Tajna veličine glavnih djela japanske umjetnosti. Razvoj japanskog slikarstva

Ovim člankom započinjem seriju članaka o povijesti Japana likovne umjetnosti. Ovi će se postovi uglavnom fokusirati na slikarstvo počevši od razdoblja Heian, a ovaj je članak uvod i opisuje razvoj umjetnosti do 8. stoljeća.

Razdoblje Jōmon
Japanska kultura ima vrlo drevne korijene - najraniji nalazi datiraju iz 10. tisućljeća pr. e. no službeno se početkom razdoblja Jomon smatra 4500 godina pr. e. O ovom razdoblju nekokit napisao jako dobar post.
Jedinstvenost jemonske keramike je u tome što obično pojava keramike, uz razvoj poljoprivrede, ukazuje na početak neolitskog doba. Međutim, čak iu doba mezolitika, nekoliko tisuća godina prije pojave poljoprivrede, jomonski lovci-sakupljači stvorili su keramiku prilično složenog oblika.

Unatoč vrlo ranoj pojavi keramike, ljudi Jomon ere vrlo su sporo razvijali tehnologiju i ostali na razini kamenog doba.

Tijekom srednjeg razdoblja Jōmon (2500.-1500. pr. Kr.) pojavile su se keramičke figurice. Ali i u srednjem i u kasnom razdoblju (1000.-300. pr. Kr.) oni ostaju apstraktni i visoko stilizirani.

Od Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Razdoblje Jomon, 1000-400 pr. Kr.
Tokijski nacionalni muzej

Inače, ufolozi vjeruju da se radi o slikama vanzemaljaca. U tim figuricama vide svemirska odijela, naočale i maske za kisik na licima, a slike spirala na "svemirskim odijelima" smatraju se kartama galaksija.

Yayoi razdoblje
Yayoi je kratko razdoblje u japanskoj povijesti, u trajanju od 300. pr. Kr. do 300. godine, tijekom kojeg su se dogodile najdramatičnije kulturne promjene u japanskom društvu. U tom su razdoblju plemena koja su došla s kopna i raselila autohtono stanovništvo japanskih otoka donijela svoju kulturu i nove tehnologije, poput uzgoja riže i obrade bronce. Opet, većina umjetnosti i tehnologije razdoblja Yayoi uvezena je iz Koreje i Kine.

Kofun razdoblje
Između 300. i 500. godine, plemenske vođe su pokapane u humke zvane "Kofun". Ovo razdoblje se naziva ovim imenom.

U grobove su stavljane stvari koje bi umrlima mogle zatrebati. To su hrana, oruđe i oružje, nakit, keramika, ogledala i ono najzanimljivije - glinene figurice zvane "haniwa".

Od Kokaija, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Razdoblje Kofun, 6. stoljeće.
Tokijski nacionalni muzej

Točna svrha figurica ostaje nepoznata, ali nalaze se na svim grobištima iz doba Kofun. Iz ovih malih figurica može se zamisliti kako se tada živjelo, jer su ljudi prikazani s oruđem i oružjem, a ponekad i uz kuće.

Ove skulpture, pod utjecajem kineske tradicije, imaju neovisne elemente svojstvene samo lokalnoj umjetnosti.

Plesačica, dinastija Zapadni Han (206. pr. Kr. – 9. god. po Kr.), 2. stoljeće pr. Kr.
Kina
Metropolitan Museum of Art, NY

Tijekom razdoblja Kofun, figurice postaju sve profinjenije i sve više drugačije. To su slike vojnika, lovaca, pjevača, plesača i tako dalje.

Od Nohara, Konan-machi, Saitama Sadašnje H. 64.2, 57.3.
Razdoblje Kofun, 6. stoljeće.
Tokijski nacionalni muzej

Postoji još jedna značajka ovih skulptura. Haniva ne predstavlja samo društvenu funkciju, već i raspoloženje figure. Ratnik, na primjer, ima strog izraz lica. a na licima seljaka ogromni osmijesi.

Od Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Razdoblje Kofun, 6. stoljeće.
Tokijski nacionalni muzej

Asuka razdoblje
Od razdoblja Yayoi, japanska vizualna umjetnost je neodvojiva od korejske ili kineska umjetnost. To postaje najuočljivije u sedmom i osmom stoljeću, kada se japanska umjetnost počinje ubrzano razvijati u različite vizualne žanrove.

U 6. stoljeću dolazi do kardinalnih promjena u japanskom društvu: konačno se oblikuje prva japanska država Yamato, a također, 552. godine u Japan dolazi budizam, donoseći sa sobom budističku skulpturu i koncept hrama, što uzrokuje pojavu hramova u Japanu - kako šintoističkih, tako i budističkih.
Šintoistička svetišta slijedila su arhitekturu žitnica (Najranija šintoistička svetišta bile su žitnice u kojima su se održavale proslave žetve. Tijekom ritualnih gozbi ljudi su vjerovali da bogovi blaguju s njima.)
Šintoistički bogovi – prije svega prirodne sile tako da je arhitektura ovih svetišta integrirana s prirodom, poput rijeka i šuma. Ovo je važno razumjeti. U šintoističkoj arhitekturi, strukture koje je napravio čovjek trebale su biti produžeci prirodnog svijeta.

Prvi budistički hram, Shitennoji, sagrađen je tek 593. godine u Osaki. Ti rani hramovi bili su imitacije korejskih budističkih hramova, koji su se sastojali od središnje pagode okružene s tri zgrade i natkrivenim hodnikom.

Širenje budizma olakšalo je kontakte između Japana i Koreje s Kinom i integraciju kineske kulture u japansku kulturu.

Japan? Kako se razvijao? Na ova i druga pitanja odgovorit ćemo u članku. Japanska kultura nastala je kao rezultat povijesnog kretanja koje je započelo kada su se Japanci preselili s kopna na arhipelag i rodila se civilizacija iz razdoblja Jomon.

Europa, Azija (osobito Koreja i Kina) i Sjeverna Amerika snažno su utjecale na sadašnje prosvjećivanje ovoga naroda. Jedan od znakova japanske kulture je njezin dugi razvoj u doba potpune izolacije države (sakoku politika) od svih ostalih zemalja tijekom vladavine Tokugawa Shogunata, koja je trajala do sredine 19. stoljeća - početka Meiji era.

Utjecaj

Kako likovna kultura Japan? Na civilizaciju su značajno utjecali izolirani regionalni položaj zemlje, klimatski i geografska obilježja, kao i prirodne pojave (tajfuni i česti potresi). To se izražavalo u izuzetnom odnosu stanovništva prema prirodi kao živom biću. značajka nacionalni karakter Japanski je sposobnost divljenja trenutnoj ljepoti svemira, koja se izražava u mnogim vrstama umjetnosti u maloj zemlji.

Umjetnička kultura Japana nastala je pod utjecajem budizma, šintoizma i konfucijanizma. Isti ti trendovi utjecali su na njegov daljnji razvoj.

drevna vremena

Slažem se, umjetnička kultura Japana je veličanstvena. Šintoizam vuče korijene iz davnih vremena. Budizam se, iako se pojavio prije naše ere, počeo širiti tek od petog stoljeća. Razdoblje Heian (8.-12. st.) smatra se zlatnim dobom japanske državnosti. U istom je razdoblju slikovita kultura ove zemlje dosegla svoj najviši vrhunac.

Konfucijanizam se pojavio u 13. stoljeću. U ovoj fazi došlo je do odvajanja Konfucijeve filozofije od budizma.

Hijeroglifi

Slika umjetničke kulture Japana utjelovljena je u jedinstvenoj versifikaciji, koja se zove U ovoj zemlji je visoko razvijena i umjetnost kaligrafije, koja je, prema legendi, nastala iz nebeskih božanskih slika. Upravo su oni udahnuli život pisanju, pa je stanovništvo blagonaklono prema svakom znaku u pravopisu.

Priča se da su japanskoj kulturi dali hijeroglifi, jer su se iz njih pojavile slike koje okružuju natpis. Nešto kasnije počinje se uočavati snažan spoj elemenata slikarstva i poezije u jednom djelu.

Proučite li japanski svitak, otkrit ćete da djelo sadrži dvije vrste simbola. To su znakovi pisma - pečati, pjesme, kolofeni, kao i slikoviti. U isto vrijeme Kabuki teatar stekao je veliku popularnost. Drugačiju vrstu kazališta - Ali - preferira uglavnom vojno osoblje. njihova strogost i okrutnost snažno su utjecali na br.

Slika

Umjetničku kulturu proučavali su mnogi stručnjaci. Ogromnu ulogu u njegovom formiranju odigralo je kaiga slikarstvo, što na japanskom znači crtanje ili slikanje. Ova se umjetnost smatra najstarijom vrstom slikarstva države, koju određuje veliki broj rješenja i oblika.

U njemu posebno mjesto zauzima priroda koja određuje sveto načelo. Podjela slikarstva na sumi-e i yamato-e postoji od desetog stoljeća. Prvi stil razvio se bliže četrnaestom stoljeću. To je vrsta jednobojnog akvarela. Yamato-e su vodoravno presavijeni svici koji se obično koriste za ukrašavanje književnih djela.

