집 › 테스트 드라이브 › 새로운 중세 시대의 음악 스타일에 대해 보고합니다. 초기 음악과 중세

새로운 중세 시대의 음악 스타일에 대해 보고합니다. 초기 음악과 중세

음악 중세 시대 - 개발 기간음악 문화, 약부터 일정 기간에 걸쳐서기 5~14세기 .
중세 유럽에서 새로운 유형의 음악 문화가 생겨나고 있습니다.봉건적 전문 예술, 아마추어 음악 및민속학. 교회 때부터 영적 생활의 모든 영역을 지배하는 전문 음악 예술의 기초는 음악가의 활동입니다.사원과 수도원 . 세속적인 전문 예술은 처음에는 궁정에서, 귀족의 집에서, 전사들 사이에서 서사시를 만들고 공연한 가수들에 의해서만 대표되었습니다.바드, 스칼드 등). 시간이 지남에 따라 아마추어 및 세미 프로페셔널 형태의 음악 제작이 발전합니다.기사도: 프랑스 - 트루바두르와 트루버의 예술(Adam de la Halle, XIII 세기), 독일 - 미네싱어( 볼프람 폰 에센바흐, 발터 폰 데어 포겔바이데, XII - XIII 세기 )뿐만 아니라 도시장인. 봉건 성에서 그리고 도시에서는 모든 종류의 속이 재배된다.노래의 장르 및 형식(서사시, "새벽", 론도, 르, 비렐, 발라드, 칸초네, 라우다스 등).
새로운 사람들이 삶에 들어옵니다악기, 출신자 포함동(비올라, 류트 등), (불안정한 구성의) 앙상블이 발생합니다. 민속은 농민들 사이에서 번성합니다. "인민 전문가"도 있습니다.이야기꾼 , 순회 합성 예술가 ( jugglers, mimes, minstrels, shpilmans, buffoons ). 음악은 다시 주로 응용 및 영적-실용 기능을 수행합니다. 창의성은성능(보통 한 사람).
그리고 음악의 내용과 형식이 지배적입니다.집합체 ; 개인의 시작은 그것에서 눈에 띄지 않고 일반에 순종합니다 (음악가 마스터는 최고의 대표자입니다커뮤니티 ). 모든 것에 대한 엄격한 통치전통과 정경 . 통합, 보존 및 보급전통과 기준.
느리지만 점차 음악의 내용이장르, 형식 , 표현 수단. 안에 6~7세기 서유럽 . 엄격하게 규제되는 시스템모노포닉(모노딕 ) 교회 음악기반을 둔온음계 모드( 그레고리오 성가), 암송(시편)과 노래(찬송)의 결합 ). 1천년과 2천년의 전환기에다음 . 새로운보컬 (합창 ) 및 보컬 악기(합창단 및오르간) 장르: 오르가눔, 모테트, 지휘, 미사. 12세기 프랑스 첫번째작곡가 (창의) 학교 노트르담 대성당(레오닌, 페로틴). 르네상스 (프랑스와 이탈리아의 아르 노바 스타일, XIV 세기)의 전환기에 전문 음악모노포니가 밀려나고 있다다음 , 음악은 순전히 실용적인 기능(예배 교회의례 ), 값을 증가시킵니다.속가 노래를 포함한 장르기욤 드 마쇼).

르네상스.

XV-XVII 세기의 음악.
중세 시대에 음악은 교회의 특권이었기 때문에 대부분의 음악 작품은 신성했습니다. 교회 찬송가(그레고리 성가), 기독교 초기부터 신조의 일부였습니다. 17세기 초, 교황 그레고리오 1세가 직접 참여한 컬트 선율이 마침내 공식화되었습니다. 그레고리오 성가는 전문 성악가들이 연주했습니다. 교회 음악이 다성음악을 마스터한 후, 그레고리안 성가는 다성음악 컬트 작품(미사, 모테트 등)의 주제 기반으로 남았습니다.

중세 이후 르네상스는 음악가들에게 발견, 혁신, 탐구의 시대, 음악과 그림에서 천문학과 수학에 이르기까지 삶의 모든 계층의 문화 및 과학적 표현의 르네상스였습니다.
음악은 대체로 종교적으로 남아 있었지만 사회에 대한 교회의 통제력이 약해지면서 작곡가와 연주자들이 자신의 재능을 발휘할 수 있는 더 큰 자유가 열렸습니다.
인쇄술의 발명으로 악보의 인쇄와 배포가 가능해졌고, 그 순간부터 우리가 클래식 음악이라고 부르는 것이 시작되었습니다.
이 기간 동안 새로운 악기가 등장했습니다. 가장 인기 있는 악기는 음악 애호가들이 특별한 기술 없이도 쉽고 간단하게 연주할 수 있는 악기였습니다.
이때 바이올린의 전신인 비올라가 등장했다. 프렛(프렛보드를 가로지르는 나무 조각)은 연주하기 쉬웠고 소리는 조용하고 부드러웠으며 작은 장소에서 잘 연주되었습니다.
리코더, 플루트, 호른과 같은 관악기도 인기가 있었습니다. 가장 복잡한 음악은 새로 만든 하프시코드, 버지널(작은 크기가 특징인 영국식 하프시코드) 및 오르간을 위해 작곡되었습니다. 동시에 음악가들은 높은 연주 기술이 필요하지 않은 단순한 음악을 작곡하는 것을 잊지 않았습니다. 동시에 음악 작문에도 변화가 있었습니다. 무거운 나무 인쇄 블록은 이탈리아 Ottaviano Petrucci가 발명한 이동식 금속 문자로 대체되었습니다. 출판 된 뮤지컬 작품은 빠르게 매진되었고 점점 더 많은 사람들이 음악에 참여하기 시작했습니다.
르네상스의 끝은 가장 중요한 사건으로 표시되었습니다. 음악사- 오페라의 탄생. 인문주의자, 음악가, 시인 그룹이 그들의 지도자인 Giovanni De Bardi 백작(1534-1612)의 후원 아래 피렌체에 모였습니다. 이 그룹은 "kamerata"라고 불렸고 주요 구성원은 어린 시절 Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (천문학자 Galileo Galilei의 아버지), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri 및 Ottavio Rinuccini였습니다.
그룹의 첫 번째 문서화 된 회의는 1573 년에 열렸으며 가장 활동적인 해 "피렌체 카메라타 "는 1577 - 1582년이었습니다. 그들은 음악이 "손상"되었다고 믿었고 형식과 스타일로 돌아가려고 했습니다. 고대 그리스, 음악 예술이 향상될 수 있고 그에 따라 사회도 향상될 것이라고 믿습니다. Camerata는 기존 음악이 텍스트의 명료성을 희생하고 작품의 시적 요소를 상실한 다성음의 과도한 사용을 비판하고 모노딕 스타일의 텍스트가 반주되는 새로운 음악 스타일의 생성을 제안했습니다. 기악. 그들의 실험은 Emilio de Cavalieri가 처음 사용했으며 나중에 오페라 개발과 직접적으로 관련된 새로운 성악 형식의 창안으로 이어졌습니다.
최초로 공식적으로 인정받은오페라 , 현대 표준에 해당하는 것은 1598 년에 처음 발표 된 오페라 "Daphne"(Daphne)이었습니다. "Daphne"의 저자는 Ottavio Rinuccini의 대본 인 Jacopo Peri와 Jacopo Corsi였습니다. 이 오페라는 살아남지 못했습니다. 살아남은 최초의 오페라는 같은 작가의 "Eurydice"(1600)입니다. 자코포 페리오타비오 리누치니. 이 창조적인 조합은 여전히 많은 작품을 만들었고 대부분은 사라졌습니다.

