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바그너 오페라 개혁의 원리. 바그너의 오페라 개혁

세계 문화에 대한 Wagner의 공헌은 무엇보다도 오페라 장르의 미래 운명을 상상할 수없는 그의 오페라 개혁에 의해 결정됩니다. 이를 수행하면서 Wagner는 다음을 추구했습니다.

독일-스칸디나비아 서사시의 전설과 신화를 기반으로 하는 글로벌하고 보편적인 콘텐츠의 구체화;
음악과 드라마의 통일성;
지속적인 음악적, 극적인 행동에.

이것은 그를 이끌었다:

암송 스타일의 우세한 사용;
leitmotifs에 기초한 오페라 교향곡;
전통적인 오페라 형식(아리아, 앙상블)을 거부합니다.

그의 작품에서 Wagner는 일상 생활의 묘사로 현대적인 주제로 전환하지 않았습니다 (예외는 Nuremberg Meistersingers입니다). 그는 오페라의 유일하게 가치있는 문학적 출처를 고려했습니다. 신화학 . 작곡가는 신화의 보편적 중요성을 지속적으로 강조했습니다. "항상 진실로 남아 있습니다." Wagner가 다소 수동적인 추종에서 벗어난 것이 특징적입니다. 홀로신화적 출처: 원칙적으로 그는 한 오페라에서 합성합니다. 여러 전설나만의 서사시를 만드는 것. 신화의 실현 - 모든 Wagnerian 작업을 통해 실행되는 원칙.

바그너는 근대성의 정신으로 신화를 다시 생각하면서 그것을 바탕으로 현대 자본주의 세계를 그려내고자 했다. 예를 들어, "Lohengrin"에서 그는 진정한 예술가에 대한 현대 사회의 적대감에 대해 이야기하고 "Nibelung의 반지"에서 우화적인 형태로 그는 세계 권력에 대한 갈증을 비난합니다.

Wagnerian 개혁의 중심 아이디어는 예술의 합성 . 그는 음악, 시, 연극이 공동 행동을 통해서만 모든 것을 포괄하는 삶의 그림을 만들 수 있다고 확신했습니다. Gluck과 마찬가지로 Wagner는 오페라 종합의 주도적 역할을시에 부여했기 때문에 큰 관심을 기울였습니다. 가사.그는 텍스트가 마침내 다듬어질 때까지 작곡을 시작하지 않았습니다.

시적 단어의 정확하고 진실한 전달에 대한 음악과 드라마의 완전한 합성에 대한 열망으로 인해 작곡가는 선언문 스타일 .

Wagner의 뮤지컬 드라마에서 음악은 무미건조한 암송이나 대화 삽입물에 의해 중단되지 않고 연속적이고 연속적인 흐름으로 흐릅니다. 이 음악적 흐름은 지속적으로 업데이트되고 변경되며 이미 지나간 단계로 돌아가지 않습니다. 그렇기 때문에 작곡가는 격리, 서로 격리 및 반복 대칭으로 전통적인 오페라 아리아와 앙상블을 포기했습니다. 오페라 번호와 달리 원칙이 제시됩니다. 자유 무대 , 지속적으로 업데이트되는 자료를 기반으로 제작되었으며 선율적이고 암송적인 에피소드, 솔로 및 앙상블을 포함합니다. 그래서 자유 무대 다양한 오페라 형식의 기능을 결합합니다.순전히 솔로, 앙상블, 매스, 혼합(예: 합창단이 포함된 솔로)일 수 있습니다.

Wagner는 전통적인 아리아를 독백과 이야기로 대체했습니다. 듀엣 - 공동이 아닌 대체 노래가 우세한 대화. 이 무료 장면에서 가장 중요한 것은 내부의 심리적 행동 (열정의 투쟁, 기분 변화)입니다. 외부적이고 다사다난한 측면은 최소한으로 줄어듭니다. 여기에서 - 서술의 우위바그너의 오페라는 비제의 베르디의 오페라와 크게 다릅니다.

Wagnerian 자유 형식의 통합 역할은 다음과 같습니다. 오케스트라 , 그 값은 급격히 증가합니다. 가장 중요한 음악적 이미지(leitmotifs)가 집중되어 있는 부분은 오케스트라 부분입니다. Wagner는 교향곡 개발의 원칙을 오케스트라 부분으로 확장합니다. 주요 테마가 개발되고, 서로 반대되고, 변형되고, 새로운 모습을 얻고, 다음과 같이 결합됩니다. 고대 비극의 합창단처럼 바그너 오케스트라는 무슨 일이 일어나고 있는지 설명하고 교차 주제를 통해 사건의 의미를 설명합니다. 기조 연설.

성숙한 Wagner 오페라에는 특정 프로그램 콘텐츠가 부여된 10-20개의 라이트모티프가 포함되어 있습니다. 바그너의 라이트모티프는 단순히 밝은 뮤지컬 테마, 그러나 청취자가 현상의 본질을 이해하도록 돕는 가장 중요한 수단입니다. 캐릭터가 침묵하거나 완전히 다른 것에 대해 말할 때 필요한 연관성을 불러 일으키는 것은 leitmotif입니다.

4부작 "니벨룽겐의 반지"

Wagner는 "Nibelungen의 반지"4 부작의 창작을 그의 삶의 주요 작업으로 간주했습니다. 실제로 작곡가의 세계관과 그의 개혁 원칙은 모두 여기에서 완전한 구현을 받았습니다.

이것은 바그너의 가장 거대한 규모의 창작물일 뿐만 아니라 모든 역사상 가장 장대한 작품이기도 하다. 뮤지컬 극장.

그의 다른 작품에서와 마찬가지로 4부작에서 작곡가는 여러 신화적 출처를 합성했습니다. 가장 오래된 것은 고대 독일인의 신, 세계의 출현과 죽음, 영웅의 착취 (주로 Sigurd-Siegfried에 관한 것)에 대해 이야기하는 영웅 이야기 "Elder Edda"(IX-XI 세기)의 스칸디나비아주기입니다. ). 출발 Wagner는 Siegfried 전설의 독일어 버전 인 Nibelungenlied (XIII 세기)에서 줄거리 모티프와 독일어 이름 변형을 가져 왔습니다.

무엇보다도 Wagner의 관심을 끌었던 것은 많은 독일 "민속 서적"에 포함 된 전설의 가장 사랑받는 이미지 인 "빛나는"Siegfried였습니다. 작곡가는 그것을 현대화했습니다. 그는 Siegfried의 영웅적 원칙을 강조하고 그를 "열렬히 기다려온 미래의 사람", "사회주의 구속자"라고 불렀습니다.

그러나 The Ring은 Siegfried 드라마로 남아 있지 않았습니다. 원래 자유 인류를 미화하는 단일 드라마(Siegfried의 죽음)로 구상된 Wagner의 계획은 점점 더 커졌습니다. 동시에 Siegfried는 Wotan 신에게 1 위를 차지했습니다. Wotan 유형은 Siegfried와 정반대의 이상의 표현입니다. 무한한 권력의 화신 인 세계의 통치자 인 그는 의심에 사로 잡혀 자신의 욕망에 반하는 행동을합니다 (아들을 죽이고 사랑하는 딸 Brunnhilde와 헤어짐). 동시에 Wagner는 두 가지를 모두 설명했습니다. 배우그러나 명백한 동정심으로 빛나는 영웅과 고통스럽고 순종적인 신 모두에게 똑같이 매료되었습니다.

Nibelungen의 반지의 "일반적인 아이디어"를 하나의 공식으로 표현하는 것은 불가능합니다. 이 웅장한 작품에서 바그너는 전 세계의 운명에 대해 이야기합니다. 모든 것이 여기에 있습니다.

1 - 권력과 부에 대한 욕망 . "Know thyself" 기사에서 Wagner는 4부작의 상징주의를 밝혔습니다. 그는 Alberich에 대해 "세계의 끔찍한 통치자-자본가"의 이미지로 씁니다. 그는 사랑을 거부하는 자만이 권력의 고리를 만들 수 있다고 강조한다. 추악하고 거부당한 알베리히만이 이것을 할 수 있습니다. 힘과 사랑은 양립할 수 없는 개념입니다.

2 - 관습의 힘, 모든 종류의 조약 및 법률에 대한 비난. Wagner는 "관습"의 여신과 법적 결혼 Fricka에 대항하여 그들의 근친상간 사랑 인 Sigmund와 Sieglinde의 편을 듭니다. 법의 영역인 발할라가 불길에 휩싸여 무너지고 있습니다.

3 - 구속의 기독교 사상 사랑을 통해. 압도적인 이기심의 힘과 충돌하는 것은 사랑입니다. 그녀는 인간 관계의 최고의 아름다움을 구현합니다. 지그문트는 사랑을 지키기 위해 목숨을 바친다. 죽어가는 Sieglinde는 빛나는 Siegfried에게 생명을줍니다. Siegfried는 비자발적 사랑 배신의 결과로 사망합니다. 4부작의 결말에서 브룬힐데는 온 세상을 악의 왕국에서 해방시키는 일을 완수합니다. 따라서 구원과 구속의 개념은 사부작에서 진정한 우주 차원을 얻습니다.

