rumah › Sistem pendingin › Ensiklopedia Sekolah. Lukisan renaisans Venesia Lukisan renaisans Venesia

Ensiklopedia Sekolah. Lukisan renaisans Venesia Lukisan renaisans Venesia

Warisan sekolah seni lukis Venesia adalah salah satu halaman paling cemerlang dalam sejarah Renaisans Italia. "Mutiara Adriatik", sebuah kota yang sangat indah dengan kanal dan istana marmer, tersebar di 119 pulau di perairan Teluk Venesia, adalah ibu kota republik perdagangan yang kuat yang mengendalikan semua perdagangan antara Eropa dan negara-negara di Timur. . Ini menjadi dasar kemakmuran dan pengaruh politik Venesia, yang meliputi bagian dari Italia Utara, pantai Adriatik Semenanjung Balkan, dan wilayah seberang lautan. Itu adalah salah satu pusat budaya, percetakan, dan pendidikan humanistik Italia terkemuka.

Dia juga memberi dunia master yang luar biasa seperti Giovanni Bellini dan Carpaccio, Giorgione dan Titian, Veronese dan Tintoretto. Karya mereka memperkaya seni Eropa dengan penemuan artistik yang begitu signifikan sehingga seniman kemudian dari Rubens dan Velazquez hingga Surikov terus-menerus beralih ke lukisan Renaisans Venesia.

Orang-orang Venesia sangat merasakan perasaan gembira berada, menemukan dunia di sekitar mereka dalam segala kepenuhan hidupnya, kekayaan warna-warni yang tak ada habisnya. Mereka dicirikan oleh selera khusus untuk segala sesuatu yang secara konkret unik, kekayaan persepsi emosional, kekaguman terhadap keragaman fisik dan material dunia.

Penemuan terpenting orang Venesia adalah prinsip pewarnaan dan gambar yang dikembangkan oleh mereka. Di antara yang lain seniman Italia ada banyak pewarna yang sangat baik, diberkahi dengan rasa keindahan warna, harmoni warna yang harmonis. Tetapi dasar dari bahasa bergambar adalah menggambar dan chiaroscuro, yang dengan jelas dan lengkap memodelkan bentuknya. Warna lebih dipahami sebagai kulit terluar dari bentuk, bukan tanpa alasan, menerapkan sapuan warna-warni, para seniman menyatukannya menjadi permukaan enamel yang sangat halus. Gaya ini juga digandrungi oleh seniman Belanda yang pertama kali menguasai teknik melukis cat minyak.

Orang Venesia, lebih dari master sekolah Italia lainnya, menghargai kemungkinan teknik ini dan mengubahnya sepenuhnya. Misalnya relasi seniman Belanda permulaan kontemplatif yang penuh hormat, naungan kesalehan religius, melekat di dunia, di masing-masing objek yang paling biasa, mereka mencari sekilas keindahan tertinggi. Bagi mereka, cahaya menjadi sarana untuk mentransmisikan penerangan batin ini. Orang Venesia, yang memandang dunia secara terbuka dan secara besar-besaran, hampir dengan pagan joie de vivre, melihat teknik lukisan cat minyak sebagai kesempatan untuk mengomunikasikan kebersamaan yang hidup dengan semua yang digambarkan. Mereka menemukan kekayaan warna, transisi tonalnya, yang dapat dicapai dalam teknik lukisan cat minyak dan dalam ekspresi tekstur lukisan itu sendiri.

Cat menjadi dasar bahasa bergambar di antara orang Venesia. Mereka tidak begitu banyak mengerjakan bentuk secara grafis karena mereka membentuknya dengan guratan, terkadang transparan tanpa bobot, terkadang padat dan meleleh, menembus dengan gerakan internal sosok manusia, tikungan lipatan kain, pantulan matahari terbenam di awan malam yang gelap.

Ciri-ciri lukisan Venesia terbentuk dalam jalur perkembangan yang panjang, hampir satu setengah abad. Pendiri sekolah lukisan Renaisans di Venesia adalah Jacopo Bellini, orang Venesia pertama yang beralih ke pencapaian sekolah Florentine paling maju pada saat itu, studi tentang zaman kuno dan prinsip perspektif linier. Bagian utama dari warisannya terdiri dari dua album gambar dengan pengembangan komposisi untuk adegan multi-figur yang kompleks dengan tema religius. Dalam gambar-gambar ini, yang ditujukan untuk studio seniman, ciri-ciri khas sekolah Venesia sudah terlihat. Mereka dijiwai dengan semangat gosip, minat tidak hanya pada acara legendaris tetapi juga dengan lingkungan kehidupan nyata.

Penerus karya Jacopo adalah putra sulungnya Gentile Bellini, master lukisan sejarah terbesar di Venesia pada abad ke-15. Di kanvas monumentalnya, Venesia muncul di hadapan kita dalam semua kemegahan penampilannya yang sangat indah, pada saat-saat perayaan dan upacara khidmat, dengan prosesi megah yang ramai dan kerumunan penonton yang beraneka ragam berkerumun di tanggul sempit kanal dan jembatan bungkuk.

Komposisi sejarah Gentile Bellini memiliki pengaruh yang tak terbantahkan pada karya adik laki-lakinya Vittore Carpaccio, yang menciptakan beberapa siklus lukisan monumental untuk Scuol persaudaraan Venesia. Yang paling luar biasa dari mereka “Sejarah St. Ursula" dan "A Scene from the Life of Saints Jerome, George and Typhon". Seperti Jacopo dan Gentile Bellini, dia suka menyampaikan aksi legenda agama dan suasana kehidupan kontemporer, mengungkap narasi mendetail yang kaya akan banyak detail kehidupan di hadapan penonton. Tapi dia melihat segalanya dengan mata berbeda, mata seorang penyair yang mengungkapkan pesona motif hidup sederhana seperti juru tulis yang rajin menulis dari dikte, anjing yang tertidur dengan damai, geladak kayu dermaga, layar yang digembungkan secara elastis meluncur di atas air . Segala sesuatu yang terjadi seolah-olah diisi dengan musik batin Carpaccio, melodi garis, luncuran bintik-bintik warna-warni, cahaya dan bayangan, yang diilhami oleh perasaan manusia yang tulus dan menyentuh.

Suasana puitis membuat Carpaccio berhubungan dengan pelukis Venesia terhebat abad ke-15, Giovanni Bellini, putra bungsu Jacopo. Tetapi minat artistiknya terletak pada bidang yang agak berbeda. Sang master tidak terpesona dengan narasi yang mendetail, motif genre, meskipun ia banyak mendapat kesempatan untuk berkarya dalam genre lukisan sejarah yang disukai oleh orang Venesia. Kanvas-kanvas ini, dengan pengecualian yang ditulis olehnya bersama saudaranya, Gentile, belum sampai kepada kita. Namun semua pesona dan kedalaman puitis dari bakatnya terungkap dalam komposisi dari jenis yang berbeda. Mereka tidak memiliki tindakan, peristiwa yang tidak terungkap. Ini adalah altar monumental yang menggambarkan Madonna bertahta dikelilingi oleh orang-orang kudus (yang disebut "Wawancara Suci"), atau lukisan kecil di mana, dengan latar belakang alam yang tenang dan jernih, kita melihat Madonna dan Anak tenggelam dalam pemikiran atau karakter lain dari legenda religius. Dalam komposisi singkat dan sederhana ini ada kepenuhan hidup yang bahagia, konsentrasi liris. Bahasa bergambar artis dicirikan oleh generalisasi yang agung dan tatanan harmonis. Giovanni Bellini jauh di depan para master di generasinya, menegaskan prinsip-prinsip baru sintesis artistik dalam seni Venesia.

Setelah hidup sampai usia lanjut, ia menjalani kehidupan artistik Venesia selama bertahun-tahun, menjabat sebagai pelukis resmi. Giorgione dan Titian Venesia yang hebat keluar dari bengkel Bellini, yang namanya dikaitkan dengan era paling cemerlang dalam sejarah sekolah Venesia.

Giorgione da Castelfranco hidup hidup pendek. Dia meninggal pada usia tiga puluh tiga tahun dalam salah satu wabah yang sering terjadi pada waktu itu. Warisannya kecil cakupannya: beberapa lukisan karya Giorgione, yang masih belum selesai, diselesaikan oleh rekan dan asisten yang lebih muda di bengkel, Titian. Namun, beberapa lukisan karya Giorgione menjadi wahyu bagi orang-orang sezaman. Ini adalah seniman pertama di Italia, yang tema sekulernya secara meyakinkan menang atas tema religius, menentukan keseluruhan sistem kreativitas.

Dia menciptakan citra dunia baru yang sangat puitis, tidak biasa untuk seni Italia pada masa itu, dengan kecenderungannya pada keagungan yang megah, monumentalitas, intonasi heroik. Dalam lukisan Giorgione, kita melihat dunia yang indah, indah, dan sederhana, penuh dengan kesunyian yang bijaksana.

Giovanni Bellini. "Potret Doge Leonardo Loredan".
Minyak. Sekitar 1501.

Seni Giorgione adalah revolusi nyata dalam lukisan Venesia, berdampak besar pada orang-orang sezamannya, termasuk Titian, yang karyanya sudah dapat dikenali oleh pembaca majalah. Ingatlah bahwa Titian adalah tokoh sentral dalam sejarah sekolah Venesia. Keluar dari bengkel Giovanni Bellini dan berkolaborasi dengan Giorgione di masa mudanya, dia mewarisi tradisi terbaik dari master yang lebih tua. Tetapi ini adalah seniman dengan skala berbeda dan temperamen kreatif, mencolok dalam keserbagunaan dan kejeniusannya yang luas. Dari segi kemegahan pandangan dunia, aktivitas heroik citra Titian hanya bisa dibandingkan dengan Michelangelo.

Titian mengungkapkan kemungkinan warna dan cat yang benar-benar tidak ada habisnya. Di masa mudanya, dia menyukai warna-warna yang kaya dan jernih, mengekstraksi akord yang kuat dari perbandingannya, dan di masa tuanya dia mengembangkan "cara terlambat" yang terkenal, begitu baru sehingga tidak menemukan pemahaman di antara sebagian besar orang sezamannya. Permukaan kanvas terakhirnya dari dekat adalah kekacauan fantastis dari sapuan yang diterapkan secara acak. Namun di kejauhan, bintik-bintik warna yang tersebar di permukaan menyatu, dan di depan mata kita tampak penuh kehidupan sosok manusia, bangunan, pemandangan seolah-olah dalam perkembangan abadi, penuh dengan dunia drama.

Dengan yang terakhir, periode terakhir Renaisans Venesia karya Veronese dan Tintoretto terhubung.

Paolo Veronese adalah salah satu dari orang-orang yang bahagia dan ceria yang kepadanya kehidupan mengungkapkan dirinya dalam aspek yang paling menyenangkan dan meriah. Kurangnya kedalaman Giorgione dan Titian, pada saat yang sama ia diberkahi dengan rasa keindahan yang tinggi, bakat dekoratif terbaik, dan cinta sejati untuk hidup. Di atas kanvas besar, bersinar dengan warna-warna berharga, diselesaikan dalam nada warna keperakan yang indah, dengan latar belakang arsitektur yang megah, kita melihat kerumunan yang penuh warna dan mencolok dengan kecerahan vital - bangsawan dan wanita bangsawan dengan jubah megah, tentara dan rakyat jelata, musisi, pelayan, kurcaci.

Dalam kerumunan ini, para pahlawan legenda agama terkadang hampir kalah. Veronese bahkan harus menghadap pengadilan Inkuisisi, yang menuduhnya berani memerankan banyak karakter dalam salah satu komposisi yang tidak ada hubungannya dengan tema agama.

Seniman tersebut terutama menyukai tema pesta ("Pernikahan di Kana", "Pesta di Rumah Lewi"), mengubah makanan Injil yang sederhana menjadi tontonan pesta yang luar biasa. Vitalitas gambar Veronese sedemikian rupa sehingga Surikov menyebut salah satu lukisannya sebagai "alam yang didorong ke belakang bingkai". Tapi inilah alam, dibersihkan dari setiap sentuhan kehidupan sehari-hari, diberkahi dengan makna Renaisans, dimuliakan oleh kemegahan palet artis, keindahan ritme yang dekoratif. Tidak seperti Titian, Veronese banyak bekerja di bidang lukisan monumental dan dekoratif dan merupakan dekorator Venesia yang luar biasa di zaman Renaisans.

Tuan besar terakhir Venesia abad ke-16, Jacopo Tintoretto, tampaknya adalah orang yang kompleks dan pemberontak, pencari jalan baru dalam seni, yang secara akut dan menyakitkan merasakan konflik dramatis dari realitas modern.

Tintoretto memperkenalkan pribadi, dan seringkali subjektif-sewenang-wenang, mulai dari interpretasinya, menundukkan figur manusia ke beberapa kekuatan tak dikenal yang menyebarkan dan melingkari mereka. Dengan mempercepat kontraksi perspektif, dia menciptakan ilusi ruang yang bergerak cepat, memilih sudut pandang yang tidak biasa dan secara rumit mengubah garis besar gambar. Pemandangan sehari-hari yang sederhana diubah oleh serbuan cahaya fantastis surealis. Pada saat yang sama, dunia mempertahankan keagungannya, penuh dengan gaung drama manusia yang hebat, benturan nafsu dan karakter.

Prestasi kreatif terbesar Tintoretto adalah pembuatan siklus lukisan ekstensif di Scuola di San Rocco, yang terdiri dari lebih dari dua puluh panel dinding besar dan banyak komposisi plafon, tempat seniman bekerja selama hampir seperempat abad, dari tahun 1564 hingga 1587. . Menurut kekayaan fantasi artistik yang tiada habisnya, menurut luasnya dunia, yang berisi baik tragedi universal ("Golgota"), dan keajaiban yang mengubah gubuk gembala yang malang ("Kelahiran Kristus"), dan yang misterius keagungan alam ("Maria Magdalena di Padang Gurun"), dan perbuatan luhur jiwa manusia ("Kristus di hadapan Pilatus"), siklus ini tak tertandingi dalam seni Italia. Seperti simfoni yang megah dan tragis, ia melengkapi, bersama dengan karya Tintoretto lainnya, sejarah sekolah lukisan Renaisans Venesia.

SEKOLAH LUKISAN VENICE

Warisan sekolah seni lukis Venesia adalah salah satu halaman paling cemerlang dalam sejarahRenaisans Italia . "Mutiara Laut Adriatik" - kota yang sangat indah dengan kanal dan istana marmer, tersebar di 119 pulau di perairan Teluk Venesia - adalah ibu kota republik perdagangan yang kuat yang mengendalikan semua perdagangan antara Eropa dan negara-negara di Timur. Ini menjadi dasar kemakmuran dan pengaruh politik Venesia, yang meliputi bagian dari Italia Utara, pantai Adriatik Semenanjung Balkan, dan wilayah seberang lautan. Itu adalah salah satu pusat budaya, percetakan, dan pendidikan humanistik Italia terkemuka.

Dia memberi dunia tuan yang luar biasa seperti JoeBellini dan Carpaccio, Giorgione dan Titian, Veronese dan Tintoretto. Karya mereka memperkaya seni Eropa dengan penemuan artistik yang begitu signifikan sehingga seniman kemudian dari Rubens dan Velazquez hingga Surikov terus-menerus beralih ke lukisan Renaisans Venesia.

Seniman tertarik dengan pemandangan Venesia yang sangat indah, kemeriahan dan warna-warni kehidupannya, penampilan khas penduduk kota. Lukisan-lukisan bertema religi pun sering dimaknai oleh mereka sebagai lukisan sejarah.komposisi atau monumental genre adegan. Lukisan di Venesia, lebih sering daripada di sekolah Italia lainnya, itu bersifat sekuler. Aula luas dari kediaman megah para penguasa Venesia - Istana Doge didekorasipotret dan komposisi sejarah yang besar. Siklus naratif monumental juga ditulis untuk Venetian Scuols - persaudaraan religius dan filantropis yang mempersatukan kaum awam. Akhirnya, di Venesia, koleksi pribadi tersebar luas, dan pemilik koleksi - bangsawan kaya dan terpelajar - sering memesan lukisan untukcerita diambil darijaman dahulu atau karya penyair Italia. Tidaklah mengherankan bahwa Venesia dikaitkan dengan pembungaan tertinggi Italia dari genre sekuler murni seperti potret, lukisan sejarah dan mitologis,pemandangan , pemandangan pedesaan. Penemuan terpenting orang Venesia adalah prinsip pewarnaan dan gambar yang dikembangkan oleh mereka. Di antara seniman Italia lainnya, ada banyak pewarna hebat yang diberkahi dengan rasa keindahan.warna , harmonis Persetujuan Warna. Tetapi dasar dari bahasa bergambar tetap adamenggambar Dan chiaroscuro , dimodelkan dengan jelas dan lengkapmembentuk . Warna lebih dipahami sebagai kulit terluar dari bentuk; bukan tanpa alasan, menerapkan sapuan warna-warni, para seniman menyatukannya menjadi permukaan enamel yang sangat halus. Initata krama dicintai oleh seniman Belanda yang pertama kali menguasaiteknik melukis cat minyak .

Orang Venesia lebih darimaster sekolah Italia lainnya, menghargai kemungkinan teknik ini dan mengubahnya sepenuhnya. Misalnya, sikap seniman Belanda terhadap dunia ditandai dengan awal yang kontemplatif, naungan kesalehan agama; di setiap objek paling biasa, mereka mencari pantulan dari keindahan tertinggi. Bagi mereka, cahaya menjadi sarana untuk mentransmisikan penerangan batin ini. Orang Venesia, yang memandang dunia secara terbuka dan secara besar-besaran, hampir dengan pagan joie de vivre, melihat teknik lukisan cat minyak sebagai kesempatan untuk mengomunikasikan kebersamaan yang hidup dengan semua yang digambarkan. Mereka menemukan kekayaan warna, transisi tonalnya, yang dapat dicapai dalam teknik lukisan cat minyak dan ekspresifitas lukisan.faktur huruf.

Cat menjadi dasar bahasa bergambar di antara orang Venesia. Mereka tidak terlalu banyak mengerjakan bentuk secara grafis saat mereka membentuknya dengan guratan - terkadang transparan tanpa bobot, terkadang padat dan meleleh, menembus dengan gerakan internal sosok manusia, tikungan lipatan kain, pantulan matahari terbenam di awan malam yang gelap.

Ciri-ciri lukisan Venesia terbentuk dalam jalur perkembangan yang panjang, hampir satu setengah abad. Pendiri sekolah lukisan Renaisans di Venesia adalah Jacopo Bellini, orang Venesia pertama yang beralih ke pencapaian sekolah Florentine paling maju pada saat itu, studi tentang zaman kuno dan prinsip perspektif linier. Bagian utama dari warisannya terdiri dari dua album gambar dengan pengembangan komposisi untuk adegan multi-figur yang kompleks dengan tema religius. Dalam gambar-gambar ini, yang ditujukan untuk studio seniman, ciri-ciri khas sekolah Venesia sudah terlihat. Mereka dijiwai dengan semangat gosip, minat tidak hanya pada peristiwa legendaris, tetapi juga pada lingkungan kehidupan nyata.

Penerus karya Jacopo adalah putra sulungnya Gentile Bellini, yang terbesar di VenesiaMaster lukisan sejarah abad XV. Di atas kanvas monumentalnya, Venesia muncul di hadapan kita dalam segala kemegahan penampilannya yang sangat indah, pada saat-saat perayaan dan upacara khidmat, denganprosesi megah yang ramai dan kerumunan penonton yang beraneka ragam berkerumun di sepanjang tanggul kanal yang sempit dan jembatan bungkuk.

Komposisi sejarahGentile Bellini memiliki pengaruh yang tak terbantahkan pada karya adik laki-lakinya Vittore Carpaccio, yang menciptakan beberapa siklus lukisan monumental untuk persaudaraan Venesia - Scuol. Yang paling luar biasa dari mereka adalah "The Story of Saint Ursula" dan "A Scene from the Life of Saints Hieronima, George dan Typhon. Seperti Jacopo dan Gentile Bellini, dia suka mentransfer aksi legenda agama ke lingkungan kehidupan kontemporer, mengungkap narasi mendetail yang kaya akan banyak detail kehidupan di hadapan penonton. Tapi semuanya dilihat olehnya dengan mata berbeda - mata seorang penyair yang mengungkapkan pesona hidup yang begitu sederhanamotif , seperti seorang juru tulis yang rajin menulis dari dikte, seekor anjing yang tertidur dengan damai, lantai kayu dermaga, layar yang mengembang secara elastis meluncur di atas air. Segala sesuatu yang terjadi seolah-olah diisi dengan musik batin Carpaccio, melodibaris , slip berwarna-warnibintik-bintik , cahaya dan bayangan, terinspirasi oleh perasaan manusia yang tulus dan menyentuh.

Suasana puitis membuat Carpaccio berhubungan dengan pelukis Venesia terhebat abad ke-15 - Giovanni Bellini, putra bungsu Jacopo. Tetapi minat artistiknya terletak pada bidang yang agak berbeda. Sang master tidak terpesona dengan narasi yang mendetail, motif genre, meskipun ia banyak mendapat kesempatan untuk berkarya dalam genre lukisan sejarah yang disukai oleh orang Venesia. Kanvas-kanvas ini, dengan pengecualian yang ditulis olehnya bersama saudaranya, Gentile, belum sampai kepada kita. Namun semua pesona dan kedalaman puitis dari bakatnya terungkap dalam komposisi dari jenis yang berbeda. Mereka tidak memiliki tindakan, peristiwa yang tidak terungkap. Ini adalah altar monumental yang menggambarkan Madonna bertahta dikelilingi oleh orang-orang kudus (yang disebut "Wawancara Suci"), atau lukisan kecil di mana, dengan latar belakang alam yang tenang dan jernih, kita melihat Madonna dan Anak tenggelam dalam pemikiran atau karakter lain dari legenda religius. Dalam komposisi singkat dan sederhana ini ada kepenuhan hidup yang bahagia, konsentrasi liris. Bahasa bergambar artis dicirikan oleh generalisasi yang agung dan tatanan harmonis. Giovanni Bellini jauh di depan para ahli di generasinya, menegaskan seni Venesiave prinsip baru sintesis artistik.

Setelah hidup sampai usia lanjut, selama bertahun-tahun ia mengepalai artistikkehidupan Venesia, memegang posisi pelukis resmi. Orang Venesia yang hebat Giorgione dan Titian keluar dari bengkel Bellini, yang namanya dikaitkan dengan yang paling cemerlangera dalam sejarah sekolah Venesia.

Giorgione da Castelfranco hidup singkat. Dia meninggal pada usia tiga puluh tiga tahun dalam salah satu wabah yang sering terjadi pada waktu itu. Warisannya kecil cakupannya: beberapa lukisan karya Giorgione, yang masih belum selesai, diselesaikan oleh seorang kawan yang lebih muda dan M asisten bengkel Titian. Namun, beberapa lukisan karya Giorgione menjadi wahyu bagi orang-orang sezaman. Ini adalah seniman pertama di Italia, yang tema sekulernya secara meyakinkan menang atas tema religius, menentukan keseluruhan sistem kreativitas.

Seni Giorgione adalah revolusi nyata dalam lukisan Venesia, berdampak besar pada orang-orang sezaman, termasuk Titian. Titian adalah pusatnyatokoh dalam sejarah Winasekolah cyan. Berangkat daribengkel Giovanni Bellini danberkolaborasi denganGiorgione, dia mewarisi sinar itutradisi kreativitas lamatuan kami. Tapi itu artisskala yang berbeda dan kreatiftemperamen, luar biasa keserbagunaan dan luasnya kejeniusannya. Dari segi kemegahan pandangan dunia, aktivitas heroik citra Titian hanya bisa dibandingkan dengan Michelangelo.
Titian mengungkapkan kemungkinan warna dan cat yang benar-benar tidak ada habisnya. Di masa mudanya, dia menyukai cat yang kaya dan bening enamel, yang diambil dari komposisinyaakord yang kuat, dan di usia tuanya ia mengembangkan "cara terlambat" yang terkenal, begitu baru sehingga tidak menemukan pemahaman di antara sebagian besar orang sezamannya. Permukaan kanvas terakhirnya dari dekat adalah kekacauan fantastis dari sapuan yang diterapkan secara acak. Namun di kejauhan, bintik-bintik warna yang tersebar di permukaan menyatu, dan sosok manusia yang penuh kehidupan, bangunan, pemandangan muncul di depan mata kita - seolah-olah dalam perkembangan abadi, penuh drama.

Periode terakhir Renaisans Venesia dikaitkan dengan karya Veronese dan Tintoretto.

Paolo Veronese adalah salah satu dari orang-orang yang bahagia dan ceria yang kepadanya kehidupan mengungkapkan dirinya dalam aspek yang paling menyenangkan dan meriah. Kurangnya kedalaman Giorgione dan Titian, pada saat yang sama ia diberkahi dengan rasa keindahan yang tinggi, bakat dekoratif terbaik, dan cinta sejati untuk hidup. Di atas kanvas besar, bersinar dengan warna-warna berharga, diselesaikan dalam nada warna keperakan yang indah, dengan latar belakang arsitektur yang megah, kita melihat kerumunan warna-warni mencolok dengan kecerahan vital - bangsawan dan wanita bangsawan dengan jubah megah, tentara dan rakyat jelata, musisi, pelayan, kurcaci .

Dalam kerumunan ini, para pahlawan legenda agama terkadang hampir kalah. Veronese bahkan harus menghadap pengadilan Inkuisisi, yang menuduhnya berani menggambarkan dalam salah satu komposisinya banyakkarakter yang tidak ada kaitannya dengan agama.

Seniman tersebut terutama menyukai tema pesta ("Pernikahan di Kana", "Pesta di Rumah Levin"), mengubah makanan Injil yang sederhana menjadi tontonan pesta yang luar biasa. Vitalitas gambar-gambar Veronese sedemikian rupa sehingga Surikov menyebut salah satu lukisannya "alam didorong ke belakang bingkai." Tapi inilah alam, dibersihkan dari setiap sentuhan kehidupan sehari-hari, diberkahi dengan makna Renaisans, dengan memahat palet artis, dengan keindahan ritme yang dekoratif. Tidak seperti Titian, Veronese banyak bekerja di bidang lukisan monumental dan dekoratif dan merupakan dekorator Venesia yang luar biasa di zaman Renaisans.

Prestasi kreatif terbesar Tintoretto adalah pembuatan siklus lukisan ekstensif di Scuola di San Rocco, yang terdiri dari lebih dari dua puluh panel dinding besar dan banyak komposisi plafon, tempat seniman bekerja selama hampir seperempat abad - dari 1564 hingga 1587 . Menurut kekayaan fantasi artistik yang tiada habisnya, menurut luasnya dunia, yang berisi baik tragedi universal ("Golgota"), dan keajaiban yang mengubah gubuk gembala yang malang ("Kelahiran Kristus"), dan yang misterius keagungan alam ("Maria Magdalena di Padang Gurun"), dan perbuatan luhur jiwa manusia ("Kristus di hadapan Pilatus"), siklus ini tak tertandingi dalam seni Italia. Seperti simfoni yang megah dan tragis, ia melengkapi, bersama dengan karya Tintoretto lainnya, sejarah sekolah lukisan Renaisans Venesia.

I.SMIRNOV

SEKOLAH VENETIAN dalam seni lukis, salah satu sekolah seni utama di Italia, didirikan di Venesia pada abad ke-14 hingga ke-18. Sekolah Venesia pada masa kejayaannya dicirikan oleh penguasaan sempurna atas kemungkinan ekspresif lukisan cat minyak, dan perhatian khusus pada masalah warna. Lukisan Venesia abad ke-14 dibedakan oleh ornamen dekoratif, kemerduan warna yang meriah, jalinan tradisi Gotik dan Bizantium (Lorenzo dan Paolo Veneziano). Di pertengahan abad ke-15, kecenderungan Renaisans muncul dalam lukisan aliran Venesia, diperkuat oleh pengaruh aliran Florentine dan Belanda (melalui mediasi Antonello da Messina). Dalam karya para master Renaisans Venesia awal (pertengahan dan akhir abad ke-15; Antonio, Bartolomeo dan Alvise Vivarini, Jacopo dan Gentile Bellini, Vittore Carpaccio, Carlo Crivelli, dll.), Awal sekuler tumbuh, keinginan untuk transfer ruang dan volume yang realistis semakin meningkat; kisah-kisah religius dan kisah-kisah mukjizat ditafsirkan sebagai gambaran penuh warna dari kehidupan sehari-hari di Venesia. Karya Giovanni Bellini mempersiapkan transisi ke seni Renaisans Tinggi. Masa kejayaan sekolah Venesia pada paruh pertama abad ke-16 dikaitkan dengan nama muridnya - Giorgione dan Titian. Narasi naif digantikan oleh upaya untuk menciptakan gambaran umum tentang dunia di mana manusia ada dalam harmoni alami dengan kehidupan alam yang diilhami secara puitis. Dalam karya Titian selanjutnya, konflik dramatis yang dalam terungkap, gaya lukisan memperoleh ekspresi emosional yang luar biasa. Dalam karya para master paruh ke-2 abad ke-16 (P. Veronese dan J. Tintoretto), keahlian transfer kekayaan warna-warni dunia, spektakuler berdampingan dengan rasa dramatis dari ketidakterbatasan. alam dan dinamika massa manusia yang besar.

