렌스키의 마지막 아리아 분석. Lensky의 아리아 - 블로그에서 가장 흥미로운 것

인류의 황금 기금을 구성하는 오페라가 있습니다. 그 중 "Eugene Onegin"이 첫 번째 장소 중 하나입니다.

우리는 가장 위대한 아리아 중 하나를 선택하여 다른 가수들이 어떻게 연주하는지 들어볼 것입니다.

오페라 Eugene Onegin은 1877년 5월(모스크바)-1878년 2월 San Remo에서 Pyotr Ilyich Tchaikovsky가 작곡했습니다. 작곡가는 Kamenka에서도 작업했습니다. 1877 년 5 월 가수 E. A. Lavrovskaya는 작곡가에게 Pushkin의 "Eugene Onegin"의 음모를 바탕으로 오페라를 쓸 것을 제안했습니다. 차이코프스키는 곧 제안을 받아들여 하룻밤 만에 대본을 쓰고 음악을 잡았다. Tchaikovsky는 작곡가 S. I. Taneyev에게 보낸 편지에서 다음과 같이 썼습니다. 1879 년 3 월 17 일 (29) Maly Theatre에서 모스크바 음악원 학생들, 지휘자 N. G. Rubinstein, Lensky의 일부인 M. E. Medvedev가 첫 공연을했습니다. 1881년 1월 11일(23) 모스크바 볼쇼이 극장에서 공연(지휘자 E.-M. Beviniani).

1999 년 Baskov는 Lensky의 볼쇼이 극장 "Eugene Onegin"복원 공연에서 노래를 불렀습니다. 다음은 신문이 이 행사에 대해 쓴 내용입니다. 무대 - 작고 외로운 그는 몸짓, 표정, 경험 많은 파트너와의 무대 경쟁이 필요하지 않습니다.여기서 그의 목소리와 그의 서정적 영혼. 그리고 "브라보!" clackers, "에서 Jester의 대사를 기억하지 못합니다. 로얄 게임"TVC에서 ( "멋지다!") 볼쇼이 극장에서 치명적인 결투를하기 전에 겨울 "푸쉬킨의"검은 강을 배경으로 매력적인 젊은 테너에 대한 우리의 부드러운 추억을 더 이상 가리지 않을 것입니다 ... "그러나 다른 진술이있었습니다 . Baskov의 혈통은이 역할로 시작되었습니다. 먼저 그의 말을 듣고 러시아의 오페라 무대에서 Basques가 어떻게 불필요한 것으로 밝혀 졌는지 알아 봅시다.

바스크인들은 어떻게 그런 삶을 살게 되었습니까? 1999년 Spiegel은 우리 주의 의장인 G. Seleznev에 의해 Baskov에게 소개되었습니다. 두마.

Baskov 자신은 "... 사실 내 경력은 그 (Seleznev) 덕분에 시작되었습니다. 작곡가 인 Alexander Morozov는 군 병원에서 내 말을 듣고 클래식 한 목소리를 가진 가수가 그의 노래를 불러야한다고 결정했습니다. 우리는 시작했습니다. 뭔가를 시도하고 난 극장에서 공연 소련군, Gennady Seleznev와 나의 미래 프로듀서 Boris Shpigel이 있었던 곳. 그런 다음 Gennady Nikolayevich의 요청에 따라 Boris Isaakovich는 내 창의적인 경력을 쌓기로 결정했습니다.

Spiegel의 딸 Svetlana는 Basques를 좋아했으며 2000 년에는 볼쇼이 극장에서 B. Pokrovsky가 복원 한 차이코프스키의 오페라 "Eugene Onegin"에 대한 호기심 많은 리뷰 시리즈가 나타났습니다.

그 중 하나에서 Kommersant 신문은 "그들은 Pyotr Williams의 풍경에서 1944년의 작품을 복원했습니다. 이 작품에서 Lemeshev와 Kozlovsky는 1944년에 유명해졌습니다. 오늘날 볼쇼이 극장의 연습생 Nikolai Baskov는 박스 오피스 팝 가수, Lensky의 일부를 불렀습니다.

풍경은 복원되었지만 음악적인 부분을 같은 수준으로 복원하는 것이 더 어려웠습니다. Nikolai Baskov는 Lemeshev가 앉아 있던 것과 같은 위치와 같은 옷을 입고 앉아 있지만 유사성은 거기서 끝납니다. ~에 젊은 가수좋은 보컬 소재와 뚜렷한 딕션이 있지만 마이크를 사용한 공연으로 대체 할 수없는 학교가 충분하지 않습니다. 그의 동료들은 노래를 더 잘하거나 더 못하지 않게 합니다. 모든 사람은 기본적인 정확성, 밝기, 광채, 연기 에너지가 부족합니다. 예외는 흠 잡을 데없는 Hayk Martirosyan의 Gremin입니다. 숙련 된 지휘자 Mark Ermler는 매우 일관성없는 방식으로 오페라를 이끌고 있습니다. 그는 오케스트라의 음파를 한계까지 제거하거나 가수를 익사시킵니다. 뜨개질의 속도와 대조가 너무 솔직합니다.

시즌 첫 세미 프리미어 인 "유진 오네긴"은 전적으로 전 리더십의 장점 부서에 따라 진행됩니다. 9월에 극장의 예술 감독이 된 Gennady Rozhdestvensky는 시즌 계획에서 이 작품을 삭제하지 않았습니다. 이것은 "Onegin"이 계속되어 눈을 즐겁게하고 귀를 화나게 할 것임을 의미합니다. 수준 오페라단곧 될 것이다 주요 문제국내 첫 무대의 새로운 주인"

메모 제목은 "오네긴의 드레스가 수리되었지만 목소리를 낼 수 없었습니다."

"그 전에는 건축 연구소에서 조금 공부했습니다. 준비 과정에서 그게 다입니다 ..."

러시아 아카데미 졸업 연극 예술(GITIS), 연출 전공.

“오페라와는 인연이 없었어요. 저도 아니고 부모님도 아닙니다. 그러나 우연히 이미 1980 년대 초에 의식이있는 나이에 나는 계속해서 오페라 공연에갔습니다. 그리고 분명히 그것은 어떻게 든 나에게 입금되었습니다.

2006년 볼쇼이 극장에서 체르냐코프가 상연한 차이콥스키의 오페라 유진 오네긴의 초연은 큰 스캔들을 일으켰다. 가수 Galina Vishnevskaya는이 작품에 분노했고 그녀가 Onegin에서 처음 노래를 불렀던 볼쇼이 극장에서 80 번째 생일을 축하하기를 거부했습니다.

Nikolai Baskov의 예를 사용하여 다음을 확인했습니다.

오늘의 오페라 세계종종 잔인하고 불공평합니다. 특히 영향력 있는 후원자 없이 침입하는 것은 거의 불가능합니다. 여기서 보컬 데이터만으로는 충분하지 않습니다. 당신은 좋은 몸매와 외모를 가지고 있어야 하며 동시에 강인한 성격과 큰 의지력을 가지고 있어야 합니다.

그리고 2000년 L. Kazarnovskaya(Weber의 Phantom of the Opera)와 함께 Basque가 어떻게 잘 시작되었는지!

훌륭하게 바스크는 2008년 그리스 팔리아치 오페라에서 카니오의 아리아를 불렀다. (우리는 쇼에서만 그를 광대로 인식합니다)

Baskov가 저속함에 저항 할 충분한 의지력이 있다면 내가 가장 좋아하는 Musikverein 홀에서 비엔나에서 한 번 이상 노래를 부를 것입니다

Baskov가 TV 쇼 "Marriage Agency"의 호스트가 된 후 그는 결코 저속함에서 벗어나지 않을 것입니다. 그리고 그는 절대 이 큰 홀에서 노래를 불러서는 안 됩니다. 인간은 얼마나 나약한가!

그러나 그는 볼쇼이 극장 무대에서 유진 오네긴의 가장 색다른 작품을 모스크바로 가져 왔습니다. 라트비아 국립 오페라 하우스. 하지만 괜찮습니다. 라트비아인들은 항상 러시아의 모든 것을 싫어했습니다. 음, 그들은 차이코프스키의 걸작을 현대적인 방식으로 바꿨습니다.

문화 대신 ... 정치 할 때 사는 것이 역겹다! -유머 작가 M. Zadornov는 그의 블로그에 썼습니다. , 이 LNO 생산에 대해 이야기합니다.

볼쇼이 극장 무대에서 차이코프스키의 오페라를 현대적으로 해석한 것은 검증된 움직임입니다. Dmitry Chernyakov"의 "Eugene Onegin" 제작은 이미 7년째 매진되었습니다. 리가의 라트비아어 버전은 그다지 인기가 없으며 발트해 연안 전역에서 온 사람들이 그것을 보러 옵니다. 그다지 독창적이지 않습니다: Evgeny가 간다 패션 프레젠테이션에 대해 Tatiana는 블로그를 유지합니다.주인공은 테이블이고 라트비아 시노그래피의 주요 이미지는 테이블, 나무 플랫폼 또는 전장이 될 수 있는 거대한 변형 침대입니다. Onegin과 Lensky의 만남이 펼쳐집니다." 사람은 인생의 상당 부분을 침대에서 보낸다고 감독은 설명했다. - 그곳에서 그들은 아이를 잉태하고, 출산하고, 잠을 자고, 좋은 꿈과 나쁜 꿈을 봅니다. 이곳은 기쁨의 장소이지만 동시에 외로움의 장소입니다. 그리고 그곳은 죽음의 장소이기도 하다. 우리 "Onegin"의 침대는 상징적 이미지입니다.". LNO의 책임자인 Andrejs Žagaris는 말합니다. 흥미로운 성격의 그는 영화 배우이자 기업가였으며 지금은 오페라 공연의 감독이 되었습니다.

흥미롭게도 Mikhailovsky Theatre는 이제 "바나나 왕"Kekhman이 운영합니다. 극장, 대학, 나노기술, 의학은 이제 관리자의 손에 있습니다. 그들은 우리 문화를 어디로 가져갈 것인가?

라트비아어 버전의 감독에 따르면 안드레이스 자가르스, 50 년 안에 볼쇼이 극장 오네긴 무대에 최신 전화기를 손에 들고 등장하는 모습은 아주 자연 스러울 것입니다. 이것은 "러시아 생활 백과 사전"의 다른 페이지가 넘겨 졌음을 의미합니다. (러시아 문화가 조금이라도 내려가면 좋을 텐데 - Andrejs는 그것을 의미했습니다) 그의 "Eugene Onegin"은 21세기에 살고 있지만 그는 19세기와 같은 것을 경험하고 있습니다. “우리는 지금 살고 있는 Tatyana와 Onegin에 대해 이야기하고 있습니다. 사회에는 부모가 물질적 환경을 조성하여 사람이 미국 런던, 파리 어딘가에서 공부할 수 있도록 그곳에서 자신을 깨닫지 못하고 돌아온 Onegin의 이미지가 있다고 생각합니다.”라고 감독은 설명합니다.

공연 스태프는 리가의 Onegin에서 절대적으로 훌륭합니다. 리가 극장의 첫 번째 작품 중 하나에서 Tatyana는 아제르바이잔의 스타 Dinara Aliyeva가 불렀습니다.

아티스트가 연주하는 전체 오페라를 들을 수 있습니다. 라트비아 국립 오페라그런 다음 이야기하겠습니다.

매우 흥미로운 출연진이 리가에서 모스크바로 데려 왔습니다. 메트로폴리탄 오페라에 성공적으로 데뷔한 세계적인 스타 크리스티나 오폴라이스(Christina Opolais)가 타티아나 역을 맡는다. 제목 부분 - 젊은 라트비아 가수 Janis Apeinis. Lensky는 체코의 테너인 Pavel Chernokh가 부른 곡으로, 그의 국제적 경력은 최근 몇 년 동안 점점 더 인상적이게 되었습니다. Olga의 역할은 폴란드 가수 Małgorzata Panko가 담당합니다.

이 공연은 뉴 리가 극장의 무대에서 탄생했으며, 알비스 헤르마니스"셰익스피어는 나에게 전혀 권위가 없습니다. 그는 본능 수준에서 인간 본성의 발현에만 관심이 있습니다. 그는 세 개의 하위 차크라 위로 올라가지 않습니다. 복수, 부러움, 죽이기-사랑 - 모든 것이 동물적 본능과 관련되어 있습니다. 이야기는 무엇입니까? 소년의 어머니가 결혼했다면 왜 20분 안에 친척을 죽이기 시작합니까? 또는 "오델로"? 모두 "가정 범죄"라고 합니다. 말이 됩니다. 감옥 드라마 클럽에서 그에 대한 공연을 하기 위해. 아마도 이 연극들은 문제가 생겼을 때 캐릭터들이 서로 목을 졸라 죽이고 죽이는 것입니다. 보통 사람들은 그렇게 행동하지 않습니다. 나는 그들의 행동의 논리를 이해하지 못합니다. 완전히 나에게 외계인." 그렇다면 왜 고전을 취하고 파괴합니까? 이 사람들은 문화에서 어떤 목표를 추구합니까? Alvis Hermanis "Onegin"의 공연에서 이것은 푸쉬킨의 운문 소설의 고전적이고 혁신적인 제작이 아니라 대좌에서 위대한 고전을 전복시키는 아이러니 한 스케치입니다. Alexander Sergeevich는 구레나룻을 가진 성적으로 불안한 영장류로 나타납니다. 그러나 아무도 푸쉬킨의시를 잠식하지 않았습니다. 그들은 라트비아 극장에서 러시아어로 들립니다. 모두 무해한 것은 아닙니다! Alvis Hermanis는 도발의 달인입니다. 그는 좀약 극장이 혐오스러운 시청자를 위해 일합니다. 대담하고 아이러니하며 종종 실망스러운 해석-이것이이 극장에서 작동하는 방식입니다. 왜 새롭다고 할까요? 고전에 대한 학문적 독서는 여기서 의문의 여지가 없다는 것이 분명합니다. 라트비아의 연극 평론가 Harry Gailit은 Hermanis의 연극에 대한 평론에서 그것이 러시아인의 패러디라고 썼습니다. 예, 러시아 문화를 만지지 마십시오.

2007년 7월 29일(초연 당일) 또 다른 불결한 축제가 잘츠부르크에서 열렸습니다. 유진 오네긴이었습니다. 출연: Onegin - Peter Mattei Tatiana - Anna Samuil Lensky - Josef Kaiser Olga - Ekaterina Gubanova Larina - Rene Morlok Filippievna - Emma Sargsyan Gremin - 비엔나의 Feruccio Furlanetto 필하모닉 오케스트라지휘자 - 안드레아 브렛 감독의 다니엘 바렌보임

음악적으로 쇼는 좋아 보인다. Anna Samuil은 Tatyana로 매우 훌륭하고 Ekaterina Gubanova는 Olga로 설득력있게 들립니다. 스웨덴 바리톤 Peter Mattei 인 Onegin은 아마도 오늘날 감히이 부분을 노래하는 최고의 외국인 일 것입니다. 소련 장군의 제복을 입고 그레민을 부르는 유명한 베이스 Ferruccio Furlanetto는 매우 다채롭다.

연출이나 시노그라피나.. 글쎄, 그들이 우리를 보는 방법입니다.빠진 것은 사모바르에서 보드카를 마시는 곰이고 다른 모든 것은 풍부합니다 오페라의 행동은 20 세기 70 년대로 옮겨 졌다고 믿어집니다. 직접 보시고 판단하세요

글쎄, 폴란드 감독은 오페라 "Eugene Onegin"에 대한 완전히 색다른 해석을 제안했습니다. 크리스토프 와리코우스키,현대 연극에 대한 그의 말로 유명한 : ." 예술은 동성애자와 유대인에 의해 구원받을 것입니다. 그들은 모든 것을 외부에서 보는 것처럼 매우 창의적으로 유익합니다. 이것에는 정신과가 아니라 순전히 연극적인 의미에서 드라마가 있습니다.".

개인적인 신념이나 관심을 끌기 위해 "Eugene Onegin"의 제작을 맡은 폴란드 감독 Krzysztof Warlikovsky는 푸쉬킨의 영웅에게 비 전통적인 성적 취향을 부여했습니다.

이제 독일 시청자에게 "소중한 모노그램"OE는 결투에서 연인을 죽인 러시아 게이의 이니셜을 의미해야합니다.

Onegin과 Tatiana가 Bavarian Opera에서 관계를 갖지 않는 것은 이러한 불행한 세부 사항 때문입니다. 불쌍한 처녀가 동경하는 동성애자에 대한 이루지 못한 꿈을 애도하는 동안, 그녀의 소설의 주인공 역시 행복하지 않은 것이 분명합니다. 감독이 NTV 특파원에게 말했듯이, 그녀의 사랑하는 남자 Lensky는 순서대로 살해되어야 했습니다. "자기 확인 행위"를 수행하십시오. "그는 비명을 지르고 있습니다. 저는 동성애자가 아닙니다!" - 폴란드 감독이 러시아 남자에게 설명한다. 참뜻, "Eugene Onegin"에 통합되었습니다. 위대한 러시아 시인이 자신의 소설을 운문으로 쓴 이상적인 독자라고 자신을 부르고 싶은지 궁금합니다. 그리고 Alexander Sergeevich는 21 세기에 그의 작품을 좋아하는 사람을 상상 했습니까 (그가 그를 상상했다면)?

분명히 다행스럽게도 푸쉬킨은 삼각 관계가 발전 할 상황을 상상조차 할 수 없었습니다 (!) 책이 쓰여진 지 거의 2 세기가 지났습니다.

여유로운 분위기를 연출해야 할 무대 위의 모던한 의상과 TV는 물론, 라린스 볼의 남자 스트립 클럽 인테리어도 여유로운 분위기를 더한다. 그리고이 모든 것-차이코프스키의 "게이"음악 아래.

음, 신비한 러시아 영혼에 대한 작품에 대한 아름답고 정확한 해석은 어떻습니까?

하지만 그게 다가 아닙니다. 불행한 목격자들에 따르면 두 번째 행동에는 무엇보다도 카우보이가 공연하는 폴로네즈가 포함되어 시청자에게 게이 서부 Brokeback Mountain을 언급합니다. 분명히 Varlikovsky에 따르면 "Eugene Onegin"의 의미를 독일인들에게 완전히 설명해야하는 것은이 걸작입니다.

Krzysztof Warlikowski는 이제 막 성 혁명의 열매를 맛보고 그 흐름(차이코프스키의 관능적인 음악과 완벽한 조화를 이룬다)이 모두 스며드는 세상을 창조합니다. Onegin을 꿈꾸는 Tatyana는 말 그대로 바닥에 굴러 짧은 잠옷을 만지작 거립니다. 정원에서 Onegin에게 자신을 설명하면서 그녀는 은유 적으로가 아니라 문자 그대로 목에 매달리고 몸통에 다리를 감습니다. Tatyana의 이름 날에 모인 손님을 즐겁게하기 위해 Larina-mama는 스트리퍼 앙상블을 초대합니다. 그들의 스트립 행위는 여성을 흥분시키고 (집의 여주인은 아티스트의 반바지에 수수료를 넣고 승인하여 가볍게 두드립니다) Onegin에 흥미로운 영향을 미칩니다.

