Analisi delle muse dell'opera per Debussy moonlight. Scienza televisiva

Lo scopo della lezione: espansione e approfondimento delle idee dei bambini sulle possibilità visive dell'arte musicale.

Obiettivi della lezione:

1. Sviluppo del pensiero creativo, dell'attenzione e della memoria.
2. Confronto e identificazione di caratteristiche simili e diverse nella musica di diversi compositori.
3. Padroneggiare le abilità dell'intonazione plastica.
4. Rafforzare la capacità di identificare i mezzi a orecchio espressività musicale.

Materiale musicale: L. van Beethoven Sonata per pianoforte n. 14 “Moonlight”, C. Debussy “Moonlight”.

Attrezzatura didattica:

1. pianoforte.
2. Lettore DVD. televisore o videoproiettore.
3. Ritratti di L. Beethoven, J. Guicciardi, C. Debussy.
4. Registrazioni audio della Moonlight Sonata di Beethoven, Moonlight di Debussy.
5. Beethoven L. Piano Sonata No. 14 “Moonlight” – clavicembalo.
6. Carte colorate (cartone colorato).

Struttura della lezione:

1. Organizzazione del tempo. La fase principale della lezione.
2. Conversazione.
3. Ascolto e analisi di un brano musicale (“Moonlight Sonata” di Beethoven).
4. Intonazione plastica.
5. Ascolto e analisi di un brano musicale (“Moonlight” di C. Debussy).
6. Guardare un video sulla musica di Debussy, analisi, confronto.
7. Elaborazione di una tavolozza di colori del colore della luna (applicazione).
8. Riassunto della lezione. Generalizzazione e consolidamento delle conoscenze acquisite.

Durante le lezioni

1.

Insegnante: (allegato: presentazione - diapositiva numero 2).

Cadere in un sonno profondo, anima
Lascerò andare nella distesa della notte, -
Sorvola il mare e la terra
Nel deserto e nella fitta foresta.
La notte copriva la terra con un velo
Sogni, fantasie, favole e sogni...
Le stelle e la luna sembrano stanche,
Proteggere la pace, la tranquillità e i sogni.

Non a caso ho iniziato con i versi la nostra lezione di oggi, poiché sarà dedicata al momento più misterioso, romantico, favoloso e poetico della giornata. L'eroina della nostra lezione è una bellissima e ammaliante stella notturna, la regina della notte è Sua Maestà la Luna. Chiameremo la nostra lezione "Moon Melody", perché oggi ascolteremo opere di compositori di epoche e paesi diversi, ma tutte queste opere sono dedicate alla luna.

2.

Per cominciare, ti suggerisco di giocare alle associazioni. Quali pensieri, emozioni, esperienze provi con le parole Notte, Luna? Che associazioni hai con questi concetti?

Le risposte dei bambini.

(Più avanti nella diapositiva della presentazione (appendice: presentazione - diapositiva numero 3) compaiono parole che possono essere associate al paesaggio notturno: “misterioso”, “romanticismo”, “pericolo”, “paura”, “fantastico”, “freddezza”, “magia”, “solitudine”, “mistero”, “divertimento” , "luce", "gioia", "allegria", ecc. Chiedi ai bambini di scegliere le parole corrette.

Riassumendo le risposte dei bambini e le parole sulle carte.

Insegnante: Persone diverse percepiscono la luna e la notte in modo diverso: per alcuni è un momento di pericolo, ansia e solitudine, mentre per altri è il momento più romantico della giornata, quando i poeti scrivono poesie, accade la magia, gli innamorati si incontrano.

Molti artisti, musicisti, poeti hanno dedicato le loro creazioni alla luna. Ora faremo un viaggio musicale e ascolteremo la musica del grande compositore tedesco Ludwig van Beethoven.

(Appendice: presentazione - diapositiva numero 4)

Insegnante: guarda il ritratto del compositore. Quale pensi sia il carattere della persona nel ritratto? Che tipo di vita ha vissuto?

Le risposte dei bambini.

Insegnante: agli occhi di Beethoven sentiamo severità, severità, Davanti a noi c'è un uomo di inflessibile forza d'animo, forza di carattere, perché tutta la vita del compositore è stata una lotta senza fine con il destino, con malattia grave, che ha sofferto dall'età di 25 anni. Era sordità. Per un compositore perdere l'udito è una frase, la fine del suo percorso creativo!.. Ma non per Beethoven: con le sue opere ha ripetutamente dimostrato all'umanità che non si sarebbe sottomesso alla sua malattia, al suo destino.

Beethoven è nato in Germania, nella piccola città di Bonn. Intorno ai 20 anni si trasferisce a Vienna, la capitale dell'Austria. Dove vive fino alla fine dei suoi giorni. A Vienna, ha incontrato una bellissima ragazza, la sedicenne Juliet Guicciardi. Beethoven si innamorò di questa bellezza (appendice: presentazione - diapositiva numero 5), e questo, naturalmente, lusingò la giovane Giulietta. Beethoven ha immortalato il nome della sua amata dedicandole una delle sue opere più famose: la Sonata per pianoforte n. 14, intitolata "Moonlight". “Moonlight Sonata” sono le riflessioni del compositore solo con la natura, dove rivela i suoi sentimenti per Giulietta Guicciardi. Prima dell'ascolto, domande finalizzate alla percezione: A) La natura della musica, delle immagini. Quale stato d'animo viene trasmesso nella musica? b) Giulietta amava Beethoven? Come si è sviluppata la loro relazione? (Appendice: presentazione - diapositiva numero 6) La sera d'inverno decorava le finestre, Dividi il cielo in fiocchi di neve. Moonlight è come la musica, bellissima Scese nelle case ghiacciate. E la "Moonlight Sonata" suonava, Come se un angelo luminoso volasse dentro ... Lo stesso Ludwig van Beethoven una volta Alla fredda finestra sedeva: Era una sera d'inverno così buia Forse un gatto birichino stava dormendo nelle vicinanze. E gettandoti una coperta calda sulle spalle, Il compositore ha scritto la musica. C'era un cielo nelle stelle, come nei diamanti, Moonlight - Vetro di Boemia E a casa in fiocchi di neve, come in strass, E il vino scintillava nel cristallo.

Ascolto di "Moonlight Sonata" in registrazione audio.

Le risposte dei bambini alle domande poste prima dell'ascolto. Riassumendo ciò che l'insegnante ha detto ai bambini.

3. Intonazione plastica.

L'insegnante suona al pianoforte il periodo iniziale della Moonlight Sonata. C'è poi una conversazione sulla natura dell'accompagnamento (3 note ascendenti, che ricordano il movimento delle onde) e sulle caratteristiche della linea melodica (il tema all'altezza di una nota, eseguito in un ritmo puntato, dà alla musica un carattere coraggioso, ma con un pizzico di disperazione). I bambini sono invitati a trasmettere le caratteristiche del modello di melodia e armonia nei movimenti plastici. Per fare questo, i bambini sono divisi in 3 gruppi: "armonie" e "melodie" e "voce di basso".

Gruppo Armonia:

Con movimenti morbidi delle mani, simili ai movimenti delle onde, riproduce la direzione verso l'alto dei suoni dell'arpeggio nell'aria. Nel processo di "intonazione", viene valutata l'esatta corrispondenza dei movimenti delle mani e dei suoni di armonia, l'espressività dei gesti.

Gruppo melodico:

Con il palmo raccolto alla stessa altezza, “intona” i suoni di una voce melodica. Viene valutata la riproduzione accurata del ritmo punteggiato, l'espressività dei gesti.

Gruppo di bassi: movimenti discendenti e fluidi delle mani, come se "si tuffassero" nelle profondità.

4.

