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하프시코드는 관악기입니다. 하프시코드: 역사, 비디오, 흥미로운 사실, 듣기

소리 추출 방법. 하프시코드와 그 변종에 관한 작품을 연주하는 음악가를 하프시코드 연주자라고 합니다.

하프시코드
17세기 프랑스 하프시코드
분류	건반 악기, 코드폰
관련 기기	클라비코드, 피아노
Wikimedia Commons의 미디어 파일

이야기

하프시코드 형식의 악기에 대한 최초의 언급( 쇄골, 위도에서. clavis - 키 이상 열쇠및 cymbalum - cymbals)는 1397년 Padua(이탈리아)의 출처에 나타납니다. 가장 초기의 이미지는 제단에 있습니다. 성당 1425년으로 거슬러 올라가는 독일 도시 민덴에서. 1445년경 Zwolle 출신의 네덜란드인 Arno가 그림이 있는 하프시코드와 유사한 악기(뽑아 낸 클라비코드)에 대한 최초의 실용적인 설명을 제공했습니다.

모델에 따라 하프시코드에는 다음 레지스터가 있을 수 있습니다.

8피트(8`)- 악보에 따라 등록, 발음;
류트- 구부러진 악기의 피치카토를 연상시키는 특징적인 비음 음색의 레지스터; 일반적으로 자체 줄 줄은 없지만 일반적인 8 피트 레지스터로 구성되며 레버를 전환하면 줄이 가죽 조각으로 숨이 막히거나 특수 메커니즘을 사용하여 느껴집니다.
4피트(4`)- 한 옥타브 높은 음역;
16피트(16`)- 한 옥타브 낮은 소리를 내는 레지스터.

매뉴얼 및 해당 범위

15세기에 하프시코드의 음역은 3옥타브였으며 낮은 옥타브에서는 일부 반음계가 누락되었습니다. 16세기에는 범위가 4옥타브(큰 옥타브 C에서 C 3rd: C - C''')로 확장되었으며, 18세기에는 5옥타브(반대 옥타브 F에서 F 3rd: F' - F)로 확장되었습니다. ''').

17~18세기에는 하프시코드에 역동적으로 더 다양한 소리를 내기 위해 2개(때로는 3개)의 매뉴얼(건반)이 있는 악기가 만들어졌습니다. 음색 색상 변경.

18세기의 전형적인 독일 또는 네덜란드 하프시코드에는 두 개의 매뉴얼(키보드), 두 세트의 8' 현 및 한 세트의 4' 현(한 옥타브 더 높은 소리)이 있으며, 사용 가능한 레지스터 스위치 덕분에 별도로 사용할 수 있습니다. 또는 수동 교미 메커니즘( 접합부), 첫 번째 매뉴얼에서 플레이할 때 두 번째 매뉴얼의 레지스터를 사용할 수 있습니다.

미는 사람

ㅏ- 시작 위치, 현의 댐퍼.
비- 건반 누르기: 푸셔를 올리면 댐퍼가 현을 해제하고 플렉트럼이 현에 접근합니다.
씨-플렉 트럼이 현을 뽑아 내고 현이 울리고 푸셔에서 튀어 나오는 높이가 리미터에 의해 제어되며 아래에서 펠트로 덮여 있습니다.
디- 건반이 풀리고 푸셔가 내려가는 동안 랑게타가 측면(10)으로 이탈하여 플렉트럼이 현에서 거의 소리 없이 미끄러지도록 한 다음 댐퍼가 현의 진동을 약화시키고 란제타는 원래 상태로 돌아갑니다. 스프링의 도움으로 상태.

그림 2는 푸셔의 윗부분 배열을 보여줍니다. 1 - 현, 2 - 랑게트 축, 3 - 랑게뜨(프랑스어 랑게트에서 유래), 4 - 플렉트럼, 5 - 댐퍼.

푸셔는 하프시코드의 각 키 끝에 장착되며 수리 또는 조정을 위해 하프시코드에서 제거되는 별도의 장치입니다. 푸셔의 세로 컷 아웃에서 플렉 트럼이 고정 된 축 (프렌치 랑 게트에서)에 랑 게트가 부착됩니다-까마귀 깃털, 뼈 또는 플라스틱으로 만든 혀 (Duraline plectrum Delrin-많은 현대 악기에서), 원형 또는 플랫. 하나의 플렉트럼 외에도 이중 황동 플렉트럼도 만들어졌으며 서로 위에 위치했습니다. 연속으로 두 번 뽑는 소리는 귀에 걸리지 않았지만 하프시 코드의 날카로운 공격 특성, 즉 소리의 날카로운 시작은 그러한 장치에 의해 더 부드러워졌습니다. 혀 바로 위에 펠트 또는 부드러운 가죽으로 만든 댐퍼가 있습니다. 키를 누르면 푸셔가 위로 밀리고 플렉트럼이 현을 뽑습니다. 건반에서 손을 떼면 해제 메커니즘을 통해 현을 다시 뽑지 않고도 플렉트럼이 원래 위치로 돌아가고 현의 진동이 댐퍼에 의해 감쇠됩니다.

품종

가시- 문자열을 왼쪽에서 오른쪽으로 대각선으로;
처녀의- 중앙 왼쪽에 설명서가 있고 키에 수직으로 위치한 문자열이 있는 직사각형 모양
무젤라- 중앙 오른쪽에 매뉴얼이 있고 키에 수직으로 위치한 문자열이 있는 직사각형 모양;
클라비시테리움(lat. clavicytherium, ital. cembalo verticale) - 몸체가 수직으로 위치한 하프시코드. 설명은 15세기 후반부터 알려져 있으며, 이 악기의 최초 알려진 사례는 1460-70년으로 거슬러 올라갑니다. (아마도 Ulm에서), clavicytherium이라는 용어는 S. Wirdung (1511)의 논문에서 처음으로 사용되었습니다.

모조품

소비에트 피아노 Red October "Sonnet"에는 금속 갈대로 중재자를 낮추어 하프시 코드의 원시적 모방이 있습니다. 추가 내장 세 번째 (중앙) 페달을 누르면 금속 갈대가 꿰매어진 천이 낮아져 하프시 코드와 유사한 소리를 내기 때문에 동일한 속성이 소비에트 피아노 "Accord"에 있습니다.

Wikimedia Commons의 하프시코드

하프시코드 생산은 파리의 Pleyel과 Erard라는 회사에서도 시작되었습니다. Wanda Landowska의 주도로 1912년에 Pleyel 공장은 두껍고 단단한 악기를 운반하는 강력한 금속 프레임이 있는 대형 콘서트용 하프시코드 모델을 생산하기 시작했습니다. 늘어진 줄. 악기에는 피아노 건반과 전체 피아노 페달 세트가 장착되어 있었습니다. 그리하여 새로운 하프시코드 미학의 시대가 시작되었습니다. 20세기 후반에 "피아노" 하프시코드 유행이 지나갔습니다. 보스턴의 장인 Frank Hubbard와 William Dowd는 골동품 하프시코드의 복제품을 처음으로 만들었습니다.

장치

처음에 하프시 코드는 사각형 모양이었고 17 세기에는 날개 모양의 직사각형 삼각형 모양을 얻었으며 정맥 대신 금속 현이 사용되기 시작했습니다. 현은 일반적으로 여러 합창단의 형태로 키와 평행하게 수평으로 배열되며 다른 설명서의 현 그룹은 높이 수준이 다릅니다. 겉으로보기에 하프시 코드는 일반적으로 우아하게 마감되었습니다. 본체는 그림, 인레이 및 조각으로 장식되었습니다. 루이 15세 시대에는 하프시코드의 마감이 당시의 세련된 가구와 잘 어울렸습니다. 안에 XVI-XVII 세기앤트워프의 거장 Ruckers의 하프시코드는 음질과 예술적인 디자인이 돋보였습니다.