Eugene Onegin의 Krzysztof Warlikowski는 더블 침대에서 결투하는 Onegin과 Lensky와 섹스에 집착하고 마리화나를 피우는 Tatiana (마지막 뮌헨 시사회) 사이의 사랑을 제공합니다.

독일 연극에서 유진(마이클 폴)은 타티아나의 사랑을 거부하는데, 이는 그가 여성의 매력에 싫증이 나서가 아니라 남성에게 끌리기 때문이다. 그는 Olga의 Lensky를 솔직히 질투하며 친구의 열정을 화나게합니다. 그리고 결정적인 설명의 순간에 Onegin은 Lensky의 입술에 열렬하고 긴 키스를합니다. 결투는 더블 침대에서 진행됩니다. 창 밖에서는 용감한 카우보이들이 공기주입식 여성과 즐거운 시간을 보내고 있습니다. 결투 사들은 재킷과 셔츠를 오랫동안 벗고 침대에 앉는다. Lensky는 어색하게 친구에게 다가갑니다. 발사. 그리고 Onegin은 오랫동안 당황하여 마지막 부드러운 포옹으로 무릎을 꽉 쥐는 살해당한 친구의 시신을 조사합니다. 거대한 투명한 창문은 파란색 벨벳 커튼으로 그려져 있습니다. 그리고 Onegin 주변에서 벌거 벗은 카우보이들이 폴로네즈 소리에 맞춰 춤을 춥니 다. 그런 다음 그들은 이브닝 드레스에서 수영복에 이르기까지 여성용 의상으로 에로틱 한 패션쇼를 준비하여 영웅을 놀릴 것입니다.

이것은 Onegin과 Lensky의 "결투"장면입니다.

Lensky는 오페라가 시작되기 전에 Onegin의 연인이되었고 어떤 이유로 그가 결혼하려는 Olga에게 탈북했습니다. 질투심에서 Onegin은 머리를 완전히 잃고 Olga를 돌보며 복수하기로 결정합니다. 그러한 상황에서 그는 Tatyana의 감정에 전혀 관심이 없다는 것이 분명합니다. 그렇게 부를 수 있다면 결투는 침대 바로 옆 호텔 방에서 열립니다.

Onegin이 "신뢰하는 고백의 영혼, 순진한 사랑의 분출"을 거부 한 이유를 궁금해 할 가치가 있습니까? 지역 Eugene (Michael Volle)-빨간 머리, 단정하고 구레나룻이 있음-진정한 혐오감을 찡그린 얼굴로 그를 뛰어 넘은 Tatiana를 밀고 심지어 "자신을 다스리는 법을 배우십시오"라는 신성한 가르침을 동반합니다. Larins의 집에서 다투는 동안 Onegin은 열정적 인 키스로 Lensky (Christoph Strehl)와 화해를 시도하고 친구 간의 결투는 호텔 방의 더블 침대에서 진행됩니다.

Lensky 살해 후 Onegin은 성적 취향을 바꾸고 Tatyana와 사랑에 빠집니다.

그리고 이들은 결투 직후 술 취한 카우보이들입니다. 아마도 Onegin의 양심을 묘사하십시오.

발사. 그리고 Onegin은 오랫동안 당황하여 마지막 부드러운 포옹으로 무릎을 꽉 쥐는 살해당한 친구의 시신을 조사합니다. 거대한 투명한 창문은 파란색 벨벳 커튼으로 그려져 있습니다. 그리고 Onegin 주변에서 벌거 벗은 카우보이들이 폴로네즈 소리에 맞춰 춤을 춥니 다. 그런 다음 그들은 이브닝 드레스에서 수영복에 이르기까지 여성용 의상으로 에로틱 한 패션쇼를 준비하여 영웅을 놀릴 것입니다.

그래서 우리는 문화의 "살인자"중에서 Chernyakov가 여전히 가장 높은 위치를 차지하지 않는다는 것을 보았습니다.

오늘날 뮤지컬 극장은 뮤지컬이 아닙니다. 이것은 이미 명백하고 심각한 또 다른 질병입니다. 이것은 특히 감독의 이름과 엄청나게 터무니없는 무대 행동의 존재에 따라 지휘자 만 언급되고 제작의 질이 결정되는 비평 기사에서 특히 분명하게 표현됩니다. 감독은 음악에서 나오지 않는다. 음악은 때때로 방해가됩니다. 그는 누가 어떻게 노래하는지 상관하지 않습니다. 그리고 대중은 출연자가 아닌 감독에게 가기 시작했습니다. 감독-매니저는 극장의 메인 디렉터가되었습니다. 그리고 오페라 하우스는 레퍼토리에서 기업으로 변모하고 있습니다. 무대와 음악적 해석이 전혀 통하지 않고 병행적으로 존재하는 상황을 평론가들이 환영한다는 점도 시사한다. 오늘날 오페라 공연의 음악적 내용과 문화에 대한 무관심으로 인해 지휘자들은 겸손하고 그늘 속으로 물러났습니다.

우리는 테너에 대해 이야기해 왔지만 드미트리 흐보로스토프스키와 르네 플레밍이 메트로폴리탄 오페라에서 공연한 유진 오네긴의 가장 좋아하는 마지막 장면을 보여주며 마무리하는 것이 적절하다고 생각합니다. 아무도 더 잘할 수 없습니다.

Rene Fleming, Dmitri Hvorostovsky, Ramon Vargas in 차이콥스키 오페라 "Eugene Onegin" 메트로폴리탄 오페라 녹음 (2007). 출연자: 극장 "메트로폴리탄 오페라"의 합창단과 오케스트라. 주요 당사자 : Onegin - Dmitry Hvorostovsky. Tatyana - Rene Fleming, Lensky - Ramon Vargas. 소개 Svyatoslav Belza.

그리고 50년대 후반 영화 '유진 오네긴' 덕분에 차이콥스키의 음악에 푹 빠졌다. 그런 다음 잊을 수없는 Lemeshev가 Lensky를 불렀던 유명한 오페라 하우스에서 오데사에서이 오페라를 들었습니다.

오늘날 오페라 하우스의 미래에 대한 모든 이야기는 종종 젊은 청중을 오페라로 끌어들이는 문제로 귀결됩니다. 그리고 여기에 현대 오페라 극장의 또 다른 질병이 명확하게 그려져 있으며 어떤 식 으로든 젊은이들을 기쁘게하려는 끈질긴 욕망으로 표현됩니다. 패션과 무역, 엔터테인먼트 산업, 텔레비전 및 라디오 방송의 모든 트렌드를 요약하면 오늘날 모든 것이 25세 이하에 초점을 맞추고 있다는 것이 오랫동안 명백해졌습니다. 이미 죽었고 옷, 음식, 관심이 필요하지 않습니다. 십대의 "복장"은 억양과 어휘, 가소성 및 표정에 침투했습니다. 속어, 특수 용어, SMS, 채팅 등 모든 것이 "복잡성"과 "복잡한 종속"이 없습니다. 그리고이 모든 것은 젊음의 우선 순위에 근거한 눈에 띄는 속물 거리로 구별됩니다. 현대까지 지식은 우선 속물근성의 기초로 여겨졌다. 자신의 본능과 욕망을 억제하고, 성장하고 더 현명해지고, 지식과 감정적 경험을 가지고 운영하는 것이 어쩐지 부끄럽고 무례해지기까지 했다. 주제와 아이디어의 범위는 삶의 감각인 명암의 진동이 없는 활기차고 쾌활한 십대로 좁혀졌습니다. 모든 종류의 산업을 배경으로 극장은 방향도 변경했습니다. 의미있는 (교육이 아니라 오락) 형식 (어떤 경우에도 어렵고 길고 긴 이야기는하지 않음)입니다. 가장 중요한 것은 잘 알려진 회사의 브랜드처럼 매력적이고 재미 있고 사치스럽고 알아볼 수 있다는 것입니다. 시노그래피를 포함한 패셔너블한 오페라 공연의 무대 형태는 오늘날 SMS도 아닌 답장이 필요 없는 채팅 스타일로 대중에게 보내는 메시지와 닮아 있으며, 형태적으로는 패션 부티크 쇼케이스와도 닮아 있다. 그리고 더 자주, 생산은 대화와 대중의 생생한 반응이 아니라 광택의 법칙에 따라 즉시 알아볼 수 있기를 바라는 생생한 자기 표현의 기회가됩니다. 슬프다. 무의식적으로 Spengler의 유럽의 쇠퇴가 떠오른다. 새로운 문명이 태어나면 옛 문화는 소멸한다.:-(

Pushkin은 "Eugene Onegin"에 적극적으로 참여하고 있습니다. 소설의 모든 영웅 외에도 "작가"라는 캐릭터가 있습니다. 내레이터. 그는 성적을주고 Onegin을 부릅니다. 나의 좋은 친구. 렌스키를 놀린다. 결투 전날 밤 Lensky가 글을 쓰는 데 몰두했던 것을 기억하십니까? 푸쉬킨이 그것에 대해 말하는 방법은 다음과 같습니다. 펜을 잡습니다. 그의시는 / 사랑의 ​​말도 안되는 소리로 가득 차 있습니다. / 소리와 쏟아집니다. 그는 그것들을 읽습니다 / 그는 서정적인 열정으로 큰 소리로 /잔치에서 취한 Delvig처럼. / 보존된 경우의 시; /나는 그것들을 갖고있어; 여기 있습니다:"Lensky의 추가 텍스트. 그리고 다시 내레이터의 평가:" 그래서 그는 어둡고 느리게 글을 썼다 / (우리가 낭만주의라고 부르는 것, /약간의 낭만주의는 없지만 / 보이지 않습니다. 우리에게 무엇입니까?) / 그리고 마침내 새벽이되기 전에 / 피곤한 머리를 숙이고 / 유행하는 단어 이상에 / 조용히 Lensky는 졸었습니다."그런 다음 Lensky가 깨어나서 총을 쏘러갑니다. 예, 결투는 푸쉬킨에게 흔한 일입니다. 그는 자신을 여러 번 쐈습니다. 잠을 잘 수 있습니다.

차이코프스키는 렌스키의 시를 재해석하여 음악을 통해 새로운 차원으로 끌어올렸습니다. 그는 소설 작가의 죽음 이후에 오페라를 썼습니다. 오페라에서 시인 Lensky의 살인은 청취자가 시인 Pushkin의 살인과 관련이 있습니다. 내레이터 등급 전에 ("넌센스")그리고 후 ("부진한")대본에는 Lensky의 시가 없습니다. 낭만적 인 시인에 대한 푸쉬킨의 아이러니가 사라지고 구절은 정말 비극적이었습니다. 예, Lensky는 푸쉬킨의 관점에서 가장 강력한 시인은 아니지만 차이코프스키의 화려한 음악은 죽어가는 아리아에 너무 많은 감정을 담았습니다! 시는 거의 변하지 않고 오페라에 들어갔고 "아, 올가, 나는 당신을 사랑했습니다! "라는 반복에서 "그리고 생각하기 : 그가 나를 사랑했습니다"대신 일부 단어 만 반복됩니다. (렌스키 꿈 Olga가 그의 무덤에 어떻게 올 것인가). Lensky가 "화살에 찔린"(권총 결투라는 것을 잘 알고 있음)과 같은 시적 이미지를 언급한다는 사실은 죽음 전의 그의 흥분과 원한다면 정신의 고상함을 말해줍니다. 그래서 렌스키의 아리아. 오페라에서 그는 결투 장소에서 바로 노래를 부릅니다.

Lensky의 작사 - 차이코프스키의 음악.

(짧은 소개 먼저)

나의 봄날은?

(로맨스 스타일의 느린 서정 성가)

다가오는 날은 나에게 무엇을 준비하고 있습니까?

내 시선은 헛되이 그를 붙잡고

그는 깊은 어둠 속에 숨어 있습니다.

필요 없음; 운명의 법칙.

화살에 찔려 쓰러질까

아니면 그녀는 날아갈 것입니다.

모든 선함: 깨어 있음과 잠

시간이 다가오고 있습니다.

근심하는 날은 복이 있나니

축복받은 것은 어둠의 도래입니다!

("무덤"에도 불구하고 주요 멜로디)

아침에는 아침 햇살이 비출 것이다

그리고 밝은 날이 펼쳐질 것입니다.

그리고 나 - 어쩌면 내가 무덤일지도 몰라

나는 신비한 캐노피로 내려갈 것입니다.

그리고 젊은 시인의 기억

느린 Leta를 삼키고

세상은 나를 잊을 것이다. 하지만 너, 너, 올가.

당신이 올지 말해줘, 미녀의 처녀여,

이른 항아리에 눈물을 흘리다

그리고 생각해보세요. 그는 나를 사랑했습니다!

그는 나에게 하나를 바쳤다

아, 올가, 사랑했어!

너에게만 바쳐

슬픈 폭풍우 인생의 새벽!

아, 올가, 사랑했어!

(음악이 강해지고 절정에 이른다)

친애하는 친구, 친애하는 친구.

들어와 들어와! 친애하는 친구, 오세요, 나는 당신의 남편입니다!
오세요, 저는 당신의 남편입니다!

들어와 들어와! 나는 당신을 기다리고 있습니다, 친애하는 친구.

들어와 들어와; 나는 당신의 남편입니다!

(그리고 다시 절망적으로 처음 두 줄)

어디로, 어디로, 어디로 갔나

나의 봄, 나의 봄 황금기?

Lemeshev의 관통 성능. 서정적이고 비극적입니다.

11월 2015년 5월 5일 오후 5시 49분(UTC)

펜을 잡습니다. 그의 시,
넌센스 가득한 사랑
소리가 나고 흐릅니다. 그들을 읽습니다
그는 큰 소리로, 서정적 열기 속에서,
잔치에서 취한 Delvig처럼.

경우에 대비하여 시가 보존되었습니다.
나는 그것들을 갖고있어; 여기 있습니다:
"어디, 어디 갔어.
나의 봄날은?
다가오는 날은 나에게 무엇을 준비하고 있습니까?
내 시선은 헛되이 그를 붙잡고
그는 깊은 어둠 속에 숨어 있습니다.
필요 없음; 운명의 법칙.
화살에 찔려 쓰러질까
아니면 그녀는 날아갈 것입니다.
모든 선함: 깨어 있음과 잠
시간이 다가오고 있습니다.
근심하는 날은 복이 있나니
축복받은 것은 어둠의 도래입니다!

"아침 햇살이 아침에 비칠 것이다.
그리고 밝은 날이 펼쳐질 것입니다.
그리고 나는 - 아마도 나는 무덤이다
나는 신비한 캐노피로 내려갈 것입니다.
그리고 젊은 시인의 기억
느린 Leta를 삼키고
세상은 나를 잊을 것이다. 노트
오시겠습니까, 아름다움의 처녀,
이른 항아리에 눈물을 흘리다
그리고 생각해보세요: 그는 나를 사랑했고,
그는 나에게 하나를 바쳤다
슬픈 폭풍우가 치는 삶의 새벽.
친애하는 친구, 친애하는 친구,
이리와, 나는 당신의 남편입니다. "

그래서 그는 어둡고 느리게 썼습니다.
(우리가 낭만주의라고 부르는 것,
로맨스가 부족해도
나는 보지 못한다. 우리를 위해 무엇입니까?)
그리고 마침내 동이 트기 전에
지친 머리를 숙이고
유행어 이상형에
조용히 Lensky는 졸았다.

하지만 졸린 매력만
그는 이미 이웃을 잊었다
사무실은 침묵 속으로 들어간다
그리고 다음과 같은 호소로 Lensky를 깨웁니다.
"일어날 시간이야. 벌써 7시야.
오네긴이 진정으로 우리를 기다리고 있다"고 말했다.

(사실, Onegin은 늦잠을 잤습니다. 그래서 그가 늦었고 Zaretsky는 분개했습니다. "글쎄, 당신의 적이 나타나지 않은 것 같습니까?" Lensky는 우울하게 대답합니다. "그는 지금 나타날 것입니다." Zaretsky는 투덜 거리며 떠납니다. Lensky는 아리아를 부릅니다. .)

“가장 중요한 것은 단어가 아니라 억양입니다.
말은 늙고 잊혀진다
그러나 인간의 영혼은 결코 소리를 잊지 않는다.
영화 감독 A. Sokurov와의 인터뷰에서.

"... 모든 s-s-s-s-s-s-s-s-s-s not-hells-ah! .."
미. 글린카. 오페라 "Ruslan and Lyudmila"에서 Bayan의 두 번째 노래
S.Ya. Lemeshev 공연

“그런 예술 작품이 있습니다 ... 당신이 쓸 수있는 것에 대해 문학 서적지적 인간 콘텐츠에 자극을 받고 분석을 우회하고 형식적인 모든 것을 우회합니다 ... "(Asafiev B.V. "Eugene Onegin". P.I. Tchaikovsky의 서정적 장면"// B. Asafiev. 차이코프스키의 음악에 대해. 선택됨. "음악" , L., 1972, 155쪽). 이 말이 속한 Boris Vladimirovich Asafiev는 오페라 "Eugene Onegin"을 러시아 뮤지컬 극장의 "일곱 잎"이라고 불렀습니다. 서정적 장면: 미적 포즈의 부재 - "진실하게, 간단하게, 신선하게." 러시아 오페라 무대의 레퍼토리에는 더 이상 대중적인 작품. 마지막 메모까지 알려진 것 같습니다. 어린 시절부터 친숙한 "진심으로"같은 음악 소리가 기억에 들리기 시작하면서 "다가오는 날이 나를 위해 무엇을 준비하고 있습니까? ..."또는 "사랑합니다 ...", "죽게 해주세요"라고만 말하면됩니다. 한편, "..."Eugene Onegin"의 음악에 대해 많은 생각과 영감을 주는 많은 원인이 있으며, 이러한 관점에서 그 영향의 관점은 생존 가능성에 대한 필수적인 인센티브 중 하나입니다."라고 학자 Asafiev는 연구를 마무리합니다. (Ibid., p. 156).

... P.I. 차이코프스키가 1877년 5월 18일에 그의 형제 모데스트에게 보낸 편지에서 유진 오네긴의 대본에 대해: “여기에 간단한 대본이 있습니다: 액션 1. 장면 1. Larina와 유모는 옛날을 기억하고 잼을 만듭니다. 늙은 여자의 듀엣. 집에서 노래가 들립니다. 이것은 하프 반주에 맞춰 Zhukovsky의 텍스트에 대한 듀엣을 부르는 Tatyana와 Olga입니다.”(Tchaikovsky P.I. 전체 작품 모음. T.VI.M., 1961, p. 135). 오페라의 최종 버전과 일치하지 않는 두 가지 세부 사항에주의를 기울입니다. 1) 캐릭터의 음악적 특성 순서 (노인의 듀엣-Tatiana와 Olga의 듀엣); 2) Larin 자매 듀엣의 텍스트 저자는 Zhukovsky입니다. 아시다시피 나중에 푸쉬킨의 텍스트에 대한 자매의 듀엣이 그림의 시작이되었습니다. 작곡가의 서신으로 판단하면 한 달도 채 안되어 "세 장면의 전체 첫 막이 준비되었습니다"(Ibid., p. 142). 결과적으로 작업 초기에 스크립트가 변경되었습니다. 이 겉보기에 사소해 보이는 수정 사항은 오페라 전체를 유기적으로 형성하는 데 어떤 역할을 했습니까? 이 질문에 답해 봅시다.

