जापानी कला के मुख्य कार्यों की महानता का रहस्य। जापानी चित्रकला का विकास

इस लेख के साथ, मैं जापानी इतिहास पर लेखों की एक श्रृंखला शुरू करता हूँ दृश्य कला. ये पोस्ट मुख्य रूप से हियान काल से शुरू होने वाली पेंटिंग पर केंद्रित होंगी, और यह लेख एक परिचय है और 8वीं शताब्दी तक कला के विकास का वर्णन करता है।

जोमोन काल
जापानी संस्कृति की बहुत प्राचीन जड़ें हैं - सबसे पुरानी खोज 10 वीं सहस्राब्दी ईसा पूर्व की है। इ। पर आधिकारिक तौर पर जोमन काल का प्रारंभ 4500 ईसा पूर्व माना जाता है। इ। इस अवधि के बारे में nekokit बहुत अच्छी पोस्ट लिखी।
जेमन सिरेमिक की विशिष्टता यह है कि आमतौर पर कृषि के विकास के साथ-साथ सिरेमिक की उपस्थिति नवपाषाण युग की शुरुआत का संकेत देती है। हालांकि, मेसोलिथिक युग में भी, कृषि के आगमन से कई हज़ार साल पहले, जोमोन शिकारी-संग्रहकर्ताओं ने एक जटिल आकार के मिट्टी के बर्तनों का निर्माण किया।

मिट्टी के बर्तनों के बहुत प्रारंभिक रूप के बावजूद, जोमोन युग के लोगों ने बहुत धीरे-धीरे तकनीक विकसित की और पाषाण युग के स्तर पर बने रहे।

मध्य जोमोन अवधि (2500-1500 ईसा पूर्व) के दौरान, चीनी मिट्टी की मूर्तियाँ दिखाई दीं। लेकिन मध्य और उत्तर (1000-300 ईसा पूर्व) दोनों काल में वे अमूर्त और अत्यधिक शैलीबद्ध रहते हैं।

एबिसुदा से, ताजिरी-चो, मियागी.एच. 36.0।
जोमन अवधि, 1000-400B.C.
टोक्यो राष्ट्रीय संग्रहालय

वैसे यूफोलॉजिस्ट मानते हैं कि ये एलियंस की तस्वीरें हैं. इन मूर्तियों में वे अपने चेहरे पर स्पेससूट, चश्मे और ऑक्सीजन मास्क देखते हैं, और "स्पेससूट" पर सर्पिल की छवियों को आकाशगंगाओं के नक्शे माना जाता है।

यायोई काल
यायोई जापानी इतिहास की एक छोटी अवधि है, जो 300 ईसा पूर्व से 300 ईस्वी तक चली, जिसके दौरान जापानी समाज में सबसे नाटकीय सांस्कृतिक परिवर्तन हुए। इस अवधि के दौरान, मुख्य भूमि से आने वाली और जापानी द्वीपों की स्वदेशी आबादी को विस्थापित करने वाली जनजातियाँ अपनी संस्कृति और नई तकनीकों, जैसे चावल की खेती और कांस्य प्रसंस्करण को लेकर आईं। फिर से, याओई काल की अधिकांश कला और प्रौद्योगिकी कोरिया और चीन से आयात की गई थी।

कोफुन अवधि
300 से 500 वर्षों के बीच, आदिवासी नेताओं को "कोफुन" नामक टीले में दफनाया गया था। इस काल को इसी नाम से पुकारा जाता है।

जिन चीजों की मृतकों को आवश्यकता हो सकती थी उन्हें कब्रों में रखा जाता था। ये भोजन, उपकरण और हथियार, गहने, मिट्टी के बर्तन, दर्पण और सबसे दिलचस्प - मिट्टी की मूर्तियाँ हैं जिन्हें "हनीवा" कहा जाता है।

कोकाई, ओइज़ुमी-माची, गुनमा से।एच.68.5।
कोफुन काल, छठी शताब्दी।
टोक्यो राष्ट्रीय संग्रहालय

मूर्तियों का सटीक उद्देश्य अज्ञात है, लेकिन वे कोफुन युग के सभी कब्रों में पाए जाते हैं। इन छोटी मूर्तियों से कोई भी कल्पना कर सकता है कि उस समय लोग कैसे रहते थे, क्योंकि लोगों को औजारों और हथियारों के साथ और कभी-कभी घरों के बगल में चित्रित किया जाता है।

चीनी परंपराओं से प्रभावित इन मूर्तियों में स्वतंत्र तत्व केवल स्थानीय कला में निहित हैं।

महिला नर्तकी, पश्चिमी हान राजवंश (206 ई.पू.-ए.डी. 9), दूसरी शताब्दी ई.पू.
चीन
मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, एनवाई

कोफुन अवधि के दौरान, मूर्तियाँ अधिक परिष्कृत और अधिक से अधिक भिन्न हो जाती हैं। ये सैनिकों, शिकारियों, गायकों, नर्तकियों आदि की छवियां हैं।

नोहारा, कोनन-माची, सैतामा से। वर्तमान एच। 64.2, 57.3।
कोफुन काल, छठी शताब्दी।
टोक्यो राष्ट्रीय संग्रहालय

इन मूर्तियों की एक और विशेषता है। हनिवा न केवल एक सामाजिक कार्य का प्रतिनिधित्व करता है, बल्कि आकृति के मिजाज का भी प्रतिनिधित्व करता है। उदाहरण के लिए, एक योद्धा के चेहरे पर सख्त अभिव्यक्ति होती है। और किसानों के चेहरों पर बड़ी मुस्कान है।

इज़ुका-चो, ओटा-शि, गुनमा से। एच। 130.5।
कोफुन काल, छठी शताब्दी।
टोक्यो राष्ट्रीय संग्रहालय

असुका अवधि
Yayoi अवधि के बाद से, जापानी दृश्य कला कोरियाई या कोरियाई से अविभाज्य रही है चीनी कला. यह सातवीं और आठवीं शताब्दी में सबसे अधिक ध्यान देने योग्य हो जाता है, जब जापानी कला विभिन्न प्रकार की दृश्य शैलियों में तेजी से विकसित होने लगी।

6ठी शताब्दी में, जापानी समाज में आमूल-चूल परिवर्तन हुए: यमातो का पहला जापानी राज्य आखिरकार आकार ले चुका था, और साथ ही, 552 में, बौद्ध धर्म जापान में आया, अपने साथ बौद्ध मूर्तिकला और एक मंदिर की अवधारणा लेकर आया, जिसने उपस्थिति का कारण बना जापान में मंदिरों के - शिंटो के साथ-साथ बौद्ध भी।
शिंटो मंदिरों ने अन्न भंडार की वास्तुकला का पालन किया (शुरुआती शिंटो मंदिर अन्न भंडार थे जहां फसल उत्सव आयोजित किए जाते थे। धार्मिक उत्सवों के दौरान, लोगों का मानना ​​था कि देवता उनके साथ दावत दे रहे थे।)
शिंटो देवता - सबसे पहले और सबसे महत्वपूर्ण प्राकृतिक बलताकि इन तीर्थस्थलों की वास्तुकला प्रकृति के साथ एकीकृत हो, जैसे कि नदियाँ और जंगल। यह समझना महत्वपूर्ण है। शिंटो वास्तुकला में, मानव निर्मित संरचनाएं प्राकृतिक दुनिया के विस्तार के लिए थीं।

पहला बौद्ध मंदिर, शितेनोजी, केवल 593 में ओसाका में बनाया गया था। ये शुरुआती मंदिर कोरियाई बौद्ध मंदिरों की नकल थे, जिसमें तीन इमारतों और एक ढके हुए गलियारे से घिरा एक केंद्रीय पगोडा शामिल था।

बौद्ध धर्म के प्रसार ने चीन के साथ जापान और कोरिया के बीच संपर्क और जापानी संस्कृति में चीनी संस्कृति के एकीकरण की सुविधा प्रदान की।

जापान? यह कैसे विकसित हुआ? हम लेख में इन और अन्य सवालों के जवाब देंगे। जापानी संस्कृति का गठन एक ऐतिहासिक आंदोलन के परिणामस्वरूप हुआ था जो तब शुरू हुआ जब जापानी मुख्य भूमि से द्वीपसमूह में चले गए और जोमन काल की सभ्यता का जन्म हुआ।

यूरोप, एशिया (विशेष रूप से कोरिया और चीन) और उत्तरी अमेरिका ने इन लोगों के वर्तमान ज्ञान को बहुत प्रभावित किया है। जापानी संस्कृति के संकेतों में से एक तोकुगावा शोगुनेट के शासनकाल के दौरान अन्य सभी देशों से राज्य (सकोकू नीति) के पूर्ण अलगाव के युग में इसका लंबा विकास है, जो 19 वीं शताब्दी के मध्य तक चला - जापानी संस्कृति की शुरुआत मीजी युग।

प्रभाव

इसे कैसे किया कला संस्कृतिजापान? सभ्यता देश के पृथक क्षेत्रीय स्थान, जलवायु और से काफी प्रभावित थी भौगोलिक विशेषताओं, साथ ही प्राकृतिक घटनाएं (आंधी और लगातार भूकंप)। यह एक जीवित प्राणी के रूप में प्रकृति के प्रति जनसंख्या के असाधारण रवैये में व्यक्त किया गया था। विशेषता राष्ट्रीय चरित्रजापानी ब्रह्मांड की वर्तमान सुंदरता की प्रशंसा करने की क्षमता है, जो एक छोटे से देश में कई प्रकार की कलाओं में व्यक्त की जाती है।

जापान की कलात्मक संस्कृति बौद्ध धर्म, शिंटोवाद और कन्फ्यूशीवाद के प्रभाव में बनाई गई थी। इन्हीं प्रवृत्तियों ने इसके आगे के विकास को प्रभावित किया।

प्राचीन समय

सहमत हूँ, जापान की कलात्मक संस्कृति शानदार है। शिंटोवाद की जड़ें प्राचीन काल में हैं। बौद्ध धर्म, हालांकि यह हमारे युग से पहले प्रकट हुआ था, पांचवीं शताब्दी से ही फैलना शुरू हुआ। हियान काल (8वीं-12वीं शताब्दी) को जापान के राज्य का स्वर्ण युग माना जाता है। इसी काल में इस देश की सुरम्य संस्कृति अपने उच्चतम शिखर पर पहुंच गई।

कन्फ्यूशीवाद 13वीं शताब्दी में प्रकट हुआ। इस अवस्था में कन्फ्यूशियस और बौद्ध धर्म के दर्शन में अलगाव हो गया था।

चित्रलिपि

जापान की कलात्मक संस्कृति की छवि एक अद्वितीय छंद में सन्निहित है, जिसे कहा जाता है। इस देश में, सुलेख की कला भी अत्यधिक विकसित है, जो कि किंवदंती के अनुसार, स्वर्गीय दिव्य छवियों से उत्पन्न हुई है। यह वे थे जिन्होंने लेखन में जान फूंक दी थी, इसलिए जनसंख्या वर्तनी में हर संकेत के प्रति दयालु है।

अफवाह यह है कि यह चित्रलिपि थी जिसने जापानी संस्कृति को दिया था, क्योंकि उत्कीर्णन के आसपास के चित्र उनसे प्रकट हुए थे। थोड़ी देर बाद, एक काम में चित्रकला और कविता के तत्वों का एक मजबूत संयोजन देखा जाने लगा।

यदि आप एक जापानी स्क्रॉल का अध्ययन करते हैं, तो आप पाएंगे कि कार्य में दो प्रकार के प्रतीक होते हैं। ये लेखन के संकेत हैं - मुहरें, कविताएँ, कोलोफ़ेन, साथ ही सुरम्य। वहीं, काबुकी थिएटर को काफी लोकप्रियता मिली। एक अलग प्रकार का रंगमंच - लेकिन - मुख्य रूप से सैन्य कर्मियों द्वारा पसंद किया जाता है। उनकी गंभीरता और क्रूरता का नंबर 1 पर गहरा प्रभाव था।

चित्रकारी

कई विशेषज्ञों द्वारा कलात्मक संस्कृति का अध्ययन किया गया है। इसके निर्माण में एक बड़ी भूमिका कैगा पेंटिंग द्वारा निभाई गई थी, जिसका जापानी में अर्थ ड्राइंग या पेंटिंग है। इस कला को राज्य की सबसे पुरानी प्रकार की पेंटिंग माना जाता है, जो बड़ी संख्या में समाधानों और रूपों से निर्धारित होती है।

इसमें प्रकृति का एक विशेष स्थान है, जो पवित्र सिद्धांत को निर्धारित करता है। सुमी-ए और यमातो-ए में चित्रकला का विभाजन दसवीं शताब्दी से अस्तित्व में है। पहली शैली चौदहवीं शताब्दी के करीब विकसित हुई। यह एक तरह का मोनोक्रोम वॉटरकलर है। यमातो-ई क्षैतिज रूप से मुड़े हुए स्क्रॉल हैं जो आमतौर पर साहित्य के कार्यों की सजावट में उपयोग किए जाते हैं।