레지스터

하프시 코드의 소리는 훌륭하지만 약간 선율적이고 갑작스럽고 동적 변화에 순응하지 않습니다. 즉, 하프시 코드의 볼륨을 부드럽게 늘리고 줄이는 것은 불가능합니다. 사운드의 강도와 음색을 변경하기 위해 하프시 코드에는 건반 측면에있는 레버 인 수동 스위치로 켜는 둘 이상의 레지스터가있을 수 있습니다. 발 및 무릎 시프터는 1750년대 후반에 등장했습니다.

모델에 따라 하프시코드에는 다음 레지스터가 있을 수 있습니다.

8피트(8`)- 악보에 따라 등록, 발음;
류트- 구부러진 악기의 피치카토를 연상시키는 특징적인 비음 음색의 레지스터; 일반적으로 자체 줄 줄은 없지만 일반적인 8 피트 레지스터로 구성되며 레버를 전환하면 줄이 가죽 조각으로 숨이 막히거나 특수 메커니즘을 사용하여 느껴집니다.
4피트(4`)- 한 옥타브 높은 음역;
16피트(16`)- 한 옥타브 낮은 소리를 내는 레지스터.

매뉴얼 및 해당 범위

17~18세기에는 하프시코드에 역동적으로 더 다양한 소리를 내기 위해 2개(때로는 3개)의 매뉴얼(건반)이 있는 악기가 만들어졌습니다. 음색 색상 변경.

미는 사람

그림 1은 푸셔(또는 점퍼)의 기능을 보여줍니다. 숫자는 1 - 리미터, 2 - 펠트, 3 - 댐퍼, 4 - 스트링, 5 - 플렉트럼(혀), 6 - 랑게타, 7 - 축, 8 - 스프링, 9 - 푸셔, 10 - 플렉트럼이 있는 랑게타의 편차.

그림 2

ㅏ- 시작 위치, 현의 댐퍼.
비- 건반 누르기: 푸셔를 올리면 댐퍼가 현을 해제하고 플렉트럼이 현에 접근합니다.
씨-플렉 트럼이 현을 뽑아 내고 현이 울리고 푸셔에서 튀어 나오는 높이가 리미터에 의해 제어되며 아래에서 펠트로 덮여 있습니다.
디- 건반이 풀리고 푸셔가 내려가는 동안 랑게타가 측면(10)으로 이탈하여 플렉트럼이 현에서 거의 소리 없이 미끄러지도록 한 다음 댐퍼가 현의 진동을 약화시키고 란제타는 원래 상태로 돌아갑니다. 스프링의 도움으로 상태.

그림 2는 푸셔의 윗부분 배열을 보여줍니다. 1 - 현, 2 - 랑게트 축, 3 - 랑게뜨(프랑스어 랑게트에서 유래), 4 - 플렉트럼, 5 - 댐퍼.

품종

가시- 문자열을 왼쪽에서 오른쪽으로 대각선으로;
처녀의- 중앙 왼쪽에 설명서가 있고 키에 수직으로 위치한 문자열이 있는 직사각형 모양
무젤라- 중앙 오른쪽에 매뉴얼이 있고 키에 수직으로 위치한 문자열이 있는 직사각형 모양;
클라비시테리움- 몸체가 수직인 하프시코드.

모조품

작곡가

J. Chambonière는 프랑스 하프시코드 학교의 창시자로 간주되며 이탈리아 작곡가이자 하프시코드 연주자 D. Scarlatti는 거장 하프시코드 스타일의 창시자입니다. XVII-XVIII 세기 후반의 프랑스 하프시 코드 연주자 중. 눈에 띄었다

(프랑스어 clavecin, 후기 라틴어 clavicymbalum, 라틴어 clavis - key (따라서 키) 및 cymbalum - 심벌즈) - 뽑아 낸 키보드 음악. 도구. 16세기부터 알려져 있습니다. (14세기 초에 건설되기 시작) K.에 대한 최초의 정보는 1511년으로 거슬러 올라갑니다. 가장 오래 살아남은 이탈리아 악기. 작업은 1521년으로 거슬러 올라갑니다. 처음에 K.는 모양이 사각형이었고 닮았습니다. 모습이와는 대조적으로 "자유로운" 클라비코드에는 길이가 다른 현(각 키는 특정 톤으로 조정된 특수 현에 해당)과 더 복잡한 키보드 메커니즘이 있습니다. K. 의 현은 막대에 장착 된 새 깃털의 도움으로 꼬집음으로 진동했습니다. 키를 누르면 뒤쪽 끝에 있는 푸셔가 올라가고 깃털이 현에 걸렸습니다(나중에는 새의 깃털 대신 가죽 플렉트럼이 사용되었습니다). K의 소리는 훌륭하지만 약간 선율이 있어서 포기하지 않는다는 뜻입니다. 동적 변화 (클라비코드보다 더 크지만 표현력이 떨어짐), 소리의 강도와 음색의 변화는 건반을 두드리는 특성에 의존하지 않습니다. K. 의 울림을 높이기 위해 2현, 3중현, 심지어 4중현(각 음색에 대해)을 사용했으며, 이 현은 유니즌, 옥타브, 때로는 다른 음정으로 조율되었습니다. 처음부터 17 세기 정맥 대신 금속이 사용되었습니다. 길이가 늘어나는 현(고음에서 저음까지). 이 악기는 길이 방향(키와 평행)의 현 배열을 가진 삼각형 익돌체 모양을 획득했습니다. 17~18세기. K.에게 다이내믹하게 더 다양한 사운드를 제공하기 위해 2개(때로는 3개)의 수동 건반(매뉴얼)으로 악기를 만들었으며, 이는 테라스와 같은 방식으로 위아래로 배열되었습니다(보통 상단 매뉴얼은 한 옥타브 높게 조정됨). 뿐만 아니라 고음을 확장하기 위한 레지스터 스위치, 베이스를 두 배로 늘리는 옥타브 및 음색 색상 변경(류트 레지스터, 바순 레지스터 등). 레지스터는 건반 측면에 있는 레버나 건반 아래에 있는 버튼 또는 페달로 작동되었습니다. 일부 K.에서는 더 큰 음색 다양성을 위해 류트를 연상시키는 특징적인 음색 색상으로 세 번째 키보드가 배열되었습니다(소위 류트 키보드). 겉으로는 k. 보통 매우 우아하게 벗어났습니다 (케이스는 그림, 인레이, 조각으로 장식되었습니다). 악기의 마감은 루이 15세 시대의 세련된 가구와 잘 어울렸습니다. 16-17세기. 사운드의 품질과 예술, K의 디자인으로 구별됩니다. Ruckers의 앤트워프 마스터.
이름 "K." (프랑스에서는 arpsichord - 영국에서는 kilflugel - 독일에서는 clavichembalo 또는 축약 된 cembalo - 이탈리아에서는) 최대 5 옥타브 범위의 대형 날개 모양 악기를 위해 보존되었습니다. 또한 일반적으로 모양이 직사각형이고 단일 현과 최대 4 옥타브 범위의 작은 악기가 있습니다. epinet (프랑스), spinet (이탈리아), virginel (영국). K. 수직으로 위치한 몸체-쇄골. K.는 솔로, 실내악 앙상블 및 오케스트라 악기로 사용되었습니다.
virtuoso harpsichord 스타일의 창시자는 이탈리아 사람이었습니다. 작곡가이자 하프시코드 연주자 D. Scarlatti(그는 K.를 위해 수많은 작품을 소유하고 있음); 프랑스의 창시자 하프시 코드 연주자 학교-J. Chambonnière (그의 "새로운 연극", 2 권의 책, 1670이 인기가있었습니다). 프랑스인들 사이에서 하프시코드 연주자 콘. 17-18세기 - F. Couperin, J. F. Rameau, L. Daken, F. Dandrieu. 프란츠. 하프시코드 음악- 세련된 맛의 주장, 세련된 매너, 합리적으로 명확하고 종속적인 귀족. 에티켓. K의 섬세하고 서늘한 소리는 선택된 사회의 '좋은 음색'과 조화를 이뤘다. 프랑스어에서 하프시코드 연주자들은 용감한 스타일(로코코)의 생생한 구현을 발견했습니다. 하프시코드 미니어처(미니어처는 로코코 예술의 특징적인 형태)의 가장 좋아하는 주제는 여성 이미지( "Capturing", "Flirty", "Gloomy", "Shy", "Sister Monica", "Florentine"Couperin), 목가적 인 용감한 춤 (미뉴에트, 가보트 등)이 넓은 곳을 차지했습니다. 영화 농민 생활("Reapers", "Grape Pickers" Couperin), 의성어 미니어처("Chicken", "Clock", "Chirping" Couperin, "Cuckoo" Daken 등). 하프시코드 음악의 전형적인 특징은 풍부한 멜로디입니다. 보석류. 사기에. 18 세기 찌르다. 프랑스 국민 하프시 코드 연주자는 연주자의 레퍼토리에서 사라지기 시작했습니다. 프랑스어에 대한 관심 하프시코드 음악은 Couperin과 Rameau의 전통을 부활시키려는 인상파에 의해 부활했습니다. 20 세기 K. 공연자 중. 폴란드 하프시코드 연주자 W. Landowska가 눈에 띄었습니다. 찌르다. 프랑스 국민 하프시코드 연주자는 특정 올빼미에 의해 승진되었습니다. E. A. Bekman-Shcherbina, N. I. Golubovskaya, G. M. Kogan (그의 많은 기사는 하프시 코드 연주자 작업에 전념), N. V. Otto를 포함한 음악가. 소련에서는 토요일 3시. 프랑스 연극. 하프시 코드 연주자 (A. N. Yurovsky 편집자). 모든 R. 20 세기 K. 에 대한 관심이 되살아나고 있습니다. 소련에서. K. 가 주요 악기 중 하나로 사용되는 고대 음악을 연주하는 앙상블이 만들어집니다.

