Japanska suvremena umjetnost: anime i manga. Mono no Avare

Unatoč činjenici da se Japan diljem svijeta smatra zemljom rastućih tehnologija, suvremena suvremena umjetnost ne žuri raskinuti veze s tradicijom. Izložba “Mono no Avare. The Charm of Things” je tužna priča o ljudskom stanju u plastičnom dobu.

Mono no Avare je estetski princip karakterističan za Japanska kultura, po čemu je izložba i naslovljena, označava tužnu draž stvari, osjećaj opčinjenosti očitom i implicitnom ljepotom stvari i pojava, uz obaveznu nijansu bezrazložne tuge uzrokovane osjećajem iluzornosti i krhkosti svega. vidljivo. Neraskidivo je povezan s tradicionalnom japanskom religijom šintoizmom. Šintoisti vjeruju da su sve stvari obdarene duhovnom esencijom "kami". Postoji u svakom objektu: iu drvu iu kamenu. "Kami" su besmrtni i uključeni su u ciklus života i smrti, kroz koji se sve na svijetu neprestano ažurira.

I premda suvremena umjetnost govori međunarodnim jezikom, japansku suvremenu umjetnost predstavljenu na ovoj izložbi bolje je promatrati iz perspektive njihove tradicije.

Uvodna instalacija umjetnika Hirakija Sawe zauzela je cijelu prostoriju, a riječ je o kazalištu sjena u kojem su glumci kućni pribor. Građen je po principu dječjeg željeznička pruga. Vlak s baterijskom svjetiljkom prolazi kroz krajolik koji je stvorio umjetnik, zraka svjetlosti rađa makro svijet iz mikro svijeta stvari. I sad već jeste Brezov gaj, ne okomito stojeće olovke; i to su dalekovodi u poljima, a ne viseće štipaljke; a preokrenuti plastični lavor s ručkama je tunel. Rad se zove "Inside", ranije je prikazan na Venecijanskom bijenalu.

Slikarstvo Shinishiro Kanoa može se nazvati primitivnim nadrealizmom. U Kanovoj mrtvoj prirodi, košarkaška lopta, planet Zemlja i voće su u jednom tanjuru.

Na slici nema same slike, već samo okvir naslikan uljem. Na jednom platnu figura božanstva u crvenom kimonu kombinirana je s crvenim ručnikom obješenim na kuku na drugom. Nije li ova serija slika o iluzornoj prirodi svijeta? Ili možda da svaka stvar ima kami.

Na slici Masaya Chibe, na pozadini prekrasne džungle, nalaze se dvije figure: antropomorfna stvorenja oronula od bijele tvari, jedva nalikujući muškarcu i ženi. Oni su fiksirani na štapićima poput orijentalnih kazališne lutke. Materija je smrtna, ona je samo ljuska - kao da nam autor želi reći. Otprilike isto je i njegovo drugo slikarsko djelo "Čovjek koji spava". Na slici nema osobe, samo nekoliko stvari na otomanu: stare fotografije i razglednice, uzgojeni kaktusi, rukavice, omiljene trake, teglica začina i set alata.

Umjetnik Teppei Kanueji “skulptira” (sagrađeni objekt) svoju osobu po istom principu: lijepi kućno smeće u obliku antropomorfnog bića i prekriva ga bijelom bojom.

Ogromna mandala obložena je soli na podu; ovo je tradicionalni hramski ritual za Japan, koji očito dolazi iz budizma. Takav komad nakita dočarava duh ili labirinta ili karte tajanstvene zemlje, a kako je dobro što u muzeju nema vjetra. Ova instalacija je jedinstvena, umjetnica ju je izrađivala nekoliko dana unutar zidova muzeja. Zanimljiva je i japanska tradicija: prije borbe sumo hrvači posipaju tlo solju.

Instalacija Hiroakija Morite "Od Eviana do Volvika" otvara prilično zanimljiva tema moderno za Japan - prerada plastike. Na staklenoj polici leži boca vode Evian, sjena od nje točno pada u grlić druge boce Volvik koja stoji na podu. Stvara se iluzija da voda teče iz boce u bocu. Apsurdno na prvi pogled. Za Japance ovo konceptualno djelo ne simbolizira samo ciklus "kami", odnosno duhovnu bit, nego i u doslovno princip recikliranja – recikliranje. Kao otočna država, Japan je bio jedan od prvih koji je naučio skupljati, sortirati i reciklirati plastični otpad. Od dobivenog materijala ne samo da se ponovno proizvode nove boce i tenisice, već se stvaraju i umjetni otoci.