Nešto kasnije, u 17. stoljeću, u zemlji se pojavio tisak na pločama - ukiyo-e. Majstori su prikazivali pejzaže, gejše, poznati glumci kabuki teatar. Ova vrsta slikarstva u 18. stoljeću imala je snažan utjecaj na umjetnost Europe. Trend u nastajanju nazvan je "japanizam". U srednjem vijeku, kultura Japana nadišla je granice zemlje - počela se koristiti u dizajnu modernih i modernih interijera širom svijeta.

Kaligrafija

O, kako je lijepa umjetnička kultura Japana! Shvaćanje sklada s prirodom uočava se u svakom njezinom segmentu. Što je moderna japanska kaligrafija? Zove se shodo ("način obavijesti"). Kaligrafija je, kao i pisanje, obavezna disciplina. Znanstvenici su otkrili da je ova umjetnost tamo došla istodobno s kineskim pismom.

Usput, u davnim vremenima kultura osobe procjenjivala se prema razini kaligrafije. Danas postoji veliki broj stilovi pisanja, a razvili su ih budistički redovnici.

Skulptura

Kako je nastala japanska kultura? Proučit ćemo razvoj i vrste ovog područja ljudskog života što je moguće detaljnije. Skulptura je najstarija vrsta umjetnosti u Japanu. U davna vremena ljudi ove zemlje izrađivali su figurice idola i posuđe od keramike. Tada su ljudi počeli postavljati kipove khaniva, stvorene od pečene gline, na grobove.

Razvoj kiparskog obrta u moderni Japanska kultura povezan sa širenjem budizma u državi. Jedan od najstarijih predstavnika japanskih spomenika smatra se statua Buddhe Amitabhe, izrađena od drveta, smještena u hramu Zenko-ji.

Skulpture su se vrlo često izrađivale od greda, ali su izgledale vrlo bogato: majstori su ih prekrivali lakom, zlatom i svijetlim bojama.

Origami

Sviđa li vam se umjetnička kultura Japana? Shvaćanje sklada s prirodom donijet će nezaboravno iskustvo. karakteristična značajka Japanska kultura postala je nevjerojatan proizvod origamija ("presavijeni papir"). Ova vještina svoje podrijetlo duguje Kini, gdje je, zapravo, pergament i izumljen.

Isprva se "presavijeni papir" koristio u vjerskim obredima. Ovu umjetnost mogla je proučavati samo viša klasa. Ali nakon Drugog svjetskog rata origami je napustio domove plemića i pronašao svoje poklonike diljem svijeta.

Ikebana

Svatko bi trebao znati što je umjetnička kultura zemalja Istoka. Japan je uložio mnogo rada u njegov razvoj. Još jedna komponenta ove kulture divna zemlja je ikebana (“živo cvijeće”, “novi život cvijeća”). Japanci su ljubitelji estetike i jednostavnosti. Upravo su te dvije kvalitete uložene u radove. Sofisticiranost slika postiže se korisnim korištenjem prirodne ljepote vegetacije. Ikebana je, poput origamija, također služila kao dio vjerskog obreda.

Minijature

Vjerojatno su mnogi već shvatili da je umjetnička kultura drevne Kine i Japana usko isprepletena. A što je bonsai? Japanska je jedinstvena vještina uzgajati gotovo točnu minijaturnu repliku pravog stabla.

U Japanu je također uobičajeno izrađivati ​​netsuke - male skulpture koje su svojevrsni privjesci za ključeve. Često su takve figurice u ovom svojstvu bile pričvršćene na odjeću Japanaca, koja nije imala džepove. Ne samo da su ga ukrašavali, već su služili i kao originalna protuteža. Privjesci za ključeve izrađivali su se u obliku ključa, torbice, pletene košare.

Povijest slikarstva

Likovna kultura drevni japan zanima mnoge ljude. Slikarstvo u ovoj zemlji nastalo je tijekom japanskog paleolitika i razvijalo se na ovaj način:

• Yamato razdoblje. U doba Asuke i Kofuna (4.-7. st.), uz uvođenje hijeroglifa, stvaranje državnog uređenja kineskog tipa i popularizaciju budizma, iz Kine su u Japan donesena mnoga umjetnička djela. Nakon toga, slike u kineskom stilu počele su se reproducirati u Zemlji izlazećeg sunca.
• Nara vrijeme. U VI i VII stoljeću. Budizam se nastavio razvijati u Japanu. U tom je pogledu počelo cvjetati religiozno slikarstvo, kojim su se ukrašavali brojni hramovi koje je gradila aristokracija. Općenito, u doba Nara doprinos razvoju kiparstva i umjetnosti bio je veći nego u slikarstvu. Rane slike u ovom ciklusu uključuju murale na unutarnjim zidovima hrama Horyu-ji u prefekturi Nara, koji prikazuju život Shakyamuni Buddhe.
• Heian doba. U japanskom slikarstvu, počevši od 10. stoljeća, ističe se trend yamato-e, o čemu smo gore pisali. Takve slike su horizontalni svici koji se koriste za ilustraciju knjiga.
• Era Muromachija. U XIV. stoljeću pojavio se stil Supi-e (jednobojni akvarel), au prvoj polovici XVII. umjetnici su počeli tiskati gravure na daskama – ukiyo-e.
• Slikarstvo ere Azuchi-Momoyama u oštrom je kontrastu sa slikarstvom Muromachijevog razdoblja. Polikromnog je stila s opsežnom upotrebom srebra i tijekom tog razdoblja obrazovna ustanova Kano uživala je veliki ugled i slavu. Njegov osnivač bio je Kano Eitoku, koji je oslikao stropove i klizna vrata za odvojene prostorije. Takvi crteži ukrašavali su dvorce i palače vojnog plemstva.
• Maiji doba. Od druge polovice 19. stoljeća umjetnost se podijelila na konkurentske tradicionalne i europske stilove. Tijekom Maiji ere, Japan je prošao kroz velike društvene i političke promjene u procesu modernizacije i europeizacije u organizaciji vlasti. Mladi perspektivni umjetnici slani su u inozemstvo na studij, a inozemni umjetnici dolazili su u Japan kako bi kreirali školske umjetničke programe. Bilo kako bilo, nakon početnog naleta znatiželje o umjetničkom stilu Zapada, visak se okrenuo obrnuta strana, te je oživljen japanski tradicionalni stil. Godine 1880. zapadnjačke umjetničke prakse bile su zabranjene na službenim izložbama i žestoko kritizirane.

Poezija

Umjetnička kultura drevnog Japana još se proučava. Njegova značajka je svestranost, poneka sintetika, jer je nastala pod utjecajem različitih religija. Poznato je da je japanska klasična poezija izranjala iz svakodnevice, djelovala u njoj, a ta njena prizemnost donekle je sačuvana iu tradicionalnim oblicima današnje poezije – trostihu haiku i peterostihu tanki, koji se odlikuju naglašenim masovni karakter. Inače, upravo ih to svojstvo razlikuje od "slobodnog stiha" koji gravitira elitizmu, a koji se u Japanu pojavio početkom 20. stoljeća pod utjecajem europske poezije.

Jeste li primijetili da su faze razvoja umjetničke kulture Japana višestruke? Poezija je u društvu ove zemlje imala posebnu ulogu. Jedan od najpoznatijih žanrova je haiku, možete ga razumjeti samo ako se upoznate s njegovom poviješću.

Prvi put se pojavio u doba Heian, bio je sličan renga stilu, koji je bio svojevrsni ispušni ventil za pjesnike koji su se htjeli odmoriti od promišljenih stihova waha. Haikai je postao nezavisni žanr u 16. stoljeću, jer je renga postala preozbiljna i haiku se na nju oslanjao kolokvijalni i dalje je bio duhovit.

Naravno, umjetnička kultura Japana ukratko je opisana u mnogim djelima, ali pokušat ćemo o tome govoriti detaljnije. Poznato je da je u srednjem vijeku jedan od najpoznatijih japanskih književnih žanrova bila tanka („lakonična pjesma“). U većini slučajeva riječ je o peterostihu koji se sastoji od para strofa s fiksnim brojem slogova: 5-7-5 slogova u tri retka prve strofe i 7-7 u dva retka druge. Što se sadržaja tiče, tanka koristi sljedeću shemu: prva strofa predstavlja određenu prirodnu sliku, a druga odražava osjećaj osobe koja odjekuje tom slikom:

• U dalekim planinama
  Dugorepi fazan drijema -
  Ova duga, duga noć
  Mogu li spavati sam? ( Kakinomoto no Hitovaro, početak 8. stoljeća, preveo Sanovich.)