Pada abad ke-17, sekolah Venesia mengalami masa kemunduran. Dalam karya D. Fetti, B. Strozzi dan I. Liss, teknik lukisan barok, pengamatan realistis, dan pengaruh caravaggisme hidup berdampingan dengan minat tradisional untuk pencarian warna bagi seniman Venesia. Pembungaan baru sekolah Venesia abad ke-18 dikaitkan dengan perkembangan lukisan monumental dan dekoratif, yang memadukan kemeriahan ceria dengan dinamika spasial dan cahaya warna yang indah (G. B. Tiepolo). Lukisan bergenre sedang berkembang, secara halus menyampaikan suasana puitis kehidupan sehari-hari di Venesia (G. B. Piazzetta dan P. Longi), lanskap arsitektural (veduta), dokumenter yang menciptakan kembali citra Venesia (A. Canaletto, B. Bellotto). Lanskap kamar F. Guardi dibedakan oleh keintiman liris. Ketertarikan yang tajam pada penggambaran lingkungan udara terang, ciri khas seniman Venesia, mengantisipasi pencarian para pelukis abad ke-19 di bidang plein air. Di berbagai waktu, sekolah Venesia memengaruhi seni H. Burgkmair, A. Dürer, El Greco, dan master Eropa lainnya.

Lit.: Pallucchini R. La pittura veneziana del cinquecento. Novara, 1944. Vol. 1-2; idem. La pittura veneta del quattrocento. Bologna, 1956; idem. La pittura veneziana del settecento. Venesia; Roma, 1960; Smirnova I. A. Titian dan potret Venesia abad ke-16. M., 1964; Kolpinsky Yu.D. Seni Venesia. abad ke 16 M., 1970; Levey M. Lukisan di Venesia abad kedelapan belas. edisi ke-2. Oxf., 1980; Sekolah Pignatti T. Venetian: Album. M., 1983; Seni Venesia dan Venesia dalam seni. M., 1988; Fedotova E. D. Lukisan Pencerahan Venesia. M., 1998.

Kirim karya bagus Anda di basis pengetahuan itu sederhana. Gunakan formulir di bawah ini

Pelajar, mahasiswa pascasarjana, ilmuwan muda yang menggunakan basis pengetahuan dalam studi dan pekerjaan mereka akan sangat berterima kasih kepada Anda.

Dihosting di http://www.allbest.ru/

LEMBAGA PENDIDIKAN ANGGARAN NEGARA FEDERAL

PENDIDIKAN PROFESIONAL TINGGI

"Universitas Negeri Ryazan dinamai S.A. YESENIN"

Fakultas Filologi Rusia dan Kebudayaan Nasional

Arah persiapan "Teologi"

KontrolPekerjaan

Dalam disiplin "Budaya Artistik Dunia"

Pada topik: "Renaisans Venesia"

Diselesaikan oleh mahasiswa tahun ke-2

pendidikan paruh waktu:

Kostyukovich V.G.

Diperiksa oleh: Shakhova I.V.

Ryazan 2015

Rencana

Perkenalan
Kesimpulan
Bibliografi

Perkenalan

Istilah "Renaisans" (dalam bahasa Prancis "Renaissance", dalam bahasa Italia "Rinascimento") pertama kali diperkenalkan oleh pelukis, arsitek, dan sejarawan seni abad ke-16. George Vasari, untuk keperluan menentukan era sejarah yang disebabkan oleh tahap awal perkembangan hubungan borjuis di Eropa Barat.

Budaya Renaisans berasal dari Italia, dan ini terutama terkait dengan munculnya hubungan borjuis dalam masyarakat feodal, dan akibatnya, munculnya pandangan dunia baru. Pertumbuhan kota dan perkembangan kerajinan, kebangkitan perdagangan dunia, penemuan geografis yang hebat di akhir abad ke-15 dan awal abad ke-16 mengubah kehidupan Eropa abad pertengahan. Budaya perkotaan menciptakan orang baru dan membentuk sikap hidup baru. Kembali ke pencapaian budaya kuno yang terlupakan dimulai. Semua perubahan memanifestasikan dirinya secara maksimal dalam seni. Saat ini, masyarakat Italia mulai menaruh minat aktif pada budaya Yunani Kuno dan Roma, dan manuskrip penulis kuno sedang dicari. Berbagai bidang kehidupan masyarakat - seni, filsafat, sastra, pendidikan, sains - menjadi semakin mandiri.

Kerangka kronologis Renaisans Italia mencakup waktu dari paruh kedua abad ke-13 hingga paruh pertama abad ke-16. Selama periode ini, Renaisans dibagi menjadi beberapa tahap: paruh kedua abad XIII-XIV. - Proto-Renaisans (pra-kebangkitan) dan Trecento; abad ke 15 - renaisans awal(Quattrocento); akhir abad ke-15 - sepertiga pertama abad ke-16 - High Renaissance (istilah Cinquecento lebih jarang digunakan dalam sains). Ilyina s. 98 Makalah ini akan mengkaji ciri-ciri Renaisans di Venesia.

Perkembangan budaya Renaisans Italia sangat beragam, yang disebabkan oleh perbedaan tingkat perkembangan ekonomi dan politik di berbagai kota di Italia, berbagai tingkat kekuasaan dan kekuatan borjuasi di kota-kota ini, berbagai tingkat hubungannya dengan feodal. tradisi. Sekolah seni terkemuka dalam seni Renaisans Italia pada abad ke-14. adalah orang Siena dan Florentine, pada abad ke-15. - Florentine, Umbria, Padua, Venetian, pada abad ke-16. - Romawi dan Venesia.

Perbedaan utama antara Renaisans dan era budaya sebelumnya adalah pandangan humanistik manusia dan dunia di sekitarnya, pembentukan landasan ilmiah pengetahuan kemanusiaan, munculnya ilmu alam eksperimental, kekhasan bahasa artistik seni baru. , dan terakhir, penegasan hak budaya sekuler pembangunan mandiri. Semua ini menjadi dasar perkembangan budaya Eropa selanjutnya pada abad 17 - 18. Renaisanslah yang melakukan sintesis yang luas dan beragam dari dua dunia budaya - pagan dan Kristen, yang berdampak besar pada budaya zaman modern.

Tokoh-tokoh Renaisans menciptakan, berbeda dengan pandangan dunia feodal, pandangan dunia skolastik, baru, sekuler, dan rasionalistik. Pusat perhatian pada zaman Renaisans adalah laki-laki, sehingga pandangan dunia para pembawa budaya ini dilambangkan dengan istilah "humanistik" (dari bahasa Latin humanitas - kemanusiaan). Bagi kaum humanis Italia, fokus manusia pada dirinya sendiri adalah hal yang utama. Nasibnya sebagian besar ada di tangannya sendiri, dia diberkahi oleh Tuhan dengan keinginan bebas.

Renaisans dicirikan oleh kultus kecantikan, terutama kecantikan manusia. Lukisan Italia menggambarkan orang-orang yang cantik dan sempurna. Seniman dan pematung berjuang dalam karya mereka untuk kealamian, untuk rekreasi dunia dan manusia yang realistis. Manusia di zaman Renaisans kembali menjadi tema utama seni, dan tubuh manusia dianggap sebagai bentuk paling sempurna di alam.

Tema Renaisans, dan khususnya Renaisans di Venesia, relevan karena seni Renaisans berkembang atas dasar sintesis dari semua yang terbaik yang diciptakan dalam seni abad pertengahan abad-abad sebelumnya dan seni dunia kuno. . Seni Renaisans adalah titik balik dalam sejarah seni Eropa, menempatkan manusia di tempat pertama, dengan suka dan duka, pikiran dan kemauannya. Ini mengembangkan bahasa artistik dan arsitektur baru, yang mempertahankan signifikansinya hingga hari ini. Oleh karena itu, studi tentang Renaisans merupakan mata rantai penting untuk memahami seluruh perkembangan lebih lanjut dari budaya artistik Eropa.

Fitur Renaisans Venesia

Dengan banyaknya pengrajin dan ruang lingkup yang berbakat kreativitas artistik Italia unggul pada abad ke-15. semua negara Eropa lainnya. Seni Venesia mewakili varian khusus dari perkembangan budaya artistik Renaisans dalam hubungannya dengan semua pusat seni Renaisans lainnya di Italia.

Sejak abad ke-13 Venesia adalah kekuatan kolonial yang memiliki wilayah di pesisir Italia, Yunani, dan pulau-pulau di Laut Aegea. Dia berdagang dengan Byzantium, Suriah, Mesir, India. Berkat perdagangan intensif, kekayaan besar mengalir ke sana. Venesia adalah republik komersial dan oligarki. Selama berabad-abad, Venesia hidup sebagai kota yang sangat kaya, dan penduduknya tidak terkejut dengan banyaknya emas, perak, batu mulia, kain, dan harta lainnya, tetapi taman di istana dianggap oleh mereka sebagai batas akhir dari kekayaan, karena hanya ada sedikit tanaman hijau di kota. Orang harus meninggalkannya demi menambah ruang hidup, memperluas kota, yang sudah diperas air dari mana-mana. Ini mungkin mengapa orang Venesia menjadi sangat mudah menerima keindahan, dan setiap gaya artistik mencapai tingkat yang cukup tinggi dalam kemampuan dekoratifnya. Jatuhnya Konstantinopel di bawah serangan Turki sangat mengguncang posisi perdagangan Venesia, namun kekayaan moneter yang sangat besar yang dikumpulkan oleh para pedagang Venesia memungkinkannya untuk mempertahankan kemerdekaannya dan gaya hidup Renaisans selama sebagian besar abad ke-16.

Secara kronologis, seni Renaisans terbentuk di Venesia lebih lambat daripada di sebagian besar pusat utama Italia lainnya pada zaman ini, tetapi juga bertahan lebih lama daripada di pusat Italia lainnya. Itu terbentuk, khususnya, lebih lambat dari di Florence dan secara umum di Tuscany. Kebangkitan di Venesia, seperti yang dikatakan, memiliki karakteristiknya sendiri, dia sedikit tertarik pada penelitian ilmiah dan penggalian barang antik kuno. Renaisans Venesia memiliki asal-usul lain. Pembentukan prinsip-prinsip budaya artistik Renaisans dalam seni rupa Venesia baru dimulai pada abad ke-15. Hal ini sama sekali tidak ditentukan oleh keterbelakangan ekonomi Venesia, sebaliknya, Venesia, bersama dengan Florence, Pisa, Genoa, Milan, adalah salah satu pusat Italia yang paling berkembang secara ekonomi saat itu. Justru transformasi awal Venesia menjadi kekuatan perdagangan besar yang bertanggung jawab atas keterlambatan ini, karena perdagangan besar, dan komunikasi yang lebih besar, dengan negara-negara timur memengaruhi budayanya. Budaya Venesia terkait erat dengan keagungan yang luar biasa dan kemewahan yang khusyuk dari budaya Bizantium kekaisaran, dan sebagian dengan yang halus budaya dekoratif dunia Arab. Kembali ke abad ke-14, budaya artistik Venesia adalah semacam jalinan bentuk-bentuk seni Bizantium monumental yang megah dan meriah, dimeriahkan oleh pengaruh ornamen warna-warni dari Timur dan pemikiran ulang yang sangat elegan dari elemen-elemen dekoratif dewasa. Seni gotik. Tentunya hal ini juga akan tercermin dalam budaya artistik Venesia pada zaman Renaisans. Bagi para seniman Venesia, masalah warna mengemuka, materialitas gambar dicapai dengan gradasi warna.

Renaisans Venesia kaya akan pelukis dan pematung hebat. Master Venesia terbesar dari Renaisans Tinggi dan Akhir adalah Giorgione (1477-1510), Titian (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594) “Culturology hal. 193 .

Perwakilan utama dari Renaisans Venesia

George Barbarelli da Castelfranco, dijuluki Giorgione (1477-1510). Seorang seniman khas dari High Renaissance. Giorgione menjadi pelukis High Renaissance pertama yang paling terkenal di Venesia. Dalam karyanya, prinsip sekuler akhirnya menang, yang terwujud dalam dominasi plot bertema mitologi dan sastra. Lansekap, alam, dan tubuh manusia yang indah menjadi subjek seni baginya.

Giorgione memainkan peran yang sama untuk lukisan Venesia yang dimainkan Leonardo da Vinci untuk lukisan Italia tengah. Leonardo dekat dengan Giorgione dengan rasa harmoni, kesempurnaan proporsi, ritme linier yang indah, lukisan cahaya lembut, spiritualitas dan ekspresi psikologis dari gambarnya, dan pada saat yang sama, rasionalisme Giorgione, yang tidak diragukan lagi memiliki pengaruh langsung padanya ketika dia lewat dari Milan pada tahun 1500. di Venesia. Ilyina s. 138 Tapi tetap saja, dibandingkan dengan rasionalitas seni Leonardo yang jelas, lukisan Giorgione diresapi dengan lirik dan kontemplasi yang dalam. Giorgione lebih emosional daripada master Milan yang hebat, dia tidak terlalu tertarik pada garis lurus seperti pada perspektif udara. Warna memainkan peran besar dalam komposisinya. Cat suara, diletakkan di lapisan transparan, melembutkan garis luarnya. Seniman dengan terampil menggunakan properti lukisan cat minyak. Variasi corak dan nada transisi membantunya mencapai kesatuan volume, cahaya, warna, dan ruang. Lanskap, yang menempati tempat menonjol dalam karyanya, berkontribusi pada pengungkapan puisi dan keharmonisan citranya yang sempurna.

Di antara karya awalnya, Judith (sekitar 1502) menarik perhatian. Pahlawan wanita, yang diambil dari literatur apokrifa Perjanjian Lama, dari Kitab Judith, digambarkan sebagai wanita muda yang cantik dengan latar belakang alam yang hening. Seniman itu menggambarkan Judith pada saat kemenangannya dengan segala kekuatan kecantikan dan martabatnya yang terkendali. Pemodelan wajah dan tangan hitam-putih yang lembut agak mengingatkan pada "sfumato" Leonard. Ilyina s. 139 Seorang wanita cantik dengan latar belakang alam yang indah, bagaimanapun, memperkenalkan catatan aneh yang mengganggu ke dalam komposisi pedang yang tampaknya harmonis di tangan pahlawan wanita dan kepala musuh yang terpenggal, diinjak-injak olehnya. Karya Giorgione lainnya harus dicatat "Badai Petir" (1506) dan "Konser Desa" (1508-1510), di mana Anda juga dapat melihat alam yang indah, dan tentu saja lukisan "Venus Tidur" (sekitar 1508-1510) . Sayangnya, Giorgione tidak punya waktu untuk menyelesaikan pengerjaan "Sleeping Venus" dan, menurut orang sezaman, latar lanskap dalam gambar itu dilukis oleh Titian.

Titian Vecellio (1477? - 1576) - artis terhebat dari Renaisans Venesia. Meskipun tanggal lahirnya belum ditentukan dengan pasti, kemungkinan besar dia adalah seorang yang lebih muda dari Giorgione dan muridnya, yang melampaui gurunya, menurut para peneliti. Selama bertahun-tahun ia menentukan perkembangan sekolah seni lukis Venesia. Kesetiaan Titian pada prinsip-prinsip humanistik, keyakinan pada pikiran dan kemampuan manusia, pewarnaan yang kuat memberikan karya-karyanya yang luar biasa kekuatan yang menarik. Dalam karyanya, orisinalitas realisme aliran seni lukis Venesia akhirnya terungkap. Berbeda dengan Giorgione yang meninggal lebih awal, Titian menjalani hidup bahagia yang panjang penuh dengan karya kreatif yang menginspirasi. Titian mempertahankan persepsi puitis dari tubuh telanjang perempuan, yang diambil dari bengkel Giorgione, sering kali secara harfiah direproduksi di kanvas hampir menjadi siluet yang dapat dikenali dari "Venus Tidur", seperti dalam "Venus of Urbino" (sekitar 1538), tetapi tidak dalam dada alam, tetapi di interior rumah pelukis kontemporer.

Sepanjang hidupnya, Titian berkecimpung di bidang potret, bertindak sebagai inovator di bidang ini. Kuasnya milik galeri luas gambar potret raja, paus, bangsawan. Ia memperdalam ciri-ciri kepribadian yang digambarkan olehnya dengan memperhatikan orisinalitas postur, gerak, ekspresi wajah, gerak tubuh, tata krama dalam mengenakan jas. Potretnya terkadang berkembang menjadi lukisan yang mengungkap konflik psikologis dan hubungan antar manusia. Dalam potret awalnya "Pria Muda dengan Sarung Tangan" (1515-1520), citra seorang pemuda memperoleh ciri-ciri khusus individu, dan pada saat yang sama, ia mengungkapkan citra khas seorang pria Renaisans, dengan tekad, energi, dan rasa kemerdekaan.

Jika dalam potret awal ia, seperti biasa, mengagungkan keindahan, kekuatan, martabat, integritas sifat modelnya, maka karya selanjutnya dibedakan oleh kerumitan dan ketidakkonsistenan gambar. Dalam lukisan yang dibuat oleh Titian di tahun-tahun terakhir kreativitas, suara tragedi yang asli, dalam karya Titian lahirlah tema konflik manusia dengan dunia luar. Menjelang akhir hayat Titian, karyanya mengalami perubahan yang signifikan. Dia masih banyak menulis tentang subjek kuno, tetapi semakin sering dia beralih ke tema-tema Kristen. Karya-karyanya selanjutnya didominasi oleh tema kemartiran dan penderitaan, perselisihan yang tidak dapat didamaikan dengan kehidupan, dan keberanian yang tabah. Citra seseorang di dalamnya masih memiliki kekuatan yang dahsyat, namun kehilangan ciri-ciri keseimbangan harmonik internal. Komposisinya disederhanakan, berdasarkan kombinasi satu atau lebih figur dengan latar belakang arsitektur atau lanskap, tenggelam dalam senja. Teknik penulisannya juga berubah, menolak warna-warna cerah dan gembira, ia beralih ke warna mendung, baja, zaitun kompleks, menundukkan segalanya ke nada emas yang sama.

Dalam karya-karyanya nanti, bahkan yang terdengar paling tragis, Titian tidak kehilangan kepercayaan pada cita-cita humanistik. Manusia baginya hingga akhir tetap menjadi nilai tertinggi, yang terlihat dalam "Potret Diri" (sekitar tahun 1560) sang seniman, yang membawa cita-cita cemerlang humanisme sepanjang hidupnya.

Di akhir abad ke-16 di Venesia, ciri-ciri era baru yang akan datang dalam seni sudah terlihat jelas. Hal ini terlihat pada karya dua seniman besar, Paolo Veronese dan Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, dijuluki Veronese (lahir di Verona, 1528-1588) adalah penyanyi terakhir Venesia yang meriah di abad ke-16. Dia mulai dengan pengerjaan lukisan untuk palazzo Verona dan gambar untuk gereja Verona, namun ketenaran datang kepadanya ketika, pada tahun 1553, dia mulai mengerjakan mural untuk Istana Venetian Doge. Sejak saat itu dan selamanya hidupnya terhubung dengan Venesia. Dia membuat lukisan, tetapi lebih sering dia melukis lukisan minyak besar di atas kanvas untuk bangsawan Venesia, altar untuk gereja Venesia atas pesanan mereka sendiri atau atas perintah resmi Republik Venesia. Yang dia lukis hanyalah lukisan dekoratif besar Venesia yang meriah, di mana kerumunan Venesia yang berpakaian rapi digambarkan dengan latar belakang lanskap arsitektur Venesia. Hal ini juga terlihat pada lukisan bertema injili, seperti "Pesta di Simon Orang Farisi" (1570) atau "Pesta di Rumah Lewi" (1573).

Jacopo Robusti, yang dikenal dalam seni sebagai Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" - seorang pencelup: ayah seniman adalah seorang pencelup sutra), tidak seperti Veronese, memiliki sikap tragis, yang terwujud dalam karyanya. Seorang siswa Titian, dia sangat menghargai keterampilan mewarnai gurunya, tetapi berusaha menggabungkannya dengan pengembangan gambar Michelangelo. Tintoretto tinggal di bengkel Titian untuk waktu yang sangat singkat, namun menurut orang-orang sezaman, moto tergantung di pintu bengkelnya: "Gambar Michelangelo, pewarnaan Titian." Dia s. 146 Sebagian besar karya Tintoretto sebagian besar ditulis pada plot keajaiban mistis, dalam karyanya ia sering menggambarkan adegan massal dengan aksi intens yang dramatis, ruang yang dalam, figur dalam sudut yang rumit. Komposisinya dibedakan oleh dinamisme yang luar biasa, dan pada periode akhir juga oleh kontras cahaya dan bayangan yang kuat. Dalam lukisan pertama yang membuatnya terkenal, The Miracle of St. Mark (1548), ia menampilkan sosok orang suci dalam perspektif yang kompleks, dan orang-orang dalam keadaan gerakan yang begitu keras yang tidak mungkin terjadi dalam seni klasik zaman itu. Renaisans Tinggi. Tintoretto juga penulis karya dekoratif besar, siklus lukisan raksasa yang menempati dua lantai bangunan Scuolo di San Rocco, tempat ia bekerja dari tahun 1565 hingga 1587. Pada periode terakhir karyanya, Tintoretto bekerja untuk Doge's Palace (komposisi "Paradise", setelah 1588), di mana sebelumnya, sebelum dia, Paolo Veronese yang terkenal berhasil bekerja.

Berbicara tentang Renaisans Venesia, orang tidak dapat tidak mengingat arsitek terhebat, lahir dan bekerja di Vicenza dekat Venesia - Andrea Palladio (1508-1580), menggunakan contoh bangunannya yang sederhana dan elegan, dia menunjukkan bagaimana pencapaian zaman kuno dan High Renaissance dapat diproses dan digunakan secara kreatif. Dia berhasil membuat bahasa arsitektur klasik dapat diakses dan universal.

Dua bidang terpenting dari aktivitasnya adalah pembangunan rumah kota (palazzo) dan rumah pedesaan (vila). Pada tahun 1545, Palladio memenangkan kompetisi untuk hak membangun kembali Basilika di Vicenza. Kemampuan untuk menekankan keharmonisan bangunan, dengan terampil menempatkannya dengan latar belakang lanskap Venesia yang indah, berguna baginya dalam pekerjaannya di masa depan. Hal ini terlihat pada contoh vila yang dibangunnya Malcontenta (1558), Barbaro-Volpi in Maser (1560-1570), Cornaro (1566). Villa "Rotonda" (atau Capra) di Vicenza (1551-1567) dianggap sebagai bangunan arsitek yang paling sempurna. Ini adalah bangunan persegi dengan serambi bertiang enam ionik di setiap fasad. Keempat serambi mengarah ke aula tengah bundar yang ditutupi kubah rendah di bawah atap genteng. Dalam desain fasad vila dan palazzo, Palladio biasanya menggunakan tatanan besar, seperti yang terlihat pada contoh Palazzo Chiericati di Vicenza (1550). Kolom besar menjulang di stylobates biasa, seperti di Palazzo Valmarana (dimulai tahun 1566) dan di Loggia del Capitanio (1571) yang belum selesai, atau sangat tinggi, menyerap lantai pertama sepenuhnya, seperti di Palazzo Thiene (1556). Di penghujung karirnya, Palladio beralih ke arsitektur gereja. Dia memiliki gereja San Pietro di Castello (1558), serta San Giorgio Maggiore (1565-1580) dan Il Redentore (1577-1592) di Venesia.

Palladio memperoleh ketenaran besar tidak hanya sebagai seorang arsitek, tetapi juga sebagai penulis risalah "Empat Buku tentang Arsitektur", yang telah diterjemahkan ke dalam banyak bahasa. Karyanya berdampak besar pada perkembangan arah klasik dalam arsitektur Eropa abad 17-18, serta pada arsitek Rusia abad ke-18. Pengikut sang master membentuk seluruh tren dalam arsitektur Eropa, yang disebut "Palladianisme".

Kesimpulan

Renaisans ditandai dalam kehidupan umat manusia dengan kebangkitan kolosal dalam seni dan sains. Renaisans yang muncul atas dasar humanisme, yang memproklamirkan manusia sebagai nilai tertinggi kehidupan, memiliki refleksi utamanya dalam seni. Seni Renaisans meletakkan dasar budaya Eropa Zaman Baru, secara radikal mengubah semua jenis seni utama. Prinsip-prinsip sistem tatanan kuno yang direvisi secara kreatif ditetapkan dalam arsitektur, dan jenis bangunan publik baru dibentuk. Lukisan diperkaya dengan perspektif linier dan udara, pengetahuan tentang anatomi dan proporsi tubuh manusia. Konten duniawi menembus tema religius tradisional dari karya seni. Meningkatnya minat pada mitologi kuno, sejarah, pemandangan sehari-hari, lanskap, potret. Bersamaan dengan lukisan dinding monumental yang menghiasi struktur arsitektur, muncul gambar, lukisan cat minyak. Tempat pertama dalam seni adalah individualitas kreatif seniman, sebagai aturan, orang yang berbakat secara universal. Dan semua tren ini terlihat sangat jelas dan jelas dalam seni Renaisans Venesia. Pada saat yang sama, Venesia, dalam kehidupan kreatifnya, sangat berbeda dari wilayah Italia lainnya.

Jika di Italia Tengah selama Renaisans seni Yunani Kuno dan Roma memiliki pengaruh yang sangat besar, maka di Venesia pengaruh seni Bizantium dan seni dunia Arab bercampur dengannya. Para seniman Venesia-lah yang membawa warna-warna cerah yang nyaring ke dalam karya mereka, adalah pewarna yang tak tertandingi, yang paling terkenal adalah Titian. Mereka menaruh perhatian besar pada alam di sekitar manusia, pemandangannya. Seorang inovator di bidang ini adalah Giorgione dengan lukisannya yang terkenal "Thunderstorm". Dia menggambarkan manusia sebagai bagian dari alam, sangat memperhatikan lanskap. Kontribusi besar untuk arsitektur dibuat oleh Andrea Palladio, yang membuat bahasa arsitektur klasik menjadi publik dan universal. Karyanya memiliki konsekuensi yang luas dengan nama "Palladianisme", yang memanifestasikan dirinya dalam arsitektur Eropa abad 17-18.

Selanjutnya, kemunduran Republik Venesia tercermin dalam karya senimannya, citra mereka menjadi kurang luhur dan heroik, lebih duniawi dan tragis, yang terlihat jelas dalam karya Titian yang agung. Meskipun demikian, Venesia tetap setia pada tradisi Renaisans lebih lama dari yang lain.

Bibliografi

1. Bragin L.M.,Varyash TENTANG.DAN.,Volodarsky DI DALAM.M. Sejarah budaya negara-negara Eropa Barat pada zaman Renaisans. - M.: Sekolah Tinggi, 1999. - 479 hal.

2. Gukovsky M.A. Renaisans Italia. - L.: Leningrad University Press, 1990. - 624 hal.

3. Ilyin T.DI DALAM. Sejarah seni. Seni Eropa Barat. - M.: Sekolah Tinggi, 2000. - 368 hal.

4. Kulturologi: Buku Teks / Ed. tajuk rencana A.A.Radugina. - M.: Tengah, 2001. - 304 hal.

Dihosting di Allbest.ru

...

