Ausländische Künstler der Renaissance. Große italienische Renaissance-Künstler

Sandro Botticelli(1. März 1445 – 17. Mai 1510) – tief religiöser Mensch, wirkte in allen großen Kirchen in Florenz und in der Sixtinischen Kapelle des Vatikans, blieb aber in der Kunstgeschichte vor allem als Autor großformatiger poetischer Leinwände zu Themen, die von der klassischen Antike inspiriert sind – „Frühling“ und „Die Geburt von Venus". .

Botticelli stand lange Zeit im Schatten der Renaissance-Giganten, die nach ihm arbeiteten, bis er drin war Mitte des neunzehnten Jahrhundert von den britischen Präraffaeliten wiederentdeckt, die die fragile Linearität und Frühlingsfrische seiner reifen Gemälde als Höhepunkt in der Entwicklung der Weltkunst verehrten.

Geboren in der Familie eines wohlhabenden Bürgers Mariano di Vanni Filipepi. Eine gute Ausbildung erhalten. Er studierte Malerei bei dem Mönch Filippo Lippi und übernahm von ihm jene Leidenschaft für die Darstellung berührender Motive, die Lippis historische Malerei auszeichnet. Danach arbeitete er für den berühmten Bildhauer Verrocchio. 1470 organisierte er seine eigene Werkstatt..

Die Feinheit und Präzision der Linienführung übernahm er von seinem zweiten Bruder, der Juwelier war. Einige Zeit studierte er bei Leonardo da Vinci in der Werkstatt von Verrocchio. Das ursprüngliche Merkmal von Botticellis eigenem Talent ist seine Neigung zum Phantastischen. Er war einer der ersten, der antike Mythen und Allegorien in die Kunst seiner Zeit einführte, und bearbeitete mit besonderer Liebe mythologische Themen. Besonders spektakulär ist seine Venus, die nackt in einer Muschel auf dem Meer schwimmt, und die Götter der Winde überschütten sie mit einem Regen aus Rosen und treiben die Muschel ans Ufer.

Als beste Schöpfung Botticellis gelten die Fresken, mit denen er 1474 in der Sixtinischen Kapelle des Vatikans begann. Vollendete viele von den Medici in Auftrag gegebene Gemälde. Insbesondere malte er das Banner von Giuliano Medici, dem Bruder von Lorenzo dem Prächtigen. In den 1470er und 1480er Jahren wird das Porträt eigenständiges Genre in der Arbeit von Botticelli ("Mann mit einer Medaille", um 1474; "Junger Mann", 1480er Jahre). Botticelli wurde berühmt für seinen feinen ästhetischen Geschmack und für Werke wie Die Verkündigung (1489-1490), Die verlassene Frau (1495-1500) usw. letzten Jahren seines Lebens hat Botticelli anscheinend die Malerei verlassen ..

Sandro Botticelli ist im Familiengrab in der Ognisanti-Kirche in Florenz begraben. Laut Testament wurde er in der Nähe des Grabes von Simonetta Vespucci begraben, die am meisten inspirierte wunderschöne Bilder Meister.

Leonardo di Ser Piero da Vinci(15. April 1452, das Dorf Anchiano, in der Nähe der Stadt Vinci, in der Nähe von Florenz - 2. Mai 1519, - der große italienische Künstler (Maler, Bildhauer, Architekt) und Wissenschaftler (Anatom, Naturforscher), Erfinder, Schriftsteller, einer von Hauptvertreter Kunst der Hochrenaissance, ein Paradebeispiel des "universellen Menschen". .

Leonardo ist unseren Zeitgenossen vor allem als Künstler bekannt. Darüber hinaus ist es möglich, dass da Vinci ein Bildhauer gewesen sein könnte: Forscher der Universität Perugia – Giancarlo Gentilini und Carlo Sisi – behaupten, dass der 1990 gefundene Terrakottakopf das einzige skulpturale Werk von Leonardo da Vinci ist, das überliefert ist zu uns. Da Vinci selbst betrachtete sich jedoch zu verschiedenen Zeiten seines Lebens in erster Linie als Ingenieur oder Wissenschaftler. Er widmete den schönen Künsten nicht viel Zeit und arbeitete eher langsam. Deshalb künstlerisches Erbe Leonardo ist zahlenmäßig nicht sehr groß, und einige seiner Werke sind verloren gegangen oder schwer beschädigt worden. Doch sein Beitrag zur Welt künstlerische Kultur ist auch vor dem Hintergrund der Genialität, die die italienische Renaissance hervorgebracht hat, von großer Bedeutung. Dank seiner Arbeit hat sich die Kunst der Malerei zu einem qualitativen entwickelt neue Bühne seiner Entwicklung. Die Renaissance-Künstler, die Leonardo vorausgingen, gaben viele der Konventionen der mittelalterlichen Kunst entschieden auf. Es war eine Bewegung in Richtung Realismus, und beim Studium der Perspektive, der Anatomie und der größeren Freiheit bei kompositorischen Entscheidungen wurde bereits viel erreicht. Aber was Malerisches, Arbeiten mit Farbe angeht, waren die Künstler noch recht konventionell und eingeschränkt. Die Linie im Bild umriss das Motiv klar, und das Bild hatte das Aussehen einer gemalten Zeichnung. Das Bedingteste war die Landschaft, die spielte unwichtige Rolle. .

Leonardo realisiert und implementiert ein neues Maltechnik. Seine Linie hat das Recht zu verschwimmen, denn so sehen wir das. Er erkannte das Phänomen der Lichtstreuung in der Luft und das Auftreten von Sfumato - Dunst zwischen dem Betrachter und dem abgebildeten Objekt, der Farbkontraste und Linien weicher macht. Dadurch erreichte der Realismus in der Malerei eine qualitativ neue Ebene. . renaissance-malerei botticelli renaissance

Raffael Santi(28. März 1483 - 6. April 1520) - der große italienische Maler, Grafiker und Architekt, Vertreter der umbrischen Schule ..

Der Sohn des Malers Giovanni Santi absolvierte in Urbino bei seinem Vater Giovanni Santi eine erste künstlerische Ausbildung, landete aber schon in jungen Jahren im Atelier herausragender Künstler Pietro Perugino. Exakt künstlerische Sprache und die Figuralität von Peruginos Gemälden mit ihrer Hinwendung zu einer symmetrischen, ausgewogenen Komposition, Klarheit der räumlichen Auflösung und Weichheit bei der Lösung von Farbe und Beleuchtung hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Art des jungen Raffael.