Insegnante: Quindi, il nostro viaggio musicale lungo il "sentiero lunare" continua. Questa volta andremo in Francia all'inizio del XX secolo.

In questo momento, una nuova direzione nella pittura iniziò a diffondersi in tutta Europa con un nome molto bello ma complesso: IMPRESSIONISMO. (Appendice: presentazione - diapositiva numero 7). Dipinti impressionisti di Claude Monet, Auguste Renoir e altri (Appendice: presentazione - diapositive n. 8, 9, 10) - erano pieni di colori vivaci, leggeri; gli artisti dipingevano sempre i loro quadri per strada, in seno alla natura, così ci sembra di sentire il respiro del vento, l'oscillazione delle foglie degli alberi, il battito dell'aria calda, il tripudio di colori della natura.

Potresti chiedere, in che modo l'impressionismo nella pittura è collegato alla musica e, inoltre, alla luna? Nelle nostre lezioni precedenti abbiamo parlato più di una volta del fatto che tutti i tipi di arte sono interconnessi, che c'è molto in comune tra pittura, architettura, poesia e musica! Quindi, l'impressionismo ha avuto origine nella pittura e si è manifestato anche nella musica. Uno dei compositori impressionisti era un francese (Appendice: presentazione - diapositiva numero 11). A Debussy piaceva dare alle sue opere musicali titoli molto poetici, “pittoreschi”: “Impronte nella neve”, “Foglie cadute”, “Mare: dall'alba a mezzogiorno”. Anzi, come se questo non fosse un brano musicale, ma un quadro dipinto non con colori, ma con suoni! Si prega di notare che molte delle opere di Debussy sono associate a dipinti della natura.

Oggi ascolteremo e vedremo anche una delle opere di C. Debussy. Come la sonata di Beethoven, è dedicata alla notte. Il titolo dell'opera è "Moonlight".

Prima dell'ascolto, domande finalizzate alla percezione:

1. Quale strumento è il solista in questo brano?
2. Carattere, umore della musica (gentile, calmo, pacifico, sereno)

Ascolto di una registrazione audio di "Moonlight" di Debussy (arrangiata per arpa).

Le risposte dei bambini alle domande poste in precedenza. C'è una conversazione sull'arpa e sulla corrispondenza del suo timbro con la musica di C. Debussy. (Appendice: presentazione - diapositiva numero 12)

5.

Insegnante: La nostra seconda audizione è compatibile con la visione di un video con la musica di Debussy.

Il tuo compito è immergerti completamente nella musica, goderti il ​​​​suo suono. E anche i ragazzi più attenti sentiranno sicuramente qualche differenza tra la prima e la seconda versione. (trascrizione video per pianoforte). Immagina di essere un pittore impressionista. Di fronte a te c'è una tavolozza di colori. Vuoi disegnare un paesaggio notturno con riflessi di luce lunare sulla superficie del mare, sulle foglie degli alberi, ecc. La tua immagine diventerà un'illustrazione per la musica che ora ascolterai. Quali colori domineranno nella tua pittura?

Visione di un videoclip sulla musica di C. Debussy (arrangiata per pianoforte). (Un videoclip sulla musica "Moonlight" di Debussy è presentato nella guida video dell'autore "Magic Screen"). Le opzioni video possono essere selezionate facendo clic sul collegamento

http://video.yandex.ru/search.xml?text=%D0%BB%D1%83%D0%BD%D0%BD%D1%8B%D0%B9+%D1%81%D0%B2%D0 %B5%D1%82+%D0%B4%D0%B5%D0%B1%D1%8E%D1%81%D1%81%D0%B8

Le risposte dei bambini.

6.

L'insegnante, riassumendo le risposte dei bambini:

La musica leggera di Debussy determina anche la combinazione di colori delle illustrazioni di "Moonlight": toni tenui, sfumature di argento, giallo. Il video ci riempie di pace, tranquillità. Non c'è posto per le passioni, il dramma della Moonlight Sonata di Beethoven.

7.

Redazione palette dei colori. Ai bambini vengono date carte colorate. Compito: scegli i colori che potrebbero essere usati per illustrare la musica di Debussy. È necessario creare una piccola composizione delle carte selezionate.

Risposte dei bambini con una spiegazione e una storia sulla loro composizione.

8.

Abbiamo ascoltato due opere, infatti, con lo stesso nome di due compositori di epoche, paesi, movimenti artistici diversi. È incredibile come i compositori percepiscano in modo diverso gli stessi fenomeni naturali, le stagioni, le ore del giorno! Ognuno mette il proprio significato, il proprio contenuto nella musica, in base alla propria esperienza di vita, carattere. Sono sicuro che anche le tue creazioni sul tema della luna saranno diverse l'una dall'altra. La nostra passeggiata "sotto la luna" sta volgendo al termine e vorrei verificare come ricordi il nuovo materiale (breve indagine sul tema trattato: presentazione - diapositiva numero 13):

1. Come si chiamava Beethoven?
2. In che secolo è vissuto?
3. In che paese viveva?
4. Di quale malattia soffriva Beethoven?
5. Come si chiama la Sonata n. 14?
6. A chi è dedicato?
7. Come si chiamava Debussy?
8. In che secolo è vissuto?
9. In che paese viveva?
10. Quale direzione artistica rappresenta?
11. Come si traduce "impressionismo"?
12. Quale pezzo ti è piaciuto di più?

Compiti a casa: crea un'applicazione "Moonlight" da carte colorate.

Suite per pianoforte:

1. Preludio
2. "Menuet" (Menuet)
3. "Chiaro di luna" (Chiara di luna)
4. Passepito

Difficile parlarne con certezza Suite di Bergama”(Il nome ovviamente non deriva da un antico ballo italiano, ma dal termine di Verlaine (“...masques et bergamasques...” in “Clair de lune” dalla prima serie di “Fetes galantes.”), poiché questo è opera nata originariamente nel 1890, fu rifatta e completata più volte, ricevendo la sua forma definitiva solo nel 1905, nell'epoca della piena maturità di Debussy.

Nella prima, seconda e quarta parte della "Suite Bergamasca" (" Preludio», « Minuetto" E " paspier”) le tendenze neoclassiche sono forti. Il Preludio e il Minuetto furono probabilmente i più pesantemente rielaborati e rielaborati delle fasi successive, e questi movimenti riflettono maggiormente lo stile successivo di Debussy. Questo scontro tra vecchio e nuovo li rende in qualche modo inverosimili. Passpier è più ingenuo e fresco (sebbene più prolisso, meno compatto nella forma), poiché qui Debussy è più lontano dalla stilizzazione e utilizza più liberamente i contrasti impressionistici e le macchie di colore che si trovano.

Ma la parte migliore della suite dovrebbe, ovviamente, essere chiamata il notturno " Chiaro di luna(forse questa è la parte che originariamente si chiamava "Sentimental Walk"). “Moonlight” è una delle ispirazioni più affascinanti per il tenero e fragile romanticismo del primo Debussy, che usa ancora i mezzi armonici con molta attenzione, ma ne trova già di molto sottili e raffinati.

La musica di questo brano ritrae senza dubbio l'acqua che scorre (che la avvicina al brano "On the Boat" di "Little Suite"), ma il contenuto emotivo è molto più profondo e poetico. Lo “streaming” dell'intero paesaggio lirico è sorprendentemente plastico, la forma si dispiega senza fretta e si chiude con rara naturalezza e morbidezza. Melos, nonostante tutta la sua fluidità, forma ancora uno schema molto evidente e memorabile di onde grandi e lisce a causa di ripetizioni sequenziali e amplificazioni dei canti principali, nonché grazie a chiari climax. Nonostante i probabili successivi miglioramenti dell'opera, il primo Debussy è ovunque sentito da accenti lirico-romantici, poi perduti. Mi torna in mente un possibile prototipo di questa musica, lontana e vicina nella sua struttura emotiva, lontana per tensione drammatica, ma vicina per spiritualità poetica. Questo è un duetto di Marina e il Pretendente da "

Nel 19 ° secolo. Essendo un pianista eccezionale, ha aperto possibilità completamente nuove e non sfruttate nel suono del pianoforte.