초기 바로크 음악(1600-1654)

이탈리아 작곡가 클라우디오 몬테베르디(1567-1643)에 의한 그의 레치타티브 스타일의 창조와 이탈리아 오페라의 지속적인 발전은 바로크 시대와 르네상스 시대 사이의 조건부 전환점으로 간주될 수 있습니다. 로마, 특히 베니스에서의 오페라 공연의 시작은 이미 전국적으로 새로운 장르의 인식과 확산을 의미했습니다. 이 모든 것은 모든 예술을 포착하는 더 큰 과정의 일부일 뿐이며 특히 건축과 회화에서 분명하게 나타납니다.
르네상스 작곡가들은 음악 작품의 각 부분의 정교함에 주의를 기울였으며 이러한 부분의 병치에는 거의 또는 전혀 주의를 기울이지 않았습니다. 개별적으로 각 부분이 훌륭하게 들릴 수 있지만 추가의 조화로운 결과는 규칙성보다 우연의 문제였습니다. 숫자형 베이스의 등장은 음악적 사고의 상당한 변화를 나타냅니다. 즉, "부분을 하나의 전체에 추가하는 것"인 하모니가 멜로디 부분(다성음) 자체만큼 중요합니다. 점점 더 많은 폴리포니와 하모니는 조화로운 음악을 작곡한다는 동일한 아이디어의 양면처럼 보였습니다. 조화 시퀀스를 작곡할 때 불협화음을 만들 때 삼음에 동일한 주의를 기울였습니다. 화성적 사고는 Carlo Gesualdo와 같은 이전 시대의 일부 작곡가들 사이에서도 존재했지만 바로크 시대에는 일반적으로 받아들여졌습니다.
조성과 조성을 명확하게 분리하는 것이 불가능한 작품 부분은 혼합 장조 또는 혼합 단조로 표시했습니다 (나중에 이러한 개념에 대해 각각 "단조"와 "단조"라는 용어를 도입했습니다). 이 표는 초기 바로크 시대에 이미 조성된 조화가 이전 시대의 조화를 거의 대체하고 있음을 보여줍니다.
이탈리아는 새로운 스타일의 중심이 됩니다. 개혁에 반대하는 투쟁에 사로잡혔지만 그럼에도 불구하고 합스부르크의 군사 작전으로 보충된 막대한 재정 자원을 소유한 교황권은 문화적 영향력의 확장을 통해 가톨릭 신앙을 전파할 방법을 찾고 있었습니다. 건축, 순수 예술 및 음악의 화려함, 웅장함 및 복잡성으로 인해 천주교는 금욕적인 개신교와 논쟁을 벌였습니다. 부유한 이탈리아 공화국과 공국들도 미술 분야에서 치열한 경쟁을 벌였습니다. 중 하나 중요한 센터음악 예술은 당시 세속적 및 교회적 후원 아래 있던 베니스였습니다.
조반니 가브리엘리는 개신교의 이데올로기적, 문화적, 사회적 영향력이 커지는 것에 반대하는 가톨릭의 편에 섰던 초기 바로크 시대의 중요한 인물이었습니다. 그의 작품은 "높은 르네상스"(르네상스의 전성기) 스타일에 속합니다. 그러나 악기 분야에서 그의 혁신 중 일부(특정 악기에 특정 작업 할당)는 그가 새로운 스타일의 출현에 영향을 준 작곡가 중 한 명임을 분명히 나타냅니다.
성악 작곡에 대해 교회가 부과한 요구 사항 중 하나는 성악이 있는 작품의 가사를 읽을 수 있어야 한다는 것이었습니다. 이를 위해서는 다성음악에서 음악적 기법으로의 이동이 필요했습니다. 전경. 보컬은 반주에 비해 더 복잡하고 화려해졌습니다. 이것이 동성애가 발전한 방식입니다.
몬테베르데 클라우디오(1567-1643), 이탈리아 작곡가. 내면의 노출만큼 그를 매료시킨 것은 없었습니다. 마음의 평화외부 세계와의 극적인 충돌과 갈등에 빠진 사람. Monteverdi는 비극적 계획의 갈등 드라마투르기의 진정한 창시자입니다. 그는 인간 영혼의 진정한 가수입니다. 그는 음악의 자연스러운 표현력을 위해 끊임없이 노력했습니다. "인간의 말은 하인이 아니라 조화의 여주인입니다."
"오르페우스"(1607) -오페라의 음악은 드러내는 데 초점을 맞추고 있습니다. 내면 세계비극적 영웅. 그의 역할은 매우 다면적이며 다양한 감정적이고 표현적인 흐름과 장르 라인이 합쳐집니다. 그는 고향의 숲과 해안을 열광적으로 부르거나 기교 없는 민요로 에우리디케를 잃은 것을 애도합니다.

성숙한 바로크 음악(1654-1707)