Japanska dramaturgija

Mnogi tvrde da je umjetnička kultura Kine i Japana očaravajuća. Volite li izvedbene umjetnosti? Tradicionalna dramaturgija Zemlje izlazećeg sunca dijeli se na joruri (lutkarsko kazalište), dramaturgiju Noh teatra (kyogen i yokyoku), kabuki teatar i shingeki. Običaji ove umjetnosti uključuju pet osnovnih kazališnih žanrova: kyogen no, bugaku, kabuki i bunraku. Svih ovih pet tradicija i danas su prisutne. Unatoč kolosalnim razlikama, povezuju ih zajednička estetska načela koja podupiru japansku umjetnost. Inače, dramaturgija Japana nastala je na pozornici br.

Kabuki kazalište pojavilo se u 17. stoljeću, a vrhunac je doseglo krajem 18. stoljeća. Forma predstava koja se razvila u navedenom razdoblju sačuvana je na suvremenoj pozornici Kabukija. Predstave ovog kazališta, za razliku od pozornica No, usmjerenih na uski krug štovatelja antičke umjetnosti, namijenjene su masovnoj publici. Korijeni kabuki vještine potječu iz nastupa komičara – izvođača malih farsi, scena koje su se sastojale od plesa i pjevanja. Kazališna vještina Kabukija apsorbirala je elemente jorurija i br.

Pojava Kabuki kazališta povezana je s imenom radnika budističkog svetišta O-Kuni u Kyotu (1603.). O-Kuni je nastupio na pozornici s vjerskim plesovima, koji su uključivali pokrete narodnih plesova Nembutsu-odori. Njezini su nastupi bili prošarani komičnim igrokazima. U ovoj fazi, produkcije su se nazivale yujo-kabuki (kabuki kurtizana), o-kuni-kabuki ili onna-kabuki (kabuki za žene).

Gravure

U prošlom stoljeću Europljani, a zatim i Rusi, susreli su se s fenomenom japanske umjetnosti kroz graviranje. U međuvremenu, u Zemlji izlazećeg sunca crtanje po drvetu isprva se uopće nije smatralo vještinom, iako je imalo sva svojstva masovne kulture - jeftinost, dostupnost, tiraž. Ukiyo-e poznavatelji uspjeli su postići najvišu razumljivost i jednostavnost kako u utjelovljenju zapleta tako iu svom izboru.

Ukiyo-e je bila posebna umjetnička škola, pa je uspjela iznijeti brojne izvanredne majstore. Tako se ime Hisikawa Moronobu (1618.-1694.) povezuje s početnom fazom razvoja graviranja zapleta. Sredinom 18. stoljeća stvara Suzuki Harunobu, prvi poznavatelj višebojnog graviranja. Glavni motivi njegova rada bili su lirski prizori, u kojima se pozornost nije posvećivala radnji, već prijenosu raspoloženja i osjećaja: ljubavi, nježnosti, tuge. Poput izvrsne drevne umjetnosti Heian ere, ukiyo-e virtuozi oživjeli su izvanredan kult izuzetne ljepote žene u obnovljenom urbanom okruženju.

Jedina je razlika bila u tome što su umjesto ponosnih Heian aristokrata, grafike prikazivale graciozne gejše iz zabavnih četvrti Eda. Umjetnik Utamaro (1753-1806) možda je jedinstven primjer profesionalca u povijesti slikarstva, koji je svoje stvaralaštvo u potpunosti posvetio prikazivanju dama u raznim pozama i haljinama, u različitim životnim okolnostima. Jedno od njegovih najboljih djela je gravura "Geisha Osama", koja se čuva u Moskvi, u Puškinovom muzeju slikarstva. Umjetnik je neobično suptilno prenio jedinstvo geste i raspoloženja, izraza lica.

Manga i anime

Mnogi umjetnici pokušavaju proučavati slikarstvo Japana. Što je anime (japanska animacija)? Od ostalih žanrova animacije razlikuje se po tome što je više prilagođen odraslom gledatelju. Ovdje postoji dvostruka podjela na stilove za jednoznačnost ciljanu publiku. Mjera simpatije je spol, dob ili psihološki portret gledatelja. Vrlo često, anime je filmska adaptacija japanskih manga stripova, koji su također dobili veliku slavu.

Osnovni dio mange dizajniran je za odraslog gledatelja. Prema podacima iz 2002. oko 20% cjelokupnog japanskog tržišta knjiga zauzimali su manga stripovi.

Japan nam je geografski blizu, ali je, unatoč tome, dugo vremena ostao nerazumljiv i nedostupan cijelom svijetu. Danas znamo mnogo o ovoj zemlji. Duga dobrovoljna izolacija dovela je do toga da se njezina kultura potpuno razlikuje od kultura drugih država.

Japan je najmanja država na Dalekom istoku - 372 tisuće četvornih kilometara. Ali doprinos koji je Japan dao povijesti svjetske kulture nije manji od doprinosa velikih drevnih država.

Počeci umjetnosti ove drevne zemlje sežu u 8. tisućljeće pr. Ali najznačajnija pozornica u svim svojim područjima umjetnički život postojalo je razdoblje koje je započelo u 6.-7.st. od R.Kh. i nastavio se do sredine 19. stoljeća. Razvoj japanske umjetnosti odvijao se neravnomjerno, ali nije poznavao previše oštre promjene ili oštre padove.

Japanska umjetnost razvijala se u posebnim prirodnim i povijesnim uvjetima. Japan se nalazi na četiri velika otoka (Honshu, Hokkaido, Kyushu i Shioku) i mnogo manjih. Dugo vremena bila je neosvojiva i nije poznavala vanjske ratove. Blizina Japana kopnu utjecala je na uspostavljanje kontakata s Kinom i Korejom u antičko doba. To je ubrzalo razvoj japanske umjetnosti.

Japanska srednjovjekovna umjetnost rasla je pod utjecajem korejske i kineske kulture. Japan je prihvatio kinesko pismo i značajke kineskog svjetonazora. budizam je postao državna religija Japana. No Japanci su se prelomili na svoj način kineske ideje te ih prilagodili svom načinu života.

Japanska kuća, japanski interijer
Japanska kuća jednako je jasna i jednostavna iznutra kao i izvana. Održavao se stalno čistim. Pod, ulašten do sjaja, bio je prekriven svijetlim slamnatim prostirkama - tatamijem, dijeleći prostoriju na ravne pravokutnike. Cipele su se skidale na kućnom pragu, stvari su držane u ormarima, kuhinja je bila odvojena od dnevnog boravka. U sobama, u pravilu, nije bilo stalnih stvari. Dovođeni su i odvođeni prema potrebi. Ali svaka stvar u praznoj sobi, bilo da je to cvijet u vazi, slika ili lakirani stol, privukla je pozornost i stekla posebnu izražajnost.

Sve vrste umjetnosti povezane su s dizajnom prostora kuće, hrama, palače ili dvorca u srednjovjekovnom Japanu. Svaki je služio kao nadopuna drugome. Na primjer, vješto odabrani buket nadopunio je i pokrenuo raspoloženje preneseno na pejzažnoj slici.

Ista besprijekorna preciznost, isti osjećaj za materijal, kao u uređenju japanske kuće, osjetio se u proizvodima dekorativne umjetnosti. Ne bez razloga se na čajnim ceremonijama, kao najveći dragulj, koristilo ručno oblikovano posuđe. Njegova mekana i neravna zemlja zadržala je trag prstiju koji su oblikovali mokru glinu. Ružičasto-biserne, tirkizno-lila ili sivo-plave glazure nisu bile upečatljive, ali su osjetile sjaj same prirode, s čijim je životom povezan svaki predmet japanske umjetnosti.

Japanska keramika
Neglazirane, ručno oblikovane i pečene na niskoj temperaturi, glinene posude sličile su keramici drugih starih naroda. Ali oni su već imali značajke koje su jedinstvene za japansku kulturu. Uzorci vrčeva i posuđa raznih oblika odražavali su ideje o elementima uragana, mora i planina koje bljuju vatru. Činilo se da je fantaziju ovih proizvoda potaknula sama priroda.

Masivni, gotovo metar visoki vrčevi s nalijepljenim uzorkom konveksnih glinenih snopova nalikuju ili vijugavim školjkama, ili razgranatim koraljnim grebenima, ili spletovima algi, ili nazubljenim rubovima vulkana. Ove veličanstvene i monumentalne vaze i zdjele nisu služile samo u kućanstvu, već iu ritualne svrhe. No, sredinom 1. tisućljeća pr. brončani predmeti ušli su u uporabu, a keramičko posuđe izgubilo je ritualnu namjenu.

Uz keramiku pojavljuju se novi proizvodi umjetničkog obrta - oružje, nakit, brončana zvona i ogledala.

Japanski predmeti za kućanstvo
U 9. do 12. stoljeću nove ere, ukusi japanske aristokracije otkriveni su u dekorativnoj umjetnosti. Glatki lakirani predmeti otporni na vlagu, posuti zlatnim i srebrnim prahom, lagani i elegantni, kao da osvjetljavaju sumrak japanskih soba, činili su veliki izbor svakodnevnih predmeta. Lak je korišten za izradu zdjela i kovčega, škrinja i stolova, glazbeni instrumenti. Svaka sitnica hrama i svakodnevnog života - srebrni pribor za jelo, vaze za cvijeće, šareni papir za pisma, izvezeni pojasevi - otkrivala je poetičan i emotivan odnos Japanaca prema svijetu.