Il pianismo di Debussy è il pianismo di un suono sottile e trasparente, passaggi mormorati, il predominio del colore e una squisita tecnica del pedale associata alla scrittura sonora. I contemporanei hanno notato le stesse qualità nel suo gioco, che ha colpito, prima di tutto, con un carattere straordinario. suono: estrema morbidezza, leggerezza, fluidità, articolazione "carezzevole", assenza di effetti "urto".

Interessato a creatività pianistica il compositore aveva una costante. I primi "esperimenti" pianistici risalgono agli anni '80 ("Little Suite" a 4 mani), ultimi lavori creato già durante gli anni della guerra (1915 - un ciclo di 12 studi "In Memory of Chopin", una suite per due pianoforti "White and Black"). In totale, Debussy ha scritto oltre 80 composizioni per pianoforte, la maggior parte dei quali sono capolavori universalmente riconosciuti della letteratura pianistica mondiale.

La novità dello stile pianistico di Debussy si è fatta conoscere già nelle sue prime composizioni, particolarmente brillantemente in "Suite Bergamo" (1890) . Compositore attivo nuova base fa rivivere qui i principi dell'antico suite claviera: nel "Preludio", "Minuetto", "Paspier" sono riconoscibili i tratti musica per clavicembalo XVIII secolo. E accanto a loro per la prima volta c'è un paesaggio notturno impressionistico: "Moonlight" (3a parte), l'opera più popolare di questo ciclo.

La stragrande maggioranza dei brani per pianoforte di Debussy sono miniature di programma o cicli di miniature, il che indica l'influenza dell'estetica dell'impressionismo (non erano necessarie forme su larga scala per catturare impressioni fugaci). In molte commedie, il compositore si affida ai generi di danza, marcia, canto, varie forme musica folk. Tuttavia, l'interpretazione degli elementi di genere acquisisce invariabilmente un carattere impressionistico: questa non è un'incarnazione diretta, ma piuttosto echi stravaganti danza, marcia, canto popolare. Un esempio lampante - « Serata a Grenada» dal ciclo delle Stampe (1903).

Il ciclo si compone di tre brani in programma, originali “ritratti” musicali di tre diversi culture nazionali- Cina ("Pagodas"), Spagna ("An Evening in Grenada") e Francia ("Gardens in the Rain"). Ognuno ha un fascino speciale del sistema modale (ad esempio, l'intero stile tematico delle Pagode è nato dalla scala pentatonica e dai suoi elementi costitutivi - grandi secondi e tricordi), l'originalità dei timbri (nelle Pagode - tamburi cinesi, gong, strumenti popolari giavanesi).

In una commedia "Serata a Grenada" c'è una foto di una meravigliosa serata estiva. Gli elementi principali della sua musica sono motivi di danza come l'habanera e l'imitazione del suono delle corde della chitarra. Si ha l'impressione che in una sera d'estate qualcuno suoni tranquillamente melodie popolari spagnole con la chitarra. Il sapore spagnolo è così brillante che il compositore spagnolo Manuel de Falla ha definito l'opera spagnola in ogni dettaglio ( un vero miracolo di penetrazione nell'essenza delle immagini dell'Andalusia, la verità senza certezza, cioè senza citare gli originali del folklore). Si possono distinguere tre diversi temi di danza. La prima, che incarna l'atmosfera dell'esotismo orientale, è sostenuta in una minore doppiamente armonica, cioè una minore con due seconde allungate (come nel leitmotiv della passione fatale di Carmen). Il suono prolungato del suono dominante "cis" nel "livello" superiore della trama del pianoforte esalta la brillante colorazione del linguaggio armonico. Gli altri due temi, per tutta la loro originalità, non sono così caratteristici a livello nazionale. Nonostante la ballabilità che permea l'intero pezzo, non è una danza nel vero senso della parola.

Debussy ha detto che l'esecutore "ha bisogno di dimenticare che il pianoforte ha i martelli"

Il titolo in questo caso significa "Italiano"

Il termine pittorico e grafico "stampe" (francese "estampe" - stampa, stampa), che ha dato il nome a quest'opera, sembra voler sottolineare le specificità della pittura per pianoforte "in bianco e nero", priva di brillantezza orchestrale. Tuttavia, in tutti e tre i brani il compositore utilizza effetti fonici molto brillanti. Tale, in particolare, è l'imitazione dell'orchestra giavanese - gamelan, con la sua accordatura speciale, e il gong cinese in "Pagode".

Debussy ha ascoltato il loro suono durante l'esposizione mondiale di Parigi e ha colto in questo qualcosa di più che esotico. L'arte dei popoli "incivili" lo ha aiutato a trovare il proprio stile espressivo.

altri motivi. Quindi, il tema del ritornello (LA) durante la prima esecuzione è costituito da due frasi disuguali - in 11 misure e 6 misure. Ci sono almeno quattro motivi diversi in queste 17 misure. Anche il primo episodio (B) è composto da quattro motivi, inoltre uno di essi è derivato dal ritornello. Inoltre, ci sono motivi che hanno chiare connessioni con il Preludio (a livello di elementi melodici, ritmici e materici).

ESEMPIO 23. Minuetto (suite Berg.chasskaya)

ESEMPIO 23a. Preludio (Suite Bergamas)

ESEMPIO 24. Minuetto (Suite Bergamas)

ESEMPIO 24a. Preludio (Suite Bergamas)

Così, già in questa commedia, Debussy dimostra un'inesauribile fantasia e libertà nella forma. Ma la cosa principale è l'originale, al di là di ogni stilizzazione, rifrazione del genere della danza antica.

Chiaro di luna al chiaro di luna

Andante, tres expressif (Andante è molto espressivo), Des-dur, 9/8

Moonlight è un capolavoro del giovane Debussy, uno dei suoi brani pianistici di maggior repertorio. Esiste in vari arrangiamenti: per violino, per violoncello, per orchestra.

"Con "Moonlight" penetriamo in un nuovo universo" - ha detto Halbreich®". In effetti, questa è la prima opera di Debussy nel campo del paesaggio sonoro, e il paesaggio della notte, in particolare il suo preferito, inoltre, il paesaggio della luna. Basta ricordare i titoli delle opere successive per immaginare l'opera di Debussy tema "notte": E la luna scende una volta ex tempio. Terrazza degli appuntamenti al chiaro di luna, Piano Notturno, Notturni orchestrali, Fragranze della notte, Romanticismo della notte stellata...

Il pezzo è pieno di fascino, sottile sapore sonoro. Un ruolo speciale è svolto dal fonismo del canto delle terze, parallelismi di accordi di settima discendenti dal suono morbido. E le terze sono un intervallo che ha significato molto per Debussy (non a caso ha un preludio Terze alternate, studio per terze,"tertsovaya" preludio della Vela).

La tonalità di Des-dur (Cis-dur) di colore opaco probabilmente significava molto anche per Debussy: è la tonalità del Notturno per pianoforte, il postludio orchestrale di Pelléas, l'arioso di Pelléas dal terzo atto, la Sinfonia More, i preludi Le fate sono adorabili ballerine. Porta dell'Alhambra Tutto questo, ad eccezione di Nocturne, è stato scritto molto più tardi.