थोड़ी देर बाद, 17 वीं शताब्दी में, देश में गोलियों पर छपाई दिखाई दी - ukiyo-e। परास्नातक चित्रित परिदृश्य, गीशा, प्रसिद्ध अभिनेताकाबुकी थिएटर। 18वीं सदी में इस तरह की पेंटिंग का यूरोप की कला पर खासा प्रभाव था। उभरती हुई प्रवृत्ति को "जापानवाद" कहा जाता था। मध्य युग में, जापान की संस्कृति देश की सीमाओं से परे चली गई - इसका उपयोग दुनिया भर में स्टाइलिश और फैशनेबल अंदरूनी के डिजाइन में किया जाने लगा।

सुलेख

ओह, जापान की कलात्मक संस्कृति कितनी सुंदर है! प्रकृति के साथ सामंजस्य की समझ इसके प्रत्येक खंड में देखी जा सकती है। आधुनिक जापानी सुलेख क्या है? इसे शोडो ("सूचनाओं का तरीका") कहा जाता है। सुलेख, लेखन की तरह, एक अनिवार्य अनुशासन है। वैज्ञानिकों ने पाया है कि यह कला चीनी लेखन के साथ-साथ वहां आई थी।

वैसे तो प्राचीन काल में किसी व्यक्ति की संस्कृति का अंदाजा उसके सुलेख के स्तर से लगाया जाता था। आज है बड़ी संख्यालेखन शैली, और बौद्ध भिक्षुओं द्वारा विकसित की गई हैं।

मूर्ति

जापानी संस्कृति कैसे आई? हम मानव जीवन के इस क्षेत्र के विकास और प्रकारों का अधिक से अधिक विस्तार से अध्ययन करेंगे। मूर्तिकला जापान की सबसे पुरानी कला है। प्राचीन काल में इस देश के लोग मिट्टी के पात्र से मूर्तियाँ और व्यंजन बनाते थे। फिर लोगों ने कब्रों पर पकी हुई मिट्टी से बनी खनीव की मूर्तियाँ स्थापित करना शुरू किया।

आधुनिक में मूर्तिकला शिल्प का विकास जापानी संस्कृतिराज्य में बौद्ध धर्म के प्रसार से जुड़ा हुआ है। जापानी स्मारकों के सबसे प्राचीन प्रतिनिधियों में से एक को ज़ेंको-जी मंदिर में रखी गई लकड़ी से बनी बुद्ध अमिताभ की मूर्ति माना जाता है।

मूर्तियां अक्सर बीम से बनाई जाती थीं, लेकिन वे बहुत समृद्ध दिखती थीं: कारीगरों ने उन्हें वार्निश, सोने और चमकीले रंगों से ढक दिया था।

origami

क्या आपको जापान की कलात्मक संस्कृति पसंद है? प्रकृति के साथ सामंजस्य की समझ एक अविस्मरणीय अनुभव लाएगी। अभिलक्षणिक विशेषताजापानी संस्कृति ओरिगेमी ("मुड़ा हुआ कागज") का अद्भुत उत्पाद बन गई है। इस कौशल की उत्पत्ति चीन से हुई है, जहां, वास्तव में, चर्मपत्र का आविष्कार किया गया था।

सबसे पहले, "मुड़ा हुआ कागज" धार्मिक समारोहों में इस्तेमाल किया गया था। इस कला का अध्ययन केवल उच्च वर्ग ही कर सकता था। लेकिन द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, ओरिगेमी ने रईसों के घरों को छोड़ दिया और पूरी पृथ्वी पर इसके प्रशंसक पाए।

इकेबाना

सभी को पता होना चाहिए कि पूर्व के देशों की कलात्मक संस्कृति क्या है। जापान ने इसके विकास में बहुत काम किया है। इस संस्कृति का एक अन्य घटक सुदंर देशइकेबाना ("जीवित फूल", "फूलों का नया जीवन") है। जापानी सौंदर्यशास्त्र और सादगी के प्रशंसक हैं। यह ठीक यही दो गुण हैं जो कार्यों में निवेशित हैं। वनस्पतियों के प्राकृतिक सौन्दर्य के लाभकारी उपयोग से चित्रों का परिष्कार प्राप्त होता है। इकेबाना, ओरिगेमी की तरह, एक धार्मिक समारोह के हिस्से के रूप में भी काम करता था।

लघुचित्र

शायद, बहुत से लोग पहले ही समझ चुके हैं कि प्राचीन चीन और जापान की कलात्मक संस्कृति आपस में घनिष्ठ रूप से जुड़ी हुई है। और बोन्साई क्या है? एक असली पेड़ की लगभग सटीक लघु प्रतिकृति तैयार करना एक जापानी अद्वितीय कौशल है।

जापान में, नेटसुक बनाना भी आम है - छोटी मूर्तियाँ जो एक प्रकार की चाबी का गुच्छा होती हैं। इस क्षमता में अक्सर ऐसी मूर्तियाँ जापानियों के कपड़ों से जुड़ी होती थीं, जिनमें जेब नहीं होती थी। उन्होंने न केवल इसे सजाया, बल्कि एक मूल काउंटरवेट के रूप में भी काम किया। चाबी के छल्ले एक चाबी, एक थैली, एक विकर टोकरी के रूप में बनाए गए थे।

पेंटिंग का इतिहास

कला संस्कृति प्राचीन जापानबहुत से लोगों में दिलचस्पी है। इस देश में चित्रकला की उत्पत्ति जापानी पुरापाषाण काल ​​के दौरान हुई और इस तरह से विकसित हुई:

• यमातो अवधि। असुका और कोफुन (चौथी-सातवीं शताब्दी) के समय, चित्रलिपि की शुरुआत के साथ, एक चीनी शैली के राज्य शासन का निर्माण और बौद्ध धर्म को लोकप्रिय बनाने के साथ, कला के कई कार्य चीन से जापान लाए गए थे। उसके बाद, उगते सूरज की भूमि में चीनी शैली के चित्रों का पुनरुत्पादन शुरू हुआ।
• नारा समय। छठी और सातवीं शताब्दी में। जापान में बौद्ध धर्म का विकास जारी रहा। इस संबंध में, धार्मिक चित्रकला फलने-फूलने लगी, जिसका उपयोग अभिजात वर्ग द्वारा निर्मित कई मंदिरों को सजाने के लिए किया जाता था। सामान्य तौर पर, नारा युग के दौरान, चित्रकला की तुलना में मूर्तिकला और कला के विकास में योगदान अधिक था। इस चक्र के शुरुआती चित्रों में शाक्यमुनि बुद्ध के जीवन को दर्शाते हुए नारा प्रान्त में होरीयू-जी मंदिर की आंतरिक दीवारों पर भित्ति चित्र शामिल हैं।
• हियान युग। जापानी चित्रकला में, 10 वीं शताब्दी से शुरू होकर, यमातो-ए की प्रवृत्ति प्रतिष्ठित है, जैसा कि हमने ऊपर लिखा है। इस तरह के चित्र क्षैतिज स्क्रॉल होते हैं जिनका उपयोग पुस्तकों को चित्रित करने के लिए किया जाता है।
• मुरोमाची का युग। XIV सदी में, सुपी-ए शैली (मोनोक्रोम वॉटरकलर) दिखाई दी, और XVII सदी की पहली छमाही में। कलाकारों ने बोर्डों पर उत्कीर्णन करना शुरू किया - ukiyo-e।
• अज़ुची-मोमोयामा युग की पेंटिंग मुरोमाची काल की पेंटिंग के ठीक विपरीत है। इसमें चांदी के व्यापक उपयोग के साथ एक बहुरंगी शैली है और इस अवधि के दौरान, कानो शैक्षणिक संस्थान ने बहुत प्रतिष्ठा और प्रसिद्धि का आनंद लिया। इसके संस्थापक कानो ईटोकू थे, जिन्होंने अलग-अलग कमरों में छत और स्लाइडिंग दरवाजे पेंट किए। इस तरह के चित्र सैन्य बड़प्पन के महल और महलों को सुशोभित करते थे।
• माईजी युग। 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के बाद से, कला प्रतिस्पर्धी पारंपरिक और यूरोपीय शैलियों में विभाजित हो गई है। माईजी युग के दौरान, जापान महान सामाजिक और के दौर से गुजरा राजनीतिक परिवर्तनअधिकारियों द्वारा आयोजित आधुनिकीकरण और यूरोपीयकरण की प्रक्रिया में। युवा होनहार कलाकारों को अध्ययन के लिए विदेश भेजा गया, और विदेशी कलाकार स्कूली कला कार्यक्रम बनाने के लिए जापान आए। जैसा भी हो, पश्चिम की कलात्मक शैली के बारे में जिज्ञासा के शुरुआती उछाल के बाद, पेंडुलम आ गया विपरीत पक्ष, और जापानी पारंपरिक शैली को पुनर्जीवित किया गया। 1880 में, पश्चिमी कला प्रथाओं को आधिकारिक प्रदर्शनियों से प्रतिबंधित कर दिया गया और भारी आलोचना की गई।

कविता

प्राचीन जापान की कलात्मक संस्कृति का अभी भी अध्ययन किया जा रहा है। इसकी विशेषता बहुमुखी प्रतिभा है, कुछ सिंथेटिक्स, क्योंकि यह विभिन्न धर्मों के प्रभाव में बनाई गई थी। यह ज्ञात है कि जापानी शास्त्रीय कविता रोजमर्रा की जिंदगी से उभरी, इसके भीतर अभिनय किया, और इसकी यह पार्थिवता कुछ हद तक आज की कविता के पारंपरिक रूपों में संरक्षित थी - तीन-पंक्ति हाइकू और पांच-पंक्ति टांका, जो एक स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित हैं सामूहिक चरित्र। वैसे, यह ठीक यही गुण है जो उन्हें अभिजात्यवाद की ओर बढ़ने वाले "मुक्त छंद" से अलग करता है, जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में यूरोपीय कविता के प्रभाव में जापान में दिखाई दिया था।

क्या आपने देखा है कि जापान की कलात्मक संस्कृति के विकास के चरण बहुआयामी हैं? इस देश के समाज में कविता ने एक विशेष भूमिका निभाई। सबसे प्रसिद्ध शैलियों में से एक हाइकू है, आप इसे केवल इसके इतिहास से परिचित कराकर ही समझ सकते हैं।

यह पहली बार हियान युग में दिखाई दिया, रेंगा शैली के समान था, जो कवियों के लिए एक प्रकार का आउटलेट था जो वाह के विचारशील छंदों से विराम लेना चाहते थे। हाईकाई बन गया है स्वतंत्र शैली 16वीं शताब्दी में, रेंगा बहुत गंभीर हो गया और हाइकू पर निर्भर हो गया बोल-चाल काऔर अभी भी विनोदी था।

बेशक, कई कार्यों में जापान की कलात्मक संस्कृति का संक्षेप में वर्णन किया गया है, लेकिन हम इसके बारे में अधिक विस्तार से बात करने की कोशिश करेंगे। यह ज्ञात है कि मध्य युग में सबसे प्रसिद्ध साहित्यिक जापानी शैलियों में से एक टंका ("लैकोनिक गीत") थी। ज्यादातर मामलों में, यह एक पाँच-पंक्ति है, जिसमें एक निश्चित संख्या में सिलेबल्स के साथ श्लोक की एक जोड़ी होती है: पहले श्लोक की तीन पंक्तियों में 5-7-5 शब्दांश और दूसरी की दो पंक्तियों में 7-7। सामग्री के लिए, टंका निम्नलिखित योजना का उपयोग करता है: पहला छंद एक विशिष्ट प्राकृतिक छवि का प्रतिनिधित्व करता है, और दूसरा एक व्यक्ति की भावना को दर्शाता है जो इस छवि को प्रतिध्वनित करता है:

• दूर पहाड़ों में
  लंबी पूंछ वाला तीतर ऊँघ रहा है -
  यह लंबी, लंबी रात
  क्या मैं अकेला सो सकता हूँ? ( काकीनोमोटो नो हिटोवारो, 8वीं शताब्दी की शुरुआत में, सनोविच द्वारा अनुवादित.)