유럽에서 최고 권력이 집중된 시기는 종종 절대주의라고 불립니다. 절대주의는 프랑스 왕 루이 14세 치하에서 절정에 이르렀다. 유럽 전역에서 루이의 궁정은 롤모델이었습니다. 법원에서 연주되는 음악을 포함합니다. 악기(특히 건반)의 사용 가능성이 높아지면서 실내악의 발전이 촉진되었습니다.
성숙한 바로크는 새로운 스타일의 편재성과 특히 오페라에서 음악 형식의 분리가 증가했다는 점에서 초기 바로크와 다릅니다. 문학에서와 마찬가지로 뮤지컬 작품의 스트리밍 인쇄가 등장하면서 관객이 확대되었습니다. 음악 문화 센터 간의 교류가 강화되었습니다.
루이 14세 궁정 작곡가의 뛰어난 대표자는 조반니 바티스타 룰리(1632-1687).이미 21세의 나이에 그는 "기악의 궁정 작곡가"라는 칭호를 받았다. 창의적인 작업 Lully는 처음부터 극장과 밀접한 관련이 있었습니다. 궁정 실내악 조직과 "airs de cour" 작곡에 이어 그는 발레 음악을 쓰기 시작했습니다. 루이 14세 자신도 발레에서 춤을 췄는데, 당시 궁정 귀족들이 가장 좋아하는 오락거리였습니다. Lully는 훌륭한 댄서였습니다. 그는 왕과 함께 춤을 추며 제작에 참여했습니다. 그는 자신이 작곡한 연극을 위해 몰리에르와의 협력으로 유명합니다. 그러나 Lully의 작업에서 가장 중요한 것은 여전히 \u200b\u200b오페라를 쓰는 것입니다. 놀랍게도 Lully는 완전한 유형을 만들었습니다. 프랑스 오페라; 프랑스의 소위 서정적 비극 (fr. tragedie lyrique), 오페라 극장. Lully는 오케스트라 부분의 장엄한 소리와 단순한 암송 및 아리아 사이의 대조를 자주 사용했습니다. 음악적 언어 Lully는 그다지 복잡하지는 않지만 확실히 새롭습니다. 조화의 명확성, 리드미컬 한 에너지, 형태의 명확성, 질감의 순수성은 동성애 적 사고 원칙의 승리를 말합니다. 그의 성공은 또한 오케스트라를 위한 음악가를 선택하는 능력과 그들과의 작업(그 자신이 리허설을 지휘함)에 의해 크게 촉진되었습니다. 그의 작업의 필수적인 요소는 하모니와 독주 악기에 대한 관심이었습니다.
영국에서 성숙한 바로크는 Henry Purcell(1659-1695)의 빛나는 천재로 표시되었습니다.그는 36세의 젊은 나이에 요절했으며, 많은 작품을 저술하고 평생 동안 널리 알려지게 되었습니다. Purcell은 Corelli와 다른 이탈리아 바로크 작곡가의 작품에 익숙했습니다. 그러나 그의 후원자와 고객은 이탈리아와 프랑스의 세속 및 교회 귀족과는 다른 부류였기 때문에 퍼셀의 글은 이탈리아 학파와는 매우 다릅니다. Purcell은 다양한 장르에서 작업했습니다. 단순한 종교 찬송가부터 행진곡, 대규모 성악 작곡부터 무대 음악까지. 그의 카탈로그에는 800개 이상의 작품이 포함되어 있습니다. Purcell은 건반 음악의 최초 작곡가 중 한 사람이 되었으며 그의 영향력은 현재까지 이어지고 있습니다.
위의 작곡가들과 달리 디트리히 북스테후데(Dietrich Buxtehude, 1637-1707)는법원 작곡가가 아니 었습니다. Buxtehude는 처음에는 Helsingborg(1657-1658), 그 다음에는 Elsinore(1660-1668), 그리고 1668년부터 St. 뤼베크의 메리. 그는 자신의 작품을 출판하여 돈을 벌지 않고 그것을 연주함으로써 돈을 벌었고, 귀족의 후원보다 교회 텍스트보다 작곡을 선호하고 자신의 오르간 연주를 선호했습니다. 불행히도 이 작곡가의 모든 작품이 보존된 것은 아닙니다. Buxtehude의 음악은 주로 아이디어의 규모, 풍부함 및 상상의 자유, 파토스, 드라마 및 다소 웅변적인 억양에 대한 성향을 기반으로 합니다. 그의 작품은 J. S. 바흐와 텔레만과 같은 작곡가들에게 강한 영향을 미쳤다.

후기 바로크 음악(1707-1760)

성숙한 바로크와 후기 바로크 사이의 정확한 경계선은 논쟁거리입니다. 그것은 1680년에서 1720년 사이 어딘가에 있습니다. 정의의 복잡성의 대부분은 다른 국가에서 스타일이 동기화되지 않고 변경되었다는 사실입니다. 한 곳에서는 이미 규칙으로 받아들여진 혁신이 다른 곳에서는 새로운 발견이었습니다.
이전 시대에 발견된 형태는 성숙기에 이르렀고 큰 변동성이 있습니다. 협주곡, 모음곡, 소나타, 협주곡 그로소, 오라토리오, 오페라, 발레는 더 이상 민족적 특징을 날카롭게 표현하지 못했다. 일반적으로 허용되는 작품 체계는 모든 곳에서 확립되었습니다: 반복되는 두 부분 형식(AABB), 간단한 세 부분 형식(ABC) 및 론도.
안토니오 비발디(1678-1741) -베니스 태생의 이탈리아 작곡가. 1703년에 그는 가톨릭 사제의 지위를 받았다. 비발디가 그의 가장 중요한 공헌을 한 것은 바로크 소나타와 바로크 협주곡과 같은 기악 장르를 개발하고 있던 당시에 바로 이들이었다. 비발디는 500곡이 넘는 협주곡을 작곡했다. 그는 또한 유명한 The Four Seasons와 같은 일부 작품에 프로그래밍 방식의 제목을 부여했습니다.
도메니코 스카를라티(1685-1757)당시 최고의 키보드 작곡가이자 연주자 중 한 명이었습니다. 그러나 아마도 가장 유명한 궁정 작곡가는 게오르크 프리드리히 헨델(1685-1759).그는 독일에서 태어나 이탈리아에서 3년 동안 공부했지만 1711년에 런던을 떠나 뛰어난 상업 경력을 시작했습니다. 성공적인 경력귀족을 위해 커미션을 수행하는 독립 오페라 작곡가. 지칠 줄 모르는 에너지를 소유한 헨델은 다른 작곡가들의 소재를 재작업했고, 자신의 작곡. 예를 들어, 그는 유명한 오라토리오 "Messiah"를 여러 번 재작업한 것으로 유명하여 이제 "정통"이라고 할 수 있는 버전이 없습니다.
사후에 그는 유럽을 대표하는 작곡가로 인정받았고 고전주의 시대의 음악가들에게 연구되었다. 헨델은 그의 음악에 즉흥 연주와 대위법의 풍부한 전통을 혼합했습니다. 음악 장식의 예술은 그의 작품에서 매우 높은 수준의 발전에 도달했습니다. 그는 다른 작곡가들의 음악을 공부하기 위해 유럽 전역을 여행했으며, 이와 관련하여 그는 다른 스타일의 작곡가들 사이에서 매우 광범위한 지인을 가졌습니다.
요한 제바스티안 바흐 1685년 3월 21일 독일 아이제나흐에서 태어났다. 평생 동안 그는 오페라를 제외한 다양한 장르의 작품을 1,000곡 이상 작곡했다. 그러나 그의 생애 동안 그는 큰 성공을 거두지 못했습니다. 여러 번 이동하면서 Bach는 너무 높지 않은 위치를 하나씩 변경했습니다. Weimar에서 그는 Weimar Duke Johann Ernst의 궁정 음악가였으며 St. Arnstadt의 Boniface는 몇 년 후 St. Mühlhausen의 Vlasia에서 약 1 년 동안 일한 후 바이마르로 돌아와 법원 오르간 연주자 및 콘서트 주최자를 대신했습니다. 그는 9년 동안 이 직책을 맡았습니다. 1717년 Anhalt-Köthen 공작 Leopold는 Bach를 Kapellmeister로 고용했고 Bach는 Köthen에서 거주하며 일하기 시작했습니다. 1723년 바흐는 라이프치히로 이주하여 1750년 사망할 때까지 머물렀다. 그의 생애 말년과 바흐의 죽음 이후 작곡가로서의 그의 명성은 쇠퇴하기 시작했습니다. 그의 스타일은 급성장하는 고전주의에 비해 구식으로 간주되었습니다. 그는 음악이 더 유명한 Carl Philipp Emmanuel 인 Bachs Jr.의 연주자, 교사 및 아버지로 더 유명하고 기억됩니다.
J.S. 바흐가 세상을 떠난 지 79년 후인 멘델스존의 마태복음에 따른 수난곡 공연만이 그의 작품에 대한 관심을 되살렸습니다. 이제 J.S. Bach는 가장 유명한 작곡가 중 한 명입니다.
고전주의
고전주의 - 예술 XVII의 스타일과 방향 - 초기 XIX세기
이 단어는 라틴어 classicus - 모범에서 나옵니다. 고전주의는 인간의 본성이 조화롭다는 존재의 합리성에 대한 믿음에 기반을 두고 있습니다. 그들은 고대 예술에서 고전의 이상을 보았는데, 그것은 가장 높은 완벽의 형태로 여겨졌습니다.
18세기에 사회 의식 발전의 새로운 단계인 계몽주의 시대가 시작됩니다. 오래된 사회 질서가 파괴되고 있습니다. 인간의 존엄성, 자유, 행복에 대한 존중이 무엇보다 중요합니다. 개인은 독립과 성숙을 획득하고, 그의 마음을 사용하고 비판적 사고. 화려함과 웅장함, 엄숙함을 지닌 바로크 시대의 이상은 자연스러움과 단순함을 바탕으로 한 새로운 라이프스타일로 대체되고 있습니다. 자연으로의 회귀, 자연의 미덕과 자유로의 회귀를 요구하는 장 자크 루소의 이상주의적 견해가 나올 때가 다가오고 있습니다. 자연과 함께 고대는 사람들이 인간의 모든 열망을 구현할 수 있었던 것이 고대에 있다고 믿었 기 때문에 이상화되었습니다. 고대 예술은 고전이라고 불리며 모범적이고 가장 진실하고 완벽하며 조화로운 것으로 인식되며 바로크 시대의 예술과 달리 단순하고 이해하기 쉬운 것으로 간주됩니다. 관심의 중심에는 다른 중요한 측면과 함께 교육, 사회 구조에서 서민의 위치, 사람의 재산으로서의 천재성이 있습니다.

