichtige Ereignisse: Retrospektive Ausstellung von Cezanne und die Bekanntschaft von Braque und Picasso. Den Sommer der Ehe 1907 verbrachte er in Estaca, wo er begann, sich für die Malerei von Cezanne zu interessieren. Ab Ende 1907 begannen Braque und Picasso im kubistischen Stil zu arbeiten.

„FRAU MIT FÄCHER“. 1909 PABLO PICASSO

"BIDON UND SCHÜSSEL". 1908 PABLO PICASSO

Analytischer Kubismus

• Der analytische Kubismus, die zweite Phase des Kubismus, ist durch das Verschwinden von Objektbildern und die allmähliche Verwischung der Unterscheidung zwischen Form und Raum gekennzeichnet. Die Anordnung der Formen im Raum und ihr Verhältnis zu großen kompositorischen Massen ändert sich ständig. Das Ergebnis ist ein visuelles Zusammenspiel von Form und Raum.

"PORTRÄT VON DANIEL-HENRY CAWEILER". 1910 PABLO PICASSO

"PORTRÄT VON AMBROISE VOLLARD". 1915 G. PABLO PICASSO

SYNTHETISCHER KUBISMUS

• Der synthetische Kubismus markierte einen radikalen Wandel in künstlerische Wahrnehmung Bewegung. Dies manifestierte sich erstmals in den Werken von Juan Gris, der sich ab 1911 zu einem aktiven Anhänger des Kubismus entwickelte. Diese Phase des Stils ist gekennzeichnet durch die Leugnung der Bedeutung der dritten Dimension in der Malerei und die Betonung der Bildfläche. Ist im analytischen und hermetischen Kubismus alles künstlerische Mittel dazu dienen sollten, ein Abbild der Form zu erzeugen, dann werden im synthetischen Kubismus Farbe, Oberflächenstruktur, Muster und Linie verwendet, um ein neues Objekt zu konstruieren (synthetisieren).

MANN IN EINEM CAFÉ, 1914 JUAN GRIS

"STILLLEBEN MIT EINEM KORBSTUHL"(1911-1912) PABLO PICASSO

"VIOLINE UND GITARRE" (1913). PABLO PICASSO

Kubismus. Avantgarde - eine Richtung in der Malerei zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Die Gründer sind die französischen Künstler Pablo Picasso und Georges Braque. Die Zeitgenossen sahen im Kubismus eine revolutionäre Abkehr von den „Konventionen des optischen Realismus“ zugunsten einer neuen künstlerischen Vision der Wirklichkeit durch das Prisma geometrischer Formen (Würfel, Kegel, Zylinder). Der Name "Kubismus" entstand aus einer negativen Bewertung der Werke dieser Richtung, die von Kritikern "ein Haufen Würfel" genannt wurden. Pablo Picasso. Musikinstrumente.

Folie 15 aus der Präsentation « ausländische Kunst 20. Jahrhundert". Die Größe des Archivs mit der Präsentation beträgt 8291 KB.

MHK-Klasse 11

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"Geschichte der Fotografie" - Die Menschen haben lange gesucht, um einen Weg zu finden, Bilder zu erhalten. Foto. Lochkamera ( generelle Form). Der Franzose Joseph Nicephore Niepce (1765 - 1833), Louis-Jacques Mande Daguerre. Lochkamera. Unter dem Einfluss von Sonnenlicht verfärben sich Lösungen von Eisensalzen. Diagramm einer Camera Obscura. Es ist bekannt, dass die Brille bereits im 13. Jahrhundert erfunden wurde. Niepce. 1827 traf sich Niépce mit Louis Daguerre. Geschichte der Fotografie. Fotografieren vor Fotografieren.

"Klassizismus in der russischen Kunst" - Klassizismus der St. Petersburger Architektur. Porträt von PA Demidov. Klassizismus in Russland. Klassizismus in der russischen Malerei des 18. Jahrhunderts. Wladimir und Rogneda. A. N. Woronichin. Architekturfund von A. Zakharov. Andrei Nikiforovich Voronikhin, Architekt der Kathedrale. Porträt von Struskaja. Klassizismus in der russischen Kunst. Gebäude der ADSacharow-Admiralität. Die Werke der Klassiker wurden übersichtlich präsentiert. Bedeutende Veränderungen in der bildenden Kunst.

"Merkmale der primitiven Kunst" - Keramikproben. Geheimnisvolles Ritual. Neolithische Kunst. Primitives Ritual. Steinzeit. Primitive. Ritual der Magie. Zentrale Lage im Rock Kunst. IN Oblast Swerdlowsk fand eine mesolithische Siedlung. Die Praxis der Magie. Klimabedingungen. Zentren der Zivilisationen. Paläo-Venus. Mesolithische Siedlung. Werkzeug. Kunstwerke. Verallgemeinertes Bild einer Frau.