जापानी नाटकीयता

कई लोग तर्क देते हैं कि चीन और जापान की कलात्मक संस्कृति मंत्रमुग्ध कर देने वाली है। क्या आपको प्रदर्शन कला पसंद है? उगते सूरज की भूमि के पारंपरिक नाट्यशास्त्र को जोरूरी (कठपुतली थियेटर), नोह थियेटर (क्योजन और योक्योकू), काबुकी थियेटर और शिंगेकी के नाट्यशास्त्र में विभाजित किया गया है। इस कला के रीति-रिवाजों में पांच बुनियादी नाट्य विधाएं शामिल हैं: क्योजेन नो, बुगाकू, काबुकी और बनराकू। ये पांचों परंपराएं आज भी मौजूद हैं। विशाल मतभेदों के बावजूद, वे सामान्य सौंदर्य सिद्धांतों से जुड़े हुए हैं जो जापानी कला को रेखांकित करते हैं। वैसे, जापान की नाटकीयता नंबर 1 के मंच पर उत्पन्न हुई थी।

काबुकी थियेटर 17वीं शताब्दी में प्रकट हुआ और 18वीं शताब्दी के अंत तक अपने चरमोत्कर्ष पर पहुंच गया। निर्दिष्ट अवधि में विकसित प्रदर्शन का रूप काबुकी के आधुनिक मंच पर संरक्षित है। इस थिएटर की प्रस्तुतियों, नो के चरणों के विपरीत, प्राचीन कला के प्रशंसकों के एक संकीर्ण दायरे पर केंद्रित, बड़े पैमाने पर दर्शकों के लिए डिज़ाइन की गई हैं। काबुकी कौशल की जड़ें कॉमेडियन के प्रदर्शन से उत्पन्न होती हैं - छोटे किराए के कलाकार, ऐसे दृश्य जिनमें नृत्य और गायन शामिल होता है। काबुकी के नाट्य कौशल ने जोरूरी और नहीं के तत्वों को अवशोषित किया।

काबुकी थिएटर की उपस्थिति क्योटो (1603) में बौद्ध अभयारण्य ओ-कुनी के कार्यकर्ता के नाम से जुड़ी है। ओ-कुनी ने धार्मिक नृत्यों के साथ मंच पर प्रदर्शन किया, जिसमें नेंबुत्सू-ओडोरी के लोक नृत्यों के आंदोलन शामिल थे। उनके प्रदर्शन को हास्य नाटकों के साथ जोड़ दिया गया। इस स्तर पर, प्रस्तुतियों को युजो-काबुकी (शिष्टाचारियों की काबुकी), ओ-कुनी-काबुकी या ओन्ना-काबुकी (महिलाओं काबुकी) कहा जाता था।

नक्काशी

पिछली शताब्दी में, यूरोपीय और फिर रूसियों ने उत्कीर्णन के माध्यम से जापानी कला की घटना का सामना किया। इस बीच, उगते सूरज की भूमि में, एक पेड़ पर ड्राइंग को पहले एक कौशल नहीं माना जाता था, हालांकि इसमें जन संस्कृति के सभी गुण थे - सस्तापन, उपलब्धता, संचलन। Ukiyo-e पारखी भूखंडों के अवतार और उनकी पसंद दोनों में उच्चतम समझदारी और सरलता प्राप्त करने में सक्षम थे।

Ukiyo-e एक विशेष कला विद्यालय था, इसलिए वह कई उत्कृष्ट उस्तादों को सामने लाने में सक्षम थी। इस प्रकार, हिसिकावा मोरोनोबु (1618-1694) का नाम प्लॉट उत्कीर्णन के विकास के प्रारंभिक चरण से जुड़ा है। 18 वीं शताब्दी के मध्य में, बहु-रंग उत्कीर्णन के पहले पारखी सुजुकी हारुनोबु ने बनाया। उनके काम के मुख्य उद्देश्य गेय दृश्य थे, जिसमें कार्रवाई पर ध्यान नहीं दिया गया था, बल्कि मनोदशाओं और भावनाओं के प्रसारण पर ध्यान दिया गया था: प्रेम, कोमलता, उदासी। हियान युग की उत्तम प्राचीन कला की तरह, उकियो-ए गुणी ने एक पुनर्निर्मित शहरी वातावरण में महिलाओं की उत्कृष्ट सुंदरता के असाधारण पंथ को पुनर्जीवित किया।

फर्क सिर्फ इतना था कि गर्वित हीयान अभिजात वर्ग के बजाय, प्रिंटों में ईदो के मनोरंजन जिलों से सुशोभित गीशा को चित्रित किया गया था। कलाकार उतामारो (1753-1806), शायद, चित्रकला के इतिहास में एक पेशेवर का एक अनूठा उदाहरण है, जिसने विभिन्न जीवन परिस्थितियों में विभिन्न पोज़ और परिधानों में महिलाओं को चित्रित करने के लिए अपनी रचना को पूरी तरह से समर्पित कर दिया। उनकी सबसे अच्छी कृतियों में से एक उत्कीर्णन "गीशा ओसामा" है, जो मॉस्को में पेंटिंग के पुश्किन संग्रहालय में रखी गई है। कलाकार ने असामान्य रूप से हावभाव और मनोदशा, चेहरे के भावों की एकता को व्यक्त किया।

मंगा और एनीम

कई कलाकार जापान की पेंटिंग का अध्ययन करने की कोशिश करते हैं। एनीम (जापानी एनीमेशन) क्या है? यह एक वयस्क दर्शक के प्रति अधिक अभ्यस्त होने के कारण अन्य एनीमेशन शैलियों से भिन्न है। यहाँ एक अस्पष्ट के लिए शैलियों में एक दोहरावदार विभाजन है लक्षित दर्शक. क्रशिंग का माप फिल्म देखने वाले का लिंग, आयु या मनोवैज्ञानिक चित्र है। बहुत बार, एनीमे जापानी मंगा कॉमिक्स का एक फिल्म रूपांतरण है, जिसे बहुत प्रसिद्धि भी मिली।

मंगा का मूल भाग एक वयस्क दर्शक के लिए डिज़ाइन किया गया है। 2002 के आंकड़ों के अनुसार, पूरे जापानी पुस्तक बाजार का लगभग 20% मंगा कॉमिक्स द्वारा कब्जा कर लिया गया था।

जापान भौगोलिक रूप से हमारे करीब है, लेकिन इसके बावजूद, लंबे समय तक पूरी दुनिया के लिए समझ से बाहर और दुर्गम बना रहा। आज हम इस देश के बारे में बहुत कुछ जानते हैं। एक लंबे स्वैच्छिक अलगाव ने इस तथ्य को जन्म दिया है कि इसकी संस्कृति अन्य राज्यों की संस्कृतियों से पूरी तरह अलग है।

जापान सुदूर पूर्व का सबसे छोटा देश है - 372 हजार वर्ग किलोमीटर। लेकिन जापान ने विश्व संस्कृति के इतिहास में जो योगदान दिया है, वह महान प्राचीन राज्यों के योगदान से कम नहीं है।

इस प्राचीन देश की कला की उत्पत्ति 8 वीं सहस्राब्दी ईसा पूर्व की है। लेकिन इसके सभी क्षेत्रों में सबसे महत्वपूर्ण चरण कलात्मक जीवनएक अवधि थी जो 6ठी-7वीं शताब्दी में आर.के.एच. से शुरू हुई थी। और उन्नीसवीं सदी के मध्य तक जारी रहा। जापानी कला का विकास असमान रूप से आगे बढ़ा, लेकिन यह बहुत तेज बदलाव या तेज गिरावट नहीं जानता था।

जापानी कला विशेष प्राकृतिक और ऐतिहासिक परिस्थितियों में विकसित हुई। जापान चार बड़े द्वीपों (होन्शू, होक्काइडो, क्यूशू और शिकू) और कई छोटे द्वीपों पर स्थित है। कब कावह अभेद्य थी और बाहरी युद्धों को नहीं जानती थी। मुख्य भूमि से जापान की निकटता ने प्राचीन काल में चीन और कोरिया के साथ संपर्क स्थापित करने को प्रभावित किया। इसने जापानी कला के विकास को गति दी।

जापानी मध्ययुगीन कला कोरियाई और चीनी संस्कृतियों के प्रभाव में बढ़ी। जापान ने चीनी लिपि और चीनी विश्वदृष्टि की विशेषताओं को अपनाया। बौद्ध धर्म जापान का राजकीय धर्म बन गया। लेकिन जापानी अपने तरीके से पलट गए चीनी विचारऔर उन्हें अपने जीवन के तरीके के अनुकूल बनाया।

जापानी घर, जापानी इंटीरियर
जापानी घर अंदर से उतना ही स्पष्ट और सरल है जितना कि बाहर। इसे लगातार साफ रखा जाता था। फर्श, एक चमक के लिए पॉलिश, हल्के पुआल मैट - तातमी के साथ कवर किया गया था, कमरे को समान आयतों में विभाजित किया गया था। दरवाजे पर जूते उतार दिए जाते थे, अलमारी में सामान रख दिया जाता था, रहने वाले क्वार्टर से किचन अलग कर दिया जाता था। कमरों में, एक नियम के रूप में, कोई स्थायी चीजें नहीं थीं। उन्हें अंदर लाया गया और आवश्यकतानुसार ले जाया गया। लेकिन एक खाली कमरे में हर चीज, चाहे वह फूलदान में फूल हो, तस्वीर हो या लाह की मेज हो, ने ध्यान आकर्षित किया और एक विशेष अभिव्यक्ति प्राप्त की।

मध्ययुगीन जापान में सभी प्रकार की कलाएं घर, मंदिर, महल या महल के स्थान के डिजाइन से जुड़ी हैं। प्रत्येक ने दूसरे के पूरक के रूप में कार्य किया। उदाहरण के लिए, एक कुशलता से चयनित गुलदस्ता ने लैंडस्केप पेंटिंग में व्यक्त मूड को पूरक और सेट किया।

जापानी घर की सजावट में समान त्रुटिहीन सटीकता, सामग्री की समान भावना, सजावटी कला के उत्पादों में महसूस की गई थी। चाय समारोहों में बिना किसी कारण के, सबसे बड़े गहना के रूप में, हाथों से बने बर्तनों का उपयोग किया जाता था। इसकी नरम और असमान क्रॉक गीली मिट्टी को उकेरने वाली उंगलियों के निशान रखती है। गुलाबी-मोती, फ़िरोज़ा-बकाइन या ग्रे-नीले ग्लेज़ आकर्षक नहीं थे, लेकिन उन्होंने स्वयं प्रकृति की चमक महसूस की, जिसके साथ जापानी कला की हर वस्तु जुड़ी हुई है।

जापानी मिट्टी के बर्तन
बिना चमकता हुआ, हाथ से ढाला हुआ और कम तापमान पर पका हुआ, मिट्टी के बर्तन अन्य प्राचीन लोगों के मिट्टी के पात्र के समान थे। लेकिन उनके पास पहले से ही ऐसी विशेषताएं थीं जो जापानी संस्कृति के लिए अद्वितीय हैं। विभिन्न आकृतियों के जग और व्यंजनों के पैटर्न तूफान, समुद्र और अग्नि-श्वास पहाड़ों के तत्वों के बारे में विचारों को दर्शाते हैं। ऐसा लगता है कि इन उत्पादों की कल्पना प्रकृति से ही प्रेरित हुई है।

विशाल, उत्तल मिट्टी के बंडलों के एक अटक-ऑन पैटर्न के साथ लगभग एक मीटर ऊँचे गुड़ तक पहुँचते हुए या तो घुमावदार गोले, या शाखित प्रवाल भित्तियों, या शैवाल की उलझन, या ज्वालामुखियों के दांतेदार किनारों से मिलते जुलते हैं। ये राजसी और स्मारकीय फूलदान और कटोरे न केवल घरेलू, बल्कि अनुष्ठान के उद्देश्य से भी काम आते हैं। लेकिन पहली सहस्राब्दी ईसा पूर्व के मध्य में। कांसे की वस्तुएं उपयोग में आने लगीं और चीनी मिट्टी के बर्तनों ने अपना धार्मिक उद्देश्य खो दिया।

सिरेमिक के आगे, कलात्मक शिल्प के नए उत्पाद दिखाई दिए - हथियार, गहने, कांस्य घंटियाँ और दर्पण।

जापानी घरेलू सामान
9वीं से 12वीं शताब्दी ईस्वी में, सजावटी कलाओं में जापानी अभिजात वर्ग के स्वाद प्रकट हुए थे। चिकना, नमी प्रतिरोधी लाह आइटम, सोने और चांदी के पाउडर के साथ छिड़का हुआ, हल्का और सुरुचिपूर्ण, जैसे कि जापानी कमरों की धुंधलका को रोशन करना, और रोजमर्रा की वस्तुओं की एक विशाल श्रृंखला बनाई। लाह का उपयोग कटोरे और संदूक, संदूक और टेबल बनाने के लिए किया जाता था, संगीत वाद्ययंत्र. मंदिर और रोजमर्रा की जिंदगी की हर छोटी चीज - भोजन के लिए चांदी की कटलरी, फूलों के फूलदान, अक्षरों के लिए पैटर्न वाले कागज, कशीदाकारी बेल्ट - ने दुनिया के लिए जापानियों के काव्यात्मक और भावनात्मक रवैये को प्रकट किया।

