일본의 예술가 - 고대부터 현재까지. 학교 백과사전 아트 재팬

아르텔리노

« 큰 파도카츠시카 호쿠사이(Katsushika Hokusai, 1760-1849)의 "카나가와에서"는 가장 유명한 판화 중 하나이자 후지 삼십육경 시리즈의 첫 장입니다. 1830년대 초, Eijudo 출판사의 의뢰를 받은 Katsushika Hokusai는 46매(본 36매와 추가 10매)의 시리즈를 만들기 시작했으며, The Great Wave off Kanagawa는 전체 시리즈를 여는 판화입니다.

이러한 판화 컬렉션은 당시 마을 사람들에게 일종의 " 가상 여행", 호기심을 만족시키는 방법-편리하고 저렴합니다. 후지산과 같은 판화 가격은 약 20몬으로 당시 일본 식당에서 국수의 두 배에 해당합니다. 그러나 성공이 너무 커서 1838년까지 호쿠사이의 시트 비용은 거의 50몬으로 증가했으며 마스터가 사망한 후 웨이브만 새 보드에서 1000번 이상 재인쇄되었습니다.

전체 시리즈의 명시된 주제에도 불구하고 The Wave의 Fuji가 다음과 같이 재생된다는 것은 놀라운 일입니다. 부역. 셰프 " 배우”이 조각에는 파도가 있고 전경에는 요소와의 투쟁에 대한 극적인 장면이 펼쳐집니다. 폼 크레스트의 가장자리는 환상적인 화난 악마의 꼬인 손가락처럼 보이며 보트에있는 인간 인물의 얼굴이없고 활동하지 않는 것은이 싸움에서 누가 승자가 될지 의심의 여지가 없습니다. 그러나 판화의 플롯을 만들어내는 것은 갈등인 이 대립이 아니다.
배가 충돌하는 순간을 멈춤으로써 Hokusai는 관객이 지평선을 향해 어두워지는 회색 하늘을 배경으로 잠시 후지산을 볼 수 있도록 합니다. 당시 일본 조각가들은 이미 유럽의 선형 원근법과 공중 원근법의 원리에 익숙했지만 이 기술의 필요성을 느끼지 못했습니다. 어두운 배경뿐만 아니라 후지까지 파도의 움직임을 통해 보트와 함께 전경에서 눈의 긴 여정은 눈을 확신시킵니다. 신성한 산바다로 우리와 분리되어 있습니다.

후지산은 폭풍우와는 반대로 안정과 불변의 상징으로 해안에서 멀리 솟아 있습니다. 반대의 통일성과 상호 의존성은 극동 세계관의 우주적 질서와 절대적인 조화라는 개념의 밑바탕에 깔려 있으며, 카츠 시카 호쿠사이의 시리즈를 연 "가나가와의 대파" 판화의 주요 주제가 된 것은 바로 그들이었습니다.

Kitagawa Utamaro, 1795-1796의 "Beauty Nanivaya Okita"

시카고 아트 인스티튜트

기타가와 우타마로(1753-1806)는 당연히 가수라고 불릴 수 있습니다. 여성의 아름다움일본어 활자로 우키요에: 그는 일본 미인의 표준 이미지를 많이 만들었습니다. 비진가) - 일본의 수도인 에도의 찻집과 유명한 유흥가인 요시와라의 주민 에도 — 1868년 이전의 도쿄 이름..

bijinga 판화에서는 모든 것이 현대 시청자에게 보이는 것과 다릅니다. 풍족한 옷을 입은 귀족 여성은 원칙적으로 부끄러운 공예에 종사하고 하층에 속했으며 미인의 초상화가 새겨진 판화는 공개적으로 광고 기능을했습니다. 동시에 조각은 소녀의 모습에 대한 아이디어를 제공하지 않았으며 Asakusa 사원 근처의 Nanivaya 찻집의 Okita는에도의 첫 번째 아름다움으로 간주되었지만 조각의 그녀의 얼굴은 완전히 개성이 없습니다.

10세기 이후 일본 미술의 여성 이미지는 미니멀리즘의 정경에 종속되었습니다. "라인 아이, 매부리코" - 리셉션 히키메카기하나작가는 특정 여성이 묘사되었다는 것만 표시하도록 허용했습니다. 일본 전통 문화에서 육체적 아름다움의 문제는 종종 생략되었습니다. 귀족 출신 여성의 경우 "마음의 아름다움"과 교육이 훨씬 더 중요했으며 쾌활한 구역의 주민들은 모든면에서 최고의 모범을 모방하기 위해 노력했습니다. Utamaro에 따르면 Okita는 정말 아름다웠습니다.

"Beauty Nanivaya Okita"시트는 1795-1796 년에 9 세기 작가 중 한 명이 각 아름다움에 해당하는 "6 명의 불멸의 시인에 비유 된 유명한 미녀"시리즈에서 인쇄되었습니다. 왼쪽 상단 모서리에 오키타의 초상화가 있는 시트에는 일본에서 가장 존경받는 시인 중 한 명인 아리바라노 나리히라(825-880)의 이미지가 있으며, 전통적으로 소설 이세모노가타리가 그에게 귀속됩니다. 이 고귀한 귀족이자 뛰어난 시인은 또한 그의 연애로 유명해졌으며 그중 일부는 소설의 기초를 형성했습니다.

이 시트는 기술의 독특한 사용입니다 mitate(비교) 일본 조각. 권위있는 "원형"의 자질은 묘사 된 아름다움으로 옮겨지고 손님에게 차 한 잔을 제공하는 고요한 얼굴을 가진 우아한 기녀는 이미시와 사랑의 행위에 능숙한 여성으로 시청자에게 읽혀집니다. Arivara no Narihira와의 비교는 진정으로에도 미인 중 그녀의 우월성을 인정한 것입니다.

동시에 Utamaro는 놀랍도록 서정적인 이미지를 만듭니다. 잎사귀의 어두운 부분과 밝은 부분의 균형을 잡고 선율적이고 우아한 선으로 형태를 윤곽을 그리며 그는 진정으로 완벽한 우아함과 조화의 이미지를 만들어냅니다. "광고"는 사라지고 Utamaro가 포착한 아름다움은 영원합니다.

Ogata Korin의 화면 "Irises", 1710년대

Wikimedia Commons / 네즈 미술관, 도쿄

현재 일본의 국보인 6면 창포 한 쌍은 1710년경 오가타 고린(1658-1716)이 교토의 니시혼간지 사원을 위해 제작했습니다.

16세기 이후 벽 패널과 종이 병풍 그림은 일본 장식 예술의 주요 장르 중 하나가 되었으며 린파 미술 학교의 설립자인 오가타 고린은 가장 위대한 거장 중 한 명이었습니다.

일본 인테리어의 스크린은 중요한 역할을했습니다. 널찍한 궁궐은 내벽이 거의 없고 병풍으로 공간을 구획한 단순한 일본인 주거지와 구조적으로 다르지 않았다. 높이가 1.5미터가 조금 넘는 스크린은 모든 계층의 일본 공통 전통이 바닥에 거주하도록 설계되었습니다. 일본에서는 19세기까지 높은 의자와 탁자가 사용되지 않았으며 화면의 높이와 그림의 구성도 무릎에 앉은 사람의 시선을 고려하여 디자인되었습니다. 이 관점에서 놀라운 효과가 발생합니다. 홍채가 앉은 사람을 둘러싸고있는 것처럼 보이며 사람은 꽃으로 둘러싸인 강둑에서 자신을 느낄 수 있습니다.

홍채는 비 윤곽 방식으로 칠해져 있습니다. 거의 인상주의적이고 넓은 진한 파란색, 라일락 및 자주색 온도가이 꽃의 무성한 장엄함을 전달합니다. 그림 같은 효과는 홍채가 묘사된 금색의 흐릿한 반짝임으로 강화됩니다. 화면에는 꽃만 묘사되어 있지만 각진 성장선은 꽃이 강의 구불구불한 코스나 나무 다리의 지그재그 주위로 구부러져 있음을 암시합니다. 일본인이 스크린에서 빠진 다리, 특별한 "8개의 널빤지 다리"를 보는 것은 자연스러운 일입니다. 야츠하시듣기)), 일본 고전 문학의 홍채와 관련이 있습니다. 소설 Ise Monogatari(9세기)는 수도에서 추방된 영웅의 슬픈 여정을 묘사합니다. 그의 후계자와 함께 Yatsuhashi 다리 근처의 강둑에 정착 한 영웅은 붓꽃을보고 그의 사랑하는 사람을 기억하고시를 작곡합니다.

내 사랑하는 옷
수도에서 우아하게
사랑이 떠났다...
그리움으로 얼마나
나는 그녀와 거리가 멀다... N. I. Konrad의 번역.

"그래서 그는 접었고 모두가 마른 쌀에 눈물을 흘려 수분으로 부풀어 올랐습니다. "라고 이야기의 작가이자 가사 주인공 인 Arivara no Narihira는 덧붙입니다.

교육받은 일본인에게 다리 옆의 홍채와 Ise monogatari, 홍채와 이별의 주제 사이의 연결은 분명했으며 Ogata Korin은 장황함과 설명을 피합니다. 그는 장식적인 회화의 도움으로 빛과 색채, 문학적 의미로 가득 찬 이상적인 공간을 창조할 뿐이다.