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Wenn die Fauvisten davon träumten, Kunst zu schaffen, die das Auge erfreut und die Sinne beruhigt, dann wollten die Kubisten „die menschliche Seele stören“. Die neue Richtung wurde weitgehend von dem Wunsch bestimmt, die experimentelle Suche auf dem Gebiet der Form fortzusetzen. „Viele glauben, dass der Kubismus“, schrieb P. Picasso, „eine besondere Art von Übergangskunst ist, ein Experiment, dessen Ergebnisse erst in der Zukunft zu spüren sein werden. Wer so denkt, missversteht den Kubismus. Der Kubismus ist kein „Samen“ oder „Embryo“, sondern eine Kunst, für die die Form das Wichtigste ist und die Form, einmal geschaffen, nicht verschwinden kann und ein eigenständiges Leben führt.

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Eine ähnliche Charakterisierung griff der Journalist Louis Vexel in einer Rezension einer Ausstellung mit Gemälden von Georges Braque (1882-1963) auf, die im November 1908 in Paris stattfand und zu einem großen Ereignis wurde künstlerisches Leben Europa. Und obwohl die Künstler selbst den Begriff „Kubismus“ in Bezug auf ihre Kunst als zu eng empfanden, fasste er dennoch Wurzeln und begann, eine der neuen Tendenzen in der Malerei zu bezeichnen. Darüber hinaus hatte der Kubismus einen bedeutenden Einfluss auf andere Künste: Bildhauerei, Architektur, Kunsthandwerk, Ballett, Bühnenbild und sogar Literatur.

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George Braque. Violine und Palette. 1910 Museum of Modern Art, New York Farbe und Thema im Kubismus aufgeführt unwichtige Rolle, die wichtigsten waren Zeichnung, statische Konstruktion und Komposition. Pablo Picasso bemerkte: „Der Kubismus unterscheidet sich nicht von den üblichen Strömungen in der Kunst. Hier gelten die gleichen Prinzipien und Elemente wie anderswo. Dass der Kubismus lange missverstanden wurde und es immer noch Menschen gibt, die nichts davon verstehen, bedeutet nicht, dass er unhaltbar ist. Dass ich kein Deutsch lese... heißt das nicht deutsche Sprache existiert nicht".

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Das Bild wurde zu einem wahren Störenfried Spanischer Künstler Pablo Picasso (1881-1973) Mädchen von Avignon. Pablo Picasso. Avignon-Mädchen. 1907 Museum für Moderne Kunst, New York

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Sie war es, die den Beginn einer neuen Richtung in der Kunst des Kubismus markierte. Matisse sah in ihr eine Karikatur moderner Tendenzen in der Malerei und hielt sie nur für einen schlechten Trick seines Freundes. J. Braque, einer der ersten, der dieses Werk sah, erklärte empört, Picasso wolle ihn dazu bringen, „Schleppwasser zu essen und Kerosin zu trinken“. Der berühmte russische Sammler und große Bewunderer des Talents der Künstlerin S. I. Shchukin, der sie in der Werkstatt sah, rief mit Tränen in den Augen aus: „Was für ein Verlust französische Malerei!" Glücklicherweise entpuppten sich die zahlreichen Angriffe der Kritik nur als Ansporn für Picassos weitere kreative Suche. Die riesige Leinwand war das Ergebnis langer Überlegungen der Künstlerin, die offensichtlich die Regeln der klassischen weiblichen Schönheit vernachlässigte. Picasso erklärte: „Ich habe die Hälfte des Bildes gemacht, ich hatte das Gefühl, das war es nicht! Ich habe es anders gemacht, ich habe mich gefragt, ob ich das Ganze noch einmal machen soll. Dann sagte er: Nein, sie werden verstehen, was ich sagen wollte.

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Was wollte die Künstlerin „sagen“ und was verwirrte das Publikum an ihr? fünf Akte weibliche Figuren, aufgenommen aus verschiedenen Blickwinkeln, füllte fast die gesamte Fläche der Leinwand aus. Götzenhafte gefrorene Figuren werden sorglos aus massivem Holz oder Stein geschnitzt. Seltsame Maskengesichter sind stark verzerrt und deformiert. Aller Gefühle und Emotionen beraubt, erschrecken und faszinieren sie zugleich... Das Mädchen rechts blickt gleichgültig durch den geteilten Vorhang. Die auf dem Rücken sitzende Figur drehte sich um und blickte den Betrachter eindringlich an. In jedem Blick – ein stummer Vorwurf und Vorwurf an die Gesellschaft, die Frauen ablehnte und sie zu Krankheit und Tod verdammte. So sollte das Bild, so der Autor, das schlafende Gewissen der Zeitgenossen wecken und wurde daher als leidenschaftliche Stimme des Künstlers zur Verteidigung einer empörten Schönheit, einer gedemütigten und machtlosen Frau, wahrgenommen.