जापान पेंटिंग
स्मारकीय महल वास्तुकला के विकास के साथ, कोर्ट स्कूल के चित्रकारों की गतिविधि अधिक सक्रिय हो गई। कलाकारों को न केवल दीवारों की बड़ी सतहों को पेंट करना था, बल्कि मल्टी-फोल्ड पेपर फोल्डिंग स्क्रीन की भी, जिसने कमरे में पेंटिंग और पोर्टेबल विभाजन दोनों की भूमिका निभाई। प्रतिभाशाली कारीगरों के रचनात्मक तरीके की एक विशेषता एक दीवार पैनल या स्क्रीन के विशाल तल पर परिदृश्य के बड़े, बहुरंगी विवरण का चयन था।

फूलों, जड़ी-बूटियों, पेड़ों और पक्षियों की रचना, कानो ईटोकू द्वारा मोटे और रसीले धब्बों के साथ सुनहरी चमकदार पृष्ठभूमि पर की गई, ब्रह्मांड की शक्ति और वैभव के बारे में सामान्यीकृत विचार। कानो स्कूल के प्रतिनिधि, प्राकृतिक रूपांकनों के साथ, 16 वीं शताब्दी के जापानी शहर के जीवन और जीवन को दर्शाते हुए चित्रों और नए विषयों में शामिल हैं।

महल के पर्दे पर मोनोक्रोम लैंडस्केप भी थे। लेकिन उनका एक बड़ा सजावटी प्रभाव है। सेशू के अनुयायी, हसेगावा तोहाकू (1539-1610) द्वारा चित्रित स्क्रीन ऐसी है। इसकी सफेद मैट सतह की व्याख्या चित्रकार द्वारा कोहरे के घने घूंघट के रूप में की जाती है, जिसमें से दृष्टि की तरह, पुराने पाइंस के सिल्हूट अचानक टूट जाते हैं। स्याही की कुछ बोल्ड बूँदों के साथ, तोहाकु एक पतझड़ के जंगल की एक काव्यात्मक तस्वीर बनाता है।

मोनोक्रोम लैंडस्केप स्क्रॉल, उनकी कोमल सुंदरता के साथ, महल के कक्षों की शैली से मेल नहीं खा सकते थे। लेकिन उन्होंने चशित्सु चाय मंडप के एक अनिवार्य हिस्से के रूप में अपना महत्व बरकरार रखा, जिसे आध्यात्मिक एकाग्रता और शांति के लिए डिजाइन किया गया था।

जापानी मास्टर्स द्वारा कला के कार्य न केवल प्राचीन शैलियों के प्रति वफादार रहते हैं, बल्कि उनमें हमेशा कुछ नया होता है जो कला के किसी अन्य कार्य में नहीं होता है। जापानी कला में क्लिच और टेम्प्लेट के लिए कोई जगह नहीं है। इसमें, जैसा कि प्रकृति में है, दो पूरी तरह से समान रचनाएँ नहीं हैं। और अब भी, जापानी मास्टर्स द्वारा कला के कार्यों को अन्य देशों की कला के कार्यों से भ्रमित नहीं किया जा सकता है। जापानी कला में समय धीमा हो गया है, लेकिन रुका नहीं है। जापानी कला में, प्राचीन काल की परंपराएँ आज तक जीवित हैं।

« एक बड़ी लहरकत्सुशिका होकुसाई (1760-1849) द्वारा कनागावा में "सबसे प्रसिद्ध नक्काशियों में से एक है और फ़ूजी श्रृंखला के छत्तीस दृश्यों की पहली शीट है। 1830 के दशक की शुरुआत में, एइजुडो पब्लिशिंग हाउस द्वारा नियुक्त कत्सुशिका होकुसाई ने 46 शीट्स (36 मुख्य और 10 अतिरिक्त) की एक श्रृंखला बनाना शुरू किया, और द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा एक उत्कीर्णन था जो पूरी श्रृंखला को खोलता है।

उत्कीर्णन के ऐसे संग्रह उस समय के शहरवासियों के लिए एक प्रकार की "आभासी यात्रा" के रूप में कार्य करते थे, जो जिज्ञासा को संतुष्ट करने का एक सुविधाजनक और सस्ता तरीका था। फ़ूजी जैसे प्रिंट की कीमत लगभग 20 महीने है - उस समय के जापानी भोजनालय में नूडल्स के दोगुने हिस्से के बराबर। हालाँकि, सफलता इतनी बड़ी थी कि 1838 तक होकुसाई की चादरों की कीमत लगभग 50 महीने हो गई थी, और गुरु की मृत्यु के बाद, अकेले वेव को 1000 से अधिक बार नए बोर्डों से पुनर्मुद्रित किया गया था।

हैरानी की बात है, पूरी श्रृंखला के घोषित विषय के बावजूद, द वेव में फ़ूजी एक माध्यमिक भूमिका निभाते हैं। इस उत्कीर्णन में मुख्य "चरित्र" एक लहर है, और अग्रभूमि में तत्वों के साथ एक आदमी के संघर्ष का एक नाटकीय दृश्य प्रकट होता है। फोम क्रेस्ट के किनारे एक शानदार क्रोधित दानव की मुड़ी हुई उंगलियों की तरह दिखते हैं, और नावों में मानव आकृतियों की निष्क्रियता और निष्क्रियता कोई संदेह नहीं छोड़ती है कि इस लड़ाई में कौन विजेता होगा। हालाँकि, यह टकराव नहीं है जो कि उत्कीर्णन की साजिश का निर्माण करता है।
उस क्षण को रोककर जिसके बाद नाव दुर्घटनाग्रस्त हो जाती है, होकुसाई दर्शक को ग्रे आकाश के खिलाफ एक पल के लिए फ़ूजी को देखने की अनुमति देता है, क्षितिज की ओर अंधेरा हो जाता है। हालाँकि जापानी उत्कीर्णक उस समय तक पहले से ही यूरोपीय रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य के सिद्धांतों से परिचित थे, उन्हें इस तकनीक की आवश्यकता महसूस नहीं हुई। अंधेरे पृष्ठभूमि, साथ ही फ़ूजी के लिए लहर के आंदोलन के माध्यम से नावों के साथ अग्रभूमि से आंख की लंबी यात्रा, आंख को आश्वस्त करती है कि समुद्र के विस्तार से पवित्र पर्वत हमसे अलग हो गया है।

तूफानी तत्वों के विपरीत, फ़ूजी तट से दूर स्थिरता और स्थिरता के प्रतीक के रूप में उगता है। विरोधाभासों की एकता और अन्योन्याश्रितता सुदूर पूर्व के विश्वदृष्टि में ब्रह्मांडीय व्यवस्था और पूर्ण सामंजस्य के विचार को रेखांकित करती है, और यह वह था जो उत्कीर्णन "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा" का मुख्य विषय बन गया, जिसने श्रृंखला को खोला। कटुशिका होकुसाई।

कितागावा उटामारो द्वारा "ब्यूटी नैनिवाया ओकिता", 1795-1796

कितागावा उतामारो (1753-1806) को सही मायने में गायक कहा जा सकता है महिला सौंदर्यजापानी प्रिंट में Ukiyo ए: उन्होंने जापानी सुंदरियों की कई विहित छवियां बनाईं ( बिजिंगा) - चाय घरों के निवासी और जापान की राजधानी ईदो में प्रसिद्ध मनोरंजन क्वार्टर योशिवारा ईदो — 1868 से पहले टोक्यो का नाम।.

बिजिंगा उत्कीर्णन में, सब कुछ वैसा नहीं है जैसा आधुनिक दर्शक को लगता है। अमीर महिलाओं के कपड़े पहने हुए, एक नियम के रूप में, एक शर्मनाक शिल्प में लगे हुए थे और निम्न वर्ग के थे, और सुंदरियों के चित्रों के साथ उत्कीर्णन का खुले तौर पर विज्ञापन समारोह था। उसी समय, उत्कीर्णन ने लड़की की उपस्थिति का अंदाजा नहीं दिया, और हालांकि असाकुसा मंदिर के पास नानिवाया चाय घर से ओकिता को ईदो की पहली सुंदरता माना गया था, उत्कीर्णन में उसका चेहरा है पूरी तरह से व्यक्तित्व से रहित।

10वीं शताब्दी से, जापानी कला में स्त्री चित्र अतिसूक्ष्मवाद के कैनन के अधीन रहे हैं। "रेखा-आंख, हुक-नाक" - स्वागत hikime-कगिहानाकलाकार को केवल यह इंगित करने की अनुमति दी कि एक निश्चित महिला को चित्रित किया गया था: जापानी पारंपरिक संस्कृति में, शारीरिक सुंदरता के मुद्दे को अक्सर छोड़ दिया गया था। महिलाओं में महान जन्म"हृदय की सुंदरता" और शिक्षा बहुत अधिक मूल्यवान थे, और हंसमुख तिमाहियों के निवासियों ने हर चीज में उच्चतम मानकों की नकल करने का प्रयास किया। उतामारो के अनुसार, ओकिता वास्तव में सुंदर थी।

शीट "ब्यूटी नानिवाया ओकिता" 1795-1796 में "प्रसिद्ध सुंदरियों की तुलना छह अमर कवियों" की श्रृंखला में छपी थी, जिसमें 9 वीं शताब्दी के लेखकों में से एक ने प्रत्येक सुंदरता के अनुरूप था। ऊपरी बाएँ कोने में ओकिता के चित्र के साथ शीट पर अरिवारा नो नारीहिरा (825-880) की एक छवि है, जो जापान में सबसे प्रतिष्ठित कवियों में से एक है, जिनके उपन्यास इसे मोनोगेटरी को पारंपरिक रूप से जिम्मेदार ठहराया गया है। यह रईस रईस और प्रतिभाशाली कवि अपने प्रेम संबंधों के लिए भी प्रसिद्ध हुए, जिनमें से कुछ ने उपन्यास का आधार बनाया।

यह शीट तकनीक का एक अनूठा प्रयोग है नकल(तुलना) जापानी उत्कीर्णन में। एक आधिकारिक "प्रोटोटाइप" के गुणों को चित्रित सुंदरता में स्थानांतरित कर दिया जाता है, और सुरुचिपूर्ण शिष्टाचार, अतिथि को एक कप चाय परोसने वाले शांत चेहरे के साथ, पहले से ही दर्शक द्वारा कविता और प्रेम के कार्यों में कुशल महिला के रूप में पढ़ा जाता है। अरिवारा नो नारीहिरा के साथ तुलना वास्तव में ईदो सुंदरियों के बीच उनकी श्रेष्ठता की पहचान थी।

उसी समय, उत्मारो आश्चर्यजनक रूप से गेय छवि बनाता है। पत्ती पर गहरे और हल्के धब्बों को संतुलित करते हुए और रूप को मधुर, सुरुचिपूर्ण रेखाओं के साथ रेखांकित करते हुए, वह वास्तव में अनुग्रह और सद्भाव की एक आदर्श छवि बनाता है। "विज्ञापन" घटता है, और उतामारो द्वारा कब्जा की गई सुंदरता कालातीत रहती है।

ओगाटा कोरिन द्वारा स्क्रीन "इराइजेस", 1710s

ओगाटा कोरिन (1658-1716) द्वारा 1710 के आसपास क्योटो में निशी होंगान-जी मंदिर के लिए छह-पैनल आईरिस स्क्रीन की एक जोड़ी - अब जापान का एक राष्ट्रीय खजाना - बनाया गया था।

16 वीं शताब्दी के बाद से, दीवार पैनलों और पेपर स्क्रीन पर पेंटिंग जापान में सजावटी कला की प्रमुख शैलियों में से एक बन गई है, और रिनपा कला विद्यालय के संस्थापक ओगाटा कोरिन इसके सबसे महान स्वामी थे।

जापानी इंटीरियर में स्क्रीन ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। विशाल महल परिसर संरचनात्मक रूप से एक साधारण जापानी के आवास से अलग नहीं थे: उनके पास लगभग कोई आंतरिक दीवार नहीं थी, और अंतरिक्ष तह स्क्रीन के साथ ज़ोन किया गया था। डेढ़ मीटर से थोड़ा अधिक ऊँचा, स्क्रीन सभी वर्गों की आम जापानी परंपरा के लिए फर्श पर रहने के लिए डिज़ाइन किया गया था। जापान में, 19 वीं शताब्दी तक उच्च कुर्सियों और तालिकाओं का उपयोग नहीं किया गया था, और स्क्रीन की ऊंचाई, साथ ही साथ इसकी पेंटिंग की संरचना, अपने घुटनों पर बैठे व्यक्ति को देखने के लिए डिज़ाइन की गई है। यह इस दृष्टिकोण के साथ है कि एक अद्भुत प्रभाव उत्पन्न होता है: irises बैठे व्यक्ति को घेरते हुए प्रतीत होते हैं - और एक व्यक्ति खुद को नदी के किनारे, फूलों से घिरा हुआ महसूस कर सकता है।