문학: Alekseev A.D., Clavier art, M.-L., 1952; Druskin M. S., Clavier 음악, L., 1960; Saint-Lambert M. de, Les principes de clavecin, Amst., 1702; Lefroid de Méreaux J. A., Les clavecinistes de 1637 ~ 1790, v. 1-3, P., 1867; Villanis L. A., L "arte del clavicembalo, Torino, 1901; Rirro A., Les clavecinistes, P., 1924; Neupert H., Das Cembalo, Kassel, 1933, 1956; Harich-Schneider E., Die Kunst des Cembalospiels, Kassel , 1939, 1957; Russel R., The harpsichord and Clavichord, 입문 연구, L., 1959; Hofman Sh., L "oeuvre de clavecin de François Couperin le grand, P., 1961.

시계 가치 하프시코드다른 사전에서

하프시코드- 하프시코드, m.(프랑스어 클라베신)(음악). 오래된 키보드 악기피아노처럼.
Ushakov의 설명 사전

M. 하프시코드— 1. 피아노의 전신인 건반으로 뽑아내는 고대 현악기.
Efremova의 설명 사전

하프시코드- -ㅏ; m.[프랑스어. clavecin] 외관상 피아노를 닮은 고대의 건반 현 악기.
◁ 하프시코드, th, th. 케이뮤직.
Kuznetsov의 설명 사전

하프시코드- (프랑스어 clavecin) - 현악기 건반으로 뽑아내는 악기. 16세기부터 알려져 있습니다. 하프시코드가 있었다 다양한 형태, 유형 및 품종, cembalo, virginal, ........
큰 백과 사전

하프시코드-- 현악기 건반으로 뽑아내는 악기. 15세기부터 알려져 있습니다. 피아노의 선구자.
역사 사전

하프시코드- 피아노를 참조하십시오.
음악 사전

하프시코드- HARVESIN, -a, m 고대의 건반 악기. 하프시코드를 연주하십시오. || 조정 하프시코드, th, th.
Ozhegov의 설명 사전

하프시코드- 직사각형 또는 날개 모양의 메인 볼륨 내부에 2개 또는 3개의 수동 건반이 있는 대형 건반 악기. (러시아어 용어........
건축 사전

프랑스 국민 늦은 위도에서 clavecin. clavicymbalum, 위도에서. clavis - 키(따라서 키) 및 심벌즈 - 심벌즈

뽑은 키보드 음악. 도구. 16세기부터 알려져 있습니다. (14세기 초에 건설되기 시작) K.에 대한 최초의 정보는 1511년으로 거슬러 올라갑니다. 가장 오래 살아남은 이탈리아 악기. 작업은 1521년으로 거슬러 올라갑니다. 처음에 키보드는 모양이 사각형이었고 모양이 "자유로운"클라비코드와 비슷했습니다. 다른 길이의 문자열 (각 키는 특정 톤으로 조정 된 특수 문자열에 해당)과 더 복잡한 키보드 메커니즘이 있습니다. K. 의 현은 막대에 장착 된 새 깃털의 도움으로 꼬집음으로 진동했습니다. 키를 누르면 뒤쪽 끝에 있는 푸셔가 올라가고 깃털이 현에 걸렸습니다(나중에는 새의 깃털 대신 가죽 플렉트럼이 사용되었습니다). K의 소리는 훌륭하지만 약간 선율이 있어서 포기하지 않는다는 뜻입니다. 동적 변화 (클라비코드보다 더 크지만 표현력이 떨어짐), 소리의 강도와 음색의 변화는 건반을 두드리는 특성에 의존하지 않습니다. K. 의 울림을 높이기 위해 2현, 3중현, 심지어 4중현(각 음색에 대해)을 사용했으며, 이 현은 유니즌, 옥타브, 때로는 다른 음정으로 조율되었습니다. 처음부터 17 세기 정맥 대신 금속이 사용되었습니다. 길이가 늘어나는 현(고음에서 저음까지). 이 악기는 길이 방향(키와 평행)의 현 배열을 가진 삼각형 익돌체 모양을 획득했습니다. 17~18세기. K.에게 다이내믹하게 더 다양한 사운드를 제공하기 위해 2개(때로는 3개)의 수동 건반(매뉴얼)으로 악기를 만들었으며, 이는 테라스와 같은 방식으로 위아래로 배열되었습니다(보통 상단 매뉴얼은 한 옥타브 높게 조정됨). 뿐만 아니라 고음을 확장하기 위한 레지스터 스위치, 베이스를 두 배로 늘리는 옥타브 및 음색 색상 변경(류트 레지스터, 바순 레지스터 등). 레지스터는 건반 측면에 있는 레버나 건반 아래에 있는 버튼 또는 페달로 작동되었습니다. 일부 K.에서는 더 큰 음색 다양성을 위해 류트를 연상시키는 특징적인 음색 색상으로 세 번째 키보드가 배열되었습니다(소위 류트 키보드). 겉으로는 k. 보통 매우 우아하게 벗어났습니다 (케이스는 그림, 인레이, 조각으로 장식되었습니다). 악기의 마감은 루이 15세 시대의 세련된 가구와 잘 어울렸습니다. 16-17세기. 사운드의 품질과 예술, K의 디자인으로 구별됩니다. Ruckers의 앤트워프 마스터.