이성은 또한 예술을 지배합니다. 예술의 고귀한 목적, 예술의 사회적, 시민적 역할을 강조하기 위해 프랑스의 철학자이자 교육자인 Denis Diderot은 다음과 같이 썼습니다.

연극은 인생의 교과서이자 인생 그 자체였다. 또한 극장에서 행동은 고도로 질서 정연하고 측정됩니다. 그것은 행동과 장면으로 나뉘며, 차례로 캐릭터의 별도 복제품으로 나뉘어 모든 것이 제자리에 있고 논리적 법칙의 적용을받는 18 세기에 매우 소중한 예술의 이상을 만듭니다.
고전주의 음악은 극도로 연극적이어서 연극의 예술을 베끼고 모방하는 것 같다.
클래식 소나타와 교향곡을 각각 많은 음악적 "이벤트"가 있는 큰 섹션으로 나누는 것은 연극을 액션과 장면으로 나누는 것과 같습니다.
고전 시대의 음악에서는 연극적 행동이 청중 앞에서 펼쳐지는 것과 같은 방식으로 청중 앞에서 펼쳐지는 특정한 행동인 플롯이 종종 암시됩니다.
청취자는 상상력을 켜고 "뮤지컬 의상"에서 고전 코미디 또는 비극의 캐릭터를 인식하기만 하면 됩니다.
연극 예술은 18세기에 일어난 음악 공연의 큰 변화를 설명하는 데 도움이 됩니다. 이전에는 음악이 들리는 주요 장소는 성전이었습니다. 그 안에는 사람이 아래에있는 거대한 공간에 있었고 음악은 그가 하나님을 바라보고 그의 생각을 바치는 데 도움이되는 것 같았습니다. 이제 18세기에는 귀족 살롱, 귀족 저택의 연회장 또는 마을 광장에서 음악을 들을 수 있습니다. 계몽주의 시대의 청취자는 음악을 "당신에게" 대하는 것 같고 더 이상 그녀가 성전에서 소리를 냈을 때 그에게 영감을 준 기쁨과 소심함을 경험하지 않습니다.
오르간의 강력하고 엄숙한 소리는 더 이상 음악에 없으며 합창단의 역할은 줄어들었습니다. 음악 고전적인 스타일그것은 가볍게 들리고 과거의 무겁고 층이 많은 음악보다 "무게가 적은"것처럼 소리가 훨씬 적습니다. 오르간과 합창단의 소리는 심포니 오케스트라의 소리로 대체되었습니다. 숭고한 아리아는 가볍고 리드미컬하며 댄스 음악에 자리를 내주었습니다.
인간 정신의 가능성과 지식의 힘에 대한 무한한 믿음 덕분에 18세기는 이성의 시대 또는 계몽의 시대로 불리기 시작했습니다.
고전주의의 전성기는 18세기 80년대에 온다. 1781년 J. Haydn은 현악 사중주 op. 33; V.A. Mozart의 "Seraglio에서 납치"; F. Schiller의 드라마 "강도"와 "비평" 순수한 마음» I. 칸트.

고전 시대의 가장 밝은 대표자는 비엔나 클래식 학교의 작곡가입니다. 요제프 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 루트비히 판 베토벤. 그들의 예술은 작곡 기술의 완성도, 창의성의 인본주의적 지향, 특히 W.A.

Vienna Classical School의 개념 자체는 L. Beethoven의 죽음 직후에 나타났습니다. 고전 예술은 감정과 이성, 형식과 내용 사이의 섬세한 균형이 특징입니다. 르네상스의 음악은 그 시대의 정신과 숨결을 반영했습니다. 바로크 시대에 인간의 상태는 음악에 반영되는 주제가 되었습니다. 고전주의 시대의 음악은 사람의 행동과 행동, 그가 경험한 감정과 감정, 세심하고 전체론적인 인간의 마음을 노래합니다.

루트비히 판 베토벤(1770–1827)
역사상 가장 위대한 작곡가로 여겨지는 독일 작곡가.
그의 작품은 고전주의와 낭만주의 모두에 기인합니다.
그의 전임자 모차르트와 달리 베토벤은 어렵게 작곡했습니다. 베토벤의 노트는 설득력 있는 구성 논리와 보기 드문 아름다움으로 표시되는 불확실한 스케치에서 장대한 구성이 얼마나 점진적으로 단계적으로 나타나는지 보여줍니다. 그것은 논리이다 주 원천베토벤의 위대함, 대조되는 요소를 하나의 전체로 구성하는 비할 데 없는 능력. 베토벤은 형식의 섹션 사이에서 전통적인 휴지기를 지우고, 대칭을 피하고, 주기의 일부를 병합하고, 언뜻 보기에 흥미로운 것을 포함하지 않는 주제 및 리듬 모티프에서 확장된 구성을 개발합니다. 즉, 베토벤은 자신의 마음의 힘으로, 자신의 의지로 음악적 공간을 창조합니다. 그는 19세기 음악 예술에 결정적인 영향을 미친 예술적 경향을 예상하고 창조했습니다.

낭만주의.
조건부로 1800-1910을 다룹니다.
낭만주의 작곡가들은 음악적 수단을 통해 사람의 내면 세계의 깊이와 풍부함을 표현하려고 노력했습니다. 음악은 더욱 양각되고 개별화됩니다. 발라드를 포함한 노래 장르가 발전하고 있습니다.
음악에서 낭만주의의 주요 대표자는 다음과 같습니다.오스트리아 - 프란츠 슈베르트 ; 독일에서 - 어니스트 테오도르 호프만, 칼 마리아 베버, 리하르트 바그너 , 펠릭스 멘델스존, 로베르트 슈만 , 루트비히 슈포어 ; V
등.................