4부작을 구성하는 각 뮤지컬 드라마는 고유한 장르적 특징을 가지고 있다.

"라인강의 황금" 동화 서사시의 장르에 속하며, "발키리" - 서정 드라마 "지그프리트" - 영웅 서사시, "신들의 일몰" - 비극.

tetralogy의 모든 부분을 통해 분지의 발달을 통과합니다. 라이트모티프 시스템 . Leitmotif에는 캐릭터, 감정뿐만 아니라 철학적 개념(저주, 운명, 죽음), 자연의 요소(물, 불, 무지개, 숲), 물체(칼, 투구, 창)가 부여됩니다.

4부작에서 가장 높은 발전은 바그너 오케스트라에 의해 달성됩니다. 그 구성은 거대합니다 (주로 4 배). 구리 그룹은 특히 웅장합니다. 8개의 호른으로 구성되어 있으며 그 중 4개는 Wagner 튜바(호른 마우스피스 포함)로 교체할 수 있습니다. 또한 - 트럼펫 3개와 베이스 트럼펫 1개, 트롬본 4개(테너 3개와 베이스 1개), 더블 베이스 튜바), 엄청난 수의 하프(6개). 드럼의 구성도 확장되었습니다.

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소개

1. 인생 이야기

2. 오페라 개혁

결론

서지

소개

Richard Wagner의 다자간 활동은 세계 문화사에서 뛰어난 위치를 차지합니다. 훌륭한 예술적 재능을 가진 Wagner는 뛰어난 음악가-작곡가 및 지휘자뿐만 아니라 시인, 극작가, 비평가-홍보가로도 자신을 보여주었습니다 (그의 16 권 문학 작품정치에서 예술에 이르기까지 다양한 문제에 대한 작업 포함).

이 작곡가만큼 치열한 논쟁을 벌이는 아티스트를 찾기 어렵다. 그의 지지자들과 반대자들 사이의 격렬한 논쟁은 바그너의 근대를 훨씬 넘어섰고, 그의 죽음 이후에도 가라앉지 않았다. ~에 XIX의 차례- XX 세기 동안 그는 유럽 지식인의 진정한 "생각의 지배자"가되었습니다.

바그너는 오래 살았고 바쁜 생활급격한 단절, 기복, 박해 및 승영으로 표시됩니다. 여기에는 경찰의 괴롭힘과 후원이 모두 포함되어 있습니다. 세상의 강자이것."

1. 인생 이야기

Rimhard Wagner, 정식 이름 Wilhelm Richard Wagner(독일어: Wilhelm Richard Wagner, 1813년 5월 22일, 라이프치히 - 1883년 2월 13일, 베니스)는 독일의 작곡가이자 예술 이론가였습니다. 가장 큰 오페라 개혁가인 바그너는 유럽 음악 문화, 특히 독일 문화에 지대한 영향을 미쳤습니다.

1813년 5월 22일 라이프치히에서 예술가 집안에서 태어나 어린 시절부터 문학과 연극을 좋아했습니다. 작곡가로서의 Wagner 형성에 큰 영향을 미친 것은 L. van Beethoven의 작품에 대한 그의 친분이었습니다. 혼자서 많이 공부하면서 그는 T. Weiling의 음악 이론 인 오르간 연주자 G. Muller에게 피아노 레슨을 받았습니다.

1834~1839년. Wagner는 이미 다양한 오페라 하우스에서 밴드 마스터로 전문적으로 일했습니다. 1839-1842년. 파리에 살았다. 여기에서 그는 역사적인 오페라 "Rienzi"라는 첫 번째 중요한 작품을 썼습니다. 파리에서 Wagner는 이 오페라를 상연하지 못했으며 1842년 드레스덴에서 제작이 승인되었습니다. 1843년 이곳에서 그는 자신의 오페라인 The Flying Dutchman을, 1845년에는 Tannhäuser와 Wartburg 노래 경연대회를 상연했습니다. Wagner의 가장 유명한 오페라 중 하나인 Lohengrin(1848)은 드레스덴에서 작곡되었습니다.

1849년 드레스덴의 혁명적 불안에 가담했다는 이유로 작곡가는 국가 범죄자로 선포되었고 강제로 스위스로 도피했습니다. Art and Revolution(1849), 예술 작품미래"(1850), "오페라와 드라마"(1851). 그들에서 Wagner는 개혁가로 활동했습니다. 오페라 예술. 그의 주요 아이디어는 다음과 같이 요약할 수 있습니다. 오페라에서 드라마는 음악보다 우선해야 하며 그 반대는 아닙니다. 동시에 오케스트라는 가수에게 종속되지 않고 동등한 "배우"입니다.

뮤지컬 드라마는 관객에게 도덕적으로 영향을 미칠 수 있는 보편적인 예술 작품이 되고자 한다. 그리고 그러한 영향은 신화적 플롯으로 일반화된 철학적 및 미학적 개념으로 작동함으로써만 달성될 수 있습니다.

작곡가는 항상 자신의 오페라 대본을 직접 썼습니다. 또한 Wagner에서 각 캐릭터는 플롯 개발에 중요한 일부 항목(예: 반지)에도 고유한 음악적 특성(leitmotifs). 오페라의 음악적 개요는 라이트모티프의 체계입니다. Wagner는 Nibelung의 반지라는 장대 한 프로젝트에서 그의 혁신적인 아이디어를 구현했습니다. 이것은 사이클에서 네 개의 오페라: "라인강의 황금"(1854), "발키리"(1856), "지그프리트"(1871), "신들의 죽음"(1874).

4 부작 작업과 병행하여 Wagner는 또 다른 오페라 인 Tristan and Isolde (1859)를 썼습니다. 1864년부터 작곡가를 총애했던 바이에른 왕 루드비히 2세의 후원 덕분에 바그너의 작품을 홍보하기 위해 바이로이트에 극장이 세워졌습니다. 1876년 개봉 당시 4부작 "니벨룽겐의 반지"가 처음으로 상연되었으며 1882년에 개봉되었습니다. 마지막 오페라 Wagner - "Parsifal", 저자가 엄숙한 무대 미스터리라고 불렀습니다.

2. 오페라 개혁

독일-스칸디나비아 서사시의 전설과 신화를 기반으로 하는 글로벌하고 보편적인 콘텐츠 구현

음악과 드라마의 통일성;

지속적인 음악적, 극적인 행동을 위해.

이것은 그를 이끌었다:

암송 스타일의 주된 사용;

leitmotifs에 기초한 오페라 교향곡;

전통적인 오페라 형식(아리아, 앙상블)의 거부.

그의 작품에서 Wagner는 일상 생활의 묘사로 현대적인 주제로 전환하지 않았습니다 (예외는 Nuremberg Meistersingers입니다). 그는 신화가 오페라의 유일한 문학적 원천이라고 생각했습니다. 작곡가는 "항상 사실로 남아있는"신화의 보편적 중요성을 지속적으로 강조했습니다. 특징은 하나의 신화 소스를 다소 수동적으로 따르는 Wagner의 출발입니다. 일반적으로 한 오페라에서 그는 여러 전설을 합성하여 자신의 서사적 내러티브를 만듭니다. 신화의 실현은 바그너의 모든 작품을 관통하는 원리다.

Wagnerian 개혁의 중심 아이디어는 예술의 종합입니다. 그는 음악, 시, 연극이 공동 행동을 통해서만 모든 것을 포괄하는 삶의 그림을 만들 수 있다고 확신했습니다. Gluck과 마찬가지로 Wagner는 오페라 합성의 주역을시에 할당했기 때문에 대본에 큰 관심을 기울였습니다. 그는 텍스트가 마침내 다듬어질 때까지 작곡을 시작하지 않았습니다.

시적 단어의 정확하고 진실한 전달을 위해 음악과 드라마의 완전한 합성에 대한 열망으로 인해 작곡가는 선언문 스타일에 의존했습니다. 바그너 오페라 개혁 오케스트라

Wagner의 뮤지컬 드라마에서 음악은 무미건조한 암송이나 대화 삽입물에 의해 중단되지 않고 연속적이고 연속적인 흐름으로 흐릅니다. 이 음악적 흐름은 지속적으로 업데이트되고 변경되며 이미 지나간 단계로 돌아가지 않습니다. 그렇기 때문에 작곡가는 격리, 서로 격리 및 반복 대칭으로 전통적인 오페라 아리아와 앙상블을 포기했습니다. 오페라 번호와 달리 지속적으로 업데이트되는 자료를 기반으로 하며 선율적이고 암송적인 에피소드, 솔로 및 앙상블을 포함하는 무료 무대의 원칙이 제시됩니다. 따라서 자유 무대는 다양한 오페라 형식의 특징을 결합합니다. 순전히 솔로, 앙상블, 매스, 혼합(예: 합창단이 포함된 솔로)일 수 있습니다.