금각사 금각사, 교토, 1397

예브겐 포고리에로프 / flickr.com, 2006

황금사원은 아이러니하게도 건설보다 파괴로 더 미화된 일본의 상징 중 하나입니다. 1950년, 이 건물이 속한 로쿠온지 승려의 정신적으로 불안정한 승려가 수면에 서 있는 연못에 불을 질렀습니다.
누각 1950년 화재로 사원은 거의 파괴되었습니다. 킨카쿠지의 복원 작업은 1955년에 시작되어 1987년까지 전체 재건이 완료되었지만 완전히 손실된 부분을 교체했습니다. 인테리어 장식 2003년까지 계속되었다.. 그의 행동의 진정한 동기는 불분명했지만 작가 미시마 유키오의 해석에 따르면이 사원의 거의 신비로운 아름다움을 얻을 수 없었습니다. 실제로 수세기 동안 긴카쿠지는 일본 미의 전형으로 여겨졌습니다.

1394년, 거의 모든 일본을 자신의 의지에 따라 정복한 쇼군 아시카가 요시미츠(1358-1408)는 공식적으로 은퇴하고 교토 북부에 특별히 지어진 별장에 정착했습니다. 인공 호수 Kyokoti ( "호수 거울")의 3 층 건물은 휴식, 독서 및기도를위한 한적한 파빌리온 인 일종의 암자 역할을했습니다. 그것은 쇼군의 그림 모음, 도서관 및 불교 유물 모음을 포함했습니다. 해안가 가까운 물가에 위치한 킨카쿠지는 해안과 배로만 교신할 수 있었고 교코티 주변에 돌과 소나무가 흩어져 있는 인공섬과 같은 섬이었다. "천상의 섬"이라는 개념은 불멸의 섬인 봉래 섬이 천상의 거처의 이미지 역할을 한 중국 신화에서 차용되었습니다. 물에 비친 파빌리온은 이미 불교 진리 세계의 광채를 희미하게 반영한 필멸의 세계의 환상적 본질에 대한 아이디어와 불교의 연관성을 불러 일으 킵니다.

이 모든 신화적인 배음은 추측이지만 파빌리온의 위치는 놀라운 조화와 조화를 제공합니다. 반사는 건물의 쪼그려진 부분을 가려 더 크고 가늘게 만듭니다. 동시에 연못의 모든 둑에서 항상 어두운 녹지 배경을 배경으로 볼 수 있는 것은 파빌리온의 높이입니다.

그러나이 파빌리온이 얼마나 황금색이었는지는 완전히 명확하지 않습니다. 원형. 아마도 Ashikaga Yoshimitsu 아래에서 실제로 금박과 니스 보호 층으로 덮여 있었을 것입니다. 그러나 19 세기 ~ 20 세기 초 미시마 유키오의 사진을 믿는다면 20 세기 중반에 금박이 거의 벗겨지고 그 잔해는 건물의 상층에서만 볼 수있었습니다. 이때 그는 오히려 가장 아름다운 것에도 거침없는 황량함의 매력, 시간의 흔적으로 영혼을 감동시켰다. 이 우울한 매력은 미적 원리에 부합했습니다. 사비일본 문화에서 매우 존경받습니다.

어쨌든 이 건물의 화려함은 전혀 금이 아니었다. 킨카쿠지 절의 절묘한 형태와 풍경과의 완벽한 조화는 일본 건축의 걸작 중 하나입니다.

XVI-XVII 세기 카라츠 스타일의 그릇 "아이리스"

다이앤 마르티노 /pinterest.com/메트로폴리탄 미술관, 뉴욕

단어 명물- 이름이 있는 것. 이 컵의 정확한 시간과 장소, 마스터의 이름이 보존되지 않았기 때문에 이 컵의 이름만 실제로 살아 남았습니다. 그럼에도 불구하고 그것은 일본의 국보로 분류되며 명확한 예국가 스타일의 도자기.

16세기 말 다도는 차노유세련된 것을 버렸다 중국 도자기귀중한 재료를 연상시키는 유약이 있는 도자기. 그들의 눈부신 아름다움은 다도인들에게 너무 인위적이고 솔직해 보였다. 완벽하고 값 비싼 품목 (그릇, 물통 및 차 통)은 다도가 발전한 정신으로 선불교의 거의 금욕적인 영적 대포와 일치하지 않았습니다. 차 활동의 진정한 혁명은 일본의 작업장이 대륙 도자기 기술을 막 습득하기 시작했을 때 훨씬 더 단순하고 예술적인 일본 도자기에 대한 매력이었습니다.

아이리스 그릇의 모양은 단순하고 불규칙합니다. 벽의 약간의 곡률, 몸 전체에 보이는 도공의 움푹 들어간 곳은 그릇에 거의 순진한 편안함을 제공합니다. 점토 조각은 균열 네트워크 인 craquelure가있는 가벼운 유약으로 덮여 있습니다. 다도 중에 손님을 맞이하는 앞면에는 홍채 이미지가 유약 아래에 적용됩니다. 그림은 순진하지만 마치 선 서예의 정신으로 마치 한 번의 움직임처럼 활기찬 브러시로 실행됩니다. 형태와 장식 모두 특수한 힘을 가하지 않고 자발적으로 만들 수 있었던 것 같습니다.

이 자발성은 이상을 반영합니다. 와비- 단순함과 무능함, 영적 자유와 조화를 일으킴. 일본인 선불교 추종자들의 관점에서 볼 때 사람이나 무생물조차도 부처의 깨달은 본성을 가지고 있으며 숙련자의 노력은 자신과 주변 세계에서 이러한 본성을 발견하는 데 목적이 있습니다. 다도에 사용되는 물건은 그 모든 서투름에도 불구하고 진실에 대한 깊은 경험, 매 순간의 관련성을 불러 일으켜 가장 평범한 형태를 들여다보고 그 안에서 진정한 아름다움을 보도록 강요 받았어야했습니다.

그릇의 거친 질감과 단순함의 대비는 작은 금칠을 사용한 복원입니다. 긴쓰기). 복원 작업은 18세기에 이루어졌으며 일본 다도 장인들이 다도 도구를 다루는 경외심을 보여줍니다. 그래서 다도는 참가자들에게 아이리스 그릇과 같은 사물의 진정한 아름다움을 발견할 수 있는 "방법"을 제공합니다. 암시, 비밀은 와비의 미적 개념의 기초이자 일본 세계관의 중요한 부분이 되었습니다.

승려 간진의 초상, 나라, 763

도쇼다이지, 2015

VIII 세기에 조각은 일본 국가 형성 및 불교 강화와 관련된 나라 시대 (710-794) 시대의 예술적 표현의 주요 형태가되었습니다. 일본의 거장들은 이미 견습의 단계와 대륙의 기술과 이미지를 맹목적으로 모방하는 단계를 넘어 조각으로 시대정신을 자유롭고 생생하게 표현하기 시작했습니다. 불교의 권위가 확산되고 성장하면서 불상이 등장하게 되었다.

이 장르의 걸작 중 하나는 763년에 제작된 간진의 초상화입니다. 천으로 덮인 나무 틀에 옻칠을 겹겹이 쌓는 건칠기법으로 만든 이 조각품은 거의 실물 크기사실적으로 그려졌고, 사원의 반쯤 어두운 곳에서 간진은 "살아 있는 것처럼" 명상하는 자세로 앉아 있었다. 이 생생함은 그러한 초상화의 주요 컬트 기능이었습니다. 교사는 항상 나라시의 도다이지 수도원 벽 안에 있어야 하고 가장 중요한 예배에 참석해야 했습니다.

나중에 11 ~ 13 세기에 조각 초상화는 거의 무자비한 환상에 이르렀으며 존경하는 교사의 노인성 병약, 움푹 들어간 입, 처진 뺨 및 깊은 주름을 묘사했습니다. 이 초상화는 암석 수정과 나무로 박힌 살아있는 눈으로 불교 신자들을 바라보고 있습니다. 그러나 Gandzin의 얼굴은 흐릿하고 명확한 윤곽과 명확한 형태가 없습니다. 반쯤 감은 눈꺼풀과 눈꺼풀이 벗겨지지 않은 눈꺼풀이 부어 보입니다. 긴장된 입과 깊은 팔자 주름은 명상의 집중보다는 습관적인 주의를 나타냅니다.

이 모든 기능은 놀라운 금욕주의와 비극에 대한 이야기 ​​인이 승려의 극적인 전기를 보여줍니다. 중국의 승려 간진이 나라 최대의 절인 도다이지 절의 봉헌식을 위해 일본에 초청받았다. 배는 해적에게 나포되었고 먼 일본 사원을 대상으로 한 귀중한 두루마리와 불상이 화재로 손실되었고 간진은 얼굴을 태우고 시력을 잃었습니다. 그러나 그는 문명의 먼 변두리, 즉 당시 대륙에서 일본이 어떻게 인식되었는지에 대해 설교하려는 열망을 버리지 않았습니다.

바다를 건너려는 몇 번의 시도는 같은 실패로 끝났고 다섯 번째 시도에서만 이미 중년의 눈이 멀고 병든 간진이 일본 수도 나라에 도착했습니다.

일본에서 간진은 불교법을 오랫동안 가르치지 않았습니다. 그의 삶의 극적인 사건들이 그의 건강을 해쳤습니다. 그러나 그의 권위는 너무 높아 아마도 그가 죽기 전에도 그의 조각품을 만들기로 결정했을 것입니다. 의심 할 여지없이 예술가 승려들은 조각품이 모델과 최대한 유사하도록 노력했습니다. 그러나 이것은 저장하기 위해 수행되지 않았습니다 모습개인의 영적 경험을 포착하기 위해 간진이 겪었고 불교의 가르침이 부르는 그 어려운 길.

