Japanska kultura. Japanska umjetnost - Povijest - Uvod - Zanimljivi Japan — LiveJournal

Japansko slikarstvo jedno je od najljepših na svijetu.

Japansko slikarstvo jedna je od najstarijih i nevjerojatnih vrsta kreativnosti. Kao i svaka druga, ima svoju dugu povijest, koja se prema tehnici i značajkama može podijeliti u nekoliko razdoblja. Zajedničko svim razdobljima je priroda kojoj je dano glavno mjesto na slikama. Na drugom mjestu po popularnosti u likovnoj umjetnosti Japana su domaće scene iz života.

Yamato

Yamato(VI-VII stoljeća) - prvo razdoblje japanske umjetnosti, koje je postavilo temelje za pisanje. Poticaj razvoju umjetnosti dala su kineska postignuća na području religije i pisma. Japan je požurio da se uzdigne na njegovu razinu, mijenjajući svoju strukturu i gradeći sve po uzoru na Kinu. Za razvoj slikarstva u Japan je doveden ogroman broj djela kineskih majstora, što je inspiriralo Japance, koji su hrabro požurili stvarati slične slike.

Slika u grobnici Takamatsuzuka

Ovo razdoblje sastoji se od dva dječja razdoblja:

• Kofun- razdoblje japanske umjetnosti, koje zauzima prvu polovicu Yamata. Naziv razdoblja prevodi se kao "razdoblje gomila". U ono doba, doista, humci su imali veliku ulogu, stvarajući ih posvuda.
• Asuka- drugi dio Yamato ere. Razdoblje je dobilo ime po političkom središtu zemlje koje je djelovalo tih godina. Povezuje se s dolaskom budizma u Japan, au budućnosti i s aktivnim razvojem svih kulturnih područja.

Nara

Budizam, koji je došao iz Kine, aktivno se širio u Japanu, što je pridonijelo pojavi vjerskih tema u umjetnosti. Japanski umjetnici, poneseni ovom temom, slikali su zidove hramova koje su stvorile utjecajne ličnosti. Do danas je hram Horyu-ji sačuvao zidne slike iz tog vremena.

Azuchi-Momoyama

Ovo razdoblje je sušta suprotnost svom prethodniku. Sumornost i jednobojnost nestaju iz radova, a zamjenjuju ih svijetle boje i korištenje zlata i srebra na slikama.

Čempres. Zaslon. Kano Eitoku.

Meiji

U 19. stoljeću započela je podjela japanskog slikarstva na tradicionalne i europske stilove koji su se snažno natjecali jedni s drugima. U tom su razdoblju u Japanu izbile goleme političke promjene. Utjecaj Europe tih godina utjecao je na gotovo svaki kutak planeta, uvodeći vlastite značajke u svaku državu. Vlasti su aktivno podržavale europski stil umjetnosti, odbacujući stare tradicije. Ali ubrzo je uzbuđenje oko zapadnog slikarstva brzo splasnulo i zanimanje za tradicionalnu umjetnost naglo se vratilo.

Razvoj japanskog slikarstva ažurirano: 15. rujna 2017. od strane: Voljeni

Od davnina je japansku umjetnost karakterizirala aktivna kreativnost. Unatoč ovisnosti o Kini, gdje su se stalno pojavljivali novi umjetnički i estetski trendovi, japanski su umjetnici uvijek unosili nova obilježja i mijenjali umjetnost svojih učitelja, dajući joj japanski izgled.

Povijest Japana kao takva počinje poprimati određene oblike tek krajem 5. stoljeća. Pronađeno je relativno malo predmeta koji datiraju iz prošlih stoljeća (arhajsko razdoblje), iako neki nalazi tijekom iskapanja ili tijekom građevinskih radova govore o izrazitom umjetničkom talentu.

arhajsko razdoblje.

Najstarija djela japanske umjetnosti su glinene posude tipa Jomon (otisak uzice). Naziv potječe od ukrašavanja površine spiralnim otiscima užeta omotanog oko štapića koje je majstor koristio za izradu posude. Možda su u početku majstori slučajno otkrili otiske od pletera, ali su ih onda počeli svjesno koristiti. Katkada su se na površini zalijepile glinene kovrče poput užadi, stvarajući složeniji dekorativni efekt, gotovo reljef. Prva japanska skulptura nastala je u kulturi Jomon. Dogu (doslovno "glineni lik") osobe ili životinje vjerojatno je imao neku vrstu religijskog značaja. Slike ljudi, uglavnom žena, vrlo su slične glinenim božicama drugih primitivnih kultura.

Radiokarbonska analiza pokazuje da bi neki nalazi iz Jomon kulture mogli potjecati iz 6-5 tisuća godina prije Krista, ali takvo rano datiranje nije općenito prihvaćeno. Naravno, takvo se posuđe izrađivalo dugo vremena, a iako se točni datumi još ne mogu utvrditi, razlikuju se tri razdoblja. Najstariji primjerci imaju zašiljenu bazu i gotovo su bez ornamenta, osim tragova lončarskog alata. Posude srednjeg razdoblja su bogatije ornamentirane, ponekad s profiliranim elementima koji stvaraju dojam volumena. Oblici posuda trećeg razdoblja vrlo su raznoliki, ali se dekor ponovno izravnava i postaje suzdržaniji.

Otprilike u 2.st. PRIJE KRISTA. Jōmon keramika ustupila je mjesto Yayoi keramici koju karakterizira elegancija oblika, jednostavnost dizajna i visoka tehnička kvaliteta. Krhotina posude postala je tanja, a ornament manje čudan. Ovaj tip je prevladao do 3.st. OGLAS

S umjetničkog gledišta, možda najbolja djela ranog razdoblja su khaniva, glineni cilindri koji potječu iz 3.-5.st. OGLAS Karakteristični spomenici ovog doba su ogromna brda, ili grobni humci, grobne strukture careva i moćnog plemstva. Često vrlo velika veličina, dokaz su moći i bogatstva carske obitelji i dvorjana. Izgradnja takve građevine za cara Nintoku-tenna (oko 395.-427. godine) zahtijevala je 40 godina. Najznačajnija značajka ovih gomila bili su glineni cilindri koji su ih okruživali poput ograde, khaniva. Obično su ti cilindri bili prilično jednostavni, ali ponekad su bili ukrašeni ljudskim figurama, rjeđe figurama konja, kuća ili pijetlova. Njihova je svrha bila dvojaka: spriječiti eroziju ogromnih masa zemlje i opskrbiti pokojnika svim potrebnim što je koristio u ovozemaljskom životu. Naravno, cilindri su napravljeni odmah u velikim količinama. Raznolikost tema, izraza lica i gesta figura koje ih ukrašavaju uvelike je rezultat majstorove improvizacije. Iako su to djela obrtnika, a ne slikara i kipara, od velike su važnosti kao prava japanska umjetnička forma. Građevine, konji umotani u pokrivače, čedne dame i ratnici predstavljaju zanimljivu sliku vojnog života ranofeudalnog Japana. Moguće je da su se prototipovi ovih cilindara pojavili u Kini, gdje su se različiti predmeti postavljali izravno u ukope, ali izvođenje i uporaba haniwe pripadaju lokalnoj tradiciji.

Razdoblje arhaike često se promatra kao vrijeme lišeno djela visoke umjetničke razine, vrijeme dominacije onoga što ima uglavnom arheološku i etnološku vrijednost. Međutim, treba imati na umu da su djela ove rana kultura općenito su imali veliku vitalnost, jer su njihovi oblici preživjeli i nastavili postojati kao specifične nacionalne značajke japanske umjetnosti u kasnijim razdobljima.

Asuka razdoblje

(552.-710. po Kr.). Uvođenje budizma sredinom 6.st. unijela značajne promjene u način života i razmišljanja Japanaca i postala poticaj za razvoj umjetnosti ovog i kasnijih razdoblja. Dolazak budizma iz Kine preko Koreje tradicionalno se datira u 552. godinu nove ere, no vjerojatno se znalo i ranije. U prvim godinama budizam se suočio s političkom opozicijom, protivljenjem nacionalnoj religiji šintou, ali je nakon samo nekoliko desetljeća nova vjera dobila službeno odobrenje i konačno je uspostavljena. U prvim godinama svog prodora u Japan, budizam je bio relativno jednostavna religija s malim brojem božanstava kojima su bile potrebne slike, ali je nakon stotinjak godina ojačao i panteon se enormno povećao.
U tom su se razdoblju osnivali hramovi koji nisu služili samo u svrhu promicanja vjere, već su bili središta umjetnosti i obrazovanja. Samostan-hram u Horyu-ji jedan je od najvažnijih za proučavanje rane budističke umjetnosti. Među ostalim dragocjenostima, tu je i kip velike trijade Syaka-Nerai (623. godine). Ovo djelo Torija Busshija, prvog velikog japanskog kipara poznatog nam, stilizirana je brončana slika, slična sličnim skupinama u velikim pećinskim hramovima Kine. Stroga frontalnost uočena je u pozi sjedećeg Shakija (japanska transkripcija riječi "shakyamuni", povijesni Buddha) i dvije figure koje stoje s njegove strane. Forme ljudske figure skrivaju teški simetrični nabori shematski prikazane odjeće, au glatkim izduženim licima osjeća se snena zaokupljenost i kontemplacija. Skulptura ovog prvog budističkog razdoblja temelji se na stilu i prototipovima s kopna prije pedeset godina; vjerno slijedi kinesku tradiciju koja je u Japan došla preko Koreje.

Neke od najvažnijih skulptura tog vremena izrađene su od bronce, ali korišteno je i drvo. Dvije najpoznatije drvene skulpture su statue božice Kannon: Yumedono Kannon i Kudara Kannon, obje u Horyujiju. Oni su privlačniji objekt obožavanja od trijade Shaki, sa svojim arhaičnim osmijesima i sanjivim izrazima lica. Iako je raspored nabora haljetaka i kod Kannonovih figura shematičan i simetričan, oni su lakši i puni pokreta. Visoke, vitke figure naglašavaju duhovnost lica, njihovu apstraktnu ljubaznost, udaljenu od svih svjetovnih briga, ali osjetljivu na molbe nevoljnika. Kipar je pažnju posvetio obrisima figure Kudare Kannon, skrivene naborima odjeće, a za razliku od nazubljene siluete Yumedono, kretanje i figure i tkanine usmjereno je u dubinu. U Kudarovom profilu, Kannon ima graciozan S-oblik.

Jedini sačuvani primjer slikarstva koji daje ideju o stilu ranog 7. stoljeća je Tamamushi Zushi, "svetište s krilima". Ovo minijaturno svetište svoje je ime dobilo po preljevnim krilima buba postavljenim u perforirani metalni okvir; kasnije je ukrašavana religioznim kompozicijama i likovima pojedinih likova, izrađenim lakom u boji. Poput skulptura iz tog razdoblja, neke od slika pokazuju veliku slobodu dizajna.

Razdoblje Nara

(710-784). Godine 710. prijestolnica je premještena u Naru, novi Grad, izgrađen po uzoru na kinesku prijestolnicu Chang'an. Bilo je tu širokih ulica, velikih palača, brojnih budističkih hramova. Ne samo budizam u svim njegovim aspektima, nego cjelokupna kineska kultura i politički život doživljava kao uzor. Možda nijedna druga zemlja nije u tolikoj mjeri osjetila nedostatnost vlastite kulture i nije bila toliko podložna vanjskim utjecajima. Učenjaci i hodočasnici slobodno su se kretali između Japana i kopna, a administracija i život u palačama bili su oblikovani po uzoru na Kinu za vrijeme dinastije Tang. Međutim, treba imati na umu da su Japanci, unatoč oponašanju uzora Tang Kine, osobito u umjetnosti, uočavajući njezin utjecaj i stil, gotovo uvijek prilagođavali strane oblike svojima.

U kiparstvu je stroga frontalnost i simetrija prethodnog Asuka razdoblja ustupila mjesto slobodnijim oblicima. Razvoj ideja o bogovima, povećana tehnička vještina i sloboda vlasništva nad materijalom omogućili su umjetnicima stvaranje bližih i pristupačnijih ikonskih slika. Osnivanje novih budističkih sekti proširilo je panteon čak i na svece i utemeljitelje budizma. Osim brončane skulpture, poznat je veliki broj djela izrađenih u drvu, glini i laku. Kamen je bio rijedak i gotovo nikad nije korišten za skulpturu. Suhi lak bio je posebno popularan, možda zato što su, unatoč složenosti procesa pripreme sastava, radovi izrađeni od njega izgledali spektakularnije od drveta i bili su jači od proizvoda od gline koji su bili lakši za izradu. Lakirane figure oblikovane su na drvenoj ili glinenoj podlozi koja se potom uklanjala ili na drvenim ili žičanim okovima; bili su lagani i jaki. Iako je ova tehnika nalagala određenu krutost u pozama, dopuštena je velika sloboda u prikazivanju lica, što je dijelom pridonijelo razvoju onoga što se može nazvati pravom portretnom skulpturom. Slika lica božanstva izvedena je u skladu sa strogim propisima budističkih kanona, ali popularnost, pa čak i deifikacija nekih utemeljitelja i propovjednika vjere pružila je izvrsne mogućnosti za prenošenje portretne sličnosti. Takva sličnost može se pratiti u suhoj lakiranoj skulpturi kineskog patrijarha Genjina, cijenjenog u Japanu, koja se nalazi u hramu Toshodaiji. Genjin je bio slijep kada je stigao u Japan 753. godine, a njegove slepe oči i prosvijetljeno stanje unutarnje kontemplacije prekrasno je prikazao nepoznati kipar. Ovaj realistički trend najjasnije je izražen u drvenoj skulpturi propovjednika Kuija, koju je izradio kipar Kosho u 13.-14. stoljeću. Propovjednik je odjeven kao lutajući prosjak sa štapom, gongom i maljem, a iz njegovih poluotvorenih usta izlaze male figure Bude. Nezadovoljan slikom redovnika koji pjeva, kipar je pokušao izraziti najdublje značenje njegovih riječi.
Slike Buddhe iz razdoblja Nara također se odlikuju velikim realizmom. Stvoreni za sve veći broj hramova, oni nisu tako nepokolebljivo hladni i suzdržani kao njihovi prethodnici, imaju dražesniju ljepotu i plemenitost i više su naklonjeni ljudima koji ih štuju.