Wagner는 전통적인 아리아를 독백과 이야기로 대체했습니다. 듀엣 - 공동이 아닌 대체 노래가 우세한 대화. 이 무료 장면에서 가장 중요한 것은 내부의 심리적 행동 (열정의 투쟁, 기분 변화)입니다. 외부적이고 다사다난한 측면은 최소한으로 줄어듭니다. 따라서-무대에서 시작하는 내러티브의 우세가 효과적이므로 Wagner의 오페라가 Verdi, Bizet의 오페라와 크게 다릅니다.

Wagner의 자유 형식에서 통합 역할은 오케스트라가 담당하며 그 중요성이 급격히 커지고 있습니다. 가장 중요한 음악적 이미지(leitmotifs)가 집중되어 있는 부분은 오케스트라 부분입니다. Wagner는 교향곡 개발의 원칙을 오케스트라 부분으로 확장합니다. 주요 테마가 개발되고, 서로 반대되고, 변형되고, 새로운 모습을 얻고, 다음과 같이 결합됩니다. 고대 비극의 합창단처럼 Wagner 오케스트라는 무슨 일이 일어나고 있는지 설명하고 교차 주제인 leitmotif를 통해 사건의 의미를 설명합니다.

성숙한 Wagner 오페라에는 특정 프로그램 콘텐츠가 부여된 10-20개의 라이트모티프가 포함되어 있습니다. 바그너의 라이트모티프는 단순한 밝은 음악적 주제가 아니라 청취자가 현상의 본질을 이해하도록 돕는 가장 중요한 도구입니다. 캐릭터가 침묵하거나 완전히 다른 것에 대해 말할 때 필요한 연관성을 불러 일으키는 것은 leitmotif입니다.

4부작 "니벨룽겐의 반지"

이것은 규모면에서 바그너의 가장 거대한 창작물일 뿐만 아니라 뮤지컬 극장의 전체 역사에서 가장 장대한 작품이기도 하다.

그러나 The Ring은 Siegfried 드라마로 남아 있지 않았습니다. 원래 자유 인류(Siegfried의 죽음)를 미화하는 단일 드라마로 구상된 Wagner의 계획은 점점 더 커졌습니다. 동시에 Siegfried는 Wotan 신에게 1 위를 차지했습니다. Wotan 유형은 Siegfried와 정반대의 이상의 표현입니다. 무한한 권력의 화신 인 세계의 통치자 인 그는 의심에 사로 잡혀 자신의 욕망에 반하는 행동을합니다 (아들을 죽이고 사랑하는 딸 Brunnhilde와 헤어짐). 동시에 Wagner는 빛나는 영웅과 고통스럽고 순종적인 신 모두에 대해 똑같이 열정적 인 명백한 동정심으로 두 캐릭터를 설명했습니다.

1 - 권력과 부에 대한 갈증에 대한 비난. "Know thyself" 기사에서 Wagner는 4부작의 상징주의를 밝혔습니다. 그는 Alberich에 대해 "세계의 끔찍한 통치자-자본가"의 이미지로 씁니다. 그는 사랑을 거부하는 자만이 권력의 고리를 만들 수 있다고 강조한다. 추악하고 거부당한 알베리히만이 이것을 할 수 있습니다. 힘과 사랑은 양립할 수 없는 개념입니다.

2 - 관습, 모든 종류의 계약 및 법률에 대한 비난. Wagner는 "관습"의 여신과 법적 결혼 Fricka에 대항하여 그들의 근친상간 사랑 인 Sigmund와 Sieglinde의 편을 듭니다. 법의 영역인 발할라가 불길에 휩싸여 무너지고 있습니다.

3 - 사랑을 통한 구속의 기독교 사상. 압도적인 이기심의 힘과 충돌하는 것은 사랑입니다. 그녀는 인간 관계의 최고의 아름다움을 구현합니다. 지그문트는 사랑을 지키기 위해 목숨을 바친다. 죽어가는 Sieglinde는 빛나는 Siegfried에게 생명을줍니다. Siegfried는 비자발적 사랑 배신의 결과로 사망합니다. 4부작의 결말에서 브룬힐데는 온 세상을 악의 왕국에서 해방시키는 일을 완수합니다. 따라서 구원과 구속의 개념은 사부작에서 진정한 우주 차원을 얻습니다.

4부작을 구성하는 각 뮤지컬 드라마는 고유한 장르적 특징을 가지고 있다.

"Rhine Gold"는 동화 서사 장르 인 "Valkyrie"-서정적 드라마, "Siegfried"-영웅 서사, "Sunset of the Gods"-비극에 속합니다.

Leitmotifs의 분지형 시스템은 4부작의 모든 부분을 통해 발전합니다. Leitmotifs에는 캐릭터, 감정뿐만 아니라 철학적 개념(저주, 운명, 죽음), 자연의 요소(물, 불, 무지개, 숲), 물체(검, 투구, 창)가 부여됩니다.

결론

모든 유럽보다 훨씬 더 19세기의 작곡가세기에 바그너는 자신의 예술을 하나의 종합이자 어떤 철학적 개념을 표현하는 방법으로 여겼습니다. 그 본질은 Wagner의 기사 "The Artistic Work of the Future"의 다음 구절에서 격언의 형태로 표현됩니다. 삶과의 연결을 부끄러워하는 이유. 이 개념에서 두 가지 기본 아이디어가 나옵니다. 예술은 사람들의 공동체에 의해 만들어지고 이 공동체에 속해야 합니다. 예술의 가장 높은 형식은 말과 소리의 유기적인 통합으로 이해되는 뮤지컬 드라마입니다. 첫 번째 아이디어의 구체화는 오페라 하우스가 처음으로 엔터테인먼트 기관이 아닌 예술 사원으로 해석되기 시작한 바이로이트였습니다. 두 번째 아이디어의 구체화는 Wagner가 만든 새로운 오페라 형식 "뮤지컬 드라마"입니다. Wagner의 창의적인 삶의 목표가 된 것은 창작물이었습니다. 그 요소 중 일부는 작곡가의 1840년대 초기 오페라인 The Flying Dutchman, Tannhäuser 및 Lohengrin에 구현되었습니다. 뮤지컬 드라마 이론은 바그너의 스위스 기사("오페라와 드라마", "예술과 혁명", "음악과 드라마", "미래의 예술 작품")와 실제로 그의 후기 오페라에서 가장 완벽하게 구현되었습니다. "트리스탄과 이졸데", 4부작 "니벨룽겐의 반지", 미스터리 "파르지팔".

서지

1. Saponov M. A. R. Wagner, L. Spor, R. Schumann의 러시아 일기 및 회고록. M., 2004.

2. Serov A. N. Wagner와 오페라 분야에서의 그의 개혁 // Serov A. N. 선정 기사. 티. 2. 엠., 1957.

3. Mann T. Richard Wagner의 고통과 위대함 // Mann T. Collected Works. T.10. M., 1961.

4. Serov A. N. Wagner와 오페라 분야에서의 그의 개혁 // Serov A. N. 선정 기사. 티. 2. 엠., 1957.

5. A. F. Losev Richard Wagner 세계관의 역사적 의미

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소개

F. Liszt: “그는 시, 음악 및 연기를 불가분의 관계로 결합하고 이러한 융합을 무대에서 구현하기 위한 가능성과 필요성에 대한 아이디어를 얻었습니다. 여기에서 모든 것은 드라마의 유기체에 의해 불가분의 관계로 연결되어 있습니다. Wagner의 가장 풍부한 오케스트라는 배우의 영혼의 메아리 역할을하고 우리가보고 듣는 것에 추가합니다 ... 그것은 더 높은 목표를 위해 모든 수단을 제공하고 오페라에서 시적 의미의 지배를 확립합니다. 전체적으로 그리고 모든 세부 사항에서 모든 것이 일관성이 있으며 하나의 시적 생각에서 비롯됩니다.

“리하르트 바그너만큼 대중을 끊임없는 흥분 상태에 빠뜨린 예술가는 없습니다. 그가 죽은 지 수십 년이 지났지만 그에 대한 논란의 물결은 가라앉지 않았다. Wagner의 반대자들과 그의 옹호자들이 쓴 책은 전체 도서관을 구성했습니다 ...

환상적인 모순을 자신 안에 결합한 사람으로서의 Wagner는 전체적인 문제입니다. 그리고 예술가로서 문제는 적지 않습니다.

Wagner는 세계 문화 발전에 큰 영향을 미친 위대한 예술가 중 한 명입니다. 그의 천재성은 보편적이었습니다. Wagner는 뛰어난 음악 작품의 저자뿐만 아니라 훌륭한 지휘자로도 유명해졌습니다. 그는 재능있는 시인이자 극작가이자 재능있는 홍보인이자 뮤지컬 극장 이론가였습니다. 그의 예술적 원칙을 주장하는 끓어오르는 에너지와 거대한 의지와 결합된 이러한 다재다능한 활동은 바그너의 성격과 음악에 대한 보편적인 관심을 끌었습니다. 그들은 오늘날까지 가라 앉지 않았습니다.