आइरिस को गैर-समोच्च तरीके से चित्रित किया गया है - गहरे नीले, बकाइन और बैंगनी स्वभाव के लगभग प्रभावशाली, चौड़े स्ट्रोक इस फूल की शानदार भव्यता को व्यक्त करते हैं। सुरम्य प्रभाव सोने की सुस्त झिलमिलाहट द्वारा बढ़ाया जाता है, जिसके खिलाफ irises को दर्शाया गया है। स्क्रीन फूलों के अलावा और कुछ नहीं दर्शाती हैं, लेकिन उनकी वृद्धि की कोणीय रेखा बताती है कि फूल नदी के घुमावदार रास्ते या लकड़ी के पुलों के ज़िगज़ैग के चारों ओर झुकते हैं। जापानियों के लिए स्क्रीन से एक पुल गायब देखना स्वाभाविक होगा, एक विशेष "आठ तख्तों का पुल" ( yatsuhashi), शास्त्रीय में irises से जुड़ा हुआ है जापानी साहित्य. उपन्यास इसे मोनोगेटरी (9वीं शताब्दी) राजधानी से निष्कासित नायक की दुखद यात्रा का वर्णन करता है। यत्सुहाशी पुल के पास नदी तट पर आराम करने के लिए अपने रिटिन्यू के साथ बसने के बाद, नायक, जलन देखकर, अपने प्रिय को याद करता है और कविताएँ बनाता है:

कपड़ों में मेरी प्यारी
ग्रेस वहाँ, राजधानी में,
प्यार रह गया...
और मैं लालसा के साथ सोचता हूं कि कितना
मैं उससे बहुत दूर हूं... एनआई कोनराड द्वारा अनुवाद।

"तो वह मुड़ा, और सभी ने अपने सूखे चावल पर आंसू बहाए, ताकि वह नमी से भर जाए," लेखक कहते हैं और गीतात्मक नायककहानी सुनाना, अरिवारा नो नरिहिरा।

एक शिक्षित जापानी के लिए, पुल और Ise monogatari द्वारा irises के बीच संबंध, irises और जुदा प्यार का विषय स्पष्ट था, और ओगाटा कोरिन वाचालता और चित्रण से बचता है। सजावटी पेंटिंग की मदद से, वह केवल प्रकाश, रंग और साहित्यिक अर्थों से भरा एक आदर्श स्थान बनाता है।

किंकाकुजी गोल्डन पवेलियन, क्योटो, 1397

स्वर्ण मंदिर जापान के प्रतीकों में से एक है, जिसे विडंबना यह है कि इसके निर्माण की तुलना में इसके विनाश से अधिक महिमामंडित किया गया था। 1950 में, रोकुओन्जी मठ, जिसकी यह इमारत है, के एक मानसिक रूप से अस्थिर साधु ने मठ की सतह पर खड़े एक तालाब में आग लगा दी।
मंडप 1950 में एक आग के दौरान, मंदिर लगभग नष्ट हो गया था। किंकाकू-जी में जीर्णोद्धार का काम 1955 में शुरू हुआ, 1987 तक पूरी तरह से पुनर्निर्माण पूरा हो गया, लेकिन पूरी तरह से खोई हुई आंतरिक सजावट की बहाली 2003 तक जारी रही।. उनके कृत्य के असली मकसद स्पष्ट नहीं थे, लेकिन लेखक युकियो मिशिमा की व्याख्या में इस मंदिर की अप्राप्य, लगभग रहस्यमय सुंदरता को दोष देना था। दरअसल, कई शताब्दियों तक किंकाकुजी को जापानी सुंदरता का प्रतीक माना जाता था।

1394 में, शोगुन आशिकागा योशिमित्सु (1358-1408), जिन्होंने लगभग पूरे जापान को अपनी इच्छा से अधीन कर लिया था, औपचारिक रूप से सेवानिवृत्त हो गए और उत्तरी क्योटो में एक उद्देश्य-निर्मित विला में बस गए। कृत्रिम झील क्योकोटी ("झील-दर्पण") पर तीन-स्तरीय इमारत ने विश्राम, पढ़ने और प्रार्थना के लिए एक अलग मंडप, एक प्रकार की धर्मशाला की भूमिका निभाई। इसमें शोगुन के चित्रों का संग्रह, एक पुस्तकालय और बौद्ध अवशेषों का संग्रह था। किनारे के पास पानी पर स्थित, किंकाकुजी का तट के साथ केवल नाव संचार था और क्योकोटी के चारों ओर बिखरे हुए पत्थरों और चीड़ के पेड़ों वाले कृत्रिम द्वीपों के समान द्वीप था। "आकाशीय द्वीप" का विचार चीनी पौराणिक कथाओं से उधार लिया गया था, जिसमें स्वर्गीय निवासअमर के द्वीप पेंगलाई के द्वीप के रूप में सेवा की। पानी में मंडप का प्रतिबिंब पहले से ही नश्वर दुनिया की भ्रामक प्रकृति के बारे में विचारों के साथ बौद्ध संघों को उद्घाटित करता है, जो बौद्ध सत्य की दुनिया के वैभव का केवल एक फीका प्रतिबिंब है।

हालांकि ये सभी पौराणिक संकेत काल्पनिक हैं, मंडप का स्थान इसे एक अद्भुत सामंजस्य और सामंजस्य प्रदान करता है। परावर्तन इमारत की स्क्वाटनेस को छुपाता है, जिससे यह लंबा और पतला हो जाता है; साथ ही, यह मंडप की ऊंचाई है जो इसे तालाब के किसी भी किनारे से हमेशा हरियाली की एक अंधेरे पृष्ठभूमि के खिलाफ देखना संभव बनाता है।

हालाँकि, यह पूरी तरह से स्पष्ट नहीं है कि यह मंडप अपने मूल रूप में कितना सुनहरा था। संभवतः, अशिकागा योशिमित्सु के तहत, यह वास्तव में सोने की पत्ती और वार्निश की एक सुरक्षात्मक परत के साथ कवर किया गया था। लेकिन अगर आप 19 वीं - 20 वीं सदी की शुरुआत और युकियो मिशिमा की तस्वीरों पर विश्वास करते हैं, तो 20 वीं सदी के मध्य तक गिल्डिंग लगभग छिल गई थी और इसके अवशेष केवल इमारत के ऊपरी स्तर पर दिखाई दे रहे थे। इस समय, उन्होंने आत्मा को उजाड़ने के आकर्षण, समय के निशान, यहां तक ​​​​कि सबसे सुंदर चीजों के लिए भी निष्ठुरता से छुआ। यह उदासीन आकर्षण सौंदर्य सिद्धांत के अनुरूप था सबीजापानी संस्कृति में अत्यधिक सम्मानित।

किसी न किसी रूप में इस भवन की शोभा सोने में बिल्कुल भी नहीं थी। किंकाकुजी के रूपों की उत्कृष्ट गंभीरता और परिदृश्य के साथ इसका त्रुटिहीन सामंजस्य इसे जापानी वास्तुकला की उत्कृष्ट कृतियों में से एक बनाता है।

करात्सु, XVI-XVII सदियों की शैली में बाउल "आइरिस"

शब्द meibutsu- नाम की कोई वस्तु। इस कटोरे का वास्तव में केवल नाम है, क्योंकि दोनों में से कोई भी नहीं सही समयऔर इसके निर्माण का स्थान, और न ही स्वामी का नाम संरक्षित किया गया है। फिर भी, यह जापान के राष्ट्रीय खजाने में सूचीबद्ध है और राष्ट्रीय शैली में मिट्टी के पात्र के सबसे चमकीले उदाहरणों में से एक है।

16 वीं शताब्दी के अंत में, चाय समारोह चा कोई यू-परित्यक्त ठीक चीनी चीनी मिट्टी के बरतन और चीनी मिट्टी की चीज़ें कीमती सामग्री की याद ताजा करती हैं। चाय के उस्तादों को उनकी शानदार सुंदरता बहुत कृत्रिम और स्पष्ट लगती थी। उत्तम और महंगी वस्तुएँ - कटोरे, पानी के बर्तन और चाय के कैडडीज़ - ज़ेन बौद्ध धर्म के लगभग तपस्वी आध्यात्मिक सिद्धांतों के अनुरूप नहीं थे, जिसकी भावना से चाय समारोह विकसित हुआ। चाय की कार्रवाई में एक वास्तविक क्रांति जापानी सिरेमिक के लिए अपील थी, उस समय बहुत सरल और कलाहीन थी जब जापान की कार्यशालाओं ने महाद्वीपीय मिट्टी के बर्तनों की तकनीकों में महारत हासिल करना शुरू ही किया था।

आइरिस बाउल का आकार सरल और अनियमित होता है। दीवारों की हल्की वक्रता, पूरे शरीर पर दिखाई देने वाले कुम्हार के डेंट कटोरे को लगभग भोली सहजता देते हैं। मिट्टी का टुकड़ा दरारों के एक नेटवर्क के साथ हल्के शीशे का आवरण के साथ कवर किया गया है - craquelure। सामने की ओर, जो चाय समारोह के दौरान अतिथि को संबोधित करता है, शीशा के नीचे एक परितारिका की एक छवि लगाई जाती है: ड्राइंग भोली है, लेकिन एक ऊर्जावान ब्रश के साथ निष्पादित की जाती है, ठीक उसी तरह जैसे कि एक आंदोलन में, ज़ेन की भावना में सुलेख। ऐसा लगता है कि रूप और सजावट दोनों ही अनायास और विशेष बलों के आवेदन के बिना बनाए जा सकते थे।

यह सहजता आदर्श को दर्शाती है वबी- सादगी और कलाहीनता, आध्यात्मिक स्वतंत्रता और सद्भाव की भावना को जन्म देना। ज़ेन बौद्ध धर्म के जापानी अनुयायियों के विचारों में किसी भी व्यक्ति या यहां तक ​​​​कि एक निर्जीव वस्तु में बुद्ध की प्रबुद्ध प्रकृति होती है, और निपुण प्रयासों का उद्देश्य इस प्रकृति को स्वयं और उसके आस-पास की दुनिया में खोजना है। चाय समारोह में उपयोग की जाने वाली चीजें, उनके सभी अनाड़ीपन के लिए, सच्चाई का गहरा अनुभव, हर पल की प्रासंगिकता, सबसे सामान्य रूपों में झाँकने और उनमें सच्ची सुंदरता देखने के लिए मजबूर होना चाहिए।

कटोरी की खुरदरी बनावट और इसकी सादगी के विपरीत एक छोटे से चिपके हुए सोने के लाह के साथ बहाली है (इस तकनीक को कहा जाता है kinsugi). बहाली 18वीं शताब्दी में की गई थी और जापानी चाय के उस्तादों ने चाय समारोह के लिए बर्तनों को जिस सम्मान के साथ व्यवहार किया था, उसे प्रदर्शित करता है। तो चाय समारोह प्रतिभागियों को आइरिस बाउल जैसी चीजों की असली सुंदरता की खोज करने का एक "रास्ता" प्रदान करता है। अस्पष्टता, गोपनीयता वाबी की सौंदर्यवादी अवधारणा और जापानी विश्वदृष्टि का एक महत्वपूर्ण हिस्सा बन गई है।

मोंक गैंडज़िन, नारा, 763 का पोर्ट्रेट

आठवीं शताब्दी में, मूर्तिकला युग की कलात्मक अभिव्यक्ति का मुख्य रूप बन गया, नारा युग (710-794), जो जापानी राज्य के गठन और बौद्ध धर्म की मजबूती से जुड़ा था। जापानी स्वामी पहले ही महाद्वीपीय तकनीकों और छवियों की शिक्षुता और अंधी नकल के चरण को पार कर चुके हैं और मूर्तिकला में अपने समय की भावना को स्वतंत्र रूप से और विशद रूप से व्यक्त करना शुरू कर दिया है। बौद्ध धर्म के अधिकार के प्रसार और वृद्धि ने बौद्ध मूर्तिकला चित्र की उपस्थिति का कारण बना।

इस शैली की उत्कृष्ट कृतियों में से एक 763 में बनाई गई गैंडज़िन का चित्र है। शुष्क लाख की तकनीक में निर्मित (कपड़े से ढके लकड़ी के फ्रेम पर लाख की परतें बनाकर), मूर्तिकला लगभग जीवन का आकारवास्तविक रूप से चित्रित किया गया था, और मंदिर के अर्ध-अंधेरे में, गंजिन ध्यान की मुद्रा में बैठ गया "मानो जीवित हो।" यह सजीवता ऐसे चित्रों का मुख्य पंथ कार्य था: शिक्षक को हमेशा नारा शहर में टोडाईजी मठ की दीवारों के भीतर रहना था और सबसे महत्वपूर्ण दिव्य सेवाओं में उपस्थित होना था।