유럽 중세의 전문 음악 문화는 주로 교회, 즉 컬트 음악 영역과 관련이 있습니다. 종교성으로 가득 찬 예술은 정식적이고 독단적이지만 그럼에도 불구하고 동결되지 않았으며 세상의 소란에서 분리 된 주님을 섬기는 세계로 바뀌 었습니다. 그러나 그러한 "고급"음악과 함께 민속, 순회 음악가의 작품, 고귀한 기사도 문화도있었습니다.

중세 초기의 영적 음악 문화

시대에 초기 중세전문 음악은 대성당과 그에 부속된 노래 학교에서만 들렸습니다. 서유럽 중세 음악 문화의 중심은 "최고 교회 당국"이 위치한 바로 그 도시인 이탈리아-로마의 수도였습니다.

590-604년에 교황 그레고리오 1세는 컬트 노래를 개혁했습니다. 그는 "Gregorian Antiphonary"컬렉션에서 다양한 성가를 주문하고 수집했습니다. 그레고리오 1세 덕분에 서유럽 종교음악에 그레고리 성가라는 방향이 형성되고 있다.

합창-이것은 원칙적으로 유럽과 중동 민족의 수세기 전 전통을 반영하는 단음 성가입니다. 교구민들이 천주교의 기초를 이해하고 하나의 뜻을 받아들이도록 인도하기 위한 것이 바로 이 부드러운 단선율의 선율이었습니다. 기본적으로 합창은 합창단이 연주하고 일부 부분은 솔리스트가 연주했습니다.

그레고리오 성가의 기초는 온음계의 소리에 따른 점진적인 움직임이었지만, 때로는 같은 성가에서 느리고 심한 시편과 개별 음절의 멜리스마적인 성가도 있었습니다.

이러한 멜로디의 연주는 가수의 전문적인 보컬 기술이 필요했기 때문에 아무나 믿을 수 없었습니다. 음악과 마찬가지로 많은 교구민들이 이해할 수 없는 라틴어로 된 찬송가의 가사는 겸손, 현실과의 분리, 묵상을 불러일으킵니다. 종종 음악의 리드미컬한 디자인도 텍스트를 따르는 데 달려 있습니다. 그레고리오 성가는 이상적인 음악이 아니라 오히려 기도문의 성가입니다.

대량의 – 주요 장르중세의 작곡가 음악

가톨릭 미사 교회의 주요 전례이다. 그녀는 다음과 같은 유형의 그레고리오 성가를 결합했습니다.

대음성(두 합창단이 차례로 노래할 때);
응답 (교대로 독창자와 합창단 노래).

공동체는 공동기도를 부르는 데만 참여했습니다.
나중에 XII 세기에. 찬송가(시편), 시퀀스, 비유가 미사에 등장했습니다. (메인 합창과 달리) 라임과 특별한 선율이 있는 추가 텍스트였습니다. 이 종교적 운율 텍스트는 교구민들에게 훨씬 더 잘 기억되었습니다. 승려들과 함께 노래하면서 그들은 멜로디를 다양화했고 민속 요소가 신성한 음악에 스며 들기 시작했고 권위있는 창의성의 기회가되었습니다 (Notker Zaika 및 Tokelon 수도사-St. Golene 수도원). 나중에 이 곡들은 일반적으로 시편 부분을 대체하고 그레고리오 성가의 소리를 상당히 풍부하게 했습니다.

다 성음의 첫 번째 샘플은 오르가 늄-병렬 4도 또는 5도 이동, gimel, foburdon-6 번째 코드 이동, 지휘와 같은 수도원에서 나옵니다. 그러한 음악의 대표자는 작곡가 Leonin과 Perotin입니다. 파리의 노트르담- XII-XIII 세기).

중세의 세속 음악 문화

중세 음악 문화의 세속적 측면은 다음과 같이 표현되었습니다. 프랑스에서 - 저글러, 마임, 민스트럴 , 독일에서 - shpilmans, 스페인에서 - 호글러, 러시아에서 - 어릿광대. 그들 모두는 순회 예술가였으며 악기 연주, 노래, 춤, 마술, 인형극, 서커스 예술.

세속 음악의 또 다른 구성 요소는 소위 기사도였습니다. 궁중 문화 . 각 기사는 용기와 용기뿐만 아니라 세련된 매너, 교육 및 아름다운 여인에게 헌신하십시오. 기사 생활의 이러한 모든 측면이 작업에 반영됩니다. 음유시인(남부 프랑스 - 프로방스), 트루버스(프랑스 북부), 미네싱어(독일).

그들의 작품은 주로 사랑 가사로 표현되며 가장 일반적인 장르는 canzona (albs-minnesingers 중 "Morning Songs")였습니다. 음유시인의 경험을 널리 적용하여 음유시인은 "5월 노래", "위빙 노래"와 같은 자신만의 장르를 만들었습니다.

궁중 문화를 대표하는 음악 장르 중 가장 중요한 영역은 론도, 비렐, 발라드, 영웅 서사시. 악기의 역할은 매우 미미했고, 도입부, 막간, 후주로 성악 멜로디를 구성하는 것으로 축소되었습니다.

성숙한 중세 XI-XIII 세기.

성숙한 중세의 특징은 발전이다. 버거 문화 . 그 초점은 반 교회, 자유 사상, 만화 및 카니발 민속과의 연결이었습니다. 새로운 장르의 폴리포니가 나타납니다. 모테트(motet)는 목소리의 선율적 차이를 특징으로 하며 동시에 모테트에서 노래합니다. 다른 텍스트그리고 심지어 다른 언어들; 마드리갈 - 노래 모국어(이탈리아어), caccia는 사냥을 묘사하는 가사가 있는 보컬 작품입니다.

12세기부터 민속 예술다른 사람들과 달리 글을 읽을 줄 아는 방랑자와 골리 아드가 합류했습니다. 대학은 중세 음악 문화의 전달자가 되었습니다. 중세의 모달 시스템은 신성한 음악의 대표자들에 의해 개발되었기 때문에 교회 모드(Ionian 모드, Aeolian 모드)라고 불리기 시작했습니다.

hexachords의 교리도 제시되었습니다. 프렛에는 6 단계 만 사용되었습니다. 수도사 귀도 아레틴스키(Guido Aretinsky)는 4개의 라인으로 구성된 보다 완벽한 녹음 시스템을 만들었으며, 그 사이에는 3분의 1 비율과 키 사인또는 선 채색. 그는 또한 계단의 음절 이름, 즉 계단의 높이가 문자로 표시되기 시작했습니다.

아르스 노바 XIII-XV 세기

중세와 르네상스 사이의 과도기는 XIV 세기였습니다. 프랑스와 이탈리아의 이 시기는 Ars Nova, 즉 "새로운 예술"이라고 불렸습니다. 예술에서 새로운 실험을 할 때가 왔습니다. 작곡가들은 작품을 작곡하기 시작했으며 그 리듬은 이전 작품 (Philippe de Vitry)보다 훨씬 복잡해졌습니다.