대불 - 8세기 중반 나라 도다이지 사원의 대불

토드/flickr.com

8세기 중반, 일본은 천재지변과 역병에 시달렸고 영향력 있는 후지와라 가문의 음모와 그들이 일으킨 반란으로 인해 쇼무 천황은 수도인 나라에서 도망칠 수밖에 없었습니다. 망명 중에 그는 불교 가르침의 길을 따르겠다고 맹세했고 743년에 국가의 주요 사원을 건설하고 Vairochana Buddha(Buddha Great Sun 또는 All Illuminating Light)의 거대한 청동상을 주조하도록 명령했습니다. 이 신은 불교 가르침의 창시자 석가모니 부처님의 보편적 화신으로 간주되었으며 불안과 반란의시기에 황제와 전국을 보호하는 보증인이되어야했습니다.

작업은 745년에 시작되었으며 중국 수도 뤄양 근처의 용문 동굴 사원에 있는 거대한 불상을 모델로 했습니다. 나라의 불상은 다른 불상과 마찬가지로 "부처의 크고 작은 표식"을 나타내야 했습니다. 이 도상적 정경에는 길쭉한 귓불이 포함되어 있는데, 이는 석가모니 부처가 왕자 가문 출신이고 어린 시절부터 무거운 귀걸이, 머리 꼭대기의 높이(우쉬니샤), 이마의 점(항아리)을 착용했다는 사실을 연상시킵니다.

불상의 높이는 16m, 얼굴의 폭은 5m, 펼친 손바닥의 길이는 3.7m, 항아리는 사람의 머리보다 컸다. 건설에는 444 톤의 구리, 82 톤의 주석 및 엄청난 양의 금이 필요했으며 특별히 북부에서 검색이 수행되었습니다. 신사를 보호하기 위해 동상 주위에 대불전이라는 홀이 세워졌습니다. 그 작은 공간에는 약간 몸을 숙이고 앉은 부처상이 전체 공간을 채우고 있으며, 이는 불교의 주요 가정 중 하나인 신이 편재하고 모든 곳에 퍼져 있으며 모든 것을 포용하고 채우고 있다는 생각을 설명합니다. 얼굴의 초월적인 고요함과 신의 손짓(무드라, 보호를 주는 몸짓)은 부처의 고요하고 웅장함과 힘의 느낌을 보완합니다.

그러나 오늘날에는 원래 동상의 몇 조각만 남아 있습니다. 12세기와 16세기에 화재와 전쟁으로 인해 동상이 막대한 피해를 입었고 현대 동상은 주로 18세기 주물입니다. 18세기 복원 과정에서 청동상은 더 이상 금으로 덮이지 않았습니다. 8세기 쇼무 천황의 ​​불교 열심은 국고를 거의 비우고 이미 충격을 받은 나라를 피흘리게 했으며, 이후의 통치자들은 더 이상 그러한 과도한 지출을 감당할 수 없었습니다.

그럼에도 불구하고 Daibutsu의 중요성은 금이 아니며 신뢰할 수있는 진정성도 아닙니다. 불교 가르침의 이러한 장대 한 구체화에 대한 아이디어는 일본의 기념비적 예술이 진정한 개화를 경험하고 대륙 모델의 맹목적인 복사에서 벗어나 무결성과 표현력을 얻었으며 나중에 잃어버린 시대의 기념비입니다.

일본인은 9-12세기 헤이안 시대(794-1185)에 사물에 숨겨진 아름다움을 발견하고 이를 특별한 개념으로 지정하기도 했습니다. 모노노아바레"(일본어: 物の哀れ(もののあわれ)), "사물의 슬픈 매력"을 의미합니다. "사물의 매력"은 일본 문학에서 아름다움에 대한 가장 초기의 정의 중 하나이며, 모든 것이 고유한 신(카미)과 고유한 매력을 가지고 있다는 신도의 믿음과 관련이 있습니다. Avare는 기쁨과 흥분을 일으키는 사물의 내적 본질입니다.

- 와시(wasi) 또는 와가미(wagami).
수동 종이 만들기. 중세 일본인들은 와시를 실용적 가치뿐만 아니라 아름다움으로도 높이 평가했습니다. 그녀는 그녀의 미묘함, 거의 투명성으로 유명했지만 그녀의 힘을 박탈하지는 않았습니다. 와시는 코조(뽕나무) 나무와 다른 나무의 껍질로 만듭니다.
와시 종이는 수세기 동안 보존되어 왔으며, 이에 대한 증거는 수세기를 거쳐 현재까지 내려온 고대 일본 서예, 그림, 병풍, 판화의 앨범과 책입니다.
Vasya의 종이는 섬유질입니다. 현미경을 보면 공기와 햇빛이 침투하는 균열이 보입니다. 이 품질은 병풍과 일본 전통 등불 제조에 사용됩니다.
와시 기념품은 유럽인들에게 매우 인기가 있습니다. 이 종이로 지갑, 봉투, 부채 등 작고 유용한 물건을 많이 만듭니다. 내구성이 뛰어나면서도 가볍습니다.

- 고헤이.
마스코트 종이 스트립. Gohei -종이 지그재그 스트립이 부착 된 신도 사제의 의식 지팡이. 같은 종이 조각이 신사 입구에 걸려 있습니다. 신도에서 종이의 역할은 전통적으로 매우 컸고, 그것으로 만든 제품에는 항상 난해한 의미가 부여되었습니다. 그리고 모든 것, 모든 현상, 심지어 단어에도 카미(신)가 포함되어 있다는 믿음이 이런 종류의 출현을 설명합니다. 응용 예술고헤이처럼. 신도주의는 우리의 이교도와 다소 비슷합니다. 신도 신자의 경우, 카미는 특히 평범하지 않은 모든 곳에서 기꺼이 거주합니다. 예를 들어, 종이에. 그리고 오늘날 신사 입구 앞에 걸려 있고 사원에 신이 있음을 나타내는 복잡한 지그재그로 꼬인 고헤이에서 더욱 그렇습니다. 고헤이를 접는 방법은 20가지가 있는데, 특히 특이하게 접힌 것이 가미를 끌어당긴다. Gohei는 주로 흰색이지만 금색, 은색 및 기타 여러 색조도 있습니다. 9세기부터 일본에서는 스모 선수들이 시합을 시작하기 전에 벨트의 고헤이를 강화하는 관습이 있었습니다.

- 아네사마.
종이인형 제작입니다. 19세기에 사무라이 아내들은 아이들이 가지고 노는 종이 인형을 만들어 다른 옷을 입혔습니다. 장난감이 없던 시절, 아네사마는 아이들의 유일한 대담자로서 어머니, 누나, 아이, 친구 역할을 "수행"했습니다.
인형은 일본 종이로 접고 머리카락은 구겨진 종이로 만들고 잉크로 염색하고 접착제로 덮어 광택을냅니다. 구별되는 특징길쭉한 얼굴에 좋은 작은 코입니다. 오늘날에도 숙련된 손만 있으면 되는 이 간단한 장난감은 전통적인 형태로 이전과 같은 방식으로 계속 만들어지고 있습니다.

- 종이 접기.
종이 접기의 고대 기술(折り紙, 직역: "접힌 종이"). 종이접기의 예술은 고대 중국종이가 발명된 곳. 처음에 종이 접기는 종교 의식에 사용되었습니다. 오랫동안 이러한 유형의 예술은 종이 접기 기술을 소유하는 것이 좋은 취향의 표시인 상류층 대표에게만 제공되었습니다. 제 2 차 세계 대전 이후에만 종이 접기는 동양을 넘어 미국과 유럽으로 건너가 즉시 팬을 찾았습니다. 클래식 종이 접기는 정사각형 종이로 접혀 있습니다.
가장 복잡한 제품의 접는 방식을 스케치하는 데 필요한 특정 기존 기호 세트가 있습니다. 재래식 기호의 대부분은 20세기 중반 일본의 유명한 거장 요시자와 아키라에 의해 실용화되었습니다.
고전적인 종이접기는 풀과 가위 없이 균일한 색상의 정사각형 종이 한 장을 사용하는 것을 규정합니다. 현대 예술 형식은 때때로 이 정경에서 벗어납니다.

- 키리가미.
키리가미는 여러 번 접은 종이를 가위로 여러 모양으로 자르는 기술입니다. 모형을 만드는 과정에서 가위와 종이 자르기를 사용할 수 있는 일종의 종이접기입니다. 이것은 kirigami와 다른 종이 접기 기술의 주요 차이점이며 이름에서 강조됩니다. 切る (kiru) - 자르기, 紙 (gami) - 종이. 우리 모두는 어린 시절에 눈송이를 자르는 것을 좋아했습니다. kirigami의 변형으로 눈송이뿐만 아니라 다양한 인물, 꽃, 화환 및 기타 귀여운 종이를이 기술을 사용하여자를 수 있습니다. 이들 제품은 판화용 스텐실, 앨범 데코레이션, 엽서, 포토액자, 패션디자인, 인테리어 디자인 등 다양한 데코레이션에 활용될 수 있다.

- 꽃꽂이.
꽃꽂이, (jap 生け花 또는 いけばな)에서 번역 일본어- ike" - 생명, "bana" - 꽃 또는 "살아있는 꽃". 일본의 꽃꽂이 예술은 일본인의 가장 아름다운 전통 중 하나입니다. 꽃꽂이를 만들 때 꽃과 함께 자른 가지, 잎, 새싹을 사용합니다. 기본 원칙은 절묘한 단순성이며 이를 달성하기 위해 강조합니다. 자연미식물. 꽃꽂이는 꽃의 아름다움과 구성을 창조하는 주인의 영혼의 아름다움이 조화롭게 결합된 새로운 자연 형태의 창조입니다.
오늘날 일본에는 4개의 주요 꽃꽂이 학교가 있습니다: Ikenobo(Ikenobo), Koryu(Koryu), Ohara(Ohara), Sogetsu(Sogetsu). 그들 외에도 이러한 학파 중 하나를 고수하는 약 천 가지의 다른 방향과 추세가 있습니다.