P.I. 차이코프스키는 "작곡가로서 바그너는 의심할 여지 없이 금세기 후반(즉, 19세기) 가장 주목할 만한 인물 중 한 명이며 음악에 대한 그의 영향력은 막대하다"고 말했습니다. 이 영향은 다면적이었습니다. Wagner가 13개의 오페라 작가로 가장 많이 활동한 뮤지컬 극장뿐만 아니라 음악 예술의 표현 수단에도 영향을 미쳤습니다. 프로그램 심포니즘 분야에 대한 바그너의 공헌도 상당하다.

"그는 오페라 작곡가로서 훌륭했습니다." N.A. 림스키-코르사코프. "그의 오페라"라고 A.N. Serov, - ... 독일 국민에 들어가 국보 Weber의 오페라나 Goethe 또는 Schiller의 작품 못지 않은 방식으로. "그는시의 큰 선물, 강력한 창의성, 그의 상상력이 엄청 났고 주도권이 강했고 그의 예술적 기술이 훌륭했습니다 ..."-V. V. Stasov는 다음과 같이 특징지었습니다. 최고의 면바그너의 천재. Serov에 따르면 이 놀라운 작곡가의 음악은 예술에서 "알려지지 않은 무한한 지평"을 열었습니다. 책 "역사"에서 인용 외국 음악» M. Druskin, p.12.

바그너의 오페라 작품 개요

Wagner는 뮤지컬 극장의 개혁의 필요성을 선포하고 평생 동안 그것을 수행 한 작곡가로서 음악 문화의 역사에 입문했습니다.

극장에 대한 열정은 작곡가의 젊음에서 나타 났으며 15 세에 그는 비극 "Leibald and Adeloid"를 썼습니다. 그의 첫 번째 오페라는 그가 나중에 감사하게 될 것과는 거리가 멀다. Gozzi의 극적인 동화 "The Snake Woman"의 줄거리를 기반으로 한 최초의 완성 된 오페라 "Fairies", - 로맨틱 오페라독일 오페라 전통에 가까운 환상적인 공포와 함께. 이 오페라는 작곡가 생전에 상연되지 않았습니다.

셰익스피어의 코미디 "Measure for Measure"를 기반으로 한 오페라 "Forbidden Love"에서 이탈리아 코믹 오페라의 영향을 받았습니다.

E. Bulwer-Lytton의 소설을 기반으로 한 세 번째 오페라 Rienzi는 G. Spontini와 J. Meyerbeer의 정신으로 역사적 영웅 공연의 영향을 반영했습니다.

이때 삶과 예술의 갱신을 위한 대담한 혁명적 아이디어에 압도되고 이러한 아이디어의 구현을 깊이 믿는 바그너는 오페라 루틴과의 치열한 투쟁을 시작합니다. "미래의 드라마"-작곡가가 자신의 뮤지컬 드라마라고 부르는 방식-시와 음악과 같은 예술의 합성이 이루어져야합니다.

1842 년에 작곡가가 개혁의 길을 시작하고 열리는 오페라 The Flying Dutchman이 작성되었습니다. 성숙기바그너의 작품. 작곡가가 그의 혁신적인 활동을 시작한 것은 오페라의 줄거리 측면, 시적 텍스트의 갱신과 함께였습니다.

동시에 오페라 대본의 창시자인 바그너는 독일 낭만주의의 가장 강력한 영향을 경험했습니다. 포크 판타지가 만들어낸 신화만이 뮤지컬 드라마의 진정한 시적 기반이 될 수 있다는 점에서 바그너는 민속 전설에서 차용한 전설에 〈플라잉 더치맨〉을 소재로 삼았다. 오페라로 재현 캐릭터 특성특이한 환상적인 사건과 실제 사건이 얽혀있는 로맨틱 '록의 드라마'. Wagner는 Flying Dutchman의 이미지를 인간화하여 Byron의 Manfred와 더 가까워지고 이상에 대한 열정적 인 갈망과 영적 혼란을 부여합니다. 오페라의 음악은 반항적인 로맨스로 가득 차 있으며 행복 추구를 미화합니다. 엄격하고 자랑스러운 음악 창고는 네덜란드 인의 이미지를 특징 짓고 성실한 가사는 삶의 목표가 구속 희생 인 Senta의 이미지를 나타냅니다.

The Flying Dutchman에서 Wagner의 음악 극작술의 개혁주의적 특징이 설명되었습니다. 마음의 상태, 영웅의 심리적 갈등; 개별 완성 된 숫자를 큰 극적인 장면으로 발전시켜 서로 직접 전달합니다. 아리아를 독백이나 이야기로, 듀엣을 대화로 바꾸는 것; leitmotif의 개발이 매우 중요한 오케스트라 부분의 엄청난 역할. 이 작품을 시작으로 바그너의 오페라는 3막으로 구성되며, 각 막은 건축학적으로 완성된 숫자의 가장자리가 "흐리게" 되는 일련의 장면으로 구성됩니다.

The Flying Dutchman의 발라드 음색과 달리 Tannhäuser(1845)의 극작술은 크고 대조적이며 경치가 화려한 터치가 지배적입니다. 이 작품은 바그너가 뛰어난 작곡가로 존경했던 베버의 에우리안타와 연이어 연결된다.

"Tannhäuser"에서는 낭만적 인 "두 세계"라는 주제가 확인되었습니다. 금성 동굴의 관능적 쾌락의 세계와 순례자들이 의인화하는 엄격한 도덕적 의무의 세계입니다. 오페라는 또한 이기심과 이기심을 극복한다는 이름으로 희생적인 위업 인 구속의 개념을 강조합니다. 이러한 아이디어는 Wagner가 열정적이었던 L. Feuerbach 철학의 영향으로 창의성으로 구현되었습니다. 행진, 행렬, 확장 된 장면 덕분에 오페라의 규모가 커졌고 음악의 흐름이 더 자유롭고 역동적이되었습니다.

뮤지컬 극장의 Wagnerian 개혁 원칙은 그의 오페라 Lohengrin에서 가장 조화롭게 구현되었습니다. 그 안에서 저자는 악과의 싸움에서 무적의 정의, 도덕적 완전성의 챔피언 인 성배의 기사를 다루는 다양한 민속 및 기사도 전설의 음모와 이미지를 결합했습니다. 작곡가를 이 전설로 끌어들인 것은 반동적 낭만주의의 특징인 중세에 대한 찬사가 아니라 인간 욕망의 우울함, 진실하고 이타적인 사랑에 대한 갈증, 이룰 수 없는 행복의 꿈. “... 나는 여기에서 진정한 예술가의 비극적 위치를 보여주고 있습니다. 현대 생활...”,-그래서 Wagner는 "Appeal to Friends"에서 인정했습니다. Lohengrin은 그에게 자전적 의미를 가졌습니다. 오페라 주인공의 운명은 자신의 운명에 대한 우화 적 표현으로 그를 위해 봉사했으며 사람들에게 사랑과 친절을 가져다 주지만 이해하지 못하는이 전설적인 기사의 경험은 그의 자신의 경험.

오페라의 음악적이고 극적인 개념은 또한 Weber의 Euryanta와 어느 정도 가깝습니다. Ortrud와 Telramund의 인물에서 밝게 묘사 된 악과기만의 세력은 선과 정의의 밝은 이미지에 반대됩니다. 민속 장면의 역할은 훌륭합니다. 여기에서 Wagner는 앙상블, 대화, 독백 이야기와 같은 장면을 통해 개별 번호를 훨씬 더 일관되게 전환했습니다. 오페라 교향곡의 원리도 심화되고, leitmotif가 더 광범위하고 다양하게 사용되며 그 극적인 의미가 향상됩니다. 그것들은 대조될 뿐만 아니라 상호 침투되며 특히 대화 장면에서 명확하게 보입니다. 중요한 극적인 역할은 오케스트라가 담당하며, 그 부분은 유연하고 미묘하게 전개됩니다. 오페라에서 처음으로 Wagner는 큰 서곡을 거부하고 주인공의 이미지를 구현하는 간단한 소개로 대체하므로 Lohengrin의 leitmotif에만 구축됩니다. 가장 높은 음역에서 바이올린으로만 연주되는 이 주제는 정말 신성해 보입니다. 가장 투명한 사운드, 세련된 하모니, 부드러운 선율 덕분에 천상의 순수함, 선함, 빛의 상징이되었습니다.

표현 수단의 개별 복합물 인 특정 억양 영역으로 오페라의 주인공을 특징 짓는 유사한 방법은 Wagner의 작업에서 매우 중요합니다. 여기에서 그는 또한 대립적일 뿐만 아니라 극적인 상황에 따라 서로 침투하고 영향을 미치는 "leittimbres"를 사용합니다.

1859년 뮤지컬 드라마 "Tristan and Isolde"가 쓰여져 Wagner 작업의 새로운 시대를 열었습니다. 이는 더욱 강렬하고 내부적으로 역동적이며 조화롭고 색채적으로 정교해지는 그의 음악 언어의 추가 진화를 표시했습니다. 이것은 사랑의 영광에 대한 가장 큰 찬송가 인 모든 것을 소비하는 열정의 파괴적인 힘에 대한 웅장한 성악 교향시입니다. 오페라의 음모는 작곡가의 개인적인 동기, 즉 친구의 아내 인 Mathilde Wesendonck에 대한 사랑의 영향을 받았습니다. 만족스럽지 못한 열정은 음악에 반영되었습니다. 이 오페라는 시인 바그너의 가장 독창적인 창작물입니다. 이 오페라는 단순함과 예술적 무결성이 인상적입니다.