또한 신성한 음악과 달리 여기에 반음이 도입되어 임의의 음조 상승 및 하강이 발생하기 시작했지만 아직 변조는 아닙니다. 이러한 실험의 결과 흥미롭지 만 항상 음조가 좋지 않은 작품을 얻었습니다. 당시 가장 뛰어난 실험 음악가는 Solage였습니다. 음악 문화중세는 문화에 비해 더 발전했습니다. 고대 세계, 자금의 한계에도 불구하고 르네상스 시대 음악의 번영을 위한 전제 조건을 담고 있습니다.

중세 음악가. 13세기 중세 음악의 필사본 서기 5세기경부터 14세기까지의 기간을 망라하는 음악 문화의 발전기 ... Wikipedia

민속, 대중 음악, 팝 및 클래식 음악의 다양한 생활 및 역사적 장르를 포함합니다. 인도 사람 고전 음악, Karnataka와 Hindustani의 전통으로 대표되는 Sama Veda로 돌아가 복잡하고 다양한 것으로 묘사됩니다 ... Wikipedia

몽마르뜨 프랑스 음악의 음악가 그룹은 가장 흥미롭고 영향력 있는 유럽 음악 문화 중 하나이며, 그 기원은 ... Wikipedia

목차 1 민속음악 2 클래식, 오페라, 발레 3 대중음악 ... 위키백과

이 문서는 음악 스타일에 관한 것입니다. 철학적 관점 그룹에 대해서는 New Age 항목 참조: New Age 음악 New Age(new age) 방향: 전자 음악기원: 재즈, 에스닉, 미니멀리즘, 클래식 음악, 콘크리트 음악 ... Wikipedia

I Music(그리스어 musike에서 유래, 말 그대로 뮤즈의 예술)은 현실을 반영하고 의미 있고 특별히 조직화된 사운드 시퀀스를 통해 사람에게 영향을 미치는 예술 유형으로, 주로 톤으로 구성됩니다. 큰 소비에트 백과사전

- (그리스어 moysikn, from mousa muse) 의미 있고 특별히 높이와 시간으로 구성된 사운드 시퀀스를 통해 현실을 반영하고 사람에게 영향을 미치는 수트 유형으로 주로 톤으로 구성됩니다. 음악 백과사전

Croats에 관한 일련의 기사 ... Wikipedia

벨기에 음악은 음악적 전통북쪽에 거주했던 Flemings와 남쪽에 살았고 프랑스 전통의 영향을받은 Walloons의 전통. 벨기에 음악의 형성은 복잡한 역사적으로 진행되었습니다 ... ... Wikipedia

서적

예술의 역사를 보여줍니다. 건축, 조각, 회화, 음악, Lyubke V. Lifetime 에디션. 상트페테르부르크, 1884년. A. S. Suvorin의 판. 134개의 그림이 있는 에디션. 가죽 등뼈와 모서리가 있는 소유자 바인딩. 붕대 척추. 보안이 좋습니다.…
예술의 역사를 보여줍니다. 건축, 조각, 회화, 음악(학교, 자습 및 정보), Lübke. 라이프 에디션. 상트페테르부르크, 1884년. A. S. Suvorin의 판. 134개의 그림이 있는 책. 타이포그래피 커버. 안전이 좋습니다. 표지에 작은 눈물. 풍부한 일러스트…

중세 초기의 상황에서 전체 음악 문화는 두 가지 주요 "용어"로 축소됩니다. 그 기둥 중 하나는 교회에서 합법화 한 전문 전례 음악이며 원칙적으로 기독교를 채택한 모든 민족에게 동일합니다 (언어의 통일성은 라틴어이고 노래의 통일성은 그레고리오 성가입니다). 다른 한편으로는 떠돌아 다니는 음악가들의 활동과 함께 민속 생활과 관련된 다양한 현지 언어로 교회에서 박해하는 민속 음악입니다.

힘의 절대적인 불평등 (국가 지원, 물질적 조건 등)에도 불구하고 민속 음악은 정식화 된 그레고리오 성가에 다양한 삽입 형태로 집중적으로 발전했으며 부분적으로 교회에 침투했습니다. 그 중에는 예를 들어 재능 있는 음악가가 만든 비유와 시퀀스가 있습니다.

산책로 - 합창 중간에 삽입되는 텍스트 및 음악 추가입니다. 일종의 트레일은 시퀀스입니다. 중세시퀀스 이들은 복잡한 발성의 하위 텍스트입니다. 발생 원인 중 하나는 하나의 모음으로 부르는 긴 멜로디를 기억하는 데 상당한 어려움이 있었기 때문입니다. 시간이 지남에 따라 시퀀스는 민속 창고의 멜로디를 기반으로 시작되었습니다.

스님은 첫 번째 시퀀스의 저자 중에서 이름이 지정됩니다.노커 St. Gallen 수도원에서 Zaika라는 별명 (스위스, 근처 콘스탄스 호수). 노커(840-912)는작곡가, 시인, 음악 이론가, 역사가, 신학자. 그는 수도원 학교에서 가르쳤고 그의 말더듬에도 불구하고 훌륭한 교사로 알려졌습니다. 그의 시퀀스를 위해 Notker는 부분적으로 유명한 곡, 부분적으로 자신이 작곡했습니다.

트리엔트 공의회(1545-63)의 칙령에 따라 4개를 제외한 거의 모든 시퀀스가 교회 예배에서 추방되었습니다. 그 중 가장 유명한 것은 시퀀스였습니다.다이스 이래 ( "분노의 날"), 심판의 날에 대해 이야기 . 나중에 다섯 번째 시퀀스는 가톨릭 교회에서 사용하도록 허용되었습니다.스타바트 교인 ( "슬퍼하는 어머니가 있었다").

세상 예술의 영이 교회 생활에 들어와찬송가 - 영적 성가, 닫기 민요시적 텍스트에.

끝에서 XI세기 음악 생활서유럽에는 기사 문화와 관련된 새로운 유형의 창의성과 음악 제작이 포함됩니다. 본질적으로 가수 기사는 세속 음악의 시작을 알 렸습니다. 그들의 예술은 민속-일상의 음악적 전통(민요 억양의 사용, 민속 음악가들과의 협력 관행)과 접촉하고 있었다. 많은 경우에 음유시인들은 그들의 텍스트에 대해 일반적인 포크 멜로디를 선택했을 것입니다.

중세 음악 문화의 가장 큰 성과는 전문적인 유럽인의 탄생이었습니다.다음 . 그 시작은 다음을 가리킨다.IX세기, 그레고리오 성가의 합주 연주가 때때로 두 성부 성가로 대체되었습니다. 가장 초기의 2성부 유형은 평행성이었습니다.오르가늄 , 그레고리 성가는 옥타브, 쿼트 또는 5로 더빙되었습니다. 그런 다음 간접 (한 목소리 만 움직일 때)과 반대 움직임으로 평행하지 않은 유기체가 나타났습니다. 점차적으로 그레고리오 성가에 수반되는 목소리는 점점 더 독립적이 되었습니다. 이 스타일의 이중 음성을고음부 (번역 - "pe-nie apart").

처음으로 그러한 기관이 작성되기 시작했습니다.레오닌 , 최초의 알려진 작곡가 다 성음 연주자 (XII세기). 그는 대규모 폴리포닉 학교가 발전한 유명한 노트르담 대성당에서 섭정을 역임했습니다.