Iz tog je razdoblja sačuvano vrlo malo slika. Višebojni crtež na papiru prikazuje prošli i sadašnji život Buddhe. Ovo je jedan od rijetkih drevnih primjera emakimona, ili slikanja svicima. Svici su se polako odmotali s desna na lijevo, a gledatelj je mogao uživati ​​samo u dijelu slike koji se nalazio između ruku koje su odmotavale svitak. Ilustracije su bile neposredno iznad teksta, za razliku od kasnijih svitaka, gdje se dio teksta izmjenjivao sa slikom koja objašnjava. U ovim najstarijim sačuvanim primjerima slikanja svicima, ocrtane figure postavljene su na pozadini jedva ocrtanog krajolika, a središnji lik, u ovom slučaju Syaka, pojavljuje se u raznim epizodama.

Rani Heian

(784-897). Godine 784. prijestolnica je privremeno premještena u Nagaoku, dijelom kako bi se izbjegla dominacija Narinog budističkog svećenstva. Godine 794. preselila se u Heian (danas Kyoto) na duže razdoblje. Kasno 8. i 9. stoljeće bili su razdoblje kada je Japan uspješno asimilirao, prilagođavajući se svojim karakteristikama, mnoge strane inovacije. I budistička religija je doživjela vrijeme promjena, pojavu novih sekti ezoteričnog budizma, sa svojim razvijenim ritualima i bontonom. Od njih su najutjecajnije bile sekte Tendai i Shingon, koje su nastale u Indiji, stigle do Kine, a odatle su ih u Japan donijela dvojica učenjaka koji su se nakon dugog naukovanja vratili u svoju domovinu. Sekta Shingon ("Prave riječi") bila je posebno voljena na dvoru i brzo je zauzela dominantan položaj. Njegovi glavni samostani nalazili su se na planini Koya blizu Kyota; poput drugih važnih budističkih središta, postali su skladište golemih zbirki spomenika umjetnosti.

Skulptura 9.st. bila uglavnom drvena. Slike božanstava odlikovale su se strogošću i nedostupnom veličinom, što je naglašeno svečanošću njihovog izgleda i masivnosti. Draperije su bile vješto izrezane prema standardnim uzorcima, šalovi su ležali u valovima. Stojeći Shakijev lik iz hrama u Murojiju primjer je ovog stila. Za ovu i slične slike 9.st. karakterizira kruto rezbarenje s dubljim, jasnim naborima i drugim detaljima.

Povećanje broja bogova stvorilo je velike poteškoće umjetnicima. U složenim mandalama nalik karti (geometrijski dizajn s magičnim značenjem), božanstva su bila hijerarhijski raspoređena oko središnje postavljenog Bude, koji je sam bio samo jedna manifestacija apsoluta. U to vrijeme pojavio se novi način prikazivanja likova božanstava čuvara okruženih plamenom, strašnog izgleda, ali blagotvorne prirode. Ta su božanstva bila raspoređena asimetrično i prikazana u pokretnim pozama, sa zastrašujućim crtama lica, žestoko štiteći vjeru od mogućih opasnosti.

Srednji i kasni Heian, ili razdoblje Fujiwara

(898-1185). Prijenos prijestolnice u Heian, kojim se željelo izbjeći teškim zahtjevima svećenstva, uzrokovao je i promjene u političkom sustavu. Plemstvo je bilo dominantna snaga, a obitelj Fujiwara postala je njezin najkarakterističniji predstavnik. Razdoblje 10-12 stoljeća. često povezuju s ovim imenom. Započelo je razdoblje osobite moći, kada se pravim carevima "vrlo savjetovalo" da ostave po strani državne poslove radi ugodnijeg bavljenja poezijom i slikarstvom. Do punoljetnosti cara je vodio strogi regent - obično iz obitelji Fujiwara. Bilo je to doba luksuza i izvanrednih postignuća u književnosti, kaligrafiji i umjetnosti; sve je djelovalo tromo i emotivno, što je rijetko dosezalo dubinu, ali u cjelini je bilo šarmantno. Elegantna sofisticiranost i eskapizam odrazili su se u umjetnosti tog vremena. Čak su i pristaše budizma tražili lakše načine, a osobito je postalo popularno štovanje nebeskog Buddhe, Amide. Pojmovi suosjećanja i spasonosne milosti Buddhe Amide duboko su se odrazili u slikarstvu i skulpturi ovog razdoblja. Masivnost i suzdržanost kipova 9.st. u 10-11 stoljeću. ustupio mjesto blaženstvu i šarmu. Božanstva su prikazana snena, zamišljeno smirena, rezbarija postaje manje duboka, površina postaje šarenija, s bogato razvijenom fakturom. Najvažniji spomenici ovog razdoblja pripadaju kiparu Jochou.
Djela umjetnika također su dobila mekša svojstva, podsjećajući na crteže na tkanini, pa čak i strašna božanstva - branitelji vjere postali su manje zastrašujući. Sutre (budistički tekstovi) ispisane su zlatom i srebrom na tamnoplavom papiru, finoj kaligrafiji teksta često prethode male ilustracije. Najviše popularna odredišta Budizam i s njima povezana božanstva odražavaju sklonosti aristokracije i postupno odstupanje od surovih ideala ranog budizma.

Atmosfera tog vremena i njegova djela dijelom su povezani s prekidom formalnih odnosa s Kinom 894. Budizam u Kini u to je vrijeme bio progonjen, a korumpirani Tang dvor bio je u stanju opadanja. Postojanje na osamljenom otoku koje je uslijedilo nakon ove nepovezanosti potaknulo je Japance da se okrenu vlastitoj kulturi i razviju novi, čistiji japanski stil. Doista, svjetovno slikarstvo 10.-12.st. bio gotovo posve japanski – i po tehnici i po kompoziciji i zapletima. Posebnost ovih japanskih svitaka, zvanih yamato-e, bila je prevlast engi zapleta (podrijetlo, povijest). Dok su kineski svici najčešće prikazivali nepreglednu čudesnu prirodu, panorame planina, potoka, stijena i drveća, a ljudi djelovali relativno beznačajno, na narativnim svicima Japanaca u crtežu i tekstu glavna je bila osoba. Pejzaž je imao samo ulogu pozadine ispričane priče, podređene glavnom glumačka osoba ili osobe. Mnogi svici bili su oslikane kronike života poznatih budističkih propovjednika ili povijesnih osoba, njihovih putovanja i vojnih pohoda. Drugi su pričali o romantičnim epizodama iz života plemstva i dvorjana.

Očito idiosinkratičan stil ranih svitaka proizašao je iz jednostavnih skica tintom na stranicama budističkih bilježnica. Riječ je o vještim crtežima koji karikiraju ljudsko ponašanje kroz slike životinja: majmun u redovničkoj odjeći obožava napuhanu žabu, nadmetanje zečeva, majmuna i žaba. Ovi i drugi kasni Heian svici pružili su osnovu za složenije narativne svitke razvijenog stila 13. i 14. stoljeća.

Kamakura razdoblje

(1185-1392). Kasno 12. stoljeće donio je ozbiljne promjene u politički i vjerski život Japana i, naravno, u njegovu umjetnost. Elegancija i estetizam dvora iz Kyota zamijenjeni su ili su, u tradiciji "posebne" vladavine, "dobili dodatak" u obliku nove, oštre i hrabre vladavine - Kamakura šogunata. Iako je Kyoto nominalno ostao glavni grad, šogun Minamoto no Yoritomo (1147.-1199.) uspostavio je svoje sjedište u gradu Kamakura i u samo 25 godina uspostavio kruti sustav vojne diktature i feudalizma. Budizam, koji je postao toliko složen i ritualiziran da je bio neshvatljiv običnim laicima, također je doživio veliku promjenu koja nije obećavala pokroviteljstvo umjetnosti. Sekta Yodo ("Čista zemlja"), oblik štovanja Buddhe Amide, pod vodstvom Honen Shonina (1133.-1212.) reformirala je hijerarhiju buda i božanstava i dala nadu u spasenje svima koji su jednostavno vjerovali u Amidu. Ovu doktrinu o lako dostižnom raju kasnije je pojednostavio drugi redovnik, Shinran (1173-1262), utemeljitelj sekte Shin, koji je prepoznao da je Amidina popustljivost toliko velika da nema potrebe za obavljanjem vjerskih radnji, dovoljno je samo ponoviti čaroliju "Namu Amida Butsu" (prva riječ znači "podvrgnuti se"; druge dvije su "Buddha Amida"). Takav jednostavan način spašavanja duše bio je iznimno privlačan, a sada ga milijuni koriste. Generaciju kasnije, militantni propovjednik Nichiren (1222-1282), po kojem je sekta dobila ime, napustio je ovaj pojednostavljeni oblik religije. Njegovi su sljedbenici štovali Lotos sutru, koja nije obećavala trenutno i bezuvjetno spasenje. Njegove su se propovijedi često doticale političkih tema, a njegova su se uvjerenja i predložene reforme crkve i države svidjeli novoj ratničkoj klasi u Kamakuri. Konačno, filozofija zena, nastala već u 8. stoljeću, počela je igrati sve veću ulogu u budističkoj misli tog razdoblja. Zen je naglašavao važnost meditacije i prezira prema bilo kakvim slikama koje bi mogle spriječiti čovjeka u njegovoj potrazi za povezivanjem s Bogom.

Dakle, bilo je to vrijeme kada je religijska misao ograničila broj slika i skulptura koje su prije bile potrebne za bogoslužje. Ipak, neka od najboljih djela japanske umjetnosti nastala su tijekom razdoblja Kamakura. Poticaj je bila inherentna japanska ljubav prema umjetnosti, ali ključ zagonetke je stav ljudi prema novim vjerovanjima, a ne dogma kao takva. Dapače, sama djela sugeriraju razlog njihova nastanka, jer mnoge od ovih skulptura i slika punih života i energije su portreti. Iako je zen filozofija možda smatrala obične predmete religijskog obožavanja zaprekom prosvjetljenju, tradicija štovanja učitelja bila je sasvim prihvatljiva. Sam portret nije mogao biti predmet obožavanja. Ovakav stav prema portretu nije bio jedinstven za zen budizam: mnogi propovjednici sekte Čiste zemlje bili su štovani gotovo poput budističkih božanstava. Zahvaljujući portretu, pojavio se čak i novi arhitektonski oblik - mieido ili portretna kapela. Nagli razvoj realizma bio je posve u duhu vremena.
Unatoč činjenici da su slikoviti portreti svećenika, očito, doista bili slike konkretni ljudi, često su bile prerade slika koje su prikazivale kineske utemeljitelje budizma. Bili su naslikani kako propovijedaju, otvorenih usta, gestikulirajućih ruku; ponekad su redovnici prosjaci prikazivani kako čine težak put za slavu vjere.

Jedan od najpopularnijih zapleta bio je raigo (željeni dolazak), koji je prikazivao Budu Amidu sa svojim drugovima kako se spušta na oblaku kako bi spasio dušu vjernika na samrti i prenio je u raj. Boje takvih slika često su bile pojačane apliciranim zlatom, a valovite linije, lepršavi ogrtači, uskovitlani oblaci davali su dojam pokreta silasku Bude.

Unkei, koji je djelovao u drugoj polovici 12. i početkom 13. stoljeća, autor je inovacije koja je olakšala rezbarenje drva, koje je ostalo omiljeni materijal kipara tijekom razdoblja Kamakura. Prije je majstor bio ograničen veličinom i oblikom palube ili trupca iz kojeg je figura izrezana. Ruke i odjevni elementi postavljani su zasebno, ali je gotov komad često podsjećao na izvorni cilindrični oblik. U novoj tehnici deseci malih dijelova pažljivo su pristajali jedan uz drugi, tvoreći šuplju piramidu, iz koje su šegrti mogli grubo izrezati figuru. Kipar je imao na raspolaganju podatniji materijal i mogućnost stvaranja složenijih oblika. Mišićavi čuvari hramova i božanstva u lepršavim pelerinama i haljinama djelovali su življi i zato što su im se u očne duplje počeli umetati kristal ili staklo; kipovi su se počeli ukrašavati pozlaćenom broncom. Postali su lakši i manje je vjerojatno da će pucati kako se drvo sušilo. Spomenuti drveni kip Kuya Shonina, rad Unkeijeva sina Koshoa, predstavlja najviši domet realizma Kamakura ere u portretnoj skulpturi. Doista, skulptura je u to vrijeme dosegla vrhunac u svom razvoju, a kasnije više nije zauzimala tako istaknuto mjesto u umjetnosti.

I svjetovno slikarstvo odražavalo je duh vremena. Narativni svici kasnog razdoblja Heian, u suzdržanim bojama i gracioznim linijama, govorili su o romantičnim izletima princa Genjija ili zabavama povučenih dvorskih dama. Sada su jarkim bojama i energičnim potezima umjetnici Kamakura ere prikazivali bitke zaraćenih klanova, palače progutane plamenom i uplašene ljude koji su bježali pred napadačkim trupama. Čak i kad se na svitku odvijala religijska priča, slika nije bila toliko ikona koliko povijesni dokaz o putovanjima svetih ljudi i čudima koja su činili. U oblikovanju ovih parcela može se pronaći sve veća ljubav prema prirodi i divljenje zavičajnim krajolicima.

