La storia della creazione del balletto "Romeo e Giulietta". Balletto "Romeo e Giulietta" di Sergei Prokofiev

• Escalo, duca di Verona
• Paride, giovane nobile, fidanzato di Giulietta
• Capuleti
• La moglie di Capuleti
• Giulietta, loro figlia
• Tebaldo, nipote di Capuleti
• La nutrice di Giulietta
• Montecchi
• Romeo, suo figlio
• Mercuzio, amico di Romeo
• Benvolio, amico di Romeo
• Lorenzo, monaco
• Pagina di Parigi
• Pagina Romeo
• Trovatore
• Cittadini di Verona, servitori dei Montecchi e dei Capuleti, amici di Giulietta, proprietario di un'osteria, ospiti, corteo del duca, maschere

L'azione si svolge a Verona all'inizio del Rinascimento.

Prologo. Il sipario si apre al centro dell'ouverture. Le figure immobili di Romeo, Padre Lorenzo con un libro tra le mani e Giulietta formano un trittico.

1. Mattina presto a Verona. Romeo vaga per la città, sospirando per il crudele Rosamund. Quando compaiono i primi passanti, lui scompare. La città prende vita: i commercianti litigano, i mendicanti sfrecciano, i festaioli notturni marciano. Dalla casa dei Capuleti escono i servi di Gregorio, Sansone e Pierrot. Flirtano con i servi della taverna, il proprietario li tratta con la birra. Escono anche Abram e Baldassarre, i servi di casa Montecchi. I servi dei Capuleti iniziano una lite con loro. Quando Abram cade ferito, Benvolio, nipote di Montague, viene in soccorso, estraendo la spada, e ordina a tutti di abbassare le armi. I servi scontenti si disperdono in direzioni diverse. Il nipote di Capuleti, Tebaldo, appare all'improvviso, tornando a casa alticcio. Dopo aver rimproverato il pacifico Benvolio, entra in battaglia con lui. La battaglia dei servi riprende. Lo stesso Capuleti sta guardando dalla finestra la battaglia di case inconciliabili. Il giovane nobile Paride, accompagnato dai suoi paggi, viene in casa dei Capuleti, venuto a chiedere la mano di Giulietta, figlia di Capuleti. Ignorando lo sposo, lo stesso Capuleti corre fuori di casa in vestaglia e con una spada. Anche il capo della casata dei Montecchi si unisce alla lotta. La città viene svegliata da un allarme allarmante, i cittadini accorrono in piazza. Appare il duca di Verona con le guardie, il popolo lo supplica di proteggerlo da questa contesa. Il Duca ordina di abbassare spade e spade. La guardia inchioda l'ordine del duca di punire chiunque marci per le strade di Verona con un'arma in mano. Tutti stanno lentamente cadendo a pezzi. Capuleti, dopo aver controllato l'elenco degli invitati al ballo, lo restituisce al giullare e se ne va con Paride. Il giullare chiede a Romeo e Benvolio, che sono apparsi, di leggergli l'elenco, Romeo, vedendo il nome di Rosamund nell'elenco, chiede del luogo del ballo.

La stanza di Giulietta. Juliet fa scherzi alla sua infermiera. Una madre severa entra e informa la figlia che il degno Paride chiede la sua mano. Giulietta è sorpresa, non ha ancora pensato al matrimonio. La madre porta sua figlia allo specchio e le mostra che non è più una bambina, ma una ragazza completamente sviluppata. Giulietta è confusa.

Gli ospiti vestiti in modo sfarzoso marciano a un ballo al Palazzo dei Capuleti. I coetanei di Giulietta sono accompagnati da trovatori. Passa Parigi con il suo paggio. Mercuzio è l'ultimo a correre, affrettando i suoi amici Romeo e Benvolio. Gli amici scherzano, ma Romeo è turbato da brutte premonizioni. Gli ospiti non invitati indossano maschere per evitare di essere riconosciuti.

Ballo nelle camere dei Capuleti. Gli ospiti si siedono ai tavoli in modo importante. Giulietta è circondata dai suoi amici, vicino a Parigi. I trovatori intrattengono le ragazze. Iniziano le danze. Gli uomini aprono solennemente la pad dance, seguiti dalle signore. Dopo una processione primitiva e pesante, la danza di Giulietta sembra leggera e ariosa. Tutti sono sopraffatti dalla gioia e Romeo non riesce a staccare gli occhi dalla ragazza sconosciuta. Rosamund viene dimenticata in un istante. L'atmosfera pomposa è scaricata dal buffo Mercuzio. Salta, si inchina in modo divertente agli ospiti. Mentre tutti sono impegnati con gli scherzi dell'amico, Romeo si avvicina a Giulietta e le esprime la sua gioia in un madrigale. La maschera caduta inaspettatamente rivela il suo volto, e Giulietta è colpita dalla bellezza del giovane, ecco di chi può innamorarsi. Il loro primo incontro viene interrotto da Tebaldo, che riconosce Romeo e si affretta ad avvertire lo zio. Partenza degli ospiti. L'infermiera spiega a Giulietta che il giovane che l'ha catturata è il figlio di Montecchi, il nemico della loro casa.

In una notte di luna sotto il balcone dei Capuleti Arriva Romeo. Sul balcone vede Giulietta. Dopo aver appreso quello di cui ha sognato, la ragazza scende in giardino. Gli amanti sono pieni di felicità.

2. Sulla piazza di Verona rumoroso e divertente. Il pieno proprietario delle zucchine tratta tutti, ma è particolarmente zelante di fronte ai turisti tedeschi. Benvolio e Mercuzio scherzano con le ragazze. I giovani ballano, i mendicanti si affrettano, i venditori offrono importunamente arance. Passa un allegro corteo di strada. Costumeri e giullari danzano intorno alla statua della Madonna, adorna di fiori e di verde. Mercuzio e Benvolio, finita in fretta la loro birra, si precipitano dietro al corteo. Le ragazze cercano di non lasciarli andare. Entra l'Infermiera, accompagnata da Pierrot. Dà a Romeo un biglietto di Giulietta. Dopo averlo letto, Romeo si affretta a collegare la sua vita con quella della sua amata.

Cella di Pater Lorenzo. Atmosfera senza pretese: un libro aperto giace su un semplice tavolo, accanto ad esso c'è un teschio, simbolo dell'inevitabile morte. Lorenzo riflette: come in una delle sue mani ci sono dei fiori, e nell'altra un teschio, così in una persona c'è il bene e il male nelle vicinanze. Romeo entra. Baciando la mano del vecchio, lo prega di suggellare la sua unione con il suo amato matrimonio. Lorenzo promette il suo aiuto, sperando di riconciliare l'inimicizia dei clan con questo matrimonio. Romeo prepara un bouquet per Giulietta. Eccola qui! Romeo le dà la mano e Lorenzo esegue la cerimonia.

Sul proscenio - un intermezzo. Allegra processione con la Madonna, mendicanti chiedono l'elemosina ai turisti tedeschi. Il venditore di arance calpesta goffamente la gamba di una cortigiana, la compagna di Tebaldo. Lo costringe in ginocchio a chiedere perdono e baciare questa gamba. Mercuzio e Benvolio acquistano un cesto di arance da un venditore offeso e le trattano generosamente con le loro ragazze.

Stessa zona. Benvolio e Mercuzio sono nell'osteria, i giovani ballano intorno a loro. Tebaldo appare sul ponte. Vedendo i suoi nemici, estrae la spada e si precipita su Mercuzio. Romeo, entrato in piazza dopo le nozze, cerca di riconciliarli, ma Tebaldo lo schernisce. Duello tra Tebaldo e Mercuzio. Romeo, cercando di separare i combattenti, prende da parte la spada dell'amico. Approfittando di ciò, Tebaldo infligge insidiosamente un colpo mortale a Mercuzio. Mercuzio sta ancora cercando di scherzare, ma la morte lo raggiunge e cade senza vita. Romeo, amareggiato, perché l'amico è morto per colpa sua, si precipita da Tebaldo. Una feroce lotta si conclude con la morte di Tebaldo. Benvolio indica l'editto del Duca e porta via con la forza Romeo. I Capuleti, sul corpo di Tebaldo, giurano vendetta sulla famiglia Montecchi. Il morto viene sollevato su una barella e un cupo corteo attraversa la città.

3. La stanza di Giulietta. Mattina presto. Romeo, dopo la prima notte di nozze segreta, saluta teneramente la sua amata, per ordine del duca, viene espulso da Verona. I primi raggi di sole separano gli innamorati. La nutrice e la madre di Giulietta appaiono sulla porta, seguite dal padre e da Paride. La madre informa che il matrimonio con Paride è previsto nella chiesa di Pietro. Paris esprime i suoi teneri sentimenti, ma Juliet si rifiuta di sposarsi. La madre è spaventata e chiede a Paris di lasciarli. Dopo la sua partenza, i genitori tormentano la figlia con rimproveri e rimproveri. Rimasta sola, Giulietta decide di consultarsi con il padre.

Nella cella di Lorenzo Giulietta corre. Lei gli chiede aiuto. Mentre il prete pensa, Juliet afferra un coltello. La morte è l'unica via d'uscita! Lorenzo le toglie il coltello e le offre una pozione, prendendola diventerà come la defunta. In una bara aperta, sarà portata nella cripta, e Romeo, che ne sarà informato, verrà a prenderla e la porterà con sé a Mantova.

A casa, Giulietta acconsente al matrimonio. Spaventata, beve la pozione e cade priva di sensi dietro la tenda del letto. Arriva il mattino. Arrivano fidanzate e musicisti da Parigi. Desiderando svegliare Giulietta, giocano in modo allegro musica da matrimonio. L'infermiera andò dietro la tenda e indietreggiò inorridita: Juliet era morta.

Notte d'autunno a Mantova. Romeo si sente solo sotto la pioggia. Appare il suo servitore Baldassarre e lo informa che Giulietta è morta. Romeo è sconvolto, ma poi decide di tornare a Verona, portando con sé il veleno. Un corteo funebre si sposta al cimitero di Verona. Il corpo di Giulietta è seguito dai suoi genitori affranti, Paride, l'Infermiera, parenti e amici. La bara viene posta nella cripta. La luce si spegne. Romeo corre. Abbraccia l'amato morto e beve il veleno. Giulietta si è svegliata da un lungo "sonno". Vedendo il Romeo morto con le labbra ancora calde, lo trafigge con un pugnale.

Epilogo. I genitori di Romeo e Giulietta visitano le loro tombe. La morte dei bambini libera le loro anime dalla malizia e dall'inimicizia, e si tendono le mani l'un l'altro.

Ora, quando molte persone riconoscono letteralmente la musica del balletto Romeo e Giulietta di Sergei Prokofiev in due misure, ci si può sorprendere di quanto sia stato difficile per questa musica trovare la sua strada sul palco. Il compositore ha testimoniato: “Alla fine del 1934, si parlava di balletto con il Teatro Kirov di Leningrado. Ero interessato alla trama dei testi. Ci siamo imbattuti in Romeo e Giulietta”. Il famoso personaggio teatrale Adrian Piotrovsky è diventato il primo sceneggiatore.

Prokofiev non ha cercato di illustrare musicalmente la tragedia di Shakespeare. È noto che inizialmente il compositore voleva persino salvare la vita dei suoi eroi. Probabilmente era imbarazzato dalle inevitabili manipolazioni degli eroi alla bara con il corpo inanimato di un partner. Strutturalmente, il nuovo balletto è stato concepito come una sequenza di suite coreografiche (suite dell'inimicizia, suite del carnevale). Il montaggio di numeri contrastanti, episodi, caratteristiche ben mirate dei personaggi è diventato il principio compositivo principale. L'insolita di una tale costruzione del balletto, la novità melodica della musica erano insolite per il teatro coreografico di quel tempo.

Una caratteristica distintiva di tutte le successive (e molto diverse!) Soluzioni coreografiche domestiche di "Romeo e Giulietta" è stata una maggiore penetrazione nell'intenzione del compositore, un aumento del ruolo della danza e la nitidezza delle scoperte del regista.

Qui notiamo le esibizioni più famose di Nikolai Boyarchikov (1972, Perm), Yuri Grigorovich (1979, Teatro Bolshoi), Natalia Kasatkina e Vladimir Vasilev (1981, Teatro del balletto classico), Vladimir Vasiliev (1991, Teatro musicale di Mosca).