Per quanto paradossale possa sembrare, il chiaro di luna è collegato con fili sottili a Preludio al pomeriggio di un fauno. In termini di significato, le due commedie sono contrastanti (notte - giorno), ma allo stesso tempo ci sono chiari parallelismi tra loro. In primo luogo, entrambi i pezzi sono nello stesso metro piuttosto raro 9/8.In secondo luogo, con la tonalità principale di Mi-dur, il Fauno inizia in cismoll, una scala a tono singolo per Des-dur, in cui è scritto Moonlight. In terzo luogo, c'è un motivo nel tema iniziale di Moonlight, che apparirà poi nelle battute iniziali del Fauno.

Lockspeiser E., Halbreich H Or. cit. R. 558.

ESEMPIO 25. Moonlight (Suite Bergamas)

ESEMPIO 25a. Fauno Pomeriggio

p doux et expressif

Infine, il fonismo del suono del terzo tema al chiaro di luna è chiaramente flautato (il tema principale del Fauno è affidato al flauto). In una forma a tre parti, dove la sezione centrale è a un ritmo più mobile e dove la melodia risuona sullo sfondo di figurazioni fluide, si incarna l'elemento preferito di Debussy, quello associato al fluire dell'aria, dell'acqua, della luce - solare o al chiaro di luna. E anche questo è un parallelo con il Fauno.

Il rifiuto delle strutture quadrate diventa la norma per l'organizzazione ritmica e testimonia un nuovo senso del tempo musicale. Quindi, ad esempio, la prima frase è di otto battute e la seconda di diciotto.

Nel campo della dinamica si pone la cosa principale: la predominanza del pianopianissimo e solo due misure nell'intero pezzo forte. Questo è esattamente il rapporto che diventerà caratteristico della maggior parte delle opere di Debussy.

È interessante notare che nella seconda frase, quando la melodia sale al registro superiore e appare la struttura degli accordi, e quando qualsiasi compositore romantico scriverebbe forte, la dinamica di Debussy rimane pianissimo (nonostante il modesto, quasi impercettibile crescendo). La trepidazione debussista, il languido eufemismo, la raffinatezza del sentimento sono già nascosti qui. C'è ancora un climax - nella sezione centrale c'è una misura di forte, dopo di che c'è un rapido (due misure) dissolvenza del suono - prima due pianoforti, poi tre pianoforti nella ripresa. E nel codice dopo pianissimo - morendo jusqu "d la fin (congelamento fino alla fine).

V. Yankelevich, riflettendo sulla filosofia del chiaro di luna in quanto tale di Debussy, ha espresso pensieri interessanti che meritano di essere ampiamente citati:

""Moonlight"... Il notturno di Debussy ha poco in comune con il romantico chiaro di luna, poiché questo chiaro di luna è solo una scusa per rivelare il sogno e le riflessioni del poeta. La notte per Debussy è ciò che acuisce i suoi sentimenti; e sono per noi [. ...] come una misericordia inaspettata.Questi sentimenti penetrano nella nostra anima tanto più profondamente perché sono assolutamente discreti: riflettono un certo stato di ingenuità - una condizione per l'ispirazione poetica [...]. Dopotutto, i nostri sogni spesso nascono da un alito di vento, dal profumo del glicine, che risvegliano in noi ricordi emozionanti, un sentimento di nostalgia per la passata primavera [...].

In contrasto con ogni soggettività [...] Debussy rimane, per così dire, in armonia con gli elementi della natura, [...] con la vita universale. Si sente immerso nella musica universale insita nella natura. Questa musica ci avvolge ugualmente bene sia alla luce del sole che al chiaro di luna della notte [...]. Si può paragonare la musica di Debussy all'estasi, l'estasi della preghiera. Il suo sguardo luminoso è, in un certo senso, uno specchio del mondo esterno. Nelle immagini allucinate in cui questa musica ci immerge, dov'è lo stesso Claude Debussy? Claude Debussy si è dimenticato di se stesso, Claude Debussy si è unito in estasi con la notte e la luce, con la luce di mezzogiorno, il crepuscolo di mezzanotte ... "^.

È poeticamente e molto succintamente detto sulla cosa principale per comprendere la musica di Debussy.

Passepito

Allegretto ta pop troppo, fls-moll, 4/4

Il finale della suite è il pezzo più esteso. Ed è piena di fascino, non inferiore a Moonlight in questo. La sua idea è il movimento, ma molto si incarna in questo movimento continuo.

Il tempo in 4/4 non corrisponde al ritmo paspier - un vecchio ballo in 6/8 o 3/8. Forse Debussy ha usato questo nome proprio come simbolo di movimento veloce e continuo? Ma non mancano allusioni alla musica di quell'epoca, quando il paspier era inserito nelle suites, e, soprattutto, nella tessitura ascetica delle due voci, più vicine al suono del clavicembalo.

L'elegante melodia (straordinariamente lunga per Debussy) è accompagnata da uno staccato continuo con accompagnamento anche di ottava.

nementa (nello spirito dei bassi albertini), provocando una visione di un salto. Ma non il drammatico salto che nello Zar della foresta di Schubert, e non il drammatico salto di Vronsky dal romanzo di L.N. Tolstoj Anna Karenina. NO! Immagine piacevole e pacifica. Si può immaginare di andare a cavallo nel Bois de Boulogne. Ma sotto questo strato esterno di contenuto si incarnano molte emozioni sottili diverse, come se questa corsa fosse mescolata a una serie di ricordi di qualcosa di leggero, piacevole, seducentemente gentile, leggero, associato a una passeggiata. V. Yankelevich scrive giustamente che Debussy sente il mistero delle cose anche dove, a quanto pare, non c'è mistero. "Il mistero poetico, il mistero dell'atmosfera di fenomeni familiari, eventi quotidiani, presenta come un sogno"^K E questo si dice proprio in relazione a Paspier.

Lo spettacolo ha uno spirito francese. Ha raffinatezza francese, sottigliezza, elusività di sensazioni, leggerezza e fascino. Motivi e temi sono stratificati su uno sfondo continuo ostinato diversa natura, tra cui sognanti, fragili, languidamente teneri, simili a campane, sonori. Un caleidoscopio di motivi si combina con un sottile gioco di colori tonali, con un'organizzazione ritmica flessibile e non vincolata, con l'imposizione di terzine in quarti su un movimento uniforme di ottavi.

La forma paspier è un complesso in tre parti (il tema principale varia ad ogni nuova ripetizione) con una parte centrale multitematica e una ripresa varia, in cui la parte centrale è su un nuovo tema:

LA (a-b-a,)

DO (do-do1-mi-sol-mi,-mossa) Aj (a^-sol-aj)

È difficile essere d'accordo con Yu Kremlev, che, a parte Lunar

luce, chiama tutti i brani della suite "inverosimile", mentre non c'è niente di più naturale e già molto originale in questa meravigliosa suite.

Per pianoforte (1901) Pour le piano

Separati da circa 10 anni suite bergamasca dalla suite Pour le piano. Questo è il decennio della rapida evoluzione del compositore, il periodo della creazione dell'opera. È possibile che alcuni brani della suite siano stati scritti poco prima. Ma resta il fatto: Pour le piano -

"Jankelevitch V. Debussy et le myst^re de I" istante. Pag. 19.

una delle prime composizioni post-Pelleas. linguaggio armonicoè diventato molto più difficile. Debussy usa catene di settime irrisolte e non accordi, giustapposizione di triadi di chiavi lontane, toni interi sia in armonia che in melodia.