Dokumen Serupa

Penemuan kepribadian, kesadaran akan martabatnya, dan nilai kemampuannya di jantung budaya Renaisans Italia. Alasan utama munculnya budaya Renaisans sebagai fokus klasik Renaisans. Garis waktu Renaisans Italia.

makalah, ditambahkan 10/09/2014

karakteristik umum Renaisans dan kerangka kronologisnya. Kenalan dengan ciri-ciri utama budaya kebangkitan. Studi tentang dasar-dasar gaya seni seperti perangai, barok, rococo. Perkembangan arsitektur Renaisans Eropa Barat.

tes, ditambahkan 05/17/2014

Perkiraan kerangka kronologis Renaisans Utara - abad XV-XV. Tragedi humanisme Renaisans dalam karya W. Shakespeare, F. Rabelais, M. De Cervantes. Gerakan Reformasi dan pengaruhnya terhadap perkembangan kebudayaan. Ciri-ciri etika Protestantisme.

abstrak, ditambahkan 16/04/2015

Kerangka kronologis Renaisans, fitur-fiturnya yang khas. Sifat sekuler budaya dan minatnya pada manusia dan aktivitasnya. Tahapan perkembangan Renaisans, ciri-ciri manifestasinya di Rusia. Kebangkitan lukisan, sains, dan pandangan dunia.

presentasi, ditambahkan 10/24/2015

Ciri-ciri umum Renaisans, ciri-ciri khasnya. Periode utama dan manusia Renaisans. Pengembangan sistem pengetahuan, filosofi Renaisans. Ciri-ciri mahakarya budaya artistik pada periode berkembangnya seni Renaisans tertinggi.

karya kreatif, ditambahkan 17/05/2010

Perkembangan budaya dunia. Renaisans sebagai revolusi sosiokultural di Eropa pada abad 13-16. Humanisme dan rasionalisme dalam budaya Renaisans. Periodisasi dan karakter nasional Renaisans. Budaya, seni, master terhebat dari Renaisans.

tes, ditambahkan 08/07/2010

Orang-orang Renaisans meninggalkan era sebelumnya, menampilkan diri mereka sebagai kilatan cahaya terang di tengah kegelapan abadi. Sastra Renaisans, perwakilan dan karya-karyanya. Sekolah Seni Lukis Venesia. Pendiri lukisan Renaisans awal.

abstrak, ditambahkan 22/01/2010

Konsep dasar istilah "Renaisans Utara" dan perbedaan esensial dari Renaisans Italia. Perwakilan dan contoh seni Renaisans Utara yang paling menonjol. Sekolah Danube dan arah utamanya. Deskripsi lukisan Belanda.

makalah, ditambahkan 11/23/2008

Latar belakang sosial ekonomi, asal usul spiritual, dan ciri khas budaya Renaisans. Perkembangan budaya Italia selama periode Proto-Renaisans, Awal, Tinggi, dan Akhir Renaisans. Ciri-ciri periode Renaisans di negara bagian Slavia.

abstrak, ditambahkan 05/09/2011

Masalah Renaisans dalam studi budaya modern. Fitur utama Renaissance. Sifat budaya Renaisans. Humanisme Renaisans. Pemikiran bebas dan individualisme sekuler. Ilmu Renaisans. Doktrin masyarakat dan negara.

Y. Kolpinsky

Seni Renaisans Venesia merupakan bagian integral dan tidak terpisahkan dari seni Italia pada umumnya. Hubungan dekat dengan pusat budaya artistik Renaisans lainnya di Italia, kesamaan takdir sejarah dan budaya - semua ini menjadikan seni Venesia salah satu manifestasi seni Renaisans di Italia, sama seperti tidak mungkin. membayangkan Renaisans Tinggi di Italia dengan segala keragaman manifestasi kreatifnya tanpa karya Giorgione dan Titian. Seni Renaisans akhir di Italia tidak dapat dipahami sama sekali tanpa mempelajari seni almarhum Titian, karya Veronese dan Tintoretto.

Namun, orisinalitas kontribusi sekolah Venesia pada seni Renaisans Italia tidak hanya sedikit berbeda dari sekolah lain di Italia. Seni Venesia mewakili versi khusus dari perkembangan prinsip-prinsip Renaisans dalam hubungannya dengan semua sekolah seni di Italia.

Seni Renaisans terbentuk di Venesia lebih lambat daripada di sebagian besar pusat lainnya, khususnya di Florence. Pembentukan prinsip-prinsip budaya artistik Renaisans dalam seni rupa di Venesia baru dimulai pada abad ke-15. Ini sama sekali tidak ditentukan oleh keterbelakangan ekonomi Venesia. Sebaliknya, Venesia, bersama dengan Florence, Pisa, Genoa, Milan, adalah salah satu pusat Italia yang paling berkembang secara ekonomi. Walaupun kelihatannya paradoks, justru transformasi awal Venesia menjadi kekuatan komersial yang hebat, dan terlebih lagi, terutama komersial, daripada kekuatan manufaktur, yang dimulai pada abad ke-12. dan terutama dipercepat selama perang salib, yang harus disalahkan atas keterlambatan ini.

Budaya Venesia, jendela Italia dan Eropa Tengah itu, "memotong" ke negara-negara timur, terkait erat dengan keagungan yang luar biasa dan kemewahan yang khusyuk dari budaya Bizantium kekaisaran dan sebagian dengan budaya dekoratif dunia Arab yang halus. Sudah di abad ke-12, yaitu, di era dominasi gaya Romawi di Eropa, sebuah republik perdagangan yang kaya, menciptakan seni yang menegaskan kekayaan dan kekuasaannya, secara luas beralih ke pengalaman Byzantium - orang Kristen terkaya dan paling maju. kekuatan abad pertengahan pada waktu itu. Intinya, budaya artistik Venesia sejak abad ke-14. Itu adalah semacam jalinan bentuk-bentuk seni Bizantium monumental yang sangat meriah, dimeriahkan oleh pengaruh ornamen warna-warni dari Timur dan unsur-unsur seni Gotik dewasa yang dipikirkan ulang secara dekoratif dan elegan. Nyatanya, kecenderungan proto-Renaisans membuat diri mereka terasa dalam kondisi ini dengan sangat lemah dan sporadis.

Baru pada abad ke-15 ada proses transisi seni Venesia yang tak terelakkan dan alami ke posisi sekuler budaya artistik Renaisans. Orisinalitasnya terwujud terutama dalam keinginan untuk meningkatkan kemeriahan warna dan komposisi, minat yang lebih besar pada latar belakang lanskap, pada lingkungan lanskap yang mengelilingi seseorang.

Di paruh kedua abad ke-15 ada pembentukan sekolah Renaisans di Venesia sebagai fenomena penting dan orisinal, yang menempati tempat penting dalam seni Quattrocento Italia.

Venesia di pertengahan abad ke-15 mencapai tingkat tertinggi kekuasaan dan kekayaannya. Kepemilikan kolonial dan pos perdagangan "Ratu Adriatik" tidak hanya mencakup seluruh pantai timur Laut Adriatik, tetapi juga tersebar luas di seluruh Mediterania timur. Di Siprus, Rhodes, Kreta, panji Singa St. Mark berkibar. Banyak keluarga ningrat bangsawan yang membentuk elit penguasa oligarki Venesia bertindak sebagai penguasa di seberang lautan kota-kota besar atau seluruh wilayah. Armada Venesia dengan tegas mengontrol hampir seluruh perdagangan transit antara Eropa Timur dan Barat.

Namun, kekalahan Kekaisaran Bizantium oleh Turki, yang berakhir dengan direbutnya Konstantinopel, mengguncang posisi perdagangan Venesia. Namun sama sekali tidak ada yang bisa berbicara tentang penurunan Venesia pada paruh kedua abad ke-15. Keruntuhan umum perdagangan timur Venesia terjadi lama kemudian. Para pedagang Venesia, yang pada saat itu sebagian dibebaskan dari perdagangan, menginvestasikan sejumlah besar uang untuk pengembangan kerajinan dan pabrik di Venesia, dan sebagian lagi untuk pengembangan pertanian rasional dalam kepemilikan mereka yang terletak di wilayah semenanjung yang berdekatan dengan laguna (disebut terra farm). Terlebih lagi, republik yang kaya dan masih penuh vitalitas pada 1509-1516 berhasil mempertahankan kemerdekaannya dalam perang melawan koalisi musuh sejumlah kekuatan Eropa, menggabungkan kekuatan senjata dengan diplomasi yang fleksibel. Kebangkitan umum, karena hasil yang sukses dari perjuangan sulit yang untuk sementara menyatukan semua lapisan masyarakat Venesia, menyebabkan tumbuhnya ciri-ciri optimisme heroik dan kemeriahan monumental yang menjadi ciri khas seni Renaisans Tinggi di Venesia, dimulai dengan Titian. Fakta bahwa Venesia mempertahankan kemerdekaannya dan, sebagian besar, kekayaannya, menentukan lamanya masa kejayaan seni Renaisans Tinggi di Republik Venesia. Pergantian ke akhir Renaisans baru digariskan di Venesia sekitar tahun 1540.

Periode pembentukan High Renaissance jatuh, seperti di seluruh Italia, pada akhir abad ke-15. Selama tahun-tahun inilah seni naratif Gentile Bellini dan Carpaccio mulai menolak seni Giovanni Bellini, salah satu master Renaisans Italia yang paling luar biasa, yang karyanya menandai transisi dari awal ke Renaisans Tinggi.

Giovanni Bellini (c. 1430-1516) tidak hanya mengembangkan dan meningkatkan pencapaian yang dikumpulkan oleh pendahulunya langsung, tetapi juga mengangkat seni Venesia ke tingkat yang lebih tinggi. Dalam lukisannya lahir koneksi suasana hati, diciptakan oleh lanskap, dengan pemikiran komposisi para pahlawan, yang merupakan salah satu pencapaian luar biasa seni lukis modern pada umumnya. Pada saat yang sama, dalam seni Giovanni Bellini, dan ini adalah hal terpenting, pentingnya dunia moral manusia terungkap dengan kekuatan yang luar biasa. Benar, gambar di karya awalnya terkadang agak kasar, kombinasi warnanya hampir tajam. Tetapi perasaan makna batin dari keadaan spiritual seseorang, pengungkapan keindahan pengalaman batinnya dalam karya master ini sudah dalam periode kekuatan yang sangat mengesankan ini.

Giovanni Bellini membebaskan dirinya lebih awal dari verbositas naratif dari pendahulunya dan orang-orang sezamannya. Plot dalam komposisinya jarang menerima perkembangan dramatis yang mendetail, tetapi terlebih lagi melalui suara warna yang emosional, melalui ekspresi gambar yang berirama, dan, akhirnya, melalui mimikri kekuatan batin yang tertahan, tetapi penuh, kehebatan. dunia spiritual manusia terungkap.

Karya-karya awal Giovanni Bellini dapat didekatkan dengan seni Mantegna (misalnya, Penyaliban; Venesia, Museum Correr). Namun, sudah ada di altar di Pesaro, perspektif "Mantenevian" linier yang jelas diperkaya oleh perspektif udara yang disampaikan secara lebih halus daripada perspektif master Padua. Perbedaan utama antara pemuda Venesia dan teman dan kerabatnya yang lebih tua (Mantegna menikah dengan saudara perempuan Bellini) tidak begitu banyak diekspresikan dalam ciri-ciri individual surat itu, tetapi dalam semangat yang lebih liris dan puitis dari karyanya secara keseluruhan.

Yang sangat instruktif dalam hal ini adalah apa yang disebutnya "Madonna dengan prasasti Yunani" (1470-an; Milan, Brera). Gambar Maria yang termenung dengan sedih ini, samar-samar mengingatkan pada sebuah ikon, dengan lembut memeluk bayi yang sedih, berbicara tentang tradisi lain yang ditolak oleh sang master - tradisi lukisan abad pertengahan. Namun, spiritualitas abstrak dari ritme linier dan akord warna ikon secara meyakinkan diatasi di sini. Sangat ketat dalam ekspresinya, rasio warnanya konkret. Warnanya benar, pemodelan padat dari volume bentuk yang dimodelkan sangat nyata. Kesedihan yang sangat jelas dari ritme siluet terkait erat dengan ekspresi vital yang tertahan dari gerakan sosok itu sendiri, dengan ekspresi manusia yang hidup dari wajah Maria. Bukan spiritualisme abstrak, tetapi perasaan manusia yang mendalam dan diilhami secara puitis diekspresikan dalam komposisi yang sederhana dan tampak sederhana ini.

Di masa depan, Bellini, yang memperdalam dan memperkaya ekspresi spiritual bahasa artistiknya, sekaligus mengatasi ciri-ciri kekakuan dan kekerasan cara awal. Sejak akhir tahun 1470-an. dia, dengan mengandalkan pengalaman Antonello da Messina (yang bekerja di Venesia sejak pertengahan 1470-an), memperkenalkan bayangan berwarna ke dalam komposisinya, menjenuhkannya dengan cahaya dan udara ("Madonna with Saints", 1476), memberikan keseluruhan komposisi sebuah napas berirama lebar.

Di tahun 1580-an Bellini memasuki masa kematangan kreatifnya. "Ratapan Kristus" -nya (Milan, Brera) menyerang dengan kombinasi kebenaran hidup yang hampir tanpa ampun (biru dingin fana dari tubuh Kristus, rahangnya yang setengah terjumbai, jejak siksaan) dengan keagungan tragis yang asli dari gambar berkabung pahlawan. Nada dingin yang umum dari pancaran suram warna jubah Mary dan John dikipasi oleh cahaya biru keabu-abuan malam. Keputusasaan yang tragis dari tatapan Mary, yang menempel pada putranya, dan kemarahan John yang sedih, tidak berdamai dengan kematian seorang guru, ritme yang sangat jelas dalam ekspresi langsungnya, kesedihan matahari terbenam di gurun, begitu selaras dengan struktur emosional umum dari gambar tersebut, disusun menjadi semacam permintaan duka. Bukan kebetulan bahwa di bagian bawah papan tempat gambar itu ditulis, seorang kontemporer yang tidak dikenal menuliskan kata-kata berikut dalam bahasa Latin: “Jika perenungan mata duka ini akan merobek air mata Anda, maka ciptaan Giovanni Bellini mampu menangis.”

Selama tahun 1580-an Giovanni Bellini mengambil langkah maju yang menentukan, dan sang master menjadi salah satu pendiri seni Renaisans Tinggi. Orisinalitas seni Giovanni Bellini yang dewasa terlihat jelas saat membandingkan "Transfigurasi" (1580-an; Napoli) dengan "Transfigurasi" awalnya (Museum Correr). Dalam "Transfigurasi" Museum Correr, sosok Kristus dan para nabi yang dilacak dengan kaku terletak di atas batu kecil, mengingatkan pada alas besar dan "ikan air tawar" yang ikonik. Agak bersudut dalam gerakan mereka (di mana kesatuan karakteristik vital dan kegembiraan puitis dari gerak tubuh belum tercapai) figurnya stereoskopis. Terang dan sebening-dingin, warna-warna yang hampir mencolok dari sosok-sosok yang dimodelkan secara volumetrik dikelilingi oleh atmosfer transparan-dingin. Sosok-sosok itu sendiri, meskipun menggunakan bayangan berwarna dengan berani, masih dibedakan oleh keseragaman pencahayaan yang statis dan seragam.

Sosok-sosok "Transfigurasi" Neapolitan terletak di dataran tinggi bergelombang yang khas dari kaki bukit Italia utara, yang permukaannya ditutupi padang rumput dan rumpun kecil yang terhampar di dinding tebing vertikal berbatu yang terletak di latar depan. Penonton melihat seluruh pemandangan seolah-olah dia berada di jalan setapak yang membentang di sepanjang tepi tebing, dipagari dengan pagar ringan dari pohon-pohon yang ditebang dengan tergesa-gesa dan tidak dikupas. Realitas langsung dari persepsi lanskap itu luar biasa, terutama karena seluruh latar depan, dan jarak, serta denah tengah bermandikan lingkungan udara-cahaya yang agak lembap yang akan menjadi ciri khas lukisan Venesia abad ke-16. Pada saat yang sama, kekhidmatan yang terkendali dari gerakan sosok-sosok agung Kristus, para nabi dan rasul yang bersujud, kejelasan bebas dari penjajaran ritmis mereka, dominasi alami figur manusia atas alam, bentangan jarak lanskap yang tenang menciptakan yang perkasa. nafas, keagungan gambar yang jelas, yang membuat kita melihat dalam karya ini ciri-ciri pertama dari tahap baru dalam perkembangan Renaisans.

Kesungguhan yang tenang dari gaya Bellini yang dewasa diwujudkan dalam keseimbangan monumental komposisi "Madonna of St. Job" (1580-an; Akademi Venesia). Bellini menempatkan Mary, duduk di singgasana tinggi, dengan latar belakang keong apse, yang menciptakan latar belakang arsitektural yang khusyuk, selaras dengan keagungan citra manusia yang tenang. Yang akan datang, meskipun relatif melimpah (enam orang suci dan tiga malaikat memuji Maria), tidak mengacaukan komposisi. Sosok-sosok itu didistribusikan secara harmonis dalam kelompok-kelompok yang mudah dibaca, yang jelas-jelas didominasi oleh citra Maria dan bayi yang lebih khusyuk dan kaya secara spiritual.

Bayangan berwarna, cahaya bersinar lembut, kemerduan warna yang tenang menciptakan perasaan suasana hati yang umum, menundukkan banyak detail pada kesatuan ritmis, warna, dan komposisi-figuratif umum dari keseluruhan.

Dalam "Madonna with Saints" dari Gereja San Zaccaria di Venesia (1505), ditulis hampir bersamaan dengan "Madonna of Castelfranco" oleh Giorgione, master tua itu menciptakan sebuah karya yang luar biasa untuk keseimbangan komposisi klasik, aransemen yang luar biasa dari beberapa pahlawan agung yang tenggelam dalam pemikiran mendalam. Mungkin citra Madonna sendiri tidak mencapai makna yang sama seperti di Madonna of St. Tetapi puisi lembut pemuda yang memainkan biola di kaki Mary, gravitasi yang keras dan pada saat yang sama kelembutan ekspresi wajah lelaki tua berjanggut abu-abu yang tenggelam dalam membaca, sungguh indah dan penuh dengan makna etis yang tinggi. Kedalaman transfer perasaan yang tertahan, keseimbangan sempurna antara keagungan umum dan vitalitas konkret dari gambar, harmoni warna yang mulia menemukan ekspresinya dalam Ratapan Berlin-nya.

Gambar. hlm. 248-249

Ketenangan, spiritualitas yang jernih adalah ciri khas dari semua karya terbaik di masa dewasa Bellini. Begitu banyak Madonna-nya: misalnya, Madonna with Trees (1490-an; Akademi Venesia) atau Madonna di Meadows (c. 1590; London, Galeri Nasional), memukau dengan luminositas lukisan udara plein. Bentang alam tidak hanya dengan setia menyampaikan sifat pertanian terra - dataran luas, perbukitan lembut, pegunungan biru yang jauh, tetapi juga mengungkapkan dalam keanggunan lembut puisi dari kerja keras dan hari-hari kehidupan pedesaan: seorang gembala beristirahat di dekat kawanannya, seekor bangau turun di dekat rawa, seorang wanita berhenti di derek sumur. Dalam lanskap musim semi yang sejuk ini, begitu selaras dengan kelembutan Maria yang tenang, dengan hormat Membungkuk di atas bayi yang tertidur di pangkuannya, kesatuan khusus itu, kesesuaian batin dari nafas kehidupan alam dan kehidupan spiritual manusia, yang begitu karakteristik lukisan Venesia dari High Renaissance, telah tercapai. Mustahil untuk tidak memperhatikan secara sepintas bahwa dalam interpretasi citra Madonna sendiri, yang memiliki karakter yang agak bergenre, minat Bellini pada pengalaman bergambar para master Renaisans utara terlihat.

Tempat yang signifikan, meskipun bukan yang terdepan dalam karya almarhum Bellini ditempati oleh komposisi-komposisi yang biasanya dikaitkan dengan beberapa karya puitis atau legenda religius, yang disukai oleh orang Venesia.

Ini terinspirasi oleh puisi Prancis abad ke-14. yang disebut "Danau Madonna" (Uffizi). Dengan latar belakang gunung-gunung yang megah dan agak keras yang menjulang di atas air danau biru keabu-abuan yang tidak bergerak, sosok orang suci yang terletak di teras terbuka marmer tampil dalam pencahayaan lembut keperakan. Di tengah teras terdapat pohon jeruk di dalam bak, dengan beberapa bayi telanjang bermain-main di sekitarnya. Di sebelah kiri mereka, bersandar pada marmer langkan, berdiri lelaki tua yang terhormat, rasul Petrus, dengan penuh perhatian. Di sebelahnya, sambil mengangkat pedangnya, berdiri seorang pria berjanggut hitam yang mengenakan mantel merah tua, rupanya Rasul Paulus. Apa yang mereka pikirkan? Mengapa dan di mana Jerome yang lebih tua, perunggu gelap karena sengatan matahari, dan Sebastian telanjang yang bijaksana berjalan perlahan? Siapakah orang Venesia ramping dengan rambut abu-abu, terbungkus syal hitam? Mengapa wanita yang bertakhta dengan sungguh-sungguh ini, mungkin Maria, melipat tangannya dalam doa? Semuanya tampak tidak jelas secara misterius, meskipun kemungkinan besar makna plot alegoris dari komposisi tersebut cukup jelas bagi seorang master sezaman, penikmat puisi yang halus, dan penikmat bahasa simbol. Namun pesona estetika utama dari gambar tersebut bukanlah pada cerita simbolis yang cerdik, bukan pada keanggunan decoding rebus, tetapi pada transformasi puitis perasaan, spiritualitas halus dari keseluruhan, penjajaran motif yang ekspresif secara elegan yang memvariasikan tema yang sama - keindahan mulia citra manusia. Jika Madonna of the Lake karya Bellini sampai batas tertentu mengantisipasi penyempurnaan intelektual puisi Giorgione, maka Feast of the Gods (1514; Washington, National Gallery), yang dibedakan oleh konsepsi dunia pagan yang ceria dan ceria, agak mengantisipasi optimisme heroik. tentang "puisi" dan komposisi mitologi Titian muda.

Giovanni Bellini juga berbicara tentang potret itu. Potretnya yang relatif sedikit, seolah-olah mempersiapkan mekarnya genre ini dalam lukisan Venesia abad ke-16. Begitulah potret seorang anak laki-laki, seorang pemuda pemimpi yang anggun. Dalam potret ini, citra orang cantik, penuh kemuliaan spiritual dan puisi alam, sudah lahir, yang akan terungkap sepenuhnya dalam karya Giorgione dan Titian muda. "Boy" Bellini - Ini adalah masa kecil Giorgione "Brocardo" muda.

Karya akhir Bellini dicirikan oleh potret Doge yang indah (sebelum 1507), yang dibedakan dengan warna yang bersinar terang, pemodelan volume yang sangat baik, transmisi akurat dan ekspresif dari semua orisinalitas individu dari karakter lelaki tua ini, penuh dengan keberanian. energi dan kehidupan intelektual yang intens.

Secara umum, seni Giovanni Bellini - salah satu master terhebat dari Renaisans Italia - membantah pendapat yang pernah tersebar luas tentang sifat sekolah Venesia yang dianggap dekoratif dan murni "melukis". Memang, dalam perkembangan lebih lanjut dari aliran Venesia, aspek naratif dan dramatis dari plot tidak akan menempati posisi terdepan untuk beberapa waktu. Tetapi masalah kekayaan dunia batin seseorang, makna etis dari kepribadian manusia yang cantik secara fisik dan kaya secara spiritual, yang disampaikan secara lebih emosional, secara sensual secara konkret daripada dalam seni Tuscany, akan selalu menempati tempat penting dalam aktivitas kreatif. dari master sekolah Venesia.

Salah satu master pergantian abad ke-15 dan ke-16, yang karyanya dibentuk di bawah pengaruh tegas Giovanni Bellini, adalah Giambattista Cima da Conegliano (c. 1459-1517/18). Di Venesia dia bekerja antara 1492-1516. Cima memiliki komposisi altar besar di mana, mengikuti Bellini, dia dengan terampil menggabungkan figur dengan bingkai arsitektur, sering kali menempatkannya di bukaan melengkung ("Yohanes Pembaptis dengan empat orang suci" di gereja Santa Maria del Orto di Venesia, 1490-an, " Ketidakpercayaan Thomas"; Venesia, Akademi, "St. Peter the Martyr", 1504; Milan, Brera). Komposisi ini dibedakan dengan penempatan figur yang bebas dan luas, yang memungkinkan seniman untuk menampilkan secara luas latar belakang lanskap yang terbentang di belakangnya. Untuk motif lanskap, Cima biasanya menggunakan lanskap Conegliano asalnya, dengan kastil di perbukitan tinggi, yang mengarah ke jalan berliku yang curam, dengan pepohonan yang terisolasi dan langit biru muda dengan awan tipis. Tidak mencapai ketinggian artistik Giovanni Bellini, Cima, bagaimanapun, seperti dia, menggabungkan dalam karya terbaiknya gambar yang jelas, kelengkapan plastik dalam interpretasi figur dengan warna yang kaya, sedikit tersentuh oleh satu nada emas. Cima juga penulis gambar liris karakteristik Madonna di Venesia, dan dalam Pengantar Kuil yang luar biasa (Dresden, Galeri Gambar) dia memberikan contoh interpretasi lirik-naratif dari tema dengan garis halus individu sehari-hari. motif.

Tahap selanjutnya setelah seni Giovanni Bellini adalah karya Giorgione, master pertama sekolah Venesia, yang sepenuhnya dimiliki oleh High Renaissance. George Barbarelli dari Castelfranco (1477/78-1510), dijuluki Giorgione, adalah seorang junior kontemporer dan murid Giovanni Bellini. Giorgione, seperti Leonardo da Vinci, mengungkapkan keharmonisan halus dari orang yang kaya secara spiritual dan sempurna secara fisik. Sama seperti Leonardo, karya Giorgione dibedakan oleh intelektualisme yang dalam dan, tampaknya, rasionalitas kristal. Tetapi, tidak seperti Leonardo, yang lirik seninya yang dalam sangat tersembunyi dan, seolah-olah, berada di bawah kesedihan intelektualisme rasional, permulaan liris, dalam kesepakatan yang jelas dengan permulaan rasional, di Giorgione membuat dirinya terasa dengan kekuatan yang luar biasa. Pada saat yang sama, alam, lingkungan alam dalam seni Giorgione mulai memainkan peran yang semakin penting.

Jika kami masih tidak dapat mengatakan bahwa Giorgione menggambarkan satu lingkungan udara yang menghubungkan figur dan objek lanskap menjadi satu kesatuan udara, maka kami, dalam hal apa pun, memiliki hak untuk menegaskan bahwa suasana emosional kiasan di mana keduanya karakter dan alam yang hidup di Giorgione adalah suasana yang secara optik sudah umum baik untuk latar belakang maupun untuk karakter dalam gambar.

Beberapa karya Giorgione sendiri dan lingkarannya bertahan hingga zaman kita. Sejumlah atribusi kontroversial. Namun, perlu dicatat bahwa pameran lengkap pertama karya Giorgione dan Giorgionescos, yang diadakan di Venesia pada tahun 1958, memungkinkan tidak hanya untuk membuat sejumlah klarifikasi dalam lingkaran karya master, tetapi juga untuk menghubungkan Giorgione a sejumlah karya yang sebelumnya kontroversial, membantu menghadirkan karakter karyanya secara lebih lengkap dan jelas secara keseluruhan.

Karya Giorgione yang relatif awal, diselesaikan sebelum 1505, termasuk Adoration of the Shepherds di Museum Washington dan Adoration of the Magi di National Gallery di London. Dalam The Adoration of the Magi (London), dengan fragmentasi gambar yang terkenal dan kekakuan warna yang tidak dapat diatasi, minat sang master untuk menyampaikan dunia spiritual batin para karakter sudah terasa.