Muromachi, ili Ashikaga razdoblje

(1392-1568). Godine 1392., nakon više od 50 godina sukoba, treći šogun iz obitelji Ashikaga, Yoshimitsu (1358.-1408.), ponovno je ujedinio zemlju. Sjedište vlade ponovno je postao nominalni glavni grad Kyoto, gdje su šoguni Ashikaga izgradili svoje palače u četvrti Muromachi. (Ovo razdoblje ponekad se naziva Muromachi, ponekad Ashikaga.) Ratno vrijeme nije poštedjelo mnoge hramove - spremišta japanske umjetnosti, koji su spaljeni zajedno s blagom koje se tamo nalazilo. Zemlja je bila ozbiljno razorena, a čak je i mir donio malo olakšanja, jer su zaraćeni klanovi, u svom uspjehu, dijelili usluge prema vlastitoj želji. Čini se da je situacija bila izrazito nepovoljna za razvoj umjetnosti, ali u stvarnosti su je šoguni Ashikaga pokroviteljili, osobito u 15. i 16. stoljeću, kada je slikarstvo procvalo.

Najznačajnija umjetnost tog vremena bili su jednobojni pjesnički crteži tušem potaknuti zen budizmom i pod utjecajem kineskih dizajna dinastija Song i Yuan. Za vrijeme dinastije Ming (1368.-1644.) obnovljeni su kontakti s Kinom, a Yoshimitsu, kolekcionar i pokrovitelj umjetnosti, poticao je sakupljanje i proučavanje kineskog slikarstva. Postala je uzorom i polazištem darovitih umjetnika koji su laganim i tečnim potezom kista slikali krajolike, ptice, cvijeće, likove svećenika i mudraca. Japansko slikarstvo ovoga vremena karakterizira ekonomičnost linije; umjetnik kao da izvlači suštinu prikazanog zapleta, dopuštajući gledateljevom pogledu da ga ispuni detaljima. Prijelazi sive i sjajne crne tinte na ovim slikama vrlo su bliski filozofiji zena, koja je, naravno, inspirirala njihove autore. Iako je ova vjera postigla značajan utjecaj čak i pod vojnom moći Kamakure, nastavila se brzo širiti u 15. i 16. stoljeću, kada su nastali brojni zen samostani. Propovijedajući uglavnom ideju "samospasenja", ono nije povezivalo spasenje s Budom, već se oslanjalo na strogu samodisciplinu čovjeka kako bi postigao iznenadno intuitivno "prosvjetljenje" koje ga sjedinjuje s apsolutom. Štedljiva, ali hrabra upotreba tuša i asimetrična kompozicija, u kojoj su neobojeni dijelovi papira imali značajnu ulogu u prikazivanju idealiziranih krajolika, mudraca i znanstvenika, bili su u skladu s tom filozofijom.

Jedan od najpoznatijih predstavnika sumi-ea, stila monokromnog slikanja tušem, bio je Sesshu (1420.-1506.), zen svećenik čiji mu je dug i plodan život osigurao kontinuirano štovanje. Potkraj života počeo se služiti stilom haboku (brza tuš), koji je, za razliku od zrelog stila koji je zahtijevao jasne, štedljive poteze, doveo tradiciju monokromnog slikanja gotovo do apstrakcije.
Djelovanje umjetničke obitelji Kano i razvoj njihova stila padaju u isto razdoblje. Po izboru tema i upotrebi tuša bio je blizak kineskom, ali je po izražajnim sredstvima ostao japanski. Kano je, uz potporu šogunata, postao "službena" škola ili umjetnički stil slikanja i cvjetao je sve do 19. stoljeća.

Naivna tradicija yamato-e nastavila je živjeti u djelima škole Tosa, drugog važnog pravca japanskog slikarstva. Zapravo, u to su vrijeme obje škole, Kano i Tosa, bile blisko povezane, spajao ih je interes za suvremeni život. Motonobu Kano (1476-1559), jedan od izvanrednih umjetnika ovog razdoblja, ne samo da je udao svoju kćer za poznatog umjetnika Tošu, nego je i slikao u njegovoj maniri.

U 15-16 stoljeću. bilo je samo nekoliko spomena vrijednih kiparskih djela. Treba, međutim, napomenuti da je razvoj noo drame, sa svojom raznolikošću raspoloženja i emocija, kiparima otvorio novo polje djelovanja - oni su rezbarili maske za glumce. U klasičnoj japanskoj drami koju izvodi aristokracija i za nju, glumci (jedan ili više) nosili su maske. Prenijeli su niz osjećaja od straha, tjeskobe i zbunjenosti do suzdržane radosti. Neke su maske bile tako izvrsno izrezbarene da je i najmanji okret glumčeve glave izazivao suptilne promjene u izrazu lica. Izvanredne primjerke ovih maski godinama čuvaju obitelji za čije su članove izrađene.

Momoyama razdoblje

(1568-1615). Godine 1593. veliki vojni diktator Hideyoshi sagradio je svoj dvorac na Momoyami, "Brdu breskve", a pod tim nazivom uobičajeno je označiti razdoblje od 47 godina od pada Ashikaga šogunata do uspostave Tokugawa ili Edo razdoblja. , 1615. godine. Bilo je to vrijeme prevlasti sasvim novog vojnog staleža, čije je veliko bogatstvo pridonijelo procvatu umjetnosti. Impresivni dvorci s velikim dvoranama za publiku i dugim hodnicima ušli su u modu krajem 16. stoljeća. i zahtijevali ukrase primjerene njihovoj veličini. Bilo je to vrijeme strogih i hrabrih ljudi, a nove mecene, za razliku od nekadašnje aristokracije, nisu posebno zanimale intelektualne bavljenja ili suptilnosti zanatskog umijeća. Srećom, nova generacija umjetnika opravdala je svoje pokrovitelje. Tijekom tog razdoblja pojavili su se prekrasni zasloni i pomični paneli u jarkim grimiznim, smaragdnim, zelenim, ljubičastim i plavim bojama. Takve bujne boje i ukrasni oblici, često na podlozi od zlata ili srebra, bili su vrlo popularni stotinjak godina, a njihovi tvorci s pravom su nazivani "velikim dekoratorima". Zahvaljujući suptilnom japanskom ukusu, pompozni stil nije se izrodio u vulgarnost, a čak i kada su suzdržanost i nedorečenost ustupili mjesto luksuzu i ukrasnim ekscesima, Japanci su uspjeli zadržati eleganciju.

Eitoku Kano (1543.-1590.), jedan od prvih velikih umjetnika ovoga razdoblja, djelovao je u stilu Kana i Tose, proširujući koncepciju crteža prvoga i spajajući ga s bogatstvom boja drugoga. Iako je sačuvano samo nekoliko djela čiji se Eitoku sa sigurnošću može identificirati kao autor, on se smatra jednim od utemeljitelja stila Momoyama, a većina umjetnika ovog razdoblja bili su njegovi učenici ili su bili pod njegovim utjecajem.

Edo ili Tokugawa razdoblje

(1615-1867). Dugo razdoblje mira koje je nastupilo u novoujedinjenom Japanu naziva se ili Tokugawa vrijeme, prema imenu vladara, ili Edo (moderni Tokio), budući da je 1603. ovaj grad postao novo središte moći. Dvojica slavnih generala kratkog Momoyaminog razdoblja, Oda Nobunaga (1534.-1582.) i Toyotomi Hideyoshi (1536.-1598.), vojnom su akcijom i diplomacijom konačno uspjeli pomiriti moćne klanove i militantni kler. Hideyoshijevom smrću 1598. vlast je pripala Ieyasu Tokugawi (1542.-1616.), koji je dovršio zajednički započete mjere. Odlučujuća bitka kod Sekigahare 1600. učvrstila je Ieyasuov položaj, pad dvorca Oska 1615. popraćen je konačnim slomom kuće Hideyoshi i uspostavom nepodijeljene vladavine šogunata Tokugawa.

Miroljubiva vladavina Tokugawa trajala je 15 generacija i završila tek u 19. stoljeću. Bilo je to zapravo razdoblje politike "zatvorenih vrata". Dekretom iz 1640. strancima je zabranjen pristup Japanu, a Japanci nisu mogli putovati u inozemstvo. Jedina trgovačka i kulturna veza bila je s Nizozemcima i Kinezima preko luke Nagasaki. Kao iu drugim razdobljima izolacije, dolazi do porasta nacionalnih osjećaja i pojave krajem 17.st. takozvana škola žanrovskog slikarstva i graviranja.
Brzo rastući glavni grad Edo postao je središte ne samo političkog i poslovnog života otočkog carstva, već i središte umjetnosti i obrta. Zahtjev da daimyo, pokrajinski feudalni gospodari, budu u glavnom gradu određeni dio svake godine stvorio je potrebu za novim zgradama, uključujući zgrade palača, a time i za umjetnicima koji bi ih ukrašavali. Klasa bogatih, ali nearistokratskih trgovaca koja je istodobno nastajala, pružala je novo i često neprofesionalno pokroviteljstvo umjetnicima.

Umjetnost ranog Edo razdoblja djelomično nastavlja i razvija Momoyama stil, pojačavajući njegove težnje prema luksuzu i sjaju. Bogatstvo bizarnih slika i polikromije naslijeđeno iz prethodnog razdoblja nastavlja se razvijati. Taj je dekorativni stil doživio vrhunac u posljednjoj četvrtini 17. stoljeća. u tzv. Genroku doba Tokugawa razdoblja (1688-1703). U japanskoj dekorativnoj umjetnosti nema paralele u ekstravaganciji i bogatstvu boja i ukrasnih motiva u slikarstvu, tkaninama, lakovima, u umjetničkim sitnicama - atributima luksuznog načina života.

Budući da je riječ o relativno kasnom razdoblju povijesti, ne čudi da su imena mnogih umjetnika i njihova djela sačuvana; ovdje je moguće navesti samo neke od najistaknutijih. Među predstavnicima dekorativne škole koji su živjeli i radili tijekom razdoblja Momoyama i Edo su Honnami Koetsu (1558-1637) i Nonomura Sotatsu (u. 1643). Njihov rad pokazuje izvanredan osjećaj za uzorak, kompoziciju i boju. Koetsu, talentirani keramičar i lakir, bio je poznat po ljepoti svoje kaligrafije. Zajedno sa Sotatsuom stvorili su pjesme u svicima koje su bile moderne u to vrijeme. U tom spoju književnosti, kaligrafije i slikarstva slike nisu bile samo ilustracije: one su stvarale ili sugerirale raspoloženje primjereno percepciji teksta. Ogata Korin (1658.-1716.) bio je jedan od nasljednika dekorativnog stila koji je zajedno sa svojim mlađim bratom Ogatom Kenzanom (1663.-1743.) usavršio njegovu tehniku. Kenzan, poznatiji kao keramičar nego kao umjetnik, pekao je posude s nacrtima svog slavnog starijeg brata. Oživljavanje ove škole početkom 19.st. pjesnika i slikara Sakaija Hoitsua (1761.-1828.) bio je posljednji uzlet u dekorativnom stilu. Horitsuovi prekrasni svici i zasloni kombinirali su Korinov smisao za crtanje sa interesom Maruyaminog naturalizma za prirodu, što je rezultiralo bogatstvom boja i ukrasnih motiva ranijeg razdoblja, ublaženih sjajem i finoćom poteza kistom.

Uz polikromni dekorativni stil, tradicionalno crtanje tušem u Kano školi i dalje je bilo popularno. Godine 1622. Kanō Tanyu (1602.-1674.) imenovan je dvorskim slikarom šoguna i pozvan u Edo. Njegovim imenovanjem na tu dužnost i osnivanjem Edo škole slikarstva Kano u Kobikitu, započelo je polustoljetno razdoblje umjetničkog vodstva ove tradicije, koje je obnovilo ugled obitelji Kano i učinilo djela Edo razdoblja najistaknutijim. značajan u kano slikarstvu. Unatoč popularnosti paravana obojenih zlatom i jarkim bojama, koje su stvarali "veliki dekorateri" i rivali, Tangyu je, zahvaljujući snazi ​​svog talenta i službenog položaja, uspio među plemstvom popularizirati slikarstvo oživljene škole Kano. Tanyu je dodao snagu i jednostavnost tradicionalnim značajkama škole Kano, temeljenoj na krutoj izlomljenoj liniji i dobro promišljenom rasporedu elemenata kompozicije na velikoj slobodnoj površini.

Krajem 18. stoljeća počeo je prevladavati novi trend, kojemu je glavno obilježje bilo zanimanje za prirodu. Maruyama Okyo (1733-1795), voditelj nove škole, bio je seljak, zatim je postao svećenik i konačno umjetnik. Prva dva razreda nisu mu donijela sreću ni uspjeh, ali je kao umjetnik dosegao velike visine i smatra se utemeljiteljem realističke škole Maruyama. Studirao je kod majstora škole Kano, Ishide Yuteija (umro oko 1785.); na temelju uvezenih nizozemskih gravura shvaćao je zapadnjačku tehniku ​​perspektivnog prikaza, a katkada te gravure jednostavno kopirao. Također je proučavao kineske stilove iz dinastija Song i Yuan, uključujući suptilan i realističan stil Chen Xuana (1235.-1290.) i Shen Nanpinga; potonji je živio u Nagasakiju početkom 18. stoljeća. Okyo je izradio mnoga djela iz prirode, a njegova su znanstvena zapažanja bila temelj za percepciju prirode na kojoj se temeljila škola Maruyama.