Instalacija Teppei Kuneuji na prvi pogled podsjeća na stanicu za sortiranje smeća. Ovdje su plastični predmeti poslagani u različitim slijedovima: lopatice, kalupi, različite igračke, vješalice, četkice za zube u boji, crijeva, čaše i drugo. Posuti bijelim prahom, čini se da ovdje leže cijelu vječnost. Kada hodate među ovim poznatim predmetima, ali sada neupotrebljenim, promatrajući ih već odvojene, imate osjećaj sličan meditaciji u kamenjaru. U svojim foto kolažima, Teppei Kuneuji "mentalno" gradi tornjeve od građevinskog otpada. Ali to nisu takvi kinetički lanci kao kod umjetničkog dvojca Fishli i Weiss, već poput budističke sakralne građevine u kojoj kamen leži na kamenu bez vezivnog materijala.

Umjetnik Suda Yoshihiro postavio je vješto izrađenu drvenu ružičastu ružu s jednom otpalom laticama između stakala u muzejskom izlogu s pogledom na Moiku. Gledajući ovu vrlo suptilnu i poetsku intervenciju u muzeju, želim početi govoriti japanskim stihovima u haiku žanru, poput: „Zima. Čak i ruža u muzeju cvjeta zauvijek.”

Drugo ne manje poetično djelo, The Opposite of Volume, Onishija Yasuakija odnosi se na rad srednjovjekovnog slikara i zen monaha Toya Sesshua. Ovaj japanski klasik poznat je po donošenju kineskog crno-bijelog crteža tušem u Zemlju izlazećeg sunca.

Yasuakijeva instalacija siva je polietilenska trodimenzionalna silueta planine na koju sa stropa padaju mlaznice (poput kiše) smrznute tekuće plastike. Kažu napraviti "praznu" planinu pod pljuskom, kao s monokromom Toyo slike Sessu, umjetnik je morao sagraditi brdo kutija, pokriti ga tankim polietilenom, a zatim sa stropa kapati vruću plastiku.

Konačno, instalacija Kengo Kito: vijenci obojenih plastičnih sportskih obruča koji vise, kao "japanski pozdravi", doneseni u Rusiju u Olimpijske igre. Zanimljivo je da izložba "The Charm of Things" koristi plastiku kao materijal kojim se japanski umjetnici dotiču ne samo ekoloških već i duhovnih pitanja.

Japanci su otkrili ljepotu skrivenu u stvarima u 9.-12. stoljeću, u doba Heian (794.-1185.) i čak je označili posebnim konceptom "mono bez svijesti" (物の哀れ (もののあわれ)), što znači " tužna čar stvari. The Charm of Things jedan je od najranijih japanska književnost definicije ljepote, povezuje se sa šintoističkim vjerovanjem da svaka stvar ima svoje božanstvo - kami - i svoj jedinstveni šarm. Avare je unutarnja bit stvari, ono što izaziva užitak, uzbuđenje.

- Washi (wasi) ili wagami (wagami).
Ručna izrada papira. Srednjovjekovni Japanci cijenili su washi ne samo zbog njegovih praktičnih kvaliteta, već i zbog ljepote. Bila je poznata po svojoj suptilnosti, gotovo prozirnosti, što joj, međutim, nije oduzimalo snagu. Washi se pravi od kore drveta kozo (duda) i nekih drugih stabala.
Washi papir se čuvao stoljećima, dokazi za to su albumi i svesci drevne japanske kaligrafije, slike, paravani, gravure koje su kroz stoljeća došle do danas.
Vasyin papir je vlaknast, ako pogledate kroz mikroskop, vidjet ćete pukotine kroz koje prodire zrak i sunčeva svjetlost. Ova se kvaliteta koristi u proizvodnji paravana i tradicionalnih japanskih lampiona.
Washi suveniri vrlo su popularni među Europljanima. Od ovog papira izrađuju se mnogi sitni i korisni predmeti: novčanici, kuverte, lepeze. Prilično su izdržljivi, ali lagani.

- Gohei.
Maskota iz papirnate trake. Gohei - obredni štap šintoističkog svećenika na koji su pričvršćene papirnate cik-cak trake. Iste trake papira obješene su na ulazu u šintoističko svetište. Uloga papira u šintoizmu tradicionalno je bila vrlo velika, a proizvodi od papira uvijek su se davali ezoterično značenje. A vjerovanje da svaka stvar, svaka pojava, pa i riječi, sadrži kami – božanstvo – objašnjava pojavu ove vrste primijenjene umjetnosti kao gohei. Šintoizam je donekle sličan našem poganstvu. Za šintoiste, kami je posebno voljan smjestiti se u sve što je neuobičajeno. Na primjer, na papiru. A još više u goheiju uvijenom u zamršeni cik-cak, koji danas visi ispred ulaza u šintoistička svetišta i ukazuje na prisutnost božanstva u hramu. Postoji 20 načina slaganja goheija, a oni koji su posebno neobično presavijeni privlače kami. Gohei je pretežno bijele boje, ali postoje i zlatne, srebrne i mnoge druge nijanse. Od 9. stoljeća u Japanu postoji običaj da se sumo hrvačima prije početka borbe učvrste gohei na pojasevima.