이름 "K." (프랑스에서는 arpsichord - 영국에서는 kilflugel - 독일에서는 clavichembalo 또는 축약 된 cembalo - 이탈리아에서는) 최대 5 옥타브 범위의 대형 날개 모양 악기를 위해 보존되었습니다. 또한 일반적으로 모양이 직사각형이고 단일 현과 최대 4 옥타브 범위의 작은 악기가 있습니다. epinet (프랑스), spinet (이탈리아), virginel (영국). K. 수직으로 위치한 몸체-쇄골. K.는 솔로, 실내악 앙상블 및 오케스트라 악기로 사용되었습니다.

virtuoso harpsichord 스타일의 창시자는 이탈리아 사람이었습니다. 작곡가이자 하프시코드 연주자 D. Scarlatti(그는 K.를 위해 수많은 작품을 소유하고 있음); 프랑스의 창시자 하프시코드 연주자 학교 - J. Chambonnière(그의 "하프시코드 조각", 2권의 책, 1670년이 인기를 끌었습니다). 프랑스인들 사이에서 하프시코드 연주자 콘. 17-18세기 - F. Couperin, J. F. Rameau, L. Daken, F. Dandrieu. 프란츠. 하프시코드 음악은 세련된 취향, 세련된 매너, 합리적으로 명확하고 종속적인 귀족의 예술입니다. 에티켓. K의 섬세하고 서늘한 소리는 선택된 사회의 '좋은 음색'과 조화를 이뤘다. 프랑스어에서 하프시코드 연주자들은 용감한 스타일(로코코)의 생생한 구현을 발견했습니다. 하프시 코드 미니어처 (미니어처는 로코코 예술의 특징적인 형태)의 가장 좋아하는 주제는 여성 이미지 ( "Capturing", "Flirty", "Gloomy", "Shy", "Sister Monica", "Florentine"Couperin), 용감한 춤이었습니다. 넓은 장소(미뉴에트, 가보트 등), 목가적. 농민 생활 사진 (Couperin의 "Reapers", "Grape Pickers"), 의성어 미니어처 (Couperin의 "Chicken", "Clock", "Chirping", Daken의 "Cuckoo"등). 하프시코드 음악의 전형적인 특징은 풍부한 멜로디입니다. 보석류. 사기에. 18 세기 찌르다. 프랑스 국민 하프시 코드 연주자는 연주자의 레퍼토리에서 사라지기 시작했습니다. 프랑스어에 대한 관심 하프시코드 음악은 Couperin과 Rameau의 전통을 부활시키려는 인상파에 의해 부활했습니다. 20 세기 K. 공연자 중. 폴란드 하프시코드 연주자 W. Landowska가 눈에 띄었습니다. 찌르다. 프랑스 국민 하프시코드 연주자는 특정 올빼미에 의해 승진되었습니다. E. A. Bekman-Shcherbina, N. I. Golubovskaya, G. M. Kogan (그의 많은 기사는 하프시 코드 연주자 작업에 전념), N. V. Otto를 포함한 음악가. 소련에서는 토요일 3시. 프랑스 연극. 하프시 코드 연주자 (A. N. Yurovsky 편집자). 모든 R. 20 세기 K. 에 대한 관심이 되살아나고 있습니다. 소련에서. K. 가 주요 악기 중 하나로 사용되는 고대 음악을 연주하는 앙상블이 만들어집니다.

문학: Alekseev A.D., Clavier art, M.-L., 1952; Druskin M.S., Clavier 음악, L., 1960.

고대의 역사에 관한 기사 클라비코드, 하프시코드유사한 키보드 악기. 이 기사가 저자임을 추가합니다. 예브게니아 브라우도, 1916 년 6 번 "현대 음악"시리즈에서 브로셔 형태로 출판되었습니다. 항상 그렇듯이 그는 혁명 이전에서 현대 러시아어로 인식하고 번역했습니다. 사진은 물론,품질이 좋지 않지만 원한다면 인터넷에서 정상적인 것을 찾을 수 있다고 생각합니다.

비교적 최근 음악 과학본격적으로 관심을 갖기 시작했다 고대 악기의 역사. 20년 전, 잊혀진 지난 세기의 매혹적인 아름다움에 대한 아이디어를 불러일으키는 먼 고대의 이 사람들 뮤지컬 걸작, 고고학자와 박물관 큐레이터에게만 관심이있었습니다. 최근에는 다양한 '노는 협회'의 성공적인 활동에 힘입어 빈티지 악기", 그 중 모든 전공에 상당한 수가 있습니다. 문화 센터,이 음악 연구 분야는 뛰어난 과학적 힘을 끌기 시작했습니다. 고대 음악의 진주를 고유한 울림의 틀로 제시하려는 최초의 시도는 고대의 음악 예술이 매우 세련되고 깨지기 쉬우므로 기교와 내용의 융합을 필요로 한다는 것을 보여주었고, 이 모든 호기심 많은 하프시코드, 클라비코드, 비올의 디자인 특징은 오래된 장인 정신의 바랜 진주를 진정으로 되살릴 수 있게 합니다.

다음 라인은 전용입니다. 천년의 역사역사의 모든 시대를 통틀어 가장 높은 음악적 가치의 수호자였던 가장 널리 퍼진 악기는 그것을 표현하는 것이 그들의 목표가 아닙니다. 외부 진화, 의심 할 여지없이 지난 세기의 clavier 스타일의 발전에 영향을 미쳤던 현대 피아노의 먼 조상 구조의 특징을 지적하는 사람은 몇 명입니까?

가계 건반우리에게서 아주 먼 시간으로 돌아갑니다. 그것의 조상은 움직일 수 있는 문지방을 사용하여 두 부분으로 나눌 수 있는 끈이 그 위에 뻗어 있는 작은 나무 상자입니다. 이것은 체육관 물리학 수업의 독자들에게 친숙한 물리적 장치인 모노코드입니다. 고대에도 이 도구는 톤의 수학적 정의에 사용되었습니다. 예를 들어 G와 같은 현을 길이의 1/9로 줄이고 나머지 8/9를 진동시키면 장초음 A가 됩니다. 같은 현의 4/5는 장3도 H를 제공합니다. 3/4 - 쿼트, C; 2/3 - 5분의 1, D; 장6도의 3/5, E; 하프 - 옥타브 G.

그러나 원시 단일 문자열에는 매우 중요한 단점이 있습니다. 그의 현은 바위의 모든 음색에 대해 소리 나는 부분의 길이 비율을 보여 주었지만 비교되는 부분의 동시 소리를 허용하지 않았으며 이미 매우 초기제공하기 위해 탄생한 아이디어 "모노코드"간격의 조화를 더 잘 볼 수 있도록 여러 문자열. 2세기의 이론가인 Aristides Quintilian과 Claudius Ptolemy는 4개의 현이 장착되고 헬리콘이라고 불리는 악기를 설명합니다.

중세 시대에는 "모노코드"라고 부르는 것이 더 정확했습니다. "폴리코드", 이론 연구뿐만 아니라 노래 반주에도 사용되기 시작했습니다. 이 악기를 연주하는 매우 복잡한 절차를 용이하게 하기 위해 모노코드의 공명판에 날카로운 리브가 있는 스탠드가 장착되어 현의 가장 중요한 부분에 배치되었습니다. XII 세기 중반에 교육 목적 및 가정 예배에 사용되는 건반, 작은 휴대용 오르간, 레 갈리아가있는 가장 오래된 악기가 퍼지기 시작했을 때 건반을 모노 코드에 적용하려는 첫 번째 시도가 이루어졌습니다. 스탠드 시스템의 형태로, 각각 해당 키를 누르면 특정 위치에서 현을 단단히 누르기 위해 올라갑니다. 그러나 스탠드의 도움으로 현의 일부를 분리하는 것만으로는 충분하지 않았으므로 진동으로 가져와야했기 때문에 시간이 지남에 따라 모노 코드의 원시 스탠드가 금속 핀 (접선)으로 변형되었습니다. . 건반 암에 부착된 이 접선은 현을 둘로 나눌 뿐만 아니라 동시에 소리를 내기도 했습니다.

원리에 입각한 악기 모노코드, 그러나 더 많은 수의 현이 있고 키와 이에 연결된 금속 접선의 도움으로 진동하는 것을 클라비코드라고 불렀습니다.