Leonin의 작업은 다음과 관련이 있습니다.아르스 안티쿠아 (ars antiqua, 이는 " 오래된 예술"). 이 이름은 컬트 폴리포니에 주어졌습니다.XII- XIII세기의 음악가 초기 르네상스, 그것에 반대하는아르스 노바 ("새로운 예술").

처음에는 XIII레오닌의 전통은 수 세기에 걸쳐 계속되었습니다.페로틴 , 별명 Great에 따르면. 그는 더 이상 2성부를 작곡하지 않고 3성부를 작곡했습니다. x 및 4 x - 발성 기관. Perotin의 상위 성부는 때때로 대조되는 두 성부를 형성하고 때로는 능숙하게 모방을 사용합니다.

Perotin이 형성되고 새로운 유형폴리포니 -지휘자 , 그 기초는 더 이상 그레고리오 성가가 아니라 대중적인 일상 또는 자유롭게 작곡된 선율이었습니다.

더 대담한 폴리포닉 형식은모테트 - 종종 다른 언어로 된 다른 리듬과 다른 텍스트의 멜로디 조합. 모테트가 처음이다. 음악 장르, 교회와 법정 생활에서 똑같이 일반적입니다.

모든 성부(모테트에서)에서 텍스트의 각 음절을 동시에 발음하는 것에서 벗어나는 폴리포니의 개발은 기간의 정확한 지정인 표기법의 개선이 필요했습니다. 나타납니다월경 표기법 (라틴어 멘수라에서 - 측정, 말 그대로 - 측정된 표기법) 소리의 높이와 상대 지속 시간을 모두 고정할 수 있게 되었습니다.

다 성음의 발전과 병행하여 형성 과정이있었습니다.대중 -가톨릭 교회의 주요 예배 본문에 대한 다성 순환 작업. 미사 의식은 수세기에 걸쳐 형성되었습니다. 최종 형태를 획득한 것은XIve-ku. 전체론적 작곡미사는 나중에 형성되었습니다.14세19세기에 르네상스의 주요 음악 장르가 되었습니다.

중세는 인류 역사의 위대한 시대, 봉건 제도의 지배 시대입니다.

문화의 주기화:

초기 중세 - 5~10세기

성숙한 중세 - XI - XIV 세기.

395년 로마제국은 서로마제국을 서로마와 동로마로 나누었습니다. 5 ~ 9 세기 로마 폐허의 서부에는 Ostrogoths, Visigoths, Franks 등 야만인 국가가있었습니다. 9 세기에 Charlemagne 제국의 붕괴로 인해 여기에 세 국가가 형성되었습니다. : 프랑스, 독일, 이탈리아. 동부의 수도는 콘스탄틴 황제가 그리스 식민지 비잔티움 부지에 세운 콘스탄티노플이었습니다. 따라서 국가 이름이되었습니다.

§ 1. 서유럽 중세

중세의 물질적 기반은 봉건적 관계였다. 중세 문화는 조건에서 형성됩니다 농촌 부동산. 더 나아가 사회적 기반문화가 된다 도시 환경 - burghers.국가가 형성됨에 따라 성직자, 귀족, 국민과 같은 주요 재산이 형성됩니다.

중세의 예술은 다음과 밀접한 관련이 있습니다. 교회 . 기독교 신조-철학, 윤리, 미학, 이 시대의 전체 영적 삶의 기초. 종교적 상징주의로 가득 찬 예술은 지상의 일시적인 것에서 영적이고 영원한 것을 열망합니다.

와 함께 공식 교회문화 (높음) 존재 속가문화(풀뿌리) - 민속학(낮은 사회 계층) 및 기사다운(공손한).

주요 초점 전문적인중세 초기의 음악-성당, 그들과 연결된 노래 학교, 수도원-당시 유일한 교육 센터. 그들은 그리스어와 라틴어, 산술과 음악을 공부했습니다.

교회 음악의 중심지 서유럽로마는 중세에 있었다. VI 말 - VII 세기 초. 다양한 서유럽 교회 음악이 형성되고 있습니다. 그레고리오 성가 , 교회 노래의 개혁을 수행하고 다양한 교회 찬송가를 모으고 합리화 한 교황 그레고리 1 세의 이름을 따서 명명되었습니다. 그레고리오 성가 - 모노포닉다양한 중동 및 유럽 민족(시리아인, 유대인, 그리스인, 로마인 등)의 수세기에 걸친 노래 전통이 합쳐진 가톨릭 성가. 천주교 교리에 따라 교구민들의 관심의 초점인 단일 의지를 의인화하기 위한 단일 멜로디의 부드러운 모노포닉 전개였습니다. 음악의 본질은 엄격하고 비인격적입니다. 합창은 합창단(따라서 이름)이 연주했고 일부 섹션은 솔리스트가 연주했습니다. 온음계에 기반한 단계적 움직임이 우세합니다. 그레고리오 성가는 매우 느린 단계에서 다양한 그라데이션을 허용했습니다. 합창 시편그리고 결말 기념일(음절의 멜리스마 챈팅), 공연을 위해 거장 보컬 기술이 필요합니다.

그레고리오 성가는 듣는 이를 현실로부터 소외시키고, 겸손을 불러일으키며, 묵상과 신비로운 분리로 이끕니다. 에 대한 텍스트 라틴어,이해할 수없는 교구민. 노래의 리듬은 텍스트에 의해 결정되었습니다. 텍스트 암송의 악센트 특성으로 인해 모호하고 불명확합니다.

다양한 형태의 그레고리오 성가가 천주교의 본예배에 모였다 - 대량의, 다섯 개의 안정적인 부분이 설정되었습니다.

키리에 엘리손(주님 자비를 베푸소서)

글로리아(영광)

신조(믿다)

상투스(거룩한)

아그누스 데이(하느님의 어린 양).

시간이 지남에 따라 요소가 그레고리오 성가에 스며들기 시작합니다. 민속 음악~을 통해 찬송가, 시퀀스 및 트로피.시편이 가수와 성직자의 전문 합창단에 의해 연주 되었다면 처음에는 찬송가가 교구민에 의해 연주되었습니다. 그들은 공식적인 예배에 삽입되었습니다 (그들은 민속 음악의 특징을 가졌습니다). 그러나 곧 미사의 찬송 부분이 시편의 부분을 대체하기 시작하여 폴리포닉 매스.

첫 번째 시퀀스는 멜로디의 한 소리가 별도의 음절을 갖도록 기념일 멜로디의 하위 텍스트였습니다. 시퀀스는 일반적인 장르가 됩니다(가장 인기 있는 « 베니, 상트 스피리투스» , « 죽다 이래», « 스타바트 어머니» ). "Dies irae"는 Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov가 사용했습니다 (매우 자주 죽음의 상징으로).

폴리포니의 첫 번째 샘플은 수도원에서 나옵니다. 오르가늄(병렬 5도 또는 4도 움직임), 기멜, 포부르동(병렬 6화음), 지휘자. 작곡가: Leonin과 Perotin(12-13세기 - 노트르담 대성당).

캐리어 세속적인 사람들 중세시대의 음악 마임, 저글러, 민스트럴프랑스, shpilmans- 국가에서 독일 문화, 호글러 -스페인에서, 어릿광대 -루스에서. 이 순회 예술가들은 보편적인 대가였습니다. 그들은 노래, 춤, 악기 연주를 결합했습니다. 다양한 도구마술, 서커스 예술, 인형극으로.