음악은 큰 감정적 강렬함이 특징이며 단일 스트림으로 흐릅니다. 또한 합창단, 아리아가 없습니다. 거대한 교차 장면 만 있습니다. Wagner는 사랑(그리움, 기대, 고통, 절망, 희망, 사랑스러운 표정의 leitmotif)이라는 한 감정의 다양한 상태를 표현하는 leitmotif 시스템을 사용합니다. 전체 음악 구조는 이러한 leitmotif의 혼합입니다. 그렇기 때문에 오페라 "Tristan and Isolde"가 가장 비활성 상태입니다. 심리 상태를 식별 할 수있는 더 많은 범위를 제공하기 위해 "이벤트"측면이 최소한으로 줄었습니다. 주변 영웅멀리서 그들의 의식에 도달하는 것처럼 삶. 줄거리가 설명되고 심리적 상태가 배경으로 전송됩니다. 풍경 스케치, 밤의 그림. 지배적 인 상태로서의 심오한 심리학은 혈전처럼 내용이 전달되는 오페라의 오케스트라 소개에 간결하게 설명되어 있습니다. Wagner의 특별한 세련된 하모니 스타일이 여기에서 나타났습니다. 변경된 코드, 움직임을 연장하고 강장제에서 멀어지는 중단된 회전, 안정성, 시퀀스, 변조에서 음조 움직임을 날카롭게 하여 음악에 극도의 긴장을 줍니다. 따라서 "Siegfriedian"과 함께 "Tristanian"시작이 Wagner의 음악에 들어갑니다. 그리고 첫 번째가 Wagner 음악의 객관적이고 민속적인 특징의 심화와 관련이 있다면 두 번째는 주관적이고 미묘한 심리적 순간을 증가시킵니다.

1840년대에 Wagner는 그의 작품에서 특별한 위치를 차지한 오페라 Meistersingers Nuremberg를 고안했습니다. 이 오페라는 1867년에 완성되었습니다. 이 작품은 삶에 대한 즐거운 수용, 사람들의 창조력에 대한 믿음으로 가득 차 있습니다. 내 반대로 미적 신조, Wagner는 신화적인 음모가 아닌 특정 역사적 발전으로 향했습니다. 바그너는 16세기 뉘른베르크 장인들의 매너와 관습을 묘사하면서 그들의 토착 예술에 대한 열렬한 사랑을 보여주고, 삶에 대한 사랑, 정신 건강의 특성을 미화하고, 작곡가가 현대 독일에서 거부한 거짓 학문주의와 속물주의로 반대했습니다. .

이 오페라는 독일 민요를 기반으로 한 순수한 음악이 특징입니다. 여기에서 보컬 요소가 매우 중요합니다. 오페라에는 많은 합창 장면, 역동성, 움직임 및 화려한 표현력으로 가득 찬 앙상블이 있습니다. 바그너는 다른 작품들보다 폭넓게 민요 서두를 사용했는데, 이는 주인공을 특징짓는 데 주도적인 역할을 한다. 로 생각 희가극, "뮤지컬 드라마"와는 장르가 다르지만, 이 오페라는 때때로 철학적 추론의 부차적 동기로 부담됩니다. 그의 기사에서 B. Asafiev는 다음과 같이 썼습니다. “Wagner의 작업 개발에서 오페라 The Meistersingers 작업은 극도로 중요한 단계; 우리는 지금이 세계관과 창조적 위기로부터의 해방의 시대라고 말할 수 있습니다 ...”B. Asafiev, About Opera. 선택된 기사, p. 250

뉘른베르크 마이스터징거를 졸업한 뒤 바그너는 20년 넘게 간헐적으로 하던 일에 복귀했는데, 4개의 오페라로 구성된 4부작 니벨룽겐의 반지였다. "Gold of the Rhine"- 사건의 배경, 신과 사람을 짓누른 저주에 대한 이야기. "Valkyrie"- 주인공 Siegfried의 부모 드라마. "Siegfried"-영웅의 젊음의 사건과 "The Death of the Gods"-불멸을 주장하며 세상의 행복을 위해 목숨을 바친 Siegfried의 죽음. "Nibelung의 반지"의 철학은 Schopenhauer에 가깝고 영웅은 이미 처음부터 파멸했습니다. 음악의 예술적 장점은 위대하고 다재다능합니다. 음악은 자연의 거대한 기본적 힘, 용감한 생각의 영웅주의, 심리적 계시를 구현했습니다. 4부작의 각 부분은 고유한 특징으로 표시됩니다. 오페라 "라인 골드"는 시각적 수단과 동화 속 신화의 해석에서 신선함을 보여줍니다. "Valkyrie"에서는 다채롭고 묘사적인 에피소드가 배경으로 물러납니다. 심리 드라마입니다. 그녀의 음악은 엄청난 극적 힘을 가지고 있으며 영웅주의와 시적인 가사가 포착되어 철학적 성찰 t 자연의 기본적인 힘. 영웅적인 서사시 "Siegfried"는 가장 효과가 적고 대화 적이며 합리적인 대화가 많이 포함되어 있습니다. 동시에이 오페라의 음악에서 영웅적 원칙의 역할은 특히 두려움과 의심을 모르는 밝고 밝은 젊은 영웅의 이미지와 관련이 있으며 성취에 대한 갈증, 용감하고 유치한 신뢰로 가득 차 있습니다. 영웅적 이미지는 회화 적, 회화 적 원리와 밀접한 관련이 있습니다. 신비로운 바스락거리는 소리와 떨리는 목소리, 새 지저귀는 소리로 가득한 숲의 낭만이 다채롭게 구현된다. 비극 "신들의 죽음"은 대조되는 긴장된 사건의 변화로 가득 차 있습니다. 다음은 이전에 만든 이미지의 개발입니다. 4부작의 이전 부분에서와 같이, 교향곡 그림, 그 중 최고는 Siegfried의 죽음을 위한 장례 행진입니다. 4 부작 부분의 장르 방향의 차이로 인해 표현 수단의 다재다능한 사용이 필요했습니다. 그러나 주제주의의 공통성과 그 전개 방식은 4부작의 일부를 하나의 거대한 전체로 굳혔다.

음악은 leitmotifs (tetralogy에 총 100 개 정도 있음) 시스템을 기반으로하며 숫자로 구분되지 않고 (개발을 통해) 거대한 브라스 그룹이있는 웅장한 오케스트라 4 중 구성입니다.

Der Ring des Nibelungen 이후 Wagner는 Solemn Stage Mystery라고 부르는 마지막 뮤지컬 드라마인 Parsifal을 만들기 시작했습니다. 그는 그것을 일종의 종교 의식에 지나지 않으며 결코 청중을 위한 전통적인 오락이 아니라고 생각했으며 심지어 박수를 보내서는 안 된다고 주장했으며 1876년에 개장한 자신의 바이로이트 극장에서만 오페라가 공연되었습니다. . 오페라는 기독교적이고 도덕적인 문제를 발전시킨다. Wagner는 "예술과 종교"라는 기사를 썼습니다. 이 오페라는 오히려 텍스트와 음악이 동반된 살아있는 그림이라고 정의할 수 있습니다. 아티스트의 영감을 주는 선물과 높은 레벨기술은 작곡가가 극적이고 숭고한 음악으로 가득 찬 일련의 에피소드를 만드는 데 도움이 되었습니다. 기사들의 행렬과 만찬 장면, 클링조르의 그림, 자연의 꽃이 그러합니다. 특히 주목할 점은 Wagner의 일반적인 오케스트라 기술이 이 오페라에서 합창 장면의 광범위한 다성적 발전과 결합되었다는 사실입니다.

바그너 오페라의 음악 극작술의 원리. 음악 언어의 특징

Wagner의 작업은 혁명 이전 독일의 사회적 급증 조건에서 구체화되었습니다. 이 세월 동안 모양을 갖추었습니다. 미적 관점뮤지컬 극장을 변형시키는 방법이 설명되었고 이미지와 플롯의 특징적인 원이 결정되었습니다. 근대성에 가까운 생각과 분위기를 강조하기 위해 Wagner는 민속 시적 출처를 무료로 처리하고 현대화했지만 민속시의 중요한 진실을 보존했습니다. 이것은 Wagnerian 드라마투르기의 가장 특징적인 특징 중 하나입니다. 그는 고대 전설과 전설적인 이미지에서 엄청난 비극적 이야기를 발견했기 때문에 그 이미지로 눈을 돌렸습니다. 그는 역사적 과거의 실제 상황에 덜 관심이 있었지만 이와 관련하여 그의 작품의 현실적인 경향이 더 두드러진 The Nuremberg Mastersingers에서 많은 것을 성취했습니다. 우선 바그너는 강렬한 캐릭터들의 감성적인 드라마를 보여주고자 했다. 그는 오페라의 다양한 이미지와 줄거리에서 행복을 위한 투쟁의 현대 서사시를 일관되게 구현했습니다. 운명에 쫓기고 양심에 시달리며 열정적으로 평화를 꿈꾸는 플라잉 더치맨입니다. 이것은 관능적 쾌락과 도덕적이고 가혹한 삶에 대한 모순적인 열정으로 분열된 탄호이저입니다. 이것은 사람들이 이해하지 못하고 거부된 로엔그린입니다.