बाद में, 11वीं-13वीं शताब्दी में, मूर्तिकलात्मक चित्र आदरणीय शिक्षकों की दुर्बलता, उनके धँसे हुए मुँह, ढीले गाल और गहरी झुर्रियों को दर्शाते हुए लगभग निर्दयी भ्रमवाद तक पहुँच गए। ये चित्र बौद्ध धर्म के अनुयायियों को जीवित आँखों से देखते हैं, रॉक क्रिस्टल और लकड़ी के साथ जड़े हुए हैं। लेकिन गैंडज़िन का चेहरा धुंधला लगता है, इसमें कोई स्पष्ट आकृति और स्पष्ट रूप नहीं हैं। आधी बंद और बिना पपड़ी वाली आंखों की पलकें सूजी हुई दिखाई देती हैं; तनावग्रस्त मुंह और गहरी नासोलाबियल फोल्ड ध्यान की एकाग्रता के बजाय आदतन सावधानी व्यक्त करते हैं।

इन सभी विशेषताओं से इस भिक्षु की नाटकीय जीवनी, अद्भुत तपस्या और त्रासदियों की कहानी का पता चलता है। नारा के सबसे बड़े मठ, टोडाईजी के अभिषेक समारोह के लिए एक चीनी बौद्ध भिक्षु गंजिन को जापान में आमंत्रित किया गया था। जहाज पर समुद्री लुटेरों ने कब्जा कर लिया था, बेशकीमती स्क्रॉल और बौद्ध मूर्तियां जो एक दूर के जापानी मंदिर के लिए थीं, आग में खो गईं, गंजिन ने अपना चेहरा जला लिया और अपनी दृष्टि खो दी। लेकिन उन्होंने सभ्यता के सुदूर सरहद पर उपदेश देने की इच्छा नहीं छोड़ी - अर्थात्, उस समय महाद्वीप द्वारा जापान को कैसे माना जाता था।

समुद्र को पार करने के कई और प्रयास उसी असफल तरीके से समाप्त हुए, और केवल पांचवें प्रयास में, पहले से ही मध्यम आयु वर्ग के, अंधे और बीमार गंजिन जापानी राजधानी नारा तक पहुँचते हैं।

जापान में, गंजिन ने लंबे समय तक बौद्ध कानून नहीं पढ़ाया: उनके जीवन की नाटकीय घटनाओं ने उनके स्वास्थ्य को कम कर दिया। लेकिन उनका अधिकार इतना अधिक था कि, शायद, उनकी मृत्यु से पहले ही उनकी मूर्ति बनाने का निर्णय लिया गया था। निस्संदेह, कलाकार-भिक्षुओं ने मूर्तिकला को मॉडल के जितना संभव हो उतना समानता देने की मांग की। लेकिन यह किसी व्यक्ति के बाहरी रूप को संरक्षित करने के लिए नहीं किया गया था, बल्कि उसके व्यक्तिगत आध्यात्मिक अनुभव को पकड़ने के लिए किया गया था, जिस कठिन रास्ते से गंजिन गुजरा था और जिसे बौद्ध शिक्षण कहते थे।

दाइबुत्सू - टोडाईजी मंदिर, नारा के बड़े बुद्ध, 8वीं शताब्दी के मध्य में

8वीं शताब्दी के मध्य में, जापान प्राकृतिक आपदाओं और महामारियों से पीड़ित था, और प्रभावशाली फुजिवारा परिवार की साज़िशों और विद्रोह ने सम्राट शोमू को नारा शहर की राजधानी से भागने के लिए मजबूर किया। निर्वासन में, उन्होंने बौद्ध शिक्षाओं के मार्ग का पालन करने की शपथ ली और 743 में देश के मुख्य मंदिर का निर्माण शुरू करने और एक विशाल की ढलाई का आदेश दिया। कांसे की मूर्तिबुद्ध वैरोचन (बुद्ध महान सूर्य या सभी रोशन प्रकाश)। इस देवता को बौद्ध शिक्षाओं के संस्थापक बुद्ध शाक्यमुनि का सार्वभौमिक अवतार माना जाता था, और उन्हें अशांति और विद्रोह की अवधि के दौरान सम्राट और पूरे देश की सुरक्षा का गारंटर बनना था।

काम 745 में शुरू हुआ और चीन की राजधानी लुओयांग के पास लोंगमेन गुफा मंदिरों में विशाल बुद्ध प्रतिमा पर आधारित था। नारा में मूर्ति, बुद्ध की किसी भी छवि की तरह, "बुद्ध के महान और छोटे लक्षण" दिखाने वाली थी। इस आइकनोग्राफिक कैनन में लम्बी कान की बाली शामिल थी, जो इस तथ्य की याद दिलाती है कि बुद्ध शाक्यमुनि एक राजसी परिवार से आए थे और बचपन से भारी झुमके पहने थे, उनके सिर के शीर्ष पर एक ऊँचाई (उष्णिशा), उनके माथे (कलश) पर एक बिंदी थी।

प्रतिमा की ऊंचाई 16 मीटर, चेहरे की चौड़ाई 5 मीटर, फैली हुई हथेली की लंबाई 3.7 मीटर और कलश मानव सिर से बड़ा था। निर्माण में 444 टन तांबा, 82 टन टिन और भारी मात्रा में सोना लगा, जिसकी खोज देश के उत्तर में विशेष रूप से की गई थी। मंदिर की सुरक्षा के लिए प्रतिमा के चारों ओर एक हॉल, दाइबुत्सुदेन बनाया गया था। इसके छोटे से स्थान में, थोड़ा झुके हुए बुद्ध की आकृति पूरे स्थान को भर देती है, बौद्ध धर्म के मुख्य सिद्धांतों में से एक को दर्शाती है - यह विचार कि देवता सर्वव्यापी और सर्वव्यापी है, यह सब कुछ गले लगाता है और भरता है। चेहरे की पारलौकिक शांति और देवता के हाथ का इशारा (मुद्रा, सुरक्षा देने का इशारा) बुद्ध की शांत भव्यता और शक्ति की भावना का पूरक है।

हालांकि, मूल मूर्ति के केवल कुछ टुकड़े ही आज बचे हैं: 12वीं और 16वीं शताब्दी में आग और युद्धों ने मूर्ति को भारी नुकसान पहुंचाया, और आधुनिक मूर्ति मुख्य रूप से 18वीं शताब्दी की ढलाई है। 18वीं सदी के जीर्णोद्धार के दौरान, कांस्य की आकृति अब सोने से ढकी नहीं थी। 8वीं शताब्दी में सम्राट शोमू के बौद्ध उत्साह ने व्यावहारिक रूप से राजकोष को खाली कर दिया और पहले से ही हैरान देश को लहूलुहान कर दिया, और बाद के शासक अब इस तरह के अत्यधिक खर्च को वहन नहीं कर सकते थे।

फिर भी, दाइबत्सू का महत्व सोने में नहीं है और विश्वसनीय प्रामाणिकता में भी नहीं है - बौद्ध शिक्षाओं के इस तरह के भव्य अवतार का विचार एक ऐसे युग का स्मारक है जब जापानी स्मारकीय कला ने एक वास्तविक फूल का अनुभव किया, खुद को इससे मुक्त किया महाद्वीपीय नमूनों की अंधी नकल और अखंडता और अभिव्यंजना हासिल की, जो बाद में खो गई।

जापानियों ने 9वीं-12वीं शताब्दी में हीयान युग (794-1185) में चीजों में छिपी सुंदरता की खोज की और यहां तक ​​कि इसे "मोनो नो अवेयर" (物の哀れ (もののあわれ)) की विशेष अवधारणा के साथ नामित किया, जिसका अर्थ है " चीजों का दुखद आकर्षण। "चीजों का आकर्षण" जापानी साहित्य में सुंदरता की शुरुआती परिभाषाओं में से एक है, यह शिंटो विश्वास से जुड़ा है कि हर चीज का अपना देवता - कामी - और अपना अनूठा आकर्षण होता है। अवारे चीजों का आंतरिक सार है, जो आनंद, उत्तेजना का कारण बनता है।

- वाशी (वासी) या वागामी (वागामी)।
मैनुअल कागज बनाना। मध्यकालीन जापानी वाशी को न केवल उसके व्यावहारिक गुणों के लिए, बल्कि उसकी सुंदरता के लिए भी महत्व देते थे। वह अपनी सूक्ष्मता, लगभग पारदर्शिता के लिए प्रसिद्ध थी, हालांकि, उसने उसे ताकत से वंचित नहीं किया। वाशी कोज़ो (शहतूत) के पेड़ और कुछ अन्य पेड़ों की छाल से बना है।
वाशी पेपर को सदियों से संरक्षित किया गया है, इसका प्रमाण प्राचीन जापानी सुलेख, पेंटिंग, स्क्रीन, उत्कीर्णन के एल्बम और खंड हैं जो सदियों से आज तक नीचे आए हैं।
वस्या का कागज रेशेदार होता है, अगर आप माइक्रोस्कोप से देखेंगे तो आपको दरारें दिखाई देंगी जिससे हवा और सूरज की रोशनी प्रवेश करती है। इस गुणवत्ता का उपयोग स्क्रीन और पारंपरिक जापानी लालटेन के निर्माण में किया जाता है।
यूरोपीय लोगों के बीच वाशी स्मृति चिन्ह बहुत लोकप्रिय हैं। इस कागज से कई छोटी और उपयोगी वस्तुएँ बनाई जाती हैं: पर्स, लिफाफे, पंखे। ये काफी टिकाऊ होते हुए भी हल्के होते हैं।

- गोही।
कागज की पट्टियों से तावीज़। गोहेई - एक शिंटो पुजारी का एक अनुष्ठान कर्मचारी, जिसमें पेपर ज़िगज़ैग स्ट्रिप्स जुड़े होते हैं। एक शिंतो मंदिर के प्रवेश द्वार पर कागज की वही पट्टियाँ लटकी हुई हैं। शिंटो में कागज की भूमिका परंपरागत रूप से बहुत बड़ी रही है, और कागज उत्पादों को हमेशा दिया जाता रहा है गूढ़ अर्थ. और यह विश्वास कि प्रत्येक वस्तु, प्रत्येक घटना, यहां तक ​​​​कि शब्दों में, एक कामी - एक देवता शामिल है - गोहेई के रूप में इस तरह की लागू कला के उद्भव की व्याख्या करता है। शिंटोवाद कुछ हद तक हमारे बुतपरस्ती के समान है। शिंटोवादियों के लिए, कामी विशेष रूप से किसी भी चीज़ में निवास करने को तैयार हैं जो सामान्य से बाहर है। उदाहरण के लिए, कागज पर। और इससे भी अधिक एक गोहे में एक जटिल ज़िगज़ैग में मुड़ा हुआ है, जो आज शिंटो मंदिरों के प्रवेश द्वार के सामने लटका हुआ है और मंदिर में एक देवता की उपस्थिति का संकेत देता है। गोही को मोड़ने के 20 तरीके हैं, और जो विशेष रूप से असामान्य रूप से मुड़े हुए हैं वे कामी को आकर्षित करते हैं। गोहेई मुख्य रूप से सफेद रंग का होता है, लेकिन सोना, चांदी और कई अन्य रंग भी पाए जाते हैं। 9वीं शताब्दी के बाद से, जापान में लड़ाई शुरू होने से पहले सूमो पहलवानों के बेल्ट पर गोही को मजबूत करने का रिवाज रहा है।

- अनेसामा।
यह कागज की गुड़िया का निर्माण है। 19वीं शताब्दी में, समुराई पत्नियों ने कागज़ की गुड़ियाएँ बनाईं, जिनसे बच्चे खेलते थे, उन्हें अलग-अलग कपड़े पहनाते थे। ऐसे समय में जब कोई खिलौने नहीं थे, माँ, बड़ी बहन, बच्चे और दोस्त की भूमिका "निष्पादित" करने के लिए, बच्चों के लिए अनासामा एकमात्र वार्ताकार था।
गुड़िया को जापानी वॉशी पेपर से मोड़ा जाता है, बालों को मुड़े हुए कागज से बनाया जाता है, स्याही से रंगा जाता है और गोंद से ढका जाता है, जो इसे चमक देता है। एक विशिष्ट विशेषता लम्बी चेहरे पर एक अच्छी छोटी नाक है। आज, इस साधारण खिलौने को पारंपरिक रूप से कुशल हाथों के अलावा और कुछ नहीं चाहिए, पहले की तरह ही बनाया जाता है।