Osim zanimanja za naturalizam u 18.st. obnovljeni utjecaj kineske umjetničke tradicije. Predstavnici ovog pravca gravitirali su prema slikarskoj školi znanstvenika slikara Ming (1368.-1644.) i Qing (1644.-1912.), iako je njihovo razumijevanje današnjeg stanja umjetnosti u Kini vjerojatno bilo ograničeno. Umjetnost ove japanske škole zvala se bujinga (umjetnost obrazovanih ljudi). Jedan od najutjecajnijih majstora bujinga stila bio je Ikeno Taiga (1723.-1776.), poznati umjetnik i kaligraf. Njegov zreli stil karakteriziraju debele konturne linije ispunjene laganim pernatim potezima u svijetlim tonovima i tintom; također je slikao širokim, slobodnim potezima crne tinte, prikazujući debla bambusa pognuta na vjetru i kiši. Kratkim, zakrivljenim linijama postigao je efekt koji podsjeća na gravure u liku maglovitih planina iznad jezera okruženog šumom.
17. stoljeće iznjedrio još jedan izvanredan umjetnički pravac razdoblja Edo. To je takozvani ukiyo-e (slike svijeta koji se mijenja) - žanrovske scene stvorene od običnih ljudi i za njih. Rani ukiyo-e nastao je u staroj prijestolnici Kyotu i bio je uglavnom slikovit. No središte njihove proizvodnje ubrzo se seli u Edo, a pozornost majstora usmjerava na drvoreze. Bliska povezanost drvoreza s ukiyo-eom dovela je do pogrešnog uvjerenja da je drvorez otkriće ovog razdoblja; zapravo, nastao je u 11. stoljeću. Takve rane slike bile su zavjetne prirode, prikazujući utemeljitelje budizma i božanstva, a tijekom razdoblja Kamakura, neki narativni svici reproducirani su iz izrezbarenih blokova. No graverska umjetnost posebno je postala popularna u razdoblju od sredine 17. do 19. stoljeća.

Teme ukiyo-e gravura bile su lijepe kurtizane iz gay četvrti, omiljeni glumci i scene iz drama. Rani, tzv. primitivne gravure rađene su crnom bojom, s jakim ritmičkim valovitim linijama, a odlikovale su se jednostavnim dizajnom. Ponekad su bile ručno oslikane u narančasto-crvenu boju zvanu tan-e (jarko crvene slike), sa senf žutim i zelenim oznakama. Neki od "primitivnih" umjetnika koristili su ručno slikanje zvano urushu-e (slikanje lakom), u kojem su tamna područja pojačana i posvijetljena dodatkom ljepila. Rani polikromirani otisak, koji se pojavio 1741. ili 1742., zvao se benizuri-e (grimizni otisak) i obično je koristio tri boje - ružičasto crvenu, zelenu i ponekad žutu. Zaista višebojne gravure, koje koriste cijelu paletu i nazivaju se nishiki-e (slike od brokata), pojavile su se 1765. godine.

Osim izrade pojedinačnih grafika, mnogi od gravera ilustrirali su knjige i zarađivali izrađujući erotske ilustracije u knjigama i na svicima. Treba imati na umu da se ukiyo-e graviranje sastojalo od tri vrste aktivnosti: radilo se o radu crtača, čije je ime nosio otisak, rezbara i tiskara.

Hishikawa Moronobu (oko 1625.-1694.) smatra se utemeljiteljem tradicije stvaranja ukiyo-e grafika. Drugi "primitivni" umjetnici ovog pravca su Kiyomasu (1694-1716) i grupa Kaigetsudo (čudna zajednica umjetnika čije postojanje ostaje nejasno), kao i Okumura Masanobu (1686-1764).

Prijelazni umjetnici koji su stvorili benizuri-e grafike bili su Ishikawa Toyonobu (1711.-1785.), Torii Kiyohiro (aktivan oko 1751.-1760.) i Torii Kiyomitsu (1735.-1785.).

Djela Suzukija Harunobua (1725.-1770.) otvaraju eru polikromnog graviranja. Ispunjeni nježnim, gotovo neutralnim bojama, napučeni gracioznim damama i galantnim ljubavnicama, Harunobu printovi doživjeli su veliki uspjeh. Otprilike u isto vrijeme, Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) i Kitagawa Utamaro (1753-1806) radili su s njim. Svaki od njih pridonio je razvoju ovog žanra; majstori su donijeli gravure s prikazima dražesnih ljepotica i poznati glumci do savršenstva. U nekoliko mjeseci 1794.-1795., misteriozni Tosusai Saraku stvorio je zapanjujuće snažne i iskreno okrutne portrete glumaca tog vremena.

U prvim desetljećima 19.st ovaj je žanr dosegao zrelost i počeo propadati. Katsushika Hokusai (1760.-1849.) i Ando Hiroshige (1797.-1858.) najveći su majstori epohe, čiji rad povezuje pad umjetnosti graviranja u 19. stoljeću. i njezino novo oživljavanje početkom 20. stoljeća. Obojica su prvenstveno bili slikari pejzaža, bilježeći događaje modernog života u svojim gravurama. Briljantno majstorstvo tehnike rezbara i tiskara omogućilo je prenošenje hirovitih linija i najmanjih nijansi zalazećeg sunca ili magle koja se diže u zoru u gravuri.

Meiji restauracija i moderno razdoblje.

Često se događa da je drevna umjetnost jednog ili drugog naroda siromašna imenima, datumima i sačuvanim djelima, pa se bilo kakve prosudbe mogu donositi samo s velikim oprezom i konvencijama. No ništa manje nije teško prosuđivati ​​suvremenu umjetnost, budući da smo uskraćeni za povijesnu perspektivu kako bismo pravilno ocijenili razmjere bilo kojeg pokreta ili umjetnika i njegova djela. Proučavanje japanske umjetnosti nije iznimka, a najviše što se može učiniti jest prikazati panoramu suvremene umjetnosti i donijeti neke privremene preliminarne zaključke.

U drugoj polovici 19.st Japanske luke ponovno su otvorene za trgovinu, velike promjene dogodile su se na političkoj sceni. Godine 1868. ukinut je šogunat i obnovljena je vladavina cara Meijija. Službeni glavni grad i rezidencija cara preseljeni su u Edo, a sam grad je postao poznat kao Tokio (istočna prijestolnica).

Kao što se događalo u prošlosti, kraj nacionalne izolacije stvorio je veliko zanimanje za postignuća drugih naroda. U to su vrijeme Japanci napravili veliki skok u znanosti i tehnologiji. Umjetnički, početak Meiji ere (1868.-1912.) pokazuje prihvaćanje svega zapadnog, uključujući i tehnologiju. Međutim, taj žar nije dugo potrajao, a slijedilo ga je razdoblje asimilacije, pojava novih oblika, kombinirajući povratak vlastitoj tradiciji i novim zapadnjačkim trendovima.

Među umjetnicima slavu su stekli Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) i Tomioka Tessai (1836-1942). Prva tri su se držala tradicionalnog japanskog stila i tema, iako su nastojala pokazati originalnost u raspoloženju i tehnici. Seihō je, primjerice, radio u mirnoj i konzervativnoj atmosferi Kyota. Njegovo rani radovi stvoren u naturalističkoj maniri Maruyame, no kasnije je mnogo putovao Kinom i bio je pod dubokim utjecajem kineskog slikarstva tušem. Njegovi izleti u muzeje i vođenje umjetničkih centara Europa je također ostavila traga u njegovom radu. Od svih istaknutih umjetnika tog vremena samo je Tomioka Tessai bila blizu razvoja novog stila. U njegovim energičnim i snažnim djelima, grube, iskrivljene, nazubljene linije i mrlje crne tinte kombiniraju se s fino ispisanim mrljama boje. U kasnijim godinama, neki mladi slikari ulja uspjeli su tamo gdje njihovi djedovi nisu uspjeli. Prvi pokušaji rada s ovim neobičnim materijalom podsjećali su na pariška platna i nisu se odlikovali posebnom vrijednošću ili specifično japanskim obilježjima. No, sada nastaju djela iznimne privlačnosti u kojima kroz apstraktne teme blista osebujni japanski osjećaj za boju i ravnotežu. Drugi umjetnici, radeći s prirodnijom i tradicionalnom tintom i ponekad koristeći kaligrafiju kao polazište, stvaraju energične apstraktne komade u briljantnoj crnoj boji s nijansama sive.

Kao i u razdoblju Edo, u 19. i 20.st. kiparstvo nije bilo popularno. Ali na ovom području predstavnici moderne generacije, trenirao u Americi i Europi, eksperimentirao s velikim uspjehom. Male brončane skulpture, apstraktnog oblika i čudnih naziva, pokazuju japanski osjećaj za liniju i boju, koji se očituje u korištenju meke zelene ili tople smeđe patine; drvorez svjedoči o ljubavi Japanaca prema teksturi materijala.

Sosaku hanga, japanski "kreativni print", pojavio se tek u prvom desetljeću 20. stoljeća, ali je kao poseban umjetnički pravac zasjenio sva ostala područja moderne umjetnosti. Ovaj moderni otisak nije, strogo govoreći, nasljednik starijeg ukiyo-e drvoreza; razlikuju se po stilu, zapletima i metodama stvaranja. Umjetnici, od kojih su mnogi bili pod jakim utjecajem zapadnog slikarstva, shvatili su važnost vlastitog umjetnička baština te su u drvu pronašli odgovarajući materijal za izražavanje svojih kreativnih ideala. Hanga majstori ne samo da slikaju, već i rezbare slike na drvenim kockama i sami ih tiskaju. Iako je obrada drveta na vrhuncu u ovoj formi umjetnosti, koriste se sve moderne zapadne tehnike grafike. Eksperimentiranje s lišćem, uzicom i "pronađenim predmetima" u nekim slučajevima omogućuje stvaranje jedinstvenih efekata teksture površine. U početku su majstori ovog trenda bili prisiljeni tražiti priznanje: uostalom, čak su i najbolja postignuća škole ukiyo-e intelektualni umjetnici povezivali s nepismenom masom i smatrali ih plebejskom umjetnošću. Umjetnici kao što su Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi i Maekawa Senpan učinili su mnogo na vraćanju poštovanja prema grafici i uspostavili je kao vrijednu granu likovne umjetnosti. Privukli su mnoge mlade umjetnike u svoju grupu i gravera se sada broji u stotinama. Među majstorima ove generacije koji su stekli priznanje u Japanu i na Zapadu su Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen i Saito Kiyoshi. To su majstori čija su inovativnost i neporeciv talent omogućili da zauzmu dostojan položaj među vodećim umjetnicima Japana. Mnogi njihovi vršnjaci i drugi, mlađi hangaši također su izradili izvanredne gravure; to što ovdje ne spominjemo njihova imena ne znači nisku ocjenu njihovog rada.

UMJETNOST I PRIMIJENJENA UMJETNOST, ARHITEKTURA I VRTOVI

Prethodni dijelovi bavili su se uglavnom slikarstvom i kiparstvom, koji se u većini zemalja smatraju glavnim vrstama umjetnosti. likovne umjetnosti. Možda je nepravedno na kraju članka staviti dekorativnu umjetnost i narodni obrt, umjetnost vrtova i arhitekturu - oblike koji su bili važan i sastavni dio japanske umjetnosti. Međutim, možda, s izuzetkom arhitekture, oni zahtijevaju posebno razmatranje osim opća periodizacija Japanska umjetnost i s promjenama stila.

Keramika i porculan.

Najvažnija umjetnost i obrt u Japanu su keramika i porculan. Keramička umjetnost prirodno spada u dvije kategorije. Fini polikromirani porculan Imari, Nabeshima i Kakiemon ime je dobio po mjestima proizvodnje, a svojim bogatim slikanjem na krem ​​ili plavkasto-bijeloj površini bio je namijenjen plemstvu i dvorskim krugovima. Proces izrade pravog porculana postao je poznat u Japanu krajem 16. ili početkom 17. stoljeća; tanjuri i zdjele s glatkom glazurom, s asimetričnim ili brokatnim uzorkom, cijenjeni su i kod kuće i na Zapadu.

Za razliku od porculana u gruboj keramici od gline ili nekvalitetne kamene mase, karakterističnoj za Shino, Oribe i Bizen, pozornost je usmjerena na materijal, naizgled nemaran, ali promišljen raspored ukrasnih elemenata. Pod utjecajem koncepata zen budizma, takve su posude bile vrlo popularne u intelektualnim krugovima i naširoko su se koristile, osobito u ceremonijama čaja. U mnogim šalicama, čajnicima i čašama, atributima umjetnosti ceremonije čaja, utjelovljena je sama bit zen budizma: stroga samodisciplina i stroga jednostavnost. Tijekom procvata japanske dekorativne umjetnosti, talentirani umjetnici Korin i Kenzan bavili su se ukrašavanjem keramičkih proizvoda. Treba imati na umu da je slava Kenzana više povezana s njegovim talentom keramičara, a ne slikara. Neki od jednostavnijih tipova i tehnika izrade posuda potječu iz tradicije narodnog obrta. Moderne radionice, nastavljajući stare tradicije, proizvode prekrasne proizvode koji oduševljavaju svojom elegantnom jednostavnošću.

Proizvodi od laka.

Već u 7-8 st. lak je bio poznat u Japanu. Iz tog vremena sačuvani su poklopci kovčežića ukrašeni slikama ljudi i geometrijskim motivima apliciranim tankim zlatnim linijama. Već smo govorili o važnosti tehnike suhog lakiranja za kiparstvo u 8. i 9. stoljeću; u isto vrijeme, ali i kasnije, izrađivali su se ukrasni predmeti poput poštanskih sandučića ili kadionica. Tijekom razdoblja Edo ti su se proizvodi izrađivali u velikim količinama i s najveličanstvenijim ukrasima. Raskošno ukrašene kutije za doručak, za kolače, za tamjan i lijekove, nazvane inro, odražavale su bogatstvo i ljubav prema luksuzu svojstvenu ovom vremenu. Površina predmeta bila je ukrašena šarama od zlatnog i srebrnog praha, komadima zlatne folije, samostalno ili u kombinaciji s umetcima od školjki, sedefom, legurom kositra i olova itd.; ti uzorci bili su u kontrastu s lakiranom crvenom, crnom ili smeđom površinom. Ponekad su umjetnici poput Korina i Koetsua radili dizajne laka, ali malo je vjerojatno da su osobno sudjelovali u tim radovima.

Mačevi.

Japanci su, kao što je već rečeno, bili narod ratnika u značajnom razdoblju svoje povijesti; oružje i oklopi smatrani su bitnim predmetima za veliki dio stanovništva. Mač je bio ponos čovjeka; kako sama oštrica, tako i svi ostali dijelovi mača, a posebno drška (tsuba), ukrašavani su različitim tehnikama. Tsube od željeza ili bronce bile su ukrašene zlatnim i srebrnim umetcima, rezbarene ili obrubljene i jednim i drugim. Prikazivali su pejzaže ili likove ljudi, cvijeće ili obiteljske grbove (mon). Sve je to upotpunjavalo rad proizvođača mačeva.