Onegin의 최종 버전에서 Pushkin의시 "The Singer"는 듀엣의 텍스트로 사용되었거나 오히려 그의 연 중 두 개 (첫 번째와 마지막)로 사용되었습니다.

숲 너머 밤의 목소리를 들었는가?

아침에 들판이 조용할 때,
플루트 소리는 둔하고 단순하다.
당신은 들었습니다?

조용한 목소리를 들으며 한숨을 쉬었나요
사랑의 가수, 슬픔의 가수?
숲에서 한 청년을 보았을 때,
꺼진 눈의 시선과 마주하고,
숨을 쉬었습니까?

1816년 17세의 시인이 쓴 시로 창작 초기의 애가의 전형이다. Pushkin의 초기 시, 특히 "The Singer"의 스타일과 언어가 Zhukovsky의 시와 얼마나 근접했는지에 대한 질문은 문학 비평에서 충분히 다루어집니다(예: Grigoryan K.N. Pushkin의 비가: 국가적 기원, 전임자, 진화 참조). . L., 1990, p. 104: "Zhukovsky에 이어 Pushkin은 소위 "둔한" elegy의 라인을 계속 개발합니다 ... 향후 2 ~ 3 년 동안 슬프고 몽환적 인 모티프가 강화됩니다. 기분이 좋은 Pushkin의 elegies , 언어 및 풍경의 본질은 "마법의 어두운 밤에서 ..."( "The Dreamer", 1815), "지난 날의 꿈이 나갔다"(" Elegy", 1817). 시 "The Singer"(1816)는 이미지가 "사랑의 가수, 그의 슬픔의 가수"로 태어난 깊이에서 푸쉬킨의 첫 번째 elegiac주기를 닫습니다. 이 경우 Zhukovsky의 오페라를 Pushkin의 대본으로 대체해도 근본적으로 새로운 것을 도입할 수 없는 것 같습니까? 원래 대본에서 "Zhukovsky의 텍스트에 대한 듀엣"을 지적한 차이코프스키는 민감하고 감상적인 이미지의 필요한 개요를 제공했습니다 (NG Rubinstein에게 보낸 편지에서 그는이 로맨스를 "감상적 듀엣"이라고 불렀습니다. 참조 : Tchaikovsky P.I. Complete collection works, V.6, M., 1961, p.206). 아마도 그것은 아시다시피 Zhukovsky의 텍스트에 특별히 쓰여진 The Queen of Spades (It 's Evening)의 두 번째 그림에서 듀엣에 가까운 것일 수 있습니다. 그러나 그러한 결정의 예술적 설득력에도 불구하고 작곡가는 Pushkin의 초기 elegy를 그의 Onegin의 "출발점"으로 사용하는 것을 선호했습니다. 분명히 "가수"는 비유적인 구조와 상태 외에도 작가의 의도에 필수적인 다른 것을 가져 왔습니다.

차이코프스키를 선택한 이유 중 하나는 그의 작품이 "정신적 통일성"으로 형성되는 데 기여한 "푸쉬킨적 설정"을 보존하려는 열망 때문일 수 있습니다(B. Asafiev, op. cit. p. 156). 여기서 중요한 것은 열일곱 살 시인의 비가에서 그의 작품의 정점 인 "구절의 소설"까지 떠오르는 아치입니다.

The Singer의 의미 론적 하위 텍스트에서 똑같이 중요한 것은 역사적 운명입니다. 푸쉬킨 시대의 정신과 이미지와의 명백한 연관성에도 불구하고 이후 가장 많이 찾는 로맨스 텍스트 중 하나로 남아 있습니다. Alyabyev, Verstovsky, Rubinstein을 포함한 다양한 작가에 의해 1816년(작성된 해)부터 1878년(차이코프스키의 오페라가 작성된 해)까지의 기간 동안에만 푸쉬킨의 "가수"의 텍스트를 기반으로 14개의 성악 작곡이 작성되었습니다. " (참조 : M.이 편집 한 러시아 음악의 러시아시, 1966). 그가 차이코프스키 자신과 그의 오페라를 처음 접한 사람들 모두에게 잘 알려져 있었다는 데는 의심의 여지가 없습니다. 과거 시대의 메아리가 이후의 많은 해석에 의해 도입된 뉘앙스와 얽혀 있습니다. 이런 모호한 인식도 작곡가의 관심을 끌 수 있었다.

차이코프스키의 음악에 직접 주목해야 할 때다. 듀엣 "Have You Heard"는 음악적 파스 티슈로 간주됩니다. 문체 출처를 결정하는 데있어 연구자들 사이에 통일성이 없습니다. 일반적으로 Varlamov, Alyabyev, Genishta, Gurilev, 초기 Glinka, Field, Chopin 및 심지어 Saint-Saens의 스타일을 모델이라고 합니다(참조: Laroche G. Selected articles, issue 2, L., 1982, pp. 105- 109, Prokofiev S. Autobiography, M., 1973, 533페이지, Asafiev B.V. 인용 op. pp. 105). Alexander Yegorovich Varlamov의 이름이 이 시리즈의 중심인 것 같습니다. Varlamov의 로맨스 멜로디가있는 듀엣의 많은 명백한 억양 메아리 외에도 Onegin 듀엣의 "프로토 타입"이라고 할 수있는 것이 있습니다. 이것은 G. Golovachev "Will you breath"의 텍스트를 기반으로 한 1842 년의 로맨스입니다. 그의 전문은 다음과 같습니다.

신성한 사랑을 할 때 숨을 쉬겠습니까
소리가 귀에 닿을까요?
그리고 당신에게서 영감을 받은 이 소리는
이해하시겠습니까, 감사하시겠습니까?

머나먼 땅에서 숨을 쉴까
당신을 존경하는 가수는 죽을 것입니다.
그리고 모든 사람에게 외계인, 조용하고 외로운,
그가 당신의 사랑스러운 이미지를 불러올까요?
숨쉴래?

기억이 나면 숨을 쉴까
그가 그에 대해 당신에게 날아갈까요?
그의 고통을 눈물로 기리시겠습니까?
떨리는 가슴에 기대어 머리?
숨쉴까, 숨쉴까

외부 관찰자에게도 Golovachev의 텍스트가 The Singer의 텍스트와 놀랍게도 유사하다는 것이 분명합니다. 애절한 눈물로 흐려진 시선 앞에 다시 '사랑의 가수'가 있다. 푸쉬킨의 "한숨을 쉬었습니까"의 메아리가 "한숨을 쉬시겠습니까"보다 더 진지하게 들립니다. 이 두 텍스트의 근접성에는 신비한 것이 있습니다. 신비주의가 없었을 가능성이 있지만 우리는 푸쉬킨 텍스트의 무료 버전 인 리해싱을 다루고 있으며 아마도 가장 미묘한 해석이 아닐 수도 있습니다. 그러나 우리가 프로토타입에 대해 이야기한 것은 우연이 아닙니다. Golovachev의 텍스트가 26 년 전 푸쉬킨의 어린 시절을 연상 적으로 언급한다면 Varlamov의 로맨스 뮤지컬 시리즈도 직접적인 연관성을 불러 일으키지 만 Larin 자매의 듀엣과의 "미래"에 대해서만 가능합니다. 모든 음악 애호가에게 자본 억양 "들었습니까"로 친숙한 인접한 여섯 번째 (d-es-d-g)가있는 하강 다섯 번째 억양은 각 구절의 끝에서 Varlamov 소리가납니다. "한숨 쉬시겠습니까"라는 단어 (e-moll에서는 h-c-h-e처럼 들립니다).

그 자체로 프로토 타입 로맨스의 존재에 대한 호기심 많은 사실은 듀엣 "들었습니까"와 오페라의 또 다른 주요 번호의 실제 연결을 밝히지 않으면 "생각"으로 분류 될 수 있습니다. 다섯 번째 사진에서 Lensky의 죽어가는 아리아. (참고로 aria-e-moll과 같은 키로 작성되었습니다.) 피아노 도입부는 독립적인 주제로 구성되어 있으며, 개요는 아리아의 주요 섹션을 연상시킵니다. 나” -동일한 "알몸"세 번째 음색 느낌표 , 강장제 6의 상단, 처음에 그리고 동일한 하강 일련의 소리, 복종하는 발기 부전 "아래로 미끄러짐".

로맨스의 첫 번째 보컬 프레이즈(Glinka의 피아노 야상곡인 "Separation"의 멜로디와의 현저한 유사성에 주목하는 것이 궁금합니다)에서 음색의 다섯 번째 톤은 Lensky의 짧은 입문 암송을 연상시키는 억양 매력의 중심이 됩니다. "어디, 어디, 어디 갔어."

오페라 "Eugene Onegin"은 로맨스를 쓴 지 35 년 후, Varlamov가 죽은 지 30 년 후에 태어났습니다. Pyotr Ilyich는 Varlamov 로맨스를 "들었습니까"? 아마도 그렇습니다. 작곡가의 가까운 지인 중 한 명인 Alexander Ivanovich Dubuc은 다른 많은 로맨스 중에서 피아노를 위해 편곡했습니다. Tchaikovsky는 그의 피아노 필사본에 익숙했던 것으로 알려져 있습니다. 1868 년에 그는 Dubuc의 필사본을 피아노 네 손으로 편곡했습니다. (E. Tarnovskaya의 로맨스 "나는 모든 것을 기억합니다"의 편곡이었습니다). 이러한 사실을 바탕으로 우리는 의식적 양식화에 대해 높은 수준의 확신을 가지고 말할 수 있습니다.

그러나 천재는 푸쉬킨이나 차이코프스키의 천재일지라도 단순한 모방에 만족하는 경우가 거의 없습니다. 따라서이 경우 우리는 매우 복잡하고 다양한 의미 론적 음영으로 포화 된 복잡한 억양을 다루고 있습니다. 그중에서도 The Well-Tempered Clavier의 첫 번째 볼륨에서 g-moll의 Bach 푸가 주제와 매우 먼 평행선에 독자의 관심을 끌고 싶습니다.

Lisa와 Polina가 나중에 할 것처럼 Olga와 Tatyana가 여섯 번째에서 서로 반향하지 않고 발명이나 푸가의 목소리처럼 모방에서 경쟁하도록 명령 받았다는 것을 기억한다면이 평행선은 그리 멀지 않은 것처럼 보일 것입니다. 세르게이 블라디미로비치 프롤로프(Sergei Vladimirovich Frolov)는 차이코프스키의 극작술 연구에서 이 과정에 대해 다음과 같이 훌륭하게 설명합니다. , 청중은 강력한 이벤트-심리적 필드에 참여하여 나머지 기간 동안 그녀를 전례없는 긴장 상태로 유지했습니다. ... 번호의 첫 번째 소리에서 듀엣 "들었습니까"반주에서 다섯 번째 음색에 대한 야상곡 바카 롤 장르와 장례식 행진 느낌표는 "목가적인 소녀"가 시작된다면 놀랍습니다. 오케스트라의 3박자 박동을 배경으로 8분의 2박자 악장에서 거의 모방 기법으로 노래하고, 2절에서는 이미 어수선한 리듬 구조가 모방적으로 조직된 패턴 16분의 1로 보완됩니다. 여성. 그리고 이 모든 것은 "위로부터 우리에게 주어진 습관"이라는 말에 대한 저속한 질감의 "기타" 반주에 숨겨진 모차르트의 레키움 시작의 조화로운 구성으로 끝납니다. ...마을이 아무것도 하지 않는 건 너무한 거 아냐? (Pyotr Ilyich Tchaikovsky. 연구 및 자료, St. Petersburg, 1997, p.7). 대답은 분명합니다. 따라서 원래 순진한 파스 티슈로 생각되었던 자매 듀오는 점차 감상적인 스타일의 경계를 넘어 깊이와 중력을 얻습니다.

그러나 듀엣과 아리아의 비교로 돌아가 봅시다. 그들 사이의 연결은 비 유적 및 어휘 문법적 leitmotifs의 존재에서 나타납니다. 듀엣과 아리아의 텍스트는 애도하는 "젊은 시인"- "사랑의 가수"의 이미지와 질문의 억양으로 통합됩니다. -의심 "들었나요" - 듀엣에서 "한숨 쉬었나요" 그리고 Lensky의 죽어가는 아리아에서 "당신이 올 것입니다".

미녀의 처녀가 올지 말해줘
이른 항아리에 눈물을 흘리다
그리고 생각해 보세요: 그는 나를 사랑했어요 -
그는 나에게 하나를 바쳤다
슬픈 폭풍우 인생의 새벽! ..
친애하는 친구, 친애하는 친구.
이리와, 나는 당신의 남편입니다!

두 텍스트의 리드미컬한 읽기(삼중 항이 포함된 두 부분 미터)도 이 두 숫자를 함께 가져옵니다. 억양적으로 듀엣과 아리아는 상보성의 원칙에 따라 비교할 수 있다. 듀엣의 주제(또는 오히려 소프라노에게 맡겨진 부분)는 몇 가지 예외를 제외하고 모두 강장제 5g-d 내에서 조율됩니다. 그것은 "구심"억양 발달이 "원심"압축에 의해 반대되는 일종의 사운드 캡슐입니다. 즉, 확립 된 다섯 번째 범위 이상입니다. 진정한 로맨스가 거의 없다는 것을 인정해야합니다. 반대로 아리아의 주제는 로맨스 억양으로 가득 차 있으며 그중 가장 표현력이 강한 것은 강장제 6 h-g입니다. 따라서 다른 "영토"에서 다르게 존재하는 마이너 스케일의 다른 영역에서 억양되는 이러한 주제는 그럼에도 불구하고 서로를 보완하여 일종의 상징적 통일성을 형성합니다. Tatyana와 Olga의 모방 롤 콜의 "들었습니까-들었습니까"라는 단어와 "당신이 올 것인지 말해주세요, 처녀"라는 단어에 대한 아리아의 반복 부분을 비교하여 실제로 "들을"수 있습니다. of beauty”(편의상 두 번째 조각은 g-moll로 바꿉니다).

우리는 고전적인 합계 구조를 가지고 있습니다. 동기는 매우 유연하게 흘러가므로 오페라의 시작부터 황금 비율의 실제 지점까지 동기를 구분하는 거리를 잊게 됩니다. 이것은 단순한 우연의 일치가 아닙니다. "나의 수호 천사, 당신은 누구입니까"라는 편지 장면과 Lensky의 아리아의 동일한 부분에서 나온 Tatyana의 문구의 완전한 국제적 정체성을 우연으로 간주하는 것이 관례가 아닌 것처럼. 아마도 이것은 극작가 차이코프스키의 작품 인 베토벤의 동기 작업과 일치하는 노력의 진정한 증거일 것입니다. 결과의 가치는 과대 평가하기 어렵습니다. Mikhail Ivanovich Glinka는 한때 유사한 예술적 작업을 훌륭하게 해결했지만, leitmotif 기술이 영웅의 "투시력"을 돕는 Susanin의 유명한 작별 인사 장면에서 완전히 다른 방식으로 해결했습니다. Susanin과 Lensky? .. “... 중요한 것은 단어가 아니라 억양이기 때문입니다. 말은 잊혀지지만 인간의 영혼은 소리를 잊지 않는다. 나는 여기에서 음악적이고 시적인 또 다른 잘 알려진 격언을 기억합니다. "... 오 마음의 기억, 당신은 슬픈 기억의 마음보다 강합니다 ...". 삶에 작별 인사를하는 시인은 그를 사랑하는 마음, 친절한 영혼, 일제히 들리는 .. 듀엣, 3 중으로 ... 그리고 다음은 무엇입니까?

시인의 기억을 휩쓸다
푸른 하늘을 가로지르는 연기처럼
그에게는 두 개의 마음이 있어 어쩌면
여전히 슬프다...

소설 7장의 이 푸쉬킨 라인에는 듀엣 "들었나요"의 진정한 의미가 있지 않습니까? 들었습니까, 한숨을 쉬었습니까, 한숨을 쉬었습니까, 오시겠습니까? 이 모든 음악적 및 시적 모티프는 기괴한 연관성 합자로 통합되어 억양의 시간과 공간에서 완전히 분리 된 것처럼 보입니다. 1816년 푸쉬킨의 비가의 한 구절; 1842년 Golovachev-Varlamov의 감상적인 로맨스의 제목과 후렴구; 작가 푸슈킨이 1831년에 완성한 소설에서 아이러니한 미소를 지으며 영웅 렌스키의 입에 집어넣은 시; 그리고 마지막으로 차이코프스키의 1877 년 오페라의 영웅 인 또 다른 Lensky의 아리아에서 비극적 인 높이로 올라간 같은 구절입니다. 그러나 모든 불일치에 대해 그들은 한 가지에 가깝습니다. 각각, 때로는 소심하게, 때로는 더 권위있게 (말해주십시오, 아름다움의 처녀-이것이 Sergei Yakovlevich Lemeshev의 목소리가 들리는 방식입니다) a 감수성에 대한 요청, 기억에 대한 요청, 영원에 대한 한숨 .

그래서 우리의 "감성적인"듀엣이 중요한 역할을 한이 "서정적 장면"에서 과거, 현재, 미래가 절망적으로 뒤섞였습니다. 1879 년 3 월 오페라의 첫 번째 청취자가 어떻게 인식 할 수 있는지 상상해보십시오 (Onegin의 첫 번째 공연과 관련된 자료를 수집하고 요약하려는 첫 번째 시도는 A.E. Sholp가 수행했습니다. 참조 : Sholp A.E. 차이코프스키의 "Eugene Onegin". , p.5.). 그 후 국가 신사에 대한 신성 모독에 대한 이야기로 여론이 동요되었습니다. I. S. Turgenev가 L. N. Tolstoy에게 보낸 편지에 대한 소문이 있었는데, 특히 차이코프스키의 "Eugene Onegin"이 피아노 악보로 파리에 도착했습니다. 의심 할 여지없이 멋진 음악 : 서정적 멜로디 구절이 특히 좋습니다. 그러나 얼마나 큰 대본입니까! 상상해보십시오 : 캐릭터에 대한 푸쉬킨의 시가 캐릭터 자체의 입에 들어갑니다. 예를 들어 Lensky에 대해 다음과 같이 말합니다. IS Full.vol.12, M.-L., 1966. Ivan Sergeevich에게 경의를 표해야하지만이 경우에는 그가 과장했지만 (Lensky 부분에는 그러한 단어가 없음) 기본적으로 그는 옳았습니다. 오페라 차이코프스키에서 푸쉬킨의 아이러니로 끝났습니다.여 주인공은 여전히 ​​타티아나였습니다 (한때 작곡가는 그녀의 이름을 따서 오페라 전체의 이름을 짓고 싶었습니다. 그러나 영웅은 더 이상 오네긴이 아니었고 초점이 바뀌 었습니다. 차이코프스키는 진정한 영웅이 Lensky - "사랑의 가수, 그의 슬픔의 가수." 운명적인 푸쉬킨 결투 이후 불과 40년이 흘렀다는 것을 잊지 말아야 합니다.Pyotr Ilyich의 서클에는 Alexander Sergeevich를 개인적으로 아는 사람들이 포함되었습니다. 그의 생애 말년은 시인의 이른 죽음을 애도했고, 차이코프스키와 동시대를 살았던 나이 많은 사람이었습니다. 그는 불과 몇 달 동안 초연 오페라를 보기 위해 살지 않았습니다. 우리가 무슨 아이러니를 말할 수 있겠습니까?