- ओरिगेमी।
कागज मोड़ने की प्राचीन कला (折り紙, शाब्दिक: "मुड़ा हुआ कागज")। ओरिगेमी की कला की जड़ें प्राचीन चीन में हैं, जहां कागज का आविष्कार किया गया था। प्रारंभ में, ओरिगेमी का उपयोग धार्मिक समारोहों में किया जाता था। लंबे समय तक, इस प्रकार की कला केवल उच्च वर्गों के प्रतिनिधियों के लिए उपलब्ध थी, जहां अच्छे स्वाद का संकेत कागज की तह तकनीकों का अधिकार था। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद ही, ओरिगेमी पूर्व से आगे निकल गया और अमेरिका और यूरोप में आ गया, जहाँ उसे तुरंत अपने प्रशंसक मिल गए। क्लासिक ओरिगेमी को कागज की एक चौकोर शीट से मोड़ा जाता है।
यहां तक ​​कि सबसे जटिल उत्पाद की तह योजना को स्केच करने के लिए पारंपरिक प्रतीकों का एक निश्चित सेट आवश्यक है। 20 वीं शताब्दी के मध्य में प्रसिद्ध जापानी मास्टर अकीरा योशिजावा द्वारा अधिकांश पारंपरिक संकेतों को व्यवहार में लाया गया था।
शास्त्रीय ओरिगेमी गोंद और कैंची के बिना कागज के एक वर्ग समान रूप से रंगीन शीट के उपयोग को निर्धारित करता है। आधुनिक रूपकलाएँ कभी-कभी इस कैनन से विचलित हो जाती हैं।

- किरिगामी।
किरिगामी कैंची की मदद से कई बार मुड़े हुए कागज की शीट से विभिन्न आकृतियों को काटने की कला है। ओरिगेमी का एक प्रकार जो मॉडल बनाने की प्रक्रिया में कैंची और कागज काटने के उपयोग की अनुमति देता है। यह किरिगामी और अन्य पेपर फोल्डिंग तकनीकों के बीच मुख्य अंतर है, जिस पर नाम में जोर दिया गया है: 切る (किरू) - कट, 紙 (गामी) - पेपर। हम सभी बचपन में बर्फ के टुकड़े काटना पसंद करते थे - किरिगामी का एक प्रकार, आप इस तकनीक का उपयोग करके न केवल बर्फ के टुकड़े, बल्कि विभिन्न आंकड़े, फूल, माला और अन्य प्यारे कागज की चीजें भी काट सकते हैं। इन उत्पादों को प्रिंट, एल्बम सजावट, पोस्टकार्ड, फोटो फ्रेम, फैशन डिजाइन, इंटीरियर डिजाइन और अन्य विभिन्न सजावट के लिए स्टेंसिल के रूप में इस्तेमाल किया जा सकता है।

- इकेबाना।
इकेबाना, (जाप 生け花 or いけばな) से अनुवादित जापानी भाषा- ike" - जीवन, "बाना" - फूल, या "फूल जो रहते हैं"। फूलों की सजावट की जापानी कला जापानी लोगों की सबसे खूबसूरत परंपराओं में से एक है। इकेबाना को संकलित करते समय, फूलों के साथ, कटी हुई शाखाओं, पत्तियों और अंकुरों का उपयोग किया जाता है। मौलिक सिद्धांत उत्कृष्ट सादगी है, जिसे प्राप्त करने के लिए वे पौधों की प्राकृतिक सुंदरता पर जोर देने की कोशिश करते हैं। इकेबाना एक नए प्राकृतिक रूप की रचना है, जिसमें एक फूल की सुंदरता और रचना बनाने वाले गुरु की आत्मा की सुंदरता को सामंजस्यपूर्ण रूप से जोड़ा जाता है।
आज जापान में इकेबाना के 4 प्रमुख स्कूल हैं: इकेनोबो (इकेनोबो), कोरियू (कोरियू), ओहरा (ओहारा), सोगेत्सु (सोगेट्सु)। उनके अलावा, लगभग एक हजार अलग-अलग दिशाएँ और रुझान हैं जो इनमें से किसी एक स्कूल का पालन करते हैं।

- ओरिबाना।
17 वीं शताब्दी के मध्य में, ओहारा के दो स्कूल (इकेबाना का मुख्य रूप - ओरिबाना) और कोरियू (मुख्य रूप - सेक) इकेनोबो से चले गए। वैसे, ओहारा स्कूल अभी भी केवल ओरिबानू का अध्ययन करता है। जैसा कि जापानी कहते हैं, यह बहुत महत्वपूर्ण है कि ओरिगेमी ओरिगेमी में न बदले। गोमी का मतलब जापानी में कचरा होता है। आखिरकार, जैसा कि होता है, आपने कागज के एक टुकड़े को मोड़ दिया, और फिर इसके साथ क्या करना है? ओरिबाना इंटीरियर को सजाने के लिए गुलदस्ते के लिए बहुत सारे विचार प्रस्तुत करता है। ओरिबाना = ओरिगेमी + इकेबाना

- गलती।
पुष्प विज्ञान से उत्पन्न एक प्रकार की ललित कला। फ्लोरिस्ट्री हमारे देश में आठ साल पहले दिखाई दी थी, हालांकि यह जापान में छह सौ से अधिक वर्षों से मौजूद है। मध्य युग में किसी समय, समुराई ने एक योद्धा के तरीके को समझा। और ओशिबाना उस रास्ते का हिस्सा था, जैसे चित्रलिपि लिखना और तलवार चलाना। भूल का अर्थ यह था कि उस क्षण (सटोरी) में कुल उपस्थिति की स्थिति में, गुरु ने सूखे फूलों (दबाए हुए फूल) का चित्र बनाया। तब यह तस्वीर उन लोगों के लिए एक कुंजी, एक मार्गदर्शक के रूप में काम कर सकती थी जो मौन में प्रवेश करने और उसी सतोरी का अनुभव करने के लिए तैयार थे।
"ओशिबाना" की कला का सार यह है कि फूलों, जड़ी-बूटियों, पत्तियों, छाल को दबाव में इकट्ठा करके और उन्हें आधार पर चिपकाकर, लेखक पौधों की मदद से "पेंटिंग" का सही मायने में काम करता है। दूसरे शब्दों में, पौधों के साथ पेंटिंग करना गलत है।
फूलों की कलात्मक रचनात्मकता सूखे पौधों की सामग्री के रूप, रंग और बनावट के संरक्षण पर आधारित है। जापानियों ने "ओशिबाना" चित्रों को लुप्त होने और काले पड़ने से बचाने के लिए एक तकनीक विकसित की है। इसका सार यह है कि कांच और तस्वीर के बीच हवा को पंप किया जाता है और एक वैक्यूम बनाया जाता है जो पौधों को खराब होने से रोकता है।
यह न केवल इस कला की अपरंपरागतता को आकर्षित करता है, बल्कि पौधों के गुणों की कल्पना, स्वाद, ज्ञान दिखाने का अवसर भी देता है। फूलवाले आभूषण, परिदृश्य, स्थिर जीवन, चित्र और कहानी चित्र बनाते हैं।

- बोन्साई।
बोन्साई, एक घटना के रूप में, एक हजार साल पहले चीन में दिखाई दिया, लेकिन यह संस्कृति केवल जापान में अपने विकास के चरम पर पहुंच गई। (बोन्साई - जापानी 盆栽 lit. "बर्तन में पौधा") - लघु रूप में एक वास्तविक पेड़ की एक सटीक प्रति उगाने की कला। ये पौधे बौद्ध भिक्षुओं द्वारा हमारे युग से कई शताब्दियों पहले उगाए गए थे और बाद में स्थानीय बड़प्पन की गतिविधियों में से एक बन गए।
बोन्साई ने जापानी घरों और बगीचों को सजाया। टोकुगावा युग में, पार्क डिजाइन को एक नई प्रेरणा मिली: अज़ेलिया और मेपल्स की खेती अमीरों के लिए एक शगल बन गई। बौनी फसल का उत्पादन (हची-नो-की - "एक बर्तन में पेड़") भी विकसित हुआ, लेकिन उस समय के बोन्साई बहुत बड़े थे।
अब बोन्साई के लिए साधारण पेड़ों का उपयोग किया जाता है, वे लगातार छंटाई और अन्य विभिन्न तरीकों के कारण छोटे हो जाते हैं। साथ ही, जड़ प्रणाली के आकार का अनुपात, कटोरे की मात्रा से सीमित होता है, और बोन्साई का जमीन हिस्सा प्रकृति में वयस्क पेड़ के अनुपात से मेल खाता है।

- मिज़ुहिकी।
मैक्रैम एनालॉग। यह विशेष रस्सियों से विभिन्न गांठों को बांधने और उनसे पैटर्न बनाने की एक प्राचीन जापानी लागू कला है। कला के ऐसे कार्यों का दायरा बहुत व्यापक था - उपहार कार्ड और पत्रों से लेकर हेयर स्टाइल और हैंडबैग तक। वर्तमान में, उपहार उद्योग में मिज़ुहिकी का अत्यधिक व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है - जीवन में प्रत्येक घटना के लिए, एक उपहार को बहुत विशिष्ट तरीके से लपेटा और बांधा जाना चाहिए। मिज़ुहिकी कला में बहुत सी गांठें और रचनाएँ हैं, और हर जापानी उन्हें दिल से नहीं जानता है। बेशक, सबसे आम और सरल गांठें हैं जो सबसे अधिक बार उपयोग की जाती हैं: बच्चे के जन्म पर बधाई के लिए, शादी या स्मरणोत्सव के लिए, जन्मदिन या विश्वविद्यालय में प्रवेश के लिए।

- कुमिहिमो।
कुमिहिमो एक जापानी लट है। धागे, रिबन और लेस बुनाई करते समय प्राप्त होते हैं। इन लेसों को विशेष मशीनों - मरुदाई और तकादाई पर बुना जाता है। मरुदाई मशीन का उपयोग गोल लेस बुनाई के लिए किया जाता है, और ताकाडाई का उपयोग फ्लैट वाले के लिए किया जाता है। जापानी में कुमिहिमो का अर्थ है "बुनाई रस्सियाँ" (कुमी - बुनाई, एक साथ तह करना, हिमो - रस्सी, फीता)। इस तथ्य के बावजूद कि इतिहासकार इस बात पर जोर देते हैं कि इसी तरह की बुनाई स्कैंडिनेवियाई और एंडीज के निवासियों के बीच पाई जा सकती है, कुमिहिमो की जापानी कला वास्तव में सबसे प्राचीन प्रकार की बुनाई में से एक है। इसका पहला उल्लेख 550 से मिलता है, जब बौद्ध धर्म पूरे जापान में फैल गया था और विशेष समारोहों के लिए विशेष सजावट की आवश्यकता होती थी। बाद में, कुमिहिमो लेस को महिलाओं के किमोनो पर ओबी बेल्ट के लिए एक फिक्सर के रूप में इस्तेमाल किया जाने लगा, हथियारों के पूरे समुराई शस्त्रागार को "पैकिंग" करने के लिए रस्सियों के रूप में (समुराई अपने कवच और घोड़े के कवच को बांधने के लिए सजावटी और कार्यात्मक उद्देश्यों के लिए कुमिहिमो का इस्तेमाल करते थे) और भारी वस्तुओं को बांधने के लिए भी।
घर के बने गत्ते के करघे पर आधुनिक कुमिहिमो के विभिन्न प्रकार के पैटर्न बहुत आसानी से बुने जाते हैं।

- कोमोनो।
अपना समय पूरा करने के बाद किमोनो के पास क्या बचता है? क्या आपको लगता है कि इसे फेंका जा रहा है? ऐसा कुछ नहीं! जापानी ऐसा कभी नहीं करेंगे। किमोनो महंगे हैं। इसे यूं ही फेंक देना अकल्पनीय और असंभव है... अन्य प्रकार के किमोनो पुनर्चक्रण के साथ, शिल्पकारों ने छोटे टुकड़ों से छोटे स्मृति चिन्ह बनाए। ये बच्चों के लिए छोटे खिलौने, गुड़िया, ब्रोच, माला, महिलाओं के गहने और अन्य उत्पाद हैं, पुराने किमोनो का उपयोग छोटी प्यारी चीजों के निर्माण में किया जाता है, जिन्हें सामूहिक रूप से "कोमोनो" कहा जाता है। छोटी-छोटी चीजें जो किमोनो के मार्ग को जारी रखते हुए अपना जीवन ले लेंगी। "कोमोनो" शब्द का यही अर्थ है।