- Anesama.
Ovo je proizvodnja papirnatih lutaka. U 19. stoljeću žene samuraja izrađivale su papirnate lutke s kojima su se djeca igrala, oblačeći ih u različitu odjeću. U vremenima kada nije bilo igračaka, anesama je djeci bila jedina sagovornica, „obavljala“ je ulogu majke, starije sestre, djeteta i drugarice.
Lutka je presavijena od japanskog washi papira, kosa je napravljena od zgužvanog papira, obojana tintom i premazana ljepilom koje joj daje sjaj. Posebnost je lijep mali nos na duguljastom licu. Danas se ova jednostavna igračka, koja zahtijeva samo vješte ruke, tradicionalnog oblika, nastavlja izrađivati ​​na isti način kao i prije.

- Origami.
Drevna umjetnost savijanja papira (折り紙, doslovno: "presavijeni papir"). Umjetnost origamija vuče korijene iz drevne Kine, gdje je izumljen papir. U početku se origami koristio u vjerskim obredima. Dugo vremena ova vrsta umjetnosti bila je dostupna samo predstavnicima viših klasa, gdje je znak dobrog ukusa bio posjedovanje tehnika savijanja papira. Tek nakon Drugog svjetskog rata origami je otišao izvan Istoka i došao u Ameriku i Europu, gdje je odmah pronašao svoje obožavatelje. Klasični origami presavijen je s kvadratnog lista papira.
Postoji određeni skup konvencionalnih simbola potrebnih za skiciranje sheme savijanja čak i najsloženijeg proizvoda. Većinu konvencionalnih znakova u praksu je sredinom 20. stoljeća primijenio slavni japanski majstor Akira Yoshizawa.
Klasični origami propisuje korištenje jednog kvadratnog ravnomjerno obojenog lista papira bez ljepila i škara. Suvremene umjetničke forme ponekad odstupaju od ovog kanona.

- Kirigami.
Kirigami je umijeće izrezivanja različitih oblika od nekoliko puta presavijenog lista papira uz pomoć škara. Vrsta origamija koja omogućuje korištenje škara i rezanje papira u procesu izrade modela. Ovo je glavna razlika između kirigamija i drugih tehnika savijanja papira, što je naglašeno u nazivu: 切る (kiru) - rez, 紙 (gami) - papir. Svi smo u djetinjstvu voljeli rezati snježne pahulje - varijanta kirigamija, ovom tehnikom možete izrezati ne samo snježne pahulje, već i razne figure, cvijeće, vijence i druge slatke stvari od papira. Ovi se proizvodi mogu koristiti kao šablone za printeve, ukrase za albume, razglednice, okvire za fotografije, modni dizajn, dizajn interijera i druge razne dekoracije.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 ili いけばな) prevedeno s Japanski jezik- ike” - život, “bana” - cvijeće, odnosno “cvijeće koje živi”. Japanska umjetnost aranžiranja cvijeća jedna je od najljepših tradicija japanskog naroda. Pri sastavljanju ikebane, uz cvijeće, koriste se i rezane grane, lišće i izdanci.Osnovno načelo je izuzetna jednostavnost, za što se nastoji naglasiti prirodna ljepota biljaka. Ikebana je stvaranje novog prirodnog oblika, u kojem se skladno spajaju ljepota cvijeta i ljepota duše majstora koji stvara kompoziciju.
Danas u Japanu postoje 4 glavne škole ikebane: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Osim njih, ima ih još oko tisuću raznih smjerova i struje koje se priklanjaju jednoj od ovih škola.

- Oribana.
Sredinom 17. stoljeća dvije škole ohara (glavni oblik ikebane - oribana) i koryu (glavni oblik - sek) odstupile su od ikenoba. Inače, škola ohara još uvijek proučava samo oribanu. Kako kažu Japanci, vrlo je važno da se origami ne pretvori u origami. Gomi na japanskom znači smeće. Uostalom, kako to biva, presavio si komad papira, i što onda s njim? Oribana nudi puno ideja za bukete za uređenje interijera. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Pogreška.
Vrsta likovne umjetnosti nastala iz cvjećarstva. Cvjećarstvo se u našoj zemlji pojavilo prije osam godina, iako u Japanu postoji više od šest stotina godina. Negdje u srednjem vijeku, samuraji su shvatili put ratnika. I oshibana je bila dio tog puta, baš kao pisanje hijeroglifa i vitlanje mačem. Značenje pogreške bilo je u tome što je u stanju potpune prisutnosti u trenutku (satori) majstor stvorio sliku od suhog cvijeća (prešano cvijeće). Tada bi ova slika mogla poslužiti kao ključ, putokaz onima koji su bili spremni ući u tišinu i doživjeti taj isti satori.
Suština umjetnosti "oshibana" je da sakupljanjem i sušenjem pod pritiskom cvijeća, bilja, lišća, kore i lijepljenjem na podlogu, autor uz pomoć biljaka stvara istinsko "slikarsko djelo". Drugim riječima, pogrešno je slikati s biljkama.
Umjetničko stvaralaštvo cvjećari temelji se na očuvanju oblika, boje i teksture osušenog biljnog materijala. Japanci su razvili tehniku ​​zaštite "oshibana" slika od blijeđenja i tamnjenja. Njegova suština je da se između stakla i slike ispumpava zrak i stvara vakuum koji sprječava kvarenje biljaka.
Privlači ne samo nekonvencionalnost ove umjetnosti, već i mogućnost pokazivanja mašte, ukusa, znanja o svojstvima biljaka. Cvjećari stvaraju ukrase, krajolike, mrtve prirode, portrete i slike s pričama.