반대편 세속 문화~였다 기사도(궁중) 문화 (세속 봉건 영주의 문화). 거의 모든 고귀한 사람들은 가난한 전사에서 왕에 이르기까지 기사였습니다. 용기와 용기와 함께 기사는 세련된 매너를 가지고 교육을 받고 관대하며 관대하며 아름다운 여인을 충실히 섬겨야하는 특별한 기사 코드가 형성되고 있습니다. 기사 생활의 모든 측면은 음악 및 시적 예술에 반영됩니다. 음유시인(프로방스 - 프랑스 남부) , 트루버스(프랑스 북부), 미네싱어(독일). 트루바두르의 예술은 주로 사랑의 가사와 관련이 있습니다. 사랑 가사의 가장 인기있는 장르는 칸초네(minnesingers 중- "Morning Songs"-albs).

Troubadours의 경험을 널리 사용하는 Trouvers는 고유한 장르를 만들었습니다. 노래 짜기», « 5월의 노래". troubadours, trouvers 및 minnesingers의 음악 장르의 중요한 영역은 노래 및 댄스 장르: 론도, 발라드, 비렐레(형식 자제)뿐만 아니라 영웅 서사시(프랑스 서사시 "Song of Roland", 독일어 - "Song of the Nibelungs"). 미네징거는 흔했다 십자군 노래.

troubadours, trouvers 및 minnesingers 예술의 특징적인 특징:

모노포니-음악과 시적 예술의 본질에서 나오는 멜로디와 시적 텍스트 사이의 불가분의 관계의 결과입니다. 모노 포니는 또한 자신의 경험의 개별화 된 표현에 대한 태도, 진술 내용에 대한 개인적인 평가에 해당합니다 (종종 개인적인 경험의 표현은 자연 사진의 묘사로 구성됨).

주로 보컬 퍼포먼스.악기의 역할은 중요하지 않았습니다. 보컬 멜로디를 구성하는 도입부, 막간 및 후주 연주로 축소되었습니다.

여전히 기사도 예술을 전문적으로 말할 수는 없지만 처음으로 조건 속가음악 제작, 강력한 음악 및 시적 방향은 표현 수단의 개발 된 복합물과 비교적 완벽한 음악 작문으로 만들어졌습니다.

중요한 성과 중 하나 성숙한 중세 X-XI 세기부터 시작하여 도시 개발(버거 문화) . 도시 문화의 주요 특징은 반 교회, 자유를 사랑하는 방향, 민속과의 연결, 코믹하고 카니발적인 성격이었습니다. 고딕 양식의 건축 양식이 발전합니다. 13-14세기부터 16세기까지 새로운 다성 장르가 형성되고 있습니다. - 모테트(프랑스어에서 - "단어". 모테트의 경우 목소리의 선율이 다른 것이 일반적이며 동시에 다른 텍스트를 억양합니다. 종종 다른 언어로도 가능합니다.) 마드리갈(이탈리아어 - "모국어로 된 노래", 즉 이탈리아어. 텍스트는 사랑스럽고 목가적입니다), 까챠(이탈리아어 - "사냥" - 사냥을 묘사하는 텍스트를 기반으로 한 보컬 작품).

민속 방랑 음악가는 유목 생활에서 정주 생활로 이동하여 전체 도시 블록을 채우고 일종의 "음악가 작업장"을 형성합니다. XII 세기부터 민속 음악가들이 합류했습니다. 방랑자와 골리아드- 계급이 다른 사람들(학교 학생, 가출 승려, 떠돌이 성직자). 구전 전통 예술의 전형적인 대표자 인 문맹 저글러와 달리 vagantes와 goliards는 글을 읽을 수있었습니다. 그들은 라틴어와 고전 검증의 규칙, 작곡 된 음악-노래 (이미지의 범위는 학교 과학 및 학생 생활과 관련됨)를 알고있었습니다. 지휘 및 모테트와 같은 복잡한 작곡도 가능합니다.

음악 문화의 중요한 중심지가되었습니다. 대학.음악, 보다 정확하게는 음악 음향학은 천문학, 수학, 물리학과 함께 쿼드리움의 일부였습니다. 대학에서 공부하는 네 가지 분야의 순환.

따라서 중세 도시에는 민속 음악가 협회, 궁정 음악, 수도원 및 대성당 음악, 대학 음악 연습과 같이 성격과 사회적 성향이 다른 음악 문화의 중심지가있었습니다.

중세의 음악 이론 신학과 밀접한 관련이 있다. 우리에게 내려온 몇 안되는 음악 이론 논문에서 음악은 "교회의 종"으로 간주되었습니다. 중세 초기의 저서 중 아우구스티누스의 '음악에 관하여' 6권, 보에티우스의 '음악의 확립에 관하여' 5권 등이 눈에 띈다. 음악의 우주적 역할에 대한 교리 등

중세 양식 시스템은 교회 전문가 대표에 의해 개발되었습니다. 음악 예술-따라서 "교회 모드"라는 이름이 중세 프렛에 지정되었습니다. Ionian과 Aeolian이 주요 모드로 자리 잡았습니다.

중세의 음악 이론은 헥사코드의 교리를 제시했습니다. 각 프렛에는 실제로 6단계가 사용되었습니다(예: do, re, mi, fa, salt, la). 그런 다음 Xi는 피했습니다. F와 함께 매우 불협화음으로 간주되고 비 유적으로 "음악의 악마"라고 불리는 확대 된 쿼트로의 움직임을 형성했습니다.

비필수 표기법이 널리 사용되었습니다. 귀도 아레틴스키악보 시스템을 개선했습니다. 그의 개혁의 본질은 다음과 같다: 네 줄의 존재, 개별 줄 사이의 3차 관계, 키 기호(원래 문자 그대로) 또는 줄의 채색. 그는 또한 모드의 처음 여섯 단계에 대한 음절 표기법을 도입했습니다. ut, re, mi, fa, 소금, 라.

도입 월경 표기법, 여기서 특정 리듬 측정이 각 음표에 할당되었습니다(Latin mensura - 측정, 측정). 길이의 이름: maxim, longa, brevis 등

14세세기 - 중세와 르네상스 사이의 과도기. XIV 세기의 프랑스와 이탈리아의 예술은 " 아르스 신성"(라틴어에서 - 새로운 예술), 이탈리아에서는 초기 르네상스의 모든 속성을 가졌습니다. 주요 특징: 교회 음악 장르만을 사용하는 것을 거부하고 세속적인 성악 및 실내악 장르(발라드, 카차, 마드리갈)로 전환, 일상 노래와의 화해, 다양한 악기 사용. Ars nova는 소위 말하는 것과 반대입니다. ars antiqua (lat. ars antiqua - 오래된 예술), XIV 세기가 시작되기 전의 음악 예술을 의미합니다. 가장 큰 대표자아르스 노바는 기욤 드 마초(14세기, 프랑스)와 프란체스코 란디노(14세기, 이탈리아).

이처럼 중세의 음악문화는 상대적으로 제한된 수단에도 불구하고 고대세계의 음악에 비하여 한 차원 높은 수준을 나타내고 있으며 르네상스 음악예술의 전성기를 위한 전제조건을 담고 있다.