메커니즘을 개선하기 위한 노력을 통해 고대의 단일 현이 클라비코드로 바뀔 때까지 약 천 년이 지났습니다. 음악 예술의 역사는 증거와는 달리 클라비코드의 이름을 모노코드로 유지하려고 완고하게 노력했으며, 이는 그러한 불일치에 대한 설명을 찾으려고 헛된 노력을 기울인 중세 이론가들에게 상당한 어려움을 초래했습니다. 수세기에 걸쳐 완고하게 클라비코드 제작자들은 새로운 악기에 적용될 때 가장 모노코드 원리를 그대로 보존하려고 노력했습니다. 모노코드는 독점적으로 이론적 목적으로 사용되었지만 고대에 개별 톤을 서로 비교하기 위해 같은 길이의 현을 사용하여 소리 나는 부분의 길이 사이의 직접적인 연결을 시각적으로 보여줄 수 있다는 것이 분명했습니다. 그리고 소리의 피치. 그러나 이상한 역사적 전통으로 인해 음악 예술에서 완전히 다른 용도를 가진 클라비코드는 동일한 현 길이를 유지했기 때문에 클라비코드의 음색 차이는 스탠드 위치의 차이에만 기인했습니다. 그 줄을 진동으로. 또한 후자의 수는 키 수와 전혀 일치하지 않았습니다. 오래된 모노코드 원리에 따르면 각 개별 현에는 다양한 지점에서 분할되는 일련의 베이스가 있으므로 하나의 현의 도움으로 다양한 음조의 여러 톤을 얻을 수 있습니다. 모든 현은 현의 전체 길이를 진동시키는 첫 번째 건반에 연결된 클라비코드 G의 가장 낮은 음으로 조율되었습니다. 다음 키는 넓은 금속 핀이 있는 동일한 첫 번째 현을 9분의 1로 단축하여 소리 A를 생성했습니다. 세 번째 키는 동일한 현을 1/5로 단축하여 톤 H를 제공했습니다. 네 번째 키만 두 번째 현을 쳐서 하나가 분리되었습니다. 네 번째는 핀 부분으로 현의 3/4을 사용하여 C 톤을 얻었습니다.

우리는 G, A, H 톤이 같은 현의 진동에서 얻어지는 것을 보았습니다. 결과적으로 오래된 클라비코드에서 함께 사용할 수 없었습니다. G와 C는 이 악기의 키에서 사용할 수 있는 첫 번째 자음을 형성했습니다. 그러나 화성적 사고의 발달과 협화음의 개념이 확장되면서 현과 조의 수의 불일치가 사라지기 시작했다. 이 도구의 개선은 매우 빠르게 진행되었습니다. 15세기 말에도 키 22개에 현 7개만 취해졌다. 16세기에 현의 수는 즉시 4배가 되었습니다. 우연히 베를린 고등 음악 학교 박물관에서 후반부의 클라비코드를 보게 되었습니다. 16세기현 30개, 건반 45개가 현대식 피아노와 같은 방식으로 배열되어 있습니다. 그러나 이 경우 일부 문자열에는 각각 3개의 키가 있습니다. 각 현이 단 하나의 키로 제공되는 "자유" 클라비코드는 훨씬 후인 1723년에 발명되었으며 한때 가장 희귀한 것으로 간주되었습니다.

건반이 클라비코드 현과 어떻게 조정되었는지는 아직 명확하지 않습니다. 기이한 선의 건반 레버가 있는 클라비코드의 내부 구조를 대충 훑어보는 것만으로도 건반과 현을 정렬하기 위해 어떤 트릭을 사용해야 했는지 알 수 있습니다. 일반적으로 핀이있는 스탠드 (류트와 유사하게 "프렛"이라고 함)는 각 현이 악기의 공명 사운드 보드에 장착 된 세 개의 스탠드를 통과하는 방식으로 배열되었습니다. 클라비코드를 연주할 때 연주자는 한 손으로 현의 소리가 나지 않는 부분을 가려야 했습니다. 15세기 말부터 이 불편함은 줄을 나누는 자리에 좁은 천 조각을 사용함으로써 제거되었습니다. 18세기에는 오르간을 모델로 한 클라비코드에 발 건반을 부착하려는 시도가 있었습니다. 거장의 생가에 있는 바흐 박물관에서 우연히 이런 유형의 극히 희귀한 표본 중 하나를 보게 되었습니다.

고대 클라비코드는 악기의 모든 현 길이가 같기 때문에 매우 특징적인 정사각형 평면 모양을 가졌습니다. 일반적으로 그들의 모양은 우리나라의 가난한 아마추어들 사이에서 지난 세기의 20 대에 매우 흔했던 직사각형 영국식 피아노와 비슷했습니다.

clavichord 유형의 첫 번째 악기는 뮤지컬뿐만 아니라 모든 종류의 기타 홈 엔터테인먼트를위한 직사각형 상자였습니다. 주사위, 체스 (따라서 오래된 프랑스어 이름 clavichord "eschi quier"-체스 판), 여성용 바느질 작업 (바늘 용 작은 베개가있는 이러한 종류의 사본은 Petrograd의 Stieglitz Bar Museum에서 구할 수 있음) 등 처음에는 악기의 양이 너무 적었습니다. 클라비코드가 연주를 위해 탁자 위에 놓였다는 것입니다. 그 후, 그의 건반이 4옥타브 반으로 커졌을 때 "현대 피아노의 할아버지"는 스스로 일어서야 했습니다. 그러나 이렇게 더 번거로운 형태에서도 클라비코드는 여전히 가볍고 휴대가 간편하여 우리 조상들의 귀를 즐겁게 했던 거장들이 여행용 마차에 맞는 클라비코드를 가지고 여행할 수 있었습니다.

조용하고 연약한 클라비코드의 소리는 악기 제작에 사용된 천에 의해 상당 부분 흡수되었습니다. 따라서 음파의 의미에서 클라비코드는 오르간 앞뿐만 아니라 류트 앞에서도 완전히 가려졌습니다. 그 나른하게 떨리는 소리는 일종의 섬뜩한 매력으로 가득 차 있습니다. 사실 clavichord는 개별 톤을 모호하고 모호하게 만드는 현의 특별한 부드러운 진동이 특징입니다. 이 기능은 악기의 메커니즘에 뿌리를 두고 있습니다. 연주자가 건반을 세게 누를수록 금속 핀이 더 높아져 현 자체가 올라가고 소리가 약간 증가하기 때문입니다. 클라비코드 연주자들은 이 떨리는 소리(베붕)를 다양한 멜리스마 장식에 매우 능숙하게 사용했습니다. 디자인이 더 완벽한 현대 피아노는 확실히 그러한 불명확한 소리 형성에 이질적입니다. 기술의 발전과 함께 이러한 음악적 즐거움의 원천은 흔적도 없이 사라졌습니다. 한편, 고대 클라비코드의 울림의 향기만이 17세기와 18세기 세련된 음악의 매혹적인 매력에 대한 진정한 아이디어를 줄 수 있습니다.

그러나 clavier를 머리에 두는 역사의 논리 음악적 발전이미 15세기 중반에 유럽은 친밀하고 독립적인 클라비코드를 고르고 깨끗하며 강한 소리를 내는 다른 악기로 교체할 것을 요구했습니다. 클라비코드와 함께 이탈리아에서 처음으로 그리고 북부 국가에서 클라비심발라라는 이름으로 음악 연대기에 알려진 새로운 건반 악기가 처음으로 연주됩니다. 귀에 거슬리는 이 이름은 그 원형이 천박한 심벌즈라는 것을 말해주는데, 이 심벌즈는 다양한 길이와 조율의 철제 현을 망치로 두드릴 때 쿵쿵 울리는 날카로운 소리를 낸다.

심벌즈오늘날에도 그들은 루마니아와 헝가리 민속 오케스트라의 일원이며 여기 러시아 남부에서 수백 년 된 흥미로운 역사를 가지고 있습니다. 이 유형의 악기는 가장 깊은 고대에 이집트인들에게 친숙했으며 그들에게서 그리스인들에게 전해졌습니다. 유럽에서는 7세기 중반에 널리 퍼졌습니다. 심벌즈 소리에 맞춰 춤을 추지 않고는 민속 축제가 완성되지 않았습니다.