- 오리바나.
17세기 중반에 오하라(이케바나의 주요 형태 - 오리바나)와 고류(주요 형태 - 세크)의 두 유파가 이케노보에서 출발했습니다. 참고로 오하라 유파는 아직 오리바누만 공부하고 있습니다. 일본인이 말했듯이 종이 접기가 종이 접기로 바뀌지 않는 것이 매우 중요합니다. 고미는 일본어로 쓰레기라는 뜻입니다. 결국 종이 한 장을 접은 다음 어떻게해야합니까? Oribana는 인테리어 장식용 부케에 대한 많은 아이디어를 제공합니다. 오리바나 = 종이접기 + 꽃꽂이

- 실수.
플로리스트리에서 탄생한 미술의 일종. 플로리스트 리가 일본에 600년 이상 존재했지만 8년 전에 우리나라에 나타났습니다. 중세 시대에 사무라이는 전사의 길을 이해했습니다. 그리고 오시바나는 상형 문자를 쓰고 검을 휘두르는 것과 같은 그 길의 일부였습니다. 그 착오의 의미는 사토리(satori)의 완전한 현존 상태에서 주인이 말린 꽃(압화)의 그림을 만들었다는 것이다. 그러면 이 그림은 침묵 속으로 들어가 같은 사토리를 경험할 준비가 된 사람들을 위한 열쇠이자 지침이 될 수 있습니다.
"oshibana"예술의 본질은 꽃, 허브, 잎, 나무 껍질을 압력으로 수집하고 건조하고 바닥에 붙이는 방식으로 작가가 식물의 도움을 받아 진정한 "그림"작업을 만드는 것입니다. 즉, 잘못은 식물로 그림을 그리는 것입니다.
예술적 창의성플로리스트는 건조된 식물 재료의 모양, 색상 및 질감의 보존을 기반으로 합니다. 일본인은 "오시바나" 그림이 색이 바래거나 어두워지는 것을 방지하는 기술을 개발했습니다. 그 본질은 유리와 그림 사이에 공기가 펌핑되고 ​​식물이 부패하는 것을 방지하는 진공이 생성된다는 것입니다.
그것은이 예술의 틀에 얽매이지 않을뿐만 아니라 식물의 특성에 대한 상상력, 맛, 지식을 보여줄 기회도 끌어들입니다. 플로리스트는 장신구, 풍경화, 정물화, 초상화, 이야기 그림을 만듭니다.

- 분재.
현상으로서의 분재는 중국에서 천 년 이상 전에 나타났지만 이 문화는 일본에서만 발전의 절정에 이르렀습니다. (분재 - 일본어 盆栽. "화분에 심기") - 실제 나무를 미니어처로 정확하게 복제하여 키우는 기술. 이 식물은 우리 시대보다 몇 세기 전에 불교 승려에 의해 재배되었으며 이후 지역 귀족의 활동 중 하나가되었습니다.
분재는 일본 가정과 정원을 장식했습니다. 도쿠가와 시대에 공원 설계는 새로운 자극을 받았습니다. 진달래와 단풍나무 재배는 부유층의 취미가 되었습니다. 드워프 작물 생산(하치노키 - "냄비 속의 나무")도 개발되었지만 당시의 분재는 매우 컸습니다.
이제 일반 나무가 분재에 사용되며 지속적인 가지 치기와 기타 다양한 방법으로 인해 작아집니다. 동시에 그릇의 부피에 의해 제한되는 뿌리 시스템의 크기 비율과 분재의 땅 부분은 자연의 성인 나무 비율에 해당합니다.

- 미즈히키.
마크라메 아날로그. 이것은 특수 끈으로 다양한 매듭을 묶고 그로부터 패턴을 만드는 고대 일본 응용 예술입니다. 이러한 예술 작품은 기프트 카드와 편지에서 헤어스타일과 핸드백에 이르기까지 매우 넓은 범위를 가졌습니다. 현재 mizuhiki는 선물 산업에서 매우 널리 사용됩니다. 인생의 모든 사건에 대해 선물은 매우 특정한 방식으로 포장되고 묶여 있어야 합니다. 미즈히키 기술에는 매우 많은 매듭과 구성이 있으며 모든 일본인이 이를 모두 암기하는 것은 아닙니다. 물론 가장 자주 사용되는 가장 일반적이고 간단한 매듭이 있습니다. 아이의 탄생 축하, 결혼식 또는 기념, 생일 또는 대학 입학을 위해.

- 쿠미히모.
Kumihimo는 일본 꼰 코드입니다. 실을 짜면 리본과 끈을 얻습니다. 이 끈은 Marudai 및 Takadai와 같은 특수 기계로 짜여져 있습니다. Marudai 기계는 둥근 끈을 짜는 데 사용되며 Takadai는 평평한 끈을 짜는 데 사용됩니다. 일본어로 Kumihimo는 "줄 짜기"(kumi - 짜기, 함께 접기, himo - 밧줄, 레이스)를 의미합니다. 역사가들이 스칸디나비아 인들과 안데스 산맥의 주민들 사이에서 비슷한 직조를 찾을 수 있다고 완고하게 주장한다는 사실에도 불구하고 일본의 kumihimo 예술은 실제로 가장 오래된 직조 유형 중 하나입니다. 그것에 대한 첫 번째 언급은 550년으로 거슬러 올라갑니다. 그때 불교는 일본 전역에 퍼졌고 특별한 의식에는 특별한 장식이 필요했습니다. 나중에 kumihimo 끈은 여성용 기모노의 오비 벨트 고정 장치, 전체 사무라이 무기고를 "포장"하는 로프로 사용되기 시작했습니다 (사무라이는 갑옷과 말 갑옷을 묶기 위해 장식 및 기능적 목적으로 kumihimo를 사용했습니다).
현대적인 쿠미히모의 다양한 패턴은 수제 골판지 베틀에서 매우 쉽게 짜여집니다.

- 코모노.
시간이 지나면 기모노는 어떻게 남습니까? 버려지고 있다고 생각합니까? 이런 건 없어! 일본인은 절대 그렇게 하지 않을 것입니다. 기모노는 비싸다. 그렇게 그냥 버리는 것은 상상도 할 수 없고 불가능합니다... 다른 유형의 기모노 재활용과 함께 공예가들은 작은 조각으로 작은 기념품을 만들었습니다. 이들은 어린 이용 작은 장난감, 인형, 브로치, 화환, 여성용 보석 및 기타 제품이며, 오래된 기모노는 총칭하여 "komono"라고하는 작고 귀여운 물건을 만드는 데 사용됩니다. 기모노의 길을 이어가며 스스로의 삶을 살게 될 작은 것들. 이것이 "코모노"라는 단어의 의미입니다.

- 칸자시.
천(주로 실크)으로 만든 머리핀 장식(대부분 꽃(나비 등)으로 장식) 일본 간자시(간자시)는 일본 전통 여성 헤어스타일을 위한 긴 머리핀입니다. 그들은 나무, 광택제, 은, 대모갑으로 만들어졌으며 중국과 일본의 전통 헤어스타일에 사용되었습니다. 약 400년 전에 일본에서 여성의 헤어스타일 스타일이 바뀌었습니다. 복잡하고 기괴한 형태로 스타일링하십시오 - nihongami 헤어 스타일링에 사용되는 헤어핀, 스틱, 빗 등 다양한 아이템이 사용되었습니다. 메인 뷰티그리고 자기 표현의 밭-소유자의 지갑의 맛과 두께를 보여줍니다. 판화에서 자세히 보면 일본 여성들이 헤어 스타일에 값 비싼 칸자시를 20 개까지 쉽게 걸었던 방법을 볼 수 있습니다.
헤어스타일에 세련미와 우아함을 더하고 싶어하는 젊은 일본 여성들 사이에서 칸자시를 사용하는 전통이 이제 다시 부활하고 있습니다.

- 키누사이가.
일본의 놀라운 유형의 바느질. 기누사이가(絹彩画)는 바틱과 패치워크의 교차점입니다. 주요 아이디어는 오래된 실크 기모노에서 조각으로 새로운 그림을 수집한다는 것입니다. 진정한 작품미술.
먼저 작가는 종이에 스케치를 한다. 그런 다음 이 도면을 나무판으로 옮깁니다. 패턴의 윤곽은 홈 또는 홈으로 절단된 다음 색상과 톤이 일치하는 작은 조각이 오래된 실크 기모노에서 절단되고 이러한 조각의 가장자리가 홈을 채웁니다. 그런 사진을 보고 있으면 마치 사진을 보고 있는 것 같은 느낌이 들기도 하고, 창밖의 풍경을 보기만 해도 너무 리얼하다.

- 테마리.
단순한 스티치로 만든 일본의 전통적인 기하학적 자수 공으로 한때 어린이 장난감이었으며 현재는 일본뿐만 아니라 전 세계적으로 많은 팬을 보유한 예술 형식이 되었습니다. 오래 전에 이러한 제품은 사무라이 아내가 오락을 위해 만든 것으로 여겨집니다. 처음에는 볼 게임의 공으로 실제로 사용되었지만 점차 예술적 요소를 습득하기 시작하여 나중에 장식용 장식품으로 변했습니다. 이 공의 섬세한 아름다움은 일본 전역에 알려져 있습니다. 그리고 오늘날 다채롭고 세심하게 만들어진 제품은 일본의 민속 공예품 중 하나입니다.