Tkanine.

Svila i druge tkanine s bogatim uzorcima, omiljene na dvoru i svećenstvu u vremenima raskoši i izobilja, kao i jednostavne tkanine s gotovo primitivnim dizajnom karakterističnim za narodnu umjetnost, također su izraz nacionalnog japanskog talenta. Nakon što je dosegla svoj vrhunac tijekom bogate ere Genrokua, umjetnost tekstila ponovno je procvjetala u modernom Japanu. Kombinira ideje i umjetna vlakna sa Zapada s tradicionalnim bojama i ukrasnim motivima.

Vrtovi.

Posljednjih desetljeća, interes za japanske vrtove i arhitekturu porastao je zbog veće izloženosti zapadne javnosti tim oblicima umjetnosti. Vrtovi u Japanu imaju posebno mjesto; oni su izraz i simbol visokih religijskih i filozofskih istina, a ti opskurni, simbolični prizvuci, u kombinaciji s očitom ljepotom vrtova, pobuđuju zanimanje zapadnog svijeta. Ne može se reći da su religijske ili filozofske ideje bile glavni razlog stvarajući vrtove, no planer je pri planiranju i stvaranju vrta razmišljao o takvim elementima čije bi promišljanje navodilo gledatelja na razmišljanje o raznim filozofskim istinama. Ovdje je kontemplativni aspekt zen budizma utjelovljen u skupini neobičnog kamenja, valovima nagrijanog pijeska i šljunka, u kombinaciji s travnjakom ili biljkama raspoređenim tako da potok iza njih nestaje i ponovno se pojavljuje, a sve to potiče gledatelja da samostalno dovrši ideje za vrt postavljene tijekom izgradnje. Sklonost nejasnim natuknicama u odnosu na razumljiva objašnjenja karakteristična je za zen filozofiju. Bonsai patuljasta stabla i sićušni vrtovi u saksijama, sada popularni na Zapadu, postali su nastavak ovih ideja.

Arhitektura.

Glavni arhitektonski spomenici Japan čine hramovi, samostanski kompleksi, feudalni dvorci i palače. Od davnina do danas drvo je glavni građevinski materijal i u velikoj mjeri određuje značajke dizajna. Najstarije vjerske građevine su svetišta nacionalne japanske religije Shinto; Sudeći po tekstovima i crtežima, radilo se o relativno jednostavnim građevinama sa slamnatim krovom, poput antičkih nastambi. Zgrade hramova podignute nakon širenja budizma i povezane s njim bile su zasnovane na kineskim prototipovima u stilu i rasporedu. Arhitektura budističkih hramova mijenjala se tijekom vremena, a dekor i raspored zgrada varirao je u različitim sektama. Japanske građevine karakteriziraju velike dvorane s visokim krovovima i složenim sustavom konzola, a njihov dekor odražava ukus svog vremena. Jednostavna i veličanstvena arhitektura kompleksa Horyu-ji, izgrađenog u blizini Nare početkom 7. stoljeća, jednako je karakteristična za razdoblje Asuka kao i ljepota i elegancija proporcija Hoodoa, Ujijeve "dvorane Feniksa" koja se odražava u Lotosovom jezeru , iz razdoblja Heian. Složenije strukture razdoblja Edo dobile su dodatne ukrase u obliku bogato oslikanih kliznih vrata i paravana koje su izradili isti "veliki dekorateri" koji su ukrašavali interijere dvoraca s opkopom i feudalnih palača.

Arhitektura i vrtovi Japana toliko su blisko povezani da se mogu smatrati dijelovima jedni drugih. To posebno vrijedi za zgrade i vrtne kuće za ceremoniju čaja. Njihova otvorenost, jednostavnost i pomno osmišljena povezanost s krajolikom i perspektivom imaju veliki utjecaj na moderna arhitektura Zapad.

UTJECAJ JAPANSKE UMJETNOSTI NA ZAPADU

Za samo jedno stoljeće, umjetnost Japana postala je poznata na Zapadu i imala značajan utjecaj na njega. Bilo je i ranijih kontakata (primjerice, Nizozemci su s Japanom trgovali preko luke Nagasaki), no predmeti koji su u 17. stoljeću dospjeli u Europu bili su uglavnom djela primijenjene umjetnosti - porculan i lakirano posuđe. Bili su željno skupljani kao zanimljivosti i kopirani na razne načine, ali ti ukrasni izvozi nisu odražavali bit i kvalitetu japanske umjetnosti i čak su Japancima dali nimalo laskavu ideju o zapadnjačkom ukusu.

Prvi put je zapadno slikarstvo doživjelo izravan utjecaj japanske umjetnosti u Europi 1862. godine tijekom velike Međunarodne izložbe u Londonu. Predstavljene na Pariškoj izložbi pet godina kasnije, japanske grafike u drvetu pobudile su ponovno zanimanje. Odmah je nastalo nekoliko privatnih kolekcija gravira. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh i drugi uzeli su japanske grafike u boji kao otkrovenje; često se primjećuje blagi, ali uvijek prepoznatljiv utjecaj japanske grafike na impresioniste. Amerikance Whistlera i Mary Cassatt privukla je suzdržanost linija i svijetle boje ukiyo-e grafika i slika.

Otvaranje Japana strancima 1868. stvorilo je fascinaciju svim zapadnjačkim stvarima i natjeralo Japance da se okrenu od vlastite bogate kulture i umjetničkog naslijeđa. U to su vrijeme mnoge prekrasne slike i skulpture prodane i završile u zapadnim muzejima i privatnim zbirkama. Izložbe ovih predmeta upoznale su Zapad s Japanom i potaknule interes za putovanje na Daleki istok. Bez sumnje, okupacija Japana od strane američkih trupa na kraju Drugog svjetskog rata otvorila je više mogućnosti nego prije za upoznavanje i dublje proučavanje japanskih hramova i njihovog blaga. Taj se interes odrazio na posjećenost američkih muzeja. Zanimanje za Orijent općenito potaknuto je organiziranjem izložbi japanske umjetnosti odabrane iz japanskih javnih i privatnih zbirki te donesene u Ameriku i Europu.

Znanstveno istraživanje posljednjih desetljeća učinio je mnogo da pobije mišljenje da je japanska umjetnost samo odraz kineske umjetnosti, a brojne japanske publikacije o tome Engleski jezik upoznao Zapad s idealima Istoka.

Čini se da je moderna japanska umjetnička scena potpuno globalizirana. Umjetnici putuju između Tokija i New Yorka, gotovo svi su stekli europsko ili američko obrazovanje, govore o svom radu na međunarodnom umjetničkom engleskom jeziku. Međutim, ova slika je daleko od potpune.

Nacionalni oblici i trendovi pokazuju se jednom od najtraženijih dobara koje Japan može ponuditi svjetskom tržištu umjetničkih ideja i djela.

avionska operacija. Kako superflat spaja američku geek kulturu i tradicionalno japansko slikarstvo

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Ako je u zapadnom svijetu za gotovo sve (osim možda za najvatrenije postmoderne teoretičare) granica između visoke i masovne kulture još uvijek ostala relevantna, iako problematična, onda su u Japanu ti svjetovi potpuno izmiješani.

Primjer za to je Takashi Murakami, koji uspješno spaja izložbe u najboljim svjetskim galerijama i streaming produkciju.

Snimka turneje po Murakamijevoj izložbi "Bit će blaga kiša"

Međutim, Murakamijev odnos s popularnom kulturom – a za Japan je to prije svega kultura ljubitelja mange i animea (otaku) – je kompliciraniji. Filozof Hiroki Azuma kritizira shvaćanje otakua kao autentičnog japanskog fenomena. Otaku sebe smatraju izravno povezanim s tradicijama razdoblja Edo 17.-19. stoljeća - doba izolacionizma i odbacivanja modernizacije. Azuma tvrdi da je otaku pokret - temeljen na mangi, animaciji, grafičkim romanima, računalnim igrama - mogao nastati samo u kontekstu poslijeratne američke okupacije kao rezultat uvoza američke kulture. Umjetnost Murakamija i njegovih sljedbenika ponovno otkriva otaku tehnikama pop arta i razotkriva nacionalistički mit o autentičnosti tradicije. Predstavlja "reamerikanizaciju japanizirane američke kulture".

S umjetničke točke gledišta, superflat je najbliži ranom japanskom ukiyo-e slikarstvu. Najpoznatije djelo u ovoj tradiciji je grafika Veliki val kod Kanagawe Katsushike Hokusaija (1823–1831).

Za zapadni modernizam, otkriće japanskog slikarstva bilo je proboj. Omogućio je vidjeti sliku kao ravninu i ne nastoji prevladati tu njezinu osobitost, već raditi s njom.

Katsushiki Hokusai. "Veliki val kod Kanagawe"

Pioniri performansa. Što danas znači japanska umjetnost 1950-ih

Dokumentacija kreativnog procesa Akire Kanayame i Kazua Shiragija

Superflat se oblikovao tek 2000-ih. No, umjetničke akcije značajne za svjetsku umjetnost započele su u Japanu puno ranije - čak i ranije nego na Zapadu.

Performativni zaokret u umjetnosti dogodio se na prijelazu iz 60-ih u 70-e godine prošlog stoljeća. U Japanu se izvedba pojavila pedesetih godina.

Grupa Gutai prvi je put pomaknula fokus sa stvaranja samodostatnih objekata na proces njihove proizvodnje. Odavde - jedan korak do napuštanja umjetničkog objekta u korist efemernog događaja.

Iako su pojedinačni umjetnici iz Gutaija (a bilo ih je 59 u dvadesetak godina) aktivno egzistirali u međunarodnom kontekstu, shvaćajući kako je njihovo kolektivno djelovanje japanske poslijeratne umjetnosti uopće počelo na Zapadu tek nedavno. Procvat je došao 2013. s nekoliko izložbi u malim galerijama u New Yorku i Los Angelesu, Tokiju 1955.-1970.: Nova avangarda u MoMA-i i velikom povijesnom retrospektivom Gutai: Splendid Playground u muzeju Guggenheim. Čini se da je moskovski uvoz japanske umjetnosti gotovo zakašnjeli nastavak ovog trenda.

Sadamasa Motonaga. Rad (voda) u muzeju Guggenheim

Frapantno je koliko moderno izgledaju ove retrospektivne izložbe. Primjerice, središnji objekt izložbe u Guggenheimovom muzeju je rekonstrukcija Rada (vode) Sadamase Motonage, u kojoj su razine muzejske rotonde povezane polietilenskim cijevima s obojenom vodom. Podsjećaju na poteze kistom otrgnute s platna i služe kao primjer središnje Gutaijeve usredotočenosti na "konkretnost" (kako se naziv benda prevodi s japanskog), materijalnost predmeta s kojima umjetnik radi.

Mnogi članovi Gutaija stekli su obrazovanje vezano za klasično nihonga slikarstvo, mnogi su biografski vezani za religijski kontekst zen budizma, za njegovu karakterističnu japansku kaligrafiju. Svi su oni pronašli novi, proceduralni ili participativni pristup drevnim tradicijama. Kazuo Shiraga je snimio kako nogama crta svoje monokrome protiv Rauschenberga, pa čak i stvara slike u javnosti.

Minoru Yoshida pretvorio je cvijeće s japanskih grafika u psihodelične objekte - primjer za to je Biseksualni cvijet, jedna od prvih kinetičkih (pokretnih) skulptura na svijetu.

O političkom značaju ovih djela govore kustosi izložbe u muzeju Guggenheim:

"Gutai je pokazao važnost slobodnog individualnog djelovanja, rušenja očekivanja publike, pa čak i gluposti kao načina suprotstavljanja društvenoj pasivnosti i konformizmu koji je, tijekom desetljeća, omogućio militarističkoj vladi da stekne kritičnu masu utjecaja, izvrši invaziju na Kinu, a zatim uključiti se u Drugi svjetski rat."

Dobro i mudro. Zašto su umjetnici 1960-ih napustili Japan i otišli u Ameriku

Gutai je bio iznimka od pravila u poslijeratnom Japanu. Avangardne skupine ostale su marginalne, svijet umjetnosti bio je strogo hijerarhiziran. Glavni put do priznanja bilo je sudjelovanje na natjecanjima priznatih udruga klasičnih umjetnika. Stoga su mnogi radije otišli na Zapad i integrirali se u engleski umjetnički sustav.

Posebno je teško bilo ženama. Čak ni u progresivnom Gutaiju udio njihove prisutnosti nije dosezao ni petinu. Što možemo reći o tradicionalnim institucijama, za pristup kojima je bilo potrebno Posebna edukacija. Do šezdesetih godina djevojke su već stekle pravo na to, međutim, uče likovno (ako se nije radilo o dekorativnom, što je bio dio skupa vještina ryosai kenbo- dobra supruga i mudra majka) bilo je u društvu namršteno zanimanje.

Yoko Ono. izrezan komad

Priča o emigraciji pet moćnih japanskih umjetnica iz Tokija u Sjedinjene Države bila je tema studije Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi i Shigeko Kubota na početku svoje karijere odlučile su otići u New York i tamo radile, uključujući i modernizaciju tradicije japanske umjetnosti. Samo je Yoko Ono odrasla u SAD-u - ali je i ona namjerno odbila povratak u Japan, razočaravši se u umjetničku hijerarhiju Tokija tijekom svog kratkog boravka 1962.-1964.

Ono je postala najpoznatija od njih pet, ne samo kao supruga Johna Lennona, već i kao autorica protofeminističkih performansa posvećenih objektivizaciji ženskog tijela. Očite su paralele između Cut Piece It, u kojem je publika mogla odrezati komade umjetničine odjeće, i "Ritma 0" "bake performansa" Marine Abramović.