Il ciclo è composto da tre opere teatrali, che diventano tipiche di molte delle opere di Debussy di vari generi. Nonostante la distanza temporale piuttosto ampia che separa Suite Bvrgamas da Pour le piano, sono vicini al loro orientamento neoclassico, la resurrezione dei generi musicali del XVIII secolo. Ma cos'è questo "neoclassicismo"? È particolarmente combinato con l'impressionismo. Debussy usa allusioni alle opere di compositori dell'era di Bach, Scarlatti, Couperin, ma allo stesso tempo dimostra cosa si può fare con generi antichi, forme, persino alcuni principi di sviluppo nei tempi moderni, nelle nuove condizioni estetiche dell'impressionismo .

preludio

Assez anime et tresritme (abbastanza vivace e molto ritmato), a-moll, 3/4

L'energico, veloce Preludio è forse l'unica opera di Debussy in cui il compositore "ricorda" Bach. Un'unica formula ritmico-tessile, basata sul movimento dei sedicesimi, viene mantenuta per quasi tutto il preludio, interrotta solo due volte dall'accordo martellato e termina con una coda recitativo-improvvisativa. Il preludio è caratterizzato dalla "serietà", significato di Bach. Il registro basso e tonante del tema principale è come un pesante basso d'organo. La formazione continua del tema ricorda forme barocche come lo svolgersi. Il movimento continuo dei sedicesimi si irradia anche a Bach (come nel Preludio s-toI del primo volume del CTC), il recitativo-improvvisazione nella coda somiglia alla fine dello stesso preludio. Tutto ciò suggerisce che le allusioni alla musica di Bach fossero intenzionali.

ESEMPIO 26. Preludio (per pianoforte)

Tempo di cadenza

ESEMPIO 26a. Bach. Preludio c-moll, volume HTC

Allo stesso tempo, nell'armonia e nella costruzione della forma, questo è un tipico Debussy. Vela astutamente i bordi della forma. Così, quattro misure che vengono percepite come un'introduzione che dà pulsazione ritmica, infatti, contengono un importante materiale tematico(motivo a, vedi diagramma), su cui sono costruite le sezioni contrastanti della forma.

Schema n. 1. Preludio (per pianoforte

			Parte di mezzo
			a, (16) bi (22)			a2 -(21)
		(derivato				cadenza (16)

Il secondo tema (b) è originale. Nelle capacità motorie del 16 emerge una voce più bassa nascosta (melodia in quarti pari) nello spirito del canto gregoriano. Il lungo dispiegamento del tema copre 37 misure. Oltre a questi due temi, se ne trova anche un terzo nella prima sezione: martellato fortissimo cordale, in cui predominano i parallelismi di triadi aumentate (immagine di rintocchi di campane - sembra irrompere nel canto liturgico). Ma questo tema apparentemente nuovo (c) è essenzialmente una variante (e trasformazione figurativa) del motivo d'ingresso (a).

La sezione centrale passa a un piano figurativo completamente diverso, sebbene basato sui motivi dell'esposizione (a e b). È costruito su un secondo tremolo svolazzante continuo (opera Pelléas e Mélisande!), sullo sfondo del quale si sviluppa prima il motivo a, poi il motivo b. La tonalità è instabile, prevale la dipendenza dall'intera scala dei toni. Ma la cosa principale è che in questa sezione, il re tritono di Pelléas è quasi continuamente accentuato sul tempo forte. Tutto ciò che è connesso con lui nella musica di Debussy è sempre misterioso e inquietante.

"" Le lettere nello schema sono motivi, i numeri sono il numero di misure nel motivo. Questa forma di notazione rimarrà negli schemi successivi.

Ma. Il tema corale si sposta in un registro acuto (qui entra in gioco l'imitazione del timbro della celesta o delle campane), si fa fragile e inquieto; come continuazione della grana principale, i tempi dei sedicesimi sono sovrapposti alle terzine di ottavi come il suono delle campane alte.

Il numero di barre nei motivi mostra nuovo tipo organizzazione temporanea. La non ortogonalità organica è alla base dell'intero gioco. Ogni argomento in una nuova presentazione appare sempre in una dimensione di scala diversa, cioè la sua struttura cambia continuamente, alcuni elementi scompaiono, altri appaiono.

Sarabanda

Avec ipe eleganza grave et lente (Con elegante serietà, lentamente), cis-moll, 3/4

La Sarabanda è uno dei pezzi pianistici più espressivi di Debussy. E in seguito Debussy si sarebbe rivolto a questo genere più di una volta, attirando così l'attenzione dei compositori di una nuova generazione su di esso. Nel ritmo e nel movimento, Debussy conserva le caratteristiche principali di Q / a con un'enfasi sulla seconda battuta) di questo genere.

La musica di Sarabande è piena di tristezza e tenerezza soprannaturali. Nell'atmosfera della commedia, si può sentire la risposta a una delle scene di Pelléas. Il compositore quasi impercettibilmente a metà del brano introduce una laconica citazione (si potrebbe dire, una citazione nascosta) dall'introduzione orchestrale alla scena 3 dell'Atto I (il primo incontro dei giovani eroi). Citazione - Il motivo più cantato e più cantato di Mélisande bella versione. In questa forma, questo motivo personifica sia il primo richiamo dell'amore che la tristezza del presentimento. Debussy vela la sua apparizione nella Sarabanda, dando il motivo non interamente, ma solo la sua "coda". Sembra nascondere la citazione e allo stesso tempo metterla in risalto con la dinamica di mezzo forte (prima volta), mezzo piano (seconda volta) circondata da piano e pianissimo, così come il tono generale cis-moll del brano e questo scena. Così modestamente, discretamente, Debussy fissa l'attenzione su questa citazione.

ESEMPIO 27. Sarabanda (Per pianoforte)

ESEMPIO,. 27". Pelléas e Mélisande (I - 3)

I temi della Sarabanda sono una meravigliosa scoperta melodica di Debussy: si tratta di linee melodiche addensate con accordi di settima, non accordi (occasionalmente e triadi), che suonano aspre o morbide, ma con una grande tensione interna. Il tema iniziale è molto espressivo, enunciato da accordi di settima in cis-moll naturale, anche se piuttosto vago, perché a volte viene percepito come gis-moll. Il colore armonico è squisito. Il compositore si spinge ancora oltre nell'audacia dell'armonia nel secondo tema (l'inizio della sezione centrale). È costruito sui parallelismi di accordi di quarta seconda di una colorazione timbrica molto specifica. Ma la melodia più impressionante è la terza: interi grappoli di accordi di settima a due mani, che suonano con una tristezza penetrante. La cosa principale è che tutte le linee melodiche derivano dalla citazione nel loro stato d'animo e intonazioni, nascono da essa e dal significato che il compositore ha dato a questo tema nell'opera. Così Sarabande divenne il primo pezzo per fortepiano che potesse avere un senso o r e r e d e r i n g l e r e l l u s i o n e una scena specifica

o p e r s.

IN la trama del brano - l'opposizione originale della melodia dell'accordo e dei rigidi unisoni arcaici, o l'opposizione degli accordi dissonanti alle consonanze delle triadi. Quindi, nella ripresa, il primo tema è armonizzato non da accordi di settima, come all'inizio, ma da triadi (allo stesso tempo, inizia con una triade del secondo passo basso per cis minore, forte). Il suo carattere cambia drasticamente. Da fragile e misteriosamente tenera, si trasforma in solenne, come se ricordasse un altro momento dell'opera: "I am Prince Golo \". Quindi, Sarabande - con un doppio fondo, con un significato nascosto.