- 유비누키.
일본 골무는 손바느질이나 자수를 할 때 작업 손의 가운데 손가락의 가운데 지골에 놓고 손가락 끝의 도움으로 바늘에 원하는 방향을 부여하고 바늘을 가운데 손가락의 링을 통해 밀어 넣습니다. 처음에 일본 유비누키 골무는 아주 간단하게 만들어졌습니다. 약 1cm 너비의 촘촘한 천이나 가죽 조각을 여러 층으로 손가락에 단단히 감싸고 몇 가지 간단한 장식 스티치로 고정했습니다. 유비누키는 모든 가정의 필수품이었기 때문에 실크 실로 기하학적인 자수를 하기 시작했습니다. 스티치의 엇갈림부터 화려하고 복잡한 패턴. 단순한 생활용품이던 유비누키도 일상의 장식인 '감탄'의 오브제로 탈바꿈했다.
유비누키는 여전히 바느질과 자수에 사용되지만 장식용 반지처럼 단순히 손가락에 끼는 것도 볼 수 있습니다. 유비누키 스타일의 자수는 냅킨 링, 팔찌, 테마리 스탠드, 유비누키 자수로 장식된 반지 형태의 다양한 물건을 장식하는 데 사용되며 같은 스타일의 자수 바늘 침대도 있습니다. 유비누키 패턴은 테마리 오비 자수에 큰 영감을 줄 수 있습니다.

- Suibokuga 또는 sumie.
일본 수묵화. 이것 중국 스타일그림은 14세기와 15세기 말에 일본 예술가들에 의해 차용되었습니다. 일본 회화의 주류가 되었다. 스이보쿠가는 단색입니다. 흑묵(수묵)을 사용하는 것이 특징이며, 입체적인 형태 숯또는 중국 잉크의 그을음으로 만들어 먹병에 갈아서 물로 희석하고 붓으로 종이나 실크에 바릅니다. 모노크롬은 중국인들이 오래 전에 잉크의 "색상"으로 인식했던 끝없는 색조 옵션을 마스터에게 제공합니다. Suibokuga는 때때로 실제 색상의 사용을 허용하지만 항상 잉크 라인에 종속되는 얇고 ​​투명한 획으로 제한합니다. 수묵화는 엄격하게 통제된 표현과 형태의 기술적인 숙달과 같은 본질적인 특성을 서예 예술과 공유합니다. 수묵화의 질은 서예에서와 마찬가지로 잉크로 그린 선의 온전함과 찢어짐에 대한 저항으로 귀결됩니다. 말하자면 뼈가 조직을 유지하듯이 예술 작품을 자체적으로 유지하는 것입니다.

- 에테가미.
그린 엽서(e - 그림, 태그 - 편지). DIY 엽서 만들기는 일반적으로 일본에서 매우 인기 있는 활동이며 연휴 전에 인기가 더욱 높아집니다. 일본인은 친구에게 엽서를 보내는 것을 좋아하고 친구도 받는 것을 좋아합니다. 이것은 특수 공백에 대한 일종의 빠른 편지이며 봉투없이 우편으로 보낼 수 있습니다. 에테가미에 없다 특별 규칙또는 기술자, 특별한 교육을 받지 않은 사람이면 누구나 될 수 있습니다. Etagami는 기분, 인상을 정확하게 표현하는 데 도움이되며 따뜻함, 열정, 관심, 사랑 등 보낸 사람의 감정을 전달하는 그림과 짧은 편지로 구성된 수제 엽서입니다. 그들은 계절, 활동, 야채와 과일, 사람과 동물을 묘사한 명절을 위한 엽서를 보냅니다. 이 그림은 단순하게 그릴수록 더 재미있어 보입니다.

- 보자기.
일본식 포장 기술 또는 천 접기 기술. 보자기는 오랫동안 일본인의 삶에 들어갔습니다. 가마쿠라-무로마치 시대(1185-1573)의 고대 두루마리에는 머리에 천으로 감싼 옷 다발을 들고 있는 여성의 이미지가 보존되어 있습니다. 이 흥미로운 기술은 일찍이 710-794년 일본에서 시작되었습니다. "후로시키"라는 단어는 문자 그대로 "목욕 깔개"로 번역되며 모든 모양과 크기의 물건을 포장하고 운반하는 데 사용되는 정사각형 천 조각입니다.
예전에는 방문객들이 집에서 가져온 가벼운 면 기모노를 입고 일본식 목욕탕(후로)에 들어가는 것이 관례였습니다. 목욕하는 사람은 옷을 벗을 때 서 있던 특별한 양탄자(시키)도 가져왔습니다. "목욕" 기모노로 갈아입은 방문객은 옷을 깔개로 감싸고, 목욕 후에는 젖은 기모노를 깔개로 싸서 집으로 가져옵니다. 따라서 욕실 매트는 다기능 가방이 되었습니다.
보자기는 사용하기 매우 쉽습니다. 천은 포장하는 물체의 모양을 취하고 손잡이가 있어 짐을 쉽게 옮길 수 있습니다. 또한 딱딱한 종이가 아닌 부드러운 다층 천으로 포장 된 선물은 특별한 표현력을 얻습니다. 매일 또는 축제를 위해 다양한 방법으로 보자기를 접을 수 있습니다.

- 아미구루미.
작은 박제 동물과 인간형 생물을 뜨개질하거나 뜨개질하는 일본 예술. 아미구루미(編み包み, lit.: "뜨개질로 감싼")는 대부분 귀여운 동물(곰, 토끼, 고양이, 개 등), 작은 사람이지만 인간의 속성이 부여된 무생물일 수도 있습니다. 예를 들어, 컵케이크, 모자, 핸드백 등. Amigurumi는 뜨개질을하거나 뜨개질을하거나 뜨개질을합니다. 최근 크로 셰 아미 구루미는 점점 더 대중화되고 보편화되었습니다.
간단한 편직 방법으로 원사로 편직-나선형으로 유럽 편직 방법과 달리 원은 일반적으로 연결되지 않습니다. 또한 실의 굵기에 비해 더 작은 크기로 코바늘로 뜨개질을 하여 충전물이 나올 틈이 없는 매우 조밀한 직물을 만듭니다. 아미구루미는 팔다리가 없고 머리와 몸통만 있어 하나의 전체인 일부 아미구루미를 제외하고는 부품으로 만든 다음 조립하는 경우가 많습니다. 팔다리는 때때로 플라스틱 조각으로 채워져 생체중을 제공하는 반면 신체의 나머지 부분은 섬유질로 채워집니다.
아미구루미 미학의 확산은 그들의 귀여움("카와이")에 의해 촉진됩니다.

그는 타이즈 시대(1912-26)와 쇼와 초기에 그림을 그렸습니다. 그는 1891년에 태어났다.
도쿄에서의 1년, 언론인 Kishida Ginko의 아들이었습니다. 1908년에 그는 10세의 나이로 학교를 졸업했습니다.
15세에 기독교인이 되어 교회 활동에 전념하다가 기시다
Ryūsei는 Hakubakai 스튜디오에서 서양 미술 스타일을 공부했습니다.
구로다 세이키(1866-1924)는 일본 예술 아카데미의 창립자 중 한 명입니다.
이미 1910년에 젊은 예술가는 연례 전시회에서 자신의 작품을 전시하기 시작했습니다.
Banten 주 전시회. 그의 초기 작품, 특히 풍경화는
그의 스승인 Kuroda Seiki의 스타일에 크게 영향을 받았고 반향을 일으켰습니다.

레이코 초상화

이후 작가는 무사노카 사네아츠(Musanoka Saneatsu)와 만나 친구가 되었고,
예술가를 시라카바(하얀 자작나무) 사회에 소개하고 유럽에 소개한 사람
야수파와 큐비즘. 예술가로서의 Kishida Ryūsei의 형성은 첫 번째에서 일어났습니다.
많은 일본의 젊은 예술가들이 유학을 떠났던 20세기의 10년
해외, 주로 파리로 그림을 그립니다. Kishida Ryūsei는 유럽에 가본 적이 없으며
유럽 ​​거장들과 함께 공부하지 않았지만 유럽 후기 인상주의가 그에게 미친 영향
특히 Van Gogh와 Cezanne의 작품은 엄청났습니다. 1911년 말부터 시작까지
1912년 그는 현대 프랑스 예술가들의 작품에서 영감을 받았습니다.
시라카바 잡지와 그림책을 통해 만났다. 그의 초기 작품은 분명히
Henri Matisse와 Fauvists의 영향으로 만들어졌습니다.

모자를 쓴 자화상, 1912
스타일: 야수파

1912년 21세의 나이로 기시다 류세이가 데뷔했다.
프로페셔널 아티스트로 첫 개인전을 열었습니다.
로칸도 미술관. 같은 해에 작가는 그의 조직
연구하고 홍보하는 Fyizankai Art Circle
후기 인상파.

남만주철도회사 사장 정원 1929

로 인해 곧 서클이 해체되었습니다. 내부 갈등 2번의 전시 후.
1914년경부터 화가는 초기 스타일인 야수파를 포기했습니다. 1915년
이듬해 Kishida Reisai는 Shodosa 그룹을 만들었습니다.
예술가 Michisai Kono는 추종자였습니다.

1917년 초여름의 길
스타일: 요가카

그 이후로 그는 자신만의 독특한 거장 스타일을 일본어로 발전시켰다.
언어로는 "shajitsu"또는 "shasei"라고하며 일반적으로 현실주의로 러시아어로 번역됩니다.
작가는 형태를 단순화하고 독특한 색을 찾아내는데 이 모든 것이 예술에서 나온다.
세잔. Kishida Reisai는 프랑스의 예술을 높이 평가했지만 후기에 그는
동양미술이 서양미술보다 월등히 우월하다고 여겨진다.