Japansko slikarstvo
S razvojem monumentalne arhitekture palača znatno se aktivizirala djelatnost slikara dvorske škole. Umjetnici su morali slikati velike površine ne samo zidova, već i višestrukih papirnatih preklopnih paravana, koji su igrali ulogu i slika i prijenosnih pregrada u sobi. Značajka kreativnog načina talentiranih obrtnika bio je odabir velikog, višebojnog detalja krajolika na ogromnoj ravnini zidne ploče ili zaslona.

Kompozicije cvijeća, bilja, drveća i ptica, koje je Kano Eitoku izvodio na zlatnim sjajnim podlogama s gustim i sočnim mrljama, generalizirale su ideje o snazi ​​i sjaju svemira. Predstavnici škole Kano, uz prirodne motive, uključili su u slike i nove predmete koji odražavaju život i život japanskog grada 16. stoljeća.

Bilo je i jednobojnih pejzaža na paravanima palače. Ali imaju veliki dekorativni učinak. Takav je ekran koji je naslikao Sesshuov sljedbenik, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Njezinu bijelu mat površinu slikar tumači kao gusti veo magle iz kojeg poput priviđenja iznenada izbijaju siluete starih borova. Sa samo nekoliko masnih mrljica tinte, Tohaku stvara poetsku sliku jesenje šume.

Jednobojni pejzažni svici, svojom nježnom ljepotom, nisu se mogli mjeriti sa stilom odaja palače. No zadržali su svoj značaj kao neizostavni dio paviljona čaja chashitsu, namijenjenog duhovnoj koncentraciji i miru.

Umjetnička djela japanskih majstora ne samo da ostaju vjerna starim stilovima, već uvijek u sebi nose nešto novo što nijedno drugo umjetničko djelo nema. U japanskoj umjetnosti nema mjesta za klišeje i predloške. U njoj, kao i u prirodi, ne postoje dvije potpuno identične tvorevine. Pa čak i sada, umjetnička djela japanskih majstora ne mogu se zamijeniti s umjetninama iz drugih zemalja. U japanskoj umjetnosti vrijeme je usporilo, ali nije stalo. U japanskoj umjetnosti, tradicija drevnih vremena preživjela je do danas.

« Veliki val u Kanagawi" Katsushike Hokusaija (1760.-1849.) jedna je od najpoznatijih gravura i prvi list serije Trideset i šest pogleda na Fuji. Početkom 1830-ih Katsushika Hokusai, po narudžbi izdavačke kuće Eijudo, počeo je stvarati seriju od 46 listova (36 glavnih i 10 dodatnih), a Veliki val kod Kanagawe bila je gravura koja otvara cijelu seriju.

Takve zbirke gravura služile su ondašnjim građanima kao svojevrsno "virtualno putovanje", zgodan i jeftin način za zadovoljenje znatiželje. Otisci nalik Fujiju koštaju oko 20 moneta - otprilike isto kao dvostruka porcija rezanaca u japanskom restoranu tog vremena. Međutim, uspjeh je bio toliki da je do 1838. cijena Hokusaijevih listova narasla na gotovo 50 mon, a nakon smrti majstora samo je Val ponovno tiskan s novih ploča više od 1000 puta.

Iznenađujuće, unatoč navedenoj temi cijele serije, čini se da Fuji u Valu igra sporednu ulogu. Glavni "lik" na ovoj graviri je val, au prvom planu se odvija dramatična scena borbe čovjeka sa stihijom. Rubovi pjenastog grba izgledaju poput uvrnutih prstiju fantastičnog bijesnog demona, a bezličnost i neaktivnost ljudskih figura u čamcima ne ostavljaju sumnju tko će biti pobjednik u ovoj borbi. Međutim, to sučeljavanje nije sukob koji stvara zaplet gravure.
Zaustavljajući trenutak nakon kojeg se brodovi sudare, Hokusai omogućuje gledatelju da na trenutak vidi Fuji naspram sivog neba koje se tamni prema horizontu. Iako su japanski graveri u to vrijeme već bili upoznati s načelima europske linearne i zračne perspektive, nisu osjećali potrebu za ovom tehnikom. Tamna pozadina, kao i dugo putovanje oka iz prvog plana s čamcima kroz kretanje vala do Fujia, uvjeravaju oko da je sveta planina od nas odvojena morskim prostranstvom.

Fuji se uzdiže daleko od obale kao simbol stabilnosti i postojanosti, nasuprot olujnim stihijama. Jedinstvo i međuovisnost suprotnosti podloga je ideje kozmičkog reda i apsolutnog sklada u svjetonazoru Dalekog istoka, a upravo su one postale glavna tema gravure "Veliki val kod Kanagawe", koja je otvorila niz Katsushika Hokusai.

"Ljepotica Nanivaya Okita" Kitagave Utamaroa, 1795.-1796.

Kitagawa Utamaro (1753-1806) s pravom se može nazvati pjevačem ženska ljepota u japanskom tisku ukiyo-e: stvorio je niz kanonskih slika japanskih ljepotica ( bijinga) - stanovnici čajana i poznate zabavne četvrti Yoshiwara u glavnom gradu Japana, Edu edo — ime Tokija prije 1868..

U bijinga gravuri nije sve baš onako kako se čini modernom gledatelju. Bogato odjevene plemenite dame u pravilu su se bavile sramotnim zanatom i pripadale su nižoj klasi, a gravure s portretima ljepotica imale su otvoreno reklamnu funkciju. U isto vrijeme, gravura nije dala ideju o izgledu djevojke, a iako se Okita iz čajane Nanivaya u blizini hrama Asakusa smatrala prvom ljepotom Eda, njeno lice u gravuri je potpuno lišen individualnosti.

Od 10. stoljeća ženske slike u japanskoj umjetnosti podliježu kanonu minimalizma. "Crta-oko, kuka-nos" - prijem hikime-kagihana dopustio je umjetniku samo da naznači da je prikazana određena žena: u japanskoj tradicionalnoj kulturi pitanje fizičke ljepote često je izostavljano. Kod žena plemenitog roda Puno su se više cijenili “ljepota srca” i obrazovanje, a stanovnici veselih četvrti nastojali su u svemu oponašati najviše standarde. Prema Utamaru, Okita je bila uistinu lijepa.

List “Ljepotica Nanivaya Okita” tiskan je 1795.-1796. u seriji “Slavne ljepotice uspoređene sa šest besmrtnih pjesnika”, u kojoj je svakoj ljepotici odgovarao jedan od pisaca 9. stoljeća. Na listu s portretom Okite u gornjem lijevom kutu nalazi se slika Arivare no Narihire (825.-880.), jednog od najcjenjenijih pjesnika u Japanu, kojemu se tradicionalno pripisuje roman Ise Monogatari. Ovaj plemeniti plemić i briljantni pjesnik proslavio se i svojim ljubavnim aferama od kojih su neke bile temelj romana.

Ovaj list je osebujna upotreba tehnike mitirati(usporedbe) u japanskoj graviri. Svojstva autoritativnog “prototipa” prenose se na prikazanu ljepoticu, a elegantnu kurtizanu, spokojna lica koja gostu poslužuje šalicu čaja, gledatelj već čita kao damu vještu poeziji i ljubavnim djelima. Usporedba s Arivarom no Narihirom doista je bila priznanje njezine nadmoći među ljepoticama iz Eda.

Istodobno, Utamaro stvara iznenađujuće lirsku sliku. Balansirajući tamne i svijetle mrlje na listu i ocrtavajući formu melodičnim, elegantnim linijama, on stvara doista savršenu sliku ljupkosti i sklada. „Oglašavanje“ se povlači, a ljepota koju je uhvatio Utamaro ostaje bezvremenska.

Ekran "Irises" Ogate Korin, 1710

Par šarenica sa šest panela - sada nacionalno blago Japana - stvorio je Ogata Korin (1658.-1716.) oko 1710. godine za hram Nishi Hongan-ji u Kyotu.

Od 16. stoljeća slikanje na zidnim panoima i papirnatim paravanima postalo je jedan od vodećih žanrova dekorativne umjetnosti u Japanu, a Ogata Korin, utemeljitelj umjetničke škole Rinpa, jedan je od njezinih najvećih majstora.

Zasloni u japanskom interijeru odigrali su važnu ulogu. Prostrane prostorije palače strukturno se nisu razlikovale od stanova jednostavnog Japanca: gotovo da nisu imale unutarnje zidove, a prostor je bio zoniran sklopivim zaslonima. Visoki nešto više od jednog i pol metra, paravani su dizajnirani za uobičajenu japansku tradiciju svih klasa da žive na podu. U Japanu se visoke stolice i stolovi nisu koristili sve do 19. stoljeća, a visina paravana, kao i kompozicija njegove slike, dizajnirani su za pogled osobe koja sjedi na koljenima. S ove točke gledišta nastaje nevjerojatan učinak: perunike kao da okružuju osobu koja sjedi - i osoba se osjeća na obali rijeke, okružena cvijećem.