Es muss auch festgestellt werden, dass der kreative Stil Raffaels eine Synthese von Techniken und Funden anderer Meister beinhaltete. Raphael stützte sich zunächst auf die Erfahrung von Perugino, später wiederum auf die Erkenntnisse von Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo und Michelangelo. .

Frühe Arbeiten(„Madonna Conestabile“ 1502-1503) sind von Anmut, weicher Lyrik durchdrungen. Das irdische Dasein des Menschen, die Harmonie des Geistigen und körperliche Stärke verherrlicht in den Wandmalereien der Räume des Vatikans (1509-1517), nachdem er ein tadelloses Gefühl für Proportionen, Rhythmus, Proportionen, Farbharmonie, Einheit der Figuren und majestätische architektonische Hintergründe erreicht hatte.

In Florenz lernte Raffael, nachdem er mit den Werken von Michelangelo und Leonardo in Kontakt gekommen war, von ihnen das anatomisch korrekte Bild des menschlichen Körpers kennen. Im Alter von 25 Jahren geht der Künstler nach Rom, und von diesem Moment an beginnt die Zeit der höchsten Blüte seines Schaffens: Er führt monumentale Wandmalereien im Vatikanpalast (1509--1511) aus, darunter das unbestrittene Meisterwerk der Meister - das Fresko "Die Schule von Athen", schreibt Altarkompositionen und Staffeleimalereien, die sich durch die Harmonie von Entwurf und Ausführung auszeichnen, arbeitet als Architekt (seit einiger Zeit überwacht Raffael sogar den Bau des Petersdoms). Auf der unermüdlichen Suche nach seinem Ideal, das für den Künstler im Bild der Madonna verkörpert ist, erschafft er seine vollkommenste Schöpfung – die „Sixtinische Madonna“ (1513), ein Symbol für Mutterschaft und Selbstverleugnung. Die Gemälde und Wandmalereien Raffaels wurden von seinen Zeitgenossen anerkannt, und bald wurde Santi zu einer zentralen Figur im künstlerischen Leben Roms. Viele Adelige Italiens wollten mit dem Künstler heiraten, darunter Raffaels enger Freund Kardinal Bibbiena. Der Künstler starb im Alter von 37 Jahren an Herzversagen. Die unvollendeten Gemälde der Villa Farnesina, der Vatikanischen Loggien und anderer Werke wurden von Raffaels Schülern nach seinen Skizzen und Zeichnungen fertiggestellt.

Einer der größten Vertreter der Kunst der Hochrenaissance, dessen Gemälde sich durch die betonte Ausgewogenheit und Harmonie des Ganzen, die Ausgewogenheit der Komposition, die Regelmäßigkeit des Rhythmus und den feinen Umgang mit den Möglichkeiten der Farbe auszeichnen. Tadellose Beherrschung der Linie und die Fähigkeit, das Wesentliche zu verallgemeinern und hervorzuheben, machten Raffael zu einem der herausragendsten Zeichenmeister aller Zeiten. Das Erbe Raffaels diente als eine der Säulen im Prozess der Herausbildung des europäischen Akademismus. Anhänger des Klassizismus - die Brüder Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov und viele andere Künstler - priesen das Erbe Raffaels als das vollkommenste Phänomen der Weltkunst.

Tizian Vecellio(1476/1477 oder 1480-1576) - Italienischer Renaissancemaler. Der Name Tizian steht auf einer Stufe mit Renaissance-Künstlern wie Michelangelo, Leonardo da Vinci und Raffael. Tizian malte Bilder zu biblischen und mythologischen Themen, er wurde als Porträtmaler berühmt. Er wurde von Königen und Päpsten, Kardinälen, Herzögen und Fürsten beauftragt. Tizian war noch nicht einmal dreißig Jahre alt, als er als bester Maler Venedigs anerkannt wurde.

Von seinem Geburtsort (Pieve di Cadore in der Provinz Belluno) wird er manchmal auch da Cadore genannt; auch bekannt als Tizian der Göttliche.

Tizian wurde in die Familie von Gregorio Vecellio, einem Staatsmann und Militärführer, hineingeboren. Im Alter von zehn Jahren wurde er mit seinem Bruder nach Venedig geschickt, um bei dem berühmten Mosaikmaler Sebastian Zuccato zu studieren. Einige Jahre später trat er als Lehrling in das Atelier von Giovanni Bellini ein. Er studierte bei Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) und einer Reihe anderer Künstler, die später berühmt wurden.

1518 malt Tizian das Bild "Die Himmelfahrt der Mutter Gottes", 1515 - Salome mit dem Haupt Johannes des Täufers. Von 1519 bis 1526 malt er mehrere Altäre, darunter den Altar der Familie Pesaro.

Tizian lebte langes Leben. Vor letzten Tage er hat nicht aufgehört zu arbeiten. Mein letztes Bild, "Beweinung Christi", schrieb Tizian für seinen eigenen Grabstein. Der Künstler starb am 27. August 1576 in Venedig an der Pest, nachdem er sich bei der Pflege seines Sohnes die Krankheit zugezogen hatte.

Kaiser Karl V. berief Tizian zu sich, umgab ihn mit Ehre und Respekt und sagte mehr als einmal: „Ich kann einen Herzog schaffen, aber wo bekomme ich einen zweiten Tizian her.“ Als der Künstler eines Tages seinen Pinsel fallen ließ, hob Karl V. ihn auf und sagte: „Es ist ehrenhaft, Tizian sogar dem Kaiser zu dienen.“ Sowohl der spanische als auch der französische König luden Tizian zu sich ein, um sich am Hof ​​niederzulassen, aber der Künstler kehrte nach Ausführung der Befehle immer in seine Heimatstadt Venedig zurück.Ein Krater auf Merkur wurde zu Ehren von Tizian benannt. .