언덕을 가로지르는 도로 절단, 1915
스타일: 요가카

버나드 리치의 초상, 1913년
스타일: 야수파

자화상, 1915,
스타일: 요가카

자화상, 1913,
스타일: 요가카

자화상, 1917,
스타일: 요가카

남자의 초상
스타일: 요가카

1917년경부터 작가는 가나가와 지역의 쿠게누마 후지사와로 이사했습니다. 그는 시작했다
북유럽 르네상스 예술가들의 스타일과 기법을 연구합니다.
뒤러와 반 다이크. 이 기간 동안 그는 레이코의 딸에 대한 그의 유명한 그림 시리즈를 그렸습니다.
거의 사진적 사실주의와 초현실주의를 결합한
장식 요소. 1920년대 초 기시다 류세이는
동양 미술의 요소, 특히 중국 회화 "노래"와
"원나라".

"사나다 히사키치의 초상"

1923년 관동 대지진 동안 쿠게눔에 있는 예술가의 집은
파괴된 후 기시다 류세이는 짧은 기간 동안 교토로 이사했고 그 후 2월에
1926년 가마쿠라로 돌아와 거주. 1920년대에 화가는 수많은 그림을 그렸습니다.
일본화의 미학과 역사에 관한 기사.

찻잔 찻잔과 세 개의 녹색 사과, 1917
스타일: 세자니즘

정물, 1918,
스타일: 세자니즘

두 개의 빨간 사과, 찻잔, 찻그릇과 병, 1918
스타일: 세자니즘

1929년 기시다 류세이는 남만주철도의 도움으로
내 인생의 유일한 해외 여행, 대련, 하얼빈, 봉천 방문
만주에서. 집으로 돌아오는 길에 그는 도쿠야마 시에 들렀다.
몸에 급성 자가 중독으로 급사한 야마구치. 기시다 류세이
18세의 나이로 요절할 때까지 초상화, 풍경화, 정물화를 그렸습니다.
38년. 작가의 무덤은 도쿄의 Tama Reien Cemetery에 있습니다. 사후
기시다 류세이가 두 점의 그림을 그리다 일본 문화청
"국가" 칭호를 수여 문화적 가치". 2000년 12월, 그 중 하나
어깨에 손수건을 얹은 딸 레이코의 초상화가 3억 6천만 엔에 팔렸습니다.
일본 회화 경매에서 최고가가 되었습니다.

전통적으로 극동이라고 불리는 이 광대한 지역에는 중국, 일본, 한국, 몽골, 티베트가 포함됩니다. 이 국가들은 많은 유사점을 가지고 있지만 동시에 문화적으로 상당한 차이가 있습니다.

극동의 모든 국가는 중국과 인도의 고대 문명의 영향을 받았는데, 기원전 1000년에 이미 철학적, 종교적 가르침이 생겨났고, 이는 자연이 자신의 법칙에 따라 살아가는 살아 있고 영적인 유기체라는 포괄적인 우주라는 개념의 토대를 마련했습니다. 자연은 중세 전체의 철학적, 예술적 탐구의 중심에 있었고 자연의 법칙은 보편적인 것으로 간주되어 사람들의 삶과 관계를 결정했습니다. 인간의 내면 세계는 자연의 다양한 표현과 비교되었습니다. 이것은 우화적인 시적 언어를 정의하는 시각 예술의 상징적 방법의 발전에 영향을 미쳤습니다. 중국, 일본, 한국에서는 이러한 자연에 대한 태도의 영향으로 예술의 종류와 장르가 형성되고 주변 경관과 밀접한 건축 앙상블이 만들어졌으며, 정원 예술그리고 마침내 풍경화의 새벽이 찾아왔다. 고대 인도 문명의 영향으로 불교가 전파되기 시작했고, 힌두교도 몽골과 티베트에 전파되기 시작했습니다. 이러한 종교 체계는 극동 국가에 새로운 아이디어를 가져왔을 뿐만 아니라 예술 발전에도 직접적인 영향을 미쳤습니다. 이전에 알려지지 않은 조각과 회화의 새로운 예술적 언어가이 지역의 모든 국가에 등장한 불교 덕분에 건축과 미술의 상호 작용이 특징 인 앙상블이 만들어졌습니다.

조각과 회화에서 불교 신 이미지의 특징은 우주, 도덕법 및 인간의 운명에 대한 생각을 표현하는 특별한 상징적 언어로 수세기에 걸쳐 진화했습니다. 따라서 많은 민족의 문화적 경험과 영적 전통이 통합되고 보존되었습니다. 불교 미술의 이미지는 선과 악의 대결, 자비, 사랑과 희망의 아이디어를 구현했습니다. 이러한 모든 특성은 극동 예술 문화의 뛰어난 창조물의 독창성과 보편적 중요성을 결정했습니다.

일본은 아시아 본토의 동해안을 따라 북쪽에서 남쪽으로 뻗어 있는 태평양의 섬들에 위치하고 있습니다. 일본 열도지진과 태풍이 자주 발생하는 지역에 위치하고 있습니다. 섬 주민들은 겸손한 삶에 만족하고 자연 재해 후 집과 가정을 신속하게 복원하면서 끊임없이 경계하는 데 익숙합니다. 끊임없이 사람들의 안녕을 위협하는 자연 요소에도 불구하고 일본 문화에는 외부 세계와의 조화에 대한 열망, 크고 작은 자연의 아름다움을 볼 수 있는 능력이 반영되어 있습니다.

일본 신화에서 신성한 배우자 Izanagi와 Izanami는 세상 모든 것의 조상으로 간주되었습니다. 그들로부터 태양의 여신 아마테라스, 달의 여신 츠키요미, 폭풍과 바람의 신 스사노오 등 위대한 신들의 삼신이 나왔습니다. 고대 일본인의 생각에 따르면 신들은 눈에 보이는 모습이 없었지만 태양과 달뿐만 아니라 산과 바위, 강과 폭포, 나무와 풀에서도 영혼 카미로 존경받는 자연 자체로 구체화되었습니다 (슬로바키아어는 일본어에서 신성한 바람을 의미합니다). 이 자연의 신격화는 중세 시대 전체에 걸쳐 지속되었으며 일본의 국교가 된 신도 (神道)라고 불 렸습니다. 유럽인들은 그것을 신도라고 부릅니다. 일본 문화의 기원은 고대에 뿌리를 두고 있습니다. 최초의 예술 작품은 기원전 4~2천년으로 거슬러 올라갑니다. 일본 미술에서 가장 길고 결실을 맺은 시기는 중세(6~19세기)였다.

17~18세기에 발달한 전통 일본 가옥의 디자인. 3개의 이동식 벽과 1개의 고정식 벽이 있는 나무 프레임입니다. 벽은 지지대 역할을 하지 않기 때문에 떼어내거나 떼어내어 동시에 창 역할을 할 수 있다. 따뜻한 계절에는 벽이 격자 구조로 되어 있었고, 빛이 통과할 수 있도록 반투명 종이를 붙였고, 춥고 우기에는 나무 패널로 덮거나 교체했습니다. 일본 기후의 높은 습도로 인해 집은 아래에서 환기되어야 합니다. 따라서지면 위로 60cm 높이며지지 기둥이 썩지 않도록 보호하기 위해 석조 기초 위에 설치했습니다.

가벼운 나무 프레임은 필요한 유연성을 가지고 있어 국가에서 빈번한 지진이 발생하는 동안 푸시의 파괴력을 줄였습니다. 기와나 갈대로 된 지붕에는 집의 종이 벽을 비와 뜨거운 여름 태양으로부터 보호하는 큰 캐노피가 있었지만 겨울, 초봄, 늦가을에는 낮은 햇빛을 막지 못했습니다. 지붕 캐노피 아래에는 베란다가 있었다.

거실 바닥은 매트로 덮여있었습니다. 다다미 매트는 대부분 서 있지 않고 앉았습니다. 따라서 집의 모든 비율은 앉아있는 사람에게 집중되었습니다. 집에는 영구 가구가 없었기 때문에 낮에는 벽장에 치워진 특별한 두꺼운 매트리스 위에서 바닥에서 잤습니다. 그들은 돗자리에 앉아 낮은 탁자에 앉아 먹었고 다양한 직업. 종이나 실크로 덮인 슬라이딩 내부 칸막이는 필요에 따라 내부 건물을 나눌 수 있으므로 더 다양하게 사용할 수 있지만 각 거주자가 집안에서 완전히 은퇴하는 것은 불가능하여 가족 내 관계에 영향을 미쳤습니다. 중요한 세부 사항집에서-고정 벽 근처에 위치한 틈새-그림이 걸려 있거나 꽃의 구성이 될 수있는 tokonama-꽃꽂이가 서있을 수 있습니다. 집의 영적 중심이었습니다. 틈새 장식에서 집 주민의 개별 자질, 취향 및 예술적 성향이 나타났습니다.

전통적인 일본 가옥의 연속은 정원이었습니다. 그는 울타리 역할을 함과 동시에 집을 환경. 집의 외벽이 분리되면서 집 내부 공간과 정원의 경계가 사라지고 자연과의 친밀감, 직접 소통이 이루어졌습니다. 그것은 중요한 기능국민 정서. 그러나 일본 도시가 성장하고 정원의 크기가 줄어들었고 종종 주거와 자연 세계 사이의 동일한 접촉 역할을하는 꽃과 식물의 작은 상징적 구성으로 대체되었습니다. 일본 신화 집 꽃꽂이 netsuke

꽃병에 꽃을 꽂는 기술인 이케브나(꽃의 생명)는 6세기에 불교와 함께 일본에 퍼진 신의 제단에 꽃을 놓는 고대 풍습으로 거슬러 올라갑니다. 대부분의 경우 그 당시 스타일의 구성 인 rikka (심은 꽃)는 고대 청동 용기에 설치된 소나무 또는 노송 나무 가지와 연꽃, 장미, 수선화로 구성되었습니다.