Wagner의 관점에서 삶의 투쟁은 비극으로 가득 차 있습니다. 모든 곳에서-행복에 대한 고통스러운 탐색, 영웅적인 행동을 성취하려는 욕구, 그러나 그들은 실현되지 않았습니다-거짓말과 속임수, 폭력과 속임수가 얽힌 삶.

Wagner에 따르면 행복에 대한 열정적 인 열망으로 인한 고통으로부터의 구원은 이타적인 사랑에 있습니다. 그것은 인간 원리의 가장 높은 표현입니다.

1940년대의 성숙한 작품을 기점으로 바그너의 모든 오페라는 이데올로기적 공통성과 음악적, 극적 개념의 통일성을 특징으로 한다. 심리적 원리의 강화, 정신 생활 과정의 진실한 전달에 대한 열망은 행동의 지속적인 극적인 발전을 필요로했습니다.

Wagner는 그의 직속 전임자가 독일 음악 Weber는 뮤지컬 및 드라마 장르에서 엔드 투 엔드 개발 원칙을 가장 일관되게 개발했습니다. 별도의 오페라 에피소드, 장면, 심지어 그림까지 그는 자유롭게 발전하는 행동으로 합쳐졌습니다. Wagner는 독백, 대화 및 대규모 교향곡 구성의 형식으로 오페라 표현 수단을 풍부하게 했습니다.

표현력의 중요한 수단 중 하나는 leitmotif 시스템입니다. 모든 성숙한 바그너 오페라에는 악보 구조에 스며드는 25~30개의 라이트모티프가 포함되어 있습니다. 그는 음악적 주제의 발전과 함께 오페라를 작곡하기 시작했다. 예를 들어, "Nibelungen의 반지"의 첫 번째 스케치에는 "The Death of the Gods"의 장례식 행진이 묘사되어 있습니다. 우선, The Meistersingers를 위해 서곡이 작성되었습니다. 그것은 오페라의 주요 주제를 안치했습니다.

Wagner의 창의적인 상상력은 삶의 많은 본질적인 현상이 반영되고 일반화되는 놀라운 아름다움과 가소성의 주제를 발명하는 데 있어 무궁무진합니다. 종종 이러한 주제에는 표현 및 회화 원칙의 유기적 조합이 제공되어 음악적 이미지를 구체화하는 데 도움이됩니다. 1940 년대 오페라에서는 멜로디가 확장됩니다. 주요 테마 이미지에는 현상의 다양한 측면이 설명되어 있습니다. 인기 테마작업 내내 따로 따로 살지 마십시오. 이러한 모티프에는 공통적인 특징이 있으며, 함께 모여 감정의 음영이나 단일 그림의 세부 사항을 표현하는 특정 주제 복합체를 형성합니다. 바그너는 동시에 미묘한 변화, 비교 또는 조합을 통해 서로 다른 주제와 모티프를 결합합니다. "이 주제에 대한 작곡가의 작업은 정말 놀랍습니다."라고 Rimsky-Korsakov는 썼습니다.

그러나 그는 모든 곳에서 성공하지 못했습니다. 때로는 leitmotifs-images와 함께 추상 개념을 표현하는 비인격적인 테마 기호가 발생했습니다. 이것은 특히 바그너의 작품에서 합리성의 특징을 드러낸다.

바그너의 오페라에서 시작되는 보컬의 해석 또한 독창성으로 표시됩니다.

극적 의미에서 표현력이 부족한 피상적인 선율과 씨름하면서 말의 억양과 억양을 성악으로 재현하려고 노력했다. "극적인 멜로디"라고 그는 썼습니다. "시와 언어에서 지원을 찾습니다." 바그너의 숭고한 선언은 19세기 음악에 많은 새로운 것을 가져왔습니다. 이제부터 오페라 선율의 예전 패턴으로 돌아가는 것은 불가능했다. Wagner의 오페라 공연자 인 가수들 앞에서 전례없는 새로운 창의적인 작업이 발생했습니다. 그러나 추상적인 사변적 개념에 입각하여 때로는 일방적으로 가창적 요소를 강조하여 가창적 요소를 해치고, 성악적 원리의 발전을 교향곡적 발전에 종속시켰다.

물론 Wagner 오페라의 많은 페이지는 최고의 표현력을 전달하는 온혈의 다양한 성악 멜로디로 가득 차 있습니다. 40 년대의 오페라는 그러한 선율이 풍부하며 그중 The Flying Dutchman은 민요 음악 창고로, Lohengrin은 선율과 마음의 따뜻함으로 눈에 띕니다. 그러나 후속 작품, 특히 "Valkyrie"와 "Meistersinger"에서는 보컬 부분에 훌륭한 콘텐츠가 부여되어 획득합니다. 선행 가치. 그러나 보컬 부분이 과장된 화려한 창고를 얻거나 반대로 오케스트라 부분에 대한 선택적 부속 장치의 역할로 강등되는 악보 페이지도 있습니다. 성악과 기악 원칙 사이의 예술적 균형에 대한 그러한 위반은 Wagnerian 음악 극작술의 내부 불일치의 특징입니다.

그의 작품에서 프로그래밍 원칙을 일관되게 확인한 바그너의 심포니스트로서의 업적은 논쟁의 여지가 없습니다. Rimsky-Korsakov에 따르면 그의 서곡과 관현악 도입부, 심포니 인터미션, 수많은 그림은 "순수 음악을 위한 가장 풍부한 자료"라고 합니다. 차이코프스키는 바그너의 교향곡을 "전례 없이 아름다운 악기", "놀라울 정도로 풍부한 조화와 다성적 구조"로 높이 평가했습니다. V. Stasov는 Wagner의 오페라 작품을 여러 가지로 비난했던 Tchaikovsky 또는 Rimsky-Korsakov와 마찬가지로 그의 오케스트라가“새롭고 풍부하며 종종 색채,시 및 가장 강하고 매력적이지만 가장 부드럽습니다. 그리고 감각적으로 매력적인 컬러들 .. .".

이미 초기 작품 40년대에 Wagner는 오케스트라 사운드의 탁월함, 충만함 및 풍부함을 달성했습니다. 삼중 구성을 도입했습니다 ( "Nibelung의 반지"-4 중); 특히 고음역을 희생시키면서 현의 범위를 더 광범위하게 사용했습니다 (그가 가장 좋아하는 기술은 현 분할의 높은 코드 배열입니다). 금관 악기에 선율적인 목적을 부여했습니다(Tannhäuser 서곡의 재현에서 세 개의 트럼펫과 세 개의 트롬본의 강력한 조화, 또는 Ride of the Valkyries 및 Incantations of Fire 등에서 현의 움직이는 조화 배경에 대한 금관 조화 등). . 오케스트라의 세 가지 주요 그룹(현악기, 나무, 구리)의 사운드를 혼합하여 Wagner는 심포닉 패브릭의 유연한 플라스틱 가변성을 달성했습니다. 높은 대위법 기술이 그를 도왔습니다. 더욱이 그의 오케스트라는 다채로울 뿐만 아니라 극적 감정과 상황의 전개에 민감하게 반응하는 특징이 있다.

바그너는 하모니 분야의 혁신가이기도 합니다. 가장 강력한 표현 효과를 찾기 위해 그는 대담하고 특별한 변조를 사용하여 "다층"다성 음색 질감을 생성하는 색채, 변경, 복잡한 코드 콤플렉스로 포화시켜 음악적 연설의 강도를 높였습니다. 이러한 탐색은 때때로 스타일의 절묘한 강렬함을 불러일으켰지만 결코 예술적으로 정당하지 않은 실험의 성격을 얻지는 못했습니다. 바그너는 근거 없는 대담에 반대했고, 깊은 인간적 감정과 생각을 진실되게 표현하기 위해 싸웠으며, 이 점에서 독일 음악의 진보적 전통과의 연결을 유지하여 가장 두드러진 대표자 중 하나가 되었습니다. 그러나 그 길고도 어려운 삶예술에서 그는 때때로 올바른 길에서 벗어난 잘못된 생각에 사로 잡혔습니다.