Italien ist ein Land, das schon immer für seine Künstler berühmt war. Die großen Meister, die einst in Italien lebten, verherrlichten die Kunst auf der ganzen Welt. Wir können mit Sicherheit sagen, dass die Welt heute ohne die italienischen Künstler, Bildhauer und Architekten ganz anders aussehen würde. Das bedeutendste in Italienische Kunst zählt natürlich dazu. Italien in der Renaissance oder Renaissance erreichte einen beispiellosen Aufstieg und Wohlstand. Talentierte Künstler, Bildhauer, Erfinder, echte Genies, die damals auftauchten, sind noch jedem Schulkind bekannt. Ihre Kunst, Kreativität, Ideen und Entwicklungen gelten heute als Klassiker, der Kern, auf dem die Weltkunst und -kultur aufbaut.

Einer der meisten berühmte Genies Die italienische Renaissance ist natürlich großartig Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci war so begabt, dass er in vielen Tätigkeitsbereichen große Erfolge erzielte, darunter Bildende Kunst Ach und Wissenschaft. Ein weiterer berühmter Künstler, der ein anerkannter Meister ist, ist Sandro Botticelli(1445-1510). Botticellis Gemälde sind ein echtes Geschenk an die Menschheit. Heute sind seine dichten in den meisten berühmte Museen Welt und sind wirklich unbezahlbar. Nicht weniger berühmt als Leonardo da Vinci und Botticelli ist Raffael Santi(1483-1520), der 38 Jahre lebte und es in dieser Zeit schaffte, eine ganze Schicht atemberaubender Malerei zu schaffen, die zu einem der leuchtendsten Beispiele der Frührenaissance wurde. Ein weiteres großes Genie Italienische Renaissance ist ohne Zweifel Michelangelo Bonarotti(1475-1564). Neben der Malerei beschäftigte sich Michelangelo mit Bildhauerei, Architektur und Poesie und erzielte in diesen Künsten großartige Ergebnisse. Die Statue von Michelangelo namens "David" gilt als unübertroffenes Meisterwerk, ein Beispiel für die höchste Errungenschaft der Bildhauerkunst.

Neben den oben genannten Künstlern waren die größten Künstler Italiens der Renaissance solche Meister wie Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tizian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi und andere. . Alle waren es ein Paradebeispiel herrlich Venezianische Schule malen. Zur Florentiner Schule Italienische Malerei gehören zu Künstlern wie: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Um alle Künstler aufzuzählen, die während der Renaissance sowie während der Spätrenaissance und Jahrhunderte später in der ganzen Welt bekannt wurden und die Kunst der Malerei verherrlichten, entwickelten sie die Grundprinzipien und Gesetze, die allen Arten und Gattungen zugrunde liegen Bildende Kunst, vielleicht wird es mehrere Bände dauern, um sie zu schreiben, aber diese Liste reicht aus, um zu verstehen, dass die großen italienischen Künstler genau die Kunst sind, die wir kennen, die wir lieben und die wir für immer schätzen werden!

Gemälde großer italienischer Künstler

Andrea Mantegna - Fresko in der Camera degli Sposi

Giorgione - Drei Philosophen

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - Die Großmut von Scipio

Paolo Veronese - Schlacht von Lepanto

Die Renaissance begann in Italien. Es erhielt seinen Namen aufgrund der starken intellektuellen und künstlerischen Blüte, die im 14. Jahrhundert begann und die europäische Gesellschaft und Kultur stark beeinflusste. Die Renaissance drückte sich nicht nur in der Malerei aus, sondern auch in Architektur, Bildhauerei und Literatur. Die prominentesten Vertreter der Renaissance sind Leonardo da Vinci, Botticelli, Tizian, Michelangelo und Raffael.

Während dieser Zeit war das Hauptziel der Maler realistisches Bild menschlichen Körper, also malten sie hauptsächlich Menschen, stellten verschiedene religiöse Themen dar. Auch das Prinzip der Perspektive wurde erfunden, was den Künstlern neue Möglichkeiten eröffnete.

Florenz wurde zum Zentrum der Renaissance, gefolgt von Venedig und später, näher am 16. Jahrhundert, Rom.

Leonardo ist uns als talentierter Maler, Bildhauer, Wissenschaftler, Ingenieur und Architekt der Renaissance bekannt. Die meiste Zeit seines Lebens arbeitete Leonardo in Florenz, wo er viele Meisterwerke schuf, die auf der ganzen Welt bekannt sind. Unter ihnen: "Mona Lisa" (sonst - "Gioconda"), "Dame mit dem Hermelin", "Madonna Benois", "Johannes der Täufer" und "St. Anna mit Maria und dem Christkind.

Dieser Künstler ist an seinem einzigartigen Stil erkennbar, den er im Laufe der Jahre entwickelt hat. Auf persönlichen Wunsch von Papst Sixtus IV. bemalte er auch die Wände der Sixtinischen Kapelle. Botticelli malte berühmte Gemälde zu mythologischen Themen. Zu diesen Gemälden gehören "Frühling", "Pallas und der Zentaur", "Die Geburt der Venus".

Tizian war der Leiter der Florentiner Künstlerschule. Nach dem Tod seines Lehrers Bellini wurde Tizian zum offiziellen, allgemein anerkannten Künstler der Republik Venedig. Dieser Maler ist für seine Porträts auf bekannt religiöse Themen: "Die Himmelfahrt Mariens", "Danae", "Erdliebe und Himmelsliebe".

Der italienische Dichter, Bildhauer, Architekt und Künstler hat viele Meisterwerke dargestellt, darunter die berühmte Statue von „David“ aus Marmor. Diese Statue ist zu einer Hauptattraktion in Florenz geworden. Michelangelo malte das Gewölbe der Sixtinischen Kapelle im Vatikan, das war großer Auftrag Papst Julius II. Während seiner Arbeit widmete er sich mehr der Architektur, schenkte uns aber die "Kreuzigung des heiligen Petrus", "Die Grablegung", "Die Erschaffung Adams", "Der Wahrsager".

Sein Werk entstand unter dem großen Einfluss von Leonardo da Vinci und Michelangelo, dank denen er unschätzbare Erfahrungen und Fähigkeiten sammelte. Er malte repräsentativ die Festsäle im Vatikan Menschliche Aktivität und Darstellung verschiedener Szenen aus der Bibel. Unter Berühmte Gemälde Raffael - " Sixtinische Madonna“, „Drei Grazien“, „Saint Michael and the Devil“.