- Bonsai.
Bonsai se kao fenomen pojavio prije više od tisuću godina u Kini, ali je vrhunac razvoja ova kultura doživjela tek u Japanu. (bonsai - japanski 盆栽 lit. "biljka u loncu") - umijeće uzgoja točna kopija pravo drvo u minijaturi. Ove biljke uzgajali su budistički redovnici nekoliko stoljeća prije naše ere, a kasnije su postale jedna od aktivnosti lokalnog plemstva.
Bonsai je krasio japanske domove i vrtove. U eri Tokugawa dizajn parka dobio je novi poticaj: uzgoj azaleja i javora postao je zabava za bogate. Razvila se i proizvodnja patuljastih usjeva (hachi-no-ki - "stablo u loncu"), ali su bonsai tog vremena bili vrlo veliki.
Sada se za bonsai koriste obična stabla, koja postaju mala zbog stalnog rezidbe i raznih drugih metoda. Istodobno, omjer veličina korijenskog sustava, ograničenog volumenom zdjele, i prizemnog dijela bonsaija odgovara proporcijama odraslog stabla u prirodi.

- Mizuhiki.
Analog makramea. Ovo je drevna japanska primijenjena umjetnost vezanja različitih čvorova od posebnih užeta i stvaranja uzoraka od njih. Takva su umjetnička djela imala iznimno širok raspon - od poklon kartica i pisama do frizura i torbica. Trenutno se mizuhiki iznimno široko koristi u industriji darova - za svaki događaj u životu, dar treba biti zamotan i vezan na vrlo specifičan način. U umjetnosti mizuhikija postoji izuzetno mnogo čvorova i kompozicija, a ne zna ih svaki Japanac sve napamet. Naravno, postoje najčešći i jednostavni čvorovi koji se najčešće koriste: za čestitke na rođenju djeteta, za vjenčanje ili komemoraciju, rođendan ili prijemni na fakultet.

- Kumihimo.
Kumihimo je japanska pletenica. Prilikom tkanja niti se dobivaju vrpce i čipke. Ove čipke su tkane na posebnim strojevima - Marudai i Takadai. Stroj Marudai služi za tkanje okruglih čipki, a Takadai za ravne. Kumihimo na japanskom znači "pletenje užadi" (kumi - tkanje, savijanje, himo - uže, čipka). Unatoč činjenici da povjesničari tvrdoglavo inzistiraju da se takvo tkanje može naći među Skandinavcima i stanovnicima Anda, japanska umjetnost Kumihimo je doista jedna od najstarijih vrsta tkanja. Prvi spomen datira iz 550. godine, kada se budizam proširio Japanom, a posebne ceremonije zahtijevale su posebna odlikovanja. Kasnije su se kumihimo vezice počele koristiti kao fiksator za obi pojas na ženskom kimonu, kao užad za "pakiranje" cjelokupnog samurajskog arsenala oružja (samuraji su kumihimo koristili u dekorativne i funkcionalne svrhe za vezivanje oklopa i konjskih oklopa) i također za vezanje teških predmeta.
Različiti uzorci modernog kumihima vrlo se lako tkaju na domaćim kartonskim tkalačkim stanovima.

- Komono.
Što ostaje od kimona nakon što odsluži svoje vrijeme? Mislite li da se baca? Ništa slično ovome! Japanci to nikada neće učiniti. Kimona su skupa. Nezamislivo je i nemoguće tek tako baciti... Uz druge vrste recikliranja kimona, majstorice su od sitnih komadića izrađivale male suvenire. To su male igračke za djecu, lutke, broševi, vijenci, ženski nakit i drugi proizvodi, stari kimono se koristi u izradi malih slatkih stvari, koje se zajednički nazivaju "komono". Male stvari koje će živjeti vlastiti život, nastavljajući put kimona. To znači riječ "komono".