Periode awal kreativitas Giorgione melengkapi komposisinya yang luar biasa "Madonna da Castelfranco" (c. 1505; Castelfranco, Katedral). Dalam karya-karya awalnya dan karya-karya pertama dari periode dewasa, Giorgione terhubung langsung dengan garis kepahlawanan yang monumental, yang, bersama dengan garis genre-naratif, melewati semua seni Quattrocento dan pencapaian yang dikuasai oleh para master. gaya monumental yang menggeneralisasi dari Renaisans Tinggi bergantung pada tempat pertama. Jadi, dalam "Madonna of Castelfranco", figur-figur tersebut disusun menurut skema komposisi tradisional yang diadopsi untuk tema ini oleh sejumlah master Renaisans Italia Utara. Mary duduk di alas yang tinggi; di kanan dan kirinya, Santo Fransiskus dan santo lokal kota Castelfranco Liberale berdiri di depan penonton. Setiap figur, yang menempati tempat tertentu dalam komposisi yang dibangun dengan ketat dan monumental, dapat dibaca dengan jelas, bagaimanapun juga tertutup dengan sendirinya. Komposisi secara keseluruhan agak tidak bergerak. II, pada saat yang sama, penataan figur yang santai dalam komposisi yang luas, spiritualitas lembut dari gerakan tenang mereka, citra puitis Maria sendiri menciptakan suasana mimpi termenung yang agak misterius yang menjadi ciri khas lukisan tersebut. seni Giorgione dewasa, yang menghindari perwujudan tabrakan dramatis yang tajam.

Sejak 1505, periode kematangan kreatif seniman dimulai, segera diinterupsi oleh penyakit fatalnya. Selama lima tahun yang singkat ini, mahakarya utamanya dibuat: "Judith", "Badai Petir", "Venus Tidur", "Konser", dan sebagian besar dari beberapa potret. Dalam karya-karya inilah penguasaan lukisan cat minyak yang bergambar spesifik dan ekspresif yang khas, ciri khas master besar sekolah Venesia, terungkap. Memang, ciri khas aliran Venesia adalah perkembangan lukisan cat minyak yang dominan dan perkembangan lukisan fresco yang lemah.

Dalam transisi dari sistem abad pertengahan ke lukisan realistik Renaisans, orang Venesia, tentu saja, hampir sepenuhnya meninggalkan mozaik, yang warna dekoratif dan cemerlangnya yang meningkat tidak dapat lagi sepenuhnya memenuhi tugas artistik baru. Benar, pancaran cahaya yang meningkat dari lukisan mosaik berkilauan warna-warni, meskipun diubah, secara tidak langsung, memengaruhi lukisan Renaisans Venesia, yang selalu condong ke arah kejernihan yang nyaring dan kekayaan warna yang bersinar. Tetapi teknik mozaik itu sendiri, dengan pengecualian yang jarang, seharusnya sudah menjadi bagian dari masa lalu. Perkembangan lebih lanjut lukisan monumental harus berupa fresco, lukisan dinding, atau berdasarkan perkembangan tempera dan lukisan cat minyak.

Lukisan dinding di iklim Venesia yang lembab sangat awal mengungkapkan ketidakstabilannya. Dengan demikian, lukisan dinding Senyawa Jerman (1508), yang dieksekusi oleh Giorgione dengan partisipasi Titian muda, hampir hancur total. Hanya beberapa fragmen setengah pudar, dirusak oleh kelembapan, yang selamat, di antaranya sosok wanita telanjang, hampir penuh pesona Praxitele, buatan Giorgione. Oleh karena itu, tempat lukisan dinding dalam arti sebenarnya diambil oleh panel dinding di atas kanvas yang dirancang untuk ruangan tertentu dan dilakukan dengan teknik lukisan cat minyak.

Lukisan cat minyak mendapat perkembangan yang sangat luas dan kaya di Venesia, bukan hanya karena itu adalah teknik melukis yang paling nyaman untuk menggantikan lukisan dinding, tetapi juga karena keinginan untuk menyampaikan citra seseorang yang berhubungan erat dengan lingkungan alamnya, minat pada realistik. perwujudan nada dan kekayaan warna dari dunia yang terlihat dapat diungkapkan dengan kepenuhan dan fleksibilitas tertentu secara tepat dalam teknik lukisan cat minyak. Dalam hal ini, lukisan tempera di papan untuk komposisi kuda-kuda, berharga dengan kekuatan warnanya yang besar, sonoritas yang jelas bersinar, tetapi sifatnya lebih dekoratif, mau tidak mau harus digantikan oleh minyak, yang secara lebih fleksibel menyampaikan warna cahaya dan corak spasial dari lingkungan, lebih lembut dan nyaring memahat bentuk tubuh manusia. . Bagi Giorgione, yang bekerja relatif sedikit di bidang komposisi monumental yang besar, kemungkinan yang melekat dalam lukisan cat minyak ini sangat berharga.

Salah satu yang paling misterius dalam arti plot karya Giorgione pada periode ini adalah The Thunderstorm (Akademi Venesia).

Sulit bagi kami untuk mengatakan tentang plot spesifik apa "Badai Petir" yang ditulis.

Tetapi betapapun kaburnya makna plot eksternal bagi kami, yang, tampaknya, baik master itu sendiri, maupun penikmat dan penikmat seninya pada masa itu, tidak mementingkan hal yang menentukan, kami jelas merasakan keinginan seniman melalui semacam penjajaran gambar yang kontras untuk mereproduksi keadaan pikiran khusus tertentu. , dengan semua keserbagunaan dan kerumitan sensasi, yang dicirikan oleh integritas suasana hati secara umum. Mungkin salah satu karya pertama seorang master dewasa ini masih terlalu rumit dan membingungkan secara lahiriah dibandingkan dengan karya-karyanya nanti. Namun, semua ciri khas gaya dewasa Giorgione di dalamnya cukup jelas terlihat.

Sosok-sosok tersebut sudah berada di lingkungan lanskap itu sendiri, meski masih berada di dalam latar depan. Keragaman kehidupan alam ditampilkan secara luar biasa halus: kilatan petir dari awan tebal; dinding bangunan abu-perak di kota yang jauh; jembatan yang membentang di sungai; perairan, terkadang dalam dan tidak bergerak, terkadang mengalir; jalan berliku; terkadang sangat rapuh, terkadang rimbun pepohonan dan semak-semak, dan lebih dekat ke latar depan- fragmen kolom. Ke dalam lanskap yang aneh ini, fantastis dalam kombinasinya, dan begitu jujur dalam detail dan suasana hati secara umum, sosok misterius wanita telanjang dengan syal dilemparkan ke bahunya, memberi makan seorang anak, dan seorang gembala muda tertulis. Semua elemen heterogen ini membentuk keseluruhan yang aneh dan agak misterius. Kelembutan akord, sonoritas warna yang teredam, seolah-olah diselimuti karakteristik udara semi-senja dari pencahayaan pra-badai, menciptakan kesatuan gambar tertentu, di mana hubungan yang kaya dan gradasi nada berkembang. Jubah oranye-merah pemuda itu, kemeja putih kehijauannya yang berkilauan, warna kebiruan yang lembut dari jubah putih wanita itu, warna zaitun perunggu dari kehijauan pepohonan, sekarang hijau tua di kolam yang dalam, sekarang air sungai berkilauan di jeram, warna biru pekat dari awan - semuanya diselimuti , disatukan pada saat yang sama oleh cahaya yang sangat vital dan sangat misterius.

Sulit bagi kami untuk menjelaskan dengan kata-kata mengapa sosok-sosok ini, begitu berlawanan, entah bagaimana disatukan oleh gema guntur di kejauhan yang tiba-tiba dan ular petir yang berkedip-kedip, menerangi dengan sifat cahaya hantu, dengan hati-hati diam mengantisipasi. "Badai Petir" secara puitis menyampaikan kegembiraan jiwa manusia yang tertahan, terbangun dari mimpinya oleh gema guntur di kejauhan.

Gambar. hlm. 256-257

Perasaan kompleksitas misterius dunia spiritual batin seseorang, tersembunyi di balik keindahan transparan yang tampak jelas dari penampilan luarnya yang mulia, terungkap dalam "Judith" yang terkenal (sebelum 1504; Leningrad, Pertapaan). "Judith" secara formal adalah komposisi bertema alkitabiah. Selain itu, tidak seperti lukisan banyak Quattrocentist, ini adalah komposisi dengan tema, dan bukan ilustrasinya. Merupakan karakteristik bahwa sang master menggambarkan bukan momen puncak dari sudut pandang perkembangan acara, seperti yang biasa dilakukan oleh para master Quattrocento (Judith menyerang Holofernes yang mabuk dengan pedang atau membawa kepalanya yang terpenggal bersama pelayan).

Dengan latar belakang lanskap jernih sebelum matahari terbenam yang tenang di bawah kanopi pohon ek, Judith yang ramping berdiri bersandar di pagar langkan. Kelembutan halus sosoknya kontras dengan batang besar pohon yang perkasa. Pakaian merah tua yang lembut diresapi dengan ritme lipatan yang pecah-pecah, seolah-olah oleh gema jauh dari angin puyuh yang lewat. Di tangannya dia memegang pedang besar bermata dua dengan ujung tajam di tanah, kilau dingin dan kelurusannya secara kontras menekankan kelenturan kaki setengah telanjang yang menginjak-injak kepala Holofernes. Setengah senyum yang tak terlihat meluncur di wajah Judith. Komposisi ini, tampaknya, menyampaikan semua pesona citra seorang wanita muda, cantik dingin dan jernih, yang digaungkan, seperti semacam musik pengiring, oleh kejernihan lembut alam damai. Pada saat yang sama, ujung pedang yang dingin, kekejaman motif yang tak terduga - kaki telanjang yang lembut menginjak-injak kepala yang sudah mati - membawa perasaan kecemasan dan kecemasan yang samar-samar ke dalam suasana hati yang tampaknya harmonis, hampir indah ini. gambar.

Secara keseluruhan, tentunya kemurnian yang jernih dan tenang dari mood dreamy tetap menjadi motif yang dominan. Namun, gambar yang sangat indah dan kekejaman misterius dari motif pedang dan kepala yang terinjak-injak, kompleksitas yang hampir rebus dari suasana hati ganda ini membuat penonton modern bingung. Tetapi orang-orang sezaman Giorgione, tampaknya, kurang terpengaruh oleh kekejaman kontras (humanisme Renaisans tidak pernah terlalu sensitif), daripada tertarik oleh transmisi halus gema badai jauh dan konflik dramatis, yang dengannya perolehan harmoni yang halus, keadaan bahagia dari jiwa manusia yang indah yang sedang bermimpi.

Merupakan ciri khas Giorgione bahwa dalam citra seseorang dia tidak begitu tertarik pada kekuatan dan kecerahan unik dari karakter yang diekspresikan secara individual, tetapi pada cita-cita integral yang halus dan pada saat yang sama secara harmonis dari orang yang sempurna, atau , lebih tepatnya, cita-cita keadaan spiritual tempat seseorang tinggal. Oleh karena itu, dalam komposisinya, kekhususan potret karakter tersebut hampir tidak ada, yang, dengan beberapa pengecualian (misalnya, Michelangelo), hadir dalam komposisi monumental dari sebagian besar master Renaisans Italia. Apalagi komposisi Giorgione sendiri hanya bisa disebut monumental sampai batas tertentu. Biasanya, ukurannya kecil. Mereka tidak ditujukan kepada banyak orang. Muse halus Giorgione - Ini adalah seni yang paling langsung mengekspresikan dunia estetika dan moral elit humanistik masyarakat Venesia. Ini adalah lukisan yang dirancang untuk kontemplasi tenang jangka panjang oleh seorang ahli seni dengan dunia spiritual batin yang halus dan berkembang secara kompleks. Ini adalah pesona khusus dari sang master, tetapi juga keterbatasannya.

Dalam kesusastraan, sering kali ada upaya untuk mereduksi makna seni Giorgione menjadi ekspresi cita-cita hanya elit ningrat Venesia kecil yang tercerahkan secara humanis pada waktu itu. Namun, ini tidak sepenuhnya benar, atau lebih tepatnya, tidak hanya itu. Isi objektif seni Giorgione jauh lebih luas dan lebih universal daripada strata sosial sempit yang terhubung langsung dengan karyanya. Perasaan kebangsawanan jiwa manusia yang halus, perjuangan untuk kesempurnaan ideal dari citra indah seseorang yang hidup selaras dengan lingkungan, dengan dunia sekitarnya, juga memiliki makna progresif umum yang besar bagi perkembangan budaya.

Seperti yang telah disebutkan, ketertarikan pada ketajaman potret bukanlah ciri khas karya Giorgione. Ini tidak berarti sama sekali bahwa karakternya seperti gambar klasik seni kuno, tanpa orisinalitas tertentu. Ini salah. Orang majusnya di Pemujaan Orang Majus awal dan para filsuf di Tiga Filsuf (c. 1508) berbeda satu sama lain tidak hanya dalam usia, tetapi juga dalam penampilan pribadi mereka. Namun demikian, para filsuf, dengan semua perbedaan individu dalam gambar, pertama-tama tidak dianggap sebagai individu yang unik, cerah, berkarakter potret, atau bahkan lebih sebagai gambar tiga usia (seorang pemuda, seorang suami yang matang dan seorang lelaki tua). ), tetapi sebagai perwujudan dari berbagai sisi, berbagai segi jiwa manusia.

Semacam sintesis dari yang ideal dan yang hidup orang tertentu adalah potret Giorgione. Salah satu yang paling khas adalah potretnya yang luar biasa oleh Antonio Brocardo (c. 1508-1510; Budapest, Museum). Di dalamnya, tentu saja, fitur potret individu seorang pemuda bangsawan disampaikan secara akurat dan jelas, tetapi jelas dilunakkan, di bawah citra orang yang sempurna.

Gerakan bebas tanpa batas dari tangan pemuda itu, energi yang terasa di tubuh setengah tersembunyi di bawah jubah longgar, kecantikan mulia dari wajah pucat berkulit gelap, kepala tertunduk di leher yang kuat dan ramping, keindahan kontur mulut yang digariskan secara elastis, mimpi yang bijaksana dari pandangan yang memandang jauh dan jauh dari penonton - semua ini menciptakan citra yang penuh dengan kekuatan mulia, ditangkap oleh pemikiran seseorang yang dalam dan jernih. Lekukan lembut teluk dengan air yang tenang, pantai pegunungan yang sunyi dengan bangunan-bangunan yang sangat tenang membentuk latar belakang lanskap, yang, seperti biasa dengan Giorgione, tidak secara bersamaan mengulangi ritme dan suasana hati tokoh utama, tetapi, seolah-olah, secara tidak langsung. selaras dengan suasana hati ini.

Kelembutan potongan pahatan wajah dan tangan agak mengingatkan pada sfumato Leonardo. Leonardo dan Giorgione secara bersamaan memecahkan masalah menggabungkan arsitektonik yang jelas secara plastis dari bentuk tubuh manusia dengan pemodelannya yang lembut, yang memungkinkan untuk menyampaikan kekayaan nuansa plastik dan chiaroscuro - bisa dikatakan, "nafas" yang sangat dari tubuh manusia. Jika di Leonardo ini lebih merupakan gradasi terang dan gelap, bayangan terbaik dari bentuk, maka di Giorgione sfumato memiliki karakter khusus - ini adalah pemodelan mikro dari volume tubuh manusia dengan lebar itu. aliran cahaya lembut yang membanjiri seluruh ruang lukisan. Oleh karena itu, sfumato Giorgione juga menyampaikan interaksi warna dan cahaya yang menjadi ciri khas lukisan Venesia abad ke-16. Jika apa yang disebut potret Laura (c. 1505-1506; Wina) agak biasa-biasa saja, maka citra wanita lainnya pada dasarnya adalah perwujudan kecantikan yang ideal.

Potret Giorgione memulai garis perkembangan Venesia yang luar biasa, khususnya Titian, potret Renaisans Tinggi. Ciri-ciri potret Giorgione akan dikembangkan lebih lanjut oleh Titian, yang, bagaimanapun, tidak seperti Giorgione, memiliki pemahaman yang lebih tajam dan lebih kuat tentang keunikan individu dari karakter manusia yang digambarkan, persepsi dunia yang lebih dinamis.

Karya Giorgione diakhiri dengan dua karya - "Venus Tidur" (c. 1508-1510; Dresden) dan "Konser" Louvre. Lukisan-lukisan ini masih belum selesai, dan latar belakang lanskap di dalamnya diselesaikan oleh teman dan murid Giorgione yang lebih muda, Titian yang agung. "Sleeping Venus", sebagai tambahan, telah kehilangan beberapa kualitas gambarnya karena sejumlah kerusakan dan kegagalan restorasi. Namun bagaimanapun juga, dalam karya inilah cita-cita kesatuan keindahan fisik dan spiritual manusia terungkap dengan kepenuhan humanistik yang luar biasa dan kejelasan yang hampir kuno.

Tenggelam dalam tidur yang tenang, Venus telanjang digambarkan dengan latar belakang lanskap pedesaan, ritme perbukitan yang tenang dan lembut begitu selaras dengan citranya. Suasana mendung melembutkan semua kontur dan pada saat yang sama mempertahankan ekspresi bentuk yang plastis.

Seperti kreasi High Renaissance lainnya, George's Venus tertutup dalam keindahannya yang sempurna dan, seolah-olah, terasing baik dari penonton maupun dari musik alam sekitarnya, selaras dengan keindahannya. Bukan kebetulan bahwa dia tenggelam dalam mimpi yang jelas tentang tidur yang tenang. Tangan kanan yang dilemparkan ke belakang kepala menciptakan satu lekukan ritmis yang merangkul tubuh dan menutup semua bentuk menjadi satu kontur halus.

Dahi yang tenang dan ringan, alis yang melengkung dengan tenang, kelopak mata yang diturunkan dengan lembut, dan mulut yang indah dan tegas menciptakan citra kemurnian transparan yang tak terlukiskan dengan kata-kata. Semuanya penuh dengan transparansi kristal itu, yang hanya dapat dicapai jika roh yang jernih dan tidak berkabut hidup dalam tubuh yang sempurna.

"Country Concert" (c. 1508 -1510; Louvre) menggambarkan sekelompok dua pria muda dengan pakaian megah dan dua wanita telanjang dengan latar belakang pemandangan yang tenang dan khusyuk. Mahkota pohon yang membulat, gerakan lambat yang tenang dari awan lembab secara mengejutkan selaras dengan ritme bebas pakaian dan gerakan pria muda, dengan kecantikan mewah wanita telanjang. Pernis yang semakin gelap seiring waktu memberi warna emas yang hangat dan hampir panas pada gambar itu. Padahal, lukisannya awalnya bercirikan nada keseluruhan yang seimbang. Itu dicapai dengan penjajaran harmonik yang akurat dan halus dari nada yang sangat dingin dan cukup hangat. Halus dan kompleks inilah, yang diperoleh melalui kontras yang ditangkap secara akurat, netralitas lembut dari nada umum yang tidak hanya menciptakan karakteristik kesatuan Giorgione antara diferensiasi corak yang kompleks dan kejernihan keseluruhan warna, tetapi juga agak melunak yang menyenangkan. himne sensual untuk keindahan dan kenikmatan hidup yang luar biasa, yang terkandung dalam gambar ini. .

Lebih jauh dari karya Giorgione lainnya, "Country Concert" tampaknya mempersiapkan penampilan Titian. Pada saat yang sama, pentingnya karya akhir Giorgione ini tidak hanya dalam peran persiapannya, tetapi pada kenyataan bahwa itu sekali lagi mengungkapkan pesona asli dari karya seniman ini, yang belum pernah diulangi oleh siapa pun di masa depan. Kegembiraan sensual berada di Titian terdengar seperti himne gembira yang cerah dan ceria untuk kebahagiaan manusia, hak alaminya untuk menikmati. Di Giorgione, kegembiraan sensual dari motif dilunakkan oleh kontemplasi melamun, tunduk pada harmoni yang jelas dan seimbang dari pandangan hidup holistik.

Oleh karena itu, pewarnaan dari keseluruhan komposisi ini secara keseluruhan adalah netral, oleh karena itu gerakan wanita cantik yang termenung begitu tenang tertahan, oleh karena itu warna jubah mewah kedua pemuda tersebut terdengar teredam, oleh karena itu keduanya tidak terlalu berubah. untuk merenungkan kecantikan pacar mereka saat tenggelam dalam dunia musik yang sunyi: mereka hanya terdiam suara lembut seruling, yang diambil oleh kecantikan dari bibirnya; akord senar kecapi terdengar lembut di tangan seorang pemuda; dari jauh, dari bawah rumpun pohon, hampir tidak terdengar suara bagpipe yang membosankan, yang dimainkan oleh seorang gembala yang sedang merumput. Wanita kedua, bersandar pada sumur marmer, mendengarkan gumaman pelan jet yang mengalir dari bejana kaca transparan. Suasana musik yang membumbung tinggi ini, perendaman dalam dunia melodinya memberikan pesona mulia khusus pada visi tentang kegembiraan makhluk yang indah dan indah secara sensual dan puitis ini.

Karya Titian, seperti Leonardo, Raphael, Michelangelo, menandai puncak seni Renaisans Tinggi. Karya-karya Titian selamanya memasuki dana emas warisan artistik umat manusia. Persuasi gambar yang realistis, keyakinan humanistik pada kebahagiaan dan keindahan seseorang, luas, fleksibel dan patuh pada master plan lukisan adalah ciri khas karyanya.

Tiziano Vecellio dari Cadore lahir, menurut data tradisional, pada tahun 1477, meninggal pada tahun 1576 karena wabah. Menurut penelitian terbaru, tanggal lahir oleh berbagai peneliti dikaitkan dengan 1485-1490.

Titian, seperti Michelangelo, berumur panjang; dekade terakhir karyanya berlangsung dalam suasana akhir Renaisans, dalam kondisi persiapan di kedalaman masyarakat Eropa untuk tahap selanjutnya dari perkembangan sejarahnya.

Italia, yang pada akhir Renaisans tetap menyendiri dari jalur utama perkembangan lebih lanjut hubungan kapitalis, ternyata secara historis tidak mampu menciptakan satu negara nasional, jatuh di bawah kekuasaan kekuatan asing, dan menjadi benteng utama reaksi Katolik feodal. . Kekuatan kemajuan di Italia terus ada dan terasa di bidang budaya (Campanella, Giordano Bruno), tetapi basis sosial mereka terlalu lemah. Oleh karena itu, persetujuan yang konsisten atas ide-ide progresif baru dalam seni, penciptaan sistem artistik baru realisme menemui kesulitan khusus di sebagian besar wilayah Italia, kecuali Venesia, yang mempertahankan kebebasannya dan sebagian kesejahteraannya. Pada saat yang sama, tradisi tinggi pengerjaan realistis, luasnya cita-cita humanistik dari perkembangan satu setengah abad Renaisans menentukan kesempurnaan estetika seni ini. Dalam kondisi tersebut, karya Titian periode akhir menjadi luar biasa karena memberikan contoh seni realistik progresif, berdasarkan pengolahan dan pengembangan pencapaian utama High Renaissance dan sekaligus mempersiapkan peralihan seni ke tahap selanjutnya dari perkembangan sejarahnya.

Kebebasan Venesia dari kekuasaan paus dan dari dominasi intervensionis asing memfasilitasi penyelesaian tugas-tugas yang dihadapi Titian. Krisis sosial di Venesia terjadi lebih lambat daripada di wilayah lain di Italia dan mengambil bentuk yang berbeda. II jika seseorang tidak boleh membesar-besarkan "kebebasan" republik oligarkis Venesia, maka bagaimanapun pelestarian karakter sekuler budaya, pelestarian bagian tertentu dari kesejahteraan ekonomi untuk saat ini berdampak positif pada perkembangan seni, meskipun secara keseluruhan pertumbuhan umum dan intensifikasi reaksi terasa di Venesia.

Karya Titian hingga tahun 1540-an sepenuhnya terkait dengan cita-cita artistik High Renaissance. Pada tahun 1540-1570-an, ketika Venesia memasuki masa krisis, Titian, dari sudut pandang ide-ide maju Renaisans, dengan berani dan tulus menunjukkan posisi sosial baru manusia, kondisi sosial baru untuk perkembangan Italia. Titian dengan tegas memprotes segala sesuatu yang buruk dan memusuhi martabat manusia, terhadap segala sesuatu yang dibawa oleh waktu reaksi yang telah tiba di Italia, yang menghambat dan menunda kemajuan sosial rakyat Italia lebih lanjut. Benar, Titian tidak menempatkan dirinya sendiri tugas langsung refleksi rinci dan langsung dan penilaian kritis terhadap kondisi sosial kehidupan pada masanya.Tahap baru secara kualitatif dalam sejarah realisme datang jauh kemudian dan menerima perkembangan nyata hanya dalam seni dari abad ke-19.

Kita dapat membedakan dua tahap utama dalam karya Titian: Titian - master dari Renaisans Tinggi (dan pada tahap pertama, awal, "periode Georgionev" - hingga 1515/16 harus dibedakan) dan Titian - mulai dari sekitar tahun 1540-an - master Renaisans akhir. Dalam idenya tentang keindahan harmonis dan kesempurnaan manusia, Titian periode pertama sebagian besar melanjutkan tradisi pendahulunya yang hebat dan orang sezaman yang lebih tua, Giorgione.

Dalam karyanya, sang seniman mengembangkan dan memperdalam masalah bergambar aneh yang menjadi ciri khas Giorgione dan seluruh sekolah Venesia. Hal ini ditandai dengan transisi bertahap dari pemodelan bentuk yang lembut dan pancaran warna Giorgione yang lembut, tertahan, dan dingin ke simfoni warna yang kuat dan penuh cahaya dari periode kematangan kreatif, yaitu mulai dari 1515-1516. Selama tahun-tahun tersebut, pada saat yang sama, Titian memperkenalkan nuansa baru dan sangat signifikan ke dalam pemahaman kecantikan manusia, ke dalam struktur emosional dan figuratif bahasa lukisan Venesia.

Para pahlawan Titian mungkin kurang halus dibandingkan para pahlawan Giorgione, tetapi juga kurang misterius, lebih aktif, lebih integral, lebih dijiwai dengan permulaan "kafir" yang jelas, sensual. Benar, "Konser" -nya (Florence, Galeri Pitti), yang telah lama dikaitkan dengan Giorgione, masih sangat dekat semangatnya dengan master ini. Tapi di sini juga, komposisinya lebih alami sederhana dalam ritmenya, perasaan kepenuhan sensual dari makhluk yang jernih dan bahagia sudah memiliki corak sesuatu yang sebenarnya Titianian.

"Cinta di Bumi dan Surga" (1510-an; Roma, Galleria Borghese) adalah salah satu karya pertama Titian, di mana orisinalitas senimannya terungkap dengan jelas. Plot gambarnya masih misterius. Terlepas dari apakah wanita berpakaian dan telanjang menggambarkan pertemuan Medea dan Venus (sebuah episode dari alegori sastra "The Dream of Polyphemus", yang ditulis pada tahun 1467) atau, kemungkinan kecil, melambangkan cinta duniawi dan surgawi - kunci untuk memahami isinya dari karya ini tidak terletak pada penceritaan. Tujuan Titian adalah untuk menyampaikan keadaan pikiran tertentu. Nada lanskap yang lembut dan tenang, kesegaran tubuh telanjang, kemerduan warna yang jelas dari warna pakaian yang indah dan agak dingin (warna kuning keemasan adalah hasil dari waktu) menciptakan kesan kegembiraan yang tenang. Gerakan kedua sosok itu sangat indah dan sekaligus penuh pesona vital. Ritme lanskap yang tenang menyebar di belakang kami, seolah-olah memicu kealamian dan kemuliaan gerakan tubuh manusia yang indah.

Ketenangan dan kontemplasi halus ini tidak ada dalam "Assunta" - "Ascension of Mary" (1518; Gereja Santa Maria Gloriosa dei Frari di Venesia). Penjajaran Maria yang bersemangat gembira, cantik di puncak kecantikan femininnya, dan para rasul, orang-orang cantik yang kuat dan berani yang mengalihkan pandangan kagum padanya, diresapi dengan rasa energi dan vitalitas optimis yang luar biasa. Selain itu, "Assunta" dibedakan oleh sifat monumental yang heroik dari seluruh struktur figuratifnya. Optimisme heroik yang melekat dalam karya Titian setelah 1516-1518 tampaknya terkait dengan kebangkitan umum dalam kehidupan spiritual dan sosial Venesia, yang disebabkan oleh rasa vitalitas kota, yang ditunjukkan selama perjuangan dengan Liga Cambrai dan selanjutnya. perang yang disebut Liga Suci. Tidak ada "keheningan Georgia" dalam "Bacchanalia" -nya, khususnya dalam "Bacchus and Ariadne" (1532). Gambaran ini dianggap sebagai himne gelisah tentang keindahan dan kekuatan perasaan manusia yang menyatakan dirinya.