Iwan Sergejewitsch Zeregorodzew

Die Völker Europas versuchten, die durch endlose Vernichtungskriege verlorenen Schätze und Traditionen wiederzubeleben. Kriege haben Menschen vom Angesicht der Erde genommen und die großen Dinge, die Menschen geschaffen haben. Die Idee, die Hochzivilisation wiederzubeleben antike Welt Philosophie, Literatur, Musik, den Aufstieg der Naturwissenschaften und vor allem das Aufblühen der Kunst zum Leben erweckt. Die Zeit verlangte nach starken, gebildeten Menschen, die vor keiner Arbeit zurückschreckten. In ihrer Mitte wurde die Entstehung jener wenigen Genies möglich, die als „Titanen der Renaissance“ bezeichnet werden. Diejenigen, die wir nur beim Vornamen nennen.

Die Renaissance war hauptsächlich italienisch. Daher ist es nicht verwunderlich, dass die Kunst in dieser Zeit in Italien ihren höchsten Aufstieg und ihre Blütezeit erreichte. Hier gibt es Dutzende von Namen von Titanen, Genies, großen und einfach talentierten Künstlern.

MUSIK LEONARDO.

Was für ein glücklicher Mann! viele werden über ihn sagen. Er war mit seltener Gesundheit ausgestattet, gutaussehend, groß, blauäugig. In seiner Jugend trug er blonde Locken, mit einer stolzen Statur, die an Donatellas St. George erinnerte. Er besaß unerhörte und mutige Kraft, männliche Fähigkeiten. Er sang wunderbar, vor Publikum komponierte er Melodien und Gedichte. auf irgendwelchen gespielt Musikinstrument Außerdem hat er sie selbst geschaffen.

Für die Kunst von Leonardo da Vinci haben Zeitgenossen und Nachkommen nie andere Definitionen gefunden als „brillant“, „göttlich“, „großartig“. Die gleichen Worte gelten für seine wissenschaftlichen Enthüllungen: Er erfand einen Panzer, einen Bagger, einen Hubschrauber, ein U-Boot, einen Fallschirm, eine automatische Waffe, einen Taucherhelm, einen Aufzug, entschieden die schwierigsten Probleme Akustik, Botanik, Medizin, Kosmographie, schuf ein Projekt für ein rundes Theater, erfand ein Jahrhundert früher als Galileo ein Uhrenpendel, zeichnete die heutigen Wasserskier, entwickelte die Theorie der Mechanik.

Was für ein glücklicher Mann! - viele werden über ihn sagen und sich an seine geliebten Fürsten und Könige erinnern, die mit ihm Bekanntschaften, Spektakel und Feiertage suchten, die er als Künstler, Dramatiker, Schauspieler, Architekt erfand und wie ein Kind Spaß daran hatte.

Doch war der unermüdliche Langleber Leonardo glücklich, dessen Tag für Tag den Menschen und der Welt Vorsehung und Einsicht schenkte? Er sah das schreckliche Schicksal seiner Kreationen voraus: die Zerstörung des "Letzten Abendmahls", die Erschießung des Denkmals für Francesca Sforza, den niedrigen Handel und den abscheulichen Diebstahl seiner Tagebücher und Arbeitsbücher. Insgesamt sind bis heute nur sechzehn Gemälde erhalten. Wenige Skulpturen. Aber viele Zeichnungen, verschlüsselte Zeichnungen: Wie die Helden der modernen Science-Fiction veränderte er das Detail in seinem Entwurf, als ob der andere es nicht verwenden könnte.

Leonardo da Vinci wirkte mit verschiedene Typen und Kunstgattungen, aber die Malerei brachte ihm den größten Ruhm.

Eines der frühesten Gemälde von Leonardo ist Madonna mit einer Blume oder Benois-Madonna. Schon hier zeigt sich der Künstler als wahrer Innovator. Er überwindet die Grenzen der traditionellen Handlung und gibt dem Bild eine breitere, universelle Bedeutung, die mütterliche Freude und Liebe ist. In dieser Arbeit zeigten sich viele Merkmale der Kunst des Künstlers deutlich: eine klare Komposition von Figuren und Volumen von Formen, ein Wunsch nach Prägnanz und Verallgemeinerung sowie psychologische Ausdruckskraft.

Das Gemälde „Madonna Litta“ war eine Fortsetzung des begonnenen Themas, in dem sich ein weiteres Merkmal der Arbeit der Künstlerin deutlich manifestierte – das Spiel mit Kontrasten. Das Thema wurde mit dem Gemälde „Madonna in der Grotte“ vervollständigt, das die ideale kompositorische Lösung darstellt, dank der die abgebildeten Figuren der Madonna, des Christus und der Engel mit der Landschaft zu einem einzigen Ganzen verschmelzen, das mit ruhiger Ausgewogenheit und Harmonie ausgestattet ist.

Einer der Höhepunkte von Leonardos Werk ist das Fresko " das letzte Abendmahl» im Refektorium des Klosters Santa Maria Della Grazie. Dieses Werk besticht nicht nur durch seine Gesamtkomposition, sondern auch durch seine Präzision. Leonardo vermittelt nicht nur den psychologischen Zustand der Apostel, sondern in dem Moment, in dem er ankommt kritischer Punkt, verwandelt sich in eine psychologische Explosion und einen Konflikt. Diese Explosion wird durch die Worte Christi verursacht: "Einer von euch wird mich verraten." In dieser Arbeit hat Leonardo die Methode der konkreten Gegenüberstellung von Figuren voll ausgeschöpft, wodurch jede Figur als einzigartige Individualität und Persönlichkeit erscheint.

Der zweite Höhepunkt von Leonards Arbeit war berühmtes Porträt Mona Lisa oder „La Gioconda“. Dieses Werk markierte den Beginn des Genres psychologisches Porträt v Europäische Kunst. Als es erstellt wurde Großer Meister das ganze Arsenal an Mitteln bravourös eingesetzt künstlerische Ausdruckskraft: scharfe Kontraste und weiche Untertöne, eingefrorene Unbeweglichkeit und allgemeine Fließfähigkeit und Variabilität, die subtilsten psychologischen Nuancen und Übergänge. Das ganze Genie von Leonardo liegt in dem erstaunlich lebhaften Aussehen von Mona Lisa, ihrem geheimnisvollen und rätselhaftes Lächeln, mystischer Dunst, der die Landschaft bedeckt. Dieses Werk ist eines der seltensten Meisterwerke der Kunst.