바그너 오페라 개혁의 정수

Wagner는 일반적인 전통 오페라와 크게 다른 뮤지컬 드라마의 창작자로서 오페라 예술의 개혁가로 음악사에 입문했습니다. 지칠 줄 모르는 에너지와 대의가 옳다는 광적인 확신을 가지고 바그너는 자신의 예술적 사상을 실행에 옮기는 동시에 동시대 이탈리아와 프랑스 오페라를 장악한 오페라 루틴과의 투쟁을 벌였습니다. Wagner는 극적인 의미를 고려하지 않은 가수의 독재, 당시 많은 이탈리아 오페라의 공허한 성악 기교, 오케스트라의 비참한 역할에 반항했습니다. 그는 또한 "위대한" 프랑스(Meyerbeer) 오페라에서 외부 효과가 쌓이는 것에 반대했습니다. 이탈리아와 프랑스 오페라에 대한 바그너의 비판은 상당히 일방적이고 불공평했지만, 가수의 요구와 부르주아-귀족 대중의 값싼 취향에 대한 많은 작곡가의 비굴함과 함께 오페라 루틴에 대한 그의 투쟁에서 그는 옳았습니다. 무엇보다 바그너는 독일군을 위한 투쟁을 이끌었다. 국가 예술. 그러나 여러 가지 복합적인 객관적, 주관적 사유로 인해 바그너는 정반대의 극단에 이르렀다. 음악과 드라마의 유기적 합성을 위해 노력하면서 그는 잘못된 이상주의적 관점에서 출발했다. 따라서 그의 가극 개혁, 그의 뮤지컬 드라마 이론에는 취약한 부분이 많았다. 에서 보컬 영역의 지배에 대한 싸움을 주도 이탈리아 오페라, Wagner는 악기 교향곡의 엄청난 우세에 이르렀습니다. 많은 가수들은 오케스트라의 웅장한 교향곡에 중첩된 표현적인 암송 암송으로 종종 남습니다. 서정적 영감이 큰 순간(예: 사랑 장면)과 노래에서만 보컬 부분이 선율이 됩니다. 바그너의 개혁주의 사상이 이미 충분히 구현된 로엔그린 이후의 오페라를 가리킨다. Wagner의 오페라는 아름답고 매우 아름다운 프로그램 교향곡 페이지로 가득 차 있습니다. 자연의 다양한 시적 그림, 인간의 열정, 사랑의 엑스터시, 영웅의 착취-이 모든 것이 놀라운 표현력으로 Wagner의 음악에 구현됩니다.

그러나 나름의 역사적 패턴과 삶의 전통을 지닌 뮤지컬 극장의 요건이라는 관점에서 볼 때 바그너의 후기 오페라는 스테이지 액션음악적, 교향적 요소에 희생되었습니다. 예외는 Meistersingers입니다.

P. I. 차이코프스키는 이 기회에 다음과 같이 썼습니다. 훌륭하지만 시끄러운 오케스트레이션 뒤에는 오케스트라에 인위적으로 붙은 프레이즈를 연주하는 가수가 전혀 들리지 않습니다.

오페라가 성악과 교향곡의 웅장한 극화 프로그램으로 변모한 것은 바그너의 오페라 개혁의 결과이다. 물론 바그너 이후의 오페라는 이 길을 따르지 않았다. 바그너의 오페라 개혁은 바그너가 고인이 된 독일 낭만주의의 복잡한 모순과 위기를 가장 두드러지게 표현한 것으로 판명되었습니다.

따라서 Wagner의 오페라 개혁은 오페라 장르의 자연스러운 특성을 부정하는 뮤지컬 극장의 위기입니다. 그러나 바그너의 음악은 예술적 힘과 표현력 면에서 진정으로 지속적인 의미를 지닌다. A. N. Serov는 이렇게 썼습니다. 미지의 무한한 지평을 여는 무언가가 시적으로 멀리 떨어져 있습니다. 저명한 음악가이자 작곡가인 Ernst Hermann Mayer는 이렇게 썼습니다. “Wagner는 우리에게 풍부한 유산을 남겼습니다. 이 뛰어난 (논란의 여지가 많은) 예술가의 최고의 작품은 국가적 영웅주의 이미지의 고귀함과 힘, 영감을 얻은 표현의 열정, 뛰어난 기술로 마음을 사로 잡습니다. 실제로 바그너의 예술은 국가적이며 독일의 국가 전통과 유기적으로 연결되어 있습니다. 예술 문화, 특히 베토벤, 베버, 독일 민속시와 민속 음악의 전통과 함께.

음악 문화 오페라 바그너

결론

바그너의 음악적, 극적 형식은 작곡가 특유의 이데올로기적, 미학적 열망의 결과로 발생합니다. 그러나 뮤지컬 드라마는 미리 준비된 그라운드 위에서만 실현될 수 있었다. Wagner 예술의 참신함을 정의하는 많은 기능 (교향곡, leitmotif 기술, 숫자 간의 엄격한 경계 파괴, 단일 악장으로 스며드는 확대 된 본질적으로 다중 장르 장면으로 오페라 형식의 통합 포함)이 준비되었습니다. 그럼에도 불구하고 Wagner의 뮤지컬 드라마는이 장르의 가능성에 대한 차세대 작곡가의 생각을 바꾼 근본적으로 새로운 현상입니다. 음악과 드라마 작업이 철학과 직접적으로 연결되어 있다는 것은 그와 함께합니다.

Wagner는 작곡가로서뿐만 아니라 많은 책과 기사의 저자 인 이론가로서 그의 원칙의 승리를 위해 싸웠습니다. 그의 견해와 작업은 열정적인 토론을 불러일으켰습니다. 그는 열렬한 지지자와 치열한 상대를 가졌습니다. 뮤지컬 드라마에 대한 그의 개념에는 어떤 일면성이 있었습니다. 교향곡 발전의 통일성 원리를 오페라 음악에 도입하려는 노력에서 작곡가는 오페라 예술의 발전 그러나 동시에 그는 뮤지컬 드라마에 대한 자신의 생각에 부정적인 태도를 가진 작곡가들까지도 유럽 오페라 음악의 전체 발전에 영향을 미치는 작품을 썼습니다. 바그너와 그의 추종자들의 오페라 예술은 19세기 독일 뮤지컬 극장의 마지막 페이지이다.

서지:

1. Asafiev B., Wagner 오페라 작품의 "Meistersingers". // 오페라에 대해. 선택된 기사. 엘., 1985

2. Wagner R., 오페라와 드라마. // 선택한 작품. M., 1978

3. Wagner R., 오페라의 목적에 관하여. // 선택한 작품. M., 1978

4. Gurevich E.L., 외국 음악의 역사. M., 2000

5. Druskin M., 외국 음악의 역사. 문제. 4M., 1983

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Richard Wagner (1813 -1883) - 가장 저명한 독일 작곡가 중 한 명으로 천재적인 재능을 가진 음악가로 유럽 음악 예술사에서 가장 깊은 흔적을 남겼습니다. 포스트 베토벤 시대의 독일 음악에는 바그너와 같이 대담하고 대담하고 혁신적인 아이디어를 구현하기 위해 투쟁하는 인내를 가진 작곡가가 없었다고 말할 수도 있습니다. 동시에 세계 음악 예술의 역사에서 바그너보다 더 논란이 많은 창의적인 인물은 거의 없습니다. 바그너의 모순은 발전의 후기 단계에 접어든 독일 낭만주의의 모순을 반영했다.

Wagner와 그의 뮤지컬 드라마 주변에서 치열한 투쟁이 벌어졌습니다. 한편으로 바그너는 음악가로서 뿐만 아니라 시인-극작가, 사상가, 철학자-예술 이론가로서 그 앞에 완전히 절하고 바그너만이 진정한 길을 따라 예술을 이끌었다고 믿었던 수많은 지지자들이 있었습니다. ; 반면에 그의 오페라 개혁주의 아이디어를 공유하지 않았을뿐만 아니라 작곡가로서의 그의 재능을 부인하는 바그너의 반대자들도 부족하지 않았습니다. 물론 둘 다 틀렸다. 가장 정확한 위치는 Wagner의 천재적인 재능과 기술에 경의를 표하고 그의 음악을 감상하면서 Wagner의 이념적, 예술적 모순을보고 원칙적으로 그의 세계관과 창의성에 대한 망상을 비판하는 사람들이 차지했습니다.

Wagner는 일반적인 전통 오페라와 크게 다른 뮤지컬 드라마의 창작자로서 오페라 예술의 개혁가로 음악사에 입문했습니다. 지칠 줄 모르는 에너지와 대의가 옳다는 광신적 신념을 가지고 바그너는 자신의 예술적 사상을 실행에 옮기는 동시에 현대 이탈리아와 프랑스 오페라를 장악한 오페라 루틴과의 투쟁을 벌였습니다. Wagner는 극적인 의미를 고려하지 않은 가수의 독재, 당시 많은 이탈리아 오페라의 공허한 성악 기교, 오케스트라의 비참한 역할에 반항했습니다. 그는 또한 "위대한" 프랑스(Meyerbeer) 오페라에서 외부 효과가 쌓이는 것에 반대했습니다. 이탈리아와 프랑스 오페라에 대한 바그너의 비판은 상당히 일방적이고 불공평했지만, 가수들의 요구와 부르주아-귀족 대중의 천박한 취향에 대한 많은 작곡가들의 비굴함과 함께 오페라 루틴에 대한 그의 투쟁에서 그는 옳았다. 우선 Wagner는 독일 민족 예술을 위해 싸웠습니다. 그러나 여러 가지 복합적인 객관적, 주관적 사유로 인해 바그너는 정반대의 극단에 이르렀다. 음악과 드라마의 유기적 합성을 위해 노력하면서 그는 잘못된 이상주의적 관점에서 출발했다. 따라서 그의 가극 개혁, 그의 뮤지컬 드라마 이론에는 취약한 부분이 많았다. 바그너는 이탈리아 오페라에서 성악의 우세에 맞서 투쟁하면서 기악-교향악의 엄청난 우세에 이르렀다. 많은 가수들은 오케스트라의 웅장한 교향곡에 중첩된 표현적인 암송 암송으로 종종 남습니다. 서정적 영감이 큰 순간(예: 사랑 장면)과 노래에서만 보컬 부분이 선율이 됩니다.