- Kanzashi.
Umijeće ukrašavanja kopči za kosu (najčešće ukrašenih cvjetićima (leptirićima i sl.) od tkanine (uglavnom svile). Japanski kanzashi (kanzashi) je duga ukosnica za tradicionalnu japansku žensku frizuru. Izrađivale su se od drva, laka, srebro, kornjačevina koje se koriste u tradicionalnim kineskim i japanskim frizurama. Prije otprilike 400 godina, u Japanu, stil ženskih frizura se promijenio: žene su prestale češljati kosu u tradicionalnom obliku - taregami (duga ravna kosa) i počele su je oblikovati u zamršene i bizarni oblici – nihongami.koristi se razne predmete- ukosnice, štapići, češljevi. Tada se čak i jednostavan kushi češalj-češalj pretvara u elegantan pribor izuzetne ljepote, koji postaje pravo umjetničko djelo. Tradicionalna japanska ženska nošnja nije dopuštala nakit i ogrlice za zapešća, pa su to bili ukrasi za kosu glavna ljepotica i polje za samoizražavanje - kao i demonstriranje ukusa i debljine vlasnikovog novčanika. Na gravurama možete vidjeti - ako bolje pogledate - kako su Japanke lako objesile do dvadeset skupih kanzashija u svoje frizure.
Sada postoji oživljavanje tradicije korištenja kanzashi među mladim Japankama koje žele dodati sofisticiranost i eleganciju svojim frizurama, moderne ukosnice mogu biti ukrašene sa samo jednim ili dva fina ručno izrađena cvijeta.

- Kinusaiga.
Nevjerojatna vrsta ručnih radova iz Japana. Kinusaiga (絹彩画) je križanac između batika i patchworka. Glavna ideja je da se nove slike skupljaju iz starih svilenih kimona dio po dio - istinska djela umjetnost.
Prvo umjetnik radi skicu na papiru. Zatim se ovaj crtež prenese na drvenu ploču. Kontura uzorka se prorezuje utorima, ili utorima, a zatim se iz starog svilenog kimona izrežu mali komadići, koji odgovaraju boji i tonu, a rubovi tih komadića ispunjavaju utore. Kada gledate takvu sliku, imate osjećaj da gledate fotografiju ili čak samo promatrate krajolik izvan prozora, toliko su realistični.

- Temari.
Ovo su tradicionalne japanske geometrijske izvezene lopte izrađene jednostavnim šavovima koje su nekoć bile dječja igračka, a sada su postale umjetnička forma s brojnim obožavateljima ne samo u Japanu nego i diljem svijeta. Vjeruje se da su prije mnogo vremena ove proizvode izrađivale žene samuraja za zabavu. U samom početku stvarno su se koristile kao lopta za igru ​​loptom, ali su postupno počele dobivati ​​likovne elemente, a kasnije su se pretvorile u ukrasne ukrase. Nježna ljepota ovih kuglica poznata je diljem Japana. A danas su šareni, pažljivo izrađeni proizvodi jedna od vrsta narodnih zanata u Japanu.

- Yubinuki.
Japanski naprsci, kod ručnog šivanja ili vezenja, stavljaju se na srednju falangu srednjeg prsta radne ruke, vrhovima prstiju se igli daje željeni smjer, a igla se provlači kroz prsten na sredini prst u poslu. U početku su se japanski yubinuki naprsci izrađivali prilično jednostavno - traka guste tkanine ili kože širine oko 1 cm u nekoliko slojeva bila je čvrsto omotana oko prsta i pričvršćena s nekoliko jednostavnih ukrasnih šavova. Pošto su jubinuci bili potreban predmet u svakoj kući počeli su se ukrašavati geometrijskim vezom svilenim nitima. Od prepleta uboda, šarenih i zamršeni uzorci. Yubinuki se od jednostavnog kućanskog predmeta također pretvorio u predmet za "divljenje", ukras Svakidašnjica.
Yubinuki se još uvijek koriste u šivanju i vezenju, no mogu se pronaći i jednostavno nošeni na rukama na bilo kojem prstu, poput ukrasnog prstenja. Vez u stilu Yubinuki koristi se za ukrašavanje raznih predmeta u obliku prstena - prstenovi za salvete, narukvice, temari stalci, ukrašeni yubinuki vezom, a postoje i izvezeni kreveti za igle u istom stilu. Yubinuki uzorci mogu biti izvrsna inspiracija za temari obi vez.

- Suibokuga ili sumie.
Japansko slikarstvo tušem. Ovaj kineski stil slikarstvo su posudili japanski umjetnici u 14. st., a do kraja 15.st. postala glavna struja slikarstva u Japanu. Suibokuga je jednobojna. Karakterizira ga korištenje crne tinte (sumi), čvrstog oblika drveni ugljen ili se pravi od čađe kineske tinte, koja se samelje u posudi za tintu, razrijedi vodom i nanese kistom na papir ili svilu. Jednobojni nudi majstoru beskrajan izbor tonskih opcija, koje su Kinezi davno prepoznali kao "boje" tinte. Suibokuga ponekad dopušta upotrebu stvarnih boja, ali je ograničava na tanke, prozirne poteze koji uvijek ostaju podređeni liniji tinte. Slikanje tušem dijeli s umjetnošću kaligrafije takve bitne karakteristike kao što su strogo kontrolirani izraz i tehničko majstorstvo oblika. Kvaliteta slikanja tušem svodi se, kao i u kaligrafiji, na cjelovitost i otpornost na kidanje linije nacrtane tušem, koja takoreći drži umjetničko djelo na sebi, kao što kosti drže na sebi tkivo.