개발과 함께 세속 문화 10~12세기에 꽃꽂이는 귀족 계급의 궁전과 거주 구역에 설치되었습니다. 황실에서는 부케 배열 특별 대회가 인기를 끌었습니다. 15 세기 후반에 이케 바나 예술의 새로운 방향이 나타 났으며 그 창시자는 Ikenobo Sen'ei의 거장이었습니다. Ikenobo 학교의 작품은 특별한 아름다움과 정교함으로 구별되어 가정 제단에 설치되어 선물로 제공되었습니다. 16세기에 다도가 확산되면서 다도관의 도코노마 틈새를 장식하기 위해 특별한 형태의 이케바나가 형성되었습니다. 차 숭배의 모든 대상에 제시된 단순성, 조화, 절제된 색상의 요구 사항은 꽃 디자인 인 tyabana (다도를위한 꽃꽂이)로 확장되었습니다. 유명한 차 마스터 Senno Rikyu는 새롭고 자유로운 스타일 인 nageire (부주의하게 배치 된 꽃)를 만들었지 만이 스타일 이미지의 특별한 복잡성과 아름다움은 겉보기 무질서에있었습니다. nageire의 유형 중 하나는 식물을 보트 모양의 매달린 용기에 넣었을 때 소위 tsuribana였습니다. 이러한 구성은 "인생의 넓은 바다로 나가는 것"을 상징하기 때문에 취임하거나 학교를 졸업 한 사람에게 제공되었습니다. 17~19세기에는 꽃꽂이 기술이 널리 보급되었고 소녀들에게 부케 만드는 기술을 의무적으로 훈련시키는 관습이 생겼습니다. 그러나 이케바나의 인기로 인해 구성이 단순화되었고 스타일리카의 엄격한 규칙은 나게이레를 위해 포기되어야 했으며, 이로부터 또 다른 새로운 스타일의 세이카 또는 쇼카(살아있는 꽃)가 등장했습니다. 19세기 말 오하라 우신(Ohara Usin)은 모리바나 스타일을 만들었는데, 그 주요 혁신은 꽃을 넓은 그릇에 담는 것이었습니다.

꽃꽂이 구성에는 원칙적으로 하늘, 땅, 사람의 세 가지 원칙을 나타내는 세 가지 필수 요소가 있습니다. 그들은 꽃, 가지 및 풀로 구현될 수 있습니다. 서로의 관계와 추가 요소다양한 스타일과 내용의 작품을 만듭니다. 예술가의 임무는 아름다운 구성을 만드는 것뿐만 아니라 사람의 삶과 세상에서의 위치에 대한 자신의 생각을 가장 완벽하게 전달하는 것입니다. 뛰어난 꽃꽂이 장인의 작품은 희망과 슬픔, 영적 조화와 슬픔을 표현할 수 있습니다.

꽃꽂이의 전통에 따르면 계절은 반드시 재현되며 식물의 조합은 일본에서 잘 알려진 상징적 좋은 소원을 형성합니다. 소나무와 장미 - 장수; 모란과 대나무 - 번영과 평화; 국화와 난초 - 기쁨; 목련 - 영적 순결 등

미니어처 조각 - netsuke는 18-19 세기에 예술 및 공예 유형 중 하나로 널리 퍼졌습니다. 그 모습은 일본의 민족 의상인 기모노에는 주머니가 없고 필요한 모든 소품(파이프, 파우치, 약 상자)이 균형추 키체인을 사용하여 벨트에 부착되어 있기 때문입니다. 따라서 Netsuke에는 반드시 원하는 물체가 부착되는 레이스 구멍이 있습니다. 이전에는 막대기와 버튼 형태의 열쇠 고리가 사용되었지만 18 세기 말부터 유명한 거장들이 이미 netsuke 제작에 참여하여 작품에 서명을했습니다.

Netsuke는 도시 계급, 대중 및 민주적 예술입니다. netsuke의 음모에 따르면 마을 사람들의 영적 필요, 일상적인 관심사, 관습 및 관습을 판단 할 수 있습니다. 그들은 미니어처 조각에 종종 묘사되는 영혼과 악마를 믿었습니다. 그들은 "행복의 칠신"의 조각상을 좋아했으며 그중 가장 인기있는 것은 부의 신 Daikoku와 행복의 신 Fukuroku였습니다. netsuke의 끊임없는 플롯은 다음과 같습니다. 내부에 씨앗이 많은 갈라진 가지-큰 수컷 자손에 대한 소원, 오리 두 마리-상징 가족의 행복. 수많은 netsuke가 일상적인 주제와 도시의 일상 생활에 전념합니다. 이들은 방황하는 배우와 마술사, 노점상, 다양한 활동을하는 여성, 방황하는 승려, 레슬링 선수, 심지어 일본인의 관점에서 볼 때 이국적인 네덜란드 인, 옷-챙이 넓은 모자, 캐미솔 및 바지입니다. 주제별 다양성으로 구별되는 netsuke는 열쇠 고리의 원래 기능을 유지했으며, 이 목적은 장인에게 깨지기 쉬운 돌출 세부 사항이없는 둥글고 촉감이 좋은 컴팩트 한 모양을 지시했습니다. 재료 선택도 이것과 관련이 있습니다. 매우 무겁지 않고 내구성이 있으며 한 조각으로 구성됩니다. 가장 일반적인 재료는 다양한 유형의 목재, 상아, 도자기, 래커 및 금속이었습니다.

일본화는 내용뿐만 아니라 형식도 매우 다양합니다. 벽화, 스크린 페인팅, 실크와 종이, 앨범 시트 및 부채로 실행되는 세로 및 가로 두루마리입니다.

에 대한 고대 그림서면 문서의 참조로만 판단할 수 있습니다. 현존하는 가장 오래된 뛰어난 작품은 헤이안 시대(794-1185)로 거슬러 올라갑니다. 이것은 작가 무라사키 시키부의 유명한 "겐지 왕자 이야기"의 삽화입니다. 삽화는 여러 개의 가로 두루마리로 만들어졌으며 텍스트로 보완되었습니다. 그들은 화가 후지와라 다카요시(12세기 전반)의 붓에 기인합니다.

귀족 계급의 다소 좁은 범위에 의해 만들어진 그 시대 문화의 특징은 아름다움에 대한 숭배, 물질적, 영적 삶의 모든 표현에서 고유 한 매력, 때로는 애매하고 애매한 매력을 찾고자하는 열망이었습니다. 나중에 야마토에(문자 그대로 일본화)라고 불리는 당시의 그림은 행동이 아니라 마음의 상태를 전달했습니다. 가혹하고 용감한 무사계급 대표들이 집권하면서 헤이안 시대의 문화는 쇠퇴하기 시작했습니다. 두루마리의 그림에서 내러티브 원칙이 확립되었습니다. 이것은 극적인 에피소드로 가득 찬 기적에 대한 전설, 불교 신앙 설교자의 전기, 전사 전투 장면입니다. 14-15 세기에 자연에 대한 특별한 관심과 함께 선종의 가르침의 영향으로 풍경화가 발전하기 시작했습니다 (처음에는 중국 모델의 영향으로).

150년 동안 일본 예술가들은 중국 예술 시스템을 마스터하여 단색의 풍경화를 국가 예술의 재산으로 만들었습니다. 그것의 가장 높은 개화는 Sesshu라는 가명으로 더 잘 알려진 뛰어난 거장 Toyo Oda (1420...1506)의 이름과 관련이 있습니다. 그의 풍경화에서 검은 잉크의 가장 좋은 색조만을 사용하여 자연계의 모든 다채로움과 무수한 상태를 반영했습니다. 이른 봄의 습기로 포화된 분위기, 눈에 보이지 않지만 느껴지는 바람과 차가운 가을비, 움직이지 않는 겨울의 고요함.

16세기는 소위 말하는 시대를 엽니다. 중세 후기 3세기 반 동안 지속되었습니다. 이때 벽화가 널리 퍼져 국가 통치자와 봉건 영주의 궁전을 장식했습니다. 새로운 회화 방향의 창시자 중 한 명은 16세기 후반에 살았던 유명한 거장 Kano Eitoku였습니다. 18-19세기에 번성했던 목판화(목판화)는 중세의 또 다른 미술 유형이 되었습니다. 판화는 풍속화와 마찬가지로 우키요에(일상 세계의 그림)라고 불렸습니다. 그림을 그리고 완성된 종이에 자신의 이름을 쓴 작가 외에도 조각가와 프린터가 조각을 만들었습니다. 처음에는 조각이 모노 포닉이었고 작가 자신이나 구매자가 손으로 그렸습니다. 그런 다음 두 가지 색상의 인쇄가 발명되었고 1765년에 화가 스즈키 하루노부(1725-1770)가 처음으로 다색 인쇄를 사용했습니다. 이를 위해 조각가는 특별히 준비된 세로 톱질 판 (배, 체리 또는 일본 회양목)에 패턴이있는 트레이싱 페이퍼를 놓고 판화의 색 구성표에 따라 필요한 수의 인쇄판을 잘라냅니다. 어떨 때는 30개가 넘는 경우도 있었습니다. 그 후 프린터는 올바른 음영을 선택하여 특수 용지에 인쇄했습니다. 그의 기술은 서로 다른 나무판에서 얻은 각 색상의 윤곽선을 정확히 일치시키는 것이었습니다. 모든 조각은 일본 배우를 묘사하는 연극의 두 그룹으로 나뉩니다. 고전 극장다양한 역할의 가부키와 일상 생활, 그들의 삶의 아름다움과 장면의 이미지에 전념합니다. 연극 판화의 가장 유명한 대가는 Toshushai Syaraku였습니다. 확대배우의 얼굴을 묘사하여 그들이 연기한 역할의 특징을 강조하고, 캐릭터 특성분노, 공포, 잔인함, 속임수 등 연극의 캐릭터로 환생한 사람.