Na kratkim nogama. Kako proći autorski glumački trening Tadashi Suzuki

U slučaju Onoa i Gutaija metode i teme njihova rada, odvojene od autora, postaju međunarodno značajne. Postoje i drugi oblici izvoza - kada se umjetnikova djela percipiraju sa zanimanjem u međunarodnoj areni, ali do posuđivanja stvarne metode ne dolazi zbog njezine specifičnosti. Najupečatljiviji slučaj je sustav glumačkog treninga Tadashija Suzukija.

Kazalište Suzuki vole čak iu Rusiji - i to ne čudi. Posljednji put bio je s nama 2016. s predstavom Trojanke prema Euripidovim tekstovima, a 2000-ih je nekoliko puta dolazio s postavkama Shakespearea i Čehova. Suzuki je radnju drama prenio u aktualni japanski kontekst i ponudio neočigledna tumačenja tekstova: u Ivanovu je otkrio antisemitizam i usporedio ga s prezirnim odnosom Japanaca prema Kinezima, radnju Kralja Leara prenio na japanska ludnica.

Suzuki je izgradio svoj sustav nasuprot ruskoj kazališnoj školi. U potkraj XIX stoljeća, tijekom takozvanog razdoblja Meiji, modernizirajući imperijalni Japan doživio je uspon oporbenih pokreta. Rezultat je bila velika vesternizacija dotad krajnje zatvorene kulture. Među uvezenim formama bio je i sustav Stanislavskog, koji je i danas u Japanu (iu Rusiji) jedna od glavnih redateljskih metoda.

Suzuki vježbe

U šezdesetima, kada je Suzuki započeo svoju karijeru, sve se više širila teza da se japanski glumci zbog svojih tjelesnih osobina ne mogu naviknuti na uloge iz zapadnjačkih tekstova koje su punile tadašnji repertoar. Mladi redatelj uspio je ponuditi najuvjerljiviju alternativu.

Suzukijev sustav vježbi, nazvan gramatika nogu, uključuje desetke načina sjedenja, a još više načina stajanja i hodanja.

Njegovi glumci obično igraju bosi i doimaju se, spuštajući težište, što čvršće vezani za tlo, teški. Suzuki ih i strane izvođače podučava svojoj tehnici u selu Toga, u starim japanskim kućama prepunim moderne opreme. Njegova trupa daje samo oko 70 predstava godišnje, a ostatak vremena živi, ​​gotovo bez napuštanja sela i nema vremena za osobne poslove - samo radi.

Toga centar pojavio se sedamdesetih godina prošlog stoljeća, a projektirao ga je na zahtjev ravnatelja svjetski poznati arhitekt Arata Isozaka. Suzukijev sustav može izgledati patrijarhalan i konzervativan, ali on sam govori o Togi u modernim terminima decentralizacije. Još sredinom 2000-ih Suzuki je shvatio važnost izvoza umjetnosti iz glavnog grada u regije i organiziranja lokalnih proizvodnih točaka. Prema riječima redatelja, kazališna karta Japana u mnogočemu nalikuje ruskoj - umjetnost je koncentrirana u Tokiju i nekoliko manjih središta. Ruskom bi kazalištu također dobro došla trupa koja redovito ide na turneje po malim mjestima i nalazi se daleko od glavnog grada.

Centar tvrtke SCOT u Togi

Cvjetne staze. Koji je resurs moderno kazalište otkrilo u noh i kabuki sustavima

Suzuki metoda izrasta iz dvije drevne japanske tradicije – ali i kabukija. Ne samo da se ove vrste kazališta često karakteriziraju kao umjetnost hodanja, nego iu očiglednijim detaljima. Suzuki često slijedi pravilo o izvođenju svih uloga od strane muškaraca, koristi karakteristična prostorna rješenja, na primjer, hanamichi ("put cvijeća") kabuki uzorka - platforma koja se proteže od pozornice u dubinu gledališta. On također koristi prilično prepoznatljive simbole poput cvijeća i svitaka.

Naravno, u globalni svijet nema govora o privilegiji Japanaca da koriste svoje nacionalne oblike.

Kazalište jednog od najznačajnijih redatelja našeg doba, Amerikanca Roberta Wilsona, izgrađeno je na posudbama iz no.

Ne samo da koristi maske i šminku koja masovnu publiku podsjeća na Japan, već i posuđuje načine glume koji se temelje na maksimalnom usporavanju pokreta i samodostatnoj ekspresivnosti geste. Kombinirajući tradicionalne i ritualne forme s ultramodernim svjetlosnim partiturama i minimalističkom glazbom (jedno od Wilsonovih najpoznatijih djela je produkcija opere Einstein na plaži Philipa Glassa), Wilson u biti proizvodi sintezu podrijetla i relevantnosti kojoj teži veliki dio moderne umjetnosti .

Robert Wilson. "Einstein na plaži"

Iz noha i kabukija izrastao je jedan od stupova modernog plesa – butoh, u doslovnom prijevodu – ples tame. Izumljen 1959. godine od strane koreografa Kazua Onoa i Tatsumija Hijikate, koji se također oslanjao na nisko težište i koncentraciju na stopala, butoh se bavio prenošenjem refleksija iz traumatičnih ratnih iskustava u tjelesnu dimenziju.

“Prikazivali su tijelo bolesno, u kolapsu, čak monstruozno, monstruozno.<…>Pokreti su ili spori, ili namjerno oštri, eksplozivni. Za to se koristi posebna tehnika, kada se pokret izvodi kao da ne uključuje glavne mišiće, zahvaljujući koštanim polugama kostura,” povjesničarka plesa Irina Sirotkina upisuje butoh u povijest oslobađanja tijela, povezuje to uz odmak od baletne normativnosti. Uspoređuje buto s praksama plesača i koreografa s početka 20. stoljeća - Isadore Duncan, Marthe Graham, Mary Wigman, govori o utjecaju na kasniji "postmoderni" ples.

Fragment plesa Katsura Kana, modernog nasljednika tradicije butoha

Danas buto u izvornom obliku više nije avangardna praksa, već povijesna rekonstrukcija.

Međutim, rječnik pokreta koji su razvili Ohno, Hijikata i njihovi sljedbenici ostaje vrijedan izvor za suvremeni koreografi. Na Zapadu ga koriste Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky, pa čak iu spotu za pjesmu “Belong To The World” The Weekenda. U Japanu je nasljednik tradicije butoha, primjerice, Saburo Teshigawara, koji u listopadu dolazi u Rusiju. Iako on sam negira paralele s plesom tame, kritičari pronalaze prilično prepoznatljive znakove: tijelo naizgled bez kostiju, krhkost, bešumni korak. Istina, već su smješteni u kontekst postmodernističke koreografije - s visokim tempom, trkama, radom s postindustrijskom noise glazbom.

Saburo Teshigawara. metamorfoza

Lokalno globalno. Po čemu je suvremena japanska umjetnost slična zapadnoj?

Radovi Teshigawara i mnogih njegovih kolega organski se uklapaju u programe najboljih zapadnih festivala suvremenog plesa. Ako preletite opisima predstava i predstava koje su prikazane na Festivalu / Tokyo - najvećoj godišnjoj smotri japanskog kazališta, teško ćete uočiti temeljne razlike od europskih trendova.

Jedna od središnjih tema je specifičnost lokacije - japanski umjetnici istražuju prostore Tokija, u rasponu od nakupina kapitalizma u obliku nebodera do rubnih područja koncentracije otakua.

Druga tema je proučavanje međugeneracijskog nerazumijevanja, kazalište kao mjesto živog susreta i organizirane komunikacije ljudi različite dobi. Projekte posvećene njoj Toshike Okade i Akire Tanayame nekoliko su godina zaredom dovodili u Beč na jedan od ključnih europskih festivala izvedbenih umjetnosti. U prenošenju dokumentarnih materijala i osobnih priča na pozornicu do kraja 2000-ih nije bilo ništa novo, no kustosica Bečkog festivala te je projekte predstavila javnosti kao priliku za živi kontakt od točke do točke s drugim Kultura.

Druga glavna linija je rad na traumatičnom iskustvu. Za Japance to nije povezano s Gulagom ili holokaustom, već s bombardiranjem Hirošime i Nagasakija. Kazalište se stalno poziva na njega, ali najsnažniju izjavu o atomskim eksplozijama kao trenutku nastanka cjelokupne moderne japanske kulture ipak ima Takashi Murakami.

na izložbu “Little Boy: Umjetnost japanske supkulture koja eksplodira”

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” naslov je njegovog kustoskog projekta prikazanog u New Yorku 2005. godine. "Little Boy" - "beba" na ruskom - ime jedne od bombi bačenih na Japan 1945. godine. Skupljajući stotine manga stripova vodećih ilustratora, prepoznatljive vintage igračke, robu inspiriranu poznatim anime filmovima od Godzille do Hello Kitty, Murakami je gurnuo koncentraciju ljupkosti - kawaii - do granice u muzejskom prostoru. Istodobno je pokrenuo izbor animacija u kojima su središnje slike postale slike eksplozija, gole zemlje i razrušenih gradova.

Ovo protivljenje bila je prva velika izjava o infantilizaciji japanske kulture kao načinu suočavanja s posttraumatskim stresnim poremećajem.

Sada se ovaj zaključak čini već očiglednim. Na tome se temelji akademska studija o kawaiju Inuhika Yomote.

Postoje i kasniji traumatski okidači. Od najvažnijih - događaji od 11. ožujka 2011., potres i tsunami koji su doveli do velike nesreće u nuklearnoj elektrani Fukushima. Na Festivalu/Tokyo-2018 čitav program od šest predstava bio je posvećen razumijevanju posljedica prirodne i tehnološke katastrofe; postali su i tema jednog od radova predstavljenih na Solyanki. Ovaj primjer jasno pokazuje da se arsenal kritičkih metoda zapadnjačke i japanske umjetnosti ne razlikuje bitno. Haruyuki Ishii stvara instalaciju od tri televizijska uređaja koji brzo prolaze kroz montirane i petljane snimke iz televizijskih programa o potresu.

“Rad se sastoji od 111 videa koje je umjetnik svakodnevno gledao u vijestima sve do trenutka kada sve što je vidio više nije doživljavao kao fikciju”, objašnjavaju kustosi. Novi Japan rječit je primjer kako se umjetnost ne opire tumačenju temeljenom na nacionalnim mitovima, ali istovremeno kritički pogled otkriva da bi isto tumačenje moglo biti relevantno za umjetnost bilo kojeg podrijetla. Kustosi govore o kontemplaciji kao temelju japanske tradicije, oslanjajući se na citate iz Lao Tzua. Pritom, kao da izostavljamo iz zagrade da je gotovo sva suvremena umjetnost usmjerena na “efekt promatrača” (kako je izložba nazvana) - bilo u obliku stvaranja novih konteksta za percepciju poznatih fenomena ili u podizanju pitanje mogućnosti adekvatne percepcije kao takve.

Imagined Communities - još jedan rad video umjetnika Haruyukija Ishiija

igra

No, ne treba misliti da je Japan 2010-ih koncentracija progresivnosti.

Navike dobrog starog tradicionalizma i ljubavi prema orijentalističkoj egzotici još nisu nadživjele. "Kazalište djevica" naslov je prilično divljenja objavljenog članka o japanskom kazalištu "Takarazuka" u ruskom konzervativnom časopisu "PTJ". Takarazuka se pojavila krajem 19. stoljeća kao poslovni projekt za privlačenje turista u udaljeni istoimeni grad, koji je slučajno postao završna stanica privatne željeznice. U kazalištu igraju samo neudate djevojke koje su, prema riječima vlasnika željeznice, trebale izmamiti muške gledatelje u grad. Danas Takarazuka funkcionira kao industrija, s vlastitim TV kanalom, gustim koncertnim programom, čak i lokalnim zabavnim parkom. Ali samo neudane djevojke još uvijek imaju pravo biti u trupi - nadajmo se da barem ne provjeravaju djevičanstvo.

No, Takarazuka je blijeda u usporedbi s klubom Toji Deluxe u Kyotu, koji Japanci nazivaju i kazalištem. Pokazuju apsolutno divlje, sudeći po opis Kolumnist New Yorkera Ian Buruma, striptiz show: nekoliko golih djevojaka na pozornici pretvara demonstraciju genitalija u javni ritual.

Kao i mnogi umjetničke prakse, ova se predstava temelji na drevnim legendama (uz pomoć svijeće i povećala muškarci iz publike mogli su naizmjenično istraživati ​​“tajne božice majke Amaterasu”), a sam se autor podsjetio na noh tradiciju .

Potragu za zapadnim analogama za Takarazuki i Toji ostavit ćemo čitatelju - nije ih teško pronaći. Napominjemo samo da je značajan dio moderne umjetnosti usmjeren upravo na borbu protiv takvih praksi ugnjetavanja - kako zapadnjačkih tako i japanskih, u rasponu od superflata do butoh plesa.

Japan je vrlo zanimljiva država, poznata po raznim tradicijama i običajima. Zemljopisni položaj Zemlje izlazećeg sunca učinio ju je donekle izoliranom od drugih država, zahvaljujući čemu se razvila bez obzira na europske zemlje. Kultura Japana izuzetno je bogata i raznolika. Osebujne japanske tradicije nastale su pod utjecajem povijesti važni događaji. Postupno se Japan pretvorio u moćnu, kohezivnu državu s karakterističnim značajkama i određenim mentalitetom stanovništva.

Glavni aspekti japanske kulture

Kultura zemlje očituje se u mnogim sferama društva. U Japanu, njegovi aspekti su;

Proces ispijanja čaja za Japance nije jednostavno zadovoljenje fizioloških potreba tijela, već pravi kult. Ceremonija čaja u Japanu popraćena je posebnim atributima i sadrži puno tradicija. Čini se da je takav stav pun poštovanja prema svakodnevnom procesu razvio iz meditacije budističkih redovnika. Upravo su oni dali toliki značaj procesu ispijanja čaja.