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Die zweite Stufe in der Entwicklung einer neuen Richtung in der Malerei wird als synthetischer Kubismus angesehen verschiedene Artikel wahres Leben. Pablo Picasso. Stillleben mit Strohstuhl. 1912 Picasso-Museum, Paris

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Pablo Picasso. Stillleben mit Strohstuhl. 1912 Musée Picasso, Paris Ein Gitarrenhals, eine Tischdeckenbordüre, ein zylindrischer Standfuß eines Glases, ein Flaschenhals, ein Pfeifenbogen, ein Spielkartenspiel – alles konnte als Vorwand dienen, um die Gemälde zu entschlüsseln. Besonders häufig wurden Buchstaben und Zahlen, Wortfragmente, Fragmente von Telegrafen- oder Zeitungsleitungen, Inschriften an den Fenstern von Geschäften und Cafés, Autonummern, Erkennungszeichen an den Seiten von Flugzeugen eingeführt ... Außerdem wurden in den Gemälden Materialien verwendet, die das fremd waren Ölgemälde: Sand, Sägemehl, Eisen, Glas, Gips, Kohle, Bretter, Tapeten. Dies war der Beginn der Kunst der Collage (Kleben von Materialien, die sich davon in Farbe und Textur unterscheiden, auf eine Unterlage).

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Eines Tages nahm Picasso ein Wachstuch, das das Raster eines Korbstuhls darstellte. Er schnitt ein Stück der benötigten Form aus und klebte es auf die Leinwand. So entstand das „Stillleben mit Strohstuhl“. Das kleine ovale Gemälde war voller Details, die gegen die bestehenden Malnormen verstießen. Disparate Elemente, auf eine bestimmte Weise verbunden, bildeten dennoch ein Ganzes. Pablo Picasso. Stillleben mit Strohstuhl. 1912 Picasso-Museum, Paris „Picasso verstößt absichtlich harmonische Wahrnehmung Gemälde, die Objekte auf einer Leinwand vereinen, deren Realität jeweils unterschiedlich wahrgenommen wird. Aber sie sind so vereint, dass sie ein Spiel widersprüchlicher und gleichzeitig komplementärer Gefühle erzeugen“ (R. Penrose).

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Neben dem Stillleben wandten sich die Kubisten oft dem Porträtgenre zu. Die Figur eines Mannes, dargestellt in geometrischen Formen, reproduzierte das reale Modell sehr entfernt. Der Kopf glich einer Kugel, die Arme einem Rechteck, der Rücken einem Dreieck. Das Gesicht zerfiel in viele einzelne Elemente, wodurch es schwierig war, das Erscheinungsbild der abgebildeten Person wiederherzustellen. Es ist jedoch ein Fall bekannt, als ein amerikanischer Kritiker in einem Pariser Café einen Mann erkannte, der ihm nur von einem kubistischen Porträt von Picasso bekannt war. Pablo Picasso. Porträt von Ambroise Vollard, 1909-1910 Puschkin-Museum im. A. S. Puschkin, Moskau

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Eine verblüffende „Ähnlichkeit“ gelang dem Künstler in dem berühmten „Portrait of Ambroise Vollard“. Vor einem Hintergrund aus komplizierten Kristallen geschaffen, vermittelt es vage die etwas abgeflachte Nase eines bekannten Sammlers. Die hohe und gerade Stirn hebt sich mit sanften Tönen von der vorherrschenden grauen Farbpalette ab. Kaum wahrnehmbare Gesichtszüge werden von kubischen Formen absorbiert. Vollard selbst behauptete, dass, obwohl viele ihn auf der Leinwand nicht erkennen konnten, der vierjährige Sohn eines seiner Freunde, als er das Porträt zum ersten Mal sah, sofort ausrief: „Das ist Onkel Ambroise!“ Pablo Picasso, Porträt von Ambroise Vollard, 1909-1910, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste, Moskau

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Sein Name war schon zu Lebzeiten von Legenden umrankt. Sie bewunderten ihn und stritten sich über ihn. Er wurde gestürzt und wieder auf den Gipfeln des Olymp errichtet. Hunderte von Studien wurden darüber geschrieben. Nach Ansicht von Pablo Picasso wird die Kunst des 20. Jahrhunderts, in der er seine brillanten Entdeckungen machte, noch lange gemessen werden. Die aphoristischen Worte seines Zeitgenossen Andre Breton (1898-1966) behalten immer noch ihren Sinn und Sinn: "Es gibt nichts zu tun, wo Picasso vorbei ist."