Un gran numero di produzioni del balletto di Prokofiev sono state messe in scena all'estero. È curioso che mentre i coreografi nazionali "contraddicessero" attivamente la performance di Lavrovsky, le performance più famose fuori dalla Russia di John Cranko (1958) e Kenneth MacMillan (1965), che sono ancora eseguite da note compagnie occidentali, usassero consapevolmente lo stile di la coreografia originale. Nel Teatro Mariinsky di San Pietroburgo (dopo più di 200 rappresentazioni), è ancora possibile vedere oggi la rappresentazione del 1940.

A. Degen, I. Stupnikov

La migliore definizione di "Romeo e Giulietta" è stata data dal musicologo G. Ordzhonikidze:

Romeo e Giulietta di Prokofiev è un'opera riformista. Può essere definito un balletto sinfonico, perché sebbene non contenga gli elementi formativi del ciclo sonata nella loro, per così dire, "forma pura", è tutto permeato di un respiro puramente sinfonico ... In ogni misura della musica si può sentire il respiro tremolante dell'idea drammatica principale. Con tutta la generosità del principio pittorico, non assume da nessuna parte un carattere autosufficiente, essendo saturo di un contenuto attivamente drammatico. I mezzi più espressivi, gli estremi linguaggio musicale applicato qui in modo tempestivo e internamente giustificato ... Il balletto di Prokofiev si distingue per una profonda originalità musicale. Si manifesta principalmente nell'individualità dell'inizio della danza, caratteristica dello stile di balletto di Prokofiev. Per il balletto classico, questo principio non è tipico e di solito si manifesta solo nei momenti di elevazione spirituale - negli adagi lirici. Prokofiev estende il ruolo drammatico chiamato dell'adagio all'intero dramma lirico.

I numeri separati e più luminosi del balletto suonano molto spesso sul palco del concerto sia come parte di suite sinfoniche, sia nella trascrizione per pianoforte. Questi sono "Juliet the Girl", "Montagues and Capulets", "Romeo and Juliet before Parting", "Dance of the Antilles Girls", ecc.

Nella foto: "Romeo e Giulietta" al Teatro Mariinsky / N. Razina

1. La storia della creazione del balletto "Romeo e Giulietta". 4

2. Personaggi principali, immagini, loro caratteristiche. 7

3. Il tema di Giulietta (analisi della forma, mezzi espressività musicale, tecniche per presentare materiale musicale per creare un'immagine) 12

Conclusione. 15

Riferimenti.. 16

introduzione

Sergei Prokofiev è stato uno dei grandi creatori del XX secolo che ha creato un teatro musicale innovativo. Le trame delle sue opere e balletti sono sorprendentemente contrastanti. L'eredità di Prokofiev è impressionante sia per la varietà di generi che per il numero di opere che ha creato. Oltre 130 opere furono scritte dal compositore nel periodo dal 1909 al 1952. La rara produttività creativa di Prokofiev è spiegata non solo da un fanatico desiderio di comporre, ma anche dalla disciplina, dalla diligenza, allevata fin dall'infanzia. Quasi tutte le sue opere lo sono generi musicali Parole chiave: opera e balletto, concerto strumentale, sinfonia, sonata e pezzo per pianoforte, canzone, romanza, cantata, musica per teatro e film, musica per bambini. L'ampiezza degli interessi creativi di Prokofiev, la sua incredibile capacità di passare da una trama all'altra, la sua esposizione artistica al mondo delle grandi opere poetiche sono sorprendenti. L'immaginazione di Prokofiev è affascinata dalle immagini dello scitismo sviluppate da Roerich, Blok, Stravinsky ("Ala e Lolly"), dal folklore russo ("Il giullare"), dalle tragedie di Dostoevskij ("Il giocatore d'azzardo") e da Shakespeare ("Romeo e Giulietta" "). Si rivolge alla saggezza e all'eterna gentilezza delle fiabe di Andersen, Perrault, Bazhov e lavora disinteressatamente, assorbito dagli eventi delle tragiche, ma gloriose pagine della storia russa ("Alexander Nevsky", "Guerra e pace"). Sa ridere allegramente, in modo contagioso ("duenna", "Amore per tre arance"). Seleziona soggetti contemporanei raffiguranti il ​​​​tempo della Rivoluzione d'Ottobre (cantata "Nel 20 ° anniversario di ottobre"), guerra civile("Semyon Kotko"), la Grande Guerra Patriottica ("Il racconto di un vero uomo"). E queste composizioni non diventano un omaggio al tempo, un desiderio di "stare al gioco" con gli eventi. Tutti loro testimoniano l'alto cittadinanza Prokof'ev.

Un'area molto speciale del lavoro di Prokofiev era il lavoro per i bambini. Prima Gli ultimi giorni Prokofiev ha mantenuto la sua percezione giovanile e fresca del mondo. Dal grande amore per i bambini, dalla comunicazione con loro, sono nate le canzoni birichine "Chatterbox" (sui versi di A. Barto) e "Piglets" (sui versi di L. Kvitka), affascinanti racconto sinfonico"Peter and the Wolf", un ciclo di miniature per pianoforte "Children's Music", un poema drammatico sull'infanzia portata via dalla guerra "The Ballad of a Boy Remaining Unknown" (testo di P. Antokolsky).

Spesso Prokofiev usava i propri temi musicali. Ma il trasferimento dei temi dalla composizione alla composizione è sempre stato accompagnato da revisioni creative. Ciò è dimostrato dagli schizzi e dalle bozze del compositore, che hanno svolto un ruolo speciale nei suoi processo creativo. Il processo di composizione è stato spesso direttamente influenzato dalla comunicazione dal vivo di Prokofiev con registi, artisti e direttori. Le critiche ai primi interpreti del balletto "Romeo e Giulietta" hanno portato alla dinamizzazione dell'orchestrazione in alcune scene. Tuttavia, i consigli sono stati accettati da Prokofiev solo quando erano convincenti e non erano in contrasto con la sua visione dell'opera.

Allo stesso tempo, Prokofiev era un sottile psicologo e, non meno del lato esterno delle immagini, il compositore era impegnato nell'azione psicologica. Lo ha anche incarnato con sorprendente sottigliezza e precisione, come in uno di i migliori balletti XX secolo - il balletto "Romeo e Giulietta".

1. La storia della creazione del balletto "Romeo e Giulietta"

La prima grande opera, il balletto "Romeo e Giulietta", divenne un vero capolavoro. È stato difficile iniziare la sua vita da palcoscenico. È stato scritto nel 1935-1936. Il libretto è stato sviluppato dal compositore insieme al regista S. Radlov e al coreografo L. Lavrovsky (L. Lavrovsky ha messo in scena la prima produzione del balletto nel 1940 al Teatro dell'Opera e del Balletto S. M. Kirov di Leningrado). Ma il graduale abituarsi alla musica insolita di Prokofiev è stato comunque coronato dal successo. Il balletto "Romeo e Giulietta" fu completato nel 1936, ma fu concepito prima. Il destino del balletto ha continuato a svilupparsi difficile. All'inizio c'erano difficoltà con il completamento del balletto. Prokofiev, insieme a S. Radlov, mentre sviluppava la sceneggiatura, pensava a un lieto fine, che provocò una tempesta di indignazione tra gli studiosi di Shakespeare. L'apparente mancanza di rispetto per il grande drammaturgo è stata spiegata semplicemente: "Le ragioni che ci hanno spinto a questa barbarie erano puramente coreografiche: i vivi possono ballare, i morenti non balleranno sdraiati". La decisione di concludere tragicamente il balletto, come quella di Shakespeare, è stata influenzata soprattutto dal fatto che nella musica stessa, nei suoi episodi finali, non c'era pura gioia. Il problema è stato risolto dopo le conversazioni con i coreografi, quando si è scoperto che "è possibile risolvere la fine del balletto con fatale". Tuttavia, il Teatro Bolshoi ha violato l'accordo, considerando la musica come musica non da ballo. Per la seconda volta, la Scuola coreografica di Leningrado ha rifiutato l'accordo. Di conseguenza, la prima produzione di Romeo e Giulietta ebbe luogo nel 1938 a Cecoslovacchia, nella città di Brno. Il famoso coreografo L. Lavrovsky è diventato il direttore del balletto Il famoso G. Ulanova ha ballato la parte di Giulietta.

Sebbene in passato ci siano stati tentativi di presentare Shakespeare sul palcoscenico del balletto (ad esempio, nel 1926 Diaghilev ha messo in scena il balletto Romeo e Giulietta con musiche del compositore inglese C. Lambert), ma nessuno di loro è considerato un successo. Sembrava che se le immagini di Shakespeare potessero essere incarnate in un'opera, come hanno fatto Bellini, Gounod, Verdi o in musica sinfonica, come in Ciajkovskij, poi nel balletto, a causa delle sue specificità di genere, è impossibile. A questo proposito, l'appello di Prokofiev alla trama di Shakespeare è stato un passo coraggioso. Tuttavia, le tradizioni del balletto russo e sovietico hanno preparato questo passaggio.

L'apparizione del balletto "Romeo e Giulietta" è un importante punto di svolta nel lavoro di Sergei Prokofiev. Il balletto "Romeo e Giulietta" è diventato uno dei risultati più significativi nella ricerca di una nuova performance coreografica. Prokofiev si impegna per l'incarnazione delle emozioni umane viventi, l'istituzione del realismo. La musica di Prokofiev rivela vividamente il conflitto principale della tragedia di Shakespeare: lo scontro dell'amore luminoso con la faida familiare della vecchia generazione, che caratterizza la ferocia dello stile di vita medievale. Il compositore ha creato una sintesi nel balletto: una fusione di dramma e musica, proprio come ai suoi tempi Shakespeare combinava la poesia con l'azione drammatica in Romeo e Giulietta. La musica di Prokofiev trasmette i movimenti psicologici più sottili dell'anima umana, la ricchezza del pensiero di Shakespeare, la passione e il dramma della sua prima delle tragedie più perfette. Prokofiev è riuscito a ricreare i personaggi di Shakespeare nel balletto nella loro diversità e completezza, profonda poesia e vitalità. La poesia d'amore di Romeo e Giulietta, l'umorismo e la malizia di Mercuzio, l'innocenza della Nutrice, la saggezza di Pater Lorenzo, la furia e la crudeltà di Tebaldo, il colore festoso e violento delle strade italiane, la tenerezza dell'alba mattutina e il dramma delle scene di morte: tutto questo è incarnato da Prokofiev con abilità e grande forza espressiva.

Specificità genere balletto esigeva un allargamento dell'azione, la sua concentrazione. Tagliando tutto ciò che è secondario o secondario nella tragedia, Prokofiev ha concentrato la sua attenzione sui momenti semantici centrali: amore e morte; fatale inimicizia tra le due famiglie della nobiltà veronese: i Montecchi e i Capuleti, che portarono alla morte degli innamorati. Romeo e Giulietta di Prokofiev è un dramma coreografico riccamente sviluppato con una complessa motivazione di stati psicologici, un'abbondanza di chiari ritratti-caratteristiche musicali. Il libretto mostra in modo conciso e convincente le basi della tragedia di Shakespeare. Conserva la sequenza principale delle scene (solo poche scene sono ridotte - 5 atti della tragedia sono raggruppati in 3 grandi atti).

Romeo e Giulietta è un balletto profondamente innovativo. La sua novità si manifesta anche nei principi dello sviluppo sinfonico. La drammaturgia sinfonica del balletto contiene tre diversi tipi.

Il primo è l'opposizione conflittuale dei temi del bene e del male. Tutti gli eroi - portatori di bontà sono mostrati in modi vari e sfaccettati. Il compositore presenta il male più in generale, avvicinando i temi dell'ostilità ai temi del rock dell'Ottocento, ad alcuni temi del male del Novecento. I temi del male compaiono in tutti gli atti tranne l'epilogo. Invadono il mondo degli eroi e non si sviluppano.

Il secondo tipo di sviluppo sinfonico è associato alla graduale trasformazione delle immagini - Mercuzio e Giulietta, con la divulgazione degli stati psicologici dei personaggi e mostrando la crescita interna delle immagini.

Il terzo tipo rivela le caratteristiche di variazione, varianza, caratteristiche del sinfonismo di Prokofiev nel suo insieme, colpisce soprattutto i temi lirici.

Tutti e tre questi tipi sono subordinati anche nel balletto ai principi del montaggio cinematografico, al ritmo speciale delle inquadrature, alle tecniche dei primi piani, delle riprese a medio e lungo raggio, alle tecniche degli "influssi", nette opposizioni contrastanti che danno il scene un significato speciale.

2. Personaggi principali, immagini, loro caratteristiche

Il balletto ha tre atti (il quarto atto è un epilogo), due numeri e nove scene.

Agisco - esposizione di immagini, conoscenza di Romeo e Giulietta al ballo.

II atto 4 foto - il luminoso mondo dell'amore, il matrimonio 5 foto - una terribile scena di inimicizia e morte.

III azione.6 foto - addio.7, 8 foto - La decisione di Giulietta di prendere un sonnifero.

Epilogo 9 foto - la morte di Romeo e Giulietta.

La prima immagine si svolge tra le pittoresche piazze e strade di Verona, gradualmente piene di movimento dopo una notte di riposo. La scena del protagonista - Romeo, "languente nostalgia d'amore", in cerca di solitudine, è sostituita da una lite e da una battaglia tra rappresentanti di due famiglie in guerra. I furiosi avversari vengono fermati dal formidabile ordine del Duca: “Sotto pena di morte, disperdetevi! "

La prima grande opera - il balletto "Romeo e Giulietta" - divenne un vero capolavoro. È stato difficile iniziare la sua vita da palcoscenico. È stato scritto nel 1935-1936. Il libretto è stato sviluppato dal compositore insieme al regista S. Radlov e al coreografo L. Lavrovsky (L. Lavrovsky ha messo in scena la prima produzione del balletto nel 1940 al Teatro dell'Opera e del Balletto S. M. Kirov di Leningrado). Ma il graduale abituarsi alla musica insolita di Prokofiev è stato comunque coronato dal successo. Il balletto "Romeo e Giulietta" fu completato nel 1936, ma fu concepito prima. Il destino del balletto ha continuato a svilupparsi difficile. All'inizio c'erano difficoltà con il completamento del balletto. Prokofiev, insieme a S. Radlov, mentre sviluppava la sceneggiatura, pensava a un lieto fine, che provocò una tempesta di indignazione tra gli studiosi di Shakespeare. L'apparente mancanza di rispetto per il grande drammaturgo è stata spiegata semplicemente: "Le ragioni che ci hanno spinto a questa barbarie erano puramente coreografiche: i vivi possono ballare, i morenti non balleranno sdraiati". La decisione di concludere tragicamente il balletto, come quella di Shakespeare, è stata influenzata soprattutto dal fatto che nella musica stessa, nei suoi episodi finali, non c'era pura gioia. Il problema è stato risolto dopo le conversazioni con i coreografi, quando si è scoperto che "è possibile risolvere la fine fatale del balletto". Tuttavia, il Teatro Bolshoi ha violato l'accordo, considerando la musica come non danza. Per la seconda volta, la Scuola coreografica di Leningrado ha rifiutato il contratto. Di conseguenza, la prima produzione di "Romeo e Giulietta" ebbe luogo nel 1938 in Cecoslovacchia, nella città di Brno. Il famoso coreografo L. Lavrovsky divenne il direttore del balletto. La parte di Giulietta è stata ballata dalla famosa G. Ulanova.

Sebbene in passato ci siano stati tentativi di presentare Shakespeare sul palcoscenico del balletto (ad esempio, nel 1926 Diaghilev ha messo in scena il balletto Romeo e Giulietta con musiche del compositore inglese C. Lambert), ma nessuno di loro è considerato un successo. Sembrava che se le immagini di Shakespeare potessero essere incarnate nell'opera, come facevano Bellini, Gounod, Verdi, o nella musica sinfonica, come in Čajkovskij, allora nel balletto, a causa della sua specificità di genere, fosse impossibile. A questo proposito, l'appello di Prokofiev alla trama di Shakespeare è stato un passo coraggioso. Tuttavia, le tradizioni del balletto russo e sovietico hanno preparato questo passaggio.

L'apparizione del balletto "Romeo e Giulietta" è un importante punto di svolta nel lavoro di Sergei Prokofiev. Il balletto "Romeo e Giulietta" è diventato uno dei risultati più significativi nella ricerca di una nuova performance coreografica. Prokofiev si impegna per l'incarnazione delle emozioni umane viventi, l'istituzione del realismo. La musica di Prokofiev rivela vividamente il conflitto principale della tragedia di Shakespeare: lo scontro dell'amore luminoso con la faida familiare della vecchia generazione, che caratterizza la ferocia dello stile di vita medievale. Il compositore ha creato una sintesi nel balletto: una fusione di dramma e musica, proprio come ai suoi tempi Shakespeare combinava la poesia con l'azione drammatica in Romeo e Giulietta. La musica di Prokofiev trasmette i movimenti psicologici più sottili dell'anima umana, la ricchezza del pensiero di Shakespeare, la passione e il dramma della sua prima delle tragedie più perfette. Prokofiev è riuscito a ricreare i personaggi di Shakespeare nel balletto nella loro diversità e completezza, profonda poesia e vitalità. La poesia d'amore di Romeo e Giulietta, l'umorismo e la malizia di Mercuzio, l'innocenza della Nutrice, la saggezza di Pater Lorenzo, la furia e la crudeltà di Tebaldo, il colore festoso e violento delle strade italiane, la tenerezza dell'alba mattutina e il dramma delle scene di morte: tutto questo è incarnato da Prokofiev con abilità e grande forza espressiva.

La specificità del genere del balletto richiedeva l'allargamento dell'azione, la sua concentrazione. Tagliando tutto ciò che è secondario o secondario nella tragedia, Prokofiev ha concentrato la sua attenzione sui momenti semantici centrali: amore e morte; fatale inimicizia tra le due famiglie della nobiltà veronese: i Montecchi e i Capuleti, che portarono alla morte degli innamorati. Romeo e Giulietta di Prokofiev è un dramma coreografico riccamente sviluppato con una complessa motivazione di stati psicologici, un'abbondanza di chiari ritratti-caratteristiche musicali. Il libretto mostra in modo conciso e convincente le basi della tragedia di Shakespeare. Conserva la sequenza principale delle scene (solo poche scene sono ridotte - 5 atti della tragedia sono raggruppati in 3 grandi atti).

Romeo e Giulietta è un balletto profondamente innovativo. La sua novità si manifesta anche nei principi dello sviluppo sinfonico. La drammaturgia sinfonica del balletto contiene tre diversi tipi.

Il primo è l'opposizione conflittuale dei temi del bene e del male. Tutti gli eroi - portatori di bontà sono mostrati in modi vari e sfaccettati. Il compositore presenta il male più in generale, avvicinando i temi dell'ostilità ai temi del rock dell'Ottocento, ad alcuni temi del male del Novecento. I temi del male compaiono in tutti gli atti tranne l'epilogo. Invadono il mondo degli eroi e non si sviluppano.

Il secondo tipo di sviluppo sinfonico è associato alla graduale trasformazione delle immagini: Mercuzio e Giulietta, con la divulgazione degli stati psicologici dei personaggi e la visualizzazione della crescita interna delle immagini.

Il terzo tipo rivela le caratteristiche di variazione, varianza, caratteristiche del sinfonismo di Prokofiev nel suo insieme, colpisce soprattutto i temi lirici.

Tutti e tre questi tipi sono subordinati anche nel balletto ai principi del montaggio cinematografico, al ritmo speciale delle inquadrature, alle tecniche dei primi piani, delle riprese a medio e lungo raggio, alle tecniche degli "influssi", nette opposizioni contrastanti che danno il scene un significato speciale.

Prokofiev S. Balletto "Romeo e Giulietta"

BALLETTO "ROMEO E GIULIETTA"

Il balletto "Romeo e Giulietta" è stato scritto da Prokofiev nel 1935-1936. Il libretto è stato sviluppato dal compositore insieme al regista S. Radlov e al coreografo L. Lavrovsky (L. Lavrovsky ha messo in scena la prima produzione del balletto nel 1940 al Teatro dell'Opera e del Balletto di Leningrado intitolato a S. M. Kirov).

Il lavoro di Prokofiev ha continuato le tradizioni classiche del balletto russo. Ciò si esprimeva nel grande significato etico del tema scelto, nel riflesso di profondi sentimenti umani, nella drammaturgia sinfonica sviluppata dello spettacolo di balletto. E allo stesso tempo, la partitura del balletto di Romeo e Giulietta era così insolita che ci è voluto del tempo per abituarsi. C'era anche un detto ironico: "Non c'è storia più triste al mondo della musica di Prokofiev nel balletto". Solo gradualmente tutto questo è stato sostituito da un atteggiamento entusiasta degli artisti, e poi del pubblico, nei confronti della musica 35 .

35 Su quanto fosse insolita la musica del balletto di Prokofiev per i ballerini, G. Ulanova racconta nelle sue memorie sul compositore: sembrava incomprensibile e scomodo. Ma più lo ascoltavamo, più lavoravamo, cercavamo, sperimentavamo, più luminose si presentavano davanti a noi le immagini nate dalla musica. E gradualmente è arrivata la sua comprensione, gradualmente è diventata a suo agio per ballare, coreograficamente e psicologicamente chiara ”(Ulanova G. Autore dei balletti preferiti. Cit. ed., p. 434).

Prima di tutto, la trama era insolita. Passare a Shakespeare è stato un passo coraggioso nella coreografia sovietica, poiché, secondo l'opinione generalmente accettata, si credeva che l'incarnazione di temi filosofici e drammatici così complessi fosse impossibile usando il balletto 36 . Il tema shakespeariano richiede al compositore di dare una caratterizzazione realistica sfaccettata dei personaggi e del loro ambiente di vita, concentrandosi su scene drammatiche e psicologiche.

La musica di Prokofiev e la performance di Lavrovsky sono intrise dello spirito di Shakespeare. Nel tentativo di avvicinare il più possibile lo spettacolo di balletto alla sua fonte letteraria, gli autori del libretto hanno mantenuto gli eventi principali e la sequenza della tragedia di Shakespeare. Sono state tagliate solo poche scene. I cinque atti della tragedia sono raggruppati in tre atti principali. Sulla base delle peculiarità della drammaturgia del balletto, gli autori hanno introdotto, tuttavia, alcune nuove scene che consentono di trasmettere l'atmosfera dell'azione e l'azione stessa nella danza, in movimento: una festa popolare nell'atto II, un funerale processione con il corpo di Tebaldo e altri.

La musica di Prokofiev rivela chiaramente il conflitto principale della tragedia: la collisione del brillante amore dei giovani eroi con l'inimicizia familiare della vecchia generazione, che caratterizza la ferocia dello stile di vita medievale (le precedenti esibizioni di balletto di Romeo e Giulietta e famosa opera Gounod si limita principalmente alla rappresentazione della linea d'amore della tragedia). Prokofiev è stato anche in grado di incarnare nella musica i contrasti di Shakespeare tra il tragico e il comico, il sublime e il buffone.

Prokofiev, che aveva davanti a sé esempi così elevati dell'incarnazione sinfonica di Romeo e Giulietta come la sinfonia di Berlioz e l'ouverture-fantasy di Čajkovskij, creò un'opera completamente originale. I testi del balletto sono sobri e puri, a volte raffinati. Il compositore evita lunghi sfoghi lirici, ma dove necessario, passione e tensione sono inerenti ai suoi testi. L'accuratezza figurativa caratteristica di Prokofiev, la visibilità della musica, così come il laconismo delle caratteristiche, sono state rivelate con particolare forza.

Il legame più stretto tra musica e azione contraddistingue la drammaturgia musicale dell'opera, che è vivacemente teatrale nella sua essenza. Si basa su scene pensate per la combinazione organica di pantomima e danza: si tratta di scene di ritratto solista"

36 Nell'era di Ciajkovskij e Glazunov, le trame romantiche da favola erano le più comuni nel balletto. Čajkovskij li considerava i più adatti al balletto, utilizzando le trame poetiche di "Il lago dei cigni", "La bella addormentata", "Lo schiaccianoci" per esprimere idee generalizzate, profondi sentimenti umani.

Il balletto sovietico, insieme alle trame romantiche fiabesche, è caratterizzato da un appello a temi realistici: storico-rivoluzionario, moderno, tratto dalla letteratura mondiale. Questi i balletti: Il fiore rosso e Il cavaliere di bronzo di Gliere, Le fiamme di Parigi e La fontana di Bakhchisarai di Asafiev, Gayane e Spartacus di Khachaturian, Anna Karenina e Il gabbiano di Shchedrin.

(“Giulietta la ragazza”, “Mercuzio”, “Pater Lorenzo”), e scene di dialogo (“Al balcone”. Roma e Giulietta si separano”), e drammatiche scene di folla (“Litigio”, “Lotta”).

Qui non c'è assolutamente divertissement, cioè inseriti numeri di "concerto" di pura danza (cicli di variazioni e danze caratteristiche). I balli sono caratteristici ("Dance of the Knights", altrimenti chiamati "Montecchi e Capuleti"), oppure ricreano l'atmosfera dell'azione (balli da ballo aristocraticamente aggraziati, allegri balli popolari), accattivanti per la loro vivacità e dinamica.

Uno dei mezzi drammatici più importanti in "Romeo e Giulietta" sono i leitmotiv. Nei suoi balletti e opere, Prokofiev ha sviluppato una tecnica peculiare di sviluppo del leitmotiv. Generalmente ritratti musicali i suoi eroi sono intrecciati da diversi temi che caratterizzano diversi lati dell'immagine. Possono essere ripetuti, variare in futuro, ma l'apparizione di nuove qualità dell'immagine spesso provoca l'emergere di un nuovo tema, che, allo stesso tempo, è strettamente connesso con l'intonazione del tema precedente.

L'esempio più chiaro sono i tre temi dell'amore, che segnano tre fasi nello sviluppo dei sentimenti: il suo inizio (vedi esempio 177), fioritura (esempio 178), e la sua tragica intensità (esempio 186).

Prokofiev contrappone le immagini sfaccettate e intricate di Romeo e Giulietta a una, quasi invariata in tutto il balletto, l'immagine di una cupa, stupida inimicizia, il male che ha causato la morte degli eroi.

Il metodo di confronti nettamente contrastanti è uno dei dispositivi drammatici più forti di questo balletto. Ad esempio, la scena del matrimonio di padre Lorenzo è incorniciata da scene di festoso divertimento popolare (la solita immagine della vita cittadina mette in risalto l'esclusività e la tragedia del destino degli eroi); nell'ultimo atto, alle immagini della più intensa lotta spirituale di Giulietta rispondono i suoni luminosi e trasparenti della "Serenata mattutina".

Il compositore costruisce il balletto sull'alternanza di numeri musicali relativamente piccoli e molto chiaramente progettati. In questa ultima completezza, "sfaccettatura" delle forme - il laconicismo dello stile pro-Kofiev. Ma le connessioni tematiche, le linee dinamiche comuni, spesso unendo più numeri, si oppongono all'apparente mosaico della composizione e creano la costruzione di un grande respiro sinfonico. E il continuo sviluppo delle caratteristiche del leitmotiv durante l'intero balletto conferisce integrità all'intera opera, la unisce drammaturgicamente.

In che modo Prokofiev crea un senso del tempo e del luogo dell'azione? Come già accennato in relazione alla cantata "Alexander Nevsky", non è tipico per lui rivolgersi a campioni autentici di musica che sono passati nel passato. A questo preferisce la trasmissione di un'idea moderna dell'antichità. Il minuetto e la gavotta, danze del XVIII secolo di origine francese, non corrispondono alla musica italiana del XV secolo, ma sono ben note agli ascoltatori come antiche danze europee ed evocano ampie associazioni storiche e specifiche figurative. Il minuetto e la gavotta 37 caratterizzano una certa rigidità e gradazione condizionale nella scena del ballo ai Capuleti. Allo stesso tempo, c'è una leggera ironia in loro. compositore contemporaneo, ricreando le immagini dell'era "cerimoniale".

La musica della festa popolare è originale, raffigurante l'atmosfera bollente, satura di sole e vivida dei sentimenti dell'Italia rinascimentale. Prokofiev usa qui le caratteristiche ritmiche della tarantella di danza popolare italiana (vedi "Danza popolare" Atto II)..

Colorata è l'introduzione alla partitura del mandolino (vedi "Dance with Mandolins", "Morning Serenade"), strumento comune nella vita italiana. Ma è più interessante che in molti altri episodi, per lo più di genere, il compositore avvicini la trama e la colorazione timbrica al suono "pizzicato" specifico e senza pretese di questo strumento (vedi "The Street Wakes Up", "Masks", " Prepararsi al ballo”, “Mercuzio”).

agisco. Il balletto si apre con una breve "Introduzione". Inizia con il tema dell'amore, conciso come un'epigrafe, leggero e dolente insieme:

La prima scena raffigura Romeo che vaga per la città nelle ore piccole 38 . Una melodia premurosa caratterizza un giovane che sogna l'amore:

87 La musica della gavotta è stata presa da Prokofiev dalla sua Sinfonia classica.

88 Shakespeare non ha una scena del genere. Ma questo è raccontato da Benvolio, un amico di Romeo. Trasformando la storia in azione, gli autori del libretto procedono dalle peculiarità della drammaturgia del balletto.

Questo è uno dei due temi principali di Romeo (l'altro è stato dato nell'"Introduzione").

Le immagini si alternano rapidamente una dopo l'altra, raffiguranti la mattina, che ravviva gradualmente le strade della città, un allegro trambusto, una lite tra i servi di Montecchi e Capuleti e, infine, una battaglia e un formidabile ordine di disperdersi del duca.

Una parte significativa della prima immagine è intrisa di uno stato d'animo di spensieratezza, divertimento. È, come se fosse a fuoco, raccolto in un piccolo sketch "The Street Wakes Up", basato su una melodia da dance warehouse, con un accompagnamento anche "pizzicato", con la più modesta, sembrerebbe, armonizzazione.

Pochi tocchi parsimoniosi: doppi secondi, rare sincopi, giustapposizioni tonali inaspettate conferiscono alla musica una particolare intensità e malizia. L'orchestrazione è spiritosa, il fagotto dialoga alternativamente con violino, oboe, flauto e clarinetto:

Le intonazioni e i ritmi caratteristici di questa melodia o vicini ad essa uniscono diversi numeri dell'immagine. Sono in "Morning Dance", nella scena del litigio.

Impegnandosi per una vivida teatralità, il compositore usa il pittorico mezzi musicali. Così, l'ordine rabbioso del duca provocava un minaccioso "calpestio" lento su suoni nettamente dissonanti e acuti contrasti dinamici. Sul movimento continuo, imitando i colpi e il tintinnio delle armi, si costruisce un'immagine della battaglia. Ma qui passa anche il tema della generalizzazione del significato espressivo, il tema dell'inimicizia. "Goffaggine", semplicità del movimento melodico, bassa mobilità ritmica, rigidità armonica e suono forte e "inflessibile" del rame: tutti i mezzi mirano a creare un'immagine di un primitivo e fortemente cupo:

grazioso, gentile

Diversi aspetti dell'immagine appaiono in modo netto e inaspettato, sostituendosi a vicenda (come è tipico per una ragazza, un'adolescente). La leggerezza, la vivacità del primo tema si esprime in una semplice melodia "corrente" simile a una scala, che, per così dire, si infrange contro diversi gruppi e strumenti dell'orchestra. Colorati "lanci" armonici di accordi - le triadi maggiori (sul VI ridotto, III e I grado) ne sottolineano la nitidezza ritmica e la mobilità. La grazia del secondo tema è trasmessa dal ritmo di danza preferito di Prokofiev (gavotta), la melodia plastica del clarinetto.

Il lirismo sottile e puro è la "sfaccettatura" più significativa dell'immagine di Giulietta. Pertanto, l'apparizione del terzo tema del ritratto musicale di Giulietta si distingue dal contesto generale per un cambiamento di tempo, un cambiamento netto di trama, così trasparente, in cui solo leggeri echi mettono in risalto l'espressività della melodia, un cambiamento nel timbro (flauto solo).

Tutti e tre i temi di Giulietta passano nel futuro, e poi nuovi temi si uniscono a loro.

La trama della tragedia è la scena del ballo ai Capuleti. È qui che è nato il sentimento d'amore tra Romeo e Giulietta. Qui Tebaldo, rappresentante della famiglia Capuleti, decide di vendicarsi di Romeo, che ha osato varcare la soglia della loro casa. Questi eventi si svolgono sullo sfondo luminoso e festoso del ballo.

Ognuna delle danze ha la sua funzione drammatica. Al suono del minuetto, creando un'atmosfera di solennità ufficiale, gli ospiti si riuniscono:

"Danza dei Cavalieri"- questo è un ritratto di gruppo, caratteristica generalizzata dei "padri". Il ritmo saltellante e punteggiato, combinato con il passo pesante e misurato del basso, crea un'immagine di militanza e stupidità, combinate con una sorta di grandiosità. L'espressività figurativa della "Danza dei Cavalieri" si intensifica quando il tema dell'inimicizia, già familiare all'ascoltatore, entra nel basso. Il tema stesso della "Danza dei Cavalieri" è utilizzato in futuro come caratteristica della famiglia Capuleti:

Come episodio in netto contrasto all'interno della "Danza dei Cavalieri", viene introdotta una danza fragile e raffinata di Giulietta con Paride:

La scena del ballo mostra per la prima volta Mercuzio, l'allegro e spiritoso amico di Romeo. Nella sua musica (vedi n. 12, "Maschere"), la marcia stravagante è sostituita da una serenata beffarda e scherzosa:

Il movimento sceriotico, pieno di sorprese ritmiche materiche e armoniose, incarna la brillantezza, l'arguzia, l'ironia di Mercuzio (vedi n. 15, Mercuzio):

Nella scena del ballo (alla fine della variazione n. 14) si sente il tema infuocato di Romeo, dato per la prima volta nell'introduzione al balletto (Romeo nota Giulietta). In Madrigal, con cui Romeo si rivolge a Giulietta, compare il tema dell'amore, una delle melodie liriche più importanti del balletto. Il gioco di maggiore e minore conferisce un fascino speciale a questo tema triste e leggero:

I temi dell'amore sono ampiamente sviluppati nel grande duetto di eroi ("Scena al balcone", n. 19-21), che conclude il primo atto. Inizia con una melodia contemplativa, precedentemente solo leggermente delineata (Romeo, n. 1, battute finali). Poco più avanti, in modo nuovo, aperto, emotivamente intenso, i violoncelli e il corno inglese suonano il tema dell'amore, apparso per la prima volta in Madrigal. L'intero grande palcoscenico, come se fosse costituito da numeri separati, è soggetto a un unico sviluppo musicale. Qui diversi leittem si intrecciano tra loro; ogni successivo svolgimento dello stesso argomento è più intenso del precedente, ogni nuovo argomento è più dinamico. Al culmine dell'intera scena ("Love Dance"), si alza una melodia estatica e solenne:

La sensazione di serenità, estasi che ha attanagliato gli eroi si esprime in un altro tema. Cantando, morbido, in un ritmo dolcemente ondeggiante, è il più ballabile tra i temi d'amore del balletto:

Nella coda di Love Dance appare il tema di Romeo dall'"Introduzione":

Il secondo atto del balletto è pieno di forti contrasti. Brillanti danze popolari incorniciano la scena del matrimonio, piena di lirismo profondo e mirato. Nella seconda metà dell'azione, l'atmosfera frizzante della festa è sostituita dalla tragica immagine del duello tra Mercuzio e Tebaldo e della morte di Mercuzio. Il corteo funebre con il corpo di Tebaldo è il culmine del secondo atto, segnando una tragica svolta nella trama.

I balli qui sono magnifici: l'impetuoso, allegro "Folk Dance" (n. 22) nello spirito della tarantella, il rude ballo di strada di cinque coppie, il ballo con i mandolini. Va notato l'elasticità, la plasticità delle melodie che trasmettono gli elementi dei movimenti di danza.

Nella scena del matrimonio è raffigurato il ritratto del saggio e filantropo padre Lorenzo (n. 28). È caratterizzato dalla musica del magazzino corale, che si distingue per la morbidezza e il calore delle intonazioni:

L'apparizione di Giulietta è accompagnata dalla sua nuova melodia al flauto (questo è il leittimbre per una serie di temi dell'eroina del balletto):

Il suono trasparente del flauto viene quindi sostituito da un duetto di violoncelli e violini, strumenti vicini per espressività alla voce umana. Appare una melodia appassionata, piena di intonazioni luminose e "parlanti":

Questo "momento musicale" riproduce il dialogo, per così dire! Romeo e Giulietta in una scena simile in Shakespeare:

Romeo

Oh, se la misura della mia felicità

Uguale alla tua, mia Giulietta,

Ma tu ne hai di più l'arte è,

"Per esprimerlo, poi delizia

L'aria circostante con discorsi gentili.

Giulietta

Lascia che la melodia delle tue parole sia viva

Descrivi una beatitudine indicibile.

Solo un mendicante può contare il suo patrimonio,

Il mio amore è cresciuto così immensamente

Che non riesco a contare la metà dei suoi 39 .

La musica corale che accompagna la cerimonia nuziale completa la scena.

Padroneggiando magistralmente la tecnica della trasformazione sinfonica dei temi, Prokofiev conferisce tratti cupi e minacciosi a uno dei temi più allegri del balletto ("The Street Wakes", n. 3) nell'Atto II. Nella scena dell'incontro di Tebaldo con Mercuzio (n. 32), la melodia familiare è distorta, la sua integrità è distrutta. Colorazione minore, sfumature cromatiche nitide che tagliano la melodia, il timbro "ululante" del sassofono: tutto ciò cambia radicalmente il suo carattere:

Shakespeare a. Poli. coll. cit., vol.3, p. 65.

Lo stesso tema, come immagine di sofferenza, percorre la scena della morte di Mercuzio, scritta da Prokofiev con grande profondità psicologica. La scena è basata sul tema ricorrente della sofferenza. Insieme all'espressione del dolore, fornisce un'immagine realisticamente forte dei movimenti e dei gesti di una persona che si indebolisce. Con un enorme sforzo di volontà, Mercuzio si sforza di sorridere - frammenti dei suoi temi precedenti si sentono appena nell'orchestra, ma suonano nel registro superiore "lontano" degli strumenti di legno - l'oboe e il flauto.

Il tema principale di ritorno è interrotto da una pausa. L'insolito del silenzio che ne segue è enfatizzato dagli accordi finali, "stranieri" per la tonalità principale (dopo Re minore - triadi in Si minore e Mi bemolle minore).

Romeo decide di vendicare Mercuzio. In un duello, uccide Tebaldo. L'atto II si conclude con un grandioso corteo funebre con il corpo di Tebaldo. La sonorità penetrante e ruggente del rame, la densità della trama, il ritmo persistente e monotono: tutto ciò rende la musica della processione vicina al tema dell'inimicizia. Un altro corteo funebre - "Il funerale di Giulietta" nell'epilogo del balletto - si distingue per la spiritualità del dolore.

Nell'Atto III tutto è incentrato sullo sviluppo delle immagini di Romeo e Giulietta, che difendono eroicamente il loro amore di fronte a forze ostili. Prokofiev ha prestato particolare attenzione qui all'immagine di Giulietta.

Nel corso del terzo atto si sviluppano i temi del suo “ritratto” (il primo e soprattutto il terzo) ei temi dell'amore, che assumono un aspetto drammatico o dolente. Emergono nuove melodie, segnate da tragica intensità e forza.

Il terzo atto differisce dai primi due per una maggiore continuità attraverso l'azione, collegando le scene in un unico insieme musicale (vedi scene di Giulietta, n. 41-47). Lo sviluppo sinfonico, "non adatto" alla struttura del palcoscenico, si traduce in due intermezzi (n. 43 e 45).

La breve introduzione all'Atto III riproduce la musica del formidabile "Ordine del Duca" (dall'Atto I).

Sul palco c'è la stanza di Giulietta (n. 38). Con i più sottili accorgimenti, l'orchestra ricrea la sensazione del silenzio, l'atmosfera squillante e misteriosa della notte, l'addio di Romeo e Giulietta: il tema della scena del matrimonio passa dal flauto e dalla celesta al fruscio degli archi.

Il piccolo duetto è pieno di tragedia trattenuta. La sua nuova melodia è basata sul tema dell'addio (vedi esempio 185).

L'immagine in esso contenuta è complessa e internamente contrastante. Qui e il destino fatale e un impulso vivente. La melodia sembra salire faticosamente e altrettanto difficile cadere. Ma nella seconda metà del tema si sente un'intonazione di protesta attiva (vedi battute 5-8). L'orchestrazione lo sottolinea: il suono vivace degli archi sostituisce il richiamo "fatale" del corno e il timbro del clarinetto che suonava all'inizio.

È interessante che questa sezione della melodia (la sua seconda metà) si sviluppi in ulteriori scene come tema indipendente dell'amore (vedi n. 42, 45). Viene data anche come epigrafe all'intero balletto nell'"Introduzione".

Il tema dell'addio è completamente diverso in Interludio (n. 43). Qui acquisisce il carattere di un impulso appassionato, una determinazione tragica (Giulietta è pronta a morire in nome dell'amore). La trama e la colorazione timbrica del tema ora affidato strumenti di rame:

Nella scena del dialogo tra Giulietta e Lorenzo, nel momento in cui il monaco porge a Giulietta un sonnifero, suona per la prima volta il tema della Morte (“Giulietta sola”, n. 47) - immagine musicale, esattamente corrispondente a quello di Shakespeare:

La paura fredda e languida mi perfora le vene. Congela il calore vitale 40 .

Il movimento automatico pulsante degli ottavi trasmette un intorpidimento; bassi attutiti in aumento - crescente "paura languida":

Nell'Atto III, gli elementi di genere che caratterizzano l'ambientazione dell'azione sono usati molto più parsimoniosamente di prima. Due graziose miniature - "Morning Serenade" e "Dance of Girls with L and L and I" - vengono introdotte nel tessuto del balletto per creare il più sottile contrasto drammatico. Entrambi i numeri sono trasparenti nella trama: accompagnamento leggero e una melodia affidata a strumenti solisti. "Morning Serenade" viene eseguita dagli amici di Juliet sotto la sua finestra, non sapendo che è morta.

40 Elefante Giulietta.

41 Mentre è ancora una morte immaginaria.

il suono chiaro degli archi risuona come una leggera melodia che scivola come una trave (strumenti: mandolini posti dietro le quinte, flauto ottavino, violino solo):

Danza delle ragazze con i gigli, congratulandosi con la sposa, cava fragile grazia:

Ma poi si sente un breve tema fatale ("Al capezzale di Jula etta", n. 50), che appare per la terza volta nel balletto 42:

Nel momento in cui la Madre e la Nutrice vanno a svegliare Giulietta, il suo tema passa mesto e leggero nel registro più acuto dei violini. Giulietta è morta.

L'epilogo si apre con la scena "Il funerale di Giulietta". Il tema della morte, trasmesso dai violini, sviluppato melodicamente, circondato

42 Vedi anche i finali delle scene "Ragazza Giulietta", "Romeo da padre Lorenzo".

Dal luccicante pianoforte misterioso allo straordinario fortissimo: tale è la scala dinamica di questa marcia funebre.

Tratti precisi segnano l'apparizione di Romeo (il tema dell'amore) e la sua morte. Il risveglio di Giulietta, la sua morte, la riconciliazione dei Montecchi e dei Capuleti costituiscono il contenuto dell'ultima scena.

Il finale del balletto è un brillante inno dell'amore che trionfa sulla morte. Si basa sul suono abbagliante gradualmente crescente del tema di Giulietta (il terzo tema, dato di nuovo in la maggiore). Il balletto si conclude con armonie tranquille e "riconcilianti".

Biglietto numero 3

Romanticismo

Background socio-storico del romanticismo. Caratteristiche del contenuto ideologico e del metodo artistico. Manifestazioni caratteristiche del romanticismo nella musica

Il classicismo, che ha dominato l'arte dell'Illuminismo, nell'Ottocento lascia il posto al romanticismo, all'insegna del quale si sviluppa anche la creatività musicale della prima metà del secolo.

Il cambiamento delle tendenze artistiche fu una conseguenza degli enormi cambiamenti sociali che segnarono la vita sociale dell'Europa a cavallo dei due secoli.

Il prerequisito più importante per questo fenomeno nell'arte dei paesi europei era il movimento delle masse, risvegliato dalla Grande Rivoluzione Francese *.

* “Le rivoluzioni del 1648 e del 1789 non furono le rivoluzioni inglese e francese; si trattava di rivoluzioni su scala europea ... proclamavano il sistema politico della nuova società europea ... Queste rivoluzioni esprimevano in misura molto maggiore i bisogni dell'intero mondo di quel tempo rispetto ai bisogni di quelle parti del mondo dove hanno avuto luogo, ad es. Inghilterra e Francia ”(Marx K. ed Engels F. Works, 2a ed., v.6, p. 115).

La rivoluzione, che ha aperto una nuova era nella storia dell'umanità, ha portato a un enorme aumento della forza spirituale dei popoli d'Europa. Caratterizza la lotta per il trionfo degli ideali democratici storia europea il periodo in esame.

Indissolubilmente legato al movimento di liberazione popolare, emerse un nuovo tipo di artista: un personaggio pubblico avanzato che si batteva per la completa emancipazione delle forze spirituali dell'uomo, per le più alte leggi della giustizia. Non solo scrittori come Shelley, Heine o Hugo, ma anche musicisti hanno spesso difeso le loro convinzioni prendendo in mano una penna. Alto sviluppo intellettuale, ampia visione ideologica, coscienza civica caratterizzano Weber, Schubert, Chopin, Berlioz, Wagner, Liszt e molti altri. compositori del XIX secolo *.

* Il nome di Beethoven non è menzionato in questo elenco, poiché l'arte di Beethoven appartiene a un'epoca diversa.

Allo stesso tempo, il fattore decisivo nella formazione dell'ideologia degli artisti del nuovo tempo è stata la profonda delusione del grande pubblico per i risultati della Grande Rivoluzione Francese. La natura illusoria degli ideali dell'Illuminismo è stata rivelata. I principi di "libertà, uguaglianza e fraternità" sono rimasti un sogno utopico. Il sistema borghese, che sostituì il regime feudale-assolutista, si distinse per forme spietate di sfruttamento delle masse.

"Lo stato della ragione ha subito un completo collasso". Le istituzioni pubbliche e statali sorte dopo la rivoluzione "... si sono rivelate una caricatura malvagia e amaramente deludente delle brillanti promesse dell'Illuminismo" *.

* Marx K. e Engels F. Opere, ed. 2°, volume 19, pag. 192 e 193.

Ingannati nelle migliori speranze, incapaci di venire a patti con la realtà, gli artisti del nuovo tempo hanno espresso la loro protesta contro il nuovo ordine delle cose.

Così sorse e si sviluppò una nuova direzione artistica: il romanticismo.

La denuncia dell'ottusità borghese, del filisteismo inerte, del filisteismo costituisce la base della piattaforma ideologica del romanticismo. Ha determinato principalmente il contenuto dei classici artistici di quel tempo. Ma è proprio nella natura dell'atteggiamento critico nei confronti della realtà capitalista che sta la differenza tra i suoi due flussi principali; si rivela a seconda degli interessi di quali circoli sociali questa o quell'arte si riflette oggettivamente.

Gli artisti, associati all'ideologia della classe uscente, rimpiangendo i "bei vecchi tempi", nel loro odio per l'ordine esistente delle cose, si sono allontanati dalla realtà circostante. Il romanticismo di questo tipo, chiamato "passivo", è caratterizzato dall'idealizzazione del Medioevo, dall'attrazione per il misticismo, dalla glorificazione di un mondo immaginario lontano dalla civiltà capitalista.

Queste tendenze sono anche caratteristiche dei romanzi francesi di Chateaubriand, e delle poesie dei poeti inglesi della "scuola del lago", e dei racconti tedeschi di Novalis e Wackenroder, e degli artisti nazareni in Germania, e degli artisti preraffaelliti in Germania. Inghilterra. I trattati filosofici ed estetici dei romantici "passivi" ("Il genio del cristianesimo" di Chateaubriand, "Il cristianesimo o l'Europa" di Novalis, articoli sull'estetica di Ruskin) promuovevano la separazione dell'arte dalla vita, glorificando il misticismo.

Un'altra direzione del romanticismo - "efficace" - rifletteva diversamente la discordia con la realtà. Artisti di questo tipo hanno espresso il loro atteggiamento nei confronti della modernità sotto forma di un'appassionata protesta. Ribellione contro la nuova situazione sociale, difesa degli ideali di giustizia e libertà sollevati dall'era della Rivoluzione francese: questo motivo in una varietà di interpretazioni domina la nuova era nella maggior parte dei paesi europei. Permea il lavoro di Byron, Hugo, Shelley, Heine, Schumann, Berlioz, Wagner e molti altri scrittori e compositori della generazione post-rivoluzionaria.

Il romanticismo nell'arte nel suo insieme è un fenomeno complesso ed eterogeneo. Ognuna delle due correnti principali sopra menzionate aveva le sue varietà e sfumature. In ogni cultura nazionale, a seconda dello sviluppo socio-politico del Paese, della sua storia, della composizione psicologica delle persone, delle tradizioni artistiche, le caratteristiche stilistiche del romanticismo hanno assunto forme peculiari. Di qui la moltitudine delle sue caratteristiche propaggini nazionali. E anche nel lavoro dei singoli artisti romantici, correnti di romanticismo diverse, a volte contraddittorie, a volte si incrociavano, si intrecciavano.

Le manifestazioni del romanticismo in letteratura, arti visive, teatro e musica variavano in modo significativo. Tuttavia, in fase di sviluppo varie arti XIX secolo ci sono molti importanti punti di contatto. Senza comprenderne le caratteristiche, è difficile comprendere la natura dei nuovi percorsi nella creatività musicale dell '"età romantica".

Innanzitutto, il romanticismo ha arricchito l'arte di molti nuovi temi, sconosciuti nell'opera artistica dei secoli precedenti o toccati in precedenza con molto meno spessore ideologico ed emotivo.

La liberazione dell'individuo dalla psicologia della società feudale ha portato alla creazione di un alto valore mondo spirituale persona. Profondità e varietà esperienze emotive sono di grande interesse per gli artisti. Raffinata elaborazione immagini lirico-psicologiche- uno dei principali risultati dell'arte del XIX secolo. Riflettendo sinceramente la complessa vita interiore delle persone, il romanticismo ha aperto una nuova sfera di sentimenti nell'arte.

Anche a immagine di un obiettivo mondo esterno gli artisti erano respinti dalla percezione personale. Si è detto sopra che l'umanesimo e l'ardore combattivo nel difendere le proprie opinioni determinarono il loro posto nei movimenti sociali dell'epoca. E allo stesso tempo, le opere d'arte dei romantici, comprese quelle che trattano problemi sociali, hanno spesso il carattere di uno sfogo intimo. Il nome di una delle opere letterarie più straordinarie e significative di quell'epoca è indicativo: "Confessione del figlio del secolo" (Musset). Non è un caso che la poesia lirica occupasse una posizione di primo piano nell'opera degli scrittori del XIX secolo. Il fiorire dei generi lirici, l'espansione della gamma tematica dei testi sono insolitamente caratteristici dell'arte di quel periodo.

E nella creatività musicale, il tema della "confessione lirica" ​​acquisisce un'importanza dominante, in particolare i testi d'amore, che rivelano in modo più completo il mondo interiore dell '"eroe". Questo tema percorre come un filo rosso tutta l'arte del romanticismo, dai romanzi da camera di Schubert alle monumentali sinfonie di Berlioz, ai grandiosi drammi musicali di Wagner. Nessuno dei compositori classici ha creato nella musica immagini della natura così diverse e finemente definite, immagini di languore e sogni, sofferenza ed esplosione spirituale così sviluppate in modo convincente, come i romantici. In nessuno di essi troviamo pagine di diario intimo, molto caratteristiche dei compositori del XIX secolo.

Tragico conflitto tra l'eroe e il suo ambiente- un tema che domina la letteratura del romanticismo. Il motivo della solitudine permea il lavoro di molti scrittori di quell'epoca - da Byron a Heine, da Stendhal a Chamisso ... E per arte musicale le immagini di discordia con la realtà diventano un inizio altamente caratteristico, rifrangendosi in essa sia come motivo di desiderio di un mondo inaccessibilmente bello, sia come ammirazione di un artista per la vita elementare della natura. Questo tema della discordia dà origine sia a un'amara ironia sull'imperfezione del mondo reale, sia ai sogni, sia a un tono di appassionata protesta.

Il tema eroico-rivoluzionario suona in modo nuovo nelle opere dei romantici, che era uno dei principali nell'opera musicale dell '"era gluco-Beethoven". Rifratto attraverso lo stato d'animo personale dell'artista, acquista un caratteristico aspetto patetico. Allo stesso tempo, in contrasto con le tradizioni classiche, il tema dell'eroismo tra i romantici è interpretato non in modo universale, ma enfaticamente patriottico nazionale.

Qui tocchiamo un'altra caratteristica di fondamentale importanza della creazione artistica dell '"età romantica" nel suo insieme.

Anche la tendenza generale dell'arte romantica è in aumento interesse per la cultura nazionale. Fu chiamato a vita aggravato identità nazionale, che portarono con sé le guerre di liberazione nazionale contro l'invasione napoleonica. Varie manifestazioni di tradizioni popolari nazionali attirano artisti del nuovo tempo. All'inizio del XIX secolo apparvero studi fondamentali di folklore, storia e letteratura antica. Le leggende medievali, l'arte gotica, la cultura del Rinascimento, sepolte nell'oblio, stanno risorgendo. Dante, Shakespeare, Cervantes diventano i dominatori dei pensieri della nuova generazione. La storia prende vita nei romanzi e nelle poesie, nelle immagini del teatro drammatico e musicale (Walter Scott, Hugo, Dumas, Wagner, Meyerbeer). Lo studio approfondito e lo sviluppo del folklore nazionale hanno ampliato la gamma di immagini artistiche, reintegrando l'arte con argomenti precedentemente poco conosciuti dal campo epico eroico, antiche leggende, immagini di fantasia fiabesca, poesia pagana, natura.

Allo stesso tempo, si risveglia un vivo interesse per l'originalità della vita, della vita e dell'arte dei popoli di altri paesi.

Basta confrontare, ad esempio, il Don Juan di Molière, che l'autore francese ha presentato come un nobile alla corte di Luigi XIV e un francese dall'acqua purissima, con il Don Juan di Byron. Il drammaturgo classico ignora l'origine spagnola del suo eroe, mentre nel poeta romantico è un iberico vivente, che agisce nella situazione specifica della Spagna, dell'Asia Minore e del Caucaso. Così, se nelle opere esotiche diffuse nel Settecento (ad esempio "L'India galante" di Rameau o "Il ratto dal serraglio" di Mozart) turchi, persiani, nativi americani o "indiani" si comportavano essenzialmente come parigini civilizzati o viennesi dello stesso XVIII secolo, poi già Weber nelle scene orientali di "Oberon" usa un autentico canto orientale per raffigurare le guardie dell'harem, e la sua "Preciosa" è satura di motivi popolari spagnoli.

Per l'arte musicale della nuova era, l'interesse per la cultura nazionale ebbe conseguenze di enorme portata.

Il XIX secolo è caratterizzato dal fiorire delle scuole musicali nazionali basate sulle tradizioni dell'arte popolare. Questo vale non solo per quei paesi che già nei due secoli precedenti hanno prodotto compositori di importanza mondiale (come l'Italia, la Francia, l'Austria, la Germania). Un certo numero di culture nazionali (Russia, Polonia, Repubblica Ceca, Norvegia e altre), che fino ad allora erano rimaste nell'ombra, sono apparse sulla scena mondiale con il proprio indipendente scuole nazionali, molti dei quali hanno iniziato a svolgere un ruolo importante e talvolta di primo piano nello sviluppo della musica paneuropea.

Naturalmente, anche nell '"era preromantica" la musica italiana, francese e tedesca differiva l'una dall'altra per le caratteristiche emanate dalla loro composizione nazionale. Tuttavia, le tendenze verso un certo universalismo del linguaggio musicale * hanno prevalso nettamente su questo inizio nazionale.

* Quindi, ad esempio, nel Rinascimento, fu soggetto allo sviluppo della musica professionale in tutta l'Europa occidentale franco-fiammingo tradizioni. Nel XVII e in parte nel XVIII secolo lo stile melodico dominava ovunque. Italiano opere. Inizialmente formatosi in Italia come espressione della cultura nazionale, divenne successivamente portatore di un'estetica di corte paneuropea, con la quale combatterono artisti nazionali in diversi paesi, ecc.

Nei tempi moderni, affidamento su locale, "locale", nazionale diventa il momento determinante dell'arte musicale. I risultati paneuropei sono ora costituiti dal contributo di molte scuole nazionali distinte.

Come risultato del nuovo contenuto ideologico dell'arte, sono apparse nuove tecniche espressive, caratteristiche di tutti i diversi rami del romanticismo. Questa comunanza ci permette di parlare di unità metodo artistico del romanticismo in generale, che lo distingue ugualmente sia dal classicismo dell'Illuminismo che dal realismo critico dell'Ottocento. È ugualmente caratteristico dei drammi di Hugo, della poesia di Byron e dei poemi sinfonici di Liszt.

Si può dire così caratteristica principale questo metodo è maggiore espressione emotiva. L'artista romantico trasmetteva nella sua arte un vivace ribollire di passioni, che non rientrava nei consueti schemi dell'estetica illuminista. Il primato del sentimento sulla ragione è un assioma della teoria del romanticismo. Nel grado di eccitazione, passione, brillantezza artistica opere del XIX secolo, prima di tutto, si manifesta l'originalità dell'espressione romantica. Non è un caso che la musica, la cui specificità espressiva corrispondesse più pienamente alla struttura romantica dei sentimenti, fosse dichiarata dai romantici una forma d'arte ideale.

Una caratteristica altrettanto importante del metodo romantico è fantascienza fantastica. Il mondo immaginario, per così dire, eleva l'artista al di sopra della realtà poco attraente. Secondo Belinsky, la sfera del romanticismo era quel "terreno dell'anima e del cuore, da dove sorgono tutte le aspirazioni indefinite per il meglio e il sublime, cercando di trovare soddisfazione negli ideali creati dalla fantasia".

Questa profonda esigenza degli artisti romantici è stata superbamente soddisfatta dalla nuova sfera di immagini favolosamente panteistica, presa in prestito dal folklore, dalle antiche leggende medievali. Per creatività musicale 19esimo secolo aveva come noi vedremo più avanti, fondamentale.

Le nuove conquiste dell'arte romantica, che hanno notevolmente arricchito l'espressività artistica rispetto alla fase classicista, includono l'esposizione dei fenomeni nella loro contraddizione e unità dialettica. Superando le distinzioni condizionali insite nel classicismo tra il regno del sublime e la vita quotidiana, gli artisti del XIX secolo hanno deliberatamente unito i conflitti della vita, sottolineando non solo il loro contrasto, ma anche la loro connessione interna. Come il principio di "antitesi drammatiche"è alla base di molte opere di quel periodo. È tipico per teatro romantico Hugo, per opere di Meyerbeer, cicli strumentali di Schumann, Berlioz. Non è un caso che sia stata l'"età romantica" a riscoprire la drammaturgia realistica di Shakespeare, con tutti i suoi ampi contrasti di vita. Vedremo in seguito quale ruolo importante e fruttuoso ebbe l'opera di Shakespeare nella formazione della nuova musica romantica.

Dovrebbero includere anche i tratti caratteristici del metodo della nuova arte del XIX secolo attrazione per la concretezza figurativa, che è enfatizzato dalla delineazione di dettagli caratteristici. Dettagli- un fenomeno tipico nell'arte dei tempi moderni, anche per l'opera di quelle figure che non erano romantici. Nella musica questa tendenza si manifesta nel desiderio della massima raffinatezza dell'immagine, di una significativa differenziazione del linguaggio musicale rispetto all'arte del classicismo.

Le nuove idee e immagini dell'arte romantica non potevano essere eguagliate dai mezzi artistici che si svilupparono sulla base dell'estetica del classicismo, caratteristica dell'Illuminismo. Nei loro scritti teorici (vedi, ad esempio, la prefazione di Hugo al dramma Cromwell, 1827), i romantici, difendendo la libertà illimitata di creatività, dichiararono una lotta spietata contro i canoni razionalistici del classicismo. Hanno arricchito ogni area dell'arte con generi, forme e tecniche espressive che corrispondono al nuovo contenuto del loro lavoro.

Vediamo come si è espresso questo processo di rinnovamento nell'ambito dell'arte musicale.

Romanticismo - ideologico e direzione artistica nella cultura europea e americana della fine XVIII- 1° tempo XIX v.
Nella musica si è formato il romanticismo 1820. e ha mantenuto il suo significato fino all'inizio XX v. Il principio guida del romanticismo è la netta opposizione tra vita quotidiana e sogni, esistenza quotidiana e superiore mondo ideale creato dalla fantasia creativa dell'artista.

Rifletteva la delusione dei circoli più ampi nei risultati della Rivoluzione francese del 1789-1794, nell'ideologia dell'Illuminismo e del progresso borghese. Pertanto, è caratterizzato da un orientamento critico, una negazione della vita filistea in una società in cui le persone si preoccupano solo della ricerca del profitto. Al mondo rifiutato, dove tutto, fino ai rapporti umani, è soggetto alla legge della vendita, i romantici si opponevano a un'altra verità: la verità dei sentimenti, il libero arbitrio di una persona creativa. Da qui il loro

molta attenzione al mondo interiore di una persona, un'analisi sottile dei suoi complessi movimenti spirituali. Il romanticismo ha dato un contributo decisivo all'affermazione dell'arte come autoespressione lirica dell'artista.

Inizialmente, il romanticismo ha agito come principio

oppositore del classicismo. L'antico ideale era contrastato dall'arte del Medioevo, lontani paesi esotici. Il romanticismo ha scoperto i tesori dell'arte popolare: canzoni, racconti, leggende. Tuttavia, l'opposizione del romanticismo al classicismo è ancora relativa, poiché i romantici accettarono e svilupparono ulteriormente le conquiste dei classici. Molti compositori sono stati fortemente influenzati dal lavoro dell'ultimo classico viennese -
L. Beethoven.

I principi del romanticismo sono stati affermati da compositori eccezionali di diversi paesi. Questi sono K. M. Weber, G. Berlioz, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin,

F. Schubert F. List, R. Wagner. G. Verdi.

Tutti questi compositori hanno adottato il metodo sinfonico di sviluppo musicale, basato sulla trasformazione coerente del pensiero musicale, che genera in sé il suo contrario. Ma i romantici cercavano una maggiore concretezza delle idee musicali, il loro più stretto legame con le immagini della letteratura e di altre forme d'arte. Questo li ha portati a creare opere software.

Ma la principale conquista della musica romantica si è manifestata in un'espressione sensibile, sottile e profonda mondo interiore uomo, la dialettica delle sue esperienze emotive. A differenza dei classici del romanticismo, non affermavano tanto l'obiettivo finale delle aspirazioni umane, acquisito in una lotta ostinata, ma dispiegavano un movimento senza fine verso un obiettivo che si allontanava costantemente, scivolava via. Pertanto, il ruolo delle transizioni, dei cambiamenti fluidi di umore è così grande nelle opere dei romantici.
Per un musicista romantico, il processo è più importante del risultato, più importante del risultato. Da un lato, gravitano verso la miniatura, che spesso includono nel ciclo di altri giochi, di regola, diversi; dall'altro, affermano composizioni libere, nello spirito delle poesie romantiche. Sono stati i romantici a svilupparsi nuovo genere- un poema sinfonico. Anche il contributo dei compositori romantici allo sviluppo della sinfonia, dell'opera e del balletto è estremamente grande.
Tra i compositori della seconda metà del XIX e dell'inizio del XX secolo: nel cui lavoro le tradizioni romantiche hanno contribuito all'affermazione di idee umanistiche, - I. Brahms, A.Brückner, G. Mahler, R. Strauss, E. Grieg, B. Panna acida, A. Dvorak e altri

Quasi tutti i grandi maestri dell'arte russa hanno reso omaggio al romanticismo in Russia. musica classica. Il ruolo della visione romantica del mondo nelle opere del fondatore dei classici musicali russi è eccezionale MI Glinka, specialmente nella sua opera "Ruslan e Lyudmila".

Nell'opera dei suoi grandi successori, con un generale orientamento realistico, il ruolo dei motivi romantici è stato significativo. Hanno colpito in una serie di opere favolose e fantastiche N. A. Rimskij-Korsakov, nei poemi sinfonici PI. Čajkovskij e compositori possente manciata».
L'inizio romantico permea le opere di A. N. Scriabin e S. V. Rachmaninov.

2. R.-Korsakov

Informazioni simili.

“Può un artista distinguersi dalla vita? .. Aderisco a questo
convinzione che il compositore, come il poeta, lo scultore, il pittore, sia chiamato
servire la persona e il popolo ... Lui, prima di tutto, è obbligato ad essere cittadino in
la sua arte, canta la vita umana e conduce l'uomo a
futuro radioso…"

In queste parole del geniale compositore Sergei Sergeevich Prokofiev
rivela il significato e il significato del suo lavoro, tutta la sua vita,
subordinato al continuo ardimento della ricerca, alla conquista di sempre nuove vette
modi di creare musica che esprimano i pensieri delle persone.

Sergei Sergeevich Prokofiev è nato il 23 aprile 1891 nel villaggio di Sontsovka
in Ucraina. Suo padre ha lavorato come manager nella tenuta. Dal molto nei primi anni
Seryozha si è innamorato della musica seria grazie a sua madre, che sta bene
suonato il pianoforte. Durante l'infanzia bambino di talento musica già composta.
Prokofiev ha ricevuto una buona educazione e ne conosceva tre lingue straniere.
Molto presto ha sviluppato l'indipendenza di giudizio sulla musica e un severo
atteggiamento nei confronti del proprio lavoro. Nel 1904, il tredicenne Prokofiev entrò nel
Conservatorio di San Pietroburgo. Ha trascorso dieci anni tra le sue mura. Reputazione
Conservatorio di San Pietroburgo durante gli anni degli studi di Prokofiev lì, era molto
alto. Tra i suoi professori c'erano musicisti di prima classe come
Come va. Rimskij-Korsakov, A.K. Glazunov, A.K. Lyadov, e dentro
classi di spettacolo - A.N. Esipova e L.S. Auer. Nel 1908 è
la prima esecuzione pubblica di Prokofiev che esegue le proprie opere
alla festa musica contemporanea. Esecuzione del Primo Concerto per pianoforte
con un'orchestra (1912) a Mosca ha portato Sergei Prokofiev un enorme
gloria. La musica mi ha colpito per la sua straordinaria energia e coraggio. Vero
una voce audace e allegra si sente nell'audacia ribelle dei giovani
Prokof'ev. Asafiev ha scritto: “Ecco un talento meraviglioso! ardente,
vivificante, spumeggiante di forza, vivacità, volontà coraggiosa e accattivante
immediatezza della creatività. Prokofiev a volte è crudele, a volte
sbilanciato, ma sempre interessante e convincente.”

Nuove immagini di musica dinamica e incredibilmente leggera di Prokofiev
nato da una nuova visione del mondo, l'era della modernità, il ventesimo secolo. Dopo
diplomato al conservatorio, il giovane compositore si è recato all'estero - a Londra,
dove il tour della compagnia di balletto russo organizzato da
S. Diaghilev.

L'aspetto del balletto "Romeo e Giulietta" è un importante punto di svolta
opera di Sergei Prokof'ev. È stato scritto nel 1935-1936. Libretto
sviluppato dal compositore insieme al regista S. Radlov e
coreografo L. Lavrovsky (L. Lavrovsky e realizzato il primo
messa in scena del balletto nel 1940 al Teatro dell'Opera e del Balletto di Leningrado
intitolato a S. M. Kirov). Convinto della futilità del formale
sperimentazione, Prokofiev si sforza di incarnare l'essere umano vivente
emozioni, l'affermazione del realismo. La musica di Prokofiev rivela chiaramente il principale
il conflitto della tragedia di Shakespeare - lo scontro di amore luminoso con generico
inimicizia della vecchia generazione, che caratterizza la ferocia del medievale
modo di vivere. La musica riproduce immagini viventi degli eroi di Shakespeare, loro
passioni, impulsi, le loro drammatiche collisioni. La loro forma è fresca e
immagini dimentica di sé, drammatiche e stilistico-musicali
soggetto al contenuto.

La trama di "Romeo e Giulietta" è stata spesso affrontata: "Romeo e Giulietta" -
ouverture-fantasy di Čajkovskij, sinfonia drammatica con coro Berlioz,
e anche - 14 opere.

Romeo e Giulietta di Prokofiev è una coreografia riccamente sviluppata
dramma con una complessa motivazione di stati psicologici, un'abbondanza di chiarezza
caratteristiche dei ritratti musicali. Il libretto è conciso e convincente
mostra le basi della tragedia shakespeariana. Mantiene il principale
sequenza di scene (sono state tagliate solo poche scene - 5 atti
le tragedie sono raggruppate in 3 grandi atti).

Nella musica, Prokofiev cerca di dare idee moderne sull'antichità.
(l'epoca degli eventi descritti è il XV secolo). Il minuetto e la gavotta caratterizzano
una certa rigidità e grazia condizionale ("cerimonialità" dell'epoca) nella scena
ballo ai Capuleti. Prokofiev incarna vividamente quello di Shakespeare
contrasti tra il tragico e il comico, il sublime e il clownesco. Vicino
scene drammatiche: le allegre eccentricità di Mercuzio. scherzi maleducati
balia. La linea di scherzo nei dipinti suona brillante????????????
Via Verona, nel buffone "Danza delle maschere", negli scherzi di Giulietta, in
tema divertente vecchia signora Infermiera. Una tipica personificazione dell'umorismo -
divertente Mercuzio.

Uno dei mezzi drammatici più importanti nel balletto "Romeo e Giulietta"
è un leitmotiv: questi non sono motivi brevi, ma episodi dettagliati
(ad esempio, il tema della morte, il tema del destino). Di solito ritratti musicali
gli eroi in Prokofiev sono intrecciati da diversi temi che caratterizzano diversi
lati dell'immagine: anche l'aspetto di nuove qualità dell'immagine provoca l'aspetto
nuovo argomento. L'esempio più luminoso di 3 temi d'amore, come 3 fasi di sviluppo
sentimenti:

1 tema - la sua origine;

2 tema - fiorente;

3 tema - la sua tragica intensità.

Il posto centrale nella musica è occupato da un flusso lirico: il tema dell'amore,
vincendo la morte.

Con straordinaria generosità, il compositore ha delineato il mondo degli stati mentali
Romeo e Giulietta (più di 10 temi) è caratterizzato in modo particolarmente sfaccettato
Giulietta, trasformandosi da ragazza spensierata in una forte amante
donna. Secondo l'intenzione di Shakespeare, viene data l'immagine di Romeo: dapprima lui
coglie il languore romantico, poi mostra un ardore ardente
amante e coraggio di un combattente.

I temi musicali che delineano l'emergere di un sentimento d'amore sono trasparenti,
tenero; che caratterizzano il sentimento maturo degli amanti sono pieni di succoso,
colori armoniosi, nitidamente cromati. Netto contrasto con il mondo dell'amore
e gli scherzi giovanili sono rappresentati dalla seconda linea - la "linea di inimicizia" - l'elemento
odio cieco e medievale??????? Causa della morte di Romeo
Giulietta. Il tema del conflitto nel tagliente leitmotiv dell'inimicizia è un formidabile unisono
bassi nella "Danza dei Cavalieri" e nel ritratto scenico di Tebaldo -
la personificazione della malizia, della prepotenza e della prepotenza di classe, in episodi di combattimento
combatte nel formidabile suono del tema del duca. Immagine sottilmente rivelata di Pater
Lorenzo - scienziato umanista, patrono degli innamorati, sperando che loro
l'amore e il matrimonio riconcilieranno le famiglie in guerra. La sua musica no
santità della chiesa, distacco. Sottolinea la saggezza, la grandezza
spirito, gentilezza, amore per le persone.

Analisi del balletto

Ci sono tre atti nel balletto (il quarto atto è un epilogo), due numeri e nove
dipinti

Agisco - esposizione di immagini, conoscenza di Romeo e Giulietta al ballo.

II azione. 4 foto: il luminoso mondo dell'amore, il matrimonio. 5 foto -
una scena terribile di inimicizia e morte.

III azione. 6 foto - addio. 7, 8 foto - La decisione di Giulietta
prendi un sonnifero.

Epilogo. 9 foto - la morte di Romeo e Giulietta.

N. 1 L'introduzione inizia con 3 temi d'amore: leggero e triste; conoscenza
con immagini di base:

2 tema - con l'immagine di una casta ragazza Giulietta - aggraziata e
furbo;

3 tema - con l'immagine di un ardente Romeo (l'accompagnamento mostra un elastico
andatura del giovane).

1 dipinto

N. 2 "Romeo" (Romeo vaga per la città prima dell'alba) - inizia con
mostrando l'andatura leggera di un giovane - un tema premuroso lo caratterizza
aspetto romantico.

N. 3 "La strada si sta svegliando" - scherzo - alla melodia di un magazzino di danza,
seconde sincopi, varie giustapposizioni tonali aggiungono intensità,
malizia come simbolo di salute, ottimismo: il tema suona in modo diverso
chiavi.

N. 4 "Danza mattutina" - caratterizza la strada del risveglio, la mattina
trambusto, nitidezza delle battute, vivaci litigi verbali: la musica è scherzona,
giocosa, la melodia è elastica nel ritmo, nella danza e nella corsa -
descrive il tipo di movimento.

N. 5 e 6 "Litigio tra i servi dei Montecchi e dei Capuleti", "Lotta" - non ancora furioso
malizia, i temi suonano arroganti, ma provocatoriamente, continuano l'atmosfera
"Ballo mattutino" "Combattimento" - come "etude" - movimento motorio, tintinnio
armi, rumore di palle. Qui, per la prima volta, appare, passa il tema dell'inimicizia
polifonicamente.

N. 7 "Ordine del Duca" - mezzi visivi luminosi (teatrali
effetti) - "andatura" minacciosamente lenta, suono dissonante acuto (ff)
e viceversa è scaricato, le triadi toniche vuote (pp) sono acute
contrasti dinamici.

N. 8 Intermezzo - disinnescare l'atmosfera tesa di una lite.

2 foto

Al centro ci sono 2 quadri “ritratto” di Giulietta, una ragazza vivace, giocosa.

N. 9 “Preparativi per il ballo” (Giulietta e l'infermiera) il tema della strada e
il tema dell'infermiera, che riflette la sua andatura strascicata.

N. 10 "Juliet-Girl". Diversi aspetti dell'immagine appaiono nitidi e
All'improvviso. La musica è scritta in forma Rondò:

1 tema - La leggerezza e la vivacità del tema si esprime in una semplice forma gamma
melodia "in esecuzione" e, che ne enfatizza il ritmo, la nitidezza e la mobilità,
termina con una scintillante cadenza T-S-D-T, espressa da correlati
triadi toniche - As, E, C scendendo le terze;

2° tema - Grazia Il 2° tema è trasmesso al ritmo di una gavotta (un'immagine gentile
Juliet Girls) - il clarinetto suona giocoso e derisorio;

3 tema - riflette il lirismo sottile e puro - come il più significativo
“bordo” della sua immagine (cambio di tempo, consistenza, timbro - flauto,
violoncello) - suona molto trasparente;

4 tema (coda) - alla fine (suona nel n. 50 - Giulietta beve
bere) fa presagire il tragico destino della ragazza. azione drammatica
si svolge sullo sfondo festoso di un ballo in casa dei Capuleti: ogni ballo
ha una funzione drammatica.

№11 Gli ospiti si riuniscono ufficialmente e solennemente al suono del Minuetto. IN
la parte centrale, melodica e aggraziata, compaiono giovani fidanzate
Giulietta.

N. 12 "Maschere" - Romeo, Mercuzio, Benvolio in maschera - si divertono al ballo -
una melodia vicina al personaggio di Mercuzio l'allegro: una marcia stravagante
è sostituito da una beffarda serenata comica.

N. 13 "Dance of the Knights" - una scena estesa scritta in forma di Rondò,
ritratto di gruppo - una caratteristica generalizzante dei signori feudali (come
caratteristiche della famiglia Capuleti e Tebaldo).

Refren - ritmo puntato saltante in arpeggio, combinato con misurato
il passo pesante del basso crea un'immagine di vendetta, stupidità, arroganza
- l'immagine è crudele e inesorabile;

1 episodio - il tema dell'inimicizia;

Episodio 2 - Gli amici di Giulietta ballano;

Episodio 3 - Juliet balla con Paris - una melodia fragile e delicata, ma
congelato, che caratterizza l'imbarazzo e il timore reverenziale di Giulietta. Nel mezzo
suona 2 tema di Juliet-Girl.

N. 14 "Variazione di Giulietta". 1 tema - echi della danza con il suono dello sposo -
imbarazzo, imbarazzo. 2 tema - il tema di Juliet-girl - suona
grazioso, poetico. Nel 2° tempo si sente il tema di Romeo, che per la prima volta
vede Giulietta (dall'introduzione) - al ritmo del Minuetto (la vede ballare), e
la seconda volta con l'accompagnamento caratteristico di Romeo (andatura elastica).

N. 15 "Mercutio" - un ritratto di uno spirito allegro - movimento scherzo
pieno di consistenza, armonia e sorprese ritmiche, incarnando
brillantezza, arguzia, ironia di Mercuzio (come se saltasse).

N. 16 "Madrigale". Romeo si rivolge a Giulietta - 1 tema suona
"Madrigala", che riflette i tradizionali movimenti cerimoniali della danza e
aspettativa reciproca. Sfonda il tema 2 - tema cattivo
Juliet Girls (suona vivace, divertente), 1 tema d'amore appare per la prima volta
- nascita.

N. 17 "Tybalt riconosce Romeo" - i temi dell'inimicizia e il tema dei cavalieri suonano minacciosi.

N. 18 "Gavot" - partenza degli ospiti - danza tradizionale.

I temi dell'amore sono ampiamente sviluppati nel grande duetto di eroi, "The Balcony Scene",
N. 19-21, che conclude l'Atto I.

N. 19. inizia con il tema di Romeo, poi il tema del Madrigale, 2 il tema di Giulietta. 1
tema dell'amore (da Madrigal) - suona emotivamente eccitato (a
violoncello e corno inglese). Tutta questa grande scena (#19 “Scene at
Balcony”, n. 29 “Romeo Variation”, n. 21 “Love Dance”) è soggetto a un unico
sviluppo musicale - diversi leittem si intrecciano, che gradualmente
diventano sempre più intensi - nel n. 21, "Love Dance", suona
entusiasta, estatico e solenne 2 tema dell'amore (senza limiti
gamma) - melodioso e morbido. Nel Codice n. 21 il tema è “Romeo vede per la prima volta
Giulietta".

3 foto

Il secondo atto è pieno di contrasti: danze popolari incorniciano la scena del matrimonio,
nella seconda metà (5a foto) l'atmosfera della festa è sostituita da una tragica
un'immagine del duello tra Mercuzio e Tebaldo e la morte di Mercuzio. lutto
la processione con il corpo di Tebaldo è il culmine dell'Atto II.

4 foto

N. 28 “Romeo presso Padre Lorenzo” - scena di nozze - ritratto di Padre Lorenzo
- un uomo di un magazzino corale saggio, nobile, caratterizzato
tema, caratterizzato da morbidezza e calore di intonazione.

N. 29 "Juliet at Father Lorenzo" - l'apparizione di un nuovo tema in
flauto (tardo timbro di Giulietta) - duetto di violoncello e violino - appassionato
una melodia piena di intonazioni parlanti è vicina alla voce umana, come
riprodurrebbe il dialogo tra Romeo e Giulietta. musica corale,
accompagnando la cerimonia nuziale, completa la scena.

5 foto

L'episodio 5 ha un tragico colpo di scena. Prokofiev magistralmente
reincarna il tema più divertente - "The Street Wakes Up", che a 5
l'immagine sembra cupa, minacciosa.

N. 32 "L'incontro di Tebaldo e Mercuzio" - il tema della strada è distorto, la sua integrità
distrutto - sfumature cromatiche minori e nitide, timbro "ululante".
sassofono.

N. 33 “Tebaldo combatte Mercuzio” i temi caratterizzano Mercuzio, che
batte in modo accattivante, allegro, presuntuoso, ma senza malizia.

N. 34 "Mercutio muore" - una scena scritta da Prokofiev con un enorme
profondità psicologica, basata su un tema sempre più elevato
sofferenza (manifestata nella versione minore del tema della strada) - insieme a
l'espressione del dolore mostra lo schema dei movimenti di una persona che si indebolisce - per sforzo
volontà, Mercuzio si sforza di sorridere (nell'orchestra, frammenti di temi precedenti
ma nel lontano registro superiore di quelli lignei - oboe e flauto -
il ritorno degli argomenti è interrotto da pause, l'insolito è enfatizzato da estranei
accordi finali: dopo re moll - h ed es moll).

N. 35 “Romeo decide di vendicare la morte di Mercuzio” - il tema della battaglia da 1 quadro -
Romeo uccide Tebaldo.

N. 36 "Final" - grandioso rame ruggente, densità della trama, monotono
ritmo: avvicinarsi al tema dell'inimicizia.

L'atto III si basa sullo sviluppo delle immagini di Romeo e Giulietta, eroicamente
difendere il loro amore - particolare attenzione all'immagine di Giulietta (prof
La caratterizzazione di Romeo è data nella scena "A Mantova", dove Romeo è esiliato - questo
la scena è stata introdotta durante la messa in scena del balletto, in essa risuonano i temi delle scene d'amore).
Per tutto il terzo atto, i temi del ritratto di Giulietta, i temi dell'amore,
acquisendo un aspetto drammatico e lugubre e un nuovo suono tragico
melodie. L'atto III differisce dai precedenti per una maggiore continuità
attraverso l'azione.

6 foto

N. 37 "Introduzione" suona la musica del formidabile "ordine del Duca".

N. 38 Camera di Giulietta - i trucchi più sottili ricreano l'atmosfera
silenzio, notti - addio di Romeo e Giulietta (al flauto e passa la celesta
tema della scena del matrimonio)

N. 39 "Farewell" - un piccolo duetto pieno di tragedia contenuta - nuovo
melodia. Il tema dell'addio suona, esprimendo sia il destino fatale che la vita
impulso.

N. 40 “Nutrice” - il tema della Nutrice, il tema del Minuetto, il tema degli amici di Giulietta -
caratterizzano la casa dei Capuleti.

N. 41 "Giulietta si rifiuta di sposare Parigi" - 1 Tema della ragazza di Giulietta
- sembra drammatico, spaventato. Tema di Giulietta 3 - suona triste,
congelato, la risposta è il discorso dei Capuleti: il tema dei cavalieri e il tema dell'inimicizia.

N. 42 "Juliet is alone" - nell'indecisione - il 3 ° e il 2 ° tema del suono dell'amore.

N. 43 "Interlude" - il tema dell'addio assume il carattere di un appassionato
chiamata, tragica determinazione - Giulietta è pronta a morire in nome dell'amore.

7 foto

N. 44 “Da Lorenzo” - si confrontano i temi di Lorenzo e Giulietta, e al momento,
quando il monaco dà sonniferi a Giulietta, si sente per la prima volta il tema della morte -
immagine musicale, esattamente corrispondente a quella di Shakespeare: “Freddo
languida paura mi trafigge le vene. Gela il calore della vita,

movimento pulsante automatico???? trasmette intorpidimento, noioso
bassi fluttuanti - crescente "paura languida".

N. 45 "Interludio" - raffigura la complessa lotta interna di Giulietta - suona
3 il tema dell'amore e in risposta ad esso il tema dei cavalieri e il tema dell'inimicizia.

8 foto

N. 46 “Back at Juliet” - continuazione della scena - La paura e la confusione di Juliet
espresso nel tema congelato di Giulietta dalle variazioni e 3 tema
Ragazze Giulietta.

N. 47 "Giulietta è sola (decisa)" - il tema della bevanda e il 3 ° tema si alternano
Giulietta, il suo destino fatale.

N. 48 "Serenata mattutina". Nell'atto III, gli elementi di genere caratterizzano
ambiente di azione e sono usati con molta parsimonia. Due belle miniature -
"Morning Serenade" e "Dance of the Girls with Lilies" vengono introdotti per creare
sottile contrasto drammatico.

N. 50 "Al letto di Giulietta" - inizia con il tema 4 di Giulietta
(tragico). La madre e l'infermiera vanno a svegliare Juliet, ma lei è morta
il registro più alto dei violini passa tristemente e senza peso 3 temi
Giulietta.

Atto IV - Epilogo

9 foto

N. 51 "Il funerale di Giulietta" - questa scena apre l'Epilogo -
meravigliosa musica per il corteo funebre. Tema della morte (per violini)
diventa triste. L'aspetto di Romeo accompagna il 3 tema
Amore. Morte di Romeo.

N. 52 "Morte di Giulietta". Risveglio di Giulietta, sua morte, riconciliazione
Montecchi e Capuleti.

Il finale del balletto è un brillante inno d'amore, basato su gradualmente
suono crescente e abbagliante del tema di Giulietta 3.

Il lavoro di Prokofiev ha continuato le tradizioni classiche del russo
balletto. Ciò si esprimeva nel grande significato etico del tema scelto, in
riflesso di profondi sentimenti umani in una sinfonia sviluppata
drammaturgia spettacolo di balletto. E allo stesso tempo la partitura del balletto
"Romeo e Giulietta" era così insolito che ci è voluto del tempo
"abituarci". C'era anche un detto ironico: “Non c'è storia
più triste al mondo della musica di Prokofiev in un balletto." Solo gradualmente
questo è stato sostituito da un atteggiamento entusiasta degli artisti, e poi del pubblico
musica. Prima di tutto, la trama era insolita. L'appello a Shakespeare era
un passo coraggioso nella coreografia sovietica, dal momento che lo si credeva generalmente
che l'incarnazione di temi filosofici e drammatici così complessi è impossibile
mezzi di balletto. La musica di Prokofiev e la performance di Lavrovsky
ispirato a Shakespeare.

Bibliografia.

Letteratura musicale sovietica, a cura di M.S. Pekelis;

I. Maryanov "Sergei Prokofiev vita e lavoro";

L. Dalko "Monografia popolare di Sergei Prokofiev";

sovietico enciclopedia musicale a cura di I.A. Prokhorova e G.S.
Scudina.