Komposisi gambarnya holistik dan bebas dari adegan dan detail sekunder yang mengganggu. Bacchus yang gembira menyapa Ariadne dengan gerakan lebar dan bebas. Warna panas, keindahan gerakan cepat, lanskap gelisah, selaras dengan suasana hati, menjadi ciri khas gambar ini.

Penegasan kegembiraan keberadaan menemukan ekspresinya yang jelas dalam Venus karya Titian (c. 1538; Uffizi). Ini mungkin kurang mulia daripada Venus Giorgione, tetapi dengan harga ini vitalitas gambar yang lebih langsung tercapai. Penafsiran motif plot yang konkret dan hampir berbasis genre, sekaligus meningkatkan vitalitas kesan langsung, tidak mengurangi pesona puitis citra wanita cantik.

Venesia Titian adalah salah satu pusat budaya dan sains maju pada masanya. Luasnya hubungan perdagangan, banyaknya akumulasi kekayaan, pengalaman pembuatan kapal dan navigasi, perkembangan kerajinan menentukan berkembangnya ilmu teknik, ilmu alam, kedokteran, dan matematika. Pelestarian kemerdekaan dan sifat sekuler pemerintahan, vitalitas tradisi humanisme berkontribusi pada maraknya filsafat dan budaya artistik, arsitektur, lukisan, musik, dan pencetakan buku. Venesia telah menjadi pusat terbesar kegiatan penerbitan di Eropa. Budaya maju Venesia dicirikan oleh posisi yang relatif independen dari tokoh budaya paling terkemuka, prestise intelektual mereka yang tinggi.

Perwakilan terbaik dari kaum intelektual, membentuk lapisan sosial khusus, membentuk lingkaran yang terjalin erat, salah satu perwakilan paling menonjol di antaranya adalah Titian; dekat dengannya adalah Aretino, pendiri jurnalisme, penulis, humas, "badai para tiran", serta Jacopo Sansovino. Menurut orang-orang sezaman, mereka membentuk semacam tiga serangkai, yang merupakan pengatur kehidupan budaya kota. Beginilah seorang saksi mata menggambarkan salah satu malam yang dihabiskan Titian bersama teman-temannya. Sebelum matahari terbenam, Titian dan tamunya menghabiskan waktu mereka “untuk merenungkan gambar-gambar hidup dan gambar-gambar terindah yang mengisi rumah itu, dalam diskusi tentang keindahan dan pesona taman yang sebenarnya, untuk kesenangan dan kejutan besar bagi semua orang, terletak di pinggiran Venesia di atas laut. Dari tempat itu Anda bisa melihat Kepulauan Murano dan tempat-tempat indah lainnya. Bagian laut ini, segera setelah matahari terbenam, dipenuhi ribuan gondola, dihiasi dengan wanita tercantik dan terdengar dalam harmoni musik dan lagu yang mempesona, yang menemani makan malam kami yang penuh kegembiraan hingga tengah malam.

Akan tetapi, salah jika mereduksi karya Titian pada periode ini hanya untuk mengagungkan kenikmatan sensual hidup. Gambar Titian bebas dari segala jenis fisiologi, yang umumnya asing bagi seni Renaisans. Penampilan Terbaik Titian cantik tidak hanya secara fisik, tetapi juga secara spiritual. Mereka dicirikan oleh kesatuan perasaan dan pikiran, spiritualitas luhur dari citra manusia.

Jadi, Kristus dalam lukisannya yang menggambarkan Kristus dan orang Farisi ("Denarius of Caesar", 1515-1520; Galeri Dresden) dipahami sebagai orang yang sempurna secara harmonis, tetapi nyata, sama sekali bukan pribadi yang ilahi. Isyarat tangannya alami dan mulia. Wajahnya yang ekspresif dan cantik memukau dengan spiritualitas ringan.

Spiritualitas yang jelas dan mendalam ini terasa pada figur dan komposisi altar Pesaro Madonna (1519-1526; Gereja Santa Maria Gloriosa dei Frari). Di dalamnya, sang guru berhasil menganugerahi para peserta dari adegan seremonial yang tampaknya satu-satunya ini dengan kehidupan spiritual yang kaya, keseimbangan kekuatan spiritual yang jelas. Merupakan karakteristik bahwa kemerduan utama dari akord warna komposisi - kerudung putih Mary yang bercahaya, biru, ceri, merah tua, corak pakaian keemasan, karpet hijau - tidak mengubah gambar menjadi tontonan dekoratif luar yang mencegah persepsi objek. citra orang. Sebaliknya, gamut bergambar tampak sangat selaras dengan karakter yang cerah, penuh warna, dan ekspresif dari karakter yang digambarkan. Kepala anak laki-laki itu sangat menawan. Dengan keaktifan yang terkendali, dia menoleh ke arah penonton, matanya, penuh minat muda dan perhatian terhadap kehidupan.

Tema-tema yang bersifat dramatis tidak asing bagi Titian pada periode ini, yang wajar dengan latar belakang tekanan kekuatan itu, dalam perjuangan sulit yang dialami Venesia baru-baru ini. Jelas, pengalaman perjuangan heroik ini dan cobaan yang terkait dengannya sebagian besar berkontribusi pada pencapaian kekuatan penuh keberanian dan keagungan kesedihan yang menyedihkan, yang diwujudkan oleh Titian dalam Louvre Entombment (1520-an).

Tubuh Kristus yang indah dan kuat membangkitkan dalam imajinasi pemirsa gagasan tentang pahlawan pejuang pemberani yang gugur dalam pertempuran, dan sama sekali bukan penderita sukarela yang memberikan hidupnya untuk menebus dosa-dosa manusia. Pewarnaan lukisan yang sangat panas, kekuatan gerak dan kekuatan perasaan orang-orang pemberani yang kuat yang membawa tubuh yang jatuh, komposisi yang sangat kompak, di mana sosok-sosok yang dibawa ke depan memenuhi seluruh bidang kanvas , beri gambar suara heroik, jadi ciri khas seni Renaisans Tinggi. Dalam karya ini, dengan segala dramanya, tidak ada perasaan putus asa, tidak ada gangguan batin. Jika ini adalah tragedi, maka dalam istilah modern ini adalah tragedi optimis yang mengagungkan kekuatan jiwa manusia, keindahan dan keluhurannya bahkan dalam penderitaan. Ini membedakannya dari kesedihan tanpa harapan di kemudian hari, Madrid "Berbaring di Peti Mati" (1559).

Di Louvre "The Entombment" dan khususnya di "Assassination of St. Peter the Martyr" (1528-1530), tahap baru yang dicapai oleh Titian dalam menyampaikan hubungan antara mood alam dan pengalaman para pahlawan yang digambarkan patut diperhatikan. Begitulah nada matahari terbenam yang suram dan mengancam di The Entombment, angin puyuh badai yang mengguncang pepohonan di The Assassination of St. Peter”, begitu selaras dengan ledakan nafsu tanpa ampun ini, amukan si pembunuh, keputusasaan Peter. Dalam karya-karya tersebut, keadaan alam seolah-olah disebabkan oleh tindakan dan nafsu manusia. Dalam hal ini, kehidupan alam berada di bawah manusia, yang masih tetap menjadi "penguasa dunia". Belakangan, di almarhum Titian dan khususnya di Tintoretto, kehidupan alam sebagai perwujudan dari kekacauan kekuatan unsur alam semesta memperoleh kekuatan keberadaan yang tidak bergantung pada manusia dan seringkali memusuhi dia.

Komposisi "Pengantar Kuil" (1534-1538: Akademi Venesia) seolah-olah berada di ambang dua periode dalam karya Titian dan menekankan hubungan internal mereka. Dibandingkan dengan Madonna Pesaro, ini adalah langkah selanjutnya dalam penguasaan panggung grup. Karakter yang cerah dan kuat muncul dalam segala kepastiannya dan membentuk kelompok yang tidak terpisahkan, disatukan oleh kepentingan bersama dalam acara yang sedang berlangsung.

Sepintas jelas, komposisi yang koheren berpadu sempurna dengan narasi peristiwa yang mendetail. Titian secara konsisten mengalihkan perhatian penonton dari kerabat dan teman keluarga Maria ke kerumunan orang yang ingin tahu, dengan latar belakang pemandangan yang megah, dan kemudian ke sosok kecil gadis Mary yang menaiki tangga, berhenti sejenak di tangga candi. Pada saat yang sama, platform tangga tempat dia berdiri, seolah-olah, menciptakan jeda pada anak tangga yang naik, sesuai dengan jeda dalam gerakan Maria sendiri. Dan terakhir, komposisi diakhiri dengan sosok agung dari pendeta tinggi dan rekan-rekannya. Keseluruhan gambar diresapi dengan semangat pesta dan rasa pentingnya acara tersebut. Gambar seorang wanita tua yang menjual telur penuh dengan vitalitas rakyat yang vital, yang menjadi ciri khas sejumlah karya seniman tahun 1530-an, serta gambar seorang pelayan yang mengobrak-abrik peti dalam lukisan "Venus of Urbino". (Uffizi). Karena itu, Titian memperkenalkan nada vitalitas langsung, melembutkan kegembiraan komposisinya yang agung.

Titian berhasil mewujudkan cita-cita orang yang cantik secara fisik dan spiritual, yang diberikan dalam semua kepenuhan vital keberadaannya, dalam sebuah potret. Begitulah potret seorang pemuda dengan sarung tangan robek (1515-1520; Louvre). Dalam potret ini, kemiripan individu tersampaikan dengan sempurna, namun perhatian utama seniman tertuju bukan pada detail pribadi dalam penampilan seseorang, tetapi pada umumnya, pada ciri khas citranya. Titian, seolah-olah, mengungkapkan melalui orisinalitas individu dari kepribadian ciri-ciri umum seorang pria Renaisans.

Bahu lebar, lengan yang kuat dan ekspresif, postur tubuh yang anggun, kemeja putih yang kerahnya dibuka sembarangan, wajah muda berkulit gelap, di mana mata menonjol dengan kecemerlangannya yang hidup, menciptakan citra yang penuh kesegaran dan pesona masa muda. Karakter tersebut disampaikan dengan semua spontanitas kehidupan, tetapi dalam ciri-ciri inilah kualitas utama dan semua keharmonisan unik dari orang yang bahagia dan yang tidak mengetahui keraguan yang menyakitkan dan perselisihan internal terungkap.

Periode ini juga mencakup keanggunannya yang agak dingin "Violanta" (Vienna), serta potret Tommaso Mosti (Pitti), yang mengejutkan dengan kebebasan bergambar karakterisasi dan kemuliaan gambar.

Namun jika dalam potret Titian dengan kelengkapan luar biasa menyampaikan citra seorang lelaki Renaisans yang penuh energi berkemauan keras dan kecerdasan sadar, mampu melakukan aktivitas heroik, maka dalam potret Titian itulah kondisi baru kehidupan manusia yang menjadi ciri khas. akhir Renaisans menemukan refleksi mendalam mereka.

Potret Ippolito Riminaldi (Florence, Galeri Pitti) memberi kita kesempatan untuk menangkap perubahan besar yang digariskan pada tahun 1540-an. dalam karya Titian. Di wajah kurus Riminaldi, dibatasi oleh janggut lembut, perjuangan dengan kontradiksi realitas yang rumit meninggalkan jejaknya. Gambar ini beresonansi sampai batas tertentu dengan gambar Hamlet Shakespeare.

Potret Titian, yang dibuat pada akhir Renaisans - mulai dari tahun 1540-an, justru memukau dengan kompleksitas karakter, intensitas hasrat. Orang-orang yang diwakilinya keluar dari keadaan keseimbangan tertutup atau dorongan hasrat yang sederhana dan integral, yang menjadi ciri khas gambaran Renaisans klasik. Penggambaran gambar yang kompleks dan kontradiktif, karakter, seringkali kuat, tetapi seringkali jelek, tipikal era baru ini, adalah kontribusi Titian pada potret.

Sekarang Titian menciptakan gambar yang tidak khas dari High Renaissance. Begitulah Paul III (1543; Naples), yang secara lahiriah mengingatkan pada komposisi potret Julius II Raphael. Tetapi kesamaan ini hanya menekankan perbedaan yang mendalam gambar-gambar. Kepala Julius digambarkan dengan ketenangan objektif tertentu; itu adalah karakteristik dan ekspresif, tetapi dalam potret itu sendiri, pertama-tama, ciri-ciri utama dari karakternya yang selalu menjadi ciri khas orang ini tersampaikan.

Wajah berkemauan keras yang terkonsentrasi dan bijaksana berkorespondensi dengan tenang, secara otoritatif berbaring di lengan kursi. Tangan Pavel sangat gugup, lipatan jubahnya penuh gerakan. Sedikit membenamkan kepalanya ke bahunya, dengan rahang predator yang kendur pikun, dia menatap kami dari potret dengan mata licik yang waspada.

Gambaran Titian pada tahun-tahun ini pada dasarnya kontradiktif dan dramatis. Karakter disampaikan dengan kekuatan Shakespeare. Kedekatan dengan Shakespeare ini sangat akut dalam potret kelompok yang menggambarkan Paul dengan keponakan laki-lakinya Ottavio dan Alessandro Farnese (1545-1546; Napoli, Museum Capodimonte). Kewaspadaan yang gelisah dari lelaki tua itu, menatap Ottavio dengan marah dan tidak percaya, perwakilan banalitas dari penampilan Alessandro, sanjungan merendahkan dari Ottavio muda, berani dengan caranya sendiri, tetapi seorang munafik yang dingin dan kejam, menciptakan pemandangan yang mencolok. dalam dramanya. Hanya seseorang yang dibesarkan oleh realisme Renaisans yang tidak takut untuk menunjukkan dengan jujur tanpa ampun semua kekuatan dan energi khas orang-orang ini dan pada saat yang sama mengungkapkan esensi karakter mereka. Egoisme mereka yang kejam, individualisme yang tidak bermoral diungkapkan dengan sangat teliti oleh sang master melalui perbandingan dan benturan mereka. Ketertarikan untuk mengungkap karakter melalui perbandingan mereka, dalam mencerminkan ketidakkonsistenan hubungan yang kompleks antara orang-orang yang mendorong Titian - bahkan untuk pertama kalinya - beralih ke genre potret kelompok, yang dikembangkan secara luas dalam seni potret. abad ke-17.

Nilai warisan potret realistik almarhum Titian, perannya dalam pelestarian dan pengembangan lebih lanjut dari prinsip-prinsip realisme terlihat jelas ketika membandingkan potret Titian dengan potret kontemporernya tentang Manneris. Memang, potret Titian sangat menentang prinsip potret seniman seperti Parmigianino atau Bronzino.

Dalam ahli tingkah laku, potret itu dijiwai dengan suasana subjektivis, stilisasi santun. Citra seseorang diberikan oleh mereka baik dalam imobilitas beku dan semacam keterasingan dingin dari orang lain, atau dalam istilah karakterisasi artistik yang dangkal dan menunjuk dengan gugup. Dalam kedua kasus tersebut, pengungkapan karakter seseorang yang sebenarnya, dunia spiritualnya, pada dasarnya, diturunkan ke latar belakang. Potret Titian sungguh luar biasa karena melanjutkan dan memperdalam garis realistis potret Renaisans.

Hal ini terlihat jelas pada potret Charles V yang duduk di kursi berlengan (1548, Munich). Potret ini sama sekali bukan cikal bakal dari potret Barok resmi seremonial. Itu menyerang dengan realisme tanpa ampun yang dianalisis oleh seniman dunia batin seseorang, sifat-sifatnya sebagai pribadi dan sebagai negarawan. Dalam hal ini dia menyerupai potret terbaik Velasquez. Kekuatan warna-warni dari karakterisasi orang yang kompleks, kejam, licik secara munafik dan pada saat yang sama berkemauan keras dan cerdas ini dibedakan oleh integritas plastik dan kecerahan gambar.

Dalam potret berkuda Charles V, yang digambarkan pada Pertempuran Mühlberg (1548; Prado), kekuatan karakterisasi psikologis kaisar dipadukan dengan kecemerlangan solusi bergambar, baik yang dekoratif-monumental maupun yang sangat realistis. Potret ini, berbeda dengan Munich, memang merupakan cikal bakal potret seremonial besar di era Barok. Pada saat yang sama, hubungan berturut-turut dengan komposisi potret besar master besar realisme abad ke-17, Velasquez, tidak kalah jelas terasa di dalamnya.

Berbeda dengan potret-potret tersebut, Titian, dalam sejumlah karya lain yang ditandai dengan kesederhanaan komposisi (biasanya gambar setengah panjang atau generasi dengan latar belakang netral), memusatkan perhatiannya pada pengungkapan karakter yang cerah dan holistik dalam semua kehidupannya. , terkadang energi kasar, seperti, misalnya, dalam potret Aretino (1545; Pitti), yang dengan sempurna menyampaikan energi, kesehatan, dan pikiran sinis yang terburu-buru, keserakahan akan kesenangan dan uang dari Venesia yang luar biasa dan begitu khas di era itu. seseorang. Pietro Aretino, pencipta sejumlah komedi, jenaka, meskipun tidak selalu cerita pendek dan puisi yang rapi, terutama terkenal dengan "penilaian", prediksi semi-bercanda, dialog, surat, diterbitkan secara luas dan mewakili, pada dasarnya, bekerja yang bersifat jurnalistik, di mana secara aneh menggabungkan pembelaan yang cerdas dan bersemangat dari pemikiran bebas dan humanisme, mengejek kemunafikan dan reaksi dengan pemerasan langsung terhadap "yang berkuasa" di seluruh Eropa. Kegiatan jurnalistik dan penerbitan, serta pemerasan yang disembunyikan dengan buruk, memungkinkan Aretino menjalani gaya hidup pangeran yang sesungguhnya. Serakah akan kesenangan sensual, Aretino pada saat yang sama adalah seorang ahli seni yang halus dan cerdas, seorang teman seniman yang tulus.

Masalah hubungan seseorang - pembawa cita-cita humanistik Renaisans - dengan kekuatan reaksioner yang bermusuhan yang mendominasi kehidupan Italia, tercermin dengan jelas dalam semua karya mendiang Titian. Refleksi ini tidak langsung, tidak selalu, mungkin, disadari sepenuhnya oleh seniman itu sendiri. Jadi, sudah dalam lukisan "Behold the Man" (1543; Wina), Titian untuk pertama kalinya menunjukkan konflik tragis sang pahlawan - Kristus dengan dunia di sekitarnya, dengan kekuatan yang memusuhi dia yang mendominasi dunia ini, dipersonifikasikan dalam Pilatus yang sangat sinis, menjijikkan, dan jelek. Dalam gambar-gambar yang didedikasikan, tampaknya, untuk penegasan kesenangan sensual hidup, catatan tragis baru terdengar jelas.

Sudah "Danaë" miliknya (c. 1554; Madrid, Prado) memiliki ciri-ciri baru dibandingkan dengan periode sebelumnya. Memang, "Danae", tidak seperti "Venus of Urbino", mengejutkan kita dengan semacam drama yang meresapi keseluruhan gambar. Tentu saja, artis itu jatuh cinta dengan keindahan nyata kehidupan duniawi, dan Danae cantik, terlebih lagi, kecantikan sensual yang terus terang. Namun yang menjadi ciri khas Titian kini memperkenalkan motif pengalaman dramatis, motif perkembangan passion. Bahasa master yang sangat artistik sedang berubah. Titian dengan berani mengambil rasio warna dan tonal, menggabungkannya dengan bayangan bercahaya. Berkat ini, ia menyampaikan kesatuan bentuk dan warna yang bergerak, kontur yang jelas dan pemodelan volume yang lembut, yang membantu mereproduksi alam, penuh gerakan, dan hubungan perubahan yang kompleks.

Di Danae, sang master masih menegaskan keindahan kebahagiaan seseorang, tetapi citra tersebut sudah kehilangan stabilitas dan ketenangan sebelumnya. Kebahagiaan bukan lagi keadaan permanen seseorang, itu diperoleh hanya pada saat-saat ledakan perasaan yang cerah. Bukan tanpa alasan bahwa keagungan yang jelas dari "Cinta di Bumi dan Surga" dan kebahagiaan yang tenang dari "Venus of Urbino" ditentang di sini oleh perasaan ledakan perasaan yang kuat.

Sangat ekspresif adalah perbandingan Danae dengan seorang pelayan tua yang kasar, yang dengan rakus menangkap koin hujan emas dengan celemek terentang, dengan rakus mengikuti alirannya. Kepentingan pribadi yang sinis dengan kasar menyerang gambaran itu: yang cantik dan yang jelek, yang luhur dan yang rendah terjalin secara dramatis dalam karya itu. Keindahan dorongan perasaan Danae yang cerah dan bebas secara manusiawi ditentang oleh sinisme dan kepentingan pribadi yang kasar. Tabrakan karakter ini dipertegas oleh kontras tangan wanita tua yang kasar dan diikat dan lutut lembut Danae, hampir saling bersentuhan.

Sampai batas tertentu, dengan segala perbedaan gambar, Titian menemukan solusinya di sini, mengingatkan pada komposisi lukisannya "Denarius of Caesar". Tetapi di sana, perbandingan keindahan moral yang lengkap dari citra Kristus dengan wajah orang Farisi yang gelap dan jelek, yang mewujudkan kelicikan dan nafsu manusia yang hina, mengarah pada penegasan keunggulan mutlak dan kemenangan prinsip manusiawi atas dasar. dan kejam.

Di Danae, meskipun Titian menegaskan kemenangan kebahagiaan, kekuatan keburukan dan kedengkian telah memperoleh kemerdekaan tertentu. Wanita tua itu tidak hanya menonjolkan kecantikan Danae secara kontras, tetapi juga menentangnya. Pada saat yang sama, selama tahun-tahun inilah Titian menciptakan rangkaian baru lukisannya yang benar-benar indah yang didedikasikan untuk mengagungkan pesona sensual kecantikan wanita. Namun, mereka sangat berbeda dari suara "Cinta di Bumi dan Surga" yang jelas dan meneguhkan hidup dan dari "Bacchanalia" (1520-an). "Diana and Actaeon" (1559; Edinburgh), "The Shepherd and the Nymph (Vienna)" -nya diselimuti nada-nada hangat yang berkilauan dengan kilatan merah, emas, biru dingin yang tertahan, lebih merupakan mimpi puitis, peri yang menawan dan mengasyikkan lagu dongeng tentang keindahan dan kebahagiaan, menjauh dari konflik tragis kehidupan nyata - bukan tanpa alasan seniman itu sendiri menyebut lukisan semacam ini sebagai "puisi". Hal yang sama berlaku untuk "Venus with Adonis" (Prado) miliknya yang luar biasa, yang, bagaimanapun, dibedakan oleh drama gairah langsung yang lebih besar daripada kebanyakan "puisi" lainnya saat ini. Namun, kecemasan yang tersembunyi, kelesuan jiwa terdengar di semua karya terbaik Titian dari siklus tahun 1559-1570-an ini. Ini terasa dalam kelap-kelip cahaya dan bayangan yang gelisah, dan dalam kecepatan pukulan yang bersemangat, dan dalam mimpi bidadari yang paling bersemangat, dan dalam animasi penuh gairah yang terkendali dari gembala muda ("The Shepherd and the Nymph", Wina).

Secara konsisten dan dengan kekuatan gambar yang luar biasa, gagasan estetika mendiang Titian tentang kehidupan terungkap dalam The Penitent Magdalene (1560-an), salah satu mahakarya koleksi Hermitage.

Gambar ini ditulis pada plot yang sangat khas dari era kontra reformasi. Padahal, dalam gambar ini, Titian kembali menegaskan dasar humanistik dan “kafir” dari karyanya. Realis hebat, dengan tegas memikirkan kembali plot religius-mistis, menciptakan sebuah karya yang, dalam isinya, secara terbuka memusuhi garis reaksioner-mistis dalam perkembangan budaya Renaisans akhir Italia.

Bagi Titian, makna gambar itu bukanlah dalam kesedihan pertobatan Kristiani, bukan dalam kelesuan manis ekstasi religius, dan terlebih lagi bukan dalam penegasan tentang kebinasaan daging, dari “ruang bawah tanah” yang “ jiwa inkorporeal” manusia tercabik-cabik kepada Tuhan. Dalam "Magdalena", tengkorak - simbol mistik dari segala sesuatu yang fana di bumi - bagi Titian hanyalah aksesori yang dipaksakan oleh kanon plot, itulah sebabnya dia memperlakukannya dengan begitu saja, mengubahnya menjadi dudukan untuk buku yang diperpanjang.

Dengan penuh semangat, hampir dengan rakus, sang seniman menyampaikan kepada kita sosok Magdalena, penuh kecantikan dan Kesehatan, rambutnya yang tebal dan indah, payudaranya yang lembut terengah-engah. Tampilan penuh gairah "penuh dengan kesedihan manusia yang duniawi. Titian menggunakan sapuan kuas yang menyampaikan dengan penuh semangat dan pada saat yang sama hubungan warna dan cahaya yang sangat akurat dan akurat. Akord warna yang gelisah dan intens, kelap-kelip cahaya dan bayangan yang dramatis, tekstur yang dinamis, ketiadaan kontur kaku yang mengisolasi volume dengan plastik kepastian bentuk secara keseluruhan menciptakan gambaran yang penuh dengan gerakan batin. Rambut tidak berbohong, tetapi jatuh, dada bernafas, lengan digerakkan, lipatan gaun bergoyang dengan penuh semangat. Cahaya berkedip lembut di rambut yang subur, tercermin di mata yang tertutup kelembapan, dibiaskan dalam gelas botol, berjuang dengan bayangan tebal, dengan percaya diri dan berair memahat bentuk tubuh, seluruh lingkungan spasial gambar. Dengan demikian, penggambaran yang akurat realitas digabungkan dengan transmisi gerakannya yang abadi, dengan karakteristik kiasan dan emosionalnya yang hidup.

Tapi apa, pada akhirnya, makna dari gambar yang dibuat dengan kekuatan gambar seperti itu? Seniman itu mengagumi Magdalena: orangnya cantik, perasaannya cerah dan bermakna. Tapi dia menderita. Kebahagiaan yang jelas dan tenteram sebelumnya rusak dan tidak dapat ditarik kembali. Lingkungan manusia, dunia secara keseluruhan, bukan lagi latar belakang yang tenang, tunduk pada manusia, seperti yang kita lihat sebelumnya. Bayangan gelap menutupi lanskap di luar Magdalena, awan petir menutupi langit, dan dalam cahaya redup sinar terakhir hari yang memudar, citra seorang pria yang dilanda kesedihan muncul.

Jika dalam Magdalena tema penderitaan tragis seorang pria cantik tidak terungkap sepenuhnya, maka dalam The Crowning with Thorns (c. 1570; Munich, Alte Pinakothek) dan di Saint Sebastian tema itu muncul dengan ketelanjangan sepenuhnya.

Dalam The Crowning with Thorns, para penyiksa ditampilkan sebagai algojo yang kejam dan ganas. Kristus, yang terikat oleh tangan, bukanlah makhluk surgawi, tetapi manusia duniawi, yang diberkahi dengan semua ciri keunggulan fisik dan moral atas para penyiksanya, namun diserahkan kepada mereka untuk dicela. Pewarnaan gambar yang suram, penuh kecemasan dan ketegangan yang suram, meningkatkan tragedi pemandangan itu.

Dalam lukisan-lukisan selanjutnya, Titian menunjukkan konflik manusia yang kejam dengan lingkungan, dengan kekuatan reaksioner yang memusuhi humanisme, nalar bebas. Yang sangat penting adalah "Saint Sebastian" (c. 1570; Leningrad, Hermitage). Sebastian menggambarkan titan Renaisans sejati dalam kekuatan dan kehebatan karakter, tetapi dia terbelenggu dan sendirian. Kilatan cahaya terakhir padam, malam turun ke bumi. Awan tebal yang suram melintasi langit yang bingung. Semua alam, seluruh dunia yang luas penuh dengan gerakan spontan yang luar biasa. Lanskap Titian awal, dengan patuh selaras dengan struktur mental para pahlawannya, kini memperoleh kehidupan yang mandiri dan, terlebih lagi, memusuhi manusia.

Man for Titian adalah nilai tertinggi. Oleh karena itu, meskipun melihat malapetaka tragis dari pahlawannya, dia tidak dapat menerima malapetaka ini, dan, penuh dengan kesedihan yang tragis dan kesedihan yang berani, citra Sebastian menimbulkan perasaan protes marah terhadap kekuatan yang memusuhi dia. Dunia moral almarhum Titian, kebijaksanaannya yang sedih dan berani, kesetiaan yang tabah pada cita-citanya dengan indah diwujudkan dalam potret dirinya yang tajam dari Prado (1560-an).