초연 당일의 기억은 Modest Tchaikovsky에 속합니다. , 그의 대변인은 그의 편지 중 하나에서 Turgenev였으며, 대담한 음악 자체를 만나기 전에 상상하고 작곡에 반대하며 "신성 모독"이라는 단어가 홀을 휩쓸 었습니다 (Sholp A.E. "Eugene Onegin", p. 9). 이제 막이 오르기 전의 대중의 모습을 상상하는 것은 어렵지 않다. 모두가 불멸의 푸쉬킨의 시가 들리기를 기다리고 있습니다. 시의 첫 줄-가장 정직한 규칙의 삼촌 ..-모든 사람의 입술에 있습니다. 인트로 같네요. 드디어 커튼이 열렸습니다. 그리고 뭐? 소설과 관련이없는 텍스트의 듀엣은 다양한 음악적 해석으로 여러 번 들었던 잘 알려진 푸쉬킨의 텍스트이지만. 이러한 조건에서 그것은 오페라의 서문으로 인식될 수 있습니다.

“Epigraph는 저자가 에세이의 텍스트 또는 그 일부의 텍스트 앞에 배치하고 일반적으로 잘 알려진 텍스트의 인용문을 나타내는 비문으로 미리 본 주요 갈등, 주제, 아이디어 또는 분위기를 표현합니다. 독자의 인식에 기여합니다.”라고 Brief는 말합니다. 문학 백과사전(KLE, M., 1972, vol. 8, p. 915). 서문의 아이디어가 푸쉬킨 자신의 운문 소설에 의해 "촉진"될 수 있다는 것이 궁금합니다. 또한 수많은 회상, 인용, 암시, 비문, 그리고 마지막으로 헌신이있는 소설의 텍스트는 작곡가가 푸쉬킨에 대한 숨겨진 헌신을 그의 오페라에 도입하도록 영감을 줄 수 있었으며 듀엣 "Did You Hear"가되었습니다. 이런 종류의 선례는 이미 러시아 오페라에서 일어났습니다. Glinka의 Ruslan과 Lyudmila에서 Bayan의 두 번째 노래를 생각해 봅시다.

그러나 수세기가 지나고 가난한 가장자리에
놀라운 몫이 내려올 것입니다.
조국의 영광 속에 젊은 가수가 있다
황금 현에서 노래할 것이다...
그리고 그녀의 기사와 함께 우리에게 Lyudmila
망각에서 저장하십시오.
하지만 가수의 지상 생활은 길지 않다.
e-devils-ah가 아닌 모든 e-sme-e-erty!

차이코프스키가 그토록 찾던 줄거리는 1877년 5월 마침내 찾아냈다. 작곡가는 유명한 아티스트 가수 Lavrovskaya와 그의 오랜 친구와 함께 앉아있었습니다. 대화는 오페라 대본에 관한 것이었고 차이코프스키는 Lavrovskaya의 남편이 독창적으로 제안한 가장 불가능한 음모를 고뇌하며 들었습니다. Elizaveta Andreevna는 조용하고 친절하고 답답하게 미소를지었습니다. 그러자 그녀는 갑자기 이렇게 말했습니다. “왜 유진 오네긴을 데려가나요? 푸쉬킨의 시적 소설을 오페라로 바꾸는 아이디어는 차이코프스키에게 터무니없는 것처럼 보였고 그는 대답하지 않았습니다. 그러다 선술집에서 혼자 식사를 하던 중 갑자기 오네긴이 생각나 생각에 잠기더니 갑자기 동요하게 된다. 집에 가지 않고 그는 서둘러 푸쉬킨을 찾았습니다. 그것을 찾은 그는 서둘러 그의 자리로 가서 기쁨으로 다시 읽었습니다. 그런 다음 그는이 멋진 오페라의 대본을 작성하면서 잠 못 이루는 밤을 보냈습니다. 이제 그는 완전히 확신했습니다.

소설의 주요 줄거리는 "주인공 운명의 전환점에 대한 아이디어를 줄 수있는 7 개의 그림을 형성하여 그의 관점에서 스스로 결정했습니다. 1) Larins의 집에서의 저녁과 Tatyana의 첫 번째 Onegin과의 만남, 2) Tatyana의 유모와의 야간 대화 및 Onegin에게 보낸 편지, 3) 정원에서 Onegin의 엄격한 책망, 4) Larins의 생일 무도회 및 Lensky와 Onegin 간의 갑작스러운 싸움, 5) 결투와 죽음 Lensky, 6) 상트 페테르부르크 "큰 사회"에서 Onegin과 Tatyana의 새로운 만남, 7 ) 마지막 비극적 날짜.
이러한 장면들은 음악과 자연스럽게 어울리며 로맨틱한 라인의 논리적인 전개를 선사했다.
다음날 차이코프스키는 친구 Shilovsky에게 가서이 시나리오에 따라 즉시 대본을 쓰도록 그를 설득하기 시작했습니다. “당신은 내가 이 이야기에 어떻게 들어가게 될지 믿지 못할 것입니다. 에티오피아의 공주들, 파라오들, 독살들, 온갖 종류의 죽마들을 제거하게 되어 얼마나 기쁩니다! Onegin의 시의 심연! 나는 틀리지 않았다. 나는 이 오페라에서 무대 효과와 움직임이 적다는 것을 안다. 그러나 일반적인시, 인간성, 줄거리의 단순함과 뛰어난 텍스트가 이러한 단점을 대체하는 것 이상일 것입니다.”라고 그는 형제에게 썼습니다.

요즘 차이콥스키는 스스로 푸쉬킨을 재발견하는 것 같았다. 지금까지 푸쉬킨의 시에서 그를 기쁘게 했던 모든 것, Davydovs의 이야기와 회고록을 통해 나온 Glinka와 Dargomyzhsky의 작품을 통해 그에게 영향을 준 모든 것, 이 모든 것이 소설의 이미지에서 드러났고, 작곡가.
시인이 일상 생활을 매우 밀접하게 접한 다음 갑자기 가장 복잡한 철학적 및 심리적 일반화로 넘어가는이 놀랍도록 생생한 작품에서 차이코프스키는 근대성의 구체화에 대한 열쇠를 찾았습니다. 푸쉬킨은 친밀하고 잘 알려진 사람들을 바라보는 정확한 솔직함으로 거의 가정적인 편안함으로 캐릭터의 삶과 관계를 묘사했습니다. 그러나 이 견해는 우리 주변 세계에 대한 일상적인 태도와는 얼마나 거리가 먼 것입니까! 그의 세기의 특징을 포착 한 시인은 러시아 사회의 근본적인 속성을 묘사 할 수 있었고 그의 영웅들에게 사람들의 삶의 위대한 시작을 구현하고 영적 탐구에서 동일한 강력한 근원의 발전을 포착했습니다. 역사적 과거의 고귀한 이미지에 영양을 공급했습니다. 그는 이것에 대해 꿈꿨고 차이코프스키 자신도 겨울 꿈, 사중주, 로맨스를 만들 때 이것을 열망했습니다. 작곡가는 주변 환경을보고 느끼고 일반화하는 비슷한 능력을 느꼈지만 아직 오페라 이미지로 구현할 수 없었습니다. 이제 마침내 그에게 수년 동안 그토록 필요했던 극적 예술의 영역이 마침내 열렸습니다.
차이코프스키의 전임자와 동시대인들은 비극과 멋진 작품푸쉬킨; 차이코프스키의 생각은 불멸의 Onegin의 서정적-철학적 및 서정적-일상의 흐름에 의해 수정되었습니다.
오페라 작업은 잠시 동안 모든 것을 제쳐두십시오. 행복하고 힘든 경험은 엄청난 영적 고양감, 충만감, 일반적으로 영감에 수반되는 감정의 열정적 집중에 녹아 있습니다. 이 상태는 Onegin이 생성되는 몇 달 동안 차이코프스키를 거의 떠나지 않았습니다.
작곡가의 손에는 오페라에서 완전히 특이한 소재가있었습니다. 모든 단순함과 무능함에 대해 풍부한 생각, 감정, 음영, 때로는 모순되는 것처럼 보였습니다.
천재의 용기로 푸쉬킨은 서정적, 서사적, 철학적, 일상적인 스케치를 임의로 결합하여 소설의 경계를 넓혔습니다. 예기치 않게 작가의 관점을 바꾸면서 그는 내부에서 사건을 밝힌 다음 외부에서 사건을 밝혔습니다. 여담, 때때로 얼굴 표정, 대화 및 마음 상태의 미묘한 뉘앙스에 주목하면서 그의 캐릭터를 독자에게 가까이 가져 왔습니다. 이러한 가벼운 터치로 시인은 자신의 이미지에 생생한 매력을 부여하고 이야기에 너무 많은 움직임과 생명을 불어 넣어 소설을 읽는 동안 무의식적으로 음악이 태어난 것처럼 보였습니다.
그러나 실제로 이를 바탕으로 음악적이고 극적인 이미지를 만들고 음성 억양을 일반화된 멜로디 구조로 연결하고 결합하여 챕터의 자유로운 흐름에 새로운 무대 통일성을 부여하는 것은 매우 어려운 작업이었습니다.
“가장 세심하고 예민하며 동정적인 푸쉬킨의 소설을 읽는 것만으로 열정 만. 푸쉬킨과 문학 작품에 대한 그의 인상을 작곡가에게 음악적으로 전달하려는 열망은 소설의 시대를 양식화하지 않고는 불가능했을 것이지만 차이코프스키의 근대성 조건에서 일반화 된 환생으로 받아 들여 타티아나의 이미지를 만드는 그리고 Lensky는 그들의 인토네이션 테스트에 매우 흥미진진합니다. 적어도 혼자라도!. Asafiev는 오페라를 분석하면서 글을 씁니다.
실제로 차이코프스키는 푸쉬킨의 소설을 열렬한 독자일 뿐만 아니라 70년대의 독립적인 예술가 사상가로 인식하고 전달했습니다. "그는 현대 러시아 여성의 운명과 삶의 투쟁에 대한 자신의 생각을 오페라에서 구현하고 그녀의 영적 세계, 행복에 대한 이해, 윤리적 원칙을 드러냈습니다. 그는 푸쉬킨에서 "경험하고 다시 -그 자신이 느꼈다"고 지난 몇 년간 그리워했다.
다른 시대의 사람의 눈으로 "Onegin"을 읽는 것은 이미 거대한 재료똑같이 적극적으로 "음악을 요청"한 작곡가는 푸쉬킨의 시간과 환경과 너무 밀접하게 관련된 많은 것을 제외하고 가장 기본적인 것만 선택했습니다. 예를 들어 소녀 점술의 멋진 장면이나 타티아나의 꿈 장면이 있습니다. 그러한 에피소드는 누구에게나 보물이었습니다. 오페라 작곡가, 특히 The Blacksmith Vakul에서 일상적이고 환상적인 요소를 구현하는 능력을 입증 한 차이코프스키에게. 그러나 그는 이러한 장면을 오페라로 옮기고 싶은 유혹을 피했다. 또는 그가 그들에 대해 생각하지 않았을 수도 있고 그가 푸쉬킨의 소설 삽화를 쓰지 않았기 때문에 정확하게 오지 않았지만 그 기초를 바탕으로 러시아 사회에 대한 독립적인 극적인 내러티브를 만들었습니다.
일상적인 장면 중 작품을 현재에 더 가깝게 만들고자하는 작곡가의 열망과 모순되지 않는 장면 만이 오페라에 들어갔습니다. 상황, 만남, 일상적인 관계는 청취자를 먼 과거로 데려 가지 않았습니다. 오페라 무대에서 일어난 모든 일은 사실 차이코프스키 시대에 일어났을 수 있습니다. 따라서 차이코프스키가 소설에 묘사 된 일상 생활의 모든 특징을 가지고 오페라로 옮긴 Larin 저택의 마을 무도회는 예를 들어 잼 요리와 같이 70 년대 지주 생활의 변함없는 표시로 남아있었습니다. 그는 상트 페테르부르크 상류 사회에서 오페라와 화려한 공에 들어갔습니다. 그의 전통적인 특징도 오랫동안 흔들리지 않았습니다. 모스크바 데뷔 장면
Tatyana, 수많은 이모와의 만남, Tchaikovsky는 약간의 망설임 끝에 거부되었습니다.
사실, 작곡가의 주장에 따라 공연을 할 때 푸쉬킨 시대의 특징이 의상과 풍경에서 정확하게 재현되었습니다. 그러나 당시 20년대의 장원과 수도의 건축, 심지어는 의상까지도 지나간 시대의 흔적이라기보다는 유년기나 청춘의 추억으로 인식되었다. 그들은 여전히 ​​70년대의 일상과 연결되어 있었고 푸쉬킨의 시처럼 무대 액션에 특별한 매력을 부여했습니다.
그래서 차이코프스키는 자신의 생각과 관찰, 러시아 생활에 대한 자신의 경험과 지식으로 푸쉬킨의 썩지 않는 이미지를 보완하여 현대인에게 그를 매료시키고 사로 잡은 중요한 것을 예술로 구현하여 오페라를 썼습니다.
푸쉬킨의 소설이 그의 동시대인의 성격을 포착한 것처럼, 시인이 젊은 시절과 성숙한 전성기에 알고 있던 러시아 소녀와 여성의 특성(Trigorsky의 이웃인 Raevsky 자매의 이미지) , Zinaida Volkonskaya), 그래서 오페라에서 차이코프스키의 이미지는 작곡가 자신의 삶에서 두드러진 역할을 한 사람들에 대한 아이디어를 통합했습니다. Kamensky 주민들의 일반화 된 모습은 Pushkin의 Tatyana (노인의 젊음에 대한 기억, 분명히 작곡가와 시인의 의도 사이의 살아있는 연결 고리 역할을 함)와 유사합니다. 인생, 마침내 여성 유형현대 작가의 소설 속 인물-Turgenev, Tolstoy, Goncharov-이 모든 인상 실생활문학은 하나를 다른 하나 위에 겹쳐서 푸쉬킨의 이미지와 병합하여 오랫동안 친숙한 연에서 들리는 새로운 하위 텍스트를 만들었습니다. 이것이 Tatyana가 두 번째로 일어 났고 Lensky와 Onegin이 Pushkin뿐만 아니라 Tchaikovsky도 두 번째로 일어난 방법입니다.
Pushkin의 Onegin과 같은 작품을 다룰 때 작은 것에서도 원본을 포기하는 것은 매우 어렵습니다. 그러나 차이코프스키는 소설에서 가장 썩지 않고 살아있는 것, 즉 예술과 현대성의 연결 느낌을 오페라 무대에서 보존하기 위해 절대적으로 이것을해야했습니다. 예, 그는 젊은 여성이 20 대 스타일로 듀엣을 부르고 그 / 시대의 의상을 입었지만 새로운 Tatyana를 만들었습니다. 그러나 이것은 푸쉬킨의 타티아나의 미신과 달콤한 "야생"이 없지만 활동적인 삶과 고양 된 사랑에 대한 동일한 갈증을 가진 70 년대의 타티아나입니다. 1920년대 소녀에게 여전히 무의식의 이상이었던 것이 차이코프스키의 동시대인들에게 본격적으로 드러났고, 러시아 여성 캐릭터의 영웅적 결의를 드러냈다. 훗날 톨스토이, 네크라소프, 투르게네프가 받아들인 푸쉬킨의 뛰어난 통찰력은 차이코프스키의 음악적 특성화에도 구현되었다.
우리의 연극 및 연구 실습에서 종종 실수가 발생합니다. 오페라 "Eugene Onegin"을 분석하고 해석 할 때 그 이미지는 문자 그대로 소설의 이미지와 비교되며 음악이 동시대 시인이 아니라는 사실을 잊고 그러나 70년대 후반의 남자에 의해.
이것은 차이콥스키가 그의 개념의 대담함으로 극복했던 오페라를 되돌려줍니다. 의상, 일상, 건축 및 회화적 순간(허용되고 필요한 둘 다) 측면에서 그의 작품을 푸쉬킨 시대의 정신으로 양식화합니다. 또한 생각, 감정 및 성격의 해석에서. . 따라서 오케스트라 소개에서 Tatyana를 특징 짓는 화려한 테마는 대부분의 음악가가 꿈꾸고 한숨을 쉬며 낭만적으로 해석합니다. 그러나이 해석은 본질적으로 차이코프스키의 음악을 전혀 언급하지 않고 Tatyana의 청소년기에 대한 Pushkin의 설명을 의미합니다.

Dika, 슬프고 침묵,
숲의 암사슴처럼 겁이 많고,
그녀는 그녀의 가족
낯선 소녀처럼 보였다.
그녀는 발코니에서 사랑
새벽 새벽 경고
창백한 하늘에 있을 때
별은 라운드 댄스로 사라집니다.
그녀는 일찍부터 소설을 좋아했고,
그들은 그녀를 위해 모든 것을 대체했습니다.
그녀는 속임수와 사랑에 빠졌다
그리고 리차드슨과 루소.