Wagner의 오페라는 아름답고 매우 아름다운 프로그램 교향곡 페이지로 가득 차 있습니다. 자연의 다양한 시적 그림, 인간의 열정, 사랑의 엑스터시, 영웅의 착취-이 모든 것이 놀라운 표현력으로 Wagner의 음악에 구현됩니다. 그의 미완성 작품 "Wagner and Dargomyzhsky"에서 Rimsky-Korsakov는 다음과 같이 썼습니다. Valkyries의 그의 비행, 곰의 입구, 칼의 위조, 숲의 바스락 거리는 소리, 폭풍우의 울부 짖음, 라인강의 딸들의 튀는 소리, Nibelungen의 황금빛 빛, 사냥 용 뿔 무대 뒤에서 연주하는 양치기 등 가소성과 훌륭하고 비교할 수없는 오케스트레이션.

Richard Wagner는 1813년 5월 22일 라이프치히에서 경찰관의 가족 사이에서 태어났습니다. 출생 몇 달 후 그의 아버지는 세상을 떠났고 그의 어머니는 곧 배우 Ludwig Geyer와 결혼했습니다. 후자는 가족을 드레스덴으로 옮겨 그곳에서 일했습니다. 드라마 극장. 이미 어린 시절에 Little Richard는 극작가로서의 미래 경력 전체에 영향을 미치는 무대 뒤에서 극장 생활에 관여하는 극장 분위기에 둘러싸여 있었고 오페라 작곡가. Wagner는 문학,시, 연극 및 고대 세계의 역사를 매우 좋아했습니다. 호머와 셰익스피어는 그의 우상이었습니다. 셰익스피어의 비극의 영향으로 14-15세에 그는 극적 창의성에 대한 Wagner의 초기 성향을 나타내는 대규모 5막 비극 Leibald와 Adelaide를 썼습니다.

오페라 플라잉 더치맨, 탄호이저, 로엔그린.

"스위스 망명"의 해. 4부작 "니벨룽의 반지" 작업 시작. 오페라 트리스탄과 이졸데. 삶과 창의성의 마지막 바이로이트 시대. 오페라 파르지팔.

Wagner의 이론 작품("예술과 혁명", "미래의 예술 작품", "오페라와 드라마").

"오페라와 드라마".바그너의 가장 위대한 철학적, 미학적 작품은 오페라와 드라마입니다. Wagner가 그의 뮤지컬 드라마라고 불렀던 것처럼 "미래의 드라마"에서 예술의 종합에 대한 아이디어를 발전시키고 심화시킵니다. 이 책의 주요 내용은 다음과 같이 요약된다: 오페라의 오류는 오페라에서 표현의 수단이 되어야 할 음악이 목표가 되었고, 목표가 되어야 할 드라마가 수단이 되었다는 것이다. . 따라서 역사적 발전의 오페라는 일련의 아리아, 듀엣, 드라마를 작은 부분으로 찢는 춤으로 바뀌고 무의미한 (극적 의미에서) 멜로디로 넘쳐나고 지루한 청중을 즐겁게하는 수단이되었습니다. 바그너는 특히 이 점에서 이탈리아 오페라(로시니)와 프랑스 오페라(오베르와 마이어베어)를 비판한다.

또한 Wagner는 다음과 같이 주장합니다. 시만으로는 완벽한 드라마가 될 수 없습니다. 음악과 동맹을 맺어야 합니다. 그러나 모든 시, 즉 모든 논리적 플롯이 음악과 결합될 수 있는 것은 아닙니다. 뮤지컬 드라마의 시적 기반은 민속 환상이 만들어낸 신화입니다. Wagner는 신화가 역사의 시작이자 끝이라고 말합니다. 모든 우연을 배제하고 영원과 불멸을 표현하므로 음악과 가장 완전하고 유기적으로 결합됩니다.

Wagner의 이론에 따르면 음악과 극적 시가 하나의 전체로 합쳐지는 예술 작품은 더 이상 오래된 의미의 오페라가 아닙니다. 그것은 미래의 예술이 될 것입니다. Wagner에 따르면 음악적 및 극적인 행동이 개별 숫자에 의해 중단되지 않고 연속적인 흐름이 될 미래의 드라마에서 주요 표현 수단은 오케스트라 여야합니다. 오케스트라는 단어가 표현할 수없는 것을 표현하도록 요청 받았습니다. 제스처를 심화하고 명확하게하고, 드라마 영웅의 경험과 열정의 내면 세계를 조명하고, 시청자에게 미래의 행동을 예고합니다. 교향악단 구조의 선율 내용은 드라마의 배우, 자연 현상, 사물을 특징짓는 모티프(소위 라이트모티프라고 하지만 바그너 자신은 "라이트모티프"라는 용어를 사용하지 않음)가 여러 번 반복되고 되돌아오는 모티프로 구성되어야 합니다. , 인간의 열정. 교대, 변형, 수많은 짧은 라이트 모티프의 동시 조합을 기반으로 한 이러한 지속적인 교향곡 발전은 소위 "끝없는 선율"을 구성합니다.

바그너 오케스트라뮤지컬에서 가장 위대한 업적 중 하나를 나타냅니다. 예술 XIX세기. 타고난 심포니스트인 바그너는 오케스트라의 표현력과 시각적 가능성을 크게 확장하고 풍부하게 했습니다. 그 소리는 가장 귀가 먹먹한 포르티시모에서도 눈에 띄는 아름다움, 풍부한 색상, 음색의 다양성 및 벨벳 같은 부드러움으로 구별됩니다. 바그너 뮤지컬 드라마의 오케스트라는 특히 브라스 그룹의 증가로 인해 당시 일반적인 오페라 오케스트라의 구성을 훨씬 능가합니다. 최대 캐스트오케스트라 - 4 부작의 장대 한 디자인에 해당하는 "Ring of the Nibelung"에서; Wagner는 여기에서 오케스트라의 4중 구성을 사용하고 특별히 고안된 튜바("Wagner tubas"라고 함)의 4중주, 베이스 트럼펫, 콘트라베이스 트롬본, 8개의 호른, 6개의 하프를 도입하고 이에 따라 현 그룹을 늘립니다. 구성에서 전례가 없는 이 오페라 오케스트라의 각 그룹은 바그너가 광범위하고 다양하며 훌륭하게 사용하는 매우 광범위하고 표현 가능성이 풍부한 독립적인 내부 "오케스트라의 오케스트라"를 구성합니다. 일반적으로 하나 또는 다른 leitmotif는 항상 이 leitmotif의 극적인 기능과 주어진 특정 극적인 상황과 관련된 특정, 다소 일정한 음색을 받습니다. 따라서 오케스트라의 울림은 뮤지컬-드라마 전체에서 능동적 요소입니다.

그러나 나름의 역사적 패턴과 삶의 전통을 지닌 뮤지컬 극장의 요건이라는 관점에서 볼 때, 바그너의 후기 오페라에서는 무대 액션이 음악적, 교향적 요소에 희생되었다. 예외는 Meistersingers입니다.

따라서 Wagner의 오페라 개혁은 오페라 장르의 자연스러운 특성을 부정하는 뮤지컬 극장의 위기입니다. 그러나 바그너의 음악은 예술적 힘과 표현력 면에서 진정으로 지속적인 의미를 지닌다. A. N. Serov는 이렇게 썼습니다. “음악의 모든 아름다움에 귀머거리 여야합니다. 오케스트라는 그의 음악에서 예술의 새로운 것, 시적으로 먼 곳으로 데려가 미지의 무한한 지평을 여는 것의 숨결을 느끼지 않습니다. 저명한 음악가이자 작곡가인 Ernst Hermann Mayer는 이렇게 썼습니다. “Wagner는 우리에게 풍부한 유산을 남겼습니다. 이 뛰어난 (논란의 여지가 많은) 예술가의 최고의 작품은 국가적 영웅주의 이미지의 고귀함과 힘, 영감을 얻은 표현의 열정, 뛰어난 기술로 마음을 사로 잡습니다. 실제로 바그너의 예술은 독일 예술 문화의 국가적 전통, 특히 베토벤, 베버 및 독일 민속시 및 민속 음악 창작의 전통과 국가적으로 유기적으로 깊이 연결되어 있습니다.

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