Perunike su naslikane bez kontura - gotovo impresionistički, široki potezi tamnoplave, lila i ljubičaste tempere dočaravaju raskošnost ovog cvijeta. Slikoviti učinak pojačan je mutnim svjetlucanjem zlata na kojem su prikazane perunike. Zasloni prikazuju samo cvijeće, ali njihova kutna linija rasta sugerira da se cvijeće savija oko vijugavog toka rijeke ili cik-cak drvenih mostova. Za Japance bi bilo prirodno da na ekranu nedostaje most, poseban "most od osam dasaka" ( yatsuhashi), povezan s perunikama u klasičnom japanska književnost. Roman Ise Monogatari (9. st.) opisuje tužno putovanje junaka protjeranog iz prijestolnice. Smjestivši se sa svojom pratnjom na odmor na obali rijeke u blizini mosta Yatsuhashi, junak, ugledavši perunike, prisjeća se svoje voljene i piše pjesme:

moja voljena u odjeći
Graciozna tamo, u glavnom gradu,
Ljubav je ostala...
I s čežnjom razmišljam koliko
Daleko sam od nje... Prijevod N.I.Konrad.

“Tako je presavio, a svatko je prolio suze na svoju osušenu rižu, tako da je nabujala od vlage”, dodaje autor i lirski junak pripovijedanje, Arivara no Narihira.

Obrazovanom Japancu poveznica perunika kraj mosta i Ise monogatari, perunika i teme rastavljene ljubavi bila je jasna, a Ogata Korin izbjegava opširnost i ilustrativnost. Uz pomoć dekorativnog slikarstva on samo stvara idealan prostor ispunjen svjetlom, bojom i literarnim konotacijama.

Zlatni paviljon Kinkakuji, Kyoto, 1397

Zlatni hram jedan je od simbola Japana, koji je, ironično, više proslavljen svojim uništenjem nego gradnjom. Godine 1950. mentalno nestabilni redovnik samostana Rokuonji, kojem pripada ova zgrada, zapalio je jezerce koje je stajalo na površini
paviljon U požaru 1950. godine hram je gotovo uništen. Restauratorski radovi u Kinkaku-ji započeli su 1955., do 1987. cjelovita rekonstrukcija je završena, ali obnova potpuno izgubljenog unutarnjeg uređenja nastavljena je do 2003.. Pravi motivi njegova čina ostali su nejasni, no u interpretaciji pisca Yukia Mishime za to je kriva nedostižna, gotovo mistična ljepota ovog hrama. Doista, Kinkakuji se nekoliko stoljeća smatrao oličenjem japanske ljepote.

Godine 1394. šogun Ashikaga Yoshimitsu (1358.-1408.), koji je podčinio gotovo cijeli Japan svojoj volji, formalno se povukao i nastanio u namjenski sagrađenoj vili u sjevernom Kyotu. Troslojna zgrada na umjetnom jezeru Kyokoti ("jezero-ogledalo") imala je ulogu svojevrsne pustinje, osamljenog paviljona za opuštanje, čitanje i molitvu. Sadržao je zbirku slika šoguna, knjižnicu i zbirku budističkih relikvija. Smješten na vodi blizu obale, Kinkakuji je imao samo komunikaciju čamcem s obalom i bio je isti otok kao i umjetni otoci s kamenjem i borovima raštrkani oko Kyokotija. Ideja o "otoku nebeskih" posuđena je iz kineske mitologije, u kojoj nebesko boravište služio kao otok Penglai, otok besmrtnika. Odraz paviljona u vodi već budi budističke asocijacije na ideje o iluzornosti svijeta smrtnika koji je samo blijed odraz sjaja svijeta budističke istine.

Iako su svi ti mitološki prizvuci spekulativni, položaj paviljona daje nevjerojatan sklad i sklad. Refleksija skriva zdepastu zgradu, čineći je višom i vitkijom; u isto vrijeme, visina paviljona omogućuje da se vidi s bilo koje obale jezera, uvijek na tamnoj pozadini zelenila.

Ostaje, međutim, nejasno koliko je ovaj paviljon bio zlatan u svom izvornom obliku. Vjerojatno je pod Ashikaga Yoshimitsuom doista bio prekriven zlatnim listićima i zaštitnim slojem laka. Ali ako vjerujete fotografijama iz 19. - početka 20. stoljeća i Yukio Mishime, tada se do sredine 20. stoljeća pozlata gotovo ogulila i njezini ostaci bili su vidljivi samo na gornjem sloju zgrade. U ovo doba, on je dirnuo dušu šarmom pustoši, tragom vremena, neumoljivim i prema najljepšim stvarima. Ovaj melankolični šarm odgovarao je estetskom principu sabi vrlo cijenjen u japanskoj kulturi.

Na ovaj ili onaj način, sjaj ove građevine uopće nije bio u zlatu. Izuzetna strogost Kinkakuji oblika i njegov besprijekoran sklad s krajolikom čine ga jednim od remek-djela japanske arhitekture.

Zdjela "Iris" u stilu karatsu, XVI-XVII stoljeća

Riječ meibutsu- stvar s imenom. Ova zdjela zapravo ima samo ime, jer niti jedno točno vrijeme i mjesto nastanka, kao ni ime majstora nisu sačuvani. Ipak, uvršten je među nacionalno blago Japana i jedan je od najsjajnijih primjera keramike u nacionalnom stilu.

Krajem 16. stoljeća ceremonija ispijanja čaja ča-no-ju napušteni fini kineski porculan i keramika s glazurama koje podsjećaju na dragocjene materijale. Njihova spektakularna ljepota činila se majstorima čaja previše umjetnom i otvorenom. Savršeni i skupi predmeti - zdjele, posude za vodu i spremnici za čaj - nisu odgovarali gotovo asketskim duhovnim kanonima zen budizma, u čijem se duhu razvila ceremonija čaja. Prava revolucija u djelovanju čaja bila je privlačnost japanskoj keramici, mnogo jednostavnijoj i neumjetnijoj u vrijeme kada su japanske radionice tek počele svladavati tehnologije kontinentalne keramike.

Oblik peruničke zdjele je jednostavan i nepravilan. Lagana zakrivljenost stijenki, lončarska udubljenja vidljiva po cijelom tijelu daju zdjeli gotovo naivnu lakoću. Krhotina gline prekrivena je svijetlom glazurom s mrežom pukotina - krakelurom. Na prednjoj strani, koja se obraća gostu tijekom ceremonije čaja, ispod glazure je nanesena slika irisa: crtež je naivan, ali izveden energičnim kistom, točno, kao u jednom pokretu, u duhu zena kaligrafija. Čini se da su i forma i dekor mogli biti izrađeni spontano i bez primjene posebnih snaga.

Ova spontanost odražava ideal wabi- jednostavnost i bezumnost, rađajući osjećaj duhovne slobode i sklada. Svaka osoba ili čak neživi predmet u pogledima japanskih sljedbenika zen budizma ima prosvijetljenu prirodu Bude, a napori adepta usmjereni su na otkrivanje ove prirode u sebi i svijetu oko sebe. Stvari korištene u ceremoniji čaja, uza svu svoju nespretnost, trebale su pobuditi duboki doživljaj istine, aktualnosti svakog trenutka, natjerati da se zaviri u najobičnije oblike i u njima vidi istinsku ljepotu.

Kontrast gruboj teksturi zdjelice i njezinoj jednostavnosti je restauracija sitno otkrhnutim zlatnim lakom (ova tehnika tzv. kintsugi). Restauracija je izvršena u 18. stoljeću i pokazuje poštovanje s kojim su se japanski majstori čaja odnosili prema priboru za čajnu ceremoniju. Dakle, ceremonija čaja pruža sudionicima "put" da otkriju pravu ljepotu stvari, kao što je zdjela s perunikom. Implicitnost, tajnovitost postala je osnova estetskog koncepta wabija i važan dio japanskog svjetonazora.

Portret redovnika Gandzina, Nara, 763

U VIII stoljeću skulptura je postala glavni oblik umjetničkog izražavanja epohe, Nara ere (710-794), povezane s formiranjem japanske državnosti i jačanjem budizma. Japanski majstori već su prošli fazu naukovanja i slijepog oponašanja kontinentalnih tehnika i slika te počeli slobodno i živo izražavati duh svoga vremena u kiparstvu. Širenje i rast autoriteta budizma uzrokovali su pojavu budističkog kiparskog portreta.

Jedno od remek-djela ovog žanra je portret Gandzina, nastao 763. godine. Izrađena u tehnici suhog lakiranja (nagradnjom slojeva laka na drveni okvir obložen tkaninom), skulptura je gotovo prirodnoj veličini je realistično naslikan, a u polumraku hrama Ganjin je sjedio u pozi meditacije "kao živ". Ova životna sličnost bila je glavna kultna funkcija takvih portreta: učitelj je uvijek morao biti unutar zidina samostana Todaiji u gradu Nara i biti prisutan na najvažnijim božanskim službama.