- Etegami.
Crtane razglednice (e - slika, označeno - pismo). Izrada razglednica "uradi sam" općenito je vrlo popularna aktivnost u Japanu, a pred blagdane njena popularnost još više raste. Japanci vole slati razglednice svojim prijateljima, a vole ih i primati. Ovo je vrsta brzog pisma na posebnim prazninama, može se poslati poštom bez koverte. Ne u etegami posebna pravila ili tehničar, to može biti bilo koja osoba bez posebne obuke. Etagami pomaže u preciznom izražavanju raspoloženja, dojmova, ovo je ručno izrađena razglednica koja se sastoji od slike i kratkog pisma, prenoseći emocije pošiljatelja, kao što su toplina, strast, briga, ljubav itd. Ove razglednice šalju za blagdane i tek tako, s prikazom godišnjih doba, aktivnosti, povrća i voća, ljudi i životinja. Što je ova slika jednostavnija nacrtana, to izgleda zanimljivije.

- Furoshiki.
Japanska tehnika zamatanja ili umjetnost savijanja platna. Furoshiki je dugo ušao u život Japanaca. Sačuvani su drevni svici iz razdoblja Kamakura-Muromachi (1185. - 1573.) sa slikama žena koje na glavi nose svežnjeve odjeće umotane u tkaninu. Ova zanimljiva tehnika nastala je još 710. - 794. godine nove ere u Japanu. Riječ "furoshiki" doslovno se prevodi kao "tepih za kupanje" i kvadratni je komad tkanine koji se koristio za omatanje i nošenje predmeta svih oblika i veličina.
U starim danima bilo je uobičajeno hodati u japanskim kupkama (furo) u laganim pamučnim kimonima, koje su posjetitelji nosili sa sobom od kuće. Kupač je ponio i posebnu prostirku (shiki) na kojoj je stajao dok se svlačio. Nakon što se presvukao u kimono za "kupanje", posjetitelj je svoju odjeću zamotao u prostirku, a nakon kupanja mokri kimono zamotao je u prostirku kako bi ga donio kući. Tako je prostirka za kupanje postala multifunkcionalna torba.
Furoshiki je vrlo jednostavan za korištenje: tkanina poprima oblik predmeta koji omotate, a ručke olakšavaju nošenje tereta. Osim toga, dar umotan ne u tvrdi papir, već u meku, višeslojnu tkaninu, dobiva posebnu izražajnost. Postoji mnogo shema za sklapanje furoshikija za svaku priliku, svakodnevnu ili svečanu.

- Amigurumi.
Japanska umjetnost pletenja ili heklanja malih plišanih životinja i humanoidnih bića. Amigurumi (編み包み, dosl.: “pleteni-zamotani”) najčešće su slatke životinje (kao što su medvjedi, zečići, mačke, psi itd.), čovječuljci, ali mogu biti i neživi predmeti obdareni ljudskim svojstvima. Na primjer, cupcakes, šeširi, torbice i drugi. Amigurumi je pleten ili pleten ili kukičan. U U zadnje vrijeme Kukičani amigurumi postali su sve popularniji i češći.
pletene od pređe na jednostavan način pletenje - u spiralu i, za razliku od europske metode pletenja, krugovi obično nisu povezani. Također se heklaju na manjoj veličini u odnosu na debljinu pređe kako bi se stvorila vrlo gusta tkanina bez ikakvih praznina za izlazak nadjeva. Amigurumi se često prave od dijelova i potom sastavljaju, osim nekih amiguruma, koji nemaju udove, već samo glavu i torzo, koji su jedna cjelina. Udovi su ponekad ispunjeni plastičnim komadima kako bi im se dala živa težina, dok je ostatak tijela ispunjen vlaknastim punjenjem.
Širenje estetike amigurumija olakšava njihova ljupkost ("kawaii").

U tijeku je zanimljiva izložba u Ermitažu - Moderna umjetnost Japan "MONO-NO SVJESNO. Šarm stvari".

Reći da sam ljubitelj suvremene umjetnosti – ne mogu. Više volim kad se ima što gledati (užurbana grafika, ili arts and crafts, etnos je moje sve). Divljenje ljepoti čistog koncepta nije mi uvijek zabavno. (Maljeviču, oprosti! Ne volim Crni kvadrat!)

Ali danas sam stigao na ovu izložbu!

Precious, ako ste u Sankt Peterburgu, zanima vas umjetnost, a tamo još niste bili, izložba će trajati do 9. veljače! Idi, jer je zanimljivo!

Koncepti me malo uvjeravaju, kao što sam gore napisao. Nekako sam mislio da mi se u godinu dana posjeta modernim izložbama jedan ili dva predmeta najviše čine smiješnima. I mnoge stvari me toliko ne dotiču da mi bude žao utrošenog vremena. Ali u bilo kojem žanru, u bilo kojoj umjetnosti, postotak omjera talenta i prosječnosti, dobro je ako je jedan prema deset! Ali svidjela mi se ova emisija.