Toccata Toccata

У1/(Live), cis-moll, 2/4

Il finale del ciclo è l'incarnazione dell'idea di movimento (come Paspier), più precisamente, la gioia del movimento. Un pezzo virtuosistico brillante, leggero, vivace. Anche Paspier è un movimento, ma diverso da quello della Toccata. C'è un'immagine quasi visibile, qui il compositore trasferisce tutto su un piano astratto. In sostanza, l'idea non è nuova: l'idea delle commedie motorie di Bach, Vivaldi e dei loro contemporanei. La Toccata è vicina al Preludio che apre la Pourlepiano Suite. Ma se in quello c'è la “serietà”, la massività dei pezzi per organo di Bach, allora la Toccata è più vicina ai brani più leggeri e clavicembali dei clavicembalisti francesi. La sua trama si basa su una sensazione speciale della "tastiera" di uno strumento senza pedali. Qui, in particolare, si combina la trama di vecchi pezzi clavier - asciutti, monofonici, suonati con due mani, dove la musica è priva di tematiche luminose (cioè basate su figurazioni, sequenze, modulazioni armoniche) e trama, in cui un espressivo melodico appare la linea.

Da antichi pezzi clavicembali - il principio di dispiegare il tessuto su un movimento continuo di 16 durate. Inoltre, il tempo-ritmo della Toccata viene mantenuto dall'inizio alla fine del brano senza alcuna deviazione (caso piuttosto raro per Debussy). Ma con il movimento continuo dei 16, Debussy fa cose incredibili. La musica atematica (nello spirito del barocco) è qui sostituita dal fonismo del pianoforte a pedali. E questa è già una svolta verso sonorismo moderno... Un tale contrasto è di per sé interessante. Ecco, dicono, guarda com'era allora e cosa si può fare ora con lo stesso materiale su un pianoforte moderno e i mezzi dell'armonia moderna. Una svolta verso la n neoclassica e in tutto stile fortepiano a dispetto della vecchia musica.

Debussy combina il principio barocco del dispiegamento (basato su un'unica formula ritmica della trama) con il continuo rinnovamento della trama e decorandola con colori freschi e armonici, insolite giustapposizioni tonali e modulazioni. Così, all'inizio, le Toccate cis-moll - Mi-dur vengono rapidamente sostituite da sequenze cromatiche con un centro tonale instabile. La sezione centrale inizia in un lontano C-dur, che lascia rapidamente il posto a un instabile vagabondaggio tra i tasti.

Claude Debussy (150° compleanno)
Oggi ha avuto luogo
Concerto nella Piccola Sala Filarmonica dedicato al 150° anniversario del grande compositore francese Claudio Debussy.

Suite per pianoforte
Angolo dei bambini. isola di gioia
Preludi
Igor Uryash pianoforte

Quartetto d'archi in sol minore

Quartetto d'archi loro. I.F. Stravinskij
Alexander Shustin violino
Violino Viktor Lisnyak
Daniil Meerovich alt
Semyon Kovarskij violoncello

Sto cercando di trovare nuove realtà... gli sciocchi lo chiamano impressionismo.
C.Debussy

Il compositore francese C. Debussy è spesso definito il padre della musica del XX secolo. Ha mostrato che ogni suono, accordo, tonalità può essere ascoltato in modo nuovo, può vivere una vita più libera, multicolore, come se godesse del suo stesso suono, della sua graduale, misteriosa dissoluzione nel silenzio. Molto rende davvero Debussy legato all'impressionismo pittorico: la brillantezza autosufficiente di momenti inafferrabili e fluidi, l'amore per il paesaggio, il tremolio arioso dello spazio. Non è un caso che Debussy sia considerato il principale rappresentante dell'impressionismo in musica. Tuttavia, è più lontano degli artisti impressionisti, è andato dalle forme tradizionali, la sua musica è diretta al nostro secolo molto più in profondità dei dipinti di C. Monet, O. Renoir

Debussy credeva che la musica fosse come la natura nella sua naturalezza, infinita variabilità e diversità di forme: “La musica è esattamente l'arte più vicina alla natura ... Solo i musicisti hanno il vantaggio di catturare tutta la poesia della notte e del giorno, della terra e del cielo , ricreando la loro atmosfera e trasmettendo ritmicamente la loro immensa pulsazione. Sia la natura che la musica sono percepite da Debussy come un mistero e, soprattutto, il mistero della nascita, un disegno inaspettato e unico di un capriccioso gioco d'azzardo.

Claudio Achille Debussy Nato il 22 agosto 1862 nel sobborgo parigino di Saint-Germain. I suoi genitori - piccoli borghesi - amavano la musica, ma erano lontani dalla vera arte professionale. Impressioni musicali casuali prima infanzia contribuito poco sviluppo artistico futuro compositore. Ha studiato al Conservatorio di Parigi. Già negli anni del conservatorio si manifestava l'anticonformismo del suo pensiero, che provocava scontri con i docenti di armonia. Nel 1881 Debussy, come pianista di casa, accompagnò il filantropo russo N. von Meck (un grande amico di P. Tchaikovsky) in un viaggio in Europa, e poi, su suo invito, visitò la Russia due volte (1881, 1882). Iniziò così la conoscenza di Debussy con la musica russa, che influenzò notevolmente la formazione del suo stile. “I russi ci daranno nuovi impulsi per liberarci dall'assurdo vincolo. Loro ... aprirono una finestra che si affacciava sulla distesa dei campi. Una volta Debussy incontrò in Svizzera la vedova di un importante industriale, costruttore di ferrovie, Nadezhda Filaretovna von Meck, patrona di Čajkovskij e appassionata amante della musica. CON Il diciottenne Debussy era l'insegnante di musica della famiglia Nadežda Filaretovna von Meck, Debussy ha studiato pianoforte con i figli di un milionario, cantanti accompagnati, ha partecipato a casa serate musicali. L'amante dell'anima adorava il giovane francese, ha parlato a lungo con lui e con estasi della musica. Tuttavia, quando giovane musicista senza memoria si innamorò della figlia quindicenne Sonya e chiese la sua mano a Nadezhda Filaretovna, le conversazioni sulla musica si interruppero in un istante ... Al presuntuoso insegnante di musica fu subito rifiutato un posto.
- Caro Monsieur, - disse seccamente von Meck Debussy, - non confondiamo il dono di Dio con le uova strapazzate! Oltre alla musica, amo molto i cavalli. Ma questo non significa affatto che io sia pronto a sposarmi con lo sposo ...

Sonechka von Meck si è poi sposata due volte per scelta della madre, e amava Claude Debussy, così come lui adorava il suo primo amore e le dedicava molte opere.

Aspetto film fantastico o von Meck e Debussy

Il genio musicale di Claude Debussy e il suo carattere di uomo costantemente immerso in cupe meditazioni hanno lasciato un'impressione indelebile su molte donne. Era profondamente amato sia dalle sue mogli che dalla sua amante, e due donne hanno persino sparato a causa sua.