Kasnije, u 11.-13. stoljeću, kiparski portreti dostigli su gotovo nemilosrdni iluzionizam, prikazujući staračku nemoć časnih učitelja, njihova udubljena usta, opuštene obraze i duboke bore. Ovi portreti gledaju pristaše budizma živim očima, umetnutim kamenim kristalom i drvom. Ali Gandzinovo lice izgleda mutno, u njemu nema jasnih kontura i jasnih oblika. Kapci poluzatvorenih i neinkrustiranih očiju izgledaju natečeni; napeta usta i duboke nazolabijalne bore više izražavaju uobičajeni oprez nego koncentraciju meditacije.

Sve te značajke otkrivaju dramatičnu biografiju ovog redovnika, priču o nevjerojatnom asketizmu i tragedijama. Ganjin, kineski budistički redovnik, pozvan je u Japan na ceremoniju posvećenja najvećeg samostana u Nari, Todaiji. Brod su zarobili pirati, neprocjenjivi svici i budističke skulpture koje su bile namijenjene udaljenom japanskom hramu nestali su u požaru, Ganjin je opekao lice i izgubio vid. Ali nije ostavio želju da propovijeda na dalekim rubovima civilizacije - naime, kako je Japan percipiran od strane kontinenta u to vrijeme.

Još nekoliko pokušaja prelaska mora završilo je na isti neuspješan način, a tek u petom pokušaju već sredovječni, slijepi i boležljivi Ganjin stiže do japanske prijestolnice Nare.

U Japanu Ganjin nije dugo podučavao budistički zakon: dramatični događaji u njegovu životu potkopali su njegovo zdravlje. Ali njegov je autoritet bio toliko visok da je, vjerojatno, čak i prije njegove smrti, odlučeno stvoriti njegovu skulpturu. Bez sumnje, umjetnici-redovnici nastojali su skulpturi dati što je moguće više sličnosti s modelom. Ali to nije učinjeno kako bi se očuvao vanjski izgled osobe, već kako bi se uhvatilo njegovo individualno duhovno iskustvo, težak put kroz koji je Ganjin prošao i na koji je pozvalo budističko učenje.

Daibutsu - Veliki Buda iz hrama Todaiji, Nara, sredina 8. stoljeća

Sredinom 8. stoljeća Japan je stradao od prirodnih katastrofa i epidemija, a spletke utjecajne obitelji Fujiwara i pobuna koju su podigli natjerali su cara Shomua da pobjegne iz prijestolnice, grada Nare. U egzilu se zavjetovao da će slijediti put budističkih učenja i 743. naredio početak izgradnje glavnog hrama u zemlji i izlijevanje kolosalnog brončani kip Buddha Vairochana (Buddha Veliko sunce ili Sveobuhvatna svjetlost). Ovo se božanstvo smatralo univerzalnom inkarnacijom Buddhe Shakyamunija, utemeljitelja budističkih učenja, i trebalo je postati jamac zaštite cara i cijele zemlje tijekom razdoblja nemira i pobune.

Radovi su započeli 745. godine i rađeni su po uzoru na divovsku statuu Bude u pećinskim hramovima Longmen u blizini kineske prijestolnice Luoyanga. Kip u Nari, kao i svaka slika Buddhe, trebao je prikazivati ​​"velike i male znakove Buddhe". Ovaj ikonografski kanon uključivao je izdužene ušne resice, što je podsjećalo na činjenicu da je Buddha Shakyamuni potjecao iz kneževske obitelji i da je od djetinjstva nosio teške naušnice, uzvišenje na vrhu glave (ushnisha), točku na čelu (urnu).

Visina kipa bila je 16 metara, širina lica 5 metara, duljina ispruženog dlana 3,7 metara, a urna je bila veća od ljudske glave. Izgradnja je odnijela 444 tone bakra, 82 tone kositra i golemu količinu zlata za kojim se posebno tragalo na sjeveru zemlje. Dvorana, Daibutsuden, podignuta je oko kipa kako bi zaštitila svetište. U svom malom prostoru blago pognuta figura Bude koja sjedi sjedi ispunjava cijeli prostor, ilustrirajući jedan od glavnih postulata budizma - ideju da je božanstvo sveprisutno i sveprožimajuće, ono obuhvaća i ispunjava sve. Transcendentalna smirenost lica i gesta ruke božanstva (mudra, gesta pružanja zaštite) nadopunjuju osjećaj smirene veličine i moći Buddhe.

Međutim, danas je ostalo samo nekoliko fragmenata izvornog kipa: požari i ratovi nanijeli su ogromnu štetu kipu u 12. i 16. stoljeću, a moderni kip uglavnom je odljev iz 18. stoljeća. Tijekom obnove u 18. stoljeću brončana figura više nije bila prekrivena zlatom. Budistički žar cara Shomua u 8. stoljeću praktički je ispraznio riznicu i raskrvario ionako šokiranu zemlju, a kasniji si vladari više nisu mogli priuštiti tako neumjereno trošenje.

Ipak, značaj Daibutsua ne leži u zlatu, pa čak ni u pouzdanoj autentičnosti - sama ideja tako grandioznog utjelovljenja budističkih učenja spomenik je eri kada je japanska monumentalna umjetnost doživjela pravi procvat, oslobodila se slijepim kopiranjem kontinentalnih uzoraka i postignutom cjelovitošću i izražajnošću, koji su kasnije izgubljeni.

Japanci su otkrili ljepotu skrivenu u stvarima u 9.-12. stoljeću, u doba Heian (794.-1185.) i čak je označili posebnim konceptom "mono bez svijesti" (物の哀れ (もののあわれ)), što znači " tužna čar stvari. “Šarm stvari” jedna je od najranijih definicija ljepote u japanskoj književnosti, povezana je sa šintoističkim vjerovanjem da svaka stvar ima svoje božanstvo - kami - i svoj jedinstveni šarm. Avare je unutarnja bit stvari, ono što izaziva užitak, uzbuđenje.

- Washi (wasi) ili wagami (wagami).
Ručna izrada papira. Srednjovjekovni Japanci cijenili su washi ne samo zbog njegovih praktičnih kvaliteta, već i zbog ljepote. Bila je poznata po svojoj suptilnosti, gotovo prozirnosti, što joj, međutim, nije oduzimalo snagu. Washi se pravi od kore drveta kozo (duda) i nekih drugih stabala.
Washi papir se čuvao stoljećima, dokazi za to su albumi i svesci drevne japanske kaligrafije, slike, paravani, gravure koje su kroz stoljeća došle do danas.
Vasyin papir je vlaknast, ako pogledate kroz mikroskop, vidjet ćete pukotine kroz koje prodire zrak i sunčeva svjetlost. Ova se kvaliteta koristi u proizvodnji paravana i tradicionalnih japanskih lampiona.
Washi suveniri vrlo su popularni među Europljanima. Od ovog papira izrađuju se mnogi sitni i korisni predmeti: novčanici, kuverte, lepeze. Prilično su izdržljivi, ali lagani.

- Gohei.
Talisman od papirnatih traka. Gohei - obredni štap šintoističkog svećenika na koji su pričvršćene papirnate cik-cak trake. Iste trake papira obješene su na ulazu u šintoističko svetište. Uloga papira u šintoizmu tradicionalno je bila vrlo velika, a proizvodi od papira uvijek su se davali ezoterično značenje. A vjerovanje da svaka stvar, svaka pojava, čak i riječi, sadrži kami - božanstvo - objašnjava pojavu takve vrste primijenjene umjetnosti kao što je gohei. Šintoizam je donekle sličan našem poganstvu. Za šintoiste, kami je posebno voljan smjestiti se u sve što je neuobičajeno. Na primjer, na papiru. A još više u goheiju uvijenom u zamršeni cik-cak, koji danas visi ispred ulaza u šintoistička svetišta i ukazuje na prisutnost božanstva u hramu. Postoji 20 načina slaganja goheija, a oni koji su posebno neobično presavijeni privlače kami. Gohei je pretežno bijele boje, ali postoje i zlatne, srebrne i mnoge druge nijanse. Od 9. stoljeća u Japanu postoji običaj da se sumo hrvačima prije početka borbe učvrste gohei na pojasevima.

- Anesama.
Ovo je proizvodnja papirnatih lutaka. U 19. stoljeću žene samuraja izrađivale su papirnate lutke s kojima su se djeca igrala, oblačeći ih u različitu odjeću. U vremenima kada nije bilo igračaka, anesama je djeci bila jedina sagovornica, „obavljala“ je ulogu majke, starije sestre, djeteta i drugarice.
Lutka je presavijena od japanskog washi papira, kosa je napravljena od zgužvanog papira, obojana tintom i premazana ljepilom koje joj daje sjaj. Posebnost je lijep mali nos na izduženom licu. Danas se ova jednostavna igračka, koja zahtijeva samo vješte ruke, tradicionalnog oblika, nastavlja izrađivati ​​na isti način kao i prije.