사실, 대본을 쓰는 차이코프스키는 푸쉬킨의 책에서 타티아나의 꿈과 낙담을 특징 짓는 줄을 그었습니다. 그러나 결국 이것은 초기 생각의 결과, 초기 충동의 결과였으며 그 후 작가의 계획은 다른 방향으로 바뀌 었습니다. 악순환의 감각에서 벗어나고 싶은 욕망처럼 서론의 첫 번째 구절에서 숨겨진 긴장과 효과를 이미 느끼지 않을 수 있습니까? 근거 없는 꿈보다는 끈질긴 생각의 작업이 반영된 것이 아닐까? 그리고 이 영적 안절부절 못함은 서론의 추가 전개에서 동일한 주제가 제시되는 열정적인 솔직함에서 확인되지 않습니까? 여기에서 소심한 소녀의 꿈보다 중요한 활동, 의지에 대해 이야기 할 수 있으며 전체 소개는 전환점에 대한 조심스럽고 참을성없는 기대를 전달합니다.
이것은 Larins 영지의 가부장적 삶을 특징 짓는 음악 자료와 비교할 때 특히 분명해집니다. 집에서 나오는 elegiac 듀엣, 어머니와 유모 사이의 평화로운 대화, 바쁜 요리 잼-결국 러시아 소녀의 영적 필요로 인해 오랫동안 비좁은 애정이 넘치고 활동적이지 않은 세상입니다. 첫 번째 그림에서 Tatyana가 거의 음소거인 것은 우연이 아닙니다. 그녀가 어머니와 누이에게 대답하는 몇 마디는 아직 자신과 자신의 힘을 알지 못하는 어린 소녀의 무대 개요를 간신히 설명합니다.
그러나 오케스트라가 서곡에서 그녀를 위해 말했던 것처럼 이제 합창단이 말한다. 민요, 멀리서 웅장하게 펼쳐지는(“곧 일 때문에 다리가 아프다”), 뒤따르는 춤의 격렬한 재미(“다리를 건너는 다리 같다”)는 4중주의 고요한 평화를 방해한다(“습관이 위로부터 우리에게 주어진다”); 일, 슬픔, 재미가있는 농민 생활이 잠시 Larins의 울타리가 쳐진 세계로 터져 다른 삶의 규모에 대한 아이디어를 불러 일으켜 발전을 기대합니다. 더 많은 음악적, 심리적 갈등의. 이것은 Tchaikovsky가여 주인공에 대한 Pushkin의 긴 설명을 요약하는 방법입니다. Tatyana의 어린 시절, 청소년기의 꿈 및 사람들과의 영적 연결에 대한 무의식적 느낌에 대한 설명입니다.
성격의 시적 공개의 복잡한 과정은 무대 이미지의 대조되는 변화에 반영되었습니다. 소개에서 생각과 느낌의 불안한 발효, 가부장적이고 흔들리지 않는 것처럼 보이는 부동산 생활.
작곡가의 모든 것! 이 행위는 푸쉬킨의 아이디어를 가져왔으며 중심 이미지의 중요성만을 강조합니다. 러시아 여성의 운명, 그녀의 영적 자질의 자유로운 발전 가능성에 대한 생각은 차이코프스키의 마음에 비정상적으로 가깝습니다. 그는 호기심 많은 마음, 선에 대한 어린아이 같은 믿음, 인생의 시련에 직면한 두려움 없는 그의 동시대 사람들의 성격에서 관찰했을 수 있는 조합에 매료되고 흥분했습니다. 이 모든 것을 그는 Tatyana의 편지 장면에서 그가 오페라를 쓰기 시작한 "자본"장면에서 표현하기 위해 노력했습니다.
Onegin의 세 번째 장이 Pushkin에 의해 처음 출판되었을 때여 주인공의 편지는 흥분과 논란을 불러 일으켰습니다. Tatyana는 사랑했을뿐만 아니라 오랜 세월 동안 영적 외로움이 그녀의 영혼에 축적 된 모든 것을 그녀가 선택한 것을 믿었습니다. 이것은 푸쉬킨의 동시대 사람들을 사로 잡은 영혼의 위대함을 나타내는 깊이, 고귀함 및 단순함의 사랑 메시지를 제공했습니다.
이제 70 년대에 오페라에서이 장면의 두 번째 "탄생"이 다시 청중을 강타했습니다. 차이코프스키의 음악은 마치 멜로디가 동시에 태어난 것처럼 유연한 억양과 리듬으로 편지의 텍스트를 순수하게 구현했습니다. 텍스트; 동시에 그들의 활동적이고 성급한 그림은 푸쉬킨의 타티아나 이미지에 대한 일반적인 생각을 바꾼 몇 가지 새로운 속성을 반영했습니다.
차이코프스키의 음악은 성실하고 계몽적이며 시적이며 숭고할 뿐만 아니라 활동적이고 극적이며 지배적이기까지 했습니다. 분위기가 대조되는 에피소드는 끊임없이 증가하는 감정적 인 힘으로 시작되는 날카로운 생각의 변화, 이동 및 변경 가능을 구현했습니다. 이제는 안절부절 못하고 결단력에 도취한 것처럼 이제는 신뢰하는 애무와 엄숙한 엄격함으로 가득 찬 멜로디의 흐름이었습니다.
자유롭게 발전하는 암송은 Tatyana의 초기 열정적 인 고백 ( "Let me die."), 그녀의 감정의 중요성에 대한 그녀의 엄숙하고 확고한 확신 ( "세상에는 다른 사람이 없습니다.") 및 신뢰하고 깨달은 호소를 연결했습니다. 사랑하는 사람에게 ( "당신은 꿈에서 나에게 나타났습니다."), 지속적으로 펼쳐지는 단일 음악 구성의 느낌을 만듭니다. 그리고 Tatyana의 고상한 생각과 격렬한 혼란은 그녀의 독백의 피날레에서 해결되었으며 그 극적인 성격이 놀랍습니다. Pushkin의 Tatyana의 겸손한 간청 - "Imagine, I 'm here alone"- 여기에서 영웅적인 승영의 특징을 얻었고 오페라여 주인공의 입술에 대한 사랑 고백은 행복에 대한 요구로 들렸을뿐만 아니라 새 삶; 차이코프스키는 오케스트라의 사랑이라는 주제의 마지막 소개와 다가오는 아침의 엄숙한 그림을 결합하여 장면의 끝에서 이것을 더욱 강조했습니다. 사랑과 사랑 고백에 대한 설명에서 오페라는 오랫동안 풍부한 표현 수단을 보유하고 있습니다. 그녀는 열정, 부드러움, 엑스터시, 중독, 나른함, 기쁨, 고통의 수많은 색조에 접근할 수 있었습니다. 그러나 사랑의 영향 아래 인간의 영혼에서 일어나는 고무적이고 고양되는 과정을 오페라 무대가 그토록 사실적으로 드러낸 적은 없었습니다. Glinka의 Ruslan과 Lyudmila와 비교할 때에도 Gorislava의 영감을받은 비가와 Ratmir의 열정에 도취 된 아리아는 Rusalka에서 Natasha의 절망 장면과 비교할 때에도 글쓰기 장면은 전례가 없었습니다.
Onegin 이전의 모든 오페라 문학에서 우리는 그러한 사랑 고백에 대한 해석을 만나지 않을 것이라고 주장 할 수 있습니다. 차이코프스키 이전에는 일반적으로 그러한 볼륨의 서정적 솔로 장면은 상상할 수 없었을 것입니다. 특히 작곡가가 액션의 외부 애니메이션을 거부하고 그의 재능의 모든 힘을 넘어진 소녀의 마음 상태를 전달하는 데 집중했기 때문입니다. 처음으로 사랑에. 그러나 Boris의 Mussorgsky, Rusalka의 Dargomyzhsky, 그의 동화 오페라의 Rimsky-Korsakov, Mozart 및 Salieri의 Tchaikovsky와 마찬가지로 Pushkin의 텍스트에 따라 Tchaikovsky는 캐릭터의 경험을 구현할뿐만 아니라 전달하는 것뿐만 아니라 장면의 분위기가 아니라 일어나고 있는 일의 윤리적 의미를 드러내기 위해서입니다.
오페라 하우스로서는 이례적인 이 해석에서 차이코프스키의 동시대적 개념과 견해가 반영된 것을 볼 수밖에 없습니다. . 그리고 이러한 이데올로기적 열정, 그의 삶을 변화시키려는 의식적인 욕망의 대부분은 차이코프스키가 그의 여주인공의 외모에 투자했습니다.
아마도 혼란을 이해할 수 있습니다. 뉴 오페라푸쉬킨 시의 "불가침성"에 대한 열광자들과 비평가 언론의 페이지에서 자주 들리는 푸쉬킨의 텍스트에 대한 작곡가의 "무례한"처리에 대한 공격을 불러 일으켰습니다. 소설은 이미 많은 사람들에게 "박물관 가치"로 인식되었으며 지속적으로 발전하는 삶의 시작을 오페라에서 포착하려는 차이코프스키의 시도는 신성 모독처럼 보일 수 있습니다.
그러나 소설을주의 깊게 다시 읽으면 차이코프스키가 새로운 시대의 특징을 푸쉬킨의 이미지에 임의로 부여하지 않았고 시인의 아이디어를 그의 시대의 요구에 기계적으로 종속시키지 않았지만 매우 미묘한 것을 발견했다는 것을 알 수 있습니다. , 그러나 동시에 작품의 텍스트 자체에서 푸쉬킨의 시간과 자신의 시간 사이에 강력한 연결이 있습니다.
푸쉬킨의 가장 풍부한 특성화에서 그는 가장 중요한 것으로 판명되고 미래에 가장 강력한 촬영을 제공하는 중요한 기능을 선택했으며 Tatyana의 이미지를 20 대 현상으로 제한하는 기능을 다소 약화했습니다. 그래서 그의 음악적 특성화에서 그는 푸쉬킨 시대 소녀의 전형적인 모습과 프랑스 소설에 대한 열정의 전형적인 환상에 빠지는 순진한 능력을 거의 다루지 않았습니다. 푸쉬킨의 성격 화의 다른 측면은 그에게 결정적인 것으로 밝혀졌습니다. 그렇게 구체적으로 매일이 아니라 예기치 않게여 주인공의 내면 세계를 강하게 비추는 것입니다. 우리는 Pushkin이 경험이없는여 주인공을 공격으로부터 보호하려는 라인에 대해 이야기하고 있습니다.

Tatyana가 더 유죄 인 이유는 무엇입니까?
달콤한 단순함에
그녀는 거짓말을 모른다
선택한 꿈을 믿습니까?
예술 없이 사랑하는 것을 위해,
감정의 끌림에 순종하며,
그녀는 얼마나 신뢰하는가
하늘이 주신 것
반항적인 상상,
정신과 의지는 살아있다,
그리고 엉뚱한 머리
불타고 부드러운 마음으로?

이 마지막 줄, 이 변덕스러운 머리와 반항적 인 상상력, 즉 성격의 독창성과 독립성, 불 같은 생각과 감정, 생생한 마음과 의지는 차이코프스키에게 이미지의 음악적 해석을위한 주요 자극을주었습니다.
이 새로운 조명에서 여주인공의 극적인 모습이 더욱 선명하게 드러났고 심리적 색채가 짙어졌습니다. 그래서 차이코프스키 오페라의 타티아나가 푸쉬킨의 오페라보다 다소 나이가 많은 것 같습니다. 그녀의 사랑은 푸쉬킨의여 주인공에 대한 사랑보다 더 열심히 표현되며 삶에 대한 그녀의 목표와 생각은 더 명확 해 보이며 그녀의 행동은 더 의식적입니다. 이것은 소녀가 아니라 영적 힘이 한창인 소녀입니다.
이것은 시적 즉각성의 상실로 간주되어서는 안되며 푸쉬킨의여 주인공에 매료됩니다.
Tatyana Tchaikovsky에서는 다른 시대, 심지어 다른 사회적 환경의 특징이 나타났습니다. 그녀의 의식은 이미 깨어 났고 Pushkin의 "잠들지 않는"(Belinsky의 표현) Tatyana는 맹목적인 본능으로 이해하고 나중에야 자신에게 설명했습니다. , Onegin의 도서관에서 책을 읽은 후 첫 번째 단계에서 Tatyana Tchaikovsky에게 공개되었습니다. 이것은 편지의 장면뿐만 아니라 흥분으로 숨이 막히는 Tatyana가 Onegin의 평결을 기다리고있는 그녀의 비극적 인 순간에도 Onegin과의 관계에 대한 해석에 분명히 반영됩니다. 소설에서 혼란스럽고 겁에 질린 소녀는 정원으로 달려가 벤치에 몸을 던졌습니다. 그녀는 "마음의 떨림이 가라 앉고 불타는 뺨이 사라지도록"기다립니다.

그래서 가난한 나방은 빛난다
그리고 무지개 날개로 뛰고,
장난 꾸러기 학교에 매료되었습니다.
그래서 토끼는 겨울에 떨립니다.
갑자기 멀리서 보니
타락한 사수의 덤불에서.

이 거의 유치한 두려움은 오페라에서 용감한 "고통의 예감"으로 대체됩니다. Tatyana의 멋진 아다지오 "아, 왜 병든 영혼의 신음 소리를 들었습니다.", 그녀의 충동적인 모습과 첫 번째 흥분된 느낌표에 따라 "오, 여기 그가 여기 유진입니다!" 운명, 아무리 잔인하더라도 BE. 여기에서 푸쉬킨의 해석과 접점을 찾기가 어려울 것 같지만 그러한 해석의 가능성에 대한 힌트는 정확히 푸쉬킨의 말에 있습니다. "하지만 마침내 그녀는 한숨을 쉬고 벤치에서 일어났습니다." - 미지에 대한 유치한 두려움이 영적 집중으로 대체되었다는 내부 전환점에 대한 생각을 불러 일으 킵니다.
이미지의 모든 추가 개발에서 Tchaikovsky는 동일한 원칙을 따릅니다. Tatyana의 특성화가 그와 동시대의 소녀의 모습과 완전히 일치하지 않는 경우 그는 Pushkin 소설의 하위 텍스트에서 자신에게 필요한 음영을 찾습니다. 푸쉬킨의 텍스트가 작곡가의 극적인 느낌이 그것을 발전시킨 방향으로 이미지 전체를 정확히 드러내는 것을 가능하게 하는 반면, 차이코프스키는 열심히 모든 것을 사용하고 푸쉬킨의 계획에 따라 거의 말 그대로 그의 음악적 특성을 형성합니다.
이것은 타티아나가 유모와의 진심 어린 대화가 시작된 방법입니다. 여 주인공의 겸손한 모습이 그녀의 내면 세계의 긴장과 복잡하게 결합되고 각성 사랑이라는 극적인 주제가 노인의 측정되고 독창적 인 연설을 침범하는 장면입니다. 주변 생활의 편안함과 따뜻함을 유지하는 것처럼 여성.
따라서 상류층 무도회에서 Tatyana의 모습을 동반하는 절제된 매력적인 왈츠가 발생했습니다. 이 새로운 에피소드와 이전 댄스 음악의 비교, 음파의 강도, 오케스트라 색상 및 리드미컬 한 드로잉의 대조는 다음과 같습니다. 그것은 자신의 눈으로 푸쉬킨이 묘사한 장면을 그렸습니다.

그러나 군중은 망설였다
속삭이는 소리가 홀에 퍼졌다.
부인은 안주인에게 다가갔고,
그녀 뒤에는 중요한 장군이 있습니다.
그녀는 서두르지 않았다
차갑지 않고 수다스럽지 않습니다.
모든 것이 조용하고 그냥 그 안에 있었습니다.

느긋하고 세상 친화적 인 왈츠 멜로디는 이전의 Tatiana의 성급한 음악적 특성과 현저하게 다르기 때문에 그 자체로 청취자에게여 주인공과 함께 일어난 심오한 변화에 대한 아이디어를 줄 수 있습니다. Tatyana와 Onegin의 만남은 동일한 간결하고 의도적으로 절제된 톤으로 구현됩니다. 여기에서도 시인을 순종적으로 따르는 차이코프스키는 이전 타냐와 새롭고 세속적인 타티아나 사이의 대조를 가장 훌륭한 심리적 획으로 강조합니다.

공주는 그를 바라본다.
그리고 그녀의 영혼을 괴롭힌 것은 무엇이든,
그녀가 아무리 힘들어도
놀라다, 놀라다
그러나 아무것도 그녀를 바꾸지 않았습니다.
그녀는 같은 톤을 유지했습니다.
그녀의 활은 조용했습니다.
그녀가 물었다,
그는 여기에 얼마나 오래 있었습니까? 그는 어디에서 왔습니까?
그리고 그들의 편이 아니라?
그런 다음 그녀는 남편에게 돌아섰습니다.
피곤한 표정; 미끄러졌다.
그리고 그는 움직이지 않았습니다.

표현력이 풍부한이 장면에서 작곡가는 감히 변경하거나 강화하거나 배치하지 않고 더 광범위하고 전통적인 오페라 개요를 회의에 도입했습니다. 그에 의해 추가 된 Tatyana의 흥분된 문구를 제외하고 차이코프스키는 푸쉬킨 텍스트의 억양에 대한 경계심과 슬픈 소외를 음악적 구조로 경건하게 옮겼습니다.
이 놀라운 전송 정확도와 함께 같은 그림에서 차이코프스키가 새로운 캐릭터의 특성화를 급진적으로 변경하기로 결정한 용기가 이상하게 보일 수 있습니다. Tatyana의 남편 Gremin은 Onegin에게 아내에 대한 사랑을 고백합니다. 존경심, 존경심, 무한한 헌신으로 그녀에 대해 말하는 것은 Tatyana가 비자발적으로 결혼 한 사람이 될 수 없었습니다. 왜냐하면 그녀에게는 "모든 것이 동등했기 때문입니다." Tatyana의 영적 세계를 이해하고 감사하게 된 Tchaikovsky의 Gremin은 "
!아내를 따라 "모든 사람과 그의 코와 어깨를 키운"장군. 차이코프스키의 해석에서 타티아나의 결혼 동기는 푸쉬킨의 소설과는 다른 특별한 의미를 얻습니다. 운명에 수동적으로 복종하는 것이 아니라 의식적으로 결정그녀의 선택을 정당화하고 Tatyana의 가족 생활을 행복하지 않더라도 의미있게 만들 수 있습니다. 이 상황은 작곡가의 의도에서 중요한 역할을 합니다. Tatyana의 이미지에서 그녀를 동시대 사람들과 더 가깝게 만든 기능을 강화하고 강조한 차이코프스키는 분명히 푸쉬킨이 제안한 결론에서 멈출 수 없었습니다. 가족 관계의 본질이 더욱 성숙해졌고, 그녀의 역할은 공적 생활에서 그녀를 극적으로 변화시켰으며, 푸쉬킨의 개념을 발전시키지 않고는 작곡가가 그의 여주인공의 이미지에 소설의 마지막 장면이 소유한 감정적 완성도를 부여할 수 없었을 것입니다. 1920년대의 시각. 체념한 의무 이행뿐만 아니라 존재의 내적 정당성에 대한 의식도 도움이 되었을 것이다. 새로운 타티아나그녀가 경멸하는 세속적 환경에서 자신감 있고 침착하며 위엄을 유지하려면 Onegin에 대한 소녀의 열정이 같은 힘으로 타오르는 순간에 그녀가 자신에 대처하는 데 도움이 되었어야했습니다.
스토리 라인에 대한이 새로운 솔루션은 푸쉬킨이 아니라 Goncharov, Turgenev, Tolstoy ( "Cliff", "Nov", "Rudin", "War and Peace")의 작품에서 낭만적 인 충돌에 의해 작곡가에게 촉발되었습니다. 마지막 장의 독자는 영웅의 개인적인 운명에서 날카롭지만 논리적인 전환을 목격하게 됩니다. 이 결말은 시적 꿈, 충동 및 검색에 대한 실생활 관계와 실제 작업에 반대하려는 예술가의 열망으로 설명되었습니다.
차이코프스키는 그의 시대의 이러한 대립적 특징을 차용하면서 동시에 1920년대에 대해 폭력을 행사하지 않았다.
푸쉬킨 시대의 러시아 사회는 개방적이고 정직하며 끈질긴 사람들을 알고 있었으며 그의 이름은 후손들에게 존경심을 가지고 발음되었습니다. 용감한 참가자들이었습니다. 애국 전쟁,-1812 년의 "전투에서 절단 된"영웅들은 성숙함과 견해의 독립성으로 무장하고 민간인 생활로 돌아 왔습니다. 그들 중 최고는 법정 생활의 반동적 방식에 대한 증오를 공개적으로 표현했습니다. Pushkin이 가장 좋아하는 Nikolai Nikolaevich Raevsky와 Vasily Davydov는 Raevsky 딸의 남편 인 Orlov와 Volkonsky였습니다.
이것이 차이코프스키와 그의 그레민이 볼 수 있었던 방법입니다. 작곡가가 6 장 끝에서 그의 입에 비난 대사를 넣은 것은 우연이 아닙니다 (이 대사는 Onegin의 초판에 존재했지만 나중에 저자에 의해 제외되었습니다).