Dopo essere tornato dalla Russia a Parigi, il Debussy "caduto in disgrazia" non è rimasto a lungo senza l'attenzione delle donne. Debussy ha iniziato a lavorare come accompagnatore per un giovane cantante Madame Vasnier , il cui marito non aveva idea di cosa stesse succedendo durante le prove in una sala separata della loro casa, destinata alle lezioni di musica. Poi Debussy parte per Roma per due anni, ma quando tornò a Parigi, Madame Vasnier gli disse che il loro legame era passato e che avrebbe dovuto dimenticarla.Per due anni, Debussy non ha avuto un indirizzo permanente fino a quando non si è stabilito con una giovane bionda di nome Gabrielle Dupont. Per i successivi 10 anni, Gabrielle ha lavorato per sostenere finanziariamente Debussy, che componeva in modo brillante opere musicali. Debussy la tradiva costantemente, ma lei gli rimase fedele e continuò a vivere con lui anche quando Claude era già fidanzato con la cantante Teresa Roger. Questo fidanzamento è stato interrotto dopo che si sono recati insieme a Bruxelles, dove Thérèse ha saputo che Debussy aveva passato la notte con un'altra donna. La pazienza di Gabrielle è stata semplicemente incredibile, ma si è conclusa quando ha trovato accidentalmente una nota d'amore scritta a Claude da alcuni dei suoi conoscenti. Gabrielle ha cercato di spararsi, ma è sopravvissuta ed è finita in ospedale. Dopo aver lasciato l'ospedale, ha vissuto con Debussy per molti altri mesi, e lui si è comportato come se questo episodio non fosse mai accaduto nelle loro vite. Gabrielle fece amicizia durante questo periodo con Rosalie "Lily" Texier, una giovane bellezza dai capelli scuri che lavorava in un piccolo negozio parigino. Le amiche si incontravano spesso, bevevano caffè insieme e trascorrevano del tempo in conversazioni amichevoli. Gabrielle era sconvolta solo dal fatto che a Claude non piacesse Lily, e spesso rideva di lei. Il ridicolo, tuttavia, lasciò presto il posto ai complimenti e Debussy e Lily si sposarono nell'ottobre 1899. La loro vita familiare è iniziata in completa mancanza di denaro. Il giorno del matrimonio, Debussy ha dato una lezione di piano per pagare la colazione.
Lily era assolutamente devota a Debussy, ma la sua giovinezza, devozione e bellezza chiaramente non erano sufficienti per mantenere Debussy. Quattro anni dopo il matrimonio, Debussy iniziò a frequentare Emma Bardak, cantante e moglie di un banchiere di successo. Il 14 luglio 1904 il compositore uscì per la sua passeggiata mattutina e non tornò a casa. Poche settimane dopo, Lily apprese dagli amici che anche Emma aveva lasciato il marito e viveva con Debussy. Il 13 ottobre, Lily è crollata e si è sparata due volte. È stata trovata dal ritorno di Debussy, al quale è riuscita a inviare un messaggio sulla sua decisione di suicidarsi. Lily è stata salvata dai medici, ma uno dei proiettili non è stato rimosso e Lily lo ha portato nel petto per il resto della sua vita. Il 2 agosto 1904 Debussy divorziò da Lily e nell'autunno del 1905 Emma ebbe una figlia da lui. Emma divorziò dal marito nel 1908 e sposò Debussy. La loro vita familiare si è rivelata felice, anche se alcuni hanno ingiustamente accusato Debussy di sposare denaro. Emma era di mezza età e brutta, ma una donna molto intelligente e una moglie premurosa. È stata un sostegno per Debussy e si è presa cura di lui e lo ha sostenuto in ogni modo possibile fino alla morte di Debussy. Morì di cancro il 25 marzo 1918, avendo vissuto solo 55 anni.

Una delle prime opere di Debussy - cantata figliol prodigo. La storia della creazione della magnifica cantata Il figliol prodigo, che ha portato a Claude Debussy il Gran Premio di Roma, è molto interessante. Era lavoro di laurea al Conservatorio di Parigi. È stato creato in Russia quando ha servito come pianista di casa per Nadezhda Filaretovna von Meck. Debussy si rivolse a Dio molto presto. Dopo essersi pentito in gioventù, iniziò a commettere peccati, sperando nell'amore di Dio.

Va detto che la parabola del figliol prodigo è il luogo più profondo della Sacra Scrittura, il più vicino al cuore del peccatore. Sembra che se solo questa parabola fosse nel Vangelo, solo da essa si potrebbe avere un quadro completo dell'amore di Dio per l'uomo. Tale partecipazione diretta e compassionevole di Dio alla sorte del peccatore non lascia spazio al peccato; da tale amore paterno, il pentimento diventa, per così dire, una necessità. Questo meraviglioso rispetto di Dio per una persona che è in peccato esclude ogni indifferenza per la santità e la purezza della vita.
Quanti giudizi diversi sulla natura del peccato, sulla sua "liceità e necessità" sono stati generati dall'umanità peccatrice... E tutte queste congetture sono cancellate dall'Amore di Dio Padre per il figlio più giovane, che fu tentato dal gioia immaginaria della libertà esteriore e non conosceva ancora la vera gioia della libertà interiore: la libertà dai peccati e dalla follia che una persona riceve solo tornando a Dio. Nell'amore c'è tutta l'essenza della vita, e solo in esso c'è la vera libertà. Il mistero della vita ci mette tutti sull'orlo della tentazione, ea volte anche grave. Ognuno di noi attraversa la propria scuola di vita e si sforza di vedere, di sperimentare tutto in essa, se possibile. Ci immergiamo in un circolo infinito di desideri e dall'insaziabilità, dall'insoddisfazione, dall'incomprensione, spesso ci scoraggiamo e talvolta ci disperiamo. Il nostro Padre Celeste lo sa e quindi simpatizza con noi, e quindi attende con amore il nostro ritorno a Casa del padre da dove Satana ci ha condotto nel suo regno selvaggio.

Esecuzione "Figliol prodigo" ha fatto colpo al Conservatorio di Parigi. L'idolo del pubblico di quegli anni, Charles Gounod, abbracciò l'autore 22enne, Claudio Debussy, con le parole: “Amico mio! Sei un genio!"

Ascolta l'aria di Lily da questa cantata

È impossibile immaginare Debussy senza musica per pianoforte. Lo stesso compositore era un talentuoso pianista (oltre che direttore d'orchestra); "Suonava quasi sempre in semitoni, senza alcuna nitidezza, ma con una tale pienezza e densità di suono come suonava Chopin", ha ricordato il pianista francese M. Long. Fu dall'ariosità di Chopin, dalla spazialità del suono del tessuto del pianoforte che Debussy respinse nelle sue ricerche coloristiche. I generi antichi della "Suite Bergamasco" e della Suite per pianoforte (Preludio, Minuetto, Passpier, Sarabanda, Toccata) rappresentano una peculiare versione "impressionistica" del neoclassicismo. Debussy non ricorre affatto alla stilizzazione, ma crea la propria immagine musica antica, piuttosto un'impressione di lei che del suo "ritratto".

Oggi, l'eccezionale pianista di San Pietroburgo Igor Uryash ha eseguito le Suite per pianoforte.

La suite per pianoforte "Children's Corner" è dedicata alla figlia di Debussy. Il desiderio di rivelare il mondo nella musica attraverso gli occhi di un bambino nelle immagini a lui familiari - un insegnante severo, una bambola, un pastorello, un elefante giocattolo - fa sì che Debussy utilizzi ampiamente sia i generi di danza e canzone di tutti i giorni, sia i generi di musica professionale in una forma grottesca e caricaturale.

Questa composizione è chiamata "La neve balla"

Si chiama una delle composizioni del "Children's Corner". "Passeggiata con le marionette".E che cos'è? Letteralmente questo cakewalk, ("walk with a pie") - una danza negra con l'accompagnamento di banjo, chitarra o mandolino con schemi ritmici caratteristici del ragtime: un ritmo sincopato e brevi pause inaspettate su forti battiti della misura. Il nome del ballo era associato all'usanza originale di premiare i migliori ballerini con una torta, oltre che con la posa dei ballerini, come se offrissero un piatto.

Perché Debù ssi è chiamato il padre della musica del 20° secolo? L'inizio del secolo è caratterizzato da un'intensa ricerca di nuovi mezzi di espressione musicale "esotici". A molti è sembrato che il classico e temi romantici esauriti loro stessi. Alla ricerca di un nuovo background intonazionale, di una nuova armonia, i compositori degli anni '10 e '30 si interessarono alla musica che si era formata al di fuori cultura europea. Queste aspirazioni erano in sintonia con il jazz, che ha aperto Debussy, Ravel, così come i compositori del gruppo "Six", opportunità uniche per arricchire il sistema di mezzi musicali ed espressivi. Debussy considerava il jazz una novità esotica e nient'altro, ma fu con la sua mano leggera che il jazz conquistò l'Europa e divenne la seconda patria del jazz.