- Origami.
Drevna umjetnost savijanja papira (折り紙, doslovno: "presavijeni papir"). Umjetnost origamija vuče korijene iz drevne Kine, gdje je izumljen papir. U početku se origami koristio u vjerskim obredima. Dugo je vremena ova vrsta umjetnosti bila dostupna samo predstavnicima viših klasa, gdje je znak dobrog ukusa bio posjedovanje tehnika savijanja papira. Tek nakon Drugog svjetskog rata origami je otišao izvan Istoka i došao u Ameriku i Europu, gdje je odmah pronašao svoje obožavatelje. Klasični origami presavijen je s kvadratnog lista papira.
Postoji određeni skup konvencionalnih simbola potrebnih za skiciranje sheme savijanja čak i najsloženijeg proizvoda. Većinu konvencionalnih znakova u praksu je sredinom 20. stoljeća primijenio slavni japanski majstor Akira Yoshizawa.
Klasični origami propisuje korištenje jednog kvadratnog ravnomjerno obojenog lista papira bez ljepila i škara. Moderni oblici umjetnost ponekad odstupa od ovog kanona.

- Kirigami.
Kirigami je umijeće izrezivanja različitih oblika od nekoliko puta presavijenog lista papira uz pomoć škara. Vrsta origamija koja omogućuje korištenje škara i rezanje papira u procesu izrade modela. Ovo je glavna razlika između kirigamija i drugih tehnika savijanja papira, što je naglašeno u nazivu: 切る (kiru) - rez, 紙 (gami) - papir. Svi smo u djetinjstvu voljeli rezati snježne pahulje - varijanta kirigamija, ovom tehnikom možete izrezati ne samo snježne pahulje, već i razne figure, cvijeće, vijence i druge slatke stvari od papira. Ovi se proizvodi mogu koristiti kao šablone za printeve, ukrase za albume, razglednice, okvire za fotografije, modni dizajn, dizajn interijera i druge razne dekoracije.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 ili いけばな) prevedeno s Japanski jezik- ike” - život, “bana” - cvijeće, odnosno “cvijeće koje živi”. Japanska umjetnost aranžiranja cvijeća jedna je od najljepših tradicija japanskog naroda. Pri sastavljanju ikebane, uz cvijeće, koriste se i rezane grane, lišće i izdanci.Osnovno načelo je izuzetna jednostavnost, za što se nastoji naglasiti prirodna ljepota biljaka. Ikebana je stvaranje novog prirodnog oblika, u kojem se skladno spajaju ljepota cvijeta i ljepota duše majstora koji stvara kompoziciju.
Danas u Japanu postoje 4 glavne škole ikebane: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Osim njih, postoji oko tisuću različitih pravaca i trendova koji se pridržavaju jedne od ovih škola.

- Oribana.
Sredinom 17. stoljeća dvije škole ohara (glavni oblik ikebane - oribana) i koryu (glavni oblik - sek) odstupile su od ikenoba. Inače, škola ohara još uvijek proučava samo oribanu. Kako kažu Japanci, vrlo je važno da se origami ne pretvori u origami. Gomi na japanskom znači smeće. Uostalom, kako to biva, presavio si komad papira, i što onda s njim? Oribana nudi puno ideja za bukete za uređenje interijera. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Pogreška.
Vrsta likovne umjetnosti nastala iz cvjećarstva. Cvjećarstvo se u našoj zemlji pojavilo prije osam godina, iako u Japanu postoji više od šest stotina godina. Negdje u srednjem vijeku, samuraji su shvatili put ratnika. I oshibana je bila dio tog puta, baš kao pisanje hijeroglifa i vitlanje mačem. Značenje pogreške bilo je u tome što je u stanju potpune prisutnosti u trenutku (satori) majstor stvorio sliku od suhog cvijeća (prešano cvijeće). Tada bi ova slika mogla poslužiti kao ključ, putokaz onima koji su bili spremni ući u tišinu i doživjeti taj isti satori.
Suština umjetnosti "oshibana" je da sakupljanjem i sušenjem pod pritiskom cvijeća, bilja, lišća, kore i lijepljenjem na podlogu, autor uz pomoć biljaka stvara istinsko "slikarsko djelo". Drugim riječima, pogrešno je slikati s biljkama.
Umjetnička kreativnost cvjećara temelji se na očuvanju oblika, boje i teksture osušenog biljnog materijala. Japanci su razvili tehniku ​​zaštite "oshibana" slika od blijeđenja i tamnjenja. Njegova suština je da se između stakla i slike ispumpava zrak i stvara vakuum koji sprječava kvarenje biljaka.
Privlači ne samo nekonvencionalnost ove umjetnosti, već i mogućnost pokazivanja mašte, ukusa, znanja o svojstvima biljaka. Cvjećari stvaraju ukrase, krajolike, mrtve prirode, portrete i slike s pričama.

- Bonsai.
Bonsai se kao fenomen pojavio prije više od tisuću godina u Kini, ali je vrhunac razvoja ova kultura doživjela tek u Japanu. (bonsai - japanski 盆栽 lit. "biljka u loncu") - umijeće uzgoja točne kopije pravog stabla u minijaturi. Ove biljke uzgajali su budistički redovnici nekoliko stoljeća prije naše ere, a kasnije su postale jedna od aktivnosti lokalnog plemstva.
Bonsai je krasio japanske domove i vrtove. U eri Tokugawa dizajn parka dobio je novi poticaj: uzgoj azaleja i javora postao je zabava za bogate. Razvila se i proizvodnja patuljastih usjeva (hachi-no-ki - "stablo u loncu"), ali su bonsai tog vremena bili vrlo veliki.
Sada se za bonsai koriste obična stabla, koja postaju mala zbog stalnog rezidbe i raznih drugih metoda. Istodobno, omjer veličina korijenskog sustava, ograničenog volumenom zdjele, i prizemnog dijela bonsaija odgovara proporcijama odraslog stabla u prirodi.

- Mizuhiki.
Analog makramea. Ovo je drevna japanska primijenjena umjetnost vezanja različitih čvorova od posebnih užeta i stvaranja uzoraka od njih. Takva su umjetnička djela imala iznimno širok raspon - od poklon kartica i pisama do frizura i torbica. Trenutno se mizuhiki iznimno široko koristi u industriji darova - za svaki događaj u životu, dar treba biti zamotan i vezan na vrlo specifičan način. U umjetnosti mizuhikija postoji izuzetno mnogo čvorova i kompozicija, a ne zna ih svaki Japanac sve napamet. Naravno, postoje najčešći i jednostavni čvorovi koji se najčešće koriste: za čestitke na rođenju djeteta, za vjenčanje ili komemoraciju, rođendan ili prijemni na fakultet.

- Kumihimo.
Kumihimo je japanska pletenica. Prilikom tkanja niti se dobivaju vrpce i čipke. Ove čipke su tkane na posebnim strojevima - Marudai i Takadai. Stroj Marudai služi za tkanje okruglih čipki, a Takadai za ravne. Kumihimo na japanskom znači "pletenje užadi" (kumi - tkanje, savijanje, himo - uže, čipka). Unatoč činjenici da povjesničari tvrdoglavo inzistiraju da se slično tkanje može naći kod Skandinavaca i stanovnika Anda, japanska umjetnost kumihimo doista je jedna od najstarijih vrsta tkanja. Prvi spomen datira iz 550. godine, kada se budizam proširio Japanom, a posebne ceremonije zahtijevale su posebna odlikovanja. Kasnije su se kumihimo vezice počele koristiti kao fiksator za obi pojas na ženskom kimonu, kao užad za "pakiranje" cjelokupnog samurajskog arsenala oružja (samuraji su kumihimo koristili u dekorativne i funkcionalne svrhe za vezivanje oklopa i konjskih oklopa) i također za vezanje teških predmeta.
Različiti uzorci modernog kumihima vrlo se lako tkaju na domaćim kartonskim tkalačkim stanovima.

- Komono.
Što ostaje od kimona nakon što odsluži svoje vrijeme? Mislite li da se baca? Ništa slično ovome! Japanci to nikada neće učiniti. Kimona su skupa. Nezamislivo je i nemoguće tek tako baciti... Uz druge vrste recikliranja kimona, majstorice su od sitnih komadića izrađivale male suvenire. To su male igračke za djecu, lutke, broševi, vijenci, ženski nakit i drugi proizvodi, stari kimono se koristi u izradi malih slatkih stvari, koje se zajednički nazivaju "komono". Sitnice koje će zaživjeti vlastitim životom, nastavljajući put kimona. To znači riječ "komono".