Japanske kreacije postavljene su u izložbenim dvoranama Glavnog stožera. Prva instalacija koja dočekuje posjetitelje je nevjerojatan labirint ispunjen solju na podu. Sivi pod, bijela sol, nevjerojatno uredno obilježen prostor, satkan u jedno polje. Velik izložbeni prostor, a bijeli ukras raširio se po podu poput čudesnog vijuna. I shvaćate koliko je ova umjetnost privremena. Izložba će se zatvoriti, labirint će se pomesti metlom. Jednom sam gledao film "Mali Buda". I tamo, na početku, budistički redovnik postavio je složeni ukras od obojenog pijeska. I na kraju filma, redovnik je napravio oštar pokret kistom i titanski rad se raspršio u vjetru. To je bilo, pa hop, i ne. I kaže, cijeni ljepotu ovdje i sada, sve je prolazno. Dakle, taj labirint soli, on ulazi u dijalog s tobom, ti počinješ odgovarati na pitanja pred koja te on postavlja. Umjetnik je Motoi Yamamoto.

Da da! Ovo je tako velik labirint, jeste li osjetili razmjere?

Drugi objekt koji osvaja je ogromna kupola koju je napravio Yasuaki Onishi od polietilena i crne smole. Neobično određen prostor. Na crnim najtanjim neravnim nitima smole visi, blago pomičući, kupola .... ili planina sa složenim reljefom. Kada uđete unutra, vidite šareni uzorak točkica - mjesta na kojima se smola lijepi. Smiješno je, kao da crna kiša tiho pada, a vi ste ispod krošnje.

Kako je nastala ova tehnika? Smiješno, zar ne? Ali uživo izgleda "življe", kupola se lagano njiše od povjetarca koji stvaraju posjetitelji u prolazu. I postoji osjećaj vaše interakcije s objektom. Možete ući u "spilju", vidjeti iznutra kako je!

No, da ne bi stekao dojam da je sve samo crno-bijelo, ovdje ću postaviti još par fotografija kompozicije, napravljene od međusobno spojenih obruča. Takve smiješne plastične kovrče u boji! I također, možete proći kroz ovu sobu, unutar obruča, ili možete sve pogledati izvana.

Ovi artikli su mi najdraži. Naravno, uskoro će konceptualna suvremena umjetnost postati drugačija, u skladu s novim vremenom. Neće se vratiti na staro, i neće ostati kao sada. Promijenit će se. Ali da biste razumjeli što je bilo, kuda je potok jurio i što i odakle dolazi, morate znati što se sada događa. I ne bježite od toga neee, koncept nije za mene, ali pokušajte to vidjeti i ocijeniti. Talenata je malo, kao i uvijek, ali ih ima. A ako eksponati odjeknu, onda nije sve izgubljeno!!!

Često se okrivljuje današnji svijet duhovna kriza, u razaranju veza s tradicijama, u globalizaciji, neizbježno upijajući nacionalne temelje. Sve je personalizirano i depersonalizirano u isto vrijeme. Ako bismo takozvanu klasičnu umjetnost mogli podijeliti na nacionalne škole a zamislite da tamo talijanska umjetnostšto je njemačka umjetnost, a što francuska; možemo li onda suvremenu umjetnost podijeliti na iste “škole”?

Kao odgovor na ovo pitanje, želio bih vam predstaviti japansku suvremenu umjetnost. Na konferenciji u Muzej umjetnosti Mori na temu internacionalizma u suvremenoj umjetnosti prošle godine, profesor sa Sveučilišta u Tokiju Michio Hayashi sugerirao je da je popularna percepcija "japanskosti" na Zapadu bila zacementirana u 1980-ima trojstvom "kiča", "prirodnosti" i "tehnološke složenosti". ”. Danas se popularna, a posebno komercijalno popularna suvremena umjetnost Japana još uvijek može smjestiti u taj trokut. Za zapadnog gledatelja ostaje tajanstven i originalan zbog specifične značajke svojstven samo umjetnosti zemlje izlazećeg sunca. U kolovozu su se Zapad i Istok susreli na tri umjetnička mjesta odjednom: do 8. kolovoza na Manhattanu je održana izložba “Duality of Existence – Post-Fukushima” (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), izložba “teamLab: Ultra Subjective Space” trajao do 15. kolovoza je praktički blizu (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); i “Arhatski ciklus” Takashija Murakamija u Palazzo Reale u Milanu i dalje osvaja i zadivljuje posjetitelje.

Sva prikazana djela nastala su nakon 11. ožujka 2011., kada je tsunami pogodio Japan. Nuklearna katastrofa u nuklearnoj elektrani Fukushima okupila je naciju, natjerala preispitivanje prioriteta i vrijednosti te ponovno okretanje davno zaboravljenim tradicijama. Umjetnost nije mogla stajati po strani i prezentirati se svijetu novi tip umjetnik okrenut potrebama suvremenog gledatelja, au isto vrijeme poštujući povijesne temelje i vrijednosti.