Gambar. hlm. 264-265

Salah satu karya almarhum Titian yang paling mendalam dalam pemikiran dan perasaan adalah "Pieta", diselesaikan setelah kematian artis oleh muridnya Palma the Younger (Akademi Venesia). Dengan latar belakang ceruk yang sangat hancur yang dibangun dari batu-batu yang dipahat kasar, dibingkai oleh dua patung, sekelompok orang, yang diliputi kesedihan, muncul dalam cahaya senja yang memudar dengan gemetar. Maria memeluk tubuh telanjang almarhum pahlawan di atas lututnya. Dia membeku dalam kesedihan yang tak terukur, seperti patung. Kristus bukanlah seorang pertapa kurus dan bukan "gembala yang baik", melainkan seorang pria yang dikalahkan dalam perjuangan yang tidak setara.

Orang tua jompo itu memandang Kristus dengan sedih. Seperti seruan keputusasaan yang berdering dalam keheningan dunia matahari terbenam gurun adalah gerakan cepat dari tangan Magdalena yang terangkat. Kilatan rambut merah keemasannya yang tergerai, kontras warna gelisah dari pakaiannya sangat menonjol dari kegelapan nada suram gambar yang berkilauan. Marah dan sedih adalah ekspresi wajah dan gerakan seluruh sosok patung batu Musa, diterangi oleh kelap-kelip abu-abu kebiruan di hari yang memudar.

Dengan kekuatan luar biasa, Titian menyampaikan dalam kanvas ini semua kedalaman kesedihan manusia yang tak terukur dan semua keindahannya yang menyedihkan. Lukisan yang dibuat Titian di tahun-tahun terakhir hidupnya merupakan sebuah requiem yang dipersembahkan untuk kekasihnya gambar heroik surut ke era cerah masa lalu Renaisans.

Evolusi keterampilan melukis Titian bersifat instruktif.

Pada 1510-1520-an. dan bahkan kemudian, ia tetap berpegang pada prinsip membentuk siluet figur, perbandingan yang jelas dari bintik-bintik warna besar yang umumnya menyampaikan pewarnaan objek yang sebenarnya. Rasio warna yang berani dan nyaring, intensitas warnanya, pemahaman mendalam tentang interaksi nada dingin dan hangat, kekuatan plastis untuk memahat bentuk dengan bantuan rasio tonal yang akurat tanpa cela dan pemodelan cahaya dan bayangan halus adalah ciri khas gambar Titian. keahlian.

Peralihan almarhum Titian ke solusi tugas ideologis dan figuratif baru menyebabkan evolusi lebih lanjut dalam teknik melukisnya. Sang master semakin memahami rasio nada, hukum chiaroscuro, menguasai tekstur dan perkembangan warna bentuk dengan semakin sempurna, secara bertahap mengubah seluruh sistem bahasa artistiknya dalam proses pengerjaan ini. Mengungkap dalam lukisan hubungan utama bentuk dan warna, ia mampu menunjukkan semua sensasi, semua kehidupan alam yang kaya dan kompleks dalam perkembangan abadinya. Ini memberinya kesempatan untuk meningkatkan vitalitas langsung dalam transfer subjek dan pada saat yang sama menekankan hal utama dalam perkembangan fenomena tersebut. Hal utama yang sekarang ditaklukkan Titian adalah transmisi kehidupan dalam perkembangannya, dalam kekayaan kontradiksinya yang cerah.

Almarhum Titian secara luas mengemukakan masalah harmoni warna dalam lukisan, serta masalah menciptakan teknik ekspresif dari sapuan kuas bergambar yang bebas dan tepat. Jika dalam "Love of the Earth and Heaven" goresannya secara ketat berada di bawah tugas membangun rasio warna dan cahaya dasar yang menciptakan kelengkapan gambar yang realistis, maka di tahun 1540-an dan terutama dari tahun 1555-an. noda itu memiliki arti khusus. Goresan tidak hanya menyampaikan tekstur bahan, tetapi gerakannya memahat bentuk itu sendiri - plastisitas objek. Manfaat besar dari bahasa artistik almarhum Titian adalah bahwa tekstur sapuan kuas memberikan contoh kesatuan realistis dari momen bergambar dan ekspresif.

Itulah mengapa mendiang Titian berhasil dengan dua atau tiga sapuan cat putih dan biru di atas lapisan bawah yang gelap untuk membangkitkan di mata pemirsa tidak hanya sensasi plastis yang luar biasa dari bentuk bejana kaca ("Magdalena"), tetapi juga sensasi. dari pergerakan berkas cahaya yang meluncur dan membias di kaca, seolah-olah mengungkapkan bentuk dan tekstur objek di depan penonton. Titian mencirikan teknik akhir dalam karyanya pepatah terkenal Boschini dari kata-kata Palma yang Lebih Muda:

“Titian menutupi kanvasnya dengan massa warna-warni, seolah-olah berfungsi sebagai alas atau alas untuk apa yang ingin ia ungkapkan di masa depan. Saya sendiri pernah melihat underpainting yang dibuat dengan penuh semangat, diisi dengan kuas yang sangat jenuh dengan warna merah murni, yang dimaksudkan untuk menguraikan halftone, atau dengan warna putih. Dengan kuas yang sama, pertama-tama mencelupkannya ke dalam warna merah, lalu ke dalam hitam, lalu ke dalam cat kuning, dia mengerjakan relief bagian-bagian yang diterangi. Dengan keterampilan hebat yang sama, dengan bantuan hanya empat pukulan, dia membangkitkan janji akan sosok cantik dari ketiadaan. Setelah meletakkan fondasi yang berharga ini, dia membalikkan lukisannya menghadap dinding dan terkadang membiarkannya dalam posisi ini selama berbulan-bulan bahkan tanpa berkenan untuk melihatnya. Ketika dia mengambilnya lagi, dia memeriksanya dengan perhatian yang tajam, seolah-olah mereka adalah musuh terburuknya, untuk melihat kekurangan apa pun pada mereka. Dan ketika dia menemukan ciri-ciri yang tidak sesuai dengan rencananya yang halus, dia mulai bertindak seperti ahli bedah yang baik, tanpa belas kasihan menghilangkan tumor, memotong daging, menyesuaikan lengan dan kakinya ... Dia kemudian menutupi kerangka ini, mewakili sejenis ekstrak dari semua tubuh hidup yang paling esensial, menyempurnakannya melalui serangkaian pukulan berulang hingga sedemikian rupa sehingga ia tampaknya hanya kekurangan napas.

Dalam kekuatan realistis teknik Titian - alat yang fleksibel untuk pengetahuan artistik dunia yang sangat jujur - terletak dampak besar yang ditimbulkannya pada perkembangan lebih lanjut lukisan realistik di abad ke-17. Dengan demikian, lukisan Rubens dan Velazquez secara kokoh bertumpu pada warisan Titian, mengembangkan dan memodifikasi teknik melukisnya yang sudah berada pada tahapan sejarah baru dalam perkembangan realisme. Pengaruh langsung Titian pada lukisan Venesia kontemporer sangat signifikan, meskipun tidak ada murid langsungnya yang menemukan kekuatan untuk melanjutkan dan mengembangkan seninya yang luar biasa.

Murid dan orang sezaman Titian yang paling berbakat termasuk Jacopo Nigreti, dijuluki Palma Vecchio (Penatua), Bonifacio de Pitati, dijuluki Veronese, yaitu Veronian, Paris Bordone, Jacopo Palma Muda, keponakan dari Palma Tua. Semuanya, kecuali Palma yang Lebih Muda, lahir di pertanian terra, tetapi menghabiskan hampir seluruh kehidupan kreatif mereka di Venesia.

Jacopo Palma the Elder (c. 1480-1528), seperti rekan-rekannya Giorgione dan Titian, belajar dengan Giovanni Bellini. Dengan caranya sendiri cara kreatif dia paling dekat dengan Titian, meskipun dia jauh lebih rendah darinya dalam segala hal. Komposisi religius dan mitologis, serta potret senimannya, dibedakan oleh kekayaan warna yang nyaring dengan beberapa monotonnya (sifat-sifat ini juga melekat pada teknik komposisinya), serta keceriaan gambar yang optimis. Ciri penting dari karya Palma adalah penciptaan tipe artistik Venesia - kecantikan pirang yang luar biasa. Jenis kecantikan wanita ini memiliki pengaruh pada seni Titian muda. Karya terbaiknya adalah "Two Nymphs" (1510-1515; Frankfurt am Main), "Three Sisters" (c. 1520) dan "Jacob and Rachel" (c. 1520), yang terakhir berada di Dresden. Hermitage menyimpan "Potret Seorang Pria".

Salah satu potret pria terbaik yang dibuat oleh sang master adalah masa mudanya yang tidak diketahui di Museum Munich. Dia dekat dengan Giorgione, tetapi berbeda dari Giorgione dalam transfer prinsip kehendak aktif. Pergantian kepala, penuh kekuatan yang terkendali, ciri-ciri angkuh dan energik dari wajah cantik, gerakan tangan yang hampir terburu-buru diangkat ke bahu, meremas sarung tangan, ketegangan elastis dari kontur, sebagian besar, melanggar semangat pencelupan diri tertutup yang melekat pada gambar Giorgione.

Berkembang di bawah pengaruh langsung Titian, Bonifazio Veronese (1487-1553) di tahun-tahun terakhir hidupnya tidak lepas dari beberapa pengaruh tingkah laku. Karyanya dicirikan oleh kanvas-kanvas besar yang didedikasikan untuk episode-episode dari sejarah sakral, menggabungkan dekorasi dengan narasi bergenre ("The Feast of Lazarus", "The Massacre of the Innocents", 1537-1545; baik di Akademi Venesia dan lainnya).

Murid Titian, Paris Bordone (1500-1571), dibedakan oleh penguasaan warna yang luar biasa, dekorasi lukisan yang cerah. Begitulah "Keluarga Suci" (Milan, Brera), "Mempersembahkan Doge of the Ring of St. Mark" (1530-an; Venesia, Akademi). Dalam karya-karya Paris Bordone selanjutnya, pengaruh tingkah laku yang kuat dan penurunan keterampilan tertentu terasa. Potretnya dibedakan oleh kebenaran karakteristik kehidupan. Perhatian khusus harus diberikan pada "The Venetian Lovers" (Brera), mungkin penuh dengan pesona sensual yang agak dingin.

Palma the Younger (1544-1628), murid Titian yang menua, pada saat yang sama sangat dipengaruhi oleh karya Tintoretto. Berbakat (dia sangat berhasil mengatasi penyelesaian "Pieta", karya terakhir Titian), tetapi seorang guru yang mandiri, selama dia tinggal di Roma dia dijiwai dengan pengaruh tingkah laku yang terlambat, sejalan dengan itu dia terus bekerja sampai akhir hayatnya, sudah dalam masa lahirnya seni barok. . Di antara karya-karyanya yang terkait dengan gaya Renaisans akhir di Venesia, kita harus menyebutkan "Potret Diri" (Brera) dan "Kepala Orang Tua" (Brera) yang sangat ekspresif, yang sebelumnya dikaitkan dengan Bassano. Gagasan tentang komposisinya yang besar, yang dekat dengan tingkah laku akhir, diberikan oleh mural Oratorio dei Crociferi di Venesia (1581 - 1591).

Dalam seni sekolah Venesia, karya sekelompok seniman yang disebut terraferma, yaitu, "tanah padat" - milik Venesia, yang terletak di bagian Italia yang berdekatan dengan laguna, biasanya menonjol.

Secara umum, sebagian besar master sekolah Venesia lahir di kota atau desa pertanian terra (Giorgione, Titian, Paolo Veronese). Tetapi mereka menghabiskan seluruh atau hampir seluruh hidup mereka di ibu kota, yaitu di Venesia sendiri, hanya dari waktu ke waktu bekerja untuk kota atau kastil pertanian terra. Beberapa seniman, yang terus-menerus bekerja di pertanian terra, hanya menampilkan versi provinsi dari sekolah metropolitan Venesia itu sendiri dengan karya mereka.

Pada saat yang sama, cara hidup, "iklim sosial" di kota-kota pertanian terra sangat berbeda dengan cara hidup Venesia, yang menentukan orisinalitas sekolah pertanian terra. Venesia (pelabuhan perdagangan besar dan pusat keuangan pada waktu itu), terutama sampai akhir abad ke-15, lebih dekat hubungannya dengan harta benda timurnya yang kaya dan perdagangan luar negeri daripada dengan pedalaman Italia, di mana vila-vila mewah di bangsawan Venesia berada.

Namun, kehidupan di kota-kota kecil yang tenang, di mana terdapat lapisan kuat pemilik tanah kaya yang memperoleh pendapatan dari ekonomi yang diatur secara rasional, berjalan dalam banyak hal berbeda daripada di Venesia. Hingga taraf tertentu, budaya daerah pertanian terra ini dekat dan dapat dipahami dengan kehidupan dan seni kota Emilia, Lombardy, dan wilayah Italia utara lainnya pada waktu itu. Perlu diingat bahwa sejak akhir abad ke-15. dan terutama setelah berakhirnya perang dengan Liga Cambrai, orang-orang Venesia, ketika perdagangan Timur menurun, menginvestasikan modal bebas mereka di bidang pertanian dan kerajinan tanah pertanian. Akan tiba masa kemakmuran relatif untuk bagian Italia ini, yang, bagaimanapun, tidak melanggar cara hidupnya yang agak provinsial.

Oleh karena itu, kemunculan seluruh kelompok seniman (Pordenone, Lotto, dan lainnya) tidak mengherankan, yang seninya tetap jauh dari pencarian intensif, ruang lingkup kreatif yang luas dari sekolah Venesia. Luasnya gambar dari visi monumental Titian digantikan oleh dekorasi mereka yang lebih dingin dan lebih formal komposisi altar. Di sisi lain, ciri-ciri kehidupan yang diamati secara langsung, terlihat dalam seni heroik Titian yang dewasa dan terlambat, atau dalam karya Veronese yang ditinggikan secara meriah, atau terutama dalam kreasi Tintoretto yang penuh gairah dan gelisah, telah dikembangkan secara luas oleh beberapa seniman terraferma sejak sepertiga pertama abad ke-16.

Benar, minat dalam mengamati kehidupan sehari-hari ini agak berkurang. Ini lebih merupakan minat yang tenang pada detail lucu kehidupan seseorang yang hidup dengan damai di kota yang tenang daripada keinginan untuk menemukan solusi untuk masalah etika besar saat itu dalam analisis kehidupan itu sendiri, yang membedakan seni mereka dari seni. karya realis besar di era berikutnya.

Selama sepertiga pertama abad ini, salah satu seniman terbaik di antara mereka adalah Lorenzo Lotto (1480-1556). Karya awalnya masih terkait dengan tradisi Quattrocento. Yang paling dekat dengan cita-cita humanistik agung dari High Renaissance adalah potret awalnya tentang seorang pemuda (1505), yang juga dibedakan oleh vitalitas langsung dari persepsi model tersebut.

Altar yang terkenal dan komposisi mitologis dari Lotto dewasa biasanya menggabungkan perasaan tumpul batin dengan keindahan komposisi yang agak lahiriah. Warnanya yang dingin dan teksturnya yang bahkan "menyenangkan" secara umum juga, secara umum, cukup dangkal dan secara gaya dekat dengan tingkah laku. Kurangnya pemikiran dan perasaan yang mendalam kadang-kadang diimbangi dengan detail sehari-hari yang diperkenalkan dengan sangat cerdik, pada penggambaran yang dengan sukarela difokuskan oleh seniman. Jadi, dalam "Annunciation" (akhir 1520-an; Recanati, Gereja Santa Maria sopra Mercanti), penonton membiarkan dirinya teralihkan dari tokoh-tokoh utama yang ditafsirkan dengan gelisah ke kucing ketakutan yang digambarkan secara lucu, bergegas ke sisi malaikat agung tiba-tiba terbang di dalam.

Ke depan, khususnya pada potret, ciri-ciri realisme kehidupan konkret dalam karya seniman semakin berkembang (“ Potret wanita»; Hermitage, "Potret tiga orang laki-laki"). Dengan berkurangnya minat untuk mengungkap signifikansi etis individu dan kekuatan karakternya, potret Lotto ini, sampai batas tertentu, masih menentang garis Mannerisme anti-realis yang terbuka. Kecenderungan realistis dan demokratis yang paling signifikan dalam karya Lotto diekspresikan dalam siklus lukisannya dari kehidupan St. Lucia (1529/30), di mana dengan simpati yang jelas dia menggambarkan seluruh adegan, seolah-olah direnggut dari kehidupan pada masanya (misalnya, pengemudi lembu dari Keajaiban St. Lucia, dll.). Di dalamnya, sang master, seolah-olah, menemukan istirahat dan kedamaian dari perasaan penuh kontradiksi yang muncul dalam dirinya dalam konteks krisis politik dan ekonomi umum yang berkembang di Italia dan yang mewarnai sejumlah komposisinya selanjutnya dengan nada subyektif. kegugupan dan ketidakpastian, membawanya menjauh dari tradisi humanisme Renaisans.

Yang jauh lebih bermakna adalah karya seorang kontemporer Lotto, penduduk asli Brescia, Girolamo Savoldo (c. 1480-1548). Dalam karya almarhum Savoldo, yang sangat mengalami kehancuran sementara negara asalnya selama perang dengan Liga Cambrai, kebangkitan jangka pendek Venesia setelah 1516, dan kemudian krisis umum yang melanda Italia, kontradiksi tragis dari seni Renaisans terungkap dengan cara yang sangat aneh dan dengan kekuatan besar.

Durasi tradisi Quattrocentist, karakteristik dari kehidupan pertanian terra yang agak provinsial (hingga awal abad ke-16), pengaruh nyata lukisan Renaisans utara dengan narasinya yang tampaknya biasa-biasa saja, keinginan akan genre dan minat dalam kehidupan psikologis orang biasa dalam karya Savoldo, mereka secara organik menyatu dengan prinsip humanisme Renaisans dan membantunya menciptakan salah satu varian paling demokratis dari seni Renaisans realistis, dalam banyak hal mengantisipasi pencarian master dari sepertiga pertama abad ke-17.

Dalam karya Quattrocentist awal Savoldo yang masih agak kering (misalnya, The Prophet Elijah; Florence, Leather collection), minatnya pada orang biasa sudah terasa. Dalam Adoration of the Shepherds yang indah (1520-an; Turin, Pinacoteca), suasana konsentrasi perasaan tiga gembala yang tercerahkan, merenungkan bayi yang baru lahir dengan meditasi mendalam, disampaikan dengan penuh perasaan. Spiritualitas yang jernih, harmoni ritme yang ringan dan sedikit sedih dari gerakan tenang para peserta acara dan seluruh sistem warna komposisi dengan jelas menunjukkan hubungan antara seni Savoldo yang matang dan tradisi Giorgione. Tetapi tidak adanya citra bangsawan yang diidealkan, ketulusan alami dan kesederhanaan hidup memberikan gambaran ini orisinalitas yang sangat istimewa. Di masa depan, minat pada puisi yang benar dari gambar orang biasa masih tumbuh (misalnya, gambar elegi seorang gembala dengan latar belakang lanskap pedesaan - "The Shepherd"; Florence, koleksi Contini-Bonacossi). Kontribusi seniman lain yang tergabung dalam sekolah yang berkembang di Brescia tentu kurang signifikan. Namun, di antara mereka harus disebutkan Alessandro Bonvicino, yang dijuluki Moretto (c. 1498-1554), yang karyanya, sejalan dengan tradisi klasik, dibedakan dengan warna keperakan yang lembut, agak berat di provinsi, kekhidmatan yang serius, bukan tanpa, bagaimanapun, lirik ("Madonna dengan Orang Suci "; Frankfurt). Fitur ini, lebih terlihat pada karakter sekunder komposisinya, memiliki nilai terbesar gambar besar(misalnya sosok seorang hamba dalam lukisan "Kristus di Emaus"). Karyanya yang paling terkenal adalah St. Justina dengan seorang donor. Kontribusi Moretto terhadap perkembangan potret Renaisans sangat signifikan. "Potret Seorang Pria" miliknya (London) adalah salah satu potret panjang penuh pertama.

Muridnya yang berbakat adalah Giovanni Moroni (c. 1523-1578), yang bekerja terutama di Bergamo. Dia tidak hanya, seperti gurunya, mempertahankan komitmen pada metode realistik, tetapi potretnya mewakili kontribusi yang signifikan dan unik pada garis realistik perkembangan seni di akhir Renaisans. Potret Moroni dari periode dewasa, mulai dari tahun 1560-an, dicirikan oleh transfer yang benar dan akurat dari penampilan dan karakter perwakilan dari hampir semua strata sosial kota-kota di lahan pertanian saat itu ("Potret Seorang Ilmuwan" , “Potret Pontero”, “Potret Penjahit”, dll.). Potret terakhir dibedakan dengan tidak adanya pemuliaan gambar apa pun dan transfer kemiripan eksternal dan karakter orang yang digambarkan dengan hati-hati. Pada saat yang sama, ini adalah contoh dari jenis genreisasi potret, yang memberikan gambar kekonkretan dan keaslian seperti kehidupan yang khusus. Penjahit digambarkan sedang berdiri di meja kerja dengan gunting dan kain di tangannya. Dia menghentikan pekerjaannya sejenak dan menatap penuh perhatian pada penonton yang sepertinya telah memasuki ruangan. Jika transfer bentuk yang sangat jelas dan plastis, posisi dominan figur manusia dalam komposisi merupakan ciri khas seni Renaisans, maka interpretasi genre dari motif komposisi melampaui batas realisme Renaisans, mengantisipasi pencarian master. dari abad ke-17.

Sekolah Ferrara menempati posisi khusus sehubungan dengan sekolah pertanian terra. Aturan Adipati d'Este dilestarikan di Ferrara, dari sinilah ciri-ciri kemegahan yang sopan berasal, yang, dikombinasikan dengan isolasi tradisi provinsi yang terkenal, menentukan gaya seni Ferrara yang agak lamban dan dingin. abad ke-16, penuh dengan detail dekoratif, yang gagal mengembangkan usaha menarik dari pendahulunya Quattrocentist Seniman paling penting pada periode ini adalah Dosso Dossi (c. 1479 - 1542), yang menghabiskan masa mudanya di Venesia dan Mantua dan menetap di Ferrara dari tahun 1516.

Dalam karyanya, Dosso Dossi mengandalkan tradisi Giorgione dan Francesco Cossa, tradisi yang sulit dipadukan. Pengalaman panggung Titian tetap asing baginya. Sebagian besar komposisi Dossi yang matang dibedakan oleh lukisan dingin yang cemerlang, kekuatan beberapa figur berat, detail dekoratif yang berlebihan ("Justice"; Dresden, "St. Sebastian"; Milan, Brera). Sisi paling menarik dari karya Dossi adalah ketertarikannya pada latar lanskap yang berkembang, yang terkadang mendominasi gambar (Circe, ca. 1515; Galeri Borghese). Dosso Dossi juga memiliki sejumlah komposisi lanskap jadi, yang sangat langka pada masa itu, contohnya adalah "Pemandangan dengan Sosok Orang Suci" (Moskow, Museum Seni Rupa Pushkin).

Tempat yang sangat istimewa dalam seni pertanian terra ditempati oleh karya masternya yang paling signifikan, Jacopo del Ponte dari Bassano (1510 / 19-1592), seorang kontemporer Tintoretto, dibandingkan dengan karya seni siapa, mungkin, karyanya harus diperhatikan. Meskipun Bassano menjalani sebagian besar hidupnya di kota asalnya Bassano, yang terletak di kaki pegunungan Alpen, ia terkait erat dengan lingkaran lukisan Venesia pada akhir Renaisans, menempati tempat yang aneh dan agak penting di dalamnya.

Mungkin, dari semua master Italia di paruh kedua abad ke-16. Bassano paling dekat menjadi protagonis lukisan orang biasa pada masanya. Benar, dalam karya-karya awal artis ("Kristus di Emaus"), genre dan momen sehari-hari diselingi dengan skema tradisional untuk menyelesaikan plot semacam ini. Di masa depan, lebih tepatnya di tahun 1540-an. seninya sedang mengalami semacam titik balik. Gambar menjadi lebih gelisah, dramatis secara internal. Dari citra karakter individu yang diatur dalam kelompok seimbang yang stabil menurut kanon Renaisans Tinggi, yang, omong-omong, tidak dikuasai Bassano dengan baik, sang master beralih ke citra kelompok manusia dan kerumunan yang diliputi oleh kecemasan umum.

Orang biasa - penggembala, petani - menjadi tokoh utama dalam lukisannya. Seperti Rest on the Flight into Egypt, Adoration of the Shepherds (1568; Bassano, Museum) dan lain-lain.

"Kembalinya Yakub" -nya, pada dasarnya, adalah semacam jalinan cerita bertema alkitabiah dengan gambaran "pekerjaan dan hari-hari" penduduk biasa di kota kecil Alpen. Yang terakhir, dalam hal ini, jelas berlaku di seluruh struktur figuratif gambar. Dalam sejumlah karyanya di akhir zaman, Bassano sama sekali terbebas dari keterkaitan plot formal dengan tema religius dan mitologis.

"Musim Gugur" -nya adalah semacam keanggunan, mengagungkan kegembiraan yang tenang dari pori-pori musim gugur yang matang. Pemandangan yang megah, motif puitis dari sekelompok pemburu yang pergi ke kejauhan, dipeluk oleh suasana musim gugur yang lembab dan keperakan, merupakan pesona utama dari gambar ini.

Dalam karya Bassano, seni Renaisans akhir di Venesia paling dekat dengan penciptaan sistem genre baru yang secara langsung membahas kehidupan nyata dalam bentuk perkembangannya sehari-hari. Namun, langkah penting ini tidak dapat diambil atas dasar kebesaran Venesia, yaitu negara-kota Renaisans, yang menjalani hari-hari terakhirnya, tetapi atas dasar budaya yang muncul atas dasar negara-bangsa, di atas dasar dari tahap baru yang progresif dalam sejarah masyarakat manusia.

Bersama dengan Michelangelo, Titian mewakili generasi raksasa Renaisans Tinggi, yang terjebak di tengah hidup mereka oleh krisis tragis yang menyertai permulaan Renaisans akhir di Italia. Tetapi mereka memecahkan masalah baru saat itu dari posisi humanis, yang kepribadiannya, yang sikapnya terhadap dunia terbentuk pada periode heroik Renaisans Tinggi. Seniman generasi berikutnya, termasuk Venesia, berkembang sebagai individu kreatif di bawah pengaruh panggung yang sudah mapan dalam sejarah Renaisans. Karya mereka adalah ekspresi artistiknya yang alami. Begitulah Jacopo Tintoretto dan Paolo Veronese, yang secara berbeda mewujudkan segi yang berbeda, sisi berbeda dari era yang sama.

Dalam karya Paolo Cagliari (1528-1588), dijuluki tempat kelahiran Veronese, semua kekuatan dan kecemerlangan lukisan cat minyak dekoratif dan monumental Venesia terungkap dengan kepenuhan dan ekspresi tertentu. Seorang siswa dari master Verona yang tidak penting, Antonio Badile, Veronese pertama kali bekerja di pertanian terra, membuat sejumlah lukisan dinding dan komposisi minyak (lukisan dinding di Villa Emo pada awal 1550-an dan lainnya). Tapi sudah pada 1553 dia pindah ke Venesia, di mana bakatnya matang.

The History of Esther (1556) adalah salah satu siklus terbaik pemuda Veronese, menghiasi langit-langit Gereja San Sebastiano. Komposisi ketiga plafon diisi dengan angka yang relatif kecil berskala besar, dengan bentuk yang jelas secara plastis. Kesenian dari gerakan sosok manusia yang kuat dan cantik, sudut megah saat memelihara kuda sangat mencolok. Kami senang dengan kekuatan dan keringanan kombinasi warna yang nyaring, misalnya penjajaran kuda hitam putih dalam komposisi "The Triumph of Mordecai".