처음에 심벌즈는 10개의 금속 현이 뻗어 있는 공명판 위에 있는 작은 삼각형 상자였습니다. 나중에 후자의 수는 4옥타브로 증가했습니다. 악기의 큰 볼륨으로 인해 2 합창 및 3 합창 현 콤플렉스를 사용하여 음향을 향상시킬 수 있게 되었습니다. 다른 재료. 이 현은 두 가지 지지 시스템을 통과했으며 금속 및 나무 못으로 강화되었습니다. 데크에는 두 개의 둥근 구멍이 있습니다. 심벌즈의 중요한 단점은 소리를 줄이는 장치가 없다는 것이었고 가장 숙련 된 연주는 악기의 원죄인 모호하고 윙윙 거리는 음색을 극복하기에는 무력했습니다.

그러나 음악의 역사는 보존되어 왔다. 전선이 악기를 연주하는 기술을 완벽하게 만들기 위해 노력한 거장들의 이름입니다.

이들 중 그는 당대에 가장 유명했습니다. 판탈레오네 게벤슈트라이트(1669-1750), 그의 이름을 딴 "pantaleon"의 발명가, 극도로 개선된 심벌즈는 망치가 달린 피아노인 새로운 clavier 메커니즘의 발명에 큰 역할을 했습니다. 이 심벌즈 연주자의 기교가 음악계에서 얼마나 큰 센세이션을 일으켰는지는 Telemann과 같은 거장들도 Gobenshtreit와의 공개 경쟁에 참가하는 것이 가능하다고 생각했다는 사실에서 알 수 있습니다. 그의 학생 중 매우 독특한 성 Gumpenguber를 가진 바이에른 사람은 궁정에서 큰 명성을 얻었습니다. 황후 엘리자베스 페트로브나. "In the Sovereign's Joy" 덜시머 연주자들은 이미 미하일 페도로비치가장 높은 출구에서... 목욕탕으로. 심벌즈는 고대 러시아 생활의 일상 생활에 대한 적응을 설명하는 "하프 하프"와 어느 정도 닮았습니다.

주요 차이점 클라비심발라(즉, 건반이 있는 심벌즈) 클라비코드의 첫 번째는 현대 피아노에서와 같이 각 건반이 특정 톤으로 조율된 특수 현에 해당한다는 것입니다. 스트링 사운드 부분에서 분리하는 지원 시스템. 또한 쇄골에는 물론 완전히 다른 타격이 필요했습니다. 부드러운 터치로 현의 몽환적 인 소리를 불러 일으키는 클라비코드 탄젠트 대신 여기에 나무 막대기를 사용했으며 그 상단에는 까마귀 날개의 작은 뾰족한 조각, 단단한 가죽 또는 현에 연결된 금속 갈대를 심었습니다. . clavichords와 같은 clavicymbals의 울림을 향상시키기 위해 2 개 및 3 개의 코러스로 구성되었으며 각 개별 현은 혀가 달린 특수 막대로 진동합니다. 추가 프레젠테이션에서 우리는 쇄골의 이 설계 기능이 다양한 음조를 얻는 데 얼마나 중요한지 알게 될 것입니다.

심벌즈에 키보드를 적용하자는 아이디어가 처음 탄생했을 때, 그것은 말하기가 매우 어렵습니다. 유명한 문헌학자 Scaliger(1484-1556)는 그의 에세이 "Poetices Libri VII"(Lyon, 1561)에서 그의 어린 시절에 키가 장착된 시편(심벌즈와 유사한 고대 종류의 타악기)이 거의 모든 곳에서 발견되었다고 말합니다. 주택.

일반 사람들은 "모노코드" 또는 "매니코드"라고 불렀습니다. 이런 식으로 우리는 15세기 중반에 쇄골이 이미 널리 퍼졌다는 것을 확인할 수 있습니다.

Clavicimbal은 무엇보다도 시민권을 획득했습니다. 음악 생활영국, 그리고 작은 도구이러한 유형의 음악은 특별한 음악적 아마추어리즘의 주제가 되었습니다. 엘리자베스 여왕 자신도 뛰어난 하프시코드 연주자였으며, 오랫동안역사가들은 그렇게 믿었다 영어 제목도구 "버지넬" (처녀의), 우리 세대를 위한 처녀 여왕(처녀자리)의 기억을 간직하기 위해 그녀가 태어나기 20년 전으로 거슬러 올라갑니다. 우리는 16세기 중반 카민, 금, 문장으로 화려하게 장식된 악기의 사진을 제시합니다. 고대 영국 거장들의 매력적인 구성이 기억 속에 되살아납니다. 길고 조용한 줄이 부드럽게 바스락거립니다. 민속 테마의 우아한 변형, 장엄한 모자, 즐거운 갈리아드가 우리의 귀를 매혹시킵니다... 삼나무로 만든 이 쇄골은 베네치아 작품입니다. ~에 표도르 이오아노비치엘리자베스 대사는 Muscovy 왕에게 해당 플레이어와 비슷한 처녀를 선물로 가져 왔습니다. Rus의 영국 연대기 작가는 선물을 조사한 Tsarina Irina Feodorovna가 특히 금박을 입히고 에나멜로 장식 한 처녀의 모습에 충격을 받았으며 "이전에는 본 적이없고 들어 본 적도없는이 악기의 조화에 감탄했습니다. . 수천 명의 사람들이 그들의 말을 듣기 위해 궁전 주변에 몰려들었습니다." .

그러나 최초의 버지널스 자체는 소리의 아름다움 면에서 아쉬운 점이 많았고, 가장 중요한 결점은 음색의 파편화, 거칠음 및 건조함이었습니다. 따라서 이러한 유형의 악기를 개선하기 위해 노력한 대가들의 모든 노력은 쇄골 소리의 뉘앙스에 특정 다양성을 도입하는 것이었습니다. XVI 세기 말에. 유명한 암스테르담 마스터 Hans Ruckers는 매우 중요한 개선을 이루었습니다. 클라비어 메커니즘. 그는 처음으로 두 개의 키보드로 버진넬을 제조했습니다. 상단 건반에서 연주할 때는 현이 하나만 주어졌습니다. 하단 건반을 누르면 2개의 현이 진동하며 버진넬은 배가 된 힘과 광채로 울렸다. 사운드에 특별한 충만감을 주기 위해 Ruckers는 두 개의 코러스 현에 더 얇고 조율된 세 번째 옥타브 높은 현을 추가했습니다. 따라서 Ruckers virginels의 두 개의 키보드는 한 번에 세 개의 현을 연주하거나 그 중 하나만 연주할 수 있도록 했습니다. 삽화 중 하나는 Rookers가 촬영한 Virginel의 사진입니다. 표지는 아폴로와 마르스 사이의 경쟁을 색상으로 묘사하며, 이는 클라비에의 예술적 장식에서 가장 좋아하는 모티브입니다. Hans Ruckers로부터 버진넬 제작 기술은 아버지의 계율을 명예롭게 지킨 그의 네 아들에게 전해졌습니다. 18세기 초에 Ruckers의 쇄골은 매우 유명했고 널리 판매되었습니다. 최상의 네덜란드 예술가동물과 죽은 자연- Frank, Jan van Heyzum - 도구 가격이 3000 리브르에 도달하도록 숙련된 브러시로 장식했습니다. 그러나 - 아아! - 구매자는 그림을 보존하기 위해 종종 쇄골 자체를 분해했습니다.

독자는 첨부된 그림에서 Ruckers의 아들이 작업한 최고의 도구 중 하나를 봅니다. 이것 "하프시코드"(Great Virginel) 한때 그의 아름다움과 부드러운 소리로 작곡가 동시대 사람들의 찬사를 불러 일으킨 Handel의. 3합창 악기에는 세심하게 맞춰진 건반과 훌륭하게 제작된 공명 사운드보드가 있는 두 개의 건반이 장착되어 있습니다. 왼쪽 모서리에 있는 작은 나무 손잡이는 키보드를 연결하고 분리하는 역할을 했습니다. 그러나 상대적으로 큰 음량에도 불구하고 이 하프시코드에는 다리나 페달(베네치아 오르간 연주자 Bernardino가 15세기에 발명)이 아직 장착되어 있지 않아 베이스 톤을 옥타브 두 배로 만드는 역할을 했습니다.