Jeder, der die aus dem Louvre in Moskau gebrachte Gioconda gesehen hat, erinnert sich an die Minuten ihrer völligen Taubheit in der Nähe dieser kleinen Leinwand, an die Anspannung des Besten in sich. Gioconda schien ein "Marsianer" zu sein, ein Repräsentant des Unbekannten - es muss die Zukunft sein und nicht die Vergangenheit des menschlichen Stammes, die Verkörperung der Harmonie, von der die Welt nicht müde wurde und nie müde werden wird, davon zu träumen .

Es gibt noch viel mehr über ihn zu sagen. Überrascht, dass dies keine Fiktion oder Fantasie ist. Hier können wir uns zum Beispiel daran erinnern, wie er vorschlug, die Kathedrale von San Giovanni zu verlegen – eine solche Arbeit erstaunt uns, die Bewohner des zwanzigsten Jahrhunderts.

Leonardo sagte: guter Künstler muss in der Lage sein, zwei Hauptsachen zu schreiben: eine Person und eine Darstellung seiner Seele. Oder wird von "Columbine" aus der St. Petersburger Eremitage gesprochen? Einige Forscher nennen es, und nicht die Louvre-Leinwand, "La Gioconda".

Der Knabe Nardo, so hieß er in Vinci: der uneheliche Sohn eines Notarbeamten, der Vögel und Pferde für die besten Geschöpfe der Erde hielt. Von allen geliebt und einsam, Stahlschwerter biegend und Gehängte ziehend. Erfinder der Brücke über den Bosporus und perfekte Stadt, schöner als die von Corbusier und Niemeyer. Mit sanfter Baritonstimme singen und die Mona Lisa zum Lächeln bringen. In einem der letzten Notizbücher schrieb dieser glückliche Mann: "Mir schien, ich lerne zu leben, aber ich lerne zu sterben." Dann fasste er es jedoch zusammen: "Ein gut gelebtes Leben ist ein langes Leben."

Kann man Leonardo widersprechen?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli wurde 1445 in Florenz in der Familie eines Ledergerbers geboren.

Als erstes Originalwerk Botticellis gilt Die Anbetung der Heiligen Drei Könige (um 1740), in dem sich die Haupteigenschaft seiner originellen Art, Verträumtheit und subtile Poesie, bereits voll ausgewirkt hat. Er war mit einem angeborenen Sinn für Poesie begabt, aber ein deutlicher Hauch kontemplativer Traurigkeit durchstrahlte ihn buchstäblich in allem. Selbst der heilige Sebastian, gequält von den Pfeilen seiner Peiniger, sieht ihn nachdenklich und distanziert an.

In den späten 1470er Jahren kam Botticelli in den Kreis des eigentlichen Herrschers von Florenz, Lorenzo Medici, mit dem Spitznamen der Prächtige. In den luxuriösen Gärten von Lorenzo versammelte sich eine Gesellschaft von Menschen, wahrscheinlich die erleuchtetsten und talentiertesten in Florenz. Es gab Philosophen, Dichter, Musiker. Es herrschte eine Atmosphäre der Bewunderung für die Schönheit, und nicht nur die Schönheit der Kunst, sondern auch die Schönheit des Lebens wurde geschätzt. Die Antike jedoch, durch das Prisma späterer philosophischer Schichten wahrgenommen, galt als Prototyp idealer Kunst und idealen Lebens. Zweifellos unter dem Einfluss dieser Atmosphäre die erste großes Bild Botticelli "Primavera (Frühling)". Dies ist eine traumhaft schöne Allegorie auf den ewigen Kreislauf, die ständige Erneuerung der Natur. Es ist von den komplexesten und skurrilsten musikalischen Rhythmen durchdrungen. Die mit Blumen geschmückte Flora, tanzende Grazien im Garten Eden, waren Bilder von damals noch nicht gesehener Schönheit und machten daher einen besonders fesselnden Eindruck. Der junge Botticelli nahm sofort einen prominenten Platz unter den Meistern seiner Zeit ein.

Das hohe Ansehen des jungen Malers sicherte ihm den Auftrag für biblische Fresken für die Vatikanische Sixtinische Kapelle, die er Anfang der 1480er Jahre in Rom schuf. Er malte „Szenen aus dem Leben von Moses“, „Die Bestrafung von Korah, Dathan und Aviron“ und zeigte erstaunliche kompositorische Fähigkeiten. Die klassische Ruhe der antiken Gebäude, vor der Botticelli die Handlung entfaltete, steht in scharfem Kontrast zum dramatischen Rhythmus der dargestellten Charaktere und Leidenschaften; die Bewegung menschlicher Körper ist komplex, kompliziert, gesättigt mit explosiver Kraft; man bekommt den eindruck von erschütternder harmonie, wehrlosigkeit der sichtbaren welt vor dem schnellen ansturm der zeit und des menschlichen willens. Die Fresken der Sixtinischen Kapelle drückten zum ersten Mal die tiefe Angst aus, die in der Seele von Botticelli lebte und die mit der Zeit immer stärker wurde. Das erstaunliche Talent von Botticelli als Porträtmaler spiegelte sich in diesen Fresken wider: Jedes der vielen gemalten Gesichter ist völlig originell, einzigartig und unvergesslich ...

In den 1480er Jahren kehrte Botticelli nach Florenz zurück und arbeitete unermüdlich weiter, aber die heitere Klarheit der „Beispiele“ war bereits weit zurück. Mitte des Jahrzehnts schrieb er sein berühmtes Die Geburt der Venus. Forscher bemerken in den späteren Werken des Meisters einen für ihn vorher ungewöhnlichen Moralismus, eine religiöse Überhöhung.

Vielleicht bedeutender als die späte Malerei, sind Botticellis Zeichnungen der 90er Jahre Illustrationen für " Göttliche Komödie»Dante. Er malte mit offensichtlicher und unverhohlener Freude; Die Visionen des großen Dichters werden liebevoll und sorgfältig vermittelt durch die Perfektion der Proportionen zahlreicher Figuren, die durchdachte Organisation des Raums, den unerschöpflichen Einfallsreichtum bei der Suche nach visuellen Äquivalenten des poetischen Wortes ...

Trotz aller seelischen Stürme und Krisen blieb Botticelli bis zuletzt (er starb 1510) ein großer Künstler, der Meister seiner Kunst. Deutlich wird dies durch die edle Gesichtsplastik im „Portrait junger Mann“, ein ausdrucksstarkes Merkmal des Modells, das keinen Zweifel an seinem Rausch lässt Menschenwürde, die solide Zeichnung des Meisters und sein wohlwollender Blick.