그리고 당신, 젊은 영감,
내 상상력을 자극
마음의 잠을 되살려,
더 자주 내 코너에 오세요.
시인의 영혼을 식히지 말고,
굳히다, 굳히다
그리고 마침내 돌로 변해
치명적인 빛의 엑스터시에서.
영혼 없는 교만한 자들 가운데,
똑똑한 바보들 사이에서
교활하고 비겁한 사람들 사이에서
미친, 버릇없는 아이들,
악당과 재미 있고 지루한
멍청하고 다정한 판사들,
경건한 coquettes 중.
자발적인 노예들 사이에서
일상의 패션 씬 중에서도
정중하고 애정 어린 배신,
차가운 문장 중에서
잔인한 허영심,
황량한 공허 한가운데서.
계산, 생각과 대화,
너와 함께 있는 이 수영장에서
친애하는 친구들이여, 수영하세요.

차이코프스키는 분명히 "젊은 영감"에 대한 시인의 진심 어린 호소와 공적 생활의 추악한 측면에 대한 사악하고 정확한 열거의 대조에 매료되었습니다. 이 대조는 Gremin의 아리아의 기초를 형성했습니다. Tatiana는 영감에 비유됩니다 ( "그녀는 맑은 하늘에서 밤의 어둠 속에서 별처럼 빛나고 그녀는 항상 빛나는 천사의 광채로 나에게 나타납니다"), 그리고-그녀의 영적 순결에 대한 열광적 인 묘사는 세속 폭도들의 분노하고 경멸적인 비난에 반대합니다.
멜로디 라인의 고상한 부드러움, 고요함 및 폭 넓은 사운드로 매혹적인 Gremin의 독백은 왕자의 모습을 특징 짓는 동시에 Tatyana를 둘러싼 의미있는 분위기를 조성합니다.
공연에서이 아리아의 극적인 역할은 매우 중요합니다. 그것은 Onegin의 예기치 않은 사랑에 빠지는 것이 오페라에서 부자연스러워 보였을 예비 심리적 준비, 즉 "조율"을 제공합니다. 푸쉬킨이 여러 연에 걸쳐 전개한 갑자기 깨어난 감정에 대한 복잡한 분석은 짧은 극적인 장면의 구조에 거의 맞지 않으며, 그레민의 아리아가 아니었다면 그의 동기는 필연적으로 가장 단순한 것인 Onegin으로 귀결될 것입니다. , Tatiana를 상류 사회의 여왕으로보고 그녀의 영혼을 되찾고 싶은 질투와 탐욕을 느꼈습니다.
일곱 번째 장면에서 이 아리아의 멜로디 소재는 다시 타티아나의 모습을 묘사하는 데 결정적인 역할을 합니다. 시작 테마 Gremin의 아리아는 그의 사랑의 주제입니다(“모든 연령대는 사랑에 복종합니다”). 사실, 여기에는 마이너 키로 나타나며 약간 수정 된 엔딩으로 멜로디를 원래 사운드로 꾸준히 되돌려 고통스럽게 슬픈 톤을 제공합니다. 그것은 또한 Greminian 멜로디의 폭, 자유롭고 개방적인 흐름이 부족합니다. 좁은 공간에서 압착되고 닫히고 리버스 멜로디 움직임은 이러한 제약의 인상을 강화할 뿐입니다. Gremin의 아리아에 자신감과 위엄을 부여하는 절제된 반주는 구성의 단조로움을 강조합니다. 그럼에도 불구하고 우리는 Gremin의 사랑이라는 주제를 인지하고 있습니다.
Tatyana가 무의식적으로 "오, 나에게 얼마나 힘든지! "라는 첫 말을 할 때, 우리는 이미 길고 고통스러운 반성을 통해 그녀를 따라 간 것 같습니다. 여기에 우리의 책임 의식이 있습니다. 사랑하는 사람의 감정을 넘어설 수 없다는 생각, 이기적인 행복을 쫓는 사람, 선고받는 사람의 고통.
차이코프스키는 푸쉬킨의여 주인공 독백에서 이러한 반성의 주제를 찾았습니다. Tatyana가 마지막 회의에서 Onegin에게 말한 "마음과 마음으로 사소한 노예가되는 방법"이라는 말에서.
이 장면에서 푸쉬킨의 현실적인 방법은 의무와 명예에 대한 추상적 인 논쟁 대신 이러한 개념이 러시아 여성의 영혼과 생각에서 어떻게 자연스럽게 굴절되는지, 함께하는 사람에 대한 그녀의 책임감이 얼마나 안정적인지 보여 주었다는 사실에서 표현되었습니다. 그녀의 운명은 가족의 불가침성에 대한 의식이 얼마나 깊이 뿌리를 내렸는지 연결되어 있습니다. 이미 그 먼 날에 Tatyana Larina가 Onegin에게 보낸 편지에서 숨겨진 생각을 순진하게 밝혔을 때 그녀는 자신의 운명을 예견하는 것처럼 보였습니다.

미숙한 흥분의 영혼
시간과 화해(누가 알겠어?)
마음으로 나는 친구를 찾을 것입니다.
충실한 아내가 될 것입니다.
그리고 좋은 엄마.

차이코프스키의 해석은 변하지 않았지만 더 가까워졌고 동시대 사람들에게 더 시각적으로 만들어졌습니다. 푸쉬킨의 작별 인사는 단순함이 뛰어납니다. “... 하지만 나는 다른 사람에게 주어졌습니다. 나는 그에게 영원히 충실할 것이다.
따라서 문학적 원형에서 차이코프스키의 편차조차도 푸쉬킨의 텍스트에 창의적으로 "익숙해진"결과로 변함없이 발생했습니다.
푸쉬킨 소설의 다른 영웅들과 무엇보다도 Tatyana 이미지의 두 배인 Lensky에 대해서도 마찬가지입니다. 결투에서 우연히 죽은 이상주의 몽상가 인 젊은 시인에 대한 푸쉬킨의 특성화는 그것을 무대로 옮길 때 가장 큰 예술적 재치가 필요했습니다. 민감한 세부 사항, 과장은 Lensky의 역할을 지나치게 한심하거나 감상적이거나 순전히 이상주의적으로 만들 수 있습니다. 푸쉬킨의 이미지에 대한 "구호"는 모차르트의 케루비노로 시작하여 가사 오페라에서 자신을 확립 한 성급하고 고귀한 청년들의 원에 추가 될 수 있습니다.
그러나 차이코프스키의 엄청난 극적인 재능, 가장 풍부한 음영을 유지하면서 이미지를 명확하고 간결하게 조각하는 능력은 그가 가장 어려운 심리적 과제에 대처하는 데 도움이 되었습니다.
푸쉬킨에 대한 사랑, 그의 생각, 언어 및 스타일의 비밀을 꿰뚫는 능력, 수많은 모순에서 주요 원칙을 찾는 능력, 잠시 포기한 세부 사항은 작곡가를 잘못된 단계에서 구했고 종종 그의 영웅에 대한 푸쉬킨의 진정한 태도를 느끼게했습니다. 아이러니 뒤에 숨겨진
시인은 다소 멀리서 Lensky를 고려하는 동시에 젊은 감정의 낭만적 인 열정에 감탄하고 동시에 아이러니하게도 거부하는 것 같습니다. 오페라에서 묘사의 이중성은 상상할 수 없었습니다. 하나의 관점을 선택하는 것이 필요했지만 동시에 푸쉬킨의 복잡한 범위에서 발생한 세부 사항의 활력을 유지했습니다.
여기에서도 차이코프스키에게 결정적인 것은 "항상 열정적 인 연설과 어깨에 검은 컬"이라는 낭만적 인 외부의 일상적인 징후가 아니라 극도의 경솔함, 젊음의 Lensky 모습의 즉시 성이었습니다.

그는 마음이 사랑스럽고 무지했습니다.
그는 희망에 의해 소중히 여겨졌다
그리고 mra 새로운 빛과 소음
여전히 젊은 마음을 사로 잡았습니다.
그를위한 우리 삶의 목적
유혹적인 미스터리였습니다.
그는 그녀에게 머리를 부러뜨렸다
그리고 나는 기적을 의심했습니다.

사랑과 친절에 대한 갈증, 모든 영적 운동의 개방성은 역할에 대한 극적인 해석의 기초가되었으며 이미 올가와의 첫사랑 설명에서 모든 힘으로 드러났습니다. 정서적 구조뿐만 아니라 마지막 줄에서만 생각의 결론을 느낄 수있는 연속적인 줄의 푸쉬킨 구절의 격렬한 리듬도 차이코프스키에 의해 렌스키의 아리오소로 옮겨져 멜로디에 전달되었습니다. 특별한 즉각적이고 서정적인 의기양양함:

아, 그는 우리의 여름처럼 사랑했다
그들은 더 이상 사랑하지 않습니다. 하나로
시인의 미친 영혼
또한 사랑은 정죄받습니다.
언제나 어디서나 하나의 꿈,
하나의 습관적인 소원
하나의 익숙한 슬픔.
냉각 거리도 아닙니다.
"별거의 긴 여름도,
이 시계는 뮤즈에게도 마찬가지입니다.
외국 미인도 아니다.
재미의 소음, 과학 없음
영혼은 그들 안에서 변하지 않았으며,
처녀 불로 데워집니다.

Lensky는 세 장면에서만 오페라에 등장합니다. 단편스트레스가 많고 비극적 인 삶에 대해. 그의 역할은 간결하지만이 파티의 탁월한 멜로디에서 푸쉬킨이 그의 영웅의 영적 구조를 묘사 한 가장 중요한 특징은 통합 된 것 같습니다.

항상 높은 감정
처녀 꿈의 돌풍
그리고 중요한 단순성의 아름다움.

Lensky를 특징짓는 음악을 특별하고 매혹적으로 만드는 것은 바로 이 조합(중요한 단순함과 꿈과 고양의 매력)입니다. 가식을 약간 강화하고 Lensky의 멜로디를 좀 더 "성인"적이고 관능적으로 만드는 것이 가치가 있습니다 (첫 번째 막에서 Olga와 함께하는 장면). 빛이 있는 라린스의 영지. / 오네긴이 무도회에 있는 그의 설명에서 렌스키의 억양을 좀 더 남성적이거나 한심하게 만들어 그의 비난의 소년다운 열정적인 성격을 부드럽게 하는 것이 가치가 있을 것입니다. 사라집니다 푸쉬킨은 소설에서 Lensky와 관련된 모든 것을 동반합니다.
Lensky의 이미지를 만들 때 Tchaikovsky는 텍스트뿐만 아니라 스토리 라인도 각색해야 할 필요성과 같은 특히 어려운 작업에 직면했습니다. Tatyana와 Onegin의 관계를 개발할 때 그는 거의 전적으로 Pushkin의 각색 장면, 즉 대화 또는 캐릭터 상태에 대한 간결한 설명에서 행동이 결정되는 장면을 사용했습니다. 그러나 Lensky의 특성화에는 그러한 대화와 독백이 없었습니다. 결투 장면을 제외하고 Lensky와 Olga, Lensky와 Onegin 간의 관계의 다른 모든 변덕은 내러티브 방식으로 제공됩니다. 차이코프스키는 이러한 내러티브 라인에서 극적인 요소를 찾고 나란히 배치된 여러 장면에 흩어져 있는 세부 사항을 집중해야 했습니다.
심리적 동기와 소설의 이미지를 매우 생생하게 만드는 가장 작은 행동 세부 사항을 모두 유지하면서 대본에서 푸쉬킨 장의 구조를 수정할 수 있었던 차이코프스키의 뛰어난 직감에 감탄할 수밖에 없습니다. 예를 들어, Lensky와 Onegin 사이의 싸움에 대한 설명과 소설의 결투 전 그들의 행동은 5장과 6장 전체를 차지합니다. 결투 전에 Olga와 화해하십시오. Pushkin은 치명적인 충돌 전에 두 친구가 보낸 시간을 자세히 설명합니다. 오페라 무대의 법칙은 무도회에서 바로 그 자리에서 친구들 사이의 갈등을 해결하도록 요구했습니다. 분리 된 세부 사항, 캐릭터의 생각과 감정에 대한 설명, 차이코프스키는 함께 모아야했습니다.
여섯 번째 장의 대부분 (이름 날 다음 날을 설명하고 Zaretsky가 Onegin에게 주어진 도전) 차이코프스키는 Larinsky 무도회 장면에 포함되었습니다. 그는 Lensky의 흥분된 상태, 모욕을 피로 씻어 내려는 격렬한 욕구, 자신에 대한 Onegin의 당혹감과 불만을 대조했습니다. 그는 질투와 다툼을 심리적으로 입증할 수 있는 모든 것을 공들여 모았다.

.... 민첩하게.
Onegin은 Olga와 함께 갔다.
부주의하게 미끄러지면서 그녀를 이끌고
그리고 몸을 굽혀 부드럽게 속삭인다.
저속한 마드리갈
그리고 그는 손을 흔들며 불타올랐다
그녀의 이기적인 얼굴에
홍조가 더 밝습니다. 나의 렌즈키
나는 모든 것을 보았다. 나는 나 자신이 아니라 불타 올랐다.
질투심에
시인은 마주르카의 끝을 기다리고 있다
그리고 그녀를 cotillion으로 부릅니다.
그러나 그녀는 할 수 없습니다. 그것은 금지되어 있습니까? 근데 뭐?
예, Olga는 이미 Onegin에게 그녀의 말을 전했습니다.
세상에, 세상에!
그는 무엇을 듣습니까?
그녀는 할 수 있습니다.
가능합니까?

Lensky의 질투심에 대한 이러한 설명은 오페라에서 Olga와의 직접적인 대화로 이어졌습니다. "오, Olga, 당신은 나에게 얼마나 잔인한가요!"
빠른 생각의 변화, 당혹감, 친구와 신부가 자신의 감정을 조롱하는 용이성에 대한 거의 두려움이 음악에 단순하고 신나게 전달됩니다. 연설 측면에서 표현력이 풍부하고 동시에 비정상적으로 선율적인 암송 문구는 Onegin의 보컬 스타일에서 가장 매력적인 측면 중 하나를 구성합니다. 이 애절한 문구는 빠르고 자신감 넘치는 마주르카의 패턴으로 짜여져 있으며 이는 Lensky를 사로 잡은 혼란과 외로움을 더욱 강조합니다. 쾌활하고 무관심한 삶의 흐름이 그를 지나쳐 그를 그의 한가운데서 밀어내는 것 같습니다. Lensky가 주변에서 보는 모든 것-올가의 어머니와 누이의 위험을 눈치 채지 못하는 가지각색의 춤추는 군중-모든 것이 그에게 적대적으로 보입니다.

그는 이렇게 생각합니다. “나는 그녀의 구세주가 될 것입니다.
나는 타락자를 용납하지 않을 것이다
불과 한숨과 찬양
젊은 마음을 유혹했습니다.
비열하고 독이 있는 벌레가
lileil 줄기를 날카롭게;
두 아침의 꽃에게
시들어 여전히 반쯤 열려 있습니다.
이 모든 것이 의미하는 바는 다음과 같습니다.
친구와 촬영 중입니다.

푸쉬킨의 소설 6장에서 렌스키는 더 이상 결투 외에는 아무것도 생각할 수 없습니다.
그는 장난 꾸러기가 두려웠다
어떻게 든 놀라지 않았습니다.

그리고 네 번째 장면의 오페라 Lensky는 Onegin을 비난하려는 시도를 여러 번 반복하여 점점 더 끈질 기게됩니다. 그는 분노에 의해 지원되며 자신이 올가 명예의 유일한 수호자라고 느낍니다.
Lensky가 묶인 매듭을 즉시 끊으려는이 열정적 인 조바심은 음악의 극한 드라마로 전달됩니다. "당신은 불명예스러운 유혹자입니다.”그 후에는 더 이상 이전 관계로 돌아갈 수 없습니다.
차이코프스키는 Lensky의 개방적이고 공격적인 라인을 Onegin의 수비적인 위치와 대조했습니다. Onegin의 행동과 그의 음성 텍스트는 Zaretsky가 아침에 결투에 대한 도전을 건네준 후 Onegin의 마음 상태를 설명하는 Pushkin 라인을 기반으로 합니다.
유진
당신의 영혼과 함께 혼자
그는 자신에 대해 만족하지 못했습니다.
그리고 당연히: 엄격한 분석에서
자신을 비밀 법정으로 부르며,
그는 많은 것들에 대해 자신을 비난했습니다.
우선 그는 틀렸다.
사랑보다 소심하고 다정한 것은
그래서 저녁은 아무렇지도 않게 농담했습니다.
그리고 두 번째 : 시인을 보자
속이고; 열여덟에
그것은 용서입니다.
유진 온 마음을 다해 사랑하는 청년,
나 자신을 렌더링하기로되어 있었다
편견의 공이 아니라
열렬한 소년, 전투기가 아니라
그러나 명예와 지성을 갖춘 남편.

같은 아침 Onegin의 반성에서 싸움 후 결투에 대한 새로운 동기가 발효됩니다-여론; 차이코프스키가 그 싸움을 공개함으로써 각색한 것도 바로 이 동기였다. 두 친구의 관계에서 오페라를 방해하는 합창단은 Onegin의 기분이 급격히 변하는 이유입니다. 처음에는 Lensky의 분노를 억제하고 흥분을 식히려고하지만 싸움이 공개 되 자마자 주변에서 자신이 경멸하는 사람들의 까다 롭고 악의적 인 관심을 발견하면서 평범한 자부심과 자부심이 이어집니다. Onegin은 분노 만 느낍니다. 따라서 합창단은 오페라에서 푸쉬킨의 소설에서 자레츠키에 대한 오네긴의 반성에 할당된 기능을 수행합니다.

게다가-그는 생각합니다-이 문제에
옛 결투사가 끼어들었다.
그는 화가 났고, 험담하고, 화를 냈습니다.
당연하다: 경멸이 있어야 한다
그의 재미있는 말을 대가로.
그러나 속삭임, 바보들의 웃음.
그래서 여론!
명예의 봄, 우리의 아이돌!
그리고 그것이 세상이 돌아가는 것입니다!

장면이 끝날 무렵 차이코프스키는 렌스키의 슬픈 경험에 청중의 모든 관심을 집중시켰다. Lensky의 마지막 아리오소가 등장한 이유는 Olga의 배신에 전념하는 Pushkin의 대사였습니다.

요염한 아이, 바람 부는 아이!
그녀는 트릭을 알고
이미 변화하는 법을 배웠습니다!
Lensky는 타격을 견딜 수 없습니다.