우리는 클라비어 구성의 마지막 단어를 나타내는 런던에서 만든 대형 하프시코드에서 이러한 모든 개조를 볼 수 있습니다. 이 악기는 1773년 영국 최고의 피아노 공장의 영광을 지금도 간직하고 있는 유명한 브래드우드 공방에서 나온 악기입니다. 외관상 현대 그랜드 피아노와 거의 다르지 않습니다 (물론 두 개의 키보드 제외). 호기심은 Bradwood가 처음 사용한 가로 갈비뼈가 있는 나무 프레임입니다. 증폭을 위한 수많은 레지스터와 음파의 다양한 수정 덕분에 이 하프시코드는 매우 균일하고 강한 톤을 제공했습니다.

영국인들은 음향에 접근하는 악기에 대한 선호도를 보였지만 피아노, 프랑스에서 음악 애호가들은 무엇보다 하나의 건반으로 작은 쇄골을 소중하게 여겼고, "가시"의 이름을 따서 명명 베네치아 마스터 조반니 스피네티, 16 세기 초에 살았던 사람 ( "spina"(바늘)에서이 단어의 다른 어원이 현재 남아 있음). 16세기 악기에 대한 가장 완전한 과학적 설명의 저자인 Praetoriycy에 따르면 "spinet"은 실제 음의 5분의 1 위 또는 아래로 조율된 작은 사각형 악기입니다. 일반적으로 "clavier"위에 배치되었습니다. 16 세기 말부터 일반 clavier와 spinet을 연결하는 (음향 향상을 위해) 이러한 악기는 오래된 독일 및 이탈리아 컬렉션에서 한 번 이상 만나야했습니다. 매우 흥미로운 스피네트의 다양성은 "클라비시테리움(clavicytherium)" 기구였습니다. 그런 "수직 가시", 장 문자열과 함께 제공되었습니다. 후자의 사용은 장의 현이 조정되지 않아 대기 영향에 쉽게 굴복하기 때문에 실패한 경험으로 만 간주 될 수 있습니다. clavicitherium은 이후 보존되었습니다 XVII 세기, 분명히 비실용적 인 내장 문자열이 있습니다. 그러나 현의 수직 배열에 대한 아이디어는 우리 시대로 내려와 이탈리아가 태어난 피아노에서 수행됩니다. 우리가 촬영한 16세기 초의 기구는 쇄골의 가장 오래된 표본에 속하며 극히 드물다.

17세기에 "spinet"이라는 이름은 일반적으로 모든 단일 합창단 clavicimbales로 확장되었습니다.

이런 종류의 건반악기의 개량은 18세기 중반에 유럽에서 최고로 평가받던 작품을 만든 파리 거장들의 큰 공로다. 특히 그의 하프시코드(프랑스에서는 이른바 대형 스피넷)로 유명합니다. 파스칼 토스카나, 1768년에 "en peau de buffle" 악기를 만들었습니다. 그의 발명의 본질은 깃털과 탄력있는 갈대와 함께 3 합창 악기에 버팔로 갈대를 사용했다는 것입니다. 자신의 확신에 따라 당기지 않고 현을 만져 애무했습니다. 소위 "jeu de buffle"은 단독으로 또는 깃털과 동시에 사용할 수 있습니다. 실제로 당시의 감정가들에 따르면 이 악기들은 하프시코드 제작 분야에서 지금까지 이루어진 모든 것을 능가했습니다. 그들의 달콤하고 부드럽고 벨벳 같은 사운드는 레지스터의 도움으로 다양한 강도의 축적을 제공했으며 저음 톤은 큰 밀도와 내용으로 구별되었습니다.

물론 투스카니의 발명은 프랑스와 해외로 빠르게 퍼졌고 시간이 지남에 따라 "clavecin en peau de buffle"이 등장했습니다. 음악 연대기는 거의 매년 clavier 메커니즘 분야의 새로운 발견으로 풍성해졌습니다. 예를 들어 드레스덴의 거장 J. G. 바그너는 1775년에 발명한 발명품에 물소 혀를 사용했습니다. "클라베신 로얄", 하프, 류트 및 심벌즈 연주를 모방 할 수있는 4 개의 페달이 있습니다.

"clavecin royal"이라는 이름 자체는 러시아의 clavier 지정과 공통점이 있습니다. "피아노". 개선된 하프시코드는 예카테리나 2세 치하에서 러시아에서 처음으로 제작되기 시작했으며, 그녀의 궁녀들 중에는 숙련된 하프시코드 연주자가 많았습니다.

동시에 가장 부드러운 사운드를 얻기 위해 벨벳으로 덮인 가죽 탄젠트와 함께 "cembalo angelico"가 로마에서 출시되었습니다. 반대로 다른 발명가들은 악기에서 추출할 수 있는 새로운 음향 효과로 감정가와 아마추어의 관심을 끌려고 했습니다.

엄청난 요한 제바스티안 바흐이른바 발명 류트 쇄골. 그의 발명품은 함부르크 마스터에 의해 개선되었습니다. I. 플라이셔, 일반 clavier보다 한 옥타브 낮은 소리를내는 특별히 theorbic clavicimbals (theorba-bass lute)를 제작했습니다. 이 카운터 윙에는 후자의 금속 현을 진동시키는 세 개의 레지스터가 장착되어 있습니다. Fleischer의 theorbic clavicimbals는 우리 돈으로 최대 2000 루블까지 매우 비쌌습니다.

건반 악기의 도움으로 음파를 얻으려는 시도는 매우 흥미로웠습니다. 현악 앙상블. 이 발견은 오르간 연주자에 의해 1600년에 이루어졌습니다. 요제프 하이든뉘른베르크에서. 이러한 악기는 18세기에 매우 흔했습니다. 그들의 메커니즘의 주요 특징은 키의 도움으로 장 현에 인접한 일련의 활이 움직였다는 사실로 요약됩니다. 악기의 페달로 압력을 조절할 수 있습니다.

이 유형의 활 날개에는 현재 Hermitage에 보관되어있는 Strasser의 오케스트라 인 Catherine the Great 시대의 "음악적 경이로움"이 포함되어야합니다. 1729년에 모 씨가 만든 유사한 하프시코드에 대해. de Virbes는 유명한 역사가 I. H. Forkel이 말했습니다. 이 쇄골은 18개를 모방하는 능력이 있었습니다. 다양한 도구, 그리고 "오케스트라 연주에서와 같은 소리가 나는 전체 교향곡을 연주하는 것이 가능할 정도로 환상이 완전했습니다."

그러나 하프시코드의 지배는 막바지에 이르렀다. 1711년 바르톨로메오 크리스토포리, Christofali라고도 잘못 알려진 새로운 키보드 악기가 발명되어 시간이 지남에 따라 기존의 오래된 유형을 대체했습니다. Cristofori는 하프시코드의 접선과 날개 시스템을 현을 쳐서 소리를 내는 망치로 대체했습니다. 가장 완벽한 클라비심발레에서는 복잡한 등록 절차를 통해 빈약한 음조만 얻을 수 있었지만, 새로운 악기의 건반에 손가락을 대는 것만으로 가장 섬세한 피아니시모에서 천둥 같은 포르티시모에 이르기까지 음량을 향상시킬 수 있었습니다. . 일찍이 18세기 초 이탈리아 마스터마침내 최신 그랜드 피아노의 모든 필수 기능을 포함하는 메커니즘을 설계했습니다. 타악기 메커니즘 덕분에 사운드의 강도는 이제 건반을 누르는 힘에만 의존했으며, 이는 클라비에를 위한 작곡을 연주할 때 다이내믹한 음영으로 무한히 다양한 연주의 완전히 새로운 영역을 즉시 열었습니다. Cristofori는 마음대로 조용히 또는 크게 연주할 수 있는 그의 악기를 "Gravicembalo(왜곡된 클라비쳄발로) col piano e forte"라고 명명했습니다.