스즈키 하루노부와 키타가와 우타마로와 같은 뛰어난 예술가들은 일상 판화로 유명해졌습니다. 우타마로가 창조자 여성 이미지아름다움의 국가적 이상을 구현합니다. 그의여 주인공들은 잠시 얼어 붙은 것 같고 이제 부드럽고 우아한 움직임을 계속할 것입니다. 하지만 이 멈춤은 머리의 기울임, 손의 몸짓, 인물의 실루엣이 그들이 살고 있는 감정을 전달하는 가장 표현적인 순간입니다.

가장 유명한 조각가는 뛰어난 예술가 Katsushika Hokusai (1776-1849)였습니다. 호쿠사이의 작품은 수백 년 된 일본의 회화 문화를 기반으로 합니다. 호쿠사이는 30,000점이 넘는 그림을 그렸고 약 500권의 책에 삽화를 그렸습니다. 이미 70 세인 Hokusai는 세계 예술의 가장 뛰어난 예술가들과 동등하게 될 수있는 "36 Views of Fuji"시리즈의 가장 중요한 작품 중 하나를 만들었습니다. 호쿠사이는 일본의 국가적 상징인 후지산을 여러 곳에서 보여주며 처음으로 조국의 이미지와 단합된 사람들의 이미지를 드러낸다. 작가는 사람의 단순한 감정, 일상 활동, 그리고 주변 자연그 요소와 아름다움으로. 그의 민족 예술에 대한 수세기에 걸친 경험을 흡수한 호쿠사이의 작품은 예술 문화중세 일본, 그 놀라운 결과.

일본은 항상 고대 전통의 보존과 재생산에 대한 경건한 태도로 구별되어 왔으며, 이 놀라운 특징은 떠오르는 태양평범한 일본인의 삶에서 현대적 혁신이 수백 년 된 문화적 전통과 조화롭게 결합되는 독특한 장소입니다.

일본에 가본 적이 있다면 빨간색과 검은색 국그릇, 쟁반, 젓가락 등을 본 적이 있을 것입니다. 옻칠한 물건(저품질 제품은 우리나라에서 찾을 수 있습니다). 옻칠 예술은 고대부터 시작된 전통 일본 공예품 중 하나입니다. 일찍이 조몬 시대(기원전 14,000-300년)에 일본에서 최초의 제품이 발견되어 오늘날까지 살아남았습니다. 현대에 일본 칠기는 활발히 수출되어 국가의 일종의 "브랜드"가되었습니다. 서구 세계에서 "일본"이라는 단어가 "니스, 칠기, 바니시 적용"이라는 두 번째 의미를 얻은 것은 우연이 아닙니다.

일본 니스는 유기물우루시(漆) 나무를 긁어서 추출한 수액으로 만든 결과 바니시도 호출됩니다. 이 단어는 "아름답다, 아름답다"를 의미하는 uruwashii(麗しい)와 "수분을 공급하다"를 의미하는 uruosu(潤す)라는 두 개의 다른 일본어 단어에서 유래한 것으로 여겨집니다. 상형 문자 우루시 자체는 "나무" [木] (桜 - sakura, 梅 - 자두, 松 - 소나무 등) 키를 사용하여 쓰여지는 다른 나무 이름과 달리 "물" [氵] 키를 가지며, 이는 이 나무가 물, 즉 그 안에 들어 있는 주스 때문에 더 가치가 있음을 강조합니다. 일본어로 칠기는 칠기(漆器: 漆 "니스, 옻나무" + 器 "도구, 장신구") 또는 누리모노(塗物: 塗る "칠하다, 칠하다" + 物 "물건, 물건")라고 합니다.

경화된 래커는 보호 코팅을 형성하여 물을 튕겨내고 항목이 썩는 것을 방지할 뿐만 아니라 산, 알칼리, 염 및 알코올의 공격에 덜 민감하게 만듭니다. 제품의 재료로는 목재(가장 일반적인 재료), 가죽, 종이, 도자기, 유리, 금속, 심지어 플라스틱까지 사용됩니다. 칠기를 만들고 장식하는 방법에는 여러 가지가 있습니다. 이 일본 공예의 가장 유명한 유형에 대해 오늘 조금 이야기합시다.

오우치 칠기

오우치 칠기 예술은 야마구치 현(山口県)에서 무장 오우치 히로요(1325-1380)의 노력으로 시작되었습니다. 자신의 재산을 당시의 수도인 교토(京都)로 만들기 위해 다양한 명장과 장인을 적극 초청하여 교토 장인의 기술과 아이디어를 지역 전통새로운 독특한 문화를 낳았습니다.

기슈 칠기

대략 14~16세기. 와카야마현(和歌山県)의 현대 도시인 이와데(岩出市) 지역에 있는 네고로지 절의 불교 승려들은 젓가락, 쟁반, 그릇, 종교 숭배 대상인 기도와 만트라와 같은 실용적인 칠기의 생산을 시작했습니다. 그들의 장인 정신이 완벽하지 않았기 때문에 완제품에 얼룩이 몇 군데 있었습니다. 특별한 스타일제품 이름은 Negoro입니다. 17세기에 기슈 공국의 지원을 받아 승려의 칠기가 유명해지면서 이 지역의 이름이 붙여졌습니다.

옻칠한 와카사 스틱

후쿠이현(福井県) 오바마시(小浜市)에서 만든 옻칠한 주방용품입니다. 일본 옻칠 젓가락의 80% 이상이 이곳에서 만들어집니다. 비범한 아름다움과 우아함을 지닌 지팡이는 떠오르는 태양의 땅에서 인기 있는 결혼 선물입니다.

오다와라 칠기

가나가와현(神奈川県). 이러한 유형의 옻칠 예술은 가마쿠라 시대(1185-1333)로 거슬러 올라갑니다. 이때 강력하고 영향력 있는 호조 일족이 공예 개발을 적극적으로 추진하여 오다와라 시(小田原市)를 옻칠 생산의 중심지로 만들었습니다. 에도 시대(1603-1868)에는 그릇, 쟁반, 심지어 옻칠한 갑옷과 같은 많은 제품이 에도(오늘날의 도쿄)로 수출되었습니다.

카가와 칠기

가가와현(香川県). 1638년 다이묘 요리시게 마쓰다이라가 막부의 임명으로 이곳에 왔습니다. 그는 칠기와 조각에 대한 사랑으로 구별되었고, 그래서 그는 자신의 영역에서 이러한 유형의 예술과 공예를 개발하기 시작했습니다. 200년 후, 가가와 칠기는 거장 Tsukoku Tamakaji(1807-1869)의 작품 덕분에 전국적으로 유명해졌습니다. 특별한 연삭 및 연마 방법을 사용하여 탁월한 광채로 제품을 포화시킵니다.

와지마 칠기

이시카와현(石川県). 이러한 유형의 예술 중 가장 오래 살아남은 예는 1397년경에 지어진 와지마 시(輪島市) 시게조 사원의 옻칠한 문입니다. 에도 시대(1603-1868)에 지노코 가루가 발명되었습니다. 이 가루는 구운 점토를 부수어 만든 것으로, 이 칠기는 믿을 수 없을 정도로 내구성이 뛰어나서 사람들의 수요에 큰 영향을 미쳤습니다.

아이즈 칠기

아이즈 도자기는 후쿠시마 현(福島県)의 전통 예술 중 하나입니다. 이 공예품의 등장은 1590년으로 거슬러 올라갑니다. 당시 지역 봉건 영주인 가모 우지사토(Gamo Ujisato)가 이전 소유물에서 주인을 소집한 다음 전달하기 시작했습니다. 최신 기술당시의 공예품. 그 결과 아이즈는 최대의 칠기 제조업체 중 하나가 되었습니다. 생산 확대는 중국과 네덜란드로 제품을 수출할 수 있는 가능성을 가져왔고, 이는 다른 나라에서 이 지역을 미화했습니다.

쓰가루 칠기

쓰가루는 아오모리현 서부(青森県)의 지명이다. 쓰가루 칠기 예술은 에도 시대에 도시에서 산업 발전이 장려되었던 17세기와 18세기에 시작되었습니다. 츠가루 스타일은 지역의 장인과 장인에게 그들의 기술을 더욱 발전시킬 수 있는 자극과 기회가 주어졌기 때문에 이러한 급증에서 등장했습니다. 제품을 만들 때 300년 이상 전에 사용된 방법은 오늘날에도 여전히 사용됩니다.

우리는 일본 옻칠 예술의 몇 가지 주요 스타일을 살펴보았습니다. 의심 할 여지없이 더 많은 것들이 있으며 많은 것들이 새로운 기술로 보완되고 개선되었습니다.

일본의 칠기 제작 기술은 고대부터 시작되어 오늘날까지 살아남았으며 세계에서 가장 우아하고 조화로우며 장관을 이루는 예술 및 공예 유형 중 하나입니다. 이것은 우리가 세계관, 미적 원칙 및 일본인의 성격을 충분히 인식할 수 없다는 것을 고려하지 않고는 문화적 전통 중 하나입니다.

경험이 없는 사람이 처음에는 모든 종류의 칠기를 이해하기 어려울 수 있습니다. 따라서 판매되는 상점을 돌아 다니며 실시간으로보고 판매자와 채팅하고 자신과 친구를 위해 선물로 물건을 사고 싶다면 원하는 물건을 선택하는 것이 좋습니다.

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