오페라 무대에서 그들을 구현하면서 차이코프스키는 Lensky와 Olga 사이의 대화를 계속할 수 있었고 Lensky에게 일련의 분노한 짧은 암송 문구를 제공했습니다. 그러나 그는 듣는 사람의 마음에 그의 사랑에 빠진 영웅의 더럽혀지지 않은 영적 온전함과 솔직함을 되살릴 필요가 있었습니다. 그리고 정원에서 타티아나를 기다리는 장면에서와 마찬가지로 작곡가는 혼란스럽고 동요하는 상태 대신 "더 깊은 것을 그립니다. 그는 아리오소 멜로디 "In your house"에서 푸쉬킨의 말의 일반화 된 의미를 드러내며 눈에 띕니다. 소리의 깊이; Lensky의 삶의 행복한 순간을 되살리며 그의 짧고 열정적인 로맨스에 빛을 발산하는 것 같습니다. 주변 생활의 천박함과 영혼. 이것은 전체 싸움 장면의 절정입니다. Lensky의 목소리에 점차적으로 존재하는 사람들의 목소리가 합류합니다. 그 중 Tatyana의 멜로디 테마는 고통스러운 열정으로 주목을 끌고 있습니다. 소리 이 두 목소리 중 Lensky와 Tatyana는 멜로디 라인의 폭과 완전성으로 앙상블의 다른 부분 중에서 눈에 띄고 공통된 경험, 즉 행복에 대한 희망의 붕괴로 결합합니다.
오페라의 최고점 중 하나는 차이코프스키가 소설의 여러 중요한 에피소드를 일반화하여 만든 결투 장면이었습니다. 그녀의 대본에는 푸쉬킨의 소설에서 Lensky의 상태와 싸움 후 올가에 대한 그의 태도를 특징 짓는 모든 것이 포함되어 있습니다. 그의 잠 못 이루는 밤, 그의시, 그리고 거의 완전히 결투 자체에 대한 설명입니다. 차이코프스키가 다루는 방대한 심리적 자료는 간결하고 효과적인 극적 형식으로 여기에 포함되어 있습니다. 작곡가는 푸쉬킨의 소설에서 매우 명확하게 볼 수 있는 비극과 일상 계획의 대조되는 병치에서 지원을 찾았습니다. 한편으로는 높고 높은 시스템 마음의 평화반면에 Lensky와 그의 죽음에 대한 작가의 철학적 보도는 편지의 사실적인 세부 사항에 대한 충실도입니다. 결투 사진은 푸쉬킨에 의해 매우 자세하게 재현되었습니다.
이 사진에서 차이콥스키는 이전과는 다른 방식으로 렌스키를 보여주었다. 우리 앞에는 더 이상 열렬하고 신뢰하며 행동과 생각에 다소 무모한 청년이 아니라 성숙하고 형성된 성격이 있습니다. 첫 번째 그림에서 아직 완전히 정의되지 않은 그의 특징이 여기에서 완전한 완성도를 얻은 것 같습니다. 이 예상치 못한 동시에 자연스러운 성격의 개화는 Lensky의 죽어가는 아리아에 구현됩니다.
느낌과 생각이 완벽한 이 아리아는 어떻게 생겨났으며, 작곡가가 Lensky의 특성을 극화하여 새로운 방식으로 제공하게 된 계기는 무엇입니까? 그는 새로운 것을 찾기 위해 무엇에 의존했는가? 표현 수단듣는 사람에게 그의 의도를 전달할 수 있습니까? 푸쉬킨의 텍스트에서 이 모든 것에 대한 답을 찾을 수 있지만, 그럼에도 불구하고 작곡가의 무대 개념은 시적 자료의 독립적인 일반화라는 점을 기억해야 합니다.
결투 장면과 이전 장면 사이의 오페라에서 우리가 느끼는 날카로운 선은 싸움 후 Lensky의 마음 상태에 전념하는 Pushkin의 대사에 설명 된 잘 알려진 내부 전환점을 반영합니다. Olga와의 아침 만남은 안심을 가져다 준 것 같습니다.

질투와 짜증이 사라졌다
이 선명한 시야 앞에서
이 은은한 단순함 앞에서
이 유쾌한 영혼 앞에서!
그는 달콤한 부드러움으로 보입니다.
그는 본다: 그는 여전히 사랑받고 있다.

그러나 푸쉬킨이 결투의 심리적 동기를 사랑의 순결에 대한 침해에 대한 방어책으로 도입한 것은 바로 이 순간이었습니다. 그가 변경할 수 없는 원칙으로서의 의무. 결투 전날 젊은 시인이 보낸 잠 못 이루는 밤에 대한 묘사로 심각한 영적 전환에 대한 더 깊은 느낌을 불러 일으킬 수 있습니다. 여기서 Lensky의 영감을 주는 애가는 Tatyana의 편지와 동일합니다. 그 의미는 사랑 고백이나 젊은 꿈에 대한 애도, 죽음의 선 너머를 보려는 욕망으로 소진되지 않습니다. 그 극적인 본질은 다르며 아리아에서 차이코프스키가 구현 한 것은 그녀입니다. 작곡가는 성격의 내적 성장 과정, 자기 확인, 삶에 대한 철학적 인식을 공개했습니다.

Lensky의 이 애가 아리아("어디로, 어디로 가셨습니까")의 의미와 내용에 대해 어떤 논쟁도 없었던 것 같습니다. 젊음의 황금빛 꿈에 대한 일종의 조건부 이별이라고 생각했습니다. 따라서 그 멜로디는 대부분 절망적이고 지루하며 치명적입니다. 이러한 해석은 종종 포스트 댄서들이 무대 상황이 지시하는 우울한 색상과 도입부의 강력한 음악을 강조할 필요성을 느끼게 합니다. 따라서 짙은 푸르스름한 황혼, 돌 위에 앉아 거의 보이지 않는 Lensky의 모습, 넓게 떨어지는 옷 주름, 그의 창백한 얼굴-이 모든 것이 청취자에게 불가피한 비극적 결과에 대한 생각을 불러일으켜야 합니다. 사실 당시 차이코프스키의 해석은 이 개념과 모순되며, 작곡가는 렌스키의 아리아를 죽음의 긍정이 아닌 삶의 긍정으로 상상했다.
렌스키의 아리아와 푸쉬킨이 만든 텍스트 사이의 관계는 무엇입니까? - 소설에서 우리는 푸쉬킨이 그의 영웅들, 특히 렌스키와 관련하여 자주 사용하는 이중 차원을 다시 만날 것입니다. 푸쉬킨은 Lensky의 글과 관련하여 비가 문제를 두 번 언급하고 매번 아이러니하게도 이 장르를 공격하면서도 감동적인 부드러움으로 경의를 표합니다. 어린 시절에 elegy는 그에게 유난히 가까웠으며 Kamenka로 쓰여진 elegiac 시는이 장르가 그의 서정적 재능 개발에 얼마나 중요한지를 보여줍니다. Pushkin은 Lensky를 "영감받은"Yazykov에 비유하면서 조롱하지 않습니다.
Lensky는 Madrigals가 아닌 Olga의 앨범에서 Young을 씁니다. 그의 펜은 사랑을 숨 쉬고 차갑게 날카롭게 빛나지 않습니다. 그가 올가에 대해 알아차리거나 듣는 것은 무엇이든, 그는 그것에 대해 씁니다. 그래서 당신은 방언으로 영감을 받아 마음의 충동으로 노래합니다. 하나님은 누구인지 아십니다.
그는 elegy에서 성실하고 영감을 얻은 "마음의 돌풍"을 전달하는 능력을 높이 평가했으며 제작자에게 자신의 고통, 기쁨 및 슬픔을 다른 사람에게 맡겨야 할 지울 수없는 필요성을 높이 평가했습니다. 그는 또한 비가의 내용과 형식을 최대한 풍부하게 하여 구체적인 플롯 특징을 부여했다.
친근한 관심에 대한 사교성에 대한 열망은 elegy를 Glinka와 Dargomyzhsky, Varlamov 및 Gurnlev의 로맨스 가사에서 가장 좋아하는 자료로 만들었습니다. 차이코프스키 시대에 이르러, 비가는 독립 장르, 거의 존재하지 않지만 사랑하는 사람과의 인터뷰의 특별한 진지한 어조와 같은 elegiac 분위기는 시적 가사와 음악 모두에서 오랫동안 보존되어 러시아의 가장 매력적인 특징 중 하나를 구성합니다. 미술. Glinka와 Dargomyzhsky가 둘 다 보여준 후 처음으로 Onegin에서 로맨스의 비가 장르에 완전히 다른 심리적 방향 ( "단어가 아닙니다, 친구", "Twilight fall on the earth"등)을 부여한 Tchaikovsky "순수한" 형태와 각색된 형태로 Tatyana와 Olga의 첫 번째 듀엣은 19 세기 초의 진정한 비가로 푸쉬킨 시대의 매력을 전하고 뒤 따르는 모든 것에 사려 깊고 부드러운 색채를 부여합니다. 결투 장면에서는 마음의 극적인 고백, 보는 사람에게 렌스키의 영적 성장의 근원을 드러내는 주관적인 진술이다. 이 비가의 텍스트는 그 자체로 완전한 작품이며, 아마도 푸쉬킨이 대조로서 가벼운 아이러니한 프레임을 제공하는 것은 궁극적인 예술적 설득력을 정확히 인식하고 있을 것입니다.
그의 시.
사랑의 말도 안되는 소리와 쏟아져. 그는 잔치에서 술에 취한 D[elvig]처럼 서정적인 열정으로 큰 소리로 읽습니다.
이 대사는 비가 앞에 있으며 푸쉬킨은 다음과 같은 말로 끝맺습니다.
그래서 그는 어둡고 무기력하게 [우리가 낭만주의라고 부르는 것]을 썼습니다.
Lensky의 영감을 받은 상태에 대한 설명의 아이러니한 피날레:
그리고 마침내 동이 트기 전에. 렌즈키는 지친 머리를 숙이고 이상이라는 유행어에 꾸벅꾸벅 졸았다. —
다소 오만한 미소, "어둡다", "부진하다"라는 단어, 유행하는 단어 "이상적", "말도 안되는 사랑"-이 모든 것이 그가 오래 전에 포기한 길에 대한 시인의 부주의 한 태도를 보여주는 것 같습니다. 그러나 푸쉬킨 시의 음악을 더 주의 깊게 읽고 나면 완전히 다른 것을 드러내는 내면의 멜로디를 들을 수 있습니다. 그의시를 읽습니다. 이 모든 것이 푸쉬킨의 대사에 다른 감정적 채색, 긴장되고 극적인 채색을 제공하며, 이는 그의시의 사랑의 넌센스와 부진에 대한 주장과 전체적으로 모순됩니다. 차이코프스키가 듣고 실제로 렌스키의 아리아로 구현한 것은 바로 이 멜로디였습니다.

삶과 사랑의 중요성에 대한 생각, 죽음의 거부-이것은 강렬한 기대의 순간에 Lensky가 오페라에서 즉흥적으로 연주하는 elegy에서 들리는 것입니다. Zaretsky의 가정용 복제품조차도 이러한 엄숙한 집중 상태를 방해 할 수 없습니다.
아리아는 그대로 Lensky의 생각 전체의 연속이자 결론입니다. 그래서 “어디, 어디 갔니?”라는 질문이 너무나 자연스럽게 들린다. -그래서 단순히 주제가 발생합니다- "다가오는 날이 나를 위해 준비하는 것"; 높고 점차 사라지는 소리로 시작하여 천천히 내려갑니다. (일반적으로 파멸의 주제로 해석되는 것은 이 주제입니다. 그것은 우리에게 잘못된 것 같습니다. 이것은 초기 소리의 차분하고 깨달은 특성, 떨어지는 움직임의 부드러움과 일치하지 않습니다. 잘- 알려진 개발의 신속성, 이것은 멜로디에 슬픈 성격을 전혀 부여하지 않습니다).
아침을 깨우는 주제를 가볍게 윤곽을 잡은 아리아에 앞서는 관현악 파트와 적극적인 생각의 변화, 그리고 "내일 궁수는 섬광'과 변덕스럽고 열정적인 마지막 주제인 '마음의 친구, 환영하는 친구, 이리 와라: 나는 당신의 남편이다. (이 테마의 마지막 소개는 거의 성공적으로 들립니다). 다양한 멜로디 구성을 하나의 흐름으로 융합하고 마지막 악장에서 가장 큰 힘에 도달하는 아리아의 역 동성, 그 엄청난 에너지는 작곡가의 해석에서 Lensky의 비가를 낙관적 인 삶의 시작에 대한 긍정으로 만들고 우울한 것과 뚜렷한 대조를 이룹니다. 장면의 오케스트라 소개에서 트롬본 소리. 아리아는 또한 일반적인 계획과 대조됩니다. KOTOPJM에서는 Zaretsky와 Onegin의 발언이 제공되며 늦어서 사과합니다. 이 대조는 Lensky의 죽음의 무의미함을 강조합니다.
아리아를 따르는 듀엣은 긴장을 더욱 증가시킵니다. 두 목소리의 피아니시모와 느린 움직임, 정식으로 서로를 따라가는 것, 적의 예기치 않은 통합, 하나의 생각, 하나의 분위기-이 모든 것이 무슨 일이 일어나고 있는지에 대한 드라마에 주목합니다. 치명적 결말을 기대하게 만드는 무대. 두 사람의 조용하지만 돌이킬 수 없는 화해 거부는 장면의 마지막 부분을 표시합니다.
여기에서 푸쉬킨이 직접적인 극적 행동을 그리는 곳에서 차이코프스키는 그를 완전히 따릅니다. 여기에서 그는 "때때로 실제로 삽화가입니다. 영감을 받았지만 문자 그대로 푸쉬킨의 극작술을 해석한 사람입니다.
"이제 내려와."
냉혈하게, 여전히 조준하지 않고, 두 명의 적들이 확고하고 조용하게 걸으며 정확히 네 개의 교차된 단계, 네 개의 치명적인 단계. 그러자 유진은 쉬지 않고 전진하며 먼저 조용히 권총을 들었다. 여기에 다섯 단계가 더 있습니다. Lensky는 왼쪽 눈을 망쳤습니다. 그는 또한 조준하기 시작했지만 Onegin 만 해고했습니다. 매시간 시계가 울렸다: 시인은 조용히 권총을 떨어뜨린다.
Onegin이 권총을 들기 시작하는 끔찍한 순간, 사랑에 대한 단편적인 생각, 혼란스럽고 명백하게 Lensky의 뇌를 통해 돌진하는 극도의 긴장감,이 모든 것이 차이코프스키의 현실감으로 재현됩니다. 사운드 샷이 거의 물리적 예리함으로 인식하는 오케스트라 음악. 마지막으로 모든 오케스트라의 힘으로 이제 항의하면서 Lensky의 영감을받은 elegy의 멜로디가 행진의 "애도 프레임"과 합쳐집니다.
작곡가는 마지막 마디의 음악에 어떤 감정을 넣었고 시인의 죽음에 대한 짧은 후기에서 청중에게 무엇을 전하고 싶었습니까?-움직임과 황폐함이 비유적으로 전달되는 푸쉬킨의 대사, 또한 그의 관심을 끌 수 있습니다.
셔터는 닫혀있고, 창문은 백악질
하얗게 칠한. 안주인이 없습니다.
어디, 신은 알고 있습니다. 흔적을 잃었습니다.
그리고 시인이 삶의 파괴에 항의하는 다른 곳.
뜨거운 설렘은 어디에, 숭고한 열망은 어디에, 청춘의 감정과 생각은 어디에. 키가 크고 부드럽고 대담합니까? 폭풍 같은 사랑의 욕망, 지식과 일에 대한 갈증, 악과 수치에 대한 두려움, 그리고 소중한 꿈은 어디에 있습니까? 당신은 세상의 삶의 유령입니다. 당신, 이 시의 성자여!
작곡가가 만든 장면의 역학, 그의 영웅에서 끓인 생명의 힘-이 모든 것이 차이코프스키가 삶의 느낌이 승리하는 죽음의 권리에 대한 항의가 들리는 단어에서 영감을 받았다는 것을 우리에게 확신시킵니다.

Lensky에게 작별 인사를하면서 Pushkin은 청년의 삶이 펼쳐질 수있는 두 가지 방법에 대해서도 말했습니다. 그는 시인이되어 그의 영혼, 정신 및 재능의 힘을 보여줄 수 있습니다. 그러나 아마도 또 다른 운명이 그를 기다리고 있었고 젊은 꿈과 충동의 시대에서 살아남은 그는 일상 생활에 전념하고 감정의 순수함과 밝기를 잃었을 것입니다. 차이코프스키는 선택의 여지가 없습니다. 첫 번째 장면에서 아직 청소년기의 순수함을 잃지 않은 젊은 렌스키는 죽기 직전 마지막 순간에 그의 뛰어난 영적, 시적 [속성]의 완전한 힘에 그의 전체 높이에 주어집니다. 따라서 차이코프스키는 그의 뛰어난 문학적 원형이 될 수 있었던 길에서 그의 영웅을 단호하게 이끌었습니다.
차이코프스키 해석에서 가장 논란이 많은 "신비한"은 Onegin으로 남아 있습니다. 오페라의 유일한 이미지 인이 이미지는 아직 무대에서 완전히 공개되지 않았습니다 (즉시 올바른 해석을 찾은 Lensky와 Tatiana의 이미지와 달리). Lensky-Sobinov와 같은 방식으로 무대 화신의 역사에 들어갈 Onegin은 단 한 명도 없습니다. 아마도 그것이 오페라의 모든 부분 중 가장 표현력이 적은 부분의 특성화가 Onegin 부분에 대해 오랫동안 확립 된 이유 일 것입니다. Asafiev와 같은 차이코프스키의 극작술에 대한 깊은 감정가조차도 기본적으로 예의, 냉정, 아이러니의 음영만을 엔으로 기록합니다. 실제로 Onegin 파트의 음악적 자료를 분석하기 위해이 역할을 수행하는 것뿐만 아니라이 역할을 설명하는 것조차 매우 어렵습니다. 차이코프스키는 여기에서 가장 어려운 작업을 해결했습니다. 그는 오페라 무대에서 젊고 매력적이며 지적이고 힘이 넘치며 동시에 영적으로 황폐해진 남자를 구현했습니다. 그리고 그는 청취자가 Onegin에 대한 Tatyana의 사랑을 믿는 방식으로 그것을 구현했습니다. 그가 오랫동안 Pushkin의 소설에서 그녀를 믿는 데 익숙해 졌기 때문이 아니라 때때로 캐릭터의 병치에 유기성을 부여하는 설명 할 수없는 음악적 인상 때문입니다. 타티아나와 오네긴. 오페라 영웅이 실제로 차갑고 정교하며 부주의하고 예의 바른 사람이라면 공연자들이 종종 그를 묘사하는 것처럼 Tatyana의 사랑은 시청자에게 거짓으로 보일 것이며 동정심을 불러 일으키지 않을 것입니다. 이것은 푸쉬킨의 타티아나가 아니라 그녀의 꿈에서 더 성숙하고 목적이 있는 차이코프스키 오페라의 타티아나와 관련하여 주목하는 것이 특히 중요합니다.