Takashi Murakami - reklama uspješan umjetnik, koji je popularizirao techno kič i stvorio novi vizualni jezik superflat, temeljen na tradiciji japanskog nihonga slikarstva i specifičnostima animea i mange. Ideologija njegovih repliciranih skulptura i nečuvenih instalacija bila je pokazati promjenu u Japanu nakon rata, kada je konzumerizam postao prevladavajući. Ali 11. ožujka 2011. podijelio je život Japana na "prije" i "poslije", poput dva strašna dana u kolovozu 1945., kada su bačene nuklearne bombe na Hirošimu i Nagasaki. Nakon tog snažnog potresa, koji je doveo do strašnih posljedica, Murakami je krenuo putem promišljanja budizma i japanske estetike, napravio korak ka povratku iskonima i duhovnosti. Prvi rad koji je započeo ciklus Arhata je 500 Arhata, prikazan na samostalnoj izložbi Takashi Murakamija u Dohi, Katar, 2012. godine. Povratak budističkim temama autor objašnjava kao pokušaj spoznaje da na ovom svijetu ne postojimo samo mi, da postoje sile koje su neovisne o nama i da se svaki put moramo usavršavati kako bismo prestali biti ovisni o nama. vlastite želje i utječe. Gusti zid arhata, kao da štiti publiku od bijesnih elemenata na čitavih 100 metara platna, svima je unio mir i spokoj u dušu. No, Murakami se nije ograničio samo na jedno djelo i nastavio je ciklus slika, nadopunjavajući i proširujući narativ, kao da koristi tehniku ​​mange i priča priču u vizualnom oblikovanju. Drugi dio ciklusa predstavljen je u galeriji Blum & Poe ( Los Angeles) u 2013. Danas, u Milanu, arhati po treći put putuju svijetom, šireći ideju povratka duhovnosti i odricanja od strasti. Unatoč poučnosti i dubini značenja, slike se lako percipiraju zbog odvažne i jarke kolorističke odluke, samog likovnog jezika. Elementi mange donijeli su im onaj potrebni udio popularizacije tako da su emitirane ideje budizma bile lako čitane i prihvaćene čak i od neupućene javnosti.

Sljedeći predstavnik modernog japanskog slikarstva može se nazvati Kazuki Umezawa, Murakamijev učenik, što nas vraća na pitanje škole i kontinuiteta. On stvara digitalne prikaze anime likova crtajući ih na vrhu naljepnica kako bi stvorio dodatnu dubinu i vizualni kaos. Od nasumičnih i razbacanih slika diljem interneta, on konstruira kolaže, razbija pozadine, stvara mandale koje odražavaju strukturu i sadržaj mašte otakua (ljubitelja animea i mange). Pozivanje na budistički simbol pojačava semantičku vrijednost radova mlade umjetnice, povezujući, s jedne strane, sveto i etablirano u kulturi, s druge strane, suvremenu problematiku, ali opet uz uključivanje specifičnog japanskog fenomena – anime.

Takashi Murakami i Kazuki Umezawa vješto balansiraju između relevantnosti i tradicije, kiča i stila.

Začudo, nakon potresa 11. ožujka 2011. u Japanu, 16-godišnjak koji je devet dana bio zarobljen pod ruševinama svoje kuće i spašen, na pitanje novinara o svojim budućim snovima, odgovorio je: “Ja želim postati umjetnik.”

Bit će postavljena izložba suvremene japanske umjetnosti "Dvostruka perspektiva".

1. Mnogo je neobičnih stvari u japanskoj suvremenoj umjetnosti. Na primjer, ove slike Izumi Kato izrađene su ručno, bez korištenja kista.

2. Na prvi pogled može se činiti da su to obične žarulje. Ali ovo djelo s dubokim značenjem posvećeno je 38. paraleli koja razdvaja Sjevernu i Južnu Koreju.

3. Naravno, u svakom djelu postoji neko duboko značenje koje ne leži na površini, ali čak i ako ga ne pronađete, jednostavno se možete diviti, na primjer, ljepoti ove vješto izrađene ruže.

4. ovo je rad Kenji Yanobe o tome kako osoba može preživjeti kraj svijeta

6. Ovo je njegovo najpoznatije djelo "Dijete sunca" nastalo nakon nesreće u nuklearnoj elektrani Fukushima.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. ovo je također moderna japanska umjetnost

10. intersny projekt "Traži se Lenjin u moskovskim stanovima". Yoshinori Niva pretraživao je kuće Moskovljana tražeći sačuvane predmete vezane uz Lenjinovu osobnost. Najčudnije je što to nije napravio Rus, nego Japanac.

14. Usput, za ovaj rad korišteni su punjeni pravi štakori.

15. Ove fotografije pokazuju strahove ljudi