Il principale motivo sincopato del cakewalk sono gli accenti percussivi sul tempo debole; pause invece dei toni previsti; violazione degli accenti previsti; accordi che riproducono il suono di un banjo; accenti consecutivi inaspettati alla fine di una breve frase - tali (e altri) momenti brillantemente battuti riportano l'ascoltatore alle improvvisazioni dei banjoisti menestrelli [Debussy chiamava il suo lavoro non "Doll Cakewalk", come traduciamo, ma "Golliwog's Cakewalk" Gollywog è il nome di un grottesco bambolotto nero. Questo soprannome era anche indossato dai personaggi nelle esibizioni di menestrelli neri. A proposito, sulla copertina della prima edizione di "Children's Corner" è raffigurata una maschera da menestrello.].

Negli ultimi anni 19esimo secolo Cakewalk, scorporato dal palcoscenico dei menestrelli, è diventato una moda prepotente non solo nel continente americano. Si è diffuso sotto forma di ballo da salotto in Europa, introducendo il pensiero poliritmico, nuovo per quell'epoca, nella psicologia musicale del nostro tempo. L'enorme impatto di Cakewalk era ovviamente dovuto al fatto che era il portatore della psicologia sociale dell'Occidente, che rifiutava il "vittorianesimo". Un'ampia varietà di forme di musica quotidiana americana all'inizio del secolo ha ceduto alla sua influenza. Il ritmo del cakewalk si ritrova anche nei saloni. brani per pianoforte, e dentro numeri pop per la composizione strumentale tradizionale, e nelle marce per banda di ottoni, e talvolta dentro ballo liscio origine europea. "Anche nei valzer c'era una sincope che Waldteuffel e Strauss non avrebbero mai sognato."

Amore ovu composizione luminosa Debussy chiaro di luna. Claude Debussy generalmente amava la luce del satellite argenteo della Terra. Ha scritto meglio notti di luna. Forse perché in gioventù in una notte di luna si innamorò della figlia di un milionario e filantropo russo Nadezhda Filaretovna von Meck - una bellezza entusiasta Sonechka? ..

Sonya... Un imprevedibile angelo dai capelli d'oro... Ora ha imparato fanaticamente le scale, poi ha tenuto il broncio, rifiutandosi di sedersi al pianoforte. Portava Claude a passeggio, ogni sera portava Claude di nascosto nel bosco, nei prati, al lago. Il magico chiaro di luna illuminava la strada. Sonya dai capelli d'oro sorrise come una sirena:
- Devi insegnarmi tutto il francese - la lingua e i baci! - e il primo baciò Claude.

La poesia di K. Balmont è molto in sintonia con la musica di Debussy.

Quando la luna risplende nell'oscurità della notte
Con la tua falce, brillante e tenera,
La mia anima desidera un altro mondo,
Affascinato da tutto ciò che è lontano, tutto sconfinato.

Ai boschi, alle montagne, alle vette bianche come la neve
sto correndo nei sogni; come uno spirito malato
Veglio sul mondo sereno,
E piango dolcemente e respiro - la luna.

Bevo questo bagliore pallido
Come un elfo, oscillante in una griglia di raggi
Ascolto il silenzio parlare.

I miei parenti sono lontani dal soffrire,
Tutta la terra mi è estranea con la sua lotta,
Sono una nuvola, sono il soffio della brezza.

Il compositore N. Ya Myaskovsky ha scritto del lavoro di Debussy: "... Nei momenti in cui lui (Debussy) si impegna a catturare la sua percezione della natura, accade qualcosa di incomprensibile: una persona scompare, come se si dissolvesse o si trasformasse in un inafferrabile granello di polvere , e regna su tutto come l'eterna, immutabile, immutabile, pura e silenziosa, la natura stessa che consuma tutto, tutte queste "nuvole" silenziose e scorrevoli, soffici trabocchi e sollevamenti di "onde che giocano", fruscii e fruscii di "danze primaverili ", dolci sussurri e languidi sospiri del vento che parla al mare - Non è questo il vero respiro della natura! E l'artista che ricrea la natura nei suoni non è un grande artista, un poeta eccezionale?

Nelle sue opere spesso non c'è melodia nel senso comune, si restringe a pochi suoni, a volte due o tre.

IN struttura Debussy Grande importanza ha movimento in complessi paralleli (intervalli, triadi, accordi di settima). Nel loro movimento, tali strati formano complesse combinazioni polifoniche con altri elementi di texture. C'è un'unica armonia, un'unica verticale.

Non meno unico melodico E ritmo Debussy. Nelle sue opere si trovano raramente costruzioni melodiche dettagliate e chiuse: dominano brevi temi-impulsi, frasi concise-formule. La linea melodica è parsimoniosa, sobria e fluida. Privo di ampi balzi, di "gridi" acuti, si affida alle tradizioni primordiali della recitazione poetica francese. Qualità acquisite corrispondenti allo stile generale e ritmo- con una costante violazione dei fondamenti metrici, l'evitamento di accenti chiari, la libertà del tempo Il ritmo di Debussy è caratterizzato da capricciosa instabilità, desiderio di superare il potere della stanghetta, accentuata ortogonalità (sebbene rivolgendosi al tematismo del genere popolare, il compositore volentieri usavano i ritmi caratteristici di tarantella, habanera, cake-walk, marce).

Preludio "Ragazza dai capelli biondi"(Ces-dur) è uno dei più opere popolari Debussy. La trama pianistica enfaticamente semplice di questo affascinante pezzo è combinata con la freschezza dei contorni melodici e del linguaggio armonico. Non un'espressione di sentimenti, ma uno scivolamento ... "

Ed ecco come suona questa melodia nell'interpretazione del famoso violinista americano Joshua Bell

L'unico quartetto d'archi Debussy è il risultato di esperimenti con uno stile rivoluzionario chiamato impressionismo. segno distintivo L'impressionismo è una nuova combinazione di suoni che sembrano esistere fine a se stessi e non fluiscono o continuano con altri suoni. Il quartetto ha debuttato male, ma generazioni di artisti ne hanno padroneggiato l'estrema complessità tecnica e musicale, e il pubblico può ora godere di una gamma sbalorditiva di trame ed effetti.

E qualche parola sul pianista. Igor Uryash è un nuovo nome per me. Ha circa 50 anni. Gioca molto bene.

Igor Uryash — uno dei principali pianisti della Russia. Membro degli ensemble "Neva-Trio", "St. Petersburg Chamber Players", "St. Peters-Trio". Come solista, membro di programmi sinfonici e gruppi da camera, Igor Uryash è in tournée in Russia, Europa occidentale, paesi Lontano est, Stati Uniti e Canada. Ha realizzato una serie di registrazioni che hanno ricevuto il punteggio più alto. Igor Uryash ha collaborato con successo con l'eccezionale violoncellista Mstislav Rostropovich, esibendosi con lui in un duetto sia a San Pietroburgo che in tournée. Dal 1996 il pianista collabora con il violinista di fama mondiale M. Vengerov.

Non voglio dire addio alla musica di Debussy.

Debussy è sorprendente nella sua originalità!.. La sua musica è piena di passione, ma non penetrante, ma ammaliante; le scintille si mescolano miracolosamente e stranamente con i banchi di ghiaccio, e il mistero, lampeggiante per un secondo con la possibilità di svelarsi, non sarà mai completamente svelato ...