07.08.2014

Studenten von Kunsthochschulen und kunsthistorisch Interessierte wissen, dass an der Wende vom 14. zum 15. Jahrhundert eine scharfe Zäsur in der Malerei stattfand – die Renaissance. Um 1420 herum wurden alle plötzlich viel besser im Zeichnen. Warum wurden die Bilder plötzlich so realistisch und detailliert, und warum hatten die Gemälde Licht und Volumen? Darüber lange Zeit niemand dachte. Bis David Hockney eine Lupe in die Hand nahm.

Lasst uns herausfinden, was er gefunden hat...

Eines Tages betrachtete er Zeichnungen von Jean Auguste Dominique Ingres, dem Leiter der französischen akademischen Schule des 19. Jahrhunderts. Hockney interessierte sich dafür, seine kleinen Zeichnungen in größerem Maßstab zu sehen, und er vergrößerte sie auf einem Kopierer. So stieß er auf die geheimen Seiten der Malereigeschichte seit der Renaissance.

Nachdem er Fotokopien von Ingres' kleinen (ungefähr 30 Zentimeter) Zeichnungen angefertigt hatte, war Hockney erstaunt, wie realistisch sie waren. Und es schien ihm auch, dass ihm die Zeilen von Ingres etwas bedeuteten.
erinnern. Es stellte sich heraus, dass sie ihn an die Arbeit von Warhol erinnern. Und Warhol tat dies – er projizierte ein Foto auf eine Leinwand und skizzierte es.

Links: Detail einer Ingres-Zeichnung. Rechts: Zeichnung von Mao Zedong Warhol

Interessante Fälle, sagt Hockney. Anscheinend verwendete Ingres die Camera Lucida – ein Gerät, das eine Konstruktion mit einem Prisma ist, das beispielsweise an einem Tablet-Ständer befestigt wird. So sieht der Künstler, der seine Zeichnung mit einem Auge betrachtet, das reale Bild und mit dem anderen die eigentliche Zeichnung und seine Hand. Es stellt sich als optische Täuschung heraus, mit der Sie echte Proportionen genau auf Papier übertragen können. Und genau das ist die "Garantie" für den Realismus des Bildes.

Zeichnen eines Porträts mit einer Lucida-Kamera, 1807

Dann interessierte sich Hockney ernsthaft für diese "optische" Art von Zeichnungen und Gemälden. In seinem Atelier hängte er zusammen mit seinem Team Hunderte von Reproduktionen von Gemälden an die Wände, die im Laufe der Jahrhunderte entstanden sind. Werke, die "echt" aussahen und solche, die das nicht taten. Angeordnet nach Entstehungszeit und Regionen – Norden oben, Süden unten – sahen Hockney und sein Team an der Wende vom 14. zum 15. Jahrhundert einen scharfen Wendepunkt in der Malerei. Im Allgemeinen kennt jeder, der sich zumindest ein wenig mit Kunstgeschichte auskennt - die Renaissance.

Vielleicht haben sie die gleiche Kamera-Lucida verwendet? Es wurde 1807 von William Hyde Wollaston patentiert. Tatsächlich wird ein solches Gerät jedoch von Johannes Kepler bereits 1611 in seinem Werk Dioptrie beschrieben. Dann haben sie vielleicht ein anderes optisches Gerät verwendet - eine Camera Obscura? Immerhin ist es seit Aristoteles bekannt und ist ein dunkler Raum, in den Licht durch ein kleines Loch eintritt und somit in einem dunklen Raum eine Projektion dessen, was sich vor dem Loch befindet, aber auf dem Kopf steht, erhält. Alles wäre in Ordnung, aber das Bild, das man erhält, wenn man eine Camera Obscura ohne Objektiv projiziert, ist, gelinde gesagt, nicht von hoher Qualität, es ist nicht klar, es erfordert viel helles Licht, ganz zu schweigen von der Größe die Projektion. Aber hochwertige Linsen waren bis zum 16. Jahrhundert fast unmöglich herzustellen, da es zu dieser Zeit keine Möglichkeit gab, solch hochwertiges Glas herzustellen. Dinge, dachte Hockney, der zu diesem Zeitpunkt bereits mit dem Problem mit dem Physiker Charles Falco zu kämpfen hatte.

Es gibt jedoch ein Gemälde von Jan van Eyck, einem Meister aus Brügge, einem flämischen Maler der Frührenaissance, in dem ein Hinweis verborgen ist. Das Gemälde heißt „Porträt der Cheta Arnolfini“.

Jan Van Eyck „Bildnis der Arnolfini“ 1434

Das Bild glänzt einfach mit einer enormen Detailfülle, was durchaus interessant ist, da es erst 1434 gemalt wurde. Und ein Hinweis darauf, wie es dem Autor gelungen ist, im Realismus des Bildes einen so großen Schritt nach vorne zu machen, ist der Spiegel. Und auch ein Kerzenhalter - unglaublich komplex und realistisch.

Hockney war voller Neugier. Er bekam eine Kopie eines solchen Kronleuchters und versuchte, ihn zu zeichnen. Der Künstler wurde mit der Tatsache konfrontiert, dass ein so komplexes Ding schwer perspektivisch zu zeichnen ist. Andere wichtiger Punkt war die Materialität des Bildes dieses Metallobjekts. Bei der Darstellung eines Stahlobjekts ist es sehr wichtig, die Glanzlichter so realistisch wie möglich zu platzieren, da dies einen enormen Realismus ergibt. Das Problem bei diesen Highlights ist jedoch, dass sie sich bewegen, wenn sich das Auge des Betrachters oder des Künstlers bewegt, was bedeutet, dass es überhaupt nicht einfach ist, sie festzuhalten. Und ein realistisches Bild von Metall und Blendung ist auch dabei Unterscheidungsmerkmal Gemälde der Renaissance, davor haben die Künstler dies nicht einmal versucht.

Durch die Nachbildung eines genauen 3D-Modells des Kronleuchters stellte Hockneys Team sicher, dass der Kronleuchter in The Arnolfini perspektivisch mit einem einzigen Fluchtpunkt gezeichnet wurde. Das Problem war jedoch, dass so präzise optische Instrumente wie eine Camera Obscura mit einem Objektiv erst etwa ein Jahrhundert nach der Entstehung des Gemäldes existierten.