Za Europljane, koncept "kimona" karakterizira nacionalnu odjeću Japana. Međutim, u samoj Zemlji izlazećeg sunca postoje dva značenja ove riječi – u užem i širem smislu. Riječ "kimono" u Japanu ne odnosi se samo na narodnu nošnju, već i na svu odjeću općenito. Ispod kimona, u pravilu, nosi se poseban ogrtač i sedam pojaseva. Kimono koji se nosi ljeti naziva se yukata. Ovisno o dobi žene, model odjeće također se može razlikovati.

U Japanu se uspješno propovijedaju dva vjerska pokreta odjednom - šintoizam i budizam. Šintoizam se pojavio u drevnom Japanu, temelji se na obožavanju raznih stvorenja. Budizam se pak dijeli na nekoliko varijanti. U Japanu postoje mnoge škole koje promoviraju jedan ili drugi trend budizma.

Rock vrtovi su od posebne važnosti u kulturi Japana. Oni nisu samo arhitektonska tvorevina koja privlači pažnju turista, već i mjesto duhovni rast. Ovdje Japanci pronalaze prosvjetljenje od kontemplacije kamenih struktura smještenih u posebnom redu. Rock vrtovi uključuju određeni plan, koji samo prosvijetljena osoba može razotkriti.

Tango no sekku je proslava u čast dječaka. Posvećena je ne samo svim malim muškim predstavnicima, već i muškosti i snazi ​​cijelog japanskog naroda. Uobičajeno je da se praznik slavi u proljeće, kada se priroda budi i oduševljava svojom ljepotom. Na dan tango no sekku o dječacima se brinu njihovi roditelji. Otac mora ispričati sinu o svim japanskim ratnicima i njihovim podvizima. A majka mu postavlja stol s ukusnom hranom.

Trešnjin cvijet smatra se najljepšim prirodnim fenomenom. Mnogi turisti dolaze ovamo samo kako bi uživali u promatranju cvjetnice. U proljeće se u parkovima Japana može vidjeti velika gomila ljudi. Mnoge obitelji idu na piknike i promatraju ljepotu stabla japanske trešnje.

Lukovi se mogu pripisati osebujnim tradicijama zemlje. Predstavljaju pravila lijepog ponašanja. Japanci nemaju običaj da se opraštaju, već se klanjaju onoliko puta koliko je to učinio sugovornik.

Samuraji predstavljaju određenu klasu društva koja se razvila pod utjecajem tradicije i običaja. Ima izravnu vezu s kulturom zemlje. Samuraji su ratnici koji obavljaju određenu službu, koja može biti vojna, zaštitarska ili kućanska. U svakom od ovih slučajeva, samuraji personificiraju hrabrost, muškost i plemenitost japanskog naroda.

Proces formiranja kulture starog Japana

Kultura drevnog Japana počela se razvijati rađanjem japanskog jezika i pisma. Zemlja izlazećeg sunca je osnovu za to posudila iz Kine. Japansko pismo također sadrži hijeroglife koje strani građanin neće moći razumjeti. S vremenom su se u japanski jezik počele dodavati nove riječi, glasovi i fraze. Pa se ipak potpuno transformirao zajedničke značajke s Kinom još uvijek se mogu pratiti.

Religioznost zemlje također potječe iz davnih vremena. Šintoizam je bio posljedica razvoja raznih mitologija. Na ovaj trenutak ovo učenje promiče kult vođa i mrtvih ljudi. Budizam, s druge strane, ima toliko duboke korijene da se mišljenja znanstvenika i povjesničara o nastanku ove vrste religije jako razlikuju.

japanska umjetnost

Gotovo sve vrste umjetnosti koje se prakticiraju u Japanu nose jednu glavnu ideju - smirenost i opuštenost. Upravo je sklad čovjeka sa samim sobom ono što sadrži umjetnost, bez obzira na način prezentiranja informacija. Mnoge umjetničke forme poznate diljem svijeta započele su svoj razvoj u Japanu. Među njima se može razlikovati origami - sposobnost savijanja različitih oblika od papira.

Još popularni dio Japanska umjetnost postala je ikebana. Riječ je o vještini formiranja buketa cvijeća posebnom tehnologijom. Odavde je došla jednako popularna aktivnost, koja se zove bonsai. Ovo je stvaranje raznih kompozicija od patuljastih stabala. U Omiyi, nedaleko od Tokija, postoji cijeli Bonsai park. Svako ovdje predstavljeno patuljasto stablo jedinstveno je i lijepo na svoj način.

Slike Japana zaslužit će poseban značaj, jer svaka slika nosi skriveno značenje. Kao dizajn, u pravilu se koriste svijetle boje, kontrastni prijelazi i jasne linije. Japan također ima umjetnost kaligrafije. To je vještina estetski lijepog pisanja hijeroglifa. U Japanu je raširena i primijenjena umjetnost. U Tokiju postoji cijeli muzej posvećen ovom zanatu. Ovdje možete vidjeti proizvode od papira, stakla ili metala. A ovo nije potpuni popis materijala koji se koriste u tu svrhu.

Japanski stil uređenja interijera također zaslužuje posebnu pozornost. Uključuje funkcionalnost i jednostavnost, uz originalnost izvedbe. Osim toga, dizajn interijera nosi religijsku filozofiju, kao i svaki drugi oblik japanske umjetnosti.

japanska arhitektura

Arhitektonske strukture u Japanu, na ovaj ili onaj način, povezane su s religijom. Zgrade hramova u početku su najčešće bile lišene cvijeća. To je bilo zbog korištenja neobojenog drva u gradnji. Kasnije su počeli koristiti crvene i plave nijanse.

Glavni materijal za arhitektonske građevine u Japanu smatra se drvetom. To je zbog činjenice da dionica ovaj resurs dovoljno velik u zemlji. Osim što stablo dobro provodi toplinu i upija vlagu, praktično je i tijekom potresa, koji se u Japanu često događaju. Ako je kamenu kuću vrlo teško ponovno stvoriti nakon uništenja, onda je drvena mnogo lakša.

Glavna značajka u arhitekturi Japana je prisutnost čak i geometrijskih oblika. Najčešće su to trokuti i pravokutnici. Gotovo je nemoguće zadovoljiti glatkoću i zaobljenost linija u bilo kojoj strukturi. Glavno načelo, na temelju kojeg Japanci opremaju svoje domove, je neodvojivo postojanje unutarnje i vanjske strane kuće. Ovo se odnosi na japanske vrtove. Oni bi trebali biti uređeni u potpuno istom stilu kao i sama kuća. Inače se smatra neukusom i potpunim neukusom. Japanci posvećuju posebnu pažnju svojim vrtovima.

Japanska glazba

U smislu glazbenog razvoja, Japan je gledao u druge zemlje, koristeći bilo koju glazbeni instrumenti. Ali kasnije ih je modernizirala pod utjecajem lokalnih ukusa i tradicije. Prvi utjecaj na formiranje klasične glazbe u Japanu bio je lokalni folklor Dengaku, pomiješan sa stranim utjecajima i iz kojeg je nastala glazba koja je trenutno poznata Japanu.

Glazbenom podrijetlu pridonijela je i vjerska strana pitanja. Zahvaljujući kršćanstvu počinje se širiti sviranje orgulja. I budizam je promovirao sviranje flaute.

Trenutno je klasična glazba stekla popularnost u Japanu. Mnogi članovi ove ćelije kreativnosti putuju izvan Japana. Među njima su Goto Midori, Ozawa Seiji i Uchida Mitsuko. Relativno nedavno u Japanu su otvorene dvorane dizajnirane za ugodno slušanje klasične glazbe. To uključuje Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard itd.

Kućne tradicije Japana

Japanci su dobro odgojen narod, poštujući svoje tradicije i običaje. Poštovanje sebe i drugih u Japanu se smatra normom. Djecu se od djetinjstva podučava normama lijepog ponašanja, objašnjavaju im osnovne vrijednosti japanskog naroda i prosvjetljuju ih na sve moguće načine. I sve je to za dobrobit društva. Svaki turist koji dođe u Zemlju izlazećeg sunca iz druge zemlje iznenadi se koliko su Japanci ljubazni, prijateljski raspoloženi i dobro odgojeni.

Za razliku od europskih zemalja, Japan već dugo ima zabranu pušenja na javnim mjestima. To vrijedi i za privatno vlasništvo. Pušenje u blizini drugih osoba dopušteno je samo uz njihovu suglasnost.

Između ostalog, Japanci se strogo pridržavaju svih pravila higijene koja im društvo diktira. Na primjer, u svakoj prostoriji, uključujući i vjerske objekte, postoje posebni slamnati tepisi. Ne možete hodati po njima u cipelama, smatraju se ne samo ukrasom interijera, već i pravim svetogrđem. Također, Japanci su se odlučili zaštititi od mogućih bakterija koje donose iz WC školjke na nogama. Na svakom javnom mjestu iu stanovima postoje posebne papuče za WC, koje ne dopuštaju prijenos štetnih klica u druge prostorije.

Prehrana za Japance ne smatra se procesom života, već pravim kultom. Japanci prije jela uvijek brišu ruke posebnim ručnikom namočenim u vodu, koji se zove oshibori. Postavljanje stola ne događa se nasumično, već prema posebnoj shemi. Čak svaki uređaj ima svoje mjesto. Japanci ih dijele na muške i ženske, a to im je jako važno. Žlice u Japanu koriste se samo za jelo o-zone juhe, koja se priprema za Novu godinu, Japanci radije piju ostala prva jela isključivo iz posebnih zdjelica. Štoviše, puckanje usnama tijekom obroka ne smatra se lošim oblikom. Vjeruje se da se na taj način bolje otkriva okus jela.

Važnost dobre forme u Japanu dokazuje prisutnost sljedećih pravila:

• Potrebno je unaprijed dogovoriti mjesto i vrijeme sastanka. Kašnjenje u Japanu smatra se drskim i izvan granica pristojnosti.
• Ne možete prekidati sugovornika, morate strpljivo čekati da osoba progovori, a zatim početi izražavati svoje mišljenje.
• Ako nazovete krivi broj, morate se ispričati.
• Ako vam je netko priskočio u pomoć, onda mu svakako trebate zahvaliti.
• Neki gosti Japanaca mogu se smatrati počasnim. Za njih čak izdvajaju posebno mjesto za stolom, koje je u pravilu najekstremnije od ulaza u sobu.
• Kada poklanjate poklon Japancu, treba se ispričati što ste ponizni unatoč tome što jest. To su pravila, ne treba ih kršiti.
• Sjedeći za stolom, muškarci mogu prekrižiti noge, dok je ženama to strogo zabranjeno. Noge trebaju biti skupljene i usmjerene u jednom smjeru.

Također, tradicije u životu Japana uključuju štovanje ljudi starije dobi. Bez obzira na profesiju, zaradu, izgled ili karakterne osobine osobe, ako je starija, onda se prema njoj treba odnositi s poštovanjem. Starost u Japanu izaziva poštovanje i ponos. To znači da je osoba prešla dug put i sada zaslužuje počasti.

Pomoć stranici: Kliknite na gumbe

Zdravo, dragi čitatelji tragači za znanjem i istinom!

Danas vas pozivamo da dodirnete ljepotu i razgovarate o umjetnosti drevnog Japana. U članku u nastavku ukratko ćemo pregledati faze povijesti koje su utjecale na formiranje japanske umjetnosti, a zatim se detaljnije zadržati na svakoj od njezinih komponenti. Upoznat ćete značajke ne samo tradicionalnih tipova, kao što su arhitektura, slikarstvo, već i o umjetnosti borbe, minijaturama, kazalištu, parkovima i još mnogo toga.

Dakle, članak obećava da će biti zanimljiv, i što je najvažnije - informativan!

Povijesna razdoblja

Zemlja izlazećeg sunca ima jedinstvenu kulturu, utjelovljenu u tradicionalnim izvornim građevinama i hramovima, slikama, skulpturama, ukrasima, vrtovima, književnim djelima. U posljednjim stoljećima takva netrivijalna područja kao što su drvorezi, poezija, origami, bonsai, ikebana, pa čak i manga i anime dobivaju popularnost. Svi su se oni oblikovali dugo vremena, ukorijenjeni u antici.

O ovom vremenu se do početka prošlog stoljeća vrlo malo znalo, jer je Japan bio prilično zatvorena zemlja prema ostatku svijeta. Međutim, od tada su provedena brojna istraživanja, čija su arheološka iskapanja nevjerojatna. Oni pokazuju da je već u drugom tisućljeću prije Krista postojalo kulturno japansko društvo, a primitivna plemena živjela su na otocima prije 15-12 tisuća godina.

Japanska kultura počela se oblikovati oko 4. tisućljeća prije Krista, ali je svoj vrhunac doživjela u srednjem vijeku – u razdoblju od 6. do 18. stoljeća.

Drevna japanska povijest počinje u prapovijesti i završava Heian stadijem u 8.-9. stoljeću, iako mnogi istraživači uključuju i kasnija razdoblja. U tom pogledu razlikuju se tri velike etape, koje se pak dijele na manja razdoblja, odn jidai. Svaki od njih karakterizira pojava novih proizvoda, struktura, stilova.

1. Primitivni komunalni sustav

Primitivno društvo u Japanu postojalo je u neolitu, kada su se pojavili prvi kameni alati, kao iu razdoblju Jomon i Yayoi. Vjeruje se da je Jōmon trajao od 10. tisućljeća do 4. stoljeća pr. Tada se počela pojavljivati ​​prva keramika, koja je imala isti naziv kao i cijelo doba - jomon.

Jōmon zemljana posuda

Ove su posude bile asimetričnog oblika i imale tradicionalne ornamente u obliku tordiranog užeta. Vjeruje se da su korišteni u raznim ritualima i obredima. U isto vrijeme pojavljuju se razne vrste nakita - naušnice, narukvice i ogrlice od gline, životinjskih zuba, školjki, kamenja, kristala.