- कंजाशी।
कपड़े (मुख्य रूप से रेशम) से बने हेयर क्लिप को सजाने की कला (अक्सर फूलों (तितलियों, आदि) से सजाया जाता है। जापानी कंजाशी (कर्णशी) एक पारंपरिक जापानी महिला केश के लिए एक लंबा हेयरपिन है। वे लकड़ी, लाख, चांदी, कछुआ खोल पारंपरिक चीनी और जापानी केशविन्यास में उपयोग किया जाता है। लगभग 400 साल पहले, जापान में, महिलाओं के केशविन्यास की शैली बदल गई: महिलाओं ने अपने बालों को पारंपरिक रूप - तारेगामी (लंबे सीधे बाल) में कंघी करना बंद कर दिया और इसे जटिल और जटिल तरीके से स्टाइल करना शुरू कर दिया। विचित्र रूप - निहोंगमी। विभिन्न वस्तुओं का इस्तेमाल किया - हेयरपिन, लाठी, कंघी। यह तब था कि एक साधारण कुशी कंघी-कंघी भी असाधारण सुंदरता के एक सुरुचिपूर्ण गौण में बदल जाती है, जो कला का एक वास्तविक काम बन जाती है। जापानी महिलाओं की पारंपरिक पोशाक की अनुमति नहीं थी कलाई के गहने और हार, इसलिए केश सजावट आत्म-अभिव्यक्ति के लिए मुख्य सौंदर्य और क्षेत्र थे - साथ ही बैग के स्वाद और मोटाई का प्रदर्शन मालिक की तरह। उत्कीर्णन पर आप देख सकते हैं - यदि आप बारीकी से देखते हैं - कैसे जापानी महिलाएं अपने केशविन्यास में आसानी से बीस महंगी कर्णशी लटकाती हैं।
युवा जापानी महिलाओं के बीच कंजाशी का उपयोग करने की परंपरा में अब एक पुनरुत्थान है जो अपने केशविन्यास में परिष्कार और लालित्य जोड़ना चाहते हैं, आधुनिक बैरेट को सिर्फ एक या दो सुंदर हस्तनिर्मित फूलों से सजाया जा सकता है।

- किनुसाइगा।
जापान से एक अद्भुत प्रकार की सुईवर्क। किनुसाइगा (絹彩画) बाटिक और पैचवर्क के बीच एक क्रॉस है। मुख्य विचार यह है कि नए चित्रों को पुराने रेशम किमोनो - कला के सच्चे कार्यों से एक साथ जोड़ा जाता है।
सबसे पहले, कलाकार कागज पर एक स्केच बनाता है। फिर इस ड्राइंग को एक लकड़ी के बोर्ड पर स्थानांतरित कर दिया जाता है। पैटर्न के समोच्च को खांचे, या खांचे के माध्यम से काटा जाता है, और फिर छोटे टुकड़े, रंग और स्वर में मेल खाते हुए, पुराने रेशम किमोनो से काटे जाते हैं, और इन टुकड़ों के किनारों से खांचे भर जाते हैं। जब आप ऐसी तस्वीर देखते हैं, तो आपको यह अहसास होता है कि आप एक तस्वीर देख रहे हैं, या यहां तक ​​कि खिड़की के बाहर के परिदृश्य को देख रहे हैं, वे बहुत यथार्थवादी हैं।

- टेमरी।
ये साधारण टांके से बनी पारंपरिक जापानी ज्यामितीय कशीदाकारी गेंदें हैं जो कभी बच्चों का खिलौना थीं और अब न केवल जापान में बल्कि पूरे विश्व में कई प्रशंसकों के साथ एक कला का रूप बन गई हैं। ऐसा माना जाता है कि बहुत समय पहले इन उत्पादों को समुराई पत्नियों ने मनोरंजन के लिए बनाया था। बहुत शुरुआत में, वे वास्तव में एक गेंद के खेल के लिए एक गेंद के रूप में उपयोग किए जाते थे, लेकिन धीरे-धीरे वे कलात्मक तत्वों को प्राप्त करना शुरू कर देते थे, जो बाद में सजावटी आभूषणों में बदल गए। इन गेंदों की नाजुक सुंदरता पूरे जापान में जानी जाती है। और आज, रंगीन, सावधानी से तैयार किए गए उत्पाद जापान में लोक शिल्पों में से एक हैं।

- यूबिनुकी।
जापानी थम्बल्स, जब हाथ से सिलाई या कशीदाकारी की जाती है, तो उन्हें काम करने वाले हाथ की मध्य उंगली के मध्य भाग पर रखा जाता है, उंगलियों की मदद से सुई को वांछित दिशा दी जाती है, और सुई को बीच में अंगूठी के माध्यम से धकेल दिया जाता है काम में उंगली। प्रारंभ में, जापानी युबिनुकी थम्बल्स को काफी सरलता से बनाया गया था - कई परतों में घने कपड़े या चमड़े की एक पट्टी लगभग 1 सेमी चौड़ी उंगली के चारों ओर कसकर लपेटी गई थी और कुछ साधारण सजावटी टांके के साथ एक साथ बांधी गई थी। चूंकि युबिनुक थे आवश्यक विषयहर घर में उन्हें रेशम के धागों से ज्यामितीय कढ़ाई से सजाया जाने लगा। टांकों को आपस में जोड़ने से रंगीन और जटिल पैटर्न तैयार किए गए। एक साधारण घरेलू सामान से युबिनुकी भी "प्रशंसा", रोजमर्रा की जिंदगी की सजावट के लिए एक वस्तु में बदल गई है।
युबिनुकी का उपयोग अभी भी सिलाई और कढ़ाई में किया जाता है, लेकिन उन्हें सजावटी अंगूठियों की तरह किसी भी उंगली पर हाथों पर पहना जा सकता है। युबिनुकी-शैली की कढ़ाई का उपयोग अंगूठी के रूप में विभिन्न वस्तुओं को सजाने के लिए किया जाता है - नैपकिन के छल्ले, कंगन, टेमरी स्टैंड, युबिनुकी कढ़ाई से सजाए गए, और उसी शैली में कशीदाकारी सुई बेड भी हैं। टेमारी ओबी कढ़ाई के लिए युबिनुकी पैटर्न एक महान प्रेरणा हो सकते हैं।

- सुइबोकुगा या सूमी।
जापानी स्याही पेंटिंग। पेंटिंग की इस चीनी शैली को जापानी कलाकारों ने 14वीं शताब्दी में और 15वीं शताब्दी के अंत तक अपनाया था। जापान में चित्रकला की मुख्यधारा बन गई। सुइबोकुगा मोनोक्रोम है। यह काली स्याही (सुमी), एक ठोस रूप के उपयोग की विशेषता है लकड़ी का कोयलाया चीनी स्याही की कालिख से बनाया जाता है, जिसे स्याही के बर्तन में पीसा जाता है, पानी से पतला किया जाता है, और ब्रश से कागज या रेशम पर लगाया जाता है। मोनोक्रोम मास्टर को तानवाला विकल्पों का एक अंतहीन विकल्प प्रदान करता है, जिसे चीनी बहुत पहले स्याही के "रंगों" के रूप में पहचानते थे। सुइबोकुगा कभी-कभी वास्तविक रंगों के उपयोग की अनुमति देता है, लेकिन इसे पतले, पारदर्शी स्ट्रोक तक सीमित करता है जो हमेशा स्याही रेखा के अधीन रहते हैं। इंक पेंटिंग सुलेख की कला के साथ आवश्यक विशेषताओं को साझा करती है जैसे कि कड़ाई से नियंत्रित अभिव्यक्ति और रूप की तकनीकी महारत। स्याही पेंटिंग की गुणवत्ता, सुलेख के रूप में, स्याही में खींची गई रेखा को फाड़ने के लिए अखंडता और प्रतिरोध के रूप में नीचे आती है, जो कि, जैसा कि यह था, कला का काम अपने आप में रखता है, जैसे कि हड्डियां अपने आप में ऊतक रखती हैं।

- एतेगामी।
तैयार किए गए पोस्टकार्ड (ई - चित्र, टैग किए गए - पत्र)। डू-इट-योरसेल्फ पोस्टकार्ड मेकिंग आमतौर पर जापान में एक बहुत लोकप्रिय गतिविधि है, और छुट्टी से पहले इसकी लोकप्रियता और भी बढ़ जाती है। जापानी अपने दोस्तों को पोस्टकार्ड भेजना पसंद करते हैं, और वे उन्हें प्राप्त करना भी पसंद करते हैं। यह विशेष रिक्त स्थान पर एक प्रकार का त्वरित पत्र है, इसे बिना लिफाफे के मेल द्वारा भेजा जा सकता है। एतेगामी में नहीं विशेष नियमया एक तकनीशियन, यह विशेष प्रशिक्षण के बिना कोई भी व्यक्ति हो सकता है। एतागामी मूड, छापों को सटीक रूप से व्यक्त करने में मदद करता है, यह एक हस्तनिर्मित पोस्टकार्ड है जिसमें एक तस्वीर और एक छोटा पत्र होता है जो प्रेषक की भावनाओं को व्यक्त करता है, जैसे कि गर्मी, जुनून, देखभाल, प्यार, आदि। वे इन पोस्टकार्डों को छुट्टियों के लिए भेजते हैं और ठीक वैसे ही जैसे मौसमों, गतिविधियों, सब्जियों और फलों, लोगों और जानवरों का चित्रण करते हैं। यह चित्र जितना सरल बनाया गया है, उतना ही रोचक भी लगता है।

- फ़रोशिकी।
जापानी लपेटने की तकनीक या कपड़े को मोड़ने की कला। फ़रोशिकी ने लंबे समय तक जापानियों के जीवन में प्रवेश किया। कामाकुरा-मुरोमाची काल (1185 - 1573) के प्राचीन स्क्रॉल को महिलाओं की छवियों के साथ संरक्षित किया गया है जो अपने सिर पर कपड़े में लिपटे कपड़ों के बंडल ले जाती हैं। यह दिलचस्प तकनीक जापान में 710-794 ईस्वी पूर्व में उत्पन्न हुई थी। "फ़ुरोशिकी" शब्द का शाब्दिक अर्थ "बाथ रग" है और यह कपड़े का एक चौकोर टुकड़ा है जिसका उपयोग सभी आकार और आकार की वस्तुओं को लपेटने और ले जाने के लिए किया जाता था।
पुराने दिनों में, हल्के सूती किमोनो में जापानी स्नान (फ्यूरो) में चलने की प्रथा थी, जिसे आगंतुक अपने साथ घर से लाते थे। स्नान करने वाला एक विशेष गलीचा (शिकी) भी लाया, जिस पर वह कपड़े उतारते समय खड़ा था। "स्नान" किमोनो में बदलने के बाद, आगंतुक ने अपने कपड़े गलीचे में लपेटे, और स्नान के बाद गीले किमोनो को घर लाने के लिए गलीचे में लपेटा। इस प्रकार, बाथ मैट एक बहुक्रियाशील बैग बन गया है।
फ़रोशिकी का उपयोग करना बहुत आसान है: कपड़ा उस वस्तु का आकार ले लेता है जिसे आप लपेटते हैं, और हैंडल भार को ले जाने में आसान बनाते हैं। इसके अलावा, एक उपहार कठोर कागज में नहीं, बल्कि एक नरम, बहुस्तरीय कपड़े में लपेटा जाता है, विशेष अभिव्यंजना प्राप्त करता है। हर दिन या उत्सव के किसी भी अवसर के लिए फुरोशिकी को तह करने की कई योजनाएँ हैं।

- अमिगुरुमी।
छोटे स्टफ्ड एनिमल्स और ह्यूमनॉइड प्राणियों को बुनने या क्रोशिया करने की जापानी कला। अमिगुरुमी (編み包み, शाब्दिक: "बुना हुआ-लपेटा") अक्सर प्यारे जानवर होते हैं (जैसे भालू, बन्नी, बिल्ली, कुत्ते, आदि), छोटे आदमी, लेकिन वे मानव गुणों से संपन्न निर्जीव वस्तु भी हो सकते हैं। उदाहरण के लिए, कपकेक, टोपी, हैंडबैग और अन्य। अमिगुरुमी बुना हुआ या बुना हुआ या क्रोकेटेड है। हाल ही में, क्रोकेट अमिगुरुमी अधिक लोकप्रिय और अधिक आम हो गए हैं।
एक सरल बुनाई विधि में यार्न से बुना हुआ - एक सर्पिल में और, यूरोपीय बुनाई विधि के विपरीत, सर्कल आमतौर पर जुड़े नहीं होते हैं। वे सूत की मोटाई के सापेक्ष एक छोटे आकार पर क्रोशिया से बने होते हैं ताकि स्टफिंग को बाहर निकालने के लिए बिना किसी अंतराल के बहुत घने कपड़े का निर्माण किया जा सके। अमिगुरुमी को अक्सर भागों से बनाया जाता है और फिर कुछ अमिगुरुमी के अपवाद के साथ एक साथ रखा जाता है, जिसमें अंग नहीं होते हैं, लेकिन केवल एक सिर और धड़ होता है, जो एक पूरे होते हैं। अंगों को कभी-कभी जीवित वजन देने के लिए प्लास्टिक के टुकड़ों से भर दिया जाता है, जबकि शरीर के बाकी हिस्सों को फाइबरफिल से भर दिया जाता है।
अमिगुरुमी सौंदर्यशास्त्र के प्रसार को उनकी क्यूटनेस (“कवई”) द्वारा सुगम बनाया गया है।