Fragment des Gemäldes von Jan van Eyck „Porträt des Ehepaares Arnolfini“ 1434

Das vergrößerte Fragment zeigt, dass der Spiegel im Gemälde „Bildnis der Arnolfini“ konvex ist. Also gab es im Gegenteil Spiegel - konkav. Mehr noch, damals wurden solche Spiegel auf diese Weise hergestellt - eine Glaskugel wurde genommen und ihr Boden mit Silber bedeckt, dann wurde alles außer dem Boden abgeschnitten. Die Rückseite des Spiegels wurde nicht abgedunkelt. Der Hohlspiegel von Jan van Eyck könnte also derselbe Spiegel sein, der auf dem Bild zu sehen ist, nur eben mit Rückseite. Und jeder Physiker weiß, was ein Spiegel ist, wenn er reflektiert wird, projiziert er ein Bild des Reflektierten. Hier half sein Freund, der Physiker Charles Falco, David Hockney bei Berechnungen und Recherchen.

Ein Hohlspiegel projiziert ein Bild des Turms vor dem Fenster auf die Leinwand.

Die Größe des klaren, fokussierten Teils der Projektion beträgt etwa 30 Quadratzentimeter – und das ist gerade die Größe der Köpfe in vielen Renaissance-Porträts.

Hockney skizziert eine Projektion einer Person auf Leinwand

So groß sind zum Beispiel das Porträt des Dogen Leonardo Loredan von Giovanni Bellini (1501), das Porträt eines Mannes von Robert Campin (1430), Jan van Eycks eigenes Porträt eines „Mannes mit rotem Turban“ und viele mehr andere frühe niederländische Porträts.

Porträts der Renaissance

Das Malen war eine hochbezahlte Arbeit, und natürlich wurden alle Geschäftsgeheimnisse streng vertraulich behandelt. Für den Künstler war es von Vorteil, dass alle Uneingeweihten glaubten, dass die Geheimnisse in den Händen des Meisters seien und nicht gestohlen werden könnten. Der Betrieb war für Außenstehende geschlossen – die Künstler waren in der Zunft, sie bestand auch aus den unterschiedlichsten Handwerkern – vom Sattelmacher bis zum Spiegelmacher. Und in der in Antwerpen gegründeten und erstmals 1382 erwähnten Lukasgilde (damals wurden in vielen anderen ähnliche Gilden eröffnet nördliche Städte, und eine der größten war die Gilde in Brügge - der Stadt, in der Van Eyck lebte) gab es auch Meister, die Spiegel herstellten.

Also hat Hockney die Art und Weise nachgebildet, wie man einen komplexen Kronleuchter aus einem Gemälde von Van Eyck zeichnen kann. Es überrascht nicht, dass die Größe des von Hockney projizierten Kronleuchters genau der Größe des Kronleuchters auf dem Gemälde „Portrait of the Arnolfini“ entspricht. Und natürlich die Glanzlichter auf dem Metall – auf der Projektion stehen sie still und verändern sich nicht, wenn der Künstler seine Position ändert.

Das Problem ist jedoch immer noch nicht vollständig gelöst, da vor dem Erscheinen hochwertiger Optiken, die für die Verwendung der Camera Obscura erforderlich sind, noch 100 Jahre vergangen sind und die Größe der mit Hilfe eines Spiegels erhaltenen Projektion sehr klein ist . Wie malt man Bilder, die größer als 30 Quadratzentimeter sind? Sie sind als Collage entstanden – aus verschiedenen Blickwinkeln ergab sich so eine Art Kugelbild mit vielen Fluchtpunkten. Hockney erkannte dies, weil er sich selbst mit solchen Bildern beschäftigte – er fertigte viele Fotocollagen an, die genau die gleiche Wirkung erzielen.

Fast ein Jahrhundert später, im 15. Jahrhundert, wurde es endlich möglich, Glas gut zu gewinnen und zu verarbeiten - große Linsen tauchten auf. Und sie konnten endlich in eine Camera Obscura eingesetzt werden, deren Funktionsprinzip seit der Antike bekannt ist. Die Camera Obscura mit Objektiv war eine unglaubliche Revolution in der bildenden Kunst, da nun die Projektion beliebig groß sein konnte. Und noch etwas, jetzt war das Bild nicht "Weitwinkel", sondern ungefähr ein normaler Aspekt - also ungefähr so ​​​​wie heute, wenn man mit einem Objektiv mit einer Brennweite von 35-50 mm fotografiert.

Das Problem bei der Verwendung einer Camera Obscura mit einem Objektiv besteht jedoch darin, dass die direkte Projektion vom Objektiv spiegelnd ist. Dies führte zu vielen Linkshändern in der Malerei in den frühen Stadien der Verwendung von Optiken. Wie auf diesem Gemälde aus dem 16. Jahrhundert aus dem Frans Hals Museum, wo ein linkshändiges Paar tanzt, ein linkshändiger alter Mann sie mit einem Finger bedroht und ein linkshändiger Affe unter das Kleid der Frau späht.

Alle auf diesem Bild sind Linkshänder.

Das Problem wird gelöst, indem ein Spiegel installiert wird, in den die Linse gerichtet ist, wodurch die korrekte Projektion erhalten wird. Aber anscheinend kostete ein guter, gleichmäßiger und großer Spiegel viel Geld, also hatte ihn nicht jeder.

Ein weiteres Problem war die Fokussierung. Tatsache ist, dass einige Teile des Bildes an einer Position der Leinwand unter den Strahlen der Projektion unscharf und nicht klar waren. In den Werken von Jan Vermeer, wo der Einsatz von Optik recht deutlich sichtbar ist, sehen seine Arbeiten im Allgemeinen wie Fotografien aus, man kann auch unscharfe Stellen erkennen. Sie können sogar das Muster sehen, das das Objektiv abgibt – das berüchtigte „Bokeh“. Wie hier zB auf dem Gemälde „Die Milchmagd“ (1658) sind der Korb, das Brot darin und die blaue Vase unscharf. Aber das menschliche Auge kann nicht „unscharf“ sehen.