Glinene naušnice i narukvice iz razdoblja Jomon

U III stoljeću prije Krista započela je era Yayoi, koja je trajala šest stoljeća. Zatim mještani naučili su uzgajati usjeve riže, bavili su se poljoprivredom, nastavili svladavati umjetnost keramike, a također su počeli taliti metale, među kojima je najvažnije bilo željezo, izrađivati ​​oružje od bakra i zvona od bronce.

Dotaku brončano zvono, kraj Yayoi ere

• Nastanak države.Japanska državnost počela se oblikovati od 4. do 8. stoljeća. Ovo razdoblje je poznato kao Kofun i Yamato razdoblja. Tada se u zemlji pojavila cijela mreža grobnih humaka, a sam Japan počeo se približavati Nebeskom Carstvu, neizbježno usvajajući religiju - a s njom i arhitekturu, skulpturu. Najvažnija građevina tog doba je Horyu-ji, predstavljena pagoda u pet katova. U blizini humaka počele su se postavljati posebne skulpture od gline, zvane "khaniva".

Horyu-ji, Japan

• Uspostavljanje zakona Ova faza pada na razdoblja Nara (VIII. stoljeće) i Heian (kasno VIII-XII. stoljeće). U tom trenutku Japanci se još više zbližavaju sa svojim susjedima – Kinezima i Korejcima, uz budistički koncept, posuđuju i konfucijanski i taoistički koncept, usvajaju tehnike obrade metala, metode gradnje i projektiranja zgrada, nove trendove u slikarstvu. posebno se mijenja - jednostavna šintoistička svetišta zamjenjuju se višeslojnim budističkim stupama sličnim indijskim. U stanovima običnih ljudi, umjesto gole zemlje, na podu su se pojavile drvene daske, a na vrhu krovovi od čempresa.

Prikaz razdoblja Nara u Japanu

Ako govorimo o kasnijem vremenu, tada možemo razlikovati još nekoliko razdoblja i njihove glavne kulturne značajke:

• Karakum (XII-XIV st.) - pojava samuraja i borilačkih vještina;
• Sengoku i Jidai (XV-XVI. st.) - vrijeme europske ekspanzije u svijet Istoka, tijekom kojeg su kršćanstvo i zapadni kulturni trendovi prodrli čak iu Zemlju izlazećeg sunca;
• Edo (XVII-XIX st.) - moć slavne obitelji Tokugawa, koju karakterizira izolacija Japana i razvoj kulturnog identiteta.

Sve što se kasnije dogodilo već je Novo vrijeme i modernost, a sada, nedvojbeno, čak iu relativno zatvorenom Japanu postoji određena kulturna globalizacija- usvaja se iskustvo zapadnih majstora, a na Zapadu zauzvrat japanski motivi postaju moderni. Međutim, umjetnost Japana oduvijek je imala poseban okus, imala je značajke koje su jedinstvene za nju.

Jednostavnost, proporcionalnost s čovjekom, konciznost, prirodni materijali, jedinstvo s prirodom - tako možete karakterizirati japanska remek-djela, kako drevna tako i moderna.

Slika

Japan je, kao što znate, dugo vremena stajao odvojeno, njegove su granice bile zatvorene za druge zemlje. Kad su s dolaskom u 7. stoljeće Japanci počeli sve češće komunicirati sa svojim susjedima, uspostavljati veze s kontinentalnim svijetom, otkrili su boje, pergament, tuš, a s njima i likovnu umjetnost.

U početku je bilo krajnje jednostavno i sažeto: jednostavne slike izrađivane su na crnom ili bijelom papiru, obično jedne od tri boje - žutoj, zelenoj ili crvenoj. Međutim, postupno je vještina lokalnih slikara rasla, a ponajviše zahvaljujući širenju Buddhinog učenja, kako je nastajalo sve više slika iz života Učitelja i njegovih učenika.

Slike s budističkim temama u drevnom Japanu

Do 9. stoljeća Japan je već formirao vlastitu granu slikarstva, koja je bila neovisna o kineskoj. Istodobno počinje slabiti uloga budizma, a vjerske motive zamjenjuju tzv.

Šoguni iz dinastije Tokugawa

Kaiga, kako su Japanci nazivali slikarstvo, poprimila je potpuno drugačije oblike i stilove, a priroda je u njoj zauzela važno mjesto. Od tada se slikarstvo manifestiralo u novim oblicima:

• Yamato-e je glavna škola slikara. Nastao je u 9.-10. stoljeću, a podupirala ga je Umjetnička akademija pod carem. Radovi su bili smotani svici, koji su prikazivali književni zapleti spojeno s vještom kaligrafijom. Postojale su dvije glavne vrste svitaka: emakimono - dugi mnogo metara, vodoravno presavijeni i često gledani na stolu, i kakimono - okomito presavijeni i obješeni na zid. Obično su svila ili papir bili jarko obojeni u stilu yamato-e, ali kasnije su se kao platno sve više koristile keramičke posude, nacionalna odjeća, lepeze, zidovi i paravani. Posebna pažnja posvećena je prenošenju stanja duha.
• Sumi-e - kao samostalni stil formiran je oko XIV stoljeća. Njegove značajke su korištenje akvarela i crno-bijele boje.
• Portreti - postali su popularni u XIII-XIV stoljeću.
• Krajolik - popularnost je stekao u XIV-XV stoljeću, uglavnom zahvaljujući širenju zen budizma diljem zemlje, koji se temelji na ideji kontemplacije i jedinstva s prirodom.
• Ukiyo-e je karakteristična svijetla slika na pločama. Pojavio se u 17. stoljeću i sadržavao je slike prirode, poznatih japanskih gejši ili umjetnika Kabuki kazališta. Stoljeće kasnije, ovaj je trend postao toliko popularan da je čak osvojio srca Europljana - počeli su primjenjivati ​​ovaj stil u svojim radovima.

Tradicionalni ukiyo-e print

arhitektonski smjer

U početku se japanska arhitektura svodila na gradnju drevnih tradicionalnih kuća - haniwa. Nastali su prije 4. stoljeća, a o njihovom izgledu može se suditi samo po sačuvanim minijaturnim glinenim modelima i crtežima, budući da nisu sačuvani do danas.

Ovdje je prošao život i život običnih ljudi. Bile su to izvorne zemunice, odozgo pokrivene slamnatim nadstrešnicom. Nosili su ga posebni drveni okviri.

Kasnije se pojavila takayuka - analog žitnica. Također su se sastojale od posebnih potpornih greda, koje su omogućile spašavanje usjeva od prirodnih katastrofa i štetočina.

Otprilike u isto vrijeme, u I-III stoljeću, počeli su se pojavljivati ​​hramovi drevne Shinto religije u čast božanstava koja su štitila sile prirode. Najčešće su građene od neobrađenog i neobojenog čempresa, a imale su lakonski pravokutni oblik.

Krov od slame ili borovine bio je zabat, a same konstrukcije građene su na stupovima okruženim paviljonima. Još jedna karakteristična značajka šintoističkih svetišta su vrata u obliku slova U ispred ulaza.

U šintoizmu postoji zakon obnove: svakih dvadeset godina hram se uništava i na istom mjestu gradi gotovo potpuno isti, ali novi.

Najpoznatiji takav hram zove se Ise. Sagrađena je početkom 1. tisućljeća i, prema predaji, stalno je dograđivana. Ise se sastoji od dva slična kompleksa koji su malo udaljeni jedan od drugog: prvi je posvećen moćima sunca, drugi je posvećen božanstvu plodnosti.

Od 6. stoljeća u Zemlji izlazećeg sunca počela su se širiti budistička učenja koja su došla iz Kine i Koreje, a s njima i načela gradnje budističkih hramova. Isprva su predstavljali kineske kopije, ali kasnije se u arhitekturi hrama počeo pratiti poseban, istinski japanski stil.

Strukture su izgrađene asimetrično, kao da se stapaju s prirodom. Konciznost i jasnoća oblika, drveni okvir, zajedno s kamenim temeljem, pagode u nekoliko slojeva, ne previše svijetle boje - to je ono što razlikuje svetišta tog vremena.

Mnogi od njih preživjeli su do danas. Spomenici arhitekture uključuju Horyu-ji s početka 7. stoljeća s poznatim Zlatnim hramom i 40 drugih građevina, Todai-ji iz sredine 8. stoljeća u gradu Nara, koji se i danas smatra najvećom drvenom građevinom na planeta. Istodobno, budistička arhitektura usko je isprepletena sa skulpturom i slikarstvom, koji prikazuju božanstva i motive iz života Učitelja.

Hram Todai-ji

Na prijelazu iz 12. u 13. stoljeće u državi je započeo feudalizam, pa je postao popularan stil Shinden, koji se odlikuje sjajem. Zamijenio ga je sein stil, na čijem je čelu jednostavnost i nešto intimnosti: umjesto zidova su gotovo bestežinski paravani, na podu prostirke i tatami.

U isto vrijeme počinju se pojavljivati ​​palače-hramovi lokalnih feudalaca. Remek-djela ove vrste građevina su poznati Kinkaku-ji iz 14. stoljeća ili Zlatni paviljon, kao i Ginkaku-ji iz 15. stoljeća, također poznat kao Srebrni hram.

Hram Ginkakuji (Zlatni paviljon)

Zajedno s palačama-hramovima u XIV-XV stoljeću počela je nastajati umjetnost krajobraznog vrtlarstva. Na mnogo načina, njegova pojava je posljedica prodora kontemplativnog učenja zena u Japan. Vrtovi su se počeli pojavljivati ​​oko hramova i velikih stanova, gdje su glavne komponente bile ne samo biljke, cvijeće, već i kamenje, voda, kao i humci od pijeska i šljunka, simbolizirajući element vode.

Jedinstveni grad Kyoto poznat je u cijelom svijetu.

Druga vrsta vrta je čajni vrt, koji se naziva "tyaniva". Okružuje čajnu kuću u kojoj se održava posebna, ležerna ceremonija, a kroz cijeli vrt do kuće vodi posebna staza. Pojavivši se u srednjem vijeku, potezanje se danas nalazi posvuda.

Skulptorski smjer

Skulptura u drevnom Japanu uglavnom je povezana s religijskim i ritualnim tradicijama. Također u III-V stoljeća ljudi su naučili kako napraviti male figure zvane dogu.

Dogu je prikazivao ljude, životinje, a s obzirom da su pronađeni u humcima, možemo zaključiti da su stavljeni u grob zajedno s mrtvima - to su bili njihovi sluge koji bi mogli biti od koristi na drugom svijetu. Dogu su bile glinene, brončane, drvene, lakirane figure. Kasnije su veći kipovi božanstava također stvoreni u blizini humaka i šintoističkih svetišta.

figurica dogua

Dolazak budizma u zemlju, naravno, utjecao je na lokalnu skulpturu. Brojni spomenici Budi počeli su se pojavljivati ​​u 6.-7.st. Nakon kineskih i korejskih majstora, domaći kipari započeli su svoje putovanje.

Do 9. stoljeća kiparski smjer počeo se još više razvijati, ali se izgled buda promijenio i počeli su imati nekoliko, do tisuću, lica i ruku. Najčešće su bili izrađeni od jakih vrsta drva, laka, bronce, gline.

Do danas su preživjeli mnogi lijepi spomenici. Na primjer, u hramu Haryu-ji, veličanstvena figura Buddhe sjedi na lotosovom cvijetu, au Todai-ji postoji cijeli ansambl božanstava na čelu sa 16-metarskim Budom, koji su izradili kipari Kaikei i Unkei .

Ostale vrste

Japanska umjetnost je višestruka i o njoj se može pričati satima. Razgovarajmo o nekoliko drugih vrsta umjetnosti koje su nastale u antici.

• Kaligrafija

Zove se sedo, što znači "put obavijesti". Kaligrafija u Japanu pojavila se zahvaljujući prekrasnim hijeroglifima koji su posuđeni od Kineza. U mnogim modernim školama smatra se obaveznim predmetom.

• haiku ili haiku

Haiku je posebna japanska lirska poezija koja se javlja u 14. stoljeću. Pjesnika nazivaju "haijin".

• Origami

Ovo ime prevodi se kao "papir koji je presavijen". Dolazeći iz Srednjeg kraljevstva, origami se izvorno koristio u ritualima i bio je zanimanje plemstva, ali se nedavno proširio po cijelom svijetu.

antička umjetnost origami u japanu

• Ikebana

Riječ u prijevodu znači "živo cvijeće". Kao i origami, izvorno se koristio u ritualima.

• Minijature

Dvije najčešće vrste minijatura su bonsai i netsuke. Bonsai su kopije pravog drveća u znatno smanjenom obliku. Netsuke su male figurice poput talismana koje su se pojavile u 18.-19. stoljeću.

• Borilačke vještine

Ponajprije se povezuju sa samurajima - svojevrsnim viteštvom, nindžama - ubojicama-plaćenicima, bushidima - ratnicima.

• Kazališna umjetnost

Najpoznatije kazalište, ponos svih Japanaca je klasično kazalište Kabuki. Možete pročitati više o kazališnoj umjetnosti u Japanu.

Kabuki kazalište u Japanu

Zaključak

Kao što vidimo iz članka, Japan je čitava riznica remek-djela umjetnosti, ne samo na nacionalnoj, već i na svjetskoj razini. Od davnina, koja počinje mnogo prije naše ere, Japanci su počeli stvarati i stvarati lijepe stvari oko sebe: slike, zgrade, kipove, pjesme, parkove, minijature - a ovo nije cijeli popis.

Zanimljivo je da su značajke ugrađene u Japanska kultura antike, može se pratiti u kreacijama našeg vremena - to je jednostavnost, konciznost, prirodnost, želja za skladom s prirodom.

Hvala vam puno na pažnji, dragi čitatelji! Nadamo se da ste danas naučili mnogo o tako tajanstvenoj i dalekoj zemlji kao što je Japan. Pridružite nam se - ostavljajte komentare, dijelite poveznice na članke s prijateljima - rado ćemo istraživati tajanstveni svijet Istok s vama!

Vidimo se uskoro!