Secara umum, studi tokoh individu yang jelas secara plastis membawa siklus ini, seperti semua karya awal Veronese pada umumnya, lebih dekat ke seni Renaisans Tinggi. Namun, kegembiraan luar yang agak teatrikal dari gerakan para karakter sebagian besar menghilangkan mereka dari ketabahan batin itu, kebesaran sejati yang membedakan para pahlawan dari komposisi monumental Renaisans awal dan Tinggi dari Masaccio dan Castagno ke "Sekolah Athena" Raphael dan langit-langit Kapel Sistina Michelangelo. Ciri seni pemuda Veronese ini paling terlihat dalam komposisi seremonial resminya seperti "Juno membagikan hadiah Venesia" (c. 1553; Venesia, Istana Doge), di mana kecemerlangan dekoratif lukisan tidak menebus kemegahan lahiriah. dari ide.

Gambar Veronese lebih meriah daripada heroik. Tapi keceriaan mereka, kekuatan dekoratif yang cerah dan pada saat yang sama kekayaan paling halus dari bentuk gambarnya benar-benar luar biasa. Kombinasi dari efek gambar dekoratif-monumental umum dengan diferensiasi hubungan warna yang kaya ini juga dimanifestasikan dalam plafon sakristi San Sebastiano dan dalam sejumlah komposisi lainnya.

Tempat penting dalam karya orang dewasa Veronese ditempati oleh lukisan dinding Villa Barbaro (di Maser), yang dibangun oleh Palladio di sebuah pertanian terra, tidak jauh dari Treviso. Vila-istana kecil yang elegan dengan indah tertulis di lanskap pedesaan sekitarnya dan dibingkai oleh taman berbunga. Lukisan dinding Veronese, penuh dengan gerakan ringan dan kecemerlangan yang nyaring, sesuai dengan citra arsitekturalnya. Dalam siklus ini, komposisi yang penuh dengan "kesenangan menari" yang berbusa secara alami bergantian pada tema mitologis - langit-langit "Olympus" dan lainnya - dengan motif jenaka yang tak terduga diambil dari kehidupan: misalnya, gambar sebuah pintu tempat seorang pemuda tampan masuk. aula, melepas topinya di busur, seperti yang ditujukan kepada pemilik rumah. Namun, dalam motif "sehari-hari" semacam ini, sang master tidak menetapkan sendiri tugas pengungkapan artistik melalui jalan alami kehidupan orang biasa dari semua karakteristik khas hubungan mereka.

Dia hanya tertarik pada sisi kehidupan yang meriah dan ekspresif. Motif sehari-hari yang dijalin menjadi satu siklus atau menjadi komposisi terpisah seharusnya hanya memeriahkan keseluruhan, menghilangkan perasaan kemegahan yang khusyuk dan, bisa dikatakan, penemuan komposisi, meningkatkan rasa persuasif dari puisi gemerlap tentang perayaan kehidupan yang meriah itu Karya Veronese dalam lukisannya. Pemahaman tentang "genre" ini adalah ciri khas Veronese tidak hanya dalam dekoratif (yang sepenuhnya alami), tetapi juga secara keseluruhan komposisi plot master. Tentu saja, komposisi warna-warni Veronese bukan hanya dongeng puitis. Mereka benar dan tidak. hanya dalam detail genre pribadi mereka, terutama digunakan dengan murah hati oleh master dalam periode kreativitas yang matang. Memang, pesta pesta, ciri khas kehidupan elit ningrat Venesia, yang masih kaya dan compang-camping, adalah sisi nyata dari kehidupan saat itu. Selain itu, tontonan, prosesi, ekstravaganza diatur oleh republik dan untuk rakyat. Dan kota itu sendiri memukau dengan kehebatan penampilan arsitekturalnya.

Masa dewasa Veronese juga dibedakan dengan perubahan bertahap dalam sistem gambarnya. Komposisinya, sebagai suatu peraturan, semakin ramai. Kompleks dan kaya akan efek plastik dan gambar, pergerakan banyak orang - kerumunan - dianggap sebagai satu kesatuan yang hidup. Simfoni warna yang kompleks, jalinannya yang penuh dengan gerakan berdenyut menciptakan suara yang berbeda dari pada High Renaissance, suara permukaan gambar yang berwarna-warni. Yang paling jelas, ciri-ciri seni dewasa Veronese ini terungkap dalam "Perkawinan di Kana" (1563; Louvre) yang sangat besar (10x6 m). Dengan latar belakang arsitektur teras dan serambi yang ramping dan megah yang ditembus cahaya, frisoobrazio membuka pemandangan pesta yang menyatukan sekitar seratus tiga puluh sosok. Pelayan sekarang di Venesia, sekarang dengan pakaian oriental yang indah, musisi, pelawak, pemuda yang berpesta, wanita cantik berpakaian mewah, pria berjanggut, tetua terhormat membentuk komposisi warna-warni yang penuh gerakan. Beberapa kepala adalah potret. Ini adalah gambaran para penguasa Eropa dari Sultan Suleiman I hingga Charles V. Dalam kelompok musisi, Veronese memerankan Titian, Bassano, Tintoretto dan dirinya sendiri.

Gambar. hlm. 272-273

Dengan segala keragaman motifnya, gambar tersebut membentuk satu kesatuan komposisi bergambar. Banyak karakter disusun dalam tiga pita atau tingkatan seperti dekorasi yang mengalir satu di atas yang lain. Pergerakan kerumunan yang berisik ditutup dari tepi gambar dengan kolom, bagian tengahnya ditekankan oleh kelompok yang secara simetris terletak di sekitar Kristus yang duduk. Dalam hal ini, Veronese melanjutkan tradisi komposisi monumental yang seimbang dari High Renaissance.

Dan dalam hal warna, Veronese secara komposisi menyoroti sosok Kristus yang sentral dan nodal dengan konstruksi warna yang paling padat dan stabil, memadukan warna jubah merah dan biru yang nyaring dan sangat material dengan pancaran keemasan halo. Namun, Kristus adalah simpul sentral dari gambar hanya dalam arti sempit warna dan komposisi-geometris; dia tenang dan secara internal relatif tidak signifikan. Bagaimanapun, dia tidak dibedakan secara etis dari karakter lain dengan cara apa pun.

Secara umum, pesona gambar ini bukan pada kekuatan moral atau hasrat dramatis para karakter, tetapi pada kombinasi vitalitas langsung dan penyempurnaan harmonis dari gambar orang-orang yang dengan senang hati merayakan hari raya kehidupan. Penuh dengan kegembiraan dan pewarnaan gambar: segar, nyaring, dengan kilatan merah cerah, dari merah muda-lilac hingga anggur, bekas roda gelap yang berapi-api dan berair. Rangkaian warna merah muncul dalam kombinasi dengan kecemerlangan dingin warna biru, biru kehijauan, serta warna zaitun dan coklat keemasan yang lebih hangat dengan suara beludru yang membosankan. Semua ini disatukan oleh suasana keperakan-kebiruan yang menyelimuti keseluruhan gambar. Peran khusus dalam pengertian ini termasuk warna putih, terkadang kebiruan, terkadang ungu, terkadang abu-abu merah muda. Dari kepadatan warna amphorae perak dan sutra elastis yang rapuh, melalui taplak meja linen, hingga abu kebiruan dari kolom putih, kehalusan awan tipis yang melayang di langit hijau-biru laguna yang lembab, warna ini berkembang, secara bertahap larut dalam mutiara keperakan umum dari iluminasi gambar.

Riuh berisik kerumunan tamu yang berpesta di tingkat bawah komposisi digantikan oleh keanggunan gerakan anggun dari sosok langka di tingkat atas - balkon atas loggia - menjulang di langit. Semuanya diakhiri dengan penglihatan akan gedung-gedung aneh yang jauh, berkabut, dan langit yang bersinar lembut.

Di bidang potret, prestasi Veronese kurang signifikan. Melewati dengan cemerlang kemiripan, sementara pada saat yang sama mencapai beberapa idealisasi gambar, berbatasan dengan perhiasannya, Veronese tidak memusatkan perhatiannya pada pengungkapan mendalam dari karakter orang yang digambarkan, yang tanpanya, sebenarnya, tidak ada seni potret yang hebat. . Namun, kecemerlangan lukisan, aksesori yang dilukis dengan indah, kemudahan pose aristokrat yang mulia membuat potretnya sangat enak dipandang dan dengan sempurna "menyesuaikan" dengan interior istana mewah di akhir Renaisans Venesia. Beberapa dari potretnya yang relatif awal dibedakan oleh bayangan lamunan romantis tanpa batas - "Potret Seorang Pria" (Budapest, Museum). Hanya dalam beberapa potretnya yang paling awal, seperti Count da Porto bersama putranya, seniman muda itu menciptakan gambar yang secara tak terduga memikat dengan keramahan mereka dan motif yang bersahaja. Di masa depan, tren ini tidak berkembang, dan keanggunan luar biasa dari karya-karyanya selanjutnya melanjutkan garis yang digariskan dalam potret Budapest yang telah disebutkan (misalnya, potret Bella Nani di Louvre).

Kanvas-kanvas Veronese seolah menjauhkan sang seniman dari perjuangan, dari kontras realitas sejarah. Sebagian, memang begitu. Namun, dalam konteks kontra-reformasi, agresi ideologis Katolik yang berkembang, lukisan cerianya, mau atau tidak, menempati tempat tertentu dalam perjuangan ideologis kontemporer. Ini adalah "Keluarga Darius sebelum Alexander Agung" (London, Galeri Nasional), "Pernikahan di Kana" (Dresden), "Pesta di Rumah Lewi" (Venesia). Gereja tidak dapat memaafkan Veronese atas keceriaan sekuler dan pagan dari komposisi alkitabiahnya, yang sangat bertentangan dengan garis gereja dalam seni, yaitu kebangkitan mistisisme, keyakinan pada kefanaan daging dan keabadian roh. Oleh karena itu penjelasan yang tidak menyenangkan dengan Inkuisisi yang harus dimiliki Veronese tentang sifat terlalu "kafir" dari "Pesta di Rumah Lewi" (1573). Hanya sifat pemerintahan sekuler yang berkelanjutan di republik komersial yang menyelamatkan Veronese dari konsekuensi yang lebih serius.

Selain itu, krisis umum Republik Venesia juga mempengaruhi karya sang master secara lebih langsung, terutama pada periode akhir karyanya. Sudah di Madonna House of Kuchchin (Dresden), dibuat sekitar tahun 1570, brilian dalam pengerjaan, tidak semuanya benar-benar tenang dan menyenangkan. Tentu saja, komposisinya khusyuk dan megah, motif individu dari gerakan dan tipe orang dengan cemerlang direnggut dari kehidupan; yang sangat menawan adalah anak laki-laki itu, dengan lembut dan sedikit lelah menempel pada tiang marmer berwarna. Namun dalam ekspresi wajah Kuccin sendiri, sang master, mungkin, tanpa sadar menyampaikan perasaan pahit dan kecemasan yang tersembunyi.

Drama bukanlah kekuatan Veronese dan, secara umum, asing bagi gudang kreatif karakternya. Oleh karena itu, seringkali, meski mengambil plot yang dramatis, Veronese mudah teralihkan dari pengalihan benturan karakter, dari pengalaman batin para karakter hingga momen hidup yang cerah dan penuh warna, hingga keindahan lukisan itu sendiri. Namun catatan kesedihan dan kesedihan mulai bergema di beberapa Keturunannya dari Salib nanti. Ini terutama terasa di Budapest dan terutama lukisan Louvre, yang dijiwai dengan rasa sedih dan duka yang tulus.

Di periode selanjutnya, dalam beberapa karya Veronese, suasana pesimis muncul dengan kekuatan yang tidak terduga. Begitulah Hermitage Ratapan Kristus (antara 1576 dan 1582), gelisah gelisah dan tenang dalam warna. Benar, gerakan malaikat, yang membungkuk di atas Kristus, agak berbeda dari tempatnya dalam keanggunannya yang hampir sopan, tetapi itu dianggap dalam kaitannya dengan gambar secara keseluruhan kira-kira seperti kita melihat gerakan berdarah murni yang secara tidak sengaja lolos - sebuah isyarat dari antek baru-baru ini yang diliputi oleh kesedihan yang tulus, dikalahkan oleh keberuntungan takdir. Selama tahun-tahun ini, Veronese pada dasarnya terus melaksanakan pesanan untuk pekerjaan seremonial dan meriah. Pada tahun 1574, sebagai akibat dari beberapa kebakaran besar, sebagian besar interior Istana Doge terbakar, di mana, khususnya, karya lukisan yang luar biasa dari kedua Bellini hilang. Siklus baru dipesan, yang melibatkan Tintoretto dan Veronese. Yang terakhir menyelesaikan sejumlah lukisan: "The Betrothal of St. Catherine", alegoris "Triumph of Venice" (c. 1585; Venice, Doge's Palace), pada kenyataannya, tidak lagi berjaya dan tidak menang, dan komposisi lain dari ini baik. Secara alami, berada dalam kontradiksi yang begitu tajam dengan kehidupan, komposisi ini dibawakan oleh master yang semakin tua dan bijaksana dengan tangan yang semakin tidak memihak, semakin acuh tak acuh. Berbeda dengan karya seremonial ini, "Ratapan Kristus" yang telah disebutkan, "Penyaliban" yang menyedihkan dari Louvre dan Budapest, dan beberapa karya kuda-kuda kecil lainnya yang dibuat "untuk diri sendiri", penuh dengan lirik sedih dan kesedihan, adalah yang terbesar. nilai dalam kerja nanti tuan, pernah jatuh cinta dengan kegembiraan dan keindahan hidup.

Dalam banyak hal, seni pelukis Slavia berbakat, asal Dalmatian, Andrea Meldolla (Medulich), dijuluki Schiavone (1503/22-1563), yang berarti Slavia, bersentuhan dengan lingkaran minat kreatif Tintoretto. Schiavone, yang meninggal lebih awal, tidak sempat mengungkapkan bakatnya sepenuhnya, namun kontribusinya terhadap perkembangan seni lukis Venesia cukup terlihat.

Schiavone mengalami pengaruh Parmigianino yang terkenal, tetapi fokus utama aktivitasnya ditentukan dengan mengikuti seni mendiang Titian dan pengaruh langsung Tintoretto padanya. DI DALAM periode awal Seni Schiavone dibedakan oleh suasana idilis yang terkenal dalam transfer adegan mitologi yang ditafsirkan genre ("Diana dan Actaeon"; Oxford). Belakangan, dalam komposisi mitologisnya, serta komposisi Injil (dia jarang membahas topik-topik seperti ini), mereka memperoleh karakter yang lebih gelisah dan dramatis. Schiavone sangat memperhatikan perkembangan lingkungan lanskap tempat ia menempatkan para pahlawan karyanya. Perasaan kegembiraan penuh dari kehidupan unsur dari alam yang perkasa adalah kualitas luar biasa dari karya-karya Schiavone yang matang (Jupiter dan Io; Hermitage, Midas Judgment; Akademi Venesia, dll.). Pengungkapan karakter manusia, keparahan konflik yang tragis di antara mereka, Schiavone berhasil dengan kedalaman dan kekuatan generalisasi yang kurang dari almarhum Titian atau Tintoretto. Dengan semua minatnya pada masalah ini, Schiavone tidak dapat membebaskan dirinya dari beberapa metode eksternal untuk mendramatisir citra, dan dalam beberapa kasus dari alegorisme naratif yang berlebihan (misalnya, triptych alegoris "Alam, Waktu, dan Kematian"; Akademi Venesia).

Kontradiksi tragis yang paling dalam dan luas pada zaman itu diungkapkan dalam karya Jacopo Robusti, yang dijuluki Tintoretto (1518-1594). Tintoretto berasal dari kalangan demokratis masyarakat Venesia, dia adalah putra seorang pencelup sutra, oleh karena itu julukannya Tintoretto - pencelup.

Berbeda dengan Titian dan Aretino, kehidupan putra seorang tukang celup sutra ini dibedakan dari kesederhanaannya. Sepanjang hidupnya, Tintoretto tinggal bersama keluarganya di sebuah rumah sederhana, di kawasan sederhana Venesia di Fondamenta dei Mori. Tidak mementingkan diri sendiri, mengabaikan kegembiraan hidup dan godaan kemewahannya - ciri master. Seringkali, pertama-tama berjuang untuk mewujudkan ide kreatifnya, dia sangat moderat dalam persyaratan bayarannya sehingga dia berusaha menyelesaikan komposisi besar hanya untuk harga cat dan kanvas.

Pada saat yang sama, Tintoretto dibedakan oleh kepentingan humanistik murni Renaisans. Dia adalah bagian dari lingkaran dekat perwakilan terbaik dari kaum terpelajar Venesia di akhir Renaisans - ilmuwan, musisi, pemikir publik tingkat lanjut: Daniele Barbaro, Venier bersaudara, Tsarlino, dan lainnya. Secara khusus, Tsarlino, seorang komposer dan konduktor, sangat terkait dengan transisi musik ke polifoni, dengan penciptaan tandingan ganda, dengan perkembangan doktrin harmoni, yang menggemakan polifoni kompleks, penuh dengan dinamika yang gelisah dan ekspresi lukisan Tintoretto yang memiliki bakat musik yang luar biasa.

Meskipun Tintoretto belajar melukis dengan Bonifazio Veronese, dia jauh lebih berhutang budi pada perkembangan mendalam dari pengalaman kreatif Michelangelo dan Titian.

Perkembangan seni Tintoretto yang kompleks dan kontradiktif dapat secara kasar dibagi menjadi tiga tahap: awal, di mana karyanya masih terkait langsung dengan tradisi Renaisans Tinggi, yang mencakup akhir tahun 1530-an dan hampir semua tahun 1540-an. Pada 1550-1570-an. bahasa artistik asli Tintoretto sebagai master akhir Renaisans akhirnya terbentuk. Ini periode keduanya. Lima belas tahun terakhir dari karya sang master, ketika persepsinya tentang kehidupan dan bahasa artistik mencapai kekuatan khusus dan kekuatan tragis, membentuk periode ketiga, terakhir dalam karyanya.

Seni Tintoretto, seperti seni Titian, sangat beragam dan kaya. Ini adalah komposisi besar bertema religius, dan karya yang bisa disebut fundamental untuk pembentukan genre sejarah dalam seni lukis, dan "puisi" yang indah, dan komposisi bertema mitologis, dan banyak potret.

Bagi Tintoretto, terutama sejak akhir tahun 1550-an, merupakan ciri khas, pertama-tama, untuk mengungkapkan pengalaman batinnya dan penilaian etisnya terhadap citra yang diwujudkannya. Karenanya ekspresi emosional yang penuh gairah dari bahasa artistiknya.

Keinginan untuk menyampaikan hal utama, hal utama dalam isi gambar mendominasi dalam karyanya atas kepentingan yang murni bersifat teknis dan bergambar formal. Oleh karena itu, kuas Tintoretto jarang mencapai fleksibilitas virtuoso dan kehalusan bahasa artistik Veronese yang anggun. Seringkali sang master yang bekerja mati-matian dan selalu terburu-buru untuk mengekspresikan dirinya menciptakan lukisan yang nyaris asal-asalan, “perkiraan” dalam pengerjaannya. Dalam karya terbaiknya, konten spiritual yang luar biasa dari bentuk gambarnya, animasi yang penuh gairah dari visinya tentang dunia mengarah pada penciptaan mahakarya, di mana kepenuhan perasaan dan pemikiran selaras dengan teknik melukis yang kuat yang memadai untuk perasaan senimannya. dan niat. Karya-karya Tintoretto ini adalah mahakarya penguasaan bahasa lukisan yang sempurna, serta kreasi Veronese. Di saat yang sama, kedalaman dan kekuatan ide membawa karya terbaiknya mendekati pencapaian terbesar Titian. Ketidakrataan warisan artistik Tintoretto sebagian disebabkan oleh fakta bahwa sang master (walaupun pada tingkat yang sama sekali berbeda dari pemuda Spanyol kontemporernya El Greco) mewujudkan dalam karyanya salah satu aspek paling khas dari budaya artistik akhir Renaisans. , yang merupakan sisi lemah dan kuatnya, - ini adalah pengungkapan langsung dalam seni hubungan pribadi subyektif seniman dengan dunia, pengalamannya.

Momen transmisi langsung dari pengalaman subyektif, suasana emosional dalam tulisan tangan itu sendiri, dalam cara eksekusi, mungkin, untuk pertama kalinya tercermin dengan jelas dalam seni almarhum Titian dan Michelangelo, yaitu pada periode ketika mereka menjadi master dari akhir Renaisans. Pada periode Renaisans akhir, impuls dari jiwa seniman yang bingung, kemudian diklarifikasi, denyut emosinya yang hidup tidak lagi tunduk pada tugas refleksi yang jelas secara harmonis dari keseluruhan, tetapi. sebaliknya, mereka secara langsung tercermin dalam cara pertunjukan itu sendiri, mereka menentukan sudut pandang dari fenomena kehidupan yang digambarkan atau imajiner.

Dalam beberapa kasus, hal ini dapat menyebabkan penyimpangan dari pengetahuan dunia, pencelupan dalam "wawasan" subjektif jiwa, seperti yang terjadi dengan El Greco, dalam kasus lain hal itu menyebabkan permainan artistik dan egois yang dingin dengan bentuk gaya yang santun. , tunduk pada kesewenang-wenangan pribadi atau keinginan fantasi acak , - di sekolah tingkah laku Parma. Tetapi di mana seniman ditangkap oleh konflik tragis besar pada masa itu, di mana seniman dengan penuh semangat berusaha untuk mengetahui, mengalami, dan mengekspresikan semangat zaman, di sana sisi budaya Renaisans akhir ini memperkuat ekspresi emosional langsung dari seni. gambar, memberinya sensasi hasrat manusia yang tulus. Sisi seni Renaisans akhir ini menemukan ekspresi yang sangat lengkap dalam karya Tintoretto.

Hal baru yang dibawa Tintoretto ke seni Italia dan dunia tidak terbatas pada ekspresi hasrat tulus langsung untuk memahami dunia, tetapi, tentu saja, diwujudkan dalam momen lain yang lebih penting.

Tintoretto adalah yang pertama dalam seni pada masa itu yang menciptakan citra kerumunan orang, yang dianut oleh dorongan spiritual tunggal atau kontradiktif yang kompleks. Tentu saja, seniman Renaisans sebelumnya menggambarkan tidak hanya pahlawan individu, tetapi seluruh kelompok orang, tetapi di Sekolah Athena Raphael atau Perjamuan Terakhir Leonardo tidak ada perasaan satu massa manusia sebagai kolektif integral yang hidup. Itu adalah kumpulan kepribadian terpisah yang ada secara independen yang masuk ke dalam interaksi tertentu. Di Tintoretto, untuk pertama kalinya, kerumunan muncul, diberkahi dengan keadaan psikologis yang sama, bersatu dan kompleks, bergerak, bergoyang, polifonik.

Kontradiksi tragis dalam perkembangan masyarakat Italia menghancurkan gagasan humanisme Renaisans tentang dominasi orang yang sempurna dan cantik atas dunia di sekitarnya, tentang keberadaan heroiknya yang bahagia dan gembira. Konflik tragis ini tercermin dalam karya Tintoretto.

Karya-karya awal Tintoretto belum dijiwai dengan semangat tragis ini, mereka masih hidup dalam optimisme yang menggembirakan dari High Renaissance. Namun, dalam karya awal seperti Perjamuan Terakhir di Gereja Santa Marquola di Venesia (1547), orang sudah dapat merasakan minat yang meningkat pada dinamika gerakan, dalam efek pencahayaan kontras yang tajam, yang seolah-olah memprediksi perkembangan lebih lanjut dari seninya. Periode pertama karya Tintoretto diakhiri dengan komposisi besarnya "The Miracle of St. Mark" (1548; Akademi Venesia). Ini adalah komposisi monumental dan dekoratif yang besar dan spektakuler. Seorang pemuda yang mengaku iman Kristen ditelanjangi dan dibuang oleh orang-orang kafir di atas lempengan trotoar. Atas perintah hakim, dia disiksa, tetapi Santo Markus, dengan cepat terbang dari surga, melakukan keajaiban: palu, tongkat, pedang dipatahkan pada tubuh martir, yang telah memperoleh kekebalan magis, dan sekelompok algojo dan penonton membungkuk di atas tubuhnya yang bersujud dengan keterkejutan yang menakutkan. Komposisinya, seperti komposisi Renaisans, dibangun di atas prinsip penutupan yang jelas: gerakan kekerasan di tengah ditutup karena pergerakan figur yang terletak di bagian kanan dan kirinya yang mengarah ke tengah gambar. Volume mereka dimodelkan dengan sangat plastis, gerakan mereka penuh dengan ekspresi gerak tubuh yang lengkap, yang menjadi ciri khas seni Renaisans. Diberikan dalam perspektif yang berani, sosok seorang wanita muda dengan seorang anak di sudut kiri gambar melanjutkan tradisi genre yang sangat heroik, yang terungkap dalam karya Titian di tahun 1520-an dan 1530-an. ("Membawa Maria ke Bait Suci"). Namun, penerbangan cepat - jatuhnya Santo Markus, meledak dari atas ke dalam komposisi gambar, menghadirkan momen dinamika yang luar biasa, menciptakan perasaan ruang yang sangat besar di luar bingkai gambar, sehingga mengantisipasi persepsi gambar. peristiwa tidak secara keseluruhan tertutup dengan sendirinya, tetapi sebagai salah satu semburan dalam gerak abadi aliran ruang dan waktu, jadi ciri khas seni Renaisans akhir.

Motif yang sama terasa pada lukisan Tintoretto yang agak lebih awal, The Procession of St. Ursula, di mana seorang bidadari yang terbang dengan cepat dari luar gambar menyerbu prosesi halus yang tenang bergerak dari kedalaman. Dan dalam interpretasi Tintoretto tentang tema mitologi tradisional, catatan baru juga muncul. Begitulah penjajaran, penuh kontras dramatis, dari kecantikan muda Venus telanjang, bayi Cupid tertidur dengan damai di buaian, dan gerakan sudut dari pria tua yang menggairahkan Vulcan ("Venus dan Vulcan", 1545-1547; Munich) .

Di tahun 1550-an fitur-fitur baru dalam karya Tintoretto akhirnya menang atas skema lama yang sudah usang. Salah satu karya yang paling khas saat ini adalah "Pintu Masuk Maria ke dalam Kuil" (c. 1555; Venesia, Gereja Santa Maria del Orto), yang sangat berbeda dari "Masuk ke Kuil" yang khusyuk seperti dekorasi dinding Titian. . Sebuah tangga curam yang mengarah dari penampil ke kedalaman gambar mengarah ke ambang candi. Di atasnya, dalam perspektif diagonal yang tajam, sosok-sosok terpisah yang ditutupi oleh kegembiraan yang tak henti-hentinya tersebar. Di puncak tangga, dengan latar belakang langit yang tenang, seorang pendeta tinggi yang sangat ketat muncul, dikelilingi oleh para pembantunya. Baginya, menaiki anak tangga terakhir, sosok Maria yang rapuh bergerak dengan cepat. Perasaan luasnya dunia, dinamika ruang yang cepat, perembesan orang-orang yang berpartisipasi dalam aksi dengan semacam gerakan yang berdenyut cepat dan bergetar memberikan seluruh komposisi kegembiraan yang luar biasa, makna khusus.

Dalam The Abduction of the Body of St. Mark (1562-1566; Venice Academy), fitur lain dari karya Tintoretto pada periode Dewasa muncul dengan sangat jelas. Pada saat orang Venesia yang saleh mencuri tubuh orang suci dari Aleksandria, yang merupakan milik "kafir", badai meletus, membuat orang Aleksandria yang kecewa melarikan diri. Kekuatan yang tangguh unsur-unsurnya, pencahayaan gambar yang gelisah dengan kilatan petir, perjuangan terang dan gelap di langit mendung badai mengubah alam menjadi kaki tangan yang kuat dari peristiwa tersebut, meningkatkan keseluruhan drama gambar yang gelisah.

Dalam Perjamuan Terakhir di Gereja San Trovaso, Tintoretto dengan tegas melanggar hierarki karakter yang jelas dan sederhana yang menjadi ciri khas, katakanlah, Sekolah Athena karya Raphael atau Perjamuan Terakhir karya Leonardo. Sosok-sosok itu tidak berada di depan penonton, mereka seolah-olah direnggut dari ruang lingkungan alam. Meja persegi tempat Kristus dan para rasul duduk di ruang bawah tanah kedai minum tua diberikan garis depan diagonal yang tajam. Lingkungan yang mengelilingi para rasul adalah lingkungan yang paling umum dari sebuah bar umum. Kursi-kursi yang ditenun dengan jerami, bangku kayu, tangga menuju lantai berikutnya kedai minuman, pencahayaan redup dari ruangan yang buruk - semua ini, seolah-olah, direnggut dari kehidupan. Tampaknya Tintoretto kembali ke narasi naif seni Quattrocentist, dengan penuh kasih menggambarkan karakternya dengan latar belakang jalan atau interior kontemporer mereka.