Einige Details des Bildes sind unscharf

Und angesichts all dessen ist es nicht verwunderlich guter Freund Jan Vermeer war auch Anthony Phillips van Leeuwenhoek, Wissenschaftler und Mikrobiologe einzigartiger Meister der seine eigenen Mikroskope und Objektive herstellte. Der Wissenschaftler wurde posthum zum Manager des Künstlers. Und dies deutet darauf hin, dass Vermeer genau seinen Freund auf zwei Leinwänden dargestellt hat - "Geograph" und "Astronom".

Um einen Teil im Fokus zu sehen, müssen Sie die Position der Leinwand unter den Projektionsstrahlen ändern. Aber in diesem Fall traten Proportionsfehler auf. Wie hier zu sehen: die riesige Schulter von Anthea von Parmigianino (um 1537), der kleine Kopf von Anthony van Dycks „Lady Genovese“ (1626), die riesigen Füße eines Bauern in einem Gemälde von Georges de La Tour.

Fehler in Proportionen

Natürlich haben alle Künstler Objektive auf unterschiedliche Weise verwendet. Jemand für Skizzen, jemand, der aus verschiedenen Teilen zusammengesetzt war – schließlich war es jetzt möglich, ein Porträt zu machen und alles andere mit einem anderen Modell oder sogar mit einer Schaufensterpuppe fertigzustellen.

Von Velasquez sind fast keine Zeichnungen mehr vorhanden. Sein Meisterwerk blieb jedoch - ein Porträt von Papst Innozenz dem 10. (1650). Auf dem Mantel des Papstes - offensichtlich aus Seide - ist ein wunderschönes Lichtspiel. Blendung. Und um das alles von einem Standpunkt aus zu schreiben, musste man sich sehr anstrengen. Aber wenn Sie eine Projektion machen, dann wird all diese Schönheit nirgendwohin weglaufen - der Glanz bewegt sich nicht mehr, Sie können mit genau diesen breiten und schnellen Strichen wie Velazquez schreiben.

Hockney reproduziert ein Gemälde von Velasquez

In der Folge konnten sich viele Künstler die Camera Obscura leisten, und sie hörte auf großes Geheimnis. Canaletto nutzte die Kamera aktiv, um seine Ansichten von Venedig zu erstellen, und versteckte sie nicht. Diese Gemälde erlauben es uns dank ihrer Genauigkeit, von Canaletto als Dokumentarfilmer zu sprechen. Dank Canaletto sieht man nicht nur schönes Bild sondern auch die Geschichte selbst. Sie können sehen, was die erste Westminster Bridge 1746 in London war.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Der britische Künstler Sir Joshua Reynolds besaß eine Camera Obscura und hat anscheinend niemandem davon erzählt, da seine Kamera zusammengeklappt und wie ein Buch aussieht. Heute befindet es sich im London Science Museum.

Als Buch getarnte Camera obscura

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts fluchte schließlich William Henry Fox Talbot mit einer Lucida-Kamera – der Kamera, in die man mit einem Auge schauen und mit den Händen zeichnen muss – und entschied, dass eine solche Unannehmlichkeit einmal abgeschafft werden sollte und für alle, und wurde einer der Erfinder der chemischen Fotografie und später ein Popularisierer, der sie zur Masse machte.

Mit der Erfindung der Fotografie verschwand das Monopol der Malerei auf den Realismus des Bildes, nun ist das Foto zum Monopol geworden. Und hier wurde die Malerei endlich von der Linse befreit und setzte den Weg fort, von dem sie sich im 14. Jahrhundert abwandte, und Van Gogh wurde zum Vorläufer aller Kunst des 20. Jahrhunderts.

Links: Byzantinisches Mosaik 12. Jahrhundert. Rechts: Vincent van Gogh „Bildnis des Herrn Trabuk“ 1889

Die Erfindung der Fotografie ist das Beste, was der Malerei in ihrer gesamten Geschichte passiert ist. Es war nicht mehr notwendig, ausschließlich reale Bilder zu schaffen, der Künstler wurde frei. Natürlich brauchte die Öffentlichkeit ein Jahrhundert, um mit Künstlern in ihrem Verständnis von visueller Musik gleichzuziehen und aufzuhören, Leute wie Van Gogh für „verrückt“ zu halten. Gleichzeitig begannen Künstler, Fotografien aktiv als " Referenzmaterial". Dann gab es Leute wie Wassily Kandinsky, die russische Avantgarde, Mark Rothko, Jackson Pollock. Nach Malerei, Architektur, Skulptur und Musik wurden veröffentlicht. Zwar ist die russische akademische Schule der Malerei in der Zeit festgefahren, und auch heute noch gilt es in Akademien und Schulen als Schande, die Fotografie zu Hilfe zu nehmen, und die rein technische Fähigkeit, mit bloßen Händen möglichst realistisch zu zeichnen, gilt als höchste Leistung .

Dank eines Artikels des Journalisten Lawrence Weshler, der bei den Recherchen von David Hockney und Falco anwesend war, ein weiterer interessante Tatsache: Van Eycks Porträt der Arnolfinis ist ein Porträt eines italienischen Kaufmanns in Brügge. Herr Arnolfini ist Florentiner und außerdem ein Vertreter der Medici-Bank (praktisch die Meister des Renaissance-Florenz, die in Italien als Förderer der Kunst dieser Zeit galten). Was bedeutet das? Die Tatsache, dass er das Geheimnis der Lukasgilde – einen Spiegel – leicht mit nach Florenz nehmen konnte, in dem der traditionellen Geschichte zufolge die Renaissance begann und Künstler aus Brügge (und dementsprechend andere Meister) sind gelten als „Primitive“.

Die Hockney-Falco-Theorie ist umstritten. Aber es ist sicherlich ein Körnchen Wahrheit darin. Was Kunstkritiker, Kritiker und Historiker betrifft, ist es sogar schwer vorstellbar, wie viele wissenschaftliche Abhandlungenüber Geschichte und Kunst stellte sich zwar als völliger Unsinn heraus, aber dies verändert die gesamte Kunstgeschichte, alle ihre Theorien und Texte.

Die Tatsachen der Verwendung von Optik schmälern die Talente der Künstler nicht im Geringsten - schließlich ist die Technologie ein Mittel, um zu vermitteln, was der Künstler will. Und umgekehrt ist das meiste auf diesen Bildern echte Realität, verleiht ihnen nur zusätzliches Gewicht – schließlich sahen genau so die damaligen Menschen, Dinge, Grundstücke, Städte aus. Das sind die echten Dokumente.