- Kanzashi.
Umijeće ukrašavanja kopči za kosu (najčešće ukrašenih cvjetićima (leptirićima i sl.) od tkanine (uglavnom svile). Japanski kanzashi (kanzashi) je duga ukosnica za tradicionalnu japansku žensku frizuru. Izrađivale su se od drva, laka, srebro, kornjačevina koje se koriste u tradicionalnim kineskim i japanskim frizurama. Prije otprilike 400 godina, u Japanu, stil ženskih frizura se promijenio: žene su prestale češljati kosu u tradicionalnom obliku - taregami (duga ravna kosa) i počele su je oblikovati u zamršene i bizarni oblici - nihongami.koristio razne predmete - ukosnice, štapiće, češljeve.Tada se čak i jednostavan kushi češalj-češalj pretvara u elegantan pribor iznimne ljepote, koji postaje pravo umjetničko djelo.Japanska ženska tradicionalna nošnja nije dopuštala nakit za zapešće i ogrlice, pa su ukrasi za frizure bili glavna ljepota i polje za samoizražavanje - kao i demonstriranje ukusa i debljine torbe poput vlasnika. Na gravurama možete vidjeti - ako bolje pogledate - kako su Japanke lako objesile do dvadeset skupih kanzashija u svoje frizure.
Sada postoji oživljavanje tradicije korištenja kanzashi među mladim Japankama koje žele dodati sofisticiranost i eleganciju svojim frizurama, moderne ukosnice mogu biti ukrašene sa samo jednim ili dva fina ručno izrađena cvijeta.

- Kinusaiga.
Nevjerojatna vrsta ručnih radova iz Japana. Kinusaiga (絹彩画) je križanac između batika i patchworka. Glavna ideja je da su nove slike sastavljene od starih svilenih kimona - prava umjetnička djela.
Prvo umjetnik radi skicu na papiru. Zatim se ovaj crtež prenese na drvenu ploču. Kontura uzorka se prorezuje utorima, ili utorima, a zatim se iz starog svilenog kimona izrežu mali komadići, koji odgovaraju boji i tonu, a rubovi tih komadića ispunjavaju utore. Kada gledate takvu sliku, imate osjećaj da gledate fotografiju ili čak samo promatrate krajolik izvan prozora, toliko su realistični.

- Temari.
Ovo su tradicionalne japanske geometrijske izvezene lopte izrađene jednostavnim šavovima koje su nekoć bile dječja igračka, a sada su postale umjetnička forma s brojnim obožavateljima ne samo u Japanu nego i diljem svijeta. Vjeruje se da su prije mnogo vremena ove proizvode izrađivale žene samuraja za zabavu. U samom početku stvarno su se koristile kao lopta za igru ​​loptom, ali su postupno počele dobivati ​​likovne elemente, a kasnije su se pretvorile u ukrasne ukrase. Nježna ljepota ovih kuglica poznata je diljem Japana. A danas su šareni, pažljivo izrađeni proizvodi jedna od vrsta narodnih zanata u Japanu.

- Yubinuki.
Japanski naprsci, kod ručnog šivanja ili vezenja, stavljaju se na srednju falangu srednjeg prsta radne ruke, vrhovima prstiju se igli daje željeni smjer, a igla se provlači kroz prsten na sredini prst u poslu. U početku su se japanski yubinuki naprsci izrađivali prilično jednostavno - traka guste tkanine ili kože širine oko 1 cm u nekoliko slojeva bila je čvrsto omotana oko prsta i pričvršćena s nekoliko jednostavnih ukrasnih šavova. Pošto su jubinuci bili potreban predmet u svakoj kući počeli su se ukrašavati geometrijskim vezom svilenim nitima. Od preplitanja uboda nastali su šareni i složeni uzorci. Yubinuki se od jednostavnog kućnog predmeta pretvorio i u predmet za "divljenje", ukras svakodnevnog života.
Yubinuki se još uvijek koriste u šivanju i vezenju, no mogu se pronaći i jednostavno nošeni na rukama na bilo kojem prstu, poput ukrasnog prstenja. Vez u stilu Yubinuki koristi se za ukrašavanje raznih predmeta u obliku prstena - prstenovi za salvete, narukvice, temari stalci, ukrašeni yubinuki vezom, a postoje i izvezeni kreveti za igle u istom stilu. Yubinuki uzorci mogu biti izvrsna inspiracija za temari obi vez.

- Suibokuga ili sumie.
Japansko slikarstvo tušem. Ovaj kineski stil slikanja usvojili su japanski umjetnici u 14. stoljeću, a do kraja 15. stoljeća. postala glavna struja slikarstva u Japanu. Suibokuga je jednobojna. Karakterizira ga korištenje crne tinte (sumi), čvrstog oblika drveni ugljen ili se pravi od čađe kineske tinte, koja se samelje u posudi za tintu, razrijedi vodom i nanese kistom na papir ili svilu. Jednobojni nudi majstoru beskrajan izbor tonskih opcija, koje su Kinezi davno prepoznali kao "boje" tinte. Suibokuga ponekad dopušta upotrebu stvarnih boja, ali je ograničava na tanke, prozirne poteze koji uvijek ostaju podređeni liniji tinte. Slikanje tušem dijeli s umjetnošću kaligrafije takve bitne karakteristike kao što su strogo kontrolirani izraz i tehničko majstorstvo oblika. Kvaliteta slikanja tušem svodi se, kao i u kaligrafiji, na cjelovitost i otpornost na kidanje linije nacrtane tušem, koja takoreći drži umjetničko djelo na sebi, kao što kosti drže na sebi tkivo.

- Etegami.
Crtane razglednice (e - slika, označeno - pismo). Izrada razglednica "uradi sam" općenito je vrlo popularna aktivnost u Japanu, a pred blagdane njena popularnost još više raste. Japanci vole slati razglednice svojim prijateljima, a vole ih i primati. Ovo je vrsta brzog pisma na posebnim prazninama, može se poslati poštom bez koverte. Ne u etegami posebna pravila ili tehničar, to može biti bilo koja osoba bez posebne obuke. Etagami pomaže u preciznom izražavanju raspoloženja, dojmova, ovo je ručno izrađena razglednica koja se sastoji od slike i kratkog pisma, prenoseći emocije pošiljatelja, kao što su toplina, strast, briga, ljubav itd. Ove razglednice šalju za blagdane i tek tako, s prikazom godišnjih doba, aktivnosti, povrća i voća, ljudi i životinja. Što je ova slika jednostavnija nacrtana, to izgleda zanimljivije.

- Furoshiki.
Japanska tehnika zamatanja ili umjetnost savijanja platna. Furoshiki je dugo ušao u život Japanaca. Sačuvani su drevni svici iz razdoblja Kamakura-Muromachi (1185. - 1573.) sa slikama žena koje na glavi nose svežnjeve odjeće umotane u tkaninu. Ova zanimljiva tehnika nastala je još 710. - 794. godine nove ere u Japanu. Riječ "furoshiki" doslovno se prevodi kao "tepih za kupanje" i kvadratni je komad tkanine koji se koristio za omatanje i nošenje predmeta svih oblika i veličina.
U starim danima bilo je uobičajeno hodati u japanskim kupkama (furo) u laganim pamučnim kimonima, koje su posjetitelji nosili sa sobom od kuće. Kupač je ponio i posebnu prostirku (shiki) na kojoj je stajao dok se svlačio. Nakon što se presvukao u kimono za "kupanje", posjetitelj je svoju odjeću zamotao u prostirku, a nakon kupanja mokri kimono zamotao je u prostirku kako bi ga donio kući. Tako je prostirka za kupanje postala multifunkcionalna torba.
Furoshiki je vrlo jednostavan za korištenje: tkanina poprima oblik predmeta koji omotate, a ručke olakšavaju nošenje tereta. Osim toga, dar umotan ne u tvrdi papir, već u meku, višeslojnu tkaninu, dobiva posebnu izražajnost. Postoji mnogo shema za sklapanje furoshikija za svaku priliku, svakodnevnu ili svečanu.

- Amigurumi.
Japanska umjetnost pletenja ili heklanja malih plišanih životinja i humanoidnih bića. Amigurumi (編み包み, dosl.: “pleteni-zamotani”) najčešće su slatke životinje (kao što su medvjedi, zečići, mačke, psi itd.), čovječuljci, ali mogu biti i neživi predmeti obdareni ljudskim svojstvima. Na primjer, cupcakes, šeširi, torbice i drugi. Amigurumi je pleten ili pleten ili kukičan. Nedavno su heklani amigurumi postali popularniji i češći.
pletena od pređe jednostavnim načinom pletenja - u spiralu i, za razliku od europskog načina pletenja, krugovi obično nisu povezani. Također se heklaju na manjoj veličini u odnosu na debljinu pređe kako bi se stvorila vrlo gusta tkanina bez ikakvih praznina za izlazak nadjeva. Amigurumi se često prave od dijelova i potom sastavljaju, osim nekih amiguruma, koji nemaju udove, već samo glavu i torzo, koji su jedna cjelina. Udovi su ponekad ispunjeni plastičnim komadima kako bi im se dala živa težina, dok je ostatak tijela ispunjen vlaknastim punjenjem.
Širenje estetike amigurumija olakšava njihova ljupkost ("kawaii").