Cristofori의 발명품은 그의 동시대 사람들에게 눈에 띄지 않았으며 Medici 왕자 박물관의 겸손한 큐레이터는 아마도 그가 만든 피아노 (이 기사에 실린 사진)가 이탈리아 최고의 국보로 조심스럽게 저장 될 것이라고는 꿈에도 생각하지 않았을 것입니다. 박물관. 그의 후손은 20년대에야 끝난 음악 고대의 잔재들과 치열한 투쟁을 견뎌야 했다. 19 세기.

외부에서 고대 clavier의 역사가 모든 세부 사항에서 연구되었다는 사실에도 불구하고 아직 과학적 연구로 적절하게 다루지 않은 많은 질문이 있습니다. 이러한 질문은 음향의 특성과 초기 음악 연주에서 두 악기의 사용에 관한 것입니다.

두 종류의 클라비어 중에서 클라비침발은 음악 예술의 역사에서 비교할 수 없을 정도로 더 중요한 역할을 했습니다. 독창의 등장 이후 그는 반주 악기인 일반 베이스로서 주도적인 위치를 차지하고 있다. 또한 로마네스크 민족의 음악적 천재성에 힘 입어 발전한 솔로 클라비에 음악은 전적으로 하프시 코드 음파를 기반으로 성장했습니다.

이미 지적했듯이 클라비심발로(이탈리아어 명명법에 따르면 "쳄발로")는 연주자 자신과 관계없이 음파의 힘을 가졌습니다. 이런 점에서 그것은 오르간과 비슷했습니다. 레지스터 시스템은 악기의 이러한 주요 단점을 어느 정도만 제거했으며 값싼 가정용 하프시 코드에는 일반적으로 레지스터가 하나만 있습니다. 한편으로 기관과 관련이 있는 쇄골은 다른 한편으로 다음과 같았습니다. 타악기, 류트에. 원래 류트와 오르간이 일반 베이스 연주에서 후대에 쇄골이 그랬던 것처럼 같은 역할을 했다는 사실은 상당히 주목할 만합니다. 후자는 그의 특별한 장점 덕분에 마침내 라이벌을 이겼습니다. 류트에 비해 화음 연주가 더 쉬웠고 오르간은 이동성이 뛰어나고 일반적으로 오르간의 엄청난 울림에 의해 억제되는 다른 악기의 음색과 결합하는 능력이 뛰어났습니다. clavicimbal의 섬세한 음색은 오래된 오케스트라의 일반적인 저음 부분을 위해 만들어졌으며 피아노의 단단하고 날카로운 소리가 그 자리를 차지할 때 즉시 눈에.니다.

18세기의 이론가들은 쳄발로의 참여 없이는 어떤 앙상블 음악도 불가능하다는 것을 만장일치로 인정했습니다. Matheson은 "쇄골의 보편적인 울림은 모든 종류의 교회, 연극 및 실내 음악"18세기 중반까지 클라비심발은 유일한 클라비에 악기이기도 했으며, 이러한 상황으로 인해 피아노 이전 시대의 클라비에 음악을 연주할 때 소리의 특징을 고려해야 합니다. Chr. Schubart, a의 저자 음악 미학에 관한 논문은 쇄골의 울림에 대해 매우 우아한 설명을 제공합니다. 이 악기에서는 우선 명확하게 연주하는 방법을 배워야 합니다. 이는 악보를 배우는 것과 같습니다. 뮤지컬 드로잉". 이 비교는 쇄골 음향의 본질을 비정상적으로 적절하게 정의합니다. 18 세기의 풍부한 다성 직조는 그러한 악기에서 매우 분명하게 두드러지며 이는 어느 정도 오래된 clavier 마스터의 절묘한 다성 작문을 설명합니다.

음악적으로 동일한 여러 성부를 동일한 뚜렷함으로 연주하는 피아노 고유의 어려움은 클라비심발로에게는 생소합니다. 건반을 고르게 치기 때문에 현은 정확히 같은 효과를 줍니다. 동시에 동시 발음이 이해할 수없는 소리의 혼돈으로 쉽게 변하는 피아노와 달리 쇄골의 소리는 귀에 완전히 개별적이고 명확하게 인식됩니다.

지난 세기의 음악가들의 눈에 어떤 자질이 특히 가치가 있었는지 확인하는 것은 어렵지 않습니다. 하프시코드 문학은 클라비에 연주가 여가 시간에 즐거운 오락으로만 제공되었던 음악 역사의 시기에 발전했다는 점을 고려해야 합니다. 하프시코드 음악이 담고 있는 깊고 숭고한 모든 것은 오르간 작곡의 보고에서 차용한 것입니다.

프랑스 작가들은 주로 이동성과 소리의 가벼움에 감탄했습니다. 독일 역사가들과 시인들은 악기의 은색 음색을 찬미했습니다. 그러나 그들은 모두 영혼이없는 clavicimbal이 인간 마음의 부드러운 감정, 우울 및 감수성을 표현하는 데 적합하지 않다는 데 동의했습니다. 따라서 감상주의 시대에 부당하게 잊혀진 clavichord가 다시 등장하여 가장 미묘한 음영을 전달할 수 있습니다. 음악적 표현.

클라비코드, 독자들에게 이미 알려진 바와 같이 매우 원시적 인 타악기 메커니즘을 가지고 있습니다. 그러나 연주자와 그가 연주하는 악기 사이에 특별한 친밀감을 만드는 것은 타격을 건반으로 전달하는 단순성입니다. 클라비코드의 소리는 약하고 성격상 현대 피아노보다 하프시코드의 은색에 훨씬 더 가깝습니다. 그러나 클라비코드의 음악적 정체성은 여전히 거의 탐구되지 않았기 때문에 가장 중요한 역사적 징후는 Werther와 Charlotte 시대의 소설에서 찾을 수 있는 것과 같은 설명입니다.

Schubart가 이미 인용한 "클라비코드"는 "외로운 우울한 클라비코드는 피아노보다 큰 이점이 있습니다. 건반을 누르면 완전한 사운드 컬러링뿐만 아니라 메조틴트, 주로 트릴을 유발할 수 있습니다. , portaments 또는 부드러운 진동, 한마디로 우리의 느낌이 만들어지는 모든 기본 기능.

클라비코드 연주자들이 매우 능숙하게 사용했던 "필요한 진동"은 무엇입니까? 한때 가장 위대한 거장으로 여겨졌던 유명한 영국 비평가이자 F. E. Bach의 열렬한 찬사 인 Burney "a의 설명에서 알 수 있습니다. 클라비코드.

"바흐는 자신의 클라비어에서 올바른 음색을 추출해야 했을 때 슬픔과 깊은 고통의 그늘을 주려고 노력했습니다. 이는 하나의 클라비코드에서만 가능했습니다."

Bach의 책에는 그러한 필요한 진동을 가지고 연주하는 방법에 대한 자세한 지침도 있습니다. 건반에서 손가락을 약간 진동시켜 얻은 것입니다 (바이올리니스트가 악기에서 비슷한 경우에하는 것처럼).

클라비호드는 감상주의 시대에 가장 좋아하는 악기가 되었습니다. 그러나 "클라비코드 시대"도 오래 가지 못했습니다. 이미 18세기 말 피아노는 음악적 일상에서 시민권을 획득하기 시작했다. 모차르트는 대중 앞에서 "망치질한 클라비에"를 연주한 최초의 거장이었고 그의 천재성은 이 새로운 악기를 봉헌했습니다. 피아노 메커니즘의 기술적 개선의 급속한 성장은 마침내 더 불완전한 형태의 클라비에를 대체했으며 이미 19세기 초에 클라비코드의 매혹적인 부드러운 소리에 대한 기억은 먼 고대의 영역으로 들어갔습니다. 반쯤 잊혀진 뮤지컬 전설의 영역.