Tetapi ada juga perbedaan yang signifikan di sini. Pertama, sejak zaman Giorgione, orang Venesia menempatkan sosok mereka langsung di lingkungan itu sendiri, bukan dengan latar belakang ruangan, tetapi di dalam ruangan. Tintoretto juga tidak peduli dengan cinta picik yang menulis benda-benda sehari-hari yang begitu manis dan sayang kepada Quattrocentist. Ia ingin menyampaikan suasana lingkungan nyata sebagai bidang tindakan ekspresif yang khas untuk para karakter. Selain itu, yang khas dari sentimen demokrasi kampungan, ia menekankan kesamaan lingkungan di mana putra tukang kayu dan murid-muridnya beroperasi.

Tintoretto berjuang untuk integritas komposisi, alami untuk karya seni yang sudah jadi, tetapi dibandingkan dengan para ahli di tahap sebelumnya, dia sangat merasakan polifoni kehidupan yang kompleks, di mana yang agung, hal utama tidak pernah muncul dalam bentuknya yang murni. .

Oleh karena itu, menggambarkan momen tertentu yang penuh dengan makna batin dalam arus kehidupan, Tintoretto menjenuhkannya dengan beragam motif yang tampak kontradiktif: Kristus mengucapkan kata-katanya "Salah satu dari kalian akan mengkhianatiku" pada saat rekan-rekannya sibuk dengan lebar berbagai tindakan. Salah satu dari mereka, memegang cangkir di tangan kirinya, mengulurkan tangan kanannya ke sebotol besar anggur yang berdiri di lantai; yang lain membungkuk di atas sepiring makanan; pelayan, memegang semacam piring, sudah setengah jalan di belakang bingkai foto; seorang wanita duduk di tangga, tidak peduli dengan apa yang terjadi, sibuk berputar. Tepat pada saat orang-orang teralihkan oleh aktivitas yang begitu beragam, kata-kata guru yang membuat kagum semua orang terdengar. Mereka semua dipersatukan oleh reaksi kekerasan seketika terhadap kata-kata yang mengerikan ini. Mereka yang tidak sibuk dengan apapun berhasil menanggapinya dengan cara yang berbeda. Yang satu bersandar karena terkejut, yang kedua menggenggam tangannya dengan marah, yang ketiga, dengan sedih menekan tangannya ke jantungnya, dengan penuh semangat membungkuk kepada guru tercintanya. Murid-murid yang terganggu oleh urusan sehari-hari mereka tampak membeku dalam kebingungan seketika. Tangan yang terulur ke botol telah menggantung dan tidak lagi terangkat untuk menuangkan anggur; seseorang yang membungkuk di atas piring tidak akan lagi membuka tutupnya. Mereka juga dilanda ledakan kemarahan yang mengejutkan. Dengan cara ini, Tintoretto mencoba untuk secara bersamaan menyampaikan keragaman kompleks dari kehidupan sehari-hari sehari-hari dan kilatan emosi dan hasrat seketika yang tiba-tiba menyatukan kelompok orang yang tampaknya heterogen ini menjadi satu kesatuan.

Pada 1550-1560-an. Tintoretto tidak hanya menciptakan karya-karya yang sudah dapat ditebak kebingungan tragis zaman itu, tetapi juga serangkaian lukisan yang dijiwai dengan keinginan untuk melepaskan diri dari konflik realitas ke dunia dongeng puitis, ke dunia mimpi. Tetapi bahkan di dalamnya, rasa kontras yang tajam dan ketidakstabilan yang tidak stabil dari makhluk yang dapat berubah, meskipun dalam transformasi bentuk yang luar biasa dan puitis, masih terasa.

Jadi, dalam cerita Prancis abad ke-13 yang ditulis tentang motifnya. Dalam lukisan "The Saving of Arsinoe", sang seniman menciptakan, tampaknya dalam tradisi "puisi" bergambar Renaisans, sebuah kisah menawan tentang bagaimana seorang kesatria dan seorang pemuda, berlayar dengan gondola ke kaki menara kastil yang suram. keluar dari laut, selamatkan dua wanita cantik telanjang yang dirantai. Ini adalah puisi indah yang membawa seseorang ke dunia fiksi puitis dari kehidupan nyata yang gelisah dan tidak stabil. Tetapi betapa tajamnya sang master membandingkan lapisan logam dingin seorang kesatria, bersentuhan dengan kelembutan lembut tubuh wanita, dan betapa goyahnya, penopang yang tidak stabil adalah perahu ringan, bergoyang di atas ombak laut yang tidak stabil.

Salah satu lukisan terbaik dari seri "puisi" adalah Susanna, yang secara resmi didedikasikan untuk mitos alkitabiah, dari Galeri Wina (c. 1560). Keajaiban yang mempesona dari komposisi ini tak tertahankan. Pertama, ini adalah salah satu lukisan yang jejak terburu-buru, yang seringkali menjadi ciri khas Tintoretto, tidak terasa. Itu ditulis dengan kuas virtuoso yang tipis dan presisi. Seluruh suasana gambar mengipasi oleh kesejukan kebiruan keperakan yang lembut, memberikan perasaan segar dan sedikit dingin. Susanna baru saja keluar dari kamar mandi. Kaki kirinya masih terendam air dingin. Tubuh bercahaya diselimuti bayang-bayang kebiruan, semuanya tampak bersinar dari dalam. Pancaran tubuhnya yang lembut subur dan lentur kontras dengan tekstur yang lebih kental dari lipatan handuk hijau kebiruan yang kusut di bayang-bayang.

Di depannya, dalam terali hijau zaitun gelap, mawar menyala dengan warna merah muda-ungu. Di latar belakang, aliran sungai berwarna keperakan, dan di belakangnya, ditulis dengan warna pistachio yang agak keabu-abuan, muncul batang tipis pohon poplar kecil. Pohon poplar keperakan, pancaran dingin mawar, kilauan air kolam yang tenang dan aliran sungai tampak mengambil motif pancaran tubuh telanjang Susanna dan, mulai dari latar belakang bayangan dan bumi berwarna zaitun kecoklatan. , ciptakan suasana keperakan yang sejuk dan bersinar lembut yang menyelimuti seluruh gambar.

Susanna mengintip ke cermin yang diletakkan di depannya di tanah, mengagumi bayangannya sendiri. Kami tidak melihatnya. Di permukaan mutiara yang goyah dari cermin yang diatur miring ke arah penonton, hanya peniti emas dan ujung handuk berenda yang digunakannya untuk menyeka kakinya yang dipantulkan. Tapi ini sudah cukup - penonton menebak apa yang tidak dia lihat, mengikuti arah tatapan Susanna yang berambut emas, sedikit terkejut dengan kecantikannya sendiri.

Lukisan yang luar biasa, lincah, cerah, dan komposisi "The Origin of the Milky Way" (London), dibuat pada tahun 1570. Menurut mitos kuno, Jupiter, yang ingin menghadiahkan keabadian untuk bayinya, yang lahir dari seorang wanita fana, memerintahkan untuk menekannya ke dada Juno agar jika dia meminum susu dewi, dia sendiri akan menjadi abadi. Dari percikan susu yang terkejut dan mundur ketakutan, Juno, Bima Sakti muncul, mengelilingi langit. Komposisi, penuh kekaguman yang gelisah, dibangun di atas kontras pelayan Jupiter, yang dengan cepat menyerang dari kedalaman ruang, dan tubuh mutiara yang subur dari dewi telanjang yang bersandar karena terkejut. Kontras dari penerbangan tajam pelayan dan kelembutan lembut dari gerakan dewi cantik penuh dengan ketajaman dan pesona yang luar biasa.

Tapi impian "puisi" yang lembut dan melamun ini hanyalah salah satu segi dalam karya sang master. Kesedihan utamanya berbeda. Gerakan badai massa manusia yang memenuhi dunia luas semakin menarik perhatian seniman.

Gambar. hlm. 280-281

Konflik waktu yang tragis, kesedihan dan penderitaan orang-orang diekspresikan dengan kekuatan khusus, meskipun, seperti tipikal zaman itu, dalam bentuk tidak langsung, dalam The Crucifixion (1565), diciptakan untuk scuola di San Rocco dan ciri khas dari periode kedua karya Tintoretto. Gambar itu memenuhi seluruh dinding ruangan persegi besar (yang disebut Alberto), bersebelahan dengan aula atas yang besar. Komposisi ini, tidak hanya mencakup adegan penyaliban Kristus dan dua pencuri, termasuk para murid yang berpegangan pada salib, dan kerumunan orang di sekitar mereka. Itu membuat kesan yang hampir panorama dari sudut pandang yang melihatnya, karena cahaya yang mengalir melalui jendela di kedua dinding samping, seolah-olah, memperluas seluruh ruangan. Jalinan dua aliran cahaya yang berlawanan, berubah saat matahari bergerak, menghidupkan gambar dengan warnanya, baik membara, atau berkedip, atau memudar. Komposisi itu sendiri tidak langsung muncul di hadapan penonton dengan segala integritasnya. Saat penonton berada di aula besar, maka hanya kaki salib dan rombongan murid dari orang yang disalib, yang dipeluk oleh kesedihan, yang terlihat di celah pintu. Beberapa dengan hati-hati dan sedih membungkuk di atas ibu mereka yang hancur; yang lain dalam keputusasaan yang penuh gairah mengalihkan pandangan mereka ke guru yang dieksekusi. Dia, yang diangkat oleh salib jauh di atas manusia, belum terlihat. Grup tersebut membentuk komposisi yang lengkap dan mandiri, dibatasi dengan jelas oleh kusen pintu.

Tetapi pandangan Yohanes dan batang salib yang naik menunjukkan bahwa ini hanyalah bagian dari komposisi yang lebih luas dan lebih komprehensif. Penonton datang ke pintu, dan dia sudah bisa melihat Kristus kelelahan karena penderitaan, seorang pria yang cantik dan kuat, dengan kesedihan yang lembut menundukkan wajahnya kepada keluarga dan teman-temannya. Langkah lain - dan di depan penonton yang memasuki ruangan, sebuah gambar besar terbentang di seluruh luasnya, dihuni oleh kerumunan orang, bingung, ingin tahu, penuh kemenangan dan penyayang. Di tengah gelombang lautan manusia ini, sekelompok orang berpegangan pada kaki salib.

Kristus dikelilingi oleh pancaran warna yang tak terlukiskan, berpendar dengan latar belakang langit yang suram. Tangannya yang terulur, dipaku ke palang, seolah merangkul dunia yang bising dan gelisah ini dalam pelukan yang luas, memberkati dan memaafkannya.

"Penyaliban" benar-benar seluruh dunia. Itu tidak bisa habis dalam satu deskripsi. Seperti dalam hidup, segala sesuatu di dalamnya tidak terduga dan pada saat yang sama perlu dan penting. Pemodelan karakter plastik Renaisans dan kewaskitaan yang dalam dari jiwa manusia juga sangat mencolok. Dengan kejujuran yang kejam, sang seniman juga memahat gambar kepala berjanggut di atas kuda, memandangi eksekusi dengan rasa puas diri yang berlebihan, dan seorang lelaki tua, dengan kelembutan yang menyedihkan, membungkuk di atas Maria yang kelelahan, dan John muda, dalam ekstasi yang menyedihkan, berbalik tatapannya pada guru yang sekarat itu.

Komposisi "Penyaliban" dilengkapi dengan dua panel yang diletakkan di dinding seberang, di sisi pintu - "Kristus di hadapan Pilatus" dan "Memikul Salib", yang mewujudkan tahapan utama dari "sengsara Kristus". Secara keseluruhan, ketiga karya ini membentuk ansambel yang lengkap baik secara komposisi maupun kiasan.

Ketertarikan pada siklus monumental yang besar adalah ciri khas Tintoretto yang matang dan terlambat, yang justru berjuang dalam perubahan gambar yang "bersuara banyak" yang bergema dan kontras satu sama lain untuk menyampaikan idenya tentang kekuatan unsur dan dinamika makhluk yang kompleks. Mereka paling banyak terungkap justru dalam ansambel raksasa Scuola di San Rocco, yang belum pernah terjadi sebelumnya untuk lukisan cat minyak, terdiri dari beberapa lusin kanvas dan plafon - punggung besar atas (1576-1581) dan bawah (1583-1587). Diantaranya, Perjamuan Terakhir, diresapi dengan drama cepat; dijiwai dengan mimpi elegi dan perasaan halus menyatunya jiwa manusia dengan dunia alam, "Maria dari Mesir di Gurun" (aula bawah); penuh ketegangan dan kecemasan tersembunyi "The Temptation of Christ"; "Musa memotong air dari batu" yang luar biasa megah, menunjukkan perjuangan tegang seorang titan dengan kekuatan unsur yang bersifat bermusuhan.

Dalam beberapa karya siklus San Rocco, dasar rakyat yang mendasari karya Tintoretto terlihat sangat jelas. Ini adalah "Adoration of the Shepherds" -nya. Situasi plebeian dari lumbung dua tingkat, tipikal pertanian petani di pertanian terra, diambil dari kehidupan, adalah karakteristik (di lantai tingkat atas, tempat jerami disimpan untuk ternak, Maria dan bayinya berlindung). Pada saat yang sama, pencahayaan yang tidak biasa, agitasi dari gerakan para gembala yang membawa hadiah sederhana mereka mengubah pemandangan ini, mengungkapkan makna batin dari peristiwa tersebut.

Daya tarik citra massa besar sebagai protagonis karya tersebut merupakan ciri khas sejumlah karya Tintoretto periode lalu lainnya.

Jadi, di periode terakhir karyanya, dia menciptakan salah satu yang pertama untuk Istana Doge dan Venesia lukisan sejarah dalam arti kata yang tepat - "The Battle of Dawn" (c. 1585). Di atas kanvas besar yang memenuhi seluruh dinding, Tintoretto menggambarkan kerumunan orang yang dilanda amukan pertempuran. Namun, dalam The Battle of Dawn, Tintoretto tidak berusaha memberikan semacam peta pertempuran darat, seperti yang terkadang dilakukan oleh para penguasa abad ke-17 kemudian. Dia lebih mementingkan transmisi ritme pertempuran yang beragam. Dalam gambar, kelompok pemanah yang melempar anak panah, kemudian penunggang kuda yang turun dalam pertempuran, kemudian kerumunan infanteri perlahan-lahan bergerak menyerang, kemudian sekelompok artileri, menyeret meriam berat dengan ketegangan, bergantian. Kilatan spanduk merah dan emas, kepulan asap bubuk mesiu yang tebal, tahun-tahun panah yang cepat, kelap-kelip cahaya dan bayangan yang redup menyampaikan kecerahan dramatis dan polifoni kompleks dari deru pertempuran yang sedang berlangsung. Bukan kebetulan bahwa Tintoretto Surikov, ahli penggambaran kehidupan rakyat yang hebat, sebuah kelompok manusia yang kompleks dan memiliki banyak sisi, sangat jatuh cinta padanya.

"Surga" -nya (setelah 1588) juga milik periode selanjutnya - komposisi besar yang menempati seluruh dinding ujung aula utama Istana Doge yang megah. Gambar ditulis dengan detail agak santai dan sangat gelap dari waktu ke waktu. Gagasan tentang karakter bergambar asli dari komposisi ini dapat diberikan melalui sketsa besarnya yang disimpan di Louvre.

"Paradise" dan khususnya "Battle of Dawn" oleh Tintoretto, tentu saja, tidak secara formal bertentangan dengan ansambel Doge's Palace yang meriah, mengagungkan kekuatan megah bangsawan Venesia yang sudah akan terbenam. Namun, gambaran, perasaan, dan gagasan mereka yang mereka bangkitkan jauh lebih luas daripada permintaan maaf atas kebesaran kekuatan Venesia yang memudar, dan, pada dasarnya, dijiwai dengan perasaan akan pentingnya kehidupan dan pengalaman yang kompleks, jika bukan dari orang-orang dalam pemahaman kita, kemudian dari massa rakyat, massa rakyat.

Seperti kilatan terang terakhir dari lampu yang sekarat, pemberian sang guru, yang berdiri di akhir perjalanan panjangnya, terungkap dalam The Gathering of Manna dan The Last Supper di Gereja San Giorgio Maggiore (1594).

Karya terakhirnya ini dibedakan oleh suasana perasaan gelisah yang kompleks, kesedihan yang tercerahkan, meditasi yang dalam. Ketajaman dramatis dari bentrokan, gerakan badai massa, ledakan tajam dari nafsu yang terburu nafsu - semuanya muncul di sini dalam perwujudan yang diperhalus dan diperjelas.

Pada saat yang sama, gerakan para rasul yang secara lahiriah relatif terkendali yang mengambil bagian dalam Kristus penuh dengan kekuatan spiritual batin yang sangat terkonsentrasi. Dan meskipun mereka duduk di meja yang mengarah secara diagonal ke kedalaman ruangan yang panjang dan rendah, dan latar depan menunjukkan sosok pelayan dan pelayan yang bergerak dengan penuh semangat, perhatian penonton terpaku pada para rasul. Cahaya, yang tumbuh secara bertahap, menyebarkan kegelapan, membanjiri Kristus dan murid-muridnya dengan pancaran magisnya yang berpendar, cahaya inilah yang membedakan mereka, memusatkan perhatian kita pada mereka.

Simfoni cahaya yang berkelap-kelip menciptakan perasaan ajaib yang mengubah peristiwa yang tampaknya biasa menjadi keajaiban pengungkapan komunikasi spiritual yang bersemangat dari sekelompok kecil orang yang setia satu sama lain, kepada guru dan beberapa ide hebat. Aliran cahaya yang menyilaukan memancarkan lampu tembaga sederhana yang digantung di langit-langit; awan cahaya beruap yang berputar-putar mengembun menjadi gambar malaikat yang tidak berwujud dan hantu, cahaya yang sangat aneh meluncur di atas permukaan yang berkilauan, menyala dengan cahaya berwarna yang tenang dari benda-benda biasa dari dekorasi ruangan yang sederhana.

Dalam The Gathering of Manna, cahaya lembut keperakan-kehijauan menyelimuti jarak terang, dengan lembut meluncur di atas tubuh dan pakaian sosok-sosok latar depan dan tengah, seolah mengungkapkan keindahan dan puisi orang-orang yang terlibat dalam pekerjaan biasa yang sederhana: seorang pemintal di alat mesin, pandai besi, tukang cuci membilas linen , seorang petani mengendarai bagal. Dan di suatu tempat di samping, beberapa wanita sedang mengambil butiran manna. Tidak, tapi manna yang memberi makan orang jatuh dari surga. Keajaiban terletak di tempat lain, dalam puisi kerja yang disucikan oleh keindahan moralnya.

Dalam karya perpisahan jenius yang tercerahkan ini, Tintoretto, mungkin, paling dekat dengan semua master abad ke-16. mendekati Rembrandt, rasa puisinya yang dalam dan pentingnya dunia moral orang biasa. Tetapi justru di sinilah perbedaan yang menentukan antara seni Tintoretto dan realis besar abad ke-17 terungkap paling jelas. Tintoretto dicirikan oleh keinginan akan kanvas yang ramai dan interpretasi heroik yang tinggi dari gambar yang berasal dari tradisi Renaisans, sementara gambar Rembrandt penuh dengan konsentrasi sederhana, pencelupan diri, mereka tampaknya tanpa sadar mengungkapkan keindahan moral batin mereka. dunia. Aliran cahaya yang mengalir dari dunia besar membanjiri para pahlawan komposisi Tintorett dengan ombaknya: di Rembrandt - cahaya lembut, seolah-olah dipancarkan oleh kesedihan, dengan tenang bersukacita, mendengarkan satu sama lain, menyebarkan kegelapan tuli di ruang sekitarnya.

Meskipun Tintoretto bukanlah pelukis potret terlahir seperti Titian, dia meninggalkan kami sebuah galeri potret yang besar, meskipun kualitasnya tidak merata. Potret-potret terbaik ini tentunya secara artistik sangat signifikan dan menempati tempat penting dalam perkembangan potret zaman modern.

Tintoretto dalam potretnya berusaha tidak terlalu banyak untuk mengungkapkan, pertama-tama, individualitas unik seseorang, tetapi untuk menunjukkan bagaimana beberapa emosi, perasaan, dan masalah moral universal manusia yang khas pada masa itu dibiaskan melalui orisinalitas karakter individu manusia. Oleh karena itu, ada pelunakan tertentu dalam transfer ciri-ciri kesamaan dan karakter individu, dan pada saat yang sama kandungan emosional dan psikologis yang luar biasa dari gambar-gambarnya.

Keaslian gaya potret Tintorett ditentukan tidak lebih awal dari pertengahan 1550-an. Jadi, gambar-gambar potret sebelumnya, misalnya, potret laki-laki (1553; Wina), lebih dibedakan oleh sifat material yang besar, dinamika gerakan yang terkendali, dan suasana hati yang termenung secara umum daripada oleh ketegangan keadaan psikologis mereka.

Di antara potret awal ini, mungkin yang paling menarik adalah potret generasi seorang Venesia (akhir 1540-an - awal 1550-an; Galeri Dresden). Keadaan umum dari mimpi mulia disampaikan di sini secara halus dan puitis. Sentuhan feminitas yang penuh kasih sayang terjalin erat ke dalamnya.

Dalam potret-potret selanjutnya, misalnya, dalam potret Sebastiano Venier (Wina) dan terutama dalam potret seorang lelaki tua di Berlin, gambar-gambar tersebut mencapai kedalaman spiritual, psikologis, dan kekuatan ekspresi yang dramatis. Tokoh-tokoh dalam potret Tintoretta sering dihinggapi kecemasan yang mendalam, refleksi yang memilukan.

Begitulah potret dirinya (1588; Louvre). Dari kegelapan samar dari latar belakang yang tidak pasti dan tidak pasti, wajah sedih dan lesu dari tuan tua, diterangi oleh cahaya yang gelisah, tidak pasti, seolah-olah memudar, muncul. Itu tanpa keterwakilan atau kecantikan fisik, itu adalah wajah seorang lelaki tua yang lelah, kelelahan karena pikiran yang berat dan penderitaan moral. Tetapi keindahan spiritual batin, keindahan dunia moral seseorang, mengubah wajahnya, memberinya kekuatan dan makna yang luar biasa. Pada saat yang sama, potret ini tidak memiliki perasaan hubungan yang intim, percakapan intim yang tenang antara penonton dan orang yang digambarkan, atau partisipasi penonton dalam kehidupan spiritual sang pahlawan, yang kita rasakan dalam potret mendiang Rembrandt. Tatapan mata sedih Tintoretto yang terbuka lebar diarahkan ke penonton, tetapi dia meluncur melewatinya, dia berubah menjadi jarak yang tak terbatas atau, yang sama, di dalam dirinya sendiri. Pada saat yang sama, dengan tidak adanya gerakan eksternal (ini adalah potret payudara, di mana tangan tidak digambarkan), ritme cahaya dan bayangan yang gelisah, kegugupan yang hampir membara dari pukulan dengan kekuatan luar biasa menyampaikan perasaan batin. gejolak, ledakan pikiran dan perasaan yang gelisah. Ini adalah gambaran tragis dari seorang lelaki tua yang bijak, mencari dan tidak menemukan jawaban atas pertanyaan sedihnya yang beralih ke kehidupan, ke takdir.

Dalam hubungan yang sangat erat dengan arsitektur, patung juga berkembang di Venesia. Pematung Venesia lebih sering melakukan pekerjaan yang berhubungan langsung dengan dekorasi monumental bangunan Venesia yang megah daripada mengerjakan monumen patung independen atau patung kuda-kuda. Bukan kebetulan bahwa ahli patung Venesia terbesar adalah arsitek Jacopo Ansovino (1486-1570).

Secara alami, dalam karya monumental dan dekoratifnya, pematung Sansovino secara halus merasakan niat Sansovino sang arsitek. Karya sintetik seperti itu, di mana sang master bertindak sebagai pematung dan sebagai arsitek, misalnya, logetta yang indah di Lapangan Santo Markus (1537), dibedakan oleh kesatuan harmonis yang luar biasa dari bentuk arsitektur pesta yang mulia dan relief serta patung bundar. mendekorasi mereka.

Secara umum, seni Sansovino, terutama pada masa awal karyanya, sangat erat kaitannya dengan seni High Renaissance. Keunikan dari karya awalnya adalah perasaan halus dari permainan lembut chiaroscuro, fluiditas ritme yang bebas, yang menghubungkan plastisitas Sansovino bahkan sebelum ia pindah ke Venesia dengan kecenderungan umum yang menjadi ciri khas seni Venesia secara keseluruhan. Bisa dikatakan, ciri-ciri indah dari plastisitas Sansovino ini tercermin dengan jelas untuk pertama kalinya dalam patung Bacchus muda (1518), yang terletak di Museum Nasional Florentine.

Sansovino menetap di Venesia setelah 1527, di mana lebih jauh kehidupan kreatif artis. Pada periode ini, di satu sisi, terjadi peningkatan tren bergambar pada komposisi relief multi-figur Sansovino, misalnya pada relief perunggu yang didedikasikan untuk kehidupan St. Mark (Katedral San Marco di Venesia). Terlepas dari kenyataan bahwa relief ini dibangun berdasarkan prinsip relief perspektif, permainan chiaroscuro yang tajam, pelanggaran bidang depan relief dengan sudut tebal, gambaran langit mendung di bidang belakang relief memberikan kesan yang jelas. gambar dan dinamika emosional untuk karya-karya ini. Dalam relief selanjutnya untuk pintu perunggu sakristi Katedral San Marco, Sansovino secara konsisten mengacu pada teknik relief perspektif, dan untuk menyampaikan kesan kedalaman ruang yang lebih kuat, ia membuat permukaan pintu cekung. Intinya, relief terakhir dalam "lukisan" emosional mereka sampai batas tertentu menggemakan karya almarhum Titian dan Tintoretto awal.

Dalam plastik patung, Sansovino yang dewasa, terus menciptakan gambar yang penuh dengan keindahan dan keagungan heroik, berupaya menghubungkannya seaktif mungkin dengan lingkungan spasial sekitarnya. Oleh karena itu, kebebasan sudut yang “melukis”, oleh karena itu keinginan, ketika dia mendekorasi fasad sebuah bangunan dengan beberapa patung, untuk menghubungkan patung-patung ini dengan ritme yang sama, semacam panggilan komposisi dari motif gerakan yang disandingkan. Meskipun masing-masing ditempatkan di ceruk yang terpisah dan, tampaknya, terisolasi satu sama lain, semacam sensasi ritme yang sama, semacam gema emosional mengikat mereka menjadi semacam kesatuan emosional-imajinatif tunggal.

Pada periode akhir karya Sansovino, perasaan patah tulang, keresahan ritmis, yang umumnya menjadi ciri khas Renaisans akhir Italia, terungkap dalam karya-karyanya. Begitulah, khususnya, citra Yohanes Pembaptis yang muda, kelelahan karena kontradiksi internal.

Alessandro Vittoria (1525-1608) bekerja sejak usia dua puluh tahun di Venesia. Dia adalah murid Sansovino dan berpartisipasi bersamanya dalam implementasi karya monumental dan dekoratif yang besar (dia memiliki karyatid gerbang Perpustakaan Sansovino, 1555, patung Merkurius di Istana Doge, 1559). Yang patut disebutkan adalah nisan Doge Venier (1555; Venesia). Di antara karya-karyanya di akhir zaman, yang dijiwai dengan pengaruh Mannerist, Yohanes Pembaptis (1583; Treviso) menonjol. Potretnya patut diperhatikan, dibedakan oleh keaktifan karakteristik dan komposisi efektifnya. Seperti patung Marcantonio Grimani, Tommaso Rangone dan lainnya. Vittoria juga pencipta serangkaian patung perunggu kecil yang luar biasa yang menghiasi interior sekuler yang kaya pada waktu itu, serta gereja-gereja, seperti, misalnya, tempat lilin anehnya yang elegan di Chapel del Rosario. Karya-karyanya semacam ini terkait erat dengan perkembangan umum seni terapan Italia.

Populer dalam kategori: