Il valore di A. Ostrovsky nella storia della letteratura russa

Il drammaturgo quasi non ha messo nel suo lavoro problemi politici e filosofici, espressioni facciali e gesti, giocando con i dettagli dei loro costumi e dell'ambiente quotidiano. Per aumentare gli effetti comici, il drammaturgo di solito introduceva nella trama persone minori - parenti, servi, clienti, passanti casuali - e circostanze secondarie della vita quotidiana. Tali, ad esempio, sono il seguito di Khlynov e il gentiluomo con i baffi in The Hot Heart, o Apollo Murzavetsky con il suo Tamerlano nella commedia Wolves and Sheep, o l'attore Schastlivtsev sotto Neschastlivtsev e Paratov in The Forest and The Dowry, ecc. il drammaturgo, come prima, ha cercato di rivelare i caratteri dei personaggi non solo nel corso stesso degli eventi, ma in misura non minore anche attraverso le peculiarità dei loro dialoghi quotidiani - dialoghi "caratterologici", da lui padroneggiati esteticamente in "His People .. .".
Così, nel nuovo periodo di creatività, Ostrovsky agisce come un maestro affermato con un sistema completo di arte drammatica. La sua fama, i suoi legami sociali e teatrali continuano a crescere ea diventare più complessi. L'abbondanza di opere teatrali create nel nuovo periodo è stata il risultato di una domanda sempre crescente di opere di Ostrovsky da parte di riviste e teatri. Durante questi anni, il drammaturgo non solo ha lavorato instancabilmente se stesso, ma ha trovato la forza per aiutare scrittori meno dotati e alle prime armi, e talvolta partecipare attivamente con loro al loro lavoro. Così, in collaborazione creativa con Ostrovsky, sono state scritte numerose commedie di N. Solovyov (le migliori sono "Le nozze di Belugin" e "Wild Woman"), così come P. Nevezhin.
Contribuendo costantemente alla messa in scena delle sue opere sui palcoscenici dei teatri Alessandria di Mosca Maly e San Pietroburgo, Ostrovsky conosceva bene lo stato delle cose teatrali, che erano principalmente sotto la giurisdizione dell'apparato statale burocratico, ed era amaramente consapevole del loro clamoroso carenze. Vide che non rappresentava l'intellighenzia nobile e borghese nella sua ricerca ideologica, come fecero Herzen, Turgenev e in parte Goncharov. Nelle sue commedie mostrava la vita sociale quotidiana dei normali rappresentanti della classe mercantile, della burocrazia, della nobiltà, una vita in cui si manifestavano conflitti personali, in particolare amorosi, scontri di interessi familiari, monetari e patrimoniali.
Ma la consapevolezza ideologica e artistica di Ostrovsky di questi aspetti della vita russa aveva un profondo significato nazionale e storico. Attraverso le relazioni quotidiane di quelle persone che erano le padrone e le padrone della vita, si rivelava la loro condizione sociale generale. Proprio come, secondo l'appropriata osservazione di Chernyshevsky, il comportamento codardo di un giovane liberale, l'eroe della storia di Turgenev "Asya", ad un appuntamento con una ragazza era un "sintomo di malattia" di tutto il nobile liberalismo, la sua debolezza politica, così il la tirannia quotidiana e il comportamento predatorio di mercanti, funzionari e nobili rappresentavano un sintomo di una malattia più terribile della loro totale incapacità di conferire almeno in una certa misura alle loro attività un significato progressista a livello nazionale.
Questo era abbastanza naturale e naturale nel periodo pre-riforma. Quindi la tirannia, l'arroganza, la predazione dei Voltov, Vyshnevsky, Ulanbekov era una manifestazione del "regno oscuro" della servitù, già destinato a essere demolito. E Dobrolyubov ha correttamente sottolineato che sebbene la commedia di Ostrovsky "non possa fornire una chiave per spiegare molti degli amari fenomeni in essa rappresentati", tuttavia, "può facilmente portare a molte considerazioni analoghe relative a quella vita, che non riguarda direttamente". E il critico lo ha spiegato con il fatto che i “tipi” di piccoli tiranni, allevati da Ostrovsky, “non lo sono. raramente contengono caratteristiche non solo esclusivamente mercantili o burocratiche, ma anche generali (cioè a livello nazionale). In altre parole, le commedie di Ostrovsky del 1840-1860. indirettamente esposto tutti i "regni oscuri" del sistema autocratico-feudale.
Nei decenni successivi alla riforma la situazione è cambiata. Poi "tutto è stato capovolto" e il nuovo sistema borghese della vita russa ha cominciato gradualmente ad "adattarsi". E la questione di come esattamente questo nuovo sistema fosse "adattato" era di enorme importanza nazionale, fino a che punto la nuova classe dirigente, la borghesia russa, potesse prendere parte alla lotta per abolire le sopravvivenze del "regno oscuro" della servitù e l'intero sistema autocratico-proprietario.
Quasi venti nuove commedie di Ostrovsky su temi contemporanei ha dato una chiara risposta negativa a questa domanda fatale. Il drammaturgo, come prima, ha rappresentato il mondo delle relazioni private sociali, domestiche, familiari e patrimoniali. Non tutto gli era chiaro nelle tendenze generali del loro sviluppo, e la sua "lira" a volte emetteva "suoni corretti" a questo riguardo. Ma nel complesso, le opere di Ostrovsky contenevano un certo orientamento oggettivo. Hanno esposto sia i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo sia il nuovo "regno oscuro" emergente " regno oscuro“Predazione borghese, montatura monetaria, distruzione di tutti i valori morali in un'atmosfera di compravendita universale. Hanno dimostrato che gli uomini d'affari e gli industriali russi non sono in grado di raggiungere la realizzazione degli interessi dello sviluppo nazionale, che alcuni di loro, come Khlynov e Akhov, sono capaci solo di indulgere in piaceri grossolani, altri, come Knurov e Berkutov, possono subordinare solo tutto ciò che li circonda ai loro interessi predatori, "da lupo", e per terze parti, come Vasilkov o Frol Pribytkov, gli interessi del profitto sono coperti solo dalla decenza esteriore e da richieste culturali molto ristrette. Le commedie di Ostrovsky, oltre ai piani e alle intenzioni del loro autore, delineavano oggettivamente una certa prospettiva di sviluppo nazionale - la prospettiva dell'inevitabile distruzione di tutti i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo autocratico della gleba, non solo senza la partecipazione di la borghesia, non solo sopra la sua testa, ma insieme alla distruzione del suo stesso "regno oscuro" predatore
La realtà rappresentata nelle commedie quotidiane di Ostrovsky era una forma di vita priva di un contenuto progressista nazionale, e quindi rivelava facilmente un'incoerenza comica interna. Ostrovsky ha dedicato il suo eccezionale talento drammatico alla sua divulgazione. Basandosi sulla tradizione delle commedie e delle storie realistiche di Gogol, ricostruendola secondo le nuove esigenze estetiche avanzate " scuola naturale" degli anni Quaranta dell'Ottocento e formulato da Belinsky ed Herzen, Ostrovsky ha tracciato l'incoerenza comica della vita sociale e quotidiana degli strati dominanti della società russa, approfondendo il "mondo dei dettagli", considerando filo dopo filo la "rete del quotidiano relazioni”. Questo è stato il risultato principale del nuovo stile drammatico creato da Ostrovsky.

Saggio sulla letteratura sull'argomento: il significato del lavoro di Ostrovsky per lo sviluppo ideologico ed estetico della letteratura

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In occasione del 35 ° anniversario dell'attività di Ostrovsky, Goncharov gli scrisse: “Tu solo hai costruito l'edificio, alla base del quale hai posto le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol. Ma solo dopo di te, noi russi possiamo dire con orgoglio: "Abbiamo il nostro teatro nazionale russo". In tutta onestà, dovrebbe essere chiamato il Teatro Ostrovsky.

Il ruolo svolto da Ostrovsky nello sviluppo del teatro e del dramma russo può essere paragonato all'importanza che Shakespeare ebbe per la cultura inglese e Molière per quella francese. Ostrovsky ha cambiato la natura del repertorio teatrale russo, ha riassunto tutto ciò che era stato fatto prima di lui e ha aperto nuove strade alla drammaturgia. La sua influenza sull'arte teatrale è stata eccezionalmente grande. Ciò è particolarmente vero per il Teatro Maly di Mosca, che è anche tradizionalmente chiamato Ostrovsky House. Grazie alle numerose commedie del grande drammaturgo, che ha affermato sul palcoscenico le tradizioni del realismo, la scuola nazionale di recitazione si è ulteriormente sviluppata. Un'intera galassia di straordinari attori russi sul materiale delle opere di Ostrovsky è stata in grado di mostrare vividamente il loro talento unico, per affermare l'originalità dell'arte teatrale russa.

Al centro della drammaturgia di Ostrovsky c'è un problema che ha attraversato tutta la letteratura classica russa: il conflitto dell'uomo con le sfavorevoli condizioni di vita che gli si oppongono, le diverse forze del male; affermazione del diritto dell'individuo a uno sviluppo libero e integrale. Davanti ai lettori e agli spettatori delle opere del grande drammaturgo, viene rivelato un ampio panorama della vita russa. Questa è, in sostanza, un'enciclopedia della vita e dei costumi di un'intera epoca storica. Mercanti, funzionari, proprietari terrieri, contadini, generali, attori, mercanti, sensali di matrimoni, uomini d'affari, studenti: diverse centinaia di personaggi creati da Ostrovsky hanno dato un'idea completa della realtà russa negli anni 40-80. in tutta la sua complessità, diversità e incoerenza.

Ostrovsky, che ha creato un'intera galleria di meravigliose immagini femminili, ha continuato la nobile tradizione che era già stata definita nei classici russi. Il drammaturgo esalta le nature forti e integre, che in alcuni casi si rivelano moralmente superiori a un eroe debole e insicuro. Questi sono Katerina ("Temporale"), Nadya ("Alunno"), Kruchinina ("Colpevole senza colpa"), Natalia ("Pane del lavoro") e altri.

Riflettendo sull'originalità dell'arte drammatica russa, sulla sua base democratica, Ostrovsky ha scritto: “Gli scrittori folk vogliono cimentarsi con un pubblico nuovo, i cui nervi non sono molto flessibili, il che richiede un dramma forte, una grande commedia, provocando risate franche e rumorose , caldi, sentimenti sinceri, caratteri vivaci e forti. In sostanza, questa è una caratteristica dei principi creativi dello stesso Ostrovsky.

La drammaturgia dell'autore di "Thunderstorm" si distingue per la diversità di genere, una combinazione di elementi tragici e comici, quotidiani e grotteschi, farseschi e lirici. Le sue opere a volte sono difficili da attribuire a un genere particolare. Ha scritto non tanto dramma o commedia quanto "drammi della vita", secondo l'appropriata definizione di Dobrolyubov. L'azione delle sue opere si svolge spesso su un ampio spazio abitativo. Il rumore e il parlare della vita entrano in azione, diventano uno dei fattori che determinano la portata degli eventi. I conflitti familiari si trasformano in conflitti sociali. materiale dal sito

L'abilità del drammaturgo si manifesta nell'accuratezza delle caratteristiche sociali e psicologiche, nell'arte del dialogo, nel linguaggio popolare appropriato e vivace. Il linguaggio dei personaggi diventa per lui uno dei mezzi principali per creare un'immagine, uno strumento di tipizzazione realistica.

Un grande conoscitore dell'arte popolare orale, Ostrovsky ampiamente utilizzato tradizioni popolari, il più ricco tesoro della saggezza popolare. La canzone può sostituire il suo monologo, proverbio o detto e diventare il titolo dell'opera.

L'esperienza creativa di Ostrovsky ha avuto un enorme impatto sull'ulteriore sviluppo del dramma russo e dell'arte teatrale. V. I. Nemirovich-Danchenko e K. S. Stanislavsky, fondatori di Mosca Teatro d'Arte, ha cercato di creare "un teatro popolare con approssimativamente gli stessi compiti e con gli stessi piani sognati da Ostrovsky". La drammatica innovazione di Cechov e Gorky sarebbe stata impossibile senza padroneggiare le migliori tradizioni del loro straordinario predecessore.

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In questa pagina, materiale sugli argomenti:

• Saggio sulla vita di Ostpovsky, la sua importanza nello sviluppo del teatro russo
• Articoli di Ostrovsky sul teatro
• riassunto del teatro Ostrovsky

introduzione

Alexander Nikolayevich Ostrovsky... Questo è un fenomeno insolito. L'importanza di Alexander Nikolaevich per lo sviluppo della drammaturgia russa e del palcoscenico, il suo ruolo nelle conquiste di tutta la cultura russa sono innegabili ed enormi. Continuando le migliori tradizioni della drammaturgia progressista russa e straniera, Ostrovsky ha scritto 47 opere originali. Alcuni vanno costantemente sul palco, ripresi nei film e in televisione, altri non vengono quasi mai messi in scena. Ma nella mente del pubblico e del teatro vive un certo stereotipo di percezione in relazione a quella che viene chiamata "la commedia di Ostrovsky". Le opere di Ostrovsky sono scritte per sempre e non è difficile per il pubblico vedere in esse i nostri problemi e vizi attuali.

Rilevanza:Il suo ruolo nella storia dello sviluppo della drammaturgia russa, delle arti dello spettacolo e dell'intera cultura nazionale difficilmente può essere sopravvalutato. Ha fatto tanto per lo sviluppo della drammaturgia russa quanto Shakespeare in Inghilterra, Lope de Vega in Spagna, Molière in Francia, Goldoni in Italia e Schiller in Germania.

Ostrovsky è apparso in letteratura in condizioni molto difficili del processo letterario, nel suo percorso creativo c'erano situazioni favorevoli e sfavorevoli, ma nonostante tutto è diventato un innovatore e un eccezionale maestro dell'arte drammatica.

L'influenza dei capolavori drammatici di A.N. Ostrovsky non si limitava al palcoscenico teatrale. Si applicava anche ad altre forme d'arte. Il carattere popolare caratteristico delle sue opere, l'elemento musicale e poetico, la vivacità e la chiarezza dei personaggi su larga scala, la profonda vitalità delle trame hanno suscitato e continuano a suscitare l'attenzione di eccezionali compositori del nostro Paese.

Ostrovsky, essendo un eccezionale drammaturgo, un notevole conoscitore dell'arte scenica, si è mostrato anche come un personaggio pubblico di grandi dimensioni. Ciò è stato notevolmente facilitato dal fatto che il drammaturgo in tutto il suo percorso di vita era "alla pari con l'età".
Bersaglio:L'influenza della drammaturgia di A.N. Ostrovsky nella creazione del repertorio nazionale.
Compito:Segui il percorso creativo di A.N. Ostrovsky. Idee, percorso e innovazione di A.N. Ostrovsky. Mostra il significato di A.N. Ostrovsky.

1. Drammaturgia russa e drammaturghi precedenti A.N. Ostrovsky

.1 Teatro in Russia prima di A.N. Ostrovsky

Le origini del dramma progressista russo, in linea con il quale è nata l'opera di Ostrovsky. Il teatro popolare nazionale ha un vasto repertorio, composto da giochi di buffoni, intermezzi, avventure comiche di Petrushka, battute farsesche, commedie "orso" e opere drammatiche di un'ampia varietà di generi.

Il teatro popolare è caratterizzato da un tema socialmente appuntito, amante della libertà, ideologia satirica ed eroico-patriottica, conflitto profondo, personaggi grandi, spesso grotteschi, una composizione chiara e chiara, un linguaggio colloquiale colloquiale, che utilizza abilmente un'ampia varietà di mezzi comici : omissioni, confusione, ambiguità, omonimie, ossimori.

“Per il suo carattere e il modo di suonare, il teatro popolare è un teatro di movimenti acuti e chiari, gesti ampi, dialoghi estremamente rumorosi, canzoni potenti e danze audaci - qui tutto si sente e si vede lontano. Per sua stessa natura, il teatro popolare non tollera un gesto poco appariscente, parole rese sottovoce, tutto ciò che può essere facilmente percepito in una sala teatrale con il pubblico in completo silenzio.

Continuando le tradizioni del dramma popolare orale, il dramma scritto russo ha fatto passi da gigante. Nella seconda metà del XVIII secolo, con il ruolo preponderante della traduzione e della drammaturgia imitativa, apparvero scrittori varie direzioni, aspirando all'immagine usanze domestiche che si preoccupava della creazione di un repertorio nazional-originale.

Tra le commedie del primo metà del XIX secolo, spiccano capolavori di drammaturgia realistica come Woe from Wit di Griboedov, Undergrowth di Fonvizin, The Government Inspector e Marriage di Gogol.

Indicando queste opere, V.G. Belinsky ha detto che "farebbero onore a qualsiasi letteratura europea". Apprezzando di più le commedie "Woe from Wit" e "The Government Inspector", il critico credeva che potessero "arricchire qualsiasi letteratura europea".

Le eccezionali opere realistiche di Griboedov, Fonvizin e Gogol hanno delineato chiaramente le tendenze innovative nella drammaturgia russa. Consistevano in argomenti sociali di attualità, in un pronunciato pathos pubblico e persino socio-politico, in un allontanamento dall'amore tradizionale e dalla trama domestica che determina l'intero sviluppo dell'azione, in violazione della trama e dei canoni compositivi della commedia e del dramma intrigo , nell'ambientazione per lo sviluppo di caratteri tipici e allo stesso tempo individuali, strettamente legati all'ambiente sociale.

Queste tendenze innovative, manifestate in migliori giocate progressivo dramma domestico, scrittori e critici iniziarono a realizzare e teoricamente. Quindi, Gogol collega l'emergere della drammaturgia progressista russa con la satira e vede l'originalità della commedia nel suo vero pubblico. Ha giustamente notato che "la commedia non ha ancora preso una tale espressione da nessuno dei popoli".

Quando A.N. Ostrovsky, la drammaturgia progressista russa aveva già capolavori di livello mondiale. Ma queste opere erano ancora estremamente poche, e quindi non determinarono il volto dell'allora repertorio teatrale. Un grande danno allo sviluppo del dramma domestico progressista fu che le commedie di Lermontov e Turgenev, ritardate dalla censura, non potevano apparire in tempo.

La stragrande maggioranza delle opere che hanno riempito palcoscenico teatrale, traduzioni compilate e adattamenti di opere teatrali dell'Europa occidentale, nonché esperimenti teatrali di scrittori domestici del senso protettivo.

Il repertorio teatrale non è stato creato spontaneamente, ma sotto l'influenza attiva del corpo dei gendarmi e l'occhio vigile di Nicola I.

Prevenendo la comparsa di commedie accusatorie-sateriche, la politica teatrale di Nicola I patrocinò in ogni modo possibile la produzione di opere drammatiche puramente divertenti, autocratico-patriottiche. Questa politica si è rivelata infruttuosa.

Dopo la sconfitta dei Decabristi, il vaudeville è venuto alla ribalta nel repertorio teatrale, che aveva perso da tempo la sua nitidezza sociale e si è trasformato in una commedia leggera, sconsiderata e di grande effetto.

Molto spesso, una commedia in un atto si distingueva per una trama aneddotica, distici giocosi, attuali e spesso frivoli, un linguaggio di giochi di parole e un intrigo ingegnoso intrecciato da incidenti divertenti e inaspettati. In Russia, il vaudeville ha guadagnato slancio negli anni '10. Il primo vaudeville, sebbene senza successo, è considerato "The Cossack Poet" (1812) di A.A. Shakhovsky. Un intero sciame di altri lo seguì, soprattutto dopo il 1825.

Vaudeville godeva dell'amore e del patrocinio speciali di Nicola I. E la sua politica teatrale ebbe il suo effetto. Teatro - 30-40 anni 19esimo secolo divenne il regno del vaudeville, in cui si prestava prevalentemente attenzione alle situazioni amorose. “Ahimè”, scrisse Belinsky nel 1842, “come pipistrelli, un bellissimo edificio si è impossessato del nostro palcoscenico con commedie volgari con amore di pan di zenzero e un matrimonio inevitabile! Questo è ciò che chiamiamo "trama". Guardando le nostre commedie e vaudeville e prendendoli come espressione della realtà, penserai che la nostra società è impegnata solo nell'amore, vive e respira solo, che è amore!

La distribuzione del vaudeville fu facilitata anche dal sistema di spettacoli di beneficenza allora esistente. Per uno spettacolo di beneficenza, che era una ricompensa materiale, l'artista sceglieva spesso un'opera teatrale poco divertente, calcolata per essere un successo al botteghino.

Il palcoscenico teatrale era pieno di opere piatte, cucite frettolosamente, in cui il posto principale era occupato da flirt, scene farsesche, aneddoti, errori, possibilità, sorprese, confusione, travestimenti, nascondigli.

Sotto l'influenza della lotta sociale, il vaudeville è cambiato nel suo contenuto. Secondo la natura delle trame, il suo sviluppo è passato dall'amore-erotico alla vita di tutti i giorni. Ma dal punto di vista compositivo, è rimasto per lo più standard, affidandosi ai mezzi primitivi della commedia esterna. Descrivendo il vaudeville di questo periodo, uno dei personaggi del "Viaggio teatrale" di Gogol ha giustamente detto: "Vai solo a teatro: lì ogni giorno vedrai uno spettacolo in cui uno si nascondeva sotto una sedia e l'altro lo tirava fuori per il gamba."

L'essenza del vaudeville di massa degli anni 30-40 del XIX secolo è rivelata da tali titoli: "Confusione", "Si sono riuniti, si sono confusi e si sono separati". Sottolineando le proprietà giocose e frivole del vaudeville, alcuni autori iniziarono a chiamarli farsa del vaudeville, scherzo del vaudeville, ecc.

Avendo fissato "l'insignificanza" come base del contenuto, il vaudeville è diventato un mezzo efficace per distrarre gli spettatori dalle questioni fondamentali e dalle contraddizioni della realtà. Intrattenendo il pubblico con situazioni e casi stupidi, il vaudeville "di sera in sera, di spettacolo in spettacolo, inoculava lo spettatore con lo stesso siero ridicolo, che avrebbe dovuto proteggerlo dall'infezione di pensieri superflui e inaffidabili". Ma le autorità hanno cercato di trasformarlo in una glorificazione diretta dell'ortodossia, dell'autocrazia e della servitù.

Il vaudeville, che ha conquistato il palcoscenico russo nel secondo quarto del XIX secolo, di regola non era domestico e originale. Per la maggior parte si trattava di commedie, nelle parole di Belinsky, "trascinate con la forza" dalla Francia e in qualche modo adattate alle usanze russe. Osserviamo un'immagine simile in altri generi di drammaturgia degli anni Quaranta. Le opere drammatiche che erano considerate originali si sono rivelate traduzioni in gran parte mascherate. Alla ricerca di una parola tagliente, per effetto, per una trama leggera e divertente, la commedia vaudeville degli anni '30 e '40 era molto spesso molto lontana dal rappresentare la vera vita del suo tempo. Le persone della realtà, i personaggi di tutti i giorni erano spesso assenti in esso. Ciò è stato ripetutamente sottolineato dagli allora critici. Riguardo al contenuto del vaudeville, Belinsky ha scritto con dispiacere: “La scena è sempre in Russia, i personaggi sono contrassegnati con nomi russi; ma né la vita russa, né la società russa, né il popolo russo riconoscerai o vedrai qui. Indicando l'isolamento del vaudeville del secondo quarto del XIX secolo dalla realtà concreta, uno dei critici successivi ha giustamente osservato che sarebbe stato "uno sbalorditivo malinteso" studiare l'allora società russa sulla base di esso.

Vaudeville, in via di sviluppo, ha mostrato in modo del tutto naturale un desiderio per la specificità della lingua. Ma allo stesso tempo, l'individualizzazione del discorso dei personaggi in esso è stata effettuata puramente esternamente - mettendo insieme parole insolite, divertenti morfologicamente e foneticamente distorte, introducendo espressioni errate, frasi ridicole, detti, proverbi, accenti nazionali, ecc.

A metà del XVIII secolo, il melodramma era molto popolare nel repertorio teatrale insieme al vaudeville. La sua formazione come uno dei principali tipi drammatici avviene alla fine del XVIII secolo nel contesto della preparazione e dell'attuazione delle rivoluzioni borghesi dell'Europa occidentale. L'essenza morale e didattica del melodramma dell'Europa occidentale di questo periodo è determinata principalmente dal buon senso, dalla praticità, dalla didattica, dal codice morale della borghesia, che sale al potere e oppone i propri principi etnici alla depravazione della nobiltà feudale.

E il vaudeville e il melodramma nella stragrande maggioranza erano molto lontani dalla vita. Tuttavia, non erano solo fenomeni negativi. In alcuni di essi, non alienati da tendenze satiriche, si fecero strada tendenze progressiste - liberali e democratiche. La successiva drammaturgia, indubbiamente, ha utilizzato l'arte del vaudeville nella conduzione di intrighi, commedia esterna, gioco di parole acutamente affinato ed elegante. Non ha superato i risultati dei melodrammatisti nella rappresentazione psicologica dei personaggi, nello sviluppo emotivamente intenso dell'azione.

Mentre il melodramma ha storicamente preceduto il dramma romantico in Occidente, in Russia questi generi sono apparsi contemporaneamente. Allo stesso tempo, il più delle volte agivano l'uno in relazione all'altro senza un'accentuazione sufficientemente precisa dei loro tratti, fondendosi, passando l'uno nell'altro.

Riguardo alla retorica dei drammi romantici, usando effetti melodrammatici e falsamente patetici, Belinsky ha parlato in modo acuto molte volte. “E se tu”, ha scritto, “vuoi dare un'occhiata più da vicino alle“ rappresentazioni drammatiche ”del nostro romanticismo, vedrai che sono impastate secondo le stesse ricette di cui erano composti i drammi e le commedie pseudoclassiche: il stesse trame banali e epiloghi violenti, quella stessa innaturalità, la stessa "natura decorata", le stesse immagini senza volti al posto dei personaggi, la stessa monotonia, la stessa volgarità e la stessa abilità.

I melodrammi, i drammi romantici e sentimentali, storico-patriottici della prima metà dell'Ottocento erano per lo più falsi non solo nelle idee, nelle trame, nei personaggi, ma anche nel linguaggio. Rispetto ai classicisti, i sentimentalisti e i romantici hanno indubbiamente compiuto un grande passo in termini di democratizzazione della lingua. Ma questa democratizzazione, soprattutto tra i sentimentalisti, spesso non andava oltre il linguaggio colloquiale del salotto nobile. Il discorso degli strati non privilegiati della popolazione, le grandi masse lavoratrici, sembrava loro troppo scortese.

Insieme alle commedie conservatrici domestiche del genere romantico, le commedie tradotte che sono vicine a loro nel loro spirito stanno ampiamente penetrando nel palcoscenico teatrale in questo momento: opere romantiche”,“ commedie romantiche ”solitamente associate al balletto,“ spettacoli romantici ”. Anche le traduzioni delle opere di drammaturghi progressisti del romanticismo dell'Europa occidentale, come Schiller e Hugo, ebbero un grande successo in questo periodo. Ma nel ripensare queste commedie, i traduttori hanno ridotto il loro lavoro di "traduzione" a suscitare simpatia nel pubblico per coloro che, subendo i colpi della vita, conservavano una mite rassegnazione al destino.

Nello spirito del romanticismo progressista, Belinsky e Lermontov hanno creato le loro opere in questi anni, ma nessuna di esse è stata messa in scena a teatro nella prima metà del XIX secolo. Il repertorio degli anni Quaranta non soddisfa non solo i critici progressisti, ma anche artisti e spettatori. I notevoli artisti degli anni '40, Mochalov, Shchepkin, Martynov, Sadovsky, hanno dovuto sprecare le loro energie in sciocchezze, recitando in spettacoli di saggistica di un giorno. Ma, riconoscendo che negli anni Quaranta le commedie "nascono in sciami, come insetti", e "non c'è niente da vedere", Belinsky, come molte altre figure progressiste, non guardava disperatamente al futuro del teatro russo. Insoddisfatto dell'umorismo piatto del vaudeville e del falso pathos del melodramma, il pubblico avanzato ha convissuto a lungo con il sogno che opere realistiche originali diventassero determinanti e protagoniste del repertorio teatrale. Nella seconda metà degli anni Quaranta, l'insoddisfazione del pubblico avanzato per il repertorio cominciò a essere condivisa in una certa misura dal frequentatore del teatro di massa degli ambienti nobili e borghesi. Alla fine degli anni '40, molti spettatori, anche nel vaudeville, "cercavano accenni di realtà". Non erano più soddisfatti degli effetti melodrammatici e del vaudeville. Volevano le commedie della vita, volevano vedere la gente comune sul palco. Lo spettatore progressista ha trovato un'eco delle sue aspirazioni solo in poche produzioni di opere teatrali di classici drammatici russi (Fonvizin, Griboedov, Gogol) e dell'Europa occidentale (Shakespeare, Molière, Schiller). Allo stesso tempo, ogni parola associata a protesta, libera, il minimo accenno di sentimenti e pensieri che lo disturbavano, acquisiva un valore decuplicato nella percezione dello spettatore.

I principi di Gogol, così chiaramente riflessi nella pratica della "scuola naturale", hanno contribuito alla creazione di un'identità realistica e nazionale nel teatro. Ostrovsky è stato l'esponente più chiaro di questi principi nel campo della drammaturgia.

1.2 Dalla prima creatività alla maturità

OSTROVSKY Alexander Nikolaevich, drammaturgo russo.

Ostrovsky era dipendente dalla lettura da bambino. Nel 1840, dopo essersi diplomato al ginnasio, fu iscritto alla facoltà di giurisprudenza dell'Università di Mosca, ma lasciò nel 1843. Quindi entrò nell'ufficio della Corte costituente di Mosca, successivamente prestò servizio presso il Tribunale commerciale (1845-1851). Questa esperienza ha avuto un ruolo significativo nel lavoro di Ostrovsky.

Entrò nel campo letterario nella seconda metà degli anni Quaranta dell'Ottocento. come un seguace Tradizione di Gogol incentrato sui principi creativi della scuola naturale. A quel tempo, Ostrovsky creò il saggio in prosa "Note di un residente della regione di Mosca", le prime commedie (la commedia "Family Picture" fu letta dall'autore il 14 febbraio 1847 nella cerchia del professor S.P. Shevyrev e approvata da lui).

Il drammaturgo divenne famoso per la commedia satirica "The Bankrupt" ("La nostra gente - andiamo d'accordo", 1849). La trama (il falso fallimento del mercante Bolshov, l'inganno e la spietatezza dei suoi familiari - la figlia di Lipochka e l'impiegato, e poi il genero di Podkhalyuzin, che non ha riscattato il vecchio padre dal buco del debito , la successiva intuizione di Bolshov) si basavano sulle osservazioni di Ostrovsky sull'analisi delle controversie familiari, ottenute durante il servizio presso il tribunale di coscienza. La rafforzata padronanza di Ostrovsky, una nuova parola che risuonava sul palcoscenico russo, ha colpito, in particolare, in una combinazione di intrighi che si sviluppano in modo spettacolare e vividi inserti descrittivi quotidiani (discorso di un sensale, litigi tra madre e figlia), che rallentano il azione, ma ti fanno anche sentire i dettagli della vita e i costumi dell'ambiente mercantile. Un ruolo speciale qui è stato svolto dalla colorazione psicologica unica, allo stesso tempo di classe e individuale del discorso dei personaggi.

Già in Bankrut si individuava un tema trasversale dell'opera drammatica di Ostrovsky: lo stile di vita patriarcale, tradizionale, così come si conservava nell'ambiente mercantile e piccolo-borghese, e la sua progressiva degenerazione e collasso, nonché le complesse relazioni in cui una persona entra con uno stile di vita che cambia gradualmente.

Avendo creato cinquanta opere teatrali nel corso di quarant'anni di lavoro letterario (alcune delle quali co-autrici), che sono diventate la base del repertorio del pubblico russo, teatro democratico, Ostrovsky in diverse fasi del suo percorso creativo presentato in modi diversi argomento principale della tua creatività. Quindi, essendo diventato nel 1850 un impiegato della rivista Moskvityanin nota per la sua tendenza del suolo (editore M.P. Pogodin, dipendenti A.A. Grigoriev, T.I. Filippov, ecc.), Ostrovsky, che era un membro del cosiddetto "giovane comitato editoriale", ha cercato di dare alla rivista una nuova direzione: concentrarsi sulle idee di identità e identità nazionale, ma non sui contadini (a differenza dei "vecchi" slavofili), ma sulla classe mercantile patriarcale. Nelle sue opere successive "Non sederti sulla tua slitta", "La povertà non è un vizio", "Non vivere come vuoi" (1852-1855), il drammaturgo ha cercato di riflettere la poesia vita popolare: “Per avere il diritto di correggere le persone senza offenderle, è necessario mostrare loro che sai bene dietro di loro; questo è quello che sto facendo adesso, unendo l'alto con il comico”, scriveva nel periodo “moscovita”.

Allo stesso tempo, il drammaturgo andava d'accordo con la ragazza Agafya Ivanovna (che aveva quattro figli da lui), il che portò a una rottura nei rapporti con suo padre. Secondo testimoni oculari, era una donna gentile e di buon cuore, alla quale Ostrovsky doveva gran parte della sua conoscenza della vita di Mosca.

Le commedie “moscovite” sono caratterizzate da un noto utopismo nella risoluzione dei conflitti tra generazioni (nella commedia “La povertà non è vizio”, 1854, un felice incidente sconvolge il matrimonio imposto dal padre tiranno e odiato dalla figlia, organizza la matrimonio di una ricca sposa - Lyubov Gordeevna - con un povero impiegato Mitya) . Ma questa caratteristica della drammaturgia "moscovita" di Ostrovsky non nega l'elevata qualità realistica delle opere di questo circolo. L'immagine di Lyubim Tortsov, il fratello ubriaco del mercante tiranno Gordey Tortsov, nella commedia "Hot Heart" (1868), scritta molto più tardi, risulta essere complessa, collegando dialetticamente qualità apparentemente opposte. Allo stesso tempo, Lyubim è l'araldo della verità, il portatore della moralità popolare. Fa vedere chiaramente a Gordey, avendo perso una visione sobria della vita a causa della sua stessa vanità, passione per i falsi valori.

Nel 1855, il drammaturgo, insoddisfatto della sua posizione nel Moskvityanin (costanti conflitti e magri compensi), lasciò la rivista e si avvicinò alla redazione del San Pietroburgo Sovremennik (N.A. Nekrasov considerava Ostrovsky "senza dubbio il primo scrittore drammatico"). Nel 1859 furono pubblicate le prime opere raccolte del drammaturgo, che gli portarono fama e gioia umana.

Successivamente, due tendenze nella copertura del modo di vivere tradizionale - critico, accusatorio e poetico - si manifestarono pienamente e si fusero nella tragedia di Ostrovsky The Thunderstorm (1859).

L'opera, scritta nella cornice di genere del dramma sociale, è dotata allo stesso tempo di profondità tragica e significato storico del conflitto. Scontro a due personaggi femminili- Katerina Kabanova e sua suocera Marfa Ignatievna (Kabanikha) - in scala supera di gran lunga il conflitto tra generazioni, tradizionale per il teatro Ostrovsky. Il carattere del personaggio principale (chiamato da N.A. Dobrolyubov "un raggio di luce in un regno oscuro") è costituito da diverse dominanti: la capacità di amare, il desiderio di libertà, una coscienza sensibile e vulnerabile. Mostrando la naturalezza, la libertà interiore di Katerina, la drammaturga allo stesso tempo sottolinea che lei è, tuttavia, la carne della carne dello stile di vita patriarcale.

Vivendo secondo i valori tradizionali, Katerina, dopo aver tradito il marito, arrendendosi al suo amore per Boris, intraprende la strada della rottura con questi valori e ne è profondamente consapevole. Il dramma di Katerina, che si è denunciata davanti a tutti e si è suicidata, risulta essere dotato dei tratti della tragedia di un intero ordine storico, che si sta gradualmente distruggendo, diventando un ricordo del passato. Il timbro dell'escatologismo, il sentimento della fine, è segnato anche dall'atteggiamento di Marfa Kabanova, la principale antagonista di Katerina. Allo stesso tempo, l'opera di Ostrovsky è profondamente intrisa dell'esperienza della "poesia della vita popolare" (A. Grigoriev), elementi di canto e folklore, un senso di bellezza naturale (le caratteristiche del paesaggio sono presenti nelle osservazioni, stand nelle repliche dei personaggi).

Successivo grande periodo il lavoro del drammaturgo (1861-1886) rivela la vicinanza delle ricerche di Ostrovsky ai percorsi di sviluppo del romanzo russo contemporaneo - da M.E. Saltykov-Shchedrin a romanzi psicologici Tolstoj e Dostoevskij.

Le commedie degli anni “post-riforma” risuonano prepotentemente del tema del “denaro pazzo”, del carrierismo egoistico e spudorato dei rappresentanti della nobiltà impoverita, unito alla ricchezza delle caratteristiche psicologiche dei personaggi, al sempre- crescente arte della costruzione della trama del drammaturgo. Quindi, l '"antieroe" dell'opera teatrale "Basta stupidità per ogni saggio" (1868) Egor Glumov ricorda in qualche modo il Molchalin di Griboedov. Ma questo è Molchalin nuova era: per il momento, la mente inventiva e il cinismo di Glumov contribuiscono alla sua vertiginosa carriera iniziata. Queste stesse qualità, accenna il drammaturgo, nel finale della commedia non lasceranno cadere Glumov nell'abisso anche dopo la sua esposizione. Il tema della ridistribuzione delle benedizioni della vita, l'emergere di un nuovo tipo sociale e psicologico: un uomo d'affari ("Mad Money", 1869, Vasilkov) e persino un uomo d'affari predatore di nobili ("Wolves and Sheep", 1875, Berkutov) esisteva nell'opera di Ostrovsky fino alla fine del suo percorso di scrittore. Nel 1869 Ostrovsky contrasse un nuovo matrimonio dopo la morte di Agafya Ivanovna per tubercolosi. Dal suo secondo matrimonio, lo scrittore ha avuto cinque figli.

Di genere e compositivamente complessa, ricca di allusioni letterarie, citazioni nascoste e dirette della letteratura classica russa e straniera (Gogol, Cervantes, Shakespeare, Molière, Schiller), la commedia La foresta (1870) riassume il primo decennio post-riforma. L'opera tocca temi sviluppati dalla prosa psicologica russa: la graduale rovina dei "nobili nidi", il declino spirituale dei loro proprietari, la stratificazione del secondo stato e quelle collisioni morali in cui sono coinvolte le persone nelle nuove condizioni storiche e sociali. In questo caos sociale, domestico e morale, il portatore di umanità e nobiltà è un uomo d'arte: un nobile declassato e attore provinciale Neschastlivtsev.

Oltre alla "tragedia popolare" ("Temporale"), la commedia satirica ("Foresta"), Ostrovsky nella fase avanzata del suo lavoro crea anche opere esemplari nel genere del dramma psicologico ("Dowry", 1878, "Talents e ammiratori", 1881, "Without Guilty Guilty", 1884). Il drammaturgo in queste commedie espande, arricchisce psicologicamente i personaggi del palcoscenico. Correlandosi con i ruoli teatrali tradizionali e con le mosse drammatiche di uso comune, personaggi e situazioni risultano in grado di cambiare in modo imprevisto, dimostrando così l'ambiguità, l'incoerenza della vita interiore di una persona, l'imprevedibilità di ogni situazione quotidiana. Paratov non è solo un "uomo fatale", l'amante fatale di Larisa Ogudalova, ma anche un uomo dal calcolo mondano semplice e rozzo; Karandyshev non è solo un "piccolo uomo" che tollera i cinici "maestri della vita", ma anche una persona dall'immenso, doloroso orgoglio; Larisa non è solo un'eroina che soffre d'amore, idealmente diversa dal suo ambiente, ma anche sotto l'influenza di falsi ideali ("Dote"). Il personaggio di Negina ("Talenti e ammiratori") è risolto psicologicamente in modo ambiguo dal drammaturgo: la giovane attrice non solo sceglie la strada del servizio dell'arte, preferendola all'amore e alla felicità personale, ma accetta anche il destino di una donna mantenuta, cioè, “rafforza praticamente” la sua scelta. Il destino della famosa attrice Kruchinina ("Guilty Without Guilt") ha intrecciato sia l'ascesa all'Olimpo teatrale sia un terribile dramma personale. Ostrovsky segue così un percorso paragonabile ai percorsi della prosa realistica russa contemporanea: il percorso di una consapevolezza sempre più profonda della complessità della vita interiore dell'individuo, della natura paradossale della scelta che fa.

2. Idee, temi e personaggi sociali nelle opere drammatiche di A.N. Ostrovsky

.1 Creatività (la democrazia di Ostrovsky)

Nella seconda metà degli anni '50, alcuni importanti scrittori (Tolstoj, Turgenev, Goncharov, Ostrovsky) stipularono un accordo con la rivista Sovremennik sulla fornitura preferenziale delle loro opere. Ma presto questo accordo fu violato da tutti gli scrittori tranne Ostrovsky. Questo fatto è una delle testimonianze della grande vicinanza ideologica del drammaturgo con i redattori della rivista democratica rivoluzionaria.

Dopo la chiusura di Sovremennik, Ostrovsky, consolidando la sua alleanza con i democratici rivoluzionari, con Nekrasov e Saltykov-Shchedrin, pubblicò quasi tutte le sue opere sulla rivista Fatherland Notes.

Maturando ideologicamente, il drammaturgo raggiunge le vette della sua democrazia, dell'occidentalismo alieno e dello slavofilismo entro la fine degli anni '60. Nel suo pathos ideologico, la drammaturgia di Ostrovsky è la drammaturgia del riformismo pacifico-democratico, ardente propaganda dell'illuminazione e dell'umanità e protezione dei lavoratori.

La democrazia di Ostrovsky spiega connessione organica il suo lavoro con la poesia popolare orale, il materiale di cui ha usato così meravigliosamente nelle sue creazioni artistiche.

Il drammaturgo apprezza molto M.E. Saltykov-Shchedrin. Ne parla "nel modo più entusiasta, dichiarando di considerarlo non solo uno scrittore eccezionale, con metodi di satira incomparabili, ma anche un profeta in relazione al futuro".

Strettamente associato a Nekrasov, Saltykov-Shchedrin e altri leader della democrazia contadina rivoluzionaria, Ostrovsky, tuttavia, non era un rivoluzionario nelle sue opinioni socio-politiche. Nelle sue opere non ci sono inviti a una trasformazione rivoluzionaria della realtà. Ecco perché Dobrolyubov, completando l'articolo "The Dark Kingdom", ha scritto: "Dobbiamo confessare: non abbiamo trovato una via d'uscita dal" regno oscuro "nelle opere di Ostrovsky". Ma nella totalità delle sue opere, Ostrovsky ha dato risposte abbastanza chiare alle domande sulla trasformazione della realtà dal punto di vista della pacifica democrazia riformista.

Determinata la democrazia intrinseca di Ostrovsky grande potere la sua veste fortemente satirica della nobiltà, della borghesia e della burocrazia. In molti casi queste vesti sono state elevate al livello della critica più risoluta delle classi dominanti.

Il potere satirico accusatorio di molte delle opere di Ostrovsky è tale da servire oggettivamente alla causa della trasformazione rivoluzionaria della realtà, di cui parlava Dobrolyubov: “Le aspirazioni moderne della vita russa nelle dimensioni più estese trovano la loro espressione in Ostrovsky, come in un comico, dal lato negativo. Disegnandoci in un'immagine vivida false relazioni, con tutte le loro conseguenze, attraverso le stesse funge da eco di aspirazioni che richiedono un dispositivo migliore. Concludendo questo articolo, ha detto, e ancora più decisamente: "La vita russa e la forza russa sono chiamate dall'artista in The Thunderstorm a un compito decisivo".

Negli ultimi anni Ostrovsky ha una tendenza al miglioramento, che si riflette nella sostituzione di chiare caratteristiche sociali con quelle moralizzanti astratte, nella comparsa di motivi religiosi. Nonostante tutto ciò, la tendenza a migliorare non viola i fondamenti del lavoro di Ostrovsky: si manifesta entro i confini della sua democrazia e realismo intrinseci.

Ogni scrittore si distingue per la sua curiosità e osservazione. Ma Ostrovsky possedeva queste qualità al massimo grado. Ha guardato ovunque: per strada, a un incontro di lavoro, in una compagnia amichevole.

2.2 Innovazione A.N. Ostrovsky

L'innovazione di Ostrovsky si è già manifestata nell'argomento. Ha trasformato bruscamente la drammaturgia alla vita, alla sua vita quotidiana. È stato con le sue opere che il contenuto della drammaturgia russa è diventato la vita così com'è.

Lo sviluppo di un altamente cerchio largo Allo stesso tempo, Ostrovsky ha utilizzato principalmente il materiale della vita e dei costumi della regione dell'alto Volga e di Mosca in particolare. Ma indipendentemente dal luogo dell'azione, le opere di Ostrovsky rivelano i tratti essenziali delle principali classi sociali, proprietà e gruppi della realtà russa in una certa fase del loro sviluppo. sviluppo storico. "Ostrovsky", ha giustamente scritto Goncharov, "ha scarabocchiato l'intera vita di Mosca, cioè il Grande Stato russo".

Insieme alla copertura degli aspetti più importanti della vita dei mercanti, la drammaturgia del XVIII secolo non passò accanto a fenomeni privati ​​​​della vita mercantile come la passione per la dote, preparata su scala mostruosa ("La sposa sotto un velo, o le nozze piccolo-borghesi” di autore ignoto 1789)

Esprimendo le esigenze socio-politiche e i gusti estetici della nobiltà, del vaudeville e del melodramma, che invasero il teatro russo nella prima metà del XIX secolo, attenuarono notevolmente lo sviluppo del dramma e della commedia quotidiana, in particolare del dramma e della commedia con temi mercantili. Il vivo interesse del teatro per le commedie con temi mercantili emerse solo negli anni '30.

Se alla fine degli anni '30 e all'inizio degli anni '40 la vita dei mercanti nella letteratura drammatica era ancora percepita come un nuovo fenomeno in teatro, allora nella seconda metà degli anni '40 diventa già un cliché letterario.

Perché Ostrovsky si è rivolto al tema del mercante fin dall'inizio? Non solo perché vita mercantile lo ha letteralmente circondato: ha incontrato i mercanti nella casa di suo padre, al servizio. Per le strade di Zamoskvorechye, dove ha vissuto per molti anni.

Nelle condizioni della disintegrazione delle relazioni feudale-servo, la Russia del proprietario terriero si stava rapidamente trasformando nella Russia capitalista. La borghesia commerciale e industriale avanzava rapidamente sulla scena pubblica. Nel processo di trasformazione della Russia dei proprietari terrieri nella Russia capitalista, Mosca diventa un centro commerciale e industriale. Già nel 1832, la maggior parte delle case in esso apparteneva alla "classe media", cioè. mercanti e cittadini. Nel 1845, Belinsky dichiarò: “Il nucleo della popolazione indigena di Mosca è la classe mercantile. Quante vecchie case nobili sono ora passate in proprietà dei mercanti!

Una parte significativa delle commedie storiche di Ostrovsky è dedicata agli eventi del cosiddetto "Time of Troubles". Questa non è una coincidenza. Il periodo turbolento dei "guai", chiaramente segnato dalla lotta di liberazione nazionale del popolo russo, riecheggia chiaramente il crescente movimento contadino degli anni '60 per la loro libertà, con la dura lotta delle forze reazionarie e progressiste che si è svolta in questi anni nella società , nel giornalismo e nella letteratura.

Raffigurando il lontano passato, il drammaturgo aveva in mente il presente. Esponendo le ulcere del sistema socio-politico e delle classi dirigenti, ha flagellato l'ordine autocratico contemporaneo. Attingendo a opere teatrali sulle immagini del passato di persone infinitamente devote alla loro patria, riproducendo la grandezza spirituale e la bellezza morale della gente comune, ha così espresso simpatia per i lavoratori della sua epoca.

Le commedie storiche di Ostrovsky sono un'espressione attiva del suo patriottismo democratico, un'effettiva realizzazione della sua lotta contro le forze reazionarie della modernità, per le sue aspirazioni progressiste.

Le commedie storiche di Ostrovsky, apparse durante gli anni di una feroce lotta tra materialismo, idealismo, ateismo e religione, democratismo rivoluzionario e reazione, non potevano essere portate allo scudo. Le commedie di Ostrovsky enfatizzavano l'importanza del principio religioso, ei democratici rivoluzionari intrapresero una propaganda atea inconciliabile.

Inoltre, la critica avanzata ha percepito negativamente l'allontanamento stesso del drammaturgo dal presente al passato. Le opere storiche di Ostrovsky iniziarono a trovare una valutazione più o meno obiettiva in seguito. Il loro vero valore ideologico e artistico comincia a realizzarsi solo nella critica sovietica.

Ostrovsky, raffigurante il presente e il passato, è stato portato via dai suoi sogni nel futuro. Nel 1873. Crea una meravigliosa fiaba "The Snow Maiden". Questa è un'utopia sociale. Ha una trama, personaggi e ambientazioni favolosi. Profondamente diverso nella sua forma dai drammi sociali del drammaturgo, entra organicamente nel sistema delle idee democratiche e umanistiche del suo lavoro.

IN letteratura critica su The Snow Maiden, è stato giustamente sottolineato che Ostrovsky disegna qui un "regno contadino", una "comunità contadina", sottolineando ancora una volta la sua democrazia, il suo legame organico con Nekrasov, che idealizzava i contadini.

È con Ostrovsky che inizia il suo teatro russo comprensione moderna: lo scrittore ha creato una scuola di teatro e un concetto olistico di suonare a teatro.

L'essenza del teatro di Ostrovsky è l'assenza di situazioni estreme e l'opposizione all'istinto dell'attore. Le commedie di Alexander Nikolaevich descrivono situazioni ordinarie con persone normali i cui drammi entrano nella vita quotidiana e nella psicologia umana.

Le idee principali della riforma del teatro:

· il teatro dovrebbe essere costruito su convenzioni (c'è una quarta parete che separa il pubblico dagli attori);

· immutabilità dell'atteggiamento nei confronti del linguaggio: padronanza caratteristiche del discorso esprimere quasi tutto sui personaggi;

· scommettere su più di un attore;

· "La gente va a vedere la partita, non la commedia in sé: puoi leggerla".

Il teatro di Ostrovsky richiedeva una nuova estetica scenica, nuovi attori. In accordo con ciò, Ostrovsky crea un insieme di attori, che include attori come Martynov, Sergei Vasilyev, Evgeny Samoilov, Prov Sadovsky.

Naturalmente, le innovazioni hanno incontrato avversari. Erano, per esempio, Shchepkin. La drammaturgia di Ostrovsky richiedeva all'attore il distacco dalla sua personalità, che M.S. Shchepkin no. Ad esempio, ha lasciato le prove generali di The Thunderstorm, essendo molto insoddisfatto dell'autore dell'opera.

Le idee di Ostrovsky furono portate alla loro logica conclusione da Stanislavsky.

.3 Drammaturgia socio-etica di Ostrovsky

Dobrolyubov ha affermato che Ostrovsky "ha esposto in modo estremamente completo due tipi di relazioni: relazioni familiari e relazioni di proprietà". Ma queste relazioni sono sempre date loro in un ampio quadro sociale e morale.

La drammaturgia di Ostrovsky è socio-etica. Solleva e risolve i problemi della moralità, del comportamento umano. Goncharov ha giustamente attirato l'attenzione su questo: “Ostrovsky è solitamente chiamato uno scrittore della vita quotidiana, della morale, ma questo non esclude il lato mentale ... non ha una sola commedia in cui questo o quell'interesse, sentimento, verità della vita puramente umani non è influenzato”. L'autore di "Thunderstorm" e "Dowry" non è mai stato un lavoratore quotidiano ristretto. Continuando le migliori tradizioni della drammaturgia progressista russa, fonde organicamente nelle sue opere motivi familiari e quotidiani, morali e quotidiani con motivi profondamente sociali o addirittura socio-politici.

Al centro di quasi tutte le sue opere teatrali c'è il tema principale e conduttore di grande risonanza sociale, che viene rivelato con l'ausilio di temi privati ​​subordinati, per lo più quotidiani. Pertanto, le sue opere acquisiscono una complessità tematicamente complessa, versatilità. Quindi, ad esempio, il tema principale della commedia "La propria gente - sistemiamoci!" - la predazione sfrenata, che ha portato al fallimento doloso - si svolge in un intreccio organico con i suoi argomenti privati ​​subordinati: educazione, rapporti tra anziani e giovani, padri e figli, coscienza e onore, ecc.

Poco prima della comparsa di "Thunderstorm" N.A. Dobrolyubov ha pubblicato gli articoli "Dark Kingdom", in cui sosteneva che Ostrovsky "possiede una profonda comprensione della vita russa ed è bravo a ritrarre i suoi aspetti più essenziali in modo nitido e vivido".

Il Temporale è servito come nuova prova della correttezza delle proposizioni espresse dal critico democratico-rivoluzionario. In The Thunderstorm, il drammaturgo ha finora mostrato con eccezionale forza lo scontro tra vecchie tradizioni e nuove tendenze, tra oppressi e oppressori, tra le aspirazioni delle persone oppresse per la libera manifestazione dei loro bisogni spirituali, inclinazioni, interessi e il sociale e gli ordini familiari-domestici che dominavano nelle condizioni di vita pre-riforma.

Decidere problema reale figli illegittimi, la loro impotenza sociale, Ostrovsky nel 1883 creò la commedia Guilty Without Guilt. Questo problema è stato toccato in letteratura sia prima che dopo Ostrovsky. La narrativa democratica vi ha prestato particolare attenzione. Ma in nessun'altra opera questo tema suonava con una passione così penetrante come nella commedia Guilty Without Guilt. A conferma della sua rilevanza, un contemporaneo del drammaturgo ha scritto: "La questione del destino degli illegittimi è una questione inerente a tutte le classi".

In questa commedia, anche il secondo problema è rumoroso: l'arte. Ostrovsky li legò abilmente e giustamente in un unico nodo. Ha trasformato una madre in cerca di suo figlio in un'attrice e ha svolto tutti gli eventi in un ambiente artistico. Così, due problemi eterogenei si sono fusi in un processo di vita organicamente inseparabile.

I modi per creare un'opera d'arte sono molto diversi. Lo scrittore può passare da un fatto reale che lo ha colpito o da un problema, un'idea che lo ha entusiasmato, da un eccesso di esperienza di vita o dall'immaginazione. UN. Ostrovsky, di regola, partiva dai fenomeni concreti della realtà, ma allo stesso tempo difendeva una certa idea. Il drammaturgo condivideva pienamente il giudizio di Gogol secondo cui “l'idea, il pensiero governa l'opera. Senza di esso, non c'è unità in esso. Guidato da questa posizione, l'11 ottobre 1872 scrisse al suo coautore N.Ya. Solovyov: "Ho lavorato a "The Savage Woman" per tutta l'estate, e ho pensato per due anni, non solo non ho un solo personaggio o posizione, ma non c'è una sola frase che non seguirebbe rigorosamente dall'idea ... "

Il drammaturgo è sempre stato oppositore della didattica frontale, così caratteristica del classicismo, ma allo stesso tempo ha difeso la necessità di una completa chiarezza della posizione dell'autore. Nelle sue commedie si può sempre sentire l'autore-cittadino, patriota del suo paese, figlio del suo popolo, paladino della giustizia sociale, che agisce sia come appassionato difensore, avvocato, sia come giudice e pubblico ministero.

La posizione sociale, ideologica e ideologica di Ostrovsky è chiaramente rivelata in relazione alle varie classi sociali e personaggi rappresentati. Mostrando i mercanti, Ostrovsky rivela con particolare pienezza il suo egoismo predatore.

Insieme all'egoismo, una caratteristica essenziale della borghesia ritratta da Ostrovsky è l'avidità, accompagnata da un'avidità insaziabile e da spudorati imbrogli. L'avidità acquisitiva di questa classe consuma tutto. Sentimenti affini, amicizia, onore, coscienza vengono scambiati qui con denaro. Lo scintillio dell'oro oscura in questo ambiente tutti i soliti concetti di moralità e onestà. Qui, una madre facoltosa dà la sua unica figlia a un vecchio solo perché "non becca soldi" ("Family Picture"), e un padre ricco cerca uno sposo per la sua, anche lei unica figlia, considerando solo che ha " c'erano soldi e un piccolo dolore alla dote "(" "Persone proprie - sistemiamoci!").

Nell'ambiente commerciale ritratto da Ostrovsky, nessuno tiene conto delle opinioni, dei desideri e degli interessi degli altri, considerando solo la propria volontà e arbitrarietà personale come base della propria attività.

Una caratteristica integrante della borghesia commerciale e industriale ritratta da Ostrovsky è l'ipocrisia. I mercanti si sforzavano di nascondere la loro natura fraudolenta sotto la maschera della calma e della pietà. La religione dell'ipocrisia professata dai mercanti divenne la loro essenza.

Egoismo predatore, avidità acquisita, praticità ristretta, totale mancanza di indagini spirituali, ignoranza, tirannia, ipocrisia e ipocrisia: queste sono le principali caratteristiche morali e psicologiche della borghesia commerciale e industriale pre-riforma ritratta da Ostrovsky, le sue proprietà essenziali.

Riproducendo la borghesia commerciale e industriale pre-riforma con il suo stile di vita pre-costruzione, Ostrovsky ha mostrato chiaramente che nella vita le forze che si opponevano stavano già crescendo, minando inesorabilmente le sue fondamenta. Il terreno sotto i piedi dei despoti autoindulgenti divenne sempre più traballante, prefigurando la loro inevitabile fine nel futuro.

La realtà post-riforma è molto cambiata nella posizione della classe mercantile. Il rapido sviluppo dell'industria, la crescita del mercato interno e l'espansione delle relazioni commerciali con l'estero hanno trasformato la borghesia commerciale e industriale in una forza non solo economica ma anche politica. Il tipo del vecchio commerciante pre-riforma iniziò a essere sostituito da uno nuovo. Venne a sostituirlo un mercante di altro genere.

In risposta al nuovo che la realtà post-riforma ha introdotto nella vita e nei costumi dei mercanti, Ostrovsky pone ancora più nettamente nelle sue opere la lotta della civiltà con il patriarcato, dei nuovi fenomeni con l'antichità.

Seguendo il corso mutevole degli eventi, il drammaturgo disegna in alcune delle sue opere nuovo tipo commerciante, formatosi dopo il 1861. Acquisendo una lucentezza europea, questo commerciante nasconde la sua essenza egoista e predatoria sotto plausibilità esterna.

Disegnando rappresentanti della borghesia commerciale e industriale dell'era post-riforma, Ostrovsky ne espone l'utilitarismo, l'ottusità, la povertà spirituale, la preoccupazione per gli interessi dell'accaparramento e il comfort domestico. “La borghesia”, si legge nel Manifesto del partito comunista, “ha strappato il suo toccante velo sentimentale dai rapporti familiari e li ha ridotti a rapporti puramente monetari”. Vediamo una convincente conferma di questa posizione nelle relazioni familiari e quotidiane della borghesia russa pre-riforma e, in particolare, post-riforma, rappresentata da Ostrovsky.

Il matrimonio e le relazioni familiari sono qui subordinati agli interessi dell'imprenditorialità e del profitto.

La civiltà ha indubbiamente snellito la tecnica dei rapporti professionali tra la borghesia commerciale e quella industriale e le ha conferito la lucentezza di una cultura esterna. Ma l'essenza della pratica sociale della borghesia pre-riforma e post-riforma è rimasta immutata.

Confrontando la borghesia con la nobiltà, Ostrovsky preferisce la borghesia, ma da nessuna parte, tranne tre commedie- "Non sederti sulla tua slitta", "La povertà non è un vizio", "Non vivere come vuoi", - non la idealizza come una tenuta. È chiaro a Ostrovsky che i fondamenti morali dei rappresentanti della borghesia sono determinati dalle condizioni del loro ambiente, della loro esistenza sociale, che è un'espressione particolare del sistema, che si basa sul dispotismo, il potere della ricchezza. L'attività commerciale e imprenditoriale della borghesia non può servire come fonte di crescita spirituale personalità umana, umanità e moralità. La pratica sociale della borghesia può solo sfigurare la personalità umana, instillando in essa proprietà individualistiche e antisociali. La borghesia, che storicamente sostituisce la nobiltà, è viziosa nella sua essenza. Ma è diventata una forza non solo economica, ma anche politica. Mentre i mercanti di Gogol avevano paura del sindaco come il fuoco e si crogiolavano ai suoi piedi, i mercanti di Ostrovsky trattano il sindaco con familiarità.

Raffigurando gli affari e i giorni della borghesia commerciale e industriale, la sua vecchia e giovane generazione, il drammaturgo ha mostrato una galleria di immagini piene di originalità individuale, ma, di regola, senza anima e cuore, senza vergogna e coscienza, senza pietà e compassione .

Anche la burocrazia russa della seconda metà del XIX secolo, con le sue proprietà intrinseche di carrierismo, appropriazione indebita e corruzione, fu oggetto di aspre critiche da parte di Ostrovsky. Esprimendo gli interessi della nobiltà e della borghesia, era infatti la forza socio-politica dominante. "L'autocrazia zarista è", disse Lenin, "l'autocrazia dei funzionari".

Il potere della burocrazia, diretto contro gli interessi del popolo, era incontrollato. I rappresentanti del mondo burocratico sono i Vyshnevsky ("Luogo redditizio"), i Potrokhov ("Pane del lavoro"), gli Gnevyshev ("La sposa ricca") e i Benevolensky ("La sposa povera").

I concetti di giustizia e dignità umana esistono nel mondo burocratico in un senso egoistico, estremamente volgare.

Rivelando i meccanismi dell'onnipotenza burocratica, Ostrovsky dipinge un quadro del terribile formalismo che ha dato vita a oscuri uomini d'affari come Zakhar Zakharych ("Una notte da leoni a uno strano banchetto") e Mudrov ("Hard Days").

È del tutto naturale che i rappresentanti dell'onnipotenza autocratico-burocratica siano strangolatori di ogni libero pensiero politico.

Rubando dal tesoro, prendendo tangenti, spergiuro, imbiancando il male e annegando la giusta causa in un flusso cartaceo di pettegolezzi astuti casistici, queste persone sono moralmente devastate, tutto ciò che è umano in loro è esposto alle intemperie, per loro non c'è nulla di caro: coscienza e onore sono venduti per luoghi redditizi, ranghi, soldi.

Ostrovsky ha mostrato in modo convincente la fusione organica della burocrazia, la burocrazia con la nobiltà e la borghesia, l'unità dei loro interessi economici e socio-politici.

Riproducendo gli eroi della vita burocratica borghese conservatrice con la loro volgarità e impenetrabile ignoranza, avidità carnivora e maleducazione, il drammaturgo crea una magnifica trilogia su Balzaminov.

Guardando avanti nei suoi sogni verso il futuro, quando sposerà una ricca sposa, l'eroe di questa trilogia dice: “In primo luogo, mi cucirei un mantello blu con una fodera di velluto nero ... mi comprerei un cavallo grigio e un correre droshky e guidare lungo l'Hook, madre, e lui ha governato ... ".

Balzaminov è la personificazione dei volgari limiti burocratici piccolo-borghesi. Questo è un tipo di grande potere generalizzante.

Ma una parte significativa della piccola burocrazia, trovandosi socialmente tra l'incudine e il martello, subì essa stessa l'oppressione del sistema autocratico-dispotico. Tra i piccoli funzionari c'erano molti onesti lavoratori che si piegavano e spesso cadevano sotto un peso insopportabile. ingiustizie sociali, privazione e bisogno. Ostrovsky trattava questi lavoratori con ardente attenzione e simpatia. Ha dedicato una serie di commedie alle piccole persone del mondo burocratico, dove si comportano come erano nella realtà: buoni e cattivi, intelligenti e stupidi, ma entrambi sono indigenti, privati ​​​​dell'opportunità di rivelare le loro migliori capacità.

Sentivano più acutamente la loro infrazione sociale, più profondamente sentivano la loro futilità persone in un modo o nell'altro eccezionali. E così le loro vite furono per lo più tragiche.

I rappresentanti dell'intellighenzia operaia a immagine di Ostrovsky sono persone di vivacità spirituale e luminoso ottimismo, buona volontà e umanesimo.

La franchezza di principio, la purezza morale, una ferma convinzione nella verità delle proprie azioni e il brillante ottimismo dell'intellighenzia operaia trovano un ardente sostegno da Ostrovsky. Raffigurando i rappresentanti dell'intellighenzia lavoratrice come veri patrioti della loro patria, come portatori di luce, progettati per dissipare l'oscurità del regno oscuro, basato sul potere del capitale e dei privilegi, dell'arbitrarietà e della violenza, il drammaturgo mette i suoi cari pensieri nel loro discorsi.

Le simpatie di Ostrovsky appartenevano non solo all'intellighenzia lavoratrice, ma anche ai normali lavoratori. Li ha trovati nel filisteismo: una tenuta eterogenea, complessa e contraddittoria. Per le loro stesse aspirazioni, i piccolo-borghesi sono attaccati alla borghesia e, per la loro essenza lavorativa, alla gente comune. Ostrovsky ritrae da questa tenuta principalmente persone che lavorano, mostrando loro evidente simpatia.

Generalmente gente semplice nelle commedie di Ostrovsky sono portatori di una mente naturale, nobiltà spirituale, onestà, innocenza, gentilezza, dignità umana e sincerità di cuore.

mostrando lavoratori città, Ostrovsky penetra con profondo rispetto per i loro meriti spirituali e ardente simpatia per la loro situazione. Agisce come un difensore diretto e coerente di questo strato sociale.

Approfondendo le tendenze satiriche della drammaturgia russa, Ostrovsky ha agito come uno spietato denunciatore delle classi sfruttatrici e, quindi, del sistema autocratico. Il drammaturgo ha ritratto un sistema sociale in cui il valore della personalità umana è determinato solo dalla sua ricchezza materiale, in cui i lavoratori poveri sperimentano pesantezza e disperazione, e carrieristi e corrotti prosperano e trionfano. Pertanto, il drammaturgo ha sottolineato la sua ingiustizia e depravazione.

Ecco perché nelle sue commedie e nei suoi drammi tutti i personaggi positivi si trovano prevalentemente in situazioni drammatiche: soffrono, soffrono e persino muoiono. La loro felicità è accidentale o immaginaria.

Ostrovsky era dalla parte di questa crescente protesta, vedendo in essa un segno dei tempi, un'espressione di un movimento nazionale, l'inizio di ciò che avrebbe cambiato tutta la vita nell'interesse dei lavoratori.

Essere uno di i rappresentanti più brillanti Realismo critico russo, Ostrovsky non solo ha negato, ma ha anche affermato. Usando tutte le possibilità della sua abilità, il drammaturgo ha attaccato coloro che opprimevano il popolo e sfiguravano le loro anime. Permeando il suo lavoro di patriottismo democratico, ha detto: "Come russo, sono pronto a sacrificare tutto ciò che posso per la patria".

Confrontando le opere teatrali di Ostrovsky con i suoi romanzi e racconti liberali-accusatori contemporanei, Dobrolyubov ha giustamente scritto nell'articolo “Un raggio di luce nel regno oscuro”: “È impossibile non ammettere che il lavoro di Ostrovsky è molto più fruttuoso: ha catturato tali aspirazioni generali e bisogni che permeano l'intera società russa la cui voce si sente in tutti i fenomeni della nostra vita, la cui soddisfazione è una condizione necessaria per il nostro ulteriore sviluppo.

Conclusione

La stragrande maggioranza della drammaturgia dell'Europa occidentale del XIX secolo rifletteva i sentimenti e i pensieri della borghesia, che dominava tutte le sfere della vita, ne elogiava la morale e gli eroi e affermava l'ordine capitalista. Ostrovsky ha espresso l'umore, i principi morali, le idee degli strati lavorativi del paese. E questo ha determinato l'altezza della sua ideologia, quella forza della sua protesta pubblica, quella veridicità nella sua rappresentazione dei tipi di realtà con cui si distingue così chiaramente sullo sfondo di tutto il dramma mondiale del suo tempo.

L'attività creativa di Ostrovsky ha avuto una forte influenza sull'intero ulteriore sviluppo del dramma progressista russo. È stato da lui che hanno studiato i nostri migliori drammaturghi, ha insegnato. Fu a lui che gli aspiranti scrittori drammatici furono attratti ai loro tempi.

Ostrovsky ha avuto un enorme impatto sull'ulteriore sviluppo del dramma russo e dell'arte teatrale. IN E. Nemirovich-Danchenko e K.S. Stanislavskij, i fondatori del Moscow Art Theatre, cercarono di creare "un teatro popolare con approssimativamente gli stessi compiti e piani sognati da Ostrovsky". La drammatica innovazione di Cechov e Gorky sarebbe stata impossibile senza padroneggiare le migliori tradizioni del loro straordinario predecessore. Ostrovsky divenne un alleato e compagno d'armi di drammaturghi, registi e attori nella loro lotta per la nazionalità e l'alta ideologia dell'arte sovietica.

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Composizione

Il drammaturgo quasi non ha messo nel suo lavoro problemi politici e filosofici, espressioni facciali e gesti, giocando con i dettagli dei loro costumi e dell'ambiente quotidiano. Per aumentare gli effetti comici, il drammaturgo di solito introduceva nella trama persone minori - parenti, servi, clienti, passanti casuali - e circostanze secondarie della vita quotidiana. Tali, ad esempio, sono il seguito di Khlynov e il gentiluomo con i baffi in The Hot Heart, o Apollo Murzavetsky con il suo Tamerlano nella commedia Wolves and Sheep, o l'attore Schastlivtsev sotto Neschastlivtsev e Paratov in The Forest and The Dowry, ecc. il drammaturgo, come prima, ha cercato di rivelare i caratteri dei personaggi non solo nel corso degli eventi, ma non meno attraverso le peculiarità dei loro dialoghi quotidiani - dialoghi "caratterologici", da lui padroneggiati esteticamente in "His People .. .".

Così, nel nuovo periodo di creatività, Ostrovsky agisce come un maestro affermato con un sistema completo di arte drammatica. La sua fama, i suoi legami sociali e teatrali continuano a crescere ea diventare più complessi. L'abbondanza di opere teatrali create nel nuovo periodo è stata il risultato di una domanda sempre crescente di opere di Ostrovsky da parte di riviste e teatri. Durante questi anni, il drammaturgo non solo ha lavorato instancabilmente se stesso, ma ha trovato la forza per aiutare scrittori meno dotati e alle prime armi, e talvolta partecipare attivamente con loro al loro lavoro. Così, in collaborazione creativa con Ostrovsky, sono state scritte numerose commedie di N. Solovyov (le migliori sono "Le nozze di Belugin" e "Wild Woman"), così come P. Nevezhin.

Contribuendo costantemente alla messa in scena delle sue opere sui palcoscenici dei teatri Alessandria di Mosca Maly e San Pietroburgo, Ostrovsky conosceva bene lo stato delle cose teatrali, che erano principalmente sotto la giurisdizione dell'apparato statale burocratico, ed era amaramente consapevole del loro clamoroso carenze. Vide che non rappresentava l'intellighenzia nobile e borghese nella sua ricerca ideologica, come fecero Herzen, Turgenev e in parte Goncharov. Nelle sue commedie mostrava la vita sociale quotidiana dei normali rappresentanti della classe mercantile, della burocrazia, della nobiltà, una vita in cui si manifestavano conflitti personali, in particolare amorosi, scontri di interessi familiari, monetari e patrimoniali.

Ma la consapevolezza ideologica e artistica di Ostrovsky di questi aspetti della vita russa aveva un profondo significato nazionale e storico. Attraverso le relazioni quotidiane di quelle persone che erano le padrone e le padrone della vita, si rivelava la loro condizione sociale generale. Proprio come, secondo l'appropriata osservazione di Chernyshevsky, il comportamento codardo del giovane liberale, l'eroe della storia di Turgenev "Asya", ad un appuntamento con una ragazza era un "sintomo della malattia" di tutto il nobile liberalismo, la sua debolezza politica, così la tirannia quotidiana e il comportamento predatorio di mercanti, funzionari e nobili rappresentavano un sintomo di una malattia più terribile della loro completa incapacità di conferire almeno in una certa misura alle loro attività un significato progressista a livello nazionale.

Questo era abbastanza naturale e naturale nel periodo pre-riforma. Quindi la tirannia, l'arroganza, la predazione dei Voltov, Vyshnevsky, Ulanbekov era una manifestazione del "regno oscuro" della servitù, già destinato a essere demolito. E Dobrolyubov ha correttamente sottolineato che sebbene la commedia di Ostrovsky "non possa fornire una chiave per spiegare molti degli amari fenomeni in essa rappresentati", tuttavia "può facilmente portare a molte considerazioni analoghe relative a quella vita, che non riguarda direttamente". E il critico lo ha spiegato con il fatto che i "tipi" di piccoli tiranni, allevati da Ostrovsky, "non di rado contengono caratteristiche non solo esclusivamente mercantili o burocratiche, ma anche nazionali (cioè nazionali)". In altre parole, le commedie di Ostrovsky del 1840-1860. indirettamente esposto tutti i "regni oscuri" del sistema autocratico-feudale.

Nei decenni successivi alla riforma la situazione è cambiata. Poi "tutto è stato capovolto" e il nuovo sistema borghese della vita russa ha iniziato gradualmente ad "adattarsi" a prendere parte alla lotta per la distruzione dei resti del "regno oscuro" della servitù e dell'intero proprietario terriero autocratico sistema.

Quasi venti nuove commedie di Ostrovsky su temi contemporanei hanno dato una chiara risposta negativa a questa domanda fatale. Il drammaturgo, come prima, ha rappresentato il mondo delle relazioni private sociali, domestiche, familiari e patrimoniali. Non tutto gli era chiaro nelle tendenze generali del loro sviluppo, e la sua "lira" a volte emetteva "suoni corretti" a questo riguardo. Ma nel complesso, le opere di Ostrovsky contenevano un certo orientamento oggettivo. Hanno esposto sia i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo sia il "regno oscuro" emergente della predazione borghese, della campagna pubblicitaria del denaro, della distruzione di tutti i valori morali in un'atmosfera di compravendita generale. Hanno dimostrato che gli uomini d'affari e gli industriali russi non sono in grado di raggiungere la realizzazione degli interessi dello sviluppo nazionale, che alcuni di loro, come Khlynov e Akhov, sono capaci solo di indulgere in piaceri grossolani, altri, come Knurov e Berkutov, possono subordinare solo tutto ciò che li circonda ai loro interessi predatori, "da lupo", e per terze parti, come Vasilkov o Frol Pribytkov, gli interessi del profitto sono coperti solo dalla decenza esteriore e da richieste culturali molto ristrette. Le commedie di Ostrovsky, oltre ai piani e alle intenzioni del loro autore, delineavano oggettivamente una certa prospettiva di sviluppo nazionale - la prospettiva dell'inevitabile distruzione di tutti i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo autocratico della gleba, non solo senza la partecipazione di la borghesia, non solo sopra la sua testa, ma insieme alla distruzione del suo stesso "regno oscuro" predatore

La realtà rappresentata nelle commedie quotidiane di Ostrovsky era una forma di vita priva di un contenuto progressista nazionale, e quindi rivelava facilmente un'incoerenza comica interna. Ostrovsky ha dedicato il suo eccezionale talento drammatico alla sua divulgazione. Basandosi sulla tradizione delle commedie e delle storie realistiche di Gogol, ricostruendola secondo le nuove esigenze estetiche avanzate dalla "scuola naturale" degli anni Quaranta dell'Ottocento e formulate da Belinsky e Herzen, Ostrovsky ha tracciato l'incoerenza comica della vita sociale e quotidiana di gli strati dirigenti della società russa, approfondendo i "dettagli del mondo", guardando filo dopo filo la "rete delle relazioni quotidiane". Questo è stato il risultato principale del nuovo stile drammatico creato da Ostrovsky.

Ostrovsky ha scritto per il teatro. Questa è la particolarità del suo dono. Le immagini e le immagini della vita che ha creato sono destinate al palcoscenico. Ecco perché il discorso dei personaggi di Ostrovsky è così importante, ecco perché le sue opere suonano così brillanti. Non c'è da stupirsi che Innokenty Annensky lo abbia definito un ascoltatore realista. Senza messa in scena sul palco, le sue opere erano come se non fossero state completate, motivo per cui Ostrovsky ha preso così duramente il divieto delle sue opere da parte della censura teatrale. La commedia "Our People - Let's Settle" è stata autorizzata a essere messa in scena a teatro solo dieci anni dopo che Pogodin è riuscito a pubblicarla su una rivista.

Con un sentimento di palese soddisfazione, A. N. Ostrovsky scrisse il 3 novembre 1878 al suo amico, artista Teatro di Alessandria AF Burdin: "Ho già letto la mia commedia a Mosca cinque volte, tra gli ascoltatori c'erano persone che mi erano ostili e tutti hanno riconosciuto all'unanimità The Dowry come il migliore di tutti i miei lavori". Ostrovsky viveva "Dote", a volte solo su di lei, la sua quarantesima cosa, dirigeva "la sua attenzione e la sua forza", volendo "finirla" nel modo più completo. Nel settembre 1878 scrive a un suo conoscente: “Sto lavorando con tutte le mie forze alla mia commedia; non sembra male". Già un giorno dopo la prima, il 12 novembre, Ostrovsky ha potuto scoprire, e senza dubbio ha appreso da Russkiye Vedomosti, come è riuscito a "stancare l'intero pubblico, fino agli spettatori più ingenui". Perché lei - il pubblico - ha chiaramente "superato" quegli spettacoli che le offre. Negli anni '70 il rapporto di Ostrovsky con critici, teatri e pubblico si fa sempre più complicato. Il periodo in cui godette di un riconoscimento universale, da lui conquistato tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio degli anni Sessanta, fu sostituito da un altro, che cresceva sempre di più in diversi circoli di raffreddamento nei confronti del drammaturgo.

La censura teatrale era più severa della censura letteraria. Questa non è una coincidenza. In sostanza, l'arte teatrale è democratica, è più diretta della letteratura, si rivolge al grande pubblico. Ostrovsky nella sua “Nota sulla situazione dell'arte drammatica in Russia al tempo presente” (1881) scrisse che “la poesia drammatica è più vicina alla gente di altri rami della letteratura. Tutte le altre opere sono scritte per persone istruite, ma i drammi e le commedie sono scritte per tutto il popolo; gli scrittori drammatici devono ricordarselo sempre, devono essere chiari e forti. Questa vicinanza al popolo non degrada minimamente la poesia drammatica, ma, al contrario, ne raddoppia la forza e non le permette di diventare volgare e meschina. Ostrovsky parla nella sua "Nota" di come il pubblico teatrale in Russia si espanse dopo il 1861. Ostrovsky scrive a un nuovo spettatore, non esperto di arte, Ostrovsky scrive: “La letteratura raffinata è ancora noiosa per lui e incomprensibile, anche la musica, solo il teatro gli dà pieno piacere, lì vive come un bambino tutto ciò che accade sul palcoscenico, simpatizza con il bene e riconosce il male, chiaramente presentato." Per un pubblico "fresco", ha scritto Ostrovsky, "sono richiesti un dramma forte, una commedia su larga scala, risate provocatorie, franche, forti, sentimenti caldi e sinceri".

È il teatro, secondo Ostrovsky, che affonda le sue radici nello spettacolo popolare, ha la capacità di influenzare direttamente e fortemente le anime delle persone. Due decenni e mezzo dopo, Alexander Blok, parlando di poesia, scriverà che la sua essenza sta nelle verità principali, “camminanti”, nella capacità di trasmetterle al cuore del lettore, che il teatro ha:

Andate avanti, ronzini in lutto!
Attori, padroneggiate il mestiere,
A dalla verità ambulante
Tutti si sentivano male e leggeri!

("Balagan", 1906)

La grande importanza che Ostrovsky attribuiva al teatro, i suoi pensieri sull'arte teatrale, sulla posizione del teatro in Russia, sul destino degli attori - tutto ciò si rifletteva nelle sue opere. I contemporanei percepivano Ostrovsky come un successore dell'arte drammatica di Gogol. Ma la novità delle sue commedie è stata subito notata. Già nel 1851, nell'articolo "Un sogno in occasione di una commedia", il giovane critico Boris Almazov sottolineava le differenze tra Ostrovsky e Gogol. L'originalità di Ostrovsky consisteva non solo nel fatto che ritraeva non solo gli oppressori, ma anche le loro vittime, non solo nel fatto che, come scriveva I. Annensky, Gogol era principalmente un poeta del "visivo", e Ostrovsky "udiva " impressioni.

L'originalità, la novità di Ostrovsky si sono manifestate anche nella scelta del materiale vitale, nel soggetto dell'immagine: ha padroneggiato nuovi strati di realtà. Era lo scopritore, Colombo, non solo di Zamoskvorechye, - che solo noi non vediamo, le cui voci non sentiamo nelle opere di Ostrovsky! Innokenty Annensky ha scritto: “... Questo è un virtuoso delle immagini sonore: mercanti, vagabondi, operai e insegnanti di lingua latina, tartari, zingari, attori e prostitute, bar, impiegati e piccoli burocrati-Ostrovsky ha dato un'enorme galleria di discorsi tipici ..." Gli attori, l'ambiente teatrale - anche il nuovo materiale di vita che Ostrovsky padroneggiava - tutto ciò che riguardava il teatro gli sembrava molto importante.

Nella vita dello stesso Ostrovsky, il teatro ha avuto un ruolo enorme. Ha preso parte alla produzione delle sue opere teatrali, ha lavorato con attori, è stato amico di molti di loro, ha corrisposto. Ha fatto molti sforzi per difendere i diritti degli attori, cercando di creare una scuola di teatro in Russia, il suo repertorio. Artista del Maly Theatre N.V. Rykalova ha ricordato: Ostrovsky, “avendo conosciuto meglio la troupe, è diventato il nostro uomo. Il gruppo lo amava moltissimo. Alexander Nikolaevich era insolitamente affettuoso e cortese con tutti. Sotto il regime dei servi che prevaleva in quel momento, quando i capi dicevano "tu" all'artista, quando la maggior parte della troupe proveniva da servi, il trattamento di Ostrovsky sembrava a tutti una sorta di rivelazione. Di solito Alexander Nikolayevich metteva in scena lui stesso le sue opere ... Ostrovsky riuniva una compagnia e le leggeva una commedia. Era straordinariamente bravo a leggere. Tutti i personaggi sono usciti da lui come se fossero vivi ... Ostrovsky conosceva bene la vita interiore, nascosta agli occhi del pubblico, dietro le quinte del teatro. A partire da The Forest (1871), Ostrovsky sviluppa il tema del teatro, crea immagini di attori, descrive il loro destino - questa commedia è seguita da Comic XVII secolo"(1873), "Talenti e ammiratori" (1881), "Colpevole senza colpa" (1883).

La posizione degli attori nel teatro, il loro successo dipendeva dal fatto che piacessero o meno ai ricchi spettatori che davano il tono alla città. Dopotutto, le compagnie provinciali vivevano principalmente di donazioni di mecenati locali, che si sentivano padroni del teatro e potevano dettare le loro condizioni. Molte attrici vivevano di regali costosi da ricchi fan. L'attrice, che amava il suo onore, ha avuto un momento difficile. In "Talenti e ammiratori" Ostrovsky descrive una tale situazione di vita. Domna Panteleevna, madre di Sasha Negina si lamenta: “La mia Sasha non è felice! Si tiene molto attentamente, beh, non c'è una tale disposizione tra il pubblico: niente regali speciali, niente come gli altri, che ... se ... ".

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