이 경우 차이코프스키의 극적 방법은 무엇이었습니까? Onegin의 영적 공허함은 소설에서 매력적으로 인간적인 모든 것을 부인함으로써 전혀 보여지지 않습니다. 아니, 우리는 여기서 매력적인 인간 특징의 열등함에 직면하고 있습니다. Onegin은 Lensky를 사랑하고 그를 이해하며 너무 잔인한 모순으로부터 그의 영혼을 보호하지만이 감정이 그의 자존심보다 더 높은 것으로 판명 될 정도로 사랑하지 않습니다. Onegin은 순수한 영적 운동이 가능합니다. Larins에 나타난 그는 즉시 두 자매의 내면 세계의 차이를 느끼고 Tatyana를 분명히 선호 하며이 닫힌 소녀의 영혼으로가는 길을 찾습니다. Tatyana는 그를 만지고 그에게 감정을 일깨우지 만이 각성은 이기적인 태도의 전환이 일어날만큼 강하지 않으며 소녀의 열렬한 사랑은 그에게 두려움을 유발하고 결과적으로 거부합니다. Tchaikovsky가 Onegin의 음악적 화신에서 구현한 것은 바로 이 깊은 Pushkinian 방법입니다. 그의 외모에 대한 가장 가벼운 스케치에서도 작곡가는 청취자가 그의 영웅의 독창성을 느끼게 만듭니다. 우리는 특정 영적 변화의 순간, 즉 Tatyana를 만나는 순간에 Onegin과 Lensky를 찾습니다. 작곡가는 거의 설명하지 않습니다. Onegin과 Tatyana 사이의 유창하고 사소 해 보이는 대화는 Lensky의 고백의 밝기로 인해 가려집니다. 그럼에도 불구하고 거의 수채화에 가까운이 그림에서 아직 서로 떨어져있는 사람들의 대화는 "?"와 Onegin의 애정 어린 관심과 Tatyana의 갑작스런 "솔직함이 분명하게 느껴집니다. 또한 정원 장면에서 Onegin이 부러워하는 평정으로 Tatyana를 꾸짖을 때 그는 가장 무감각 해 보입니다. 그의 말은 고상할 뿐만 아니라 그 안에는 정직과 용기가 있다. 고의적인 자제 뒤에는 자신의 혼란, 아마도 이미 극복한 혼란을 배신하기를 꺼리는 모습을 볼 수 있습니다. 하지만 Onegin이이 혼란을 경험했다는 사실은 "꿈과 세월로 돌아갈 수 없다"는 말에서 예상치 못한 열정적 인 멜로디의 상승에서 분명하게 드러난다. Onegin의 주요 무대 과제는 Tatyana에게 "고양이의 감정"이라고 솔직하게 말하고 싶은 욕구 인 것 같습니다. 그러나 차이코프스키의 음악은 이것과 모순됩니다. 느낌이 있지만 즉시 타 오르고 즉시 꺼지는 느낌입니다. 오히려 그녀의 사랑에 대한 동정, 즉 반영된 느낌.
차이코프스키는 이런 식으로 푸쉬킨의 의도를 이해할 권리가 있었습니까? 예, 그는 그랬고 소설에는 이에 대한 많은 증거가 있습니다! 오페라 대본. 푸쉬킨이 영적 발전에서 겪은 길을 설명하면서 그의 영웅에 대한 예비 특성을 제공하는 장에 대해서는 다루지 않을 것입니다. 영웅이 오페라 무대에 들어가는 순간으로 바로 가봅시다. 우리 뒤에는 폭풍우 같은 망상, 억제되지 않은 열정, "영원한 영혼의 중얼 거림"에 보낸 세월이 있습니다. Onegin은 "더 이상 매력이없는"사람들 중 한 명입니다. 한때 그에게 "수고와 고통과 기쁨"이었던 사랑은 이제 그를 사로 잡지 않고 흥분시키지 않습니다. 마을에 살면서 마을의 축복과 슬픔을 무심히 받아들이고, 오직 렌스키만이 그와 세상을 잇는 연결고리 역할을 한다. 이 반쯤 비어있는 상태에서 자신의 힘을 어디에 어떻게 적용해야할지 모르는 Onegin은 Tatyana를 만납니다. 그녀의 편지는 그에게 예상치 못한 것일 수 없었습니다. 의사 소통에서 그는 자신이 느끼는 냉혈하고 게으른 이기주의자가 전혀 아니 었습니다. 푸쉬킨은 사람, 특히 여성을 만날 때 경험한 부흥에 많은 대사를 할애했습니다.
Onegin은 그의 마음의 테스트 된 매력, 보이지 않는 능력, 사실 세심함을 예견 할 수있었습니다.
부드럽고 횡포하거나 순종하는 것은 Tatyana에게 치명적입니다. 그러나 그를 위해이 자발적이고 열렬한 소녀와의 만남은 흔적도없이지나 가지 않았습니다.
. 타냐의 메시지를 받고
Onegin은 생생하게 감동했습니다.

소녀의 꿈의 언어
내 생각에 떼가 반란을 일으켰다.
그리고 그는 Tatyana를 기억했습니다.
그리고 창백한 색과 칙칙한 표정;
그리고 달콤하고 죄없는 꿈에서
그는 영혼에 잠겼습니다.
아마도 옛 정취를 느끼며
그는 잠시 그를 사로잡았습니다.
그러나 그는 속이고 싶지 않았습니다.
순수한 영혼의 신뢰.

차이코프스키가 항상 찾고 있던 그의 영웅 상태의 절정의 순간을 구현하는 극적인 곡물은 Onegin이 경험 한 내부 투쟁에 대한 설명에서 잠시 동안 감정의 유혹에 빠졌습니다. 자부심, 정직, 타고난 귀족은 그가 같은 충만으로 그녀의 사랑에 응답하지 않고 Tatyana의 경솔함을 속이는 것을 허용하지 않았습니다. 그러나 그는 찾지 못했고 황폐해진 영혼에서 갑자기 새로운 생명의 원천을 열 충분한 힘을 찾을 수 없었습니다. 이 내부 투쟁의 흔적은 Onegin의 아리아 음악에 구체화됩니다. 이런 사정을 감안하면 해명 장면 뿐만 아니라 추가 개발 Onegin과 Tatyana의 관계. 푸쉬킨은 쉽지만 계속해서 Onegin의 영혼에 거의 등장하지 않은이 사랑의 주제를 "페달 화"합니다. 분노한 Yevgeny가 Lensky에 그의 외모로 인한 모든 불편에 대해 복수하는 Larin 무도회 장면에서도 덧없이 나타납니다. 라린스. 그의 예상치 못한 도착과 Tanya와의 만남은 끊어진 관계의 실을 다시 묶는 것 같습니다.
그녀의 당혹감, 피로 그의 영혼은 연민을 낳았습니다. 그는 조용히 그녀에게 절했지만 왠지 그의 시선은 놀랍도록 부드럽습니다. 정말 감동을 받았기 때문일까. 또는 그, 교활하고, 장난꾸러기, 본의 아니게, 또는 선의에서,
그러나이 부드러움의 표정은 다음과 같이 표현했습니다. 그는 Tanya의 마음을 되살 렸습니다.

차이코프스키는 관계의 이러한 세부 사항을 이용하지 않았습니다. 무대는 너무 역동적이고 시끄 럽습니다. 그러나 푸쉬킨의 텍스트, 생각의 전환, 시인이 던진 눈부심에 대한 그의 민감성을 상상하면 그것이 그의 영웅 특성화에 하위 텍스트로 입력되었으며 Onegin의 마음에 간신히 생겨 거의 즉시 사라진 느낌의 새싹은 차이코프스키의 개념에서 완전히 다른 조건에서 새로운 회의가 갑자기 부활하는 마지막 장면까지 살아 남았습니다. 그들을 격렬하게 피게했습니다.
그의 영웅을 드러내는 푸쉬킨은 동시에 독자의 눈에 그를 변호합니다. 그는 Onegin의 진정한 장점을 경시하지 않고 객관적이 되려고 노력하며 세속 사회의 호전적인 평범함에 반대하면서 매번 그의 영적 특성의 독창성을 강조합니다. 차이코프스키도 그를 보호했다. 마지막 장면에서 Onegin을 특징 짓는 음악은 그러한 진지한 열정의 힘, 그러한 순수함과 느낌의 완전성, 단일 목표를 향한 모든 욕망의 노력으로 구별되며, 이는 무의식적으로 청취자의 상호 동정을 불러 일으 킵니다. 우리는 Onegin과 Tatyana에 대한 이전의 잔인 함과 Lensky의 죽음을 용서합니다. j 지금은 그에게 접근할 수 없는 것을 소유하려는 질투심의 갈증이 아니라 그를 타티아나에게 끌어당긴다. 그녀는 그의 모든 열망과 꿈의 목표이며 구원의 희망을 담고 있습니다. 사랑에 압도되어 아무도없고 아무것도 보지 않고 그는 구원을 받고 자신의 감정과 생명을 무익한 파괴의 공포에서 구하려는 하나의 욕망, 하나의 희망으로 그녀의 발 앞에 몸을 던집니다. 그녀의 옛 사랑과 새싹의 기억 자신의 느낌, 한때 무자비하게 익사시킨 그에게 권리를 부여하고 Onegin은 아프고 절망적 인 사람의 모든 성실함으로이 권리를 옹호합니다. 그의 멜로디의 물결 모양의 격렬한 움직임은 청취자를 사로 잡을 수밖에 없습니다. 열렬하고 흥분되며 열정이 강합니다. 그녀는 그의 성실함에 의심의 여지를 남기지 않습니다.
그의 유일한 두려움은 그가 원하는 모든 것을 표현하지 못하고 설득하지 못하는 것 같습니다. Lisa와 함께 한 장면의 Herman처럼 그는이 성급한 "감정의 표현, 그녀의 영혼에 대한 상호 열정을 깨우는 방식으로 Tatyana를 거의 최면에 빠뜨립니다. 차이코프스키는 관능적 인 열정만을 묘사하는 방법을 몰랐고 좋아하지 않았습니다. 그의 마음 속의 사랑은 항상 타티아나가 오네긴에게 그녀가 그를 사랑하는 것을 멈추지 않았다고 인정했을 때 그가 저항할 수 없다는 것은 그녀에게 반대합니다. 그러나 이것은 그녀의 약점의 유일한 순간입니다. 그의 사랑. 새로운 가족 관계의 힘, 영적 경험, 의식적인 윤리적 삶의 시작은 Tatiana가 새로 타오르는 열정에 맞서 싸우는 데 도움이 됩니다. 비극적인 이별의 말인 그녀의 "영원히 작별 인사"는 Tatyana와 Onegin 사이의 마지막 연결을 끊습니다. .

이 세 가지를 구현하는 문제를 해결한 후 가장 복잡한 문자, 차이코프스키는 기본적으로 오페라의 전체 극적인 계획의 문제를 해결했습니다. 유모, 어머니, 올가와 같은 에피소드의 얼굴은 푸쉬킨의 소설 페이지에서 자신의 개념에 거의 반대 할 필요가 없을 정도로 뚜렷한 선명도로 그 앞에 나타났습니다.
Onegin을 극적인 작품으로, 더욱이 오페라 대본으로 바꾸는 데 가장 큰 어려움은 내러티브 방식에서 극적인 것과 완전히 다른 목적을 가진 대량 장면으로 인해 발생했을 것입니다. 그러나 푸쉬킨의 소설은 작곡가에게 엄청난 기회를 제공했습니다. 그의 전체 장면은 극적인 재현을 위해 설계된 것 같았습니다. 설명의 정확성, 특징적인 세부 사항 및; 삶의 구조와 개인의 관계, 사건의 비정상적으로 역동적 인 전달, 스토리 라인 개발의 일반적인 과정에서 특징적인 에피소드를 골라내는 능력, 때로는 부차적이지만 그럼에도 불구하고 매우 다채로운-이 모든 것이 무대를 흥분 시켰습니다. 작곡가의 상상력은 그에게 작품의 극화에 대한 가장 유기적인 방법을 촉구했습니다. 푸쉬킨의 구절 자체, 구절의 배열, 구두 텍스트의 역학은 특정 리드미컬하고 색채적인 분위기를 조성했으며 작곡가가 무대에서 눈에 띄는 여러 음악적 스트로크를 찾는 데 도움이 될 수 있습니다.
이것이 Larin Ball의 멋진 장면이 발생한 방법입니다. 우리에게 순진한 재미의 구체화로 보이는 왈츠는 튀고 다소 까다로운 멜로디, 순수함과 진지한 기쁨을 지닌 왈츠는 축제의 소란과 번잡함에 대한 푸쉬킨의 설명 없이는 태어날 수 없었습니다.
아침에 Larina의 집은 손님이었습니다.
모두 꽉 찼습니다. 온 가족
마차에 모인 이웃들,
마차, 카트 및 썰매에서.
앞에서 짝사랑, 불안;
거실에서 새로운 얼굴을 만나다
평신도, 때리는 여자,
소음, 웃음, 문지방의 군중,
활, 뒤섞인 손님,
간호사는 아이들의 비명과 울음.
동일한 무대 밝기로 푸쉬킨은 군 오케스트라와 함께 중대장의 모습을 보여주고 있으며, 그룹 게스트들의 대화를 합창 부분에서 차이코프스키가 생생하게 전달했습니다.
축제 저녁 식사에 만족한 Neighbor는 sssed 앞에서 냄새를 맡습니다. 숙녀들은 불에 앉았다. 소녀들은 구석에서 속삭인다.
Tchaikovsky는 Triquet의 도착과 Tatyana에 대한 그의 연설을 설명하는 5 장의 연에서 장면을 완전히 준비했습니다.
세발자전거,
손에 잎사귀를 들고 그녀에게로 향하고,
조율되지 않은 노래. 스플래시, 클릭
그는 환영받습니다. 그녀
가수는 강제로 앉습니다. —
이 줄에서 Triquet의 2행시와 차이콥스키의 오페라에서 그의 감탄하는 젊은 숙녀들이 샤워하는 "브라보, 브라보"의 외침이 들리는 것 같습니다.
구절의 리듬 구조는 차이코프스키가 소개하는 댄스 에피소드의 다채로움에 영향을 미칠 수밖에 없습니다. Larinsky 볼 장면에서 왈츠와 마주르카에 대한 푸쉬킨의 설명을 적어도 비교하여 무대는 말할 것도없고 순전히 음악적 충동이 텍스트와 관련하여 차이코프스키가 발생했는지 상상할 가치가 있습니다.
갑자기 긴 홀의 문 뒤에서 바순과 플루트 소리가 들렸다. 음악의 천둥에 신이 나서 럼주와 함께 차 한 잔을 남기고, 지방 도시의 파리. Olga Petushkov에게 접근하여 Tatyana Lensky에게 접근합니다. 너무 익은 세월의 신부 Kharlikov. 탐보프를 나의 시인으로 받아들입니다. Buyanov는 Pustyakova로 달려 갔고 모두가 홀로 쏟아져 나왔고 공은 모든 영광으로 빛났습니다.
이 아이러니하고 각도가 있으며 경쾌한 "소개" 뒤에는 탁월한 부드러움과 소리의 일관성으로 구별되는 왈츠에 대한 설명이 이어집니다.
단조롭고 광기 어린 삶의 회오리 바람처럼 왈츠의 시끄러운 회오리 바람이 돌고 있습니다. 부부는 부부에 의해 깜박입니다.
그리고 그 후-줄 중간에 문구가 날카롭게 분리되고 악센트가 자유롭게 전송되고 문자 p의 천둥 소리가 들리고 리듬이 젊음이 있으며 단어 선택에서 mazurka에 대한 설명 :

마주르카가 울렸다. 사용
mazurka가 천둥을 쳤을 때,
그레이트 홀의 모든 것이 흔들렸다.
쪽모이 세공 마루가 발 뒤꿈치 아래에 금이 갔고,
프레임이 흔들리고 덜거덕거렸습니다.
이제는 그게 아닙니다. 우리는 숙녀처럼
우리는 니스 칠한 보드를 미끄러집니다.
그러나 도시에서, 마을에서,
또 다른 mazurka 저장
초기 색상:
점프, 힐, 콧수염
모두 같은.

Lensky와 Onegin 사이의 싸움이 미래에 일어나는 그의 mazurka의 귀머거리 런업 인 차이코프스키의 음악, 변장하지 않은 기질, 간결하지만 에너지 멜로디로 감염되는 것을 기억하면이 멜로디가 태어났다는 것을 이해할 수 있습니다. 푸쉬킨의 텍스트와 가장 밀접한 관련이 있습니다.
분명히 폴로네즈는 상트 페테르부르크 무도회 장면에서 같은 방식으로 발생했습니다. 푸쉬킨이 재현 한 상류 사회 패배의 시각 청각 그림과 가장 밀접한 관련이 있습니다. 서정적 편차 중 하나 인 8 장에서 시인은 몰다비아의 야생 대초원에서 상트 페테르부르크 상류 사회의 원시 세계로 그의 뮤즈를 가져옵니다.

귀족의 가까운 줄을 통해,
밀리터리 댄디, 외교관
그리고 그녀가 활공하는 자랑스러운 숙녀들;
여기 그녀는 조용히 앉아서 본다.
시끄러운 비좁음에 감탄하면서
번쩍이는 드레스와 연설.
느린 손님의 출현
젊은 여주인 앞에서
그리고 남자들의 어두운 틀.
사진과 마찬가지로 숙녀 주변.

그녀는 과두정치적 대화의 질서정연한 질서와 침착한 자부심의 냉정함, 그리고 계급과 나이의 혼합을 좋아합니다.
마지막으로, 차이코프스키의 음악에서 매우 독특하고 미묘한 구체화를 찾은 자연의 느낌 인 소설의 창의적인 읽기와 유기적으로 연결된 오페라의 또 다른 특징에 주목합시다. Lensky의 아늑한 복제본에서 Tatyana와 Olga의 듀엣- "나는이 정원, 한적하고 그늘진 사랑 해요", 이제 가까이 들리는 소녀들의 합창 덕분에 발생하는이 정원의 깊이 느낌 , 그런 다음 멀리서 초여름 아침의 놀라운 신선함-Tatyana의 편지 장면에서 그리고 마침내 또 다른 아침-겨울 , 우울하고 선미-결투 장면에서.
여기서 자연의 상세한 그림에 대해 말할 필요가 없습니다. 소설의 서사시 연은 오페라의 극작 밖에 남아 있습니다. 차이코프스키는 푸쉬킨의 풍경화를 따라 그가 할 수 있었던 만큼 광범위하게 오페라 오케스트라의 회화적 가능성을 발전시키지 않았습니다. 작곡가는 유일한 올바른 해결책을 찾았습니다. 그는 캐릭터의 심리적 상태와 직접 관련하여 자연감을 전달했습니다.

Onegin의 악보를들을수록 소설의 아이디어와 이미지 공개의 깊이가 더 눈에 띄는 것 같습니다. 때로는 작곡가와 시인의 의도를 분리하는 것이 거의 불가능합니다. 위대한 예술가의 생각과 감정은 완전하고 유기적으로 통합되어 있습니다. "Onegin"의 음악에서 당신은 소설의 영웅뿐만 아니라 그들의 창조자 자신도 느낍니다. 푸쉬킨의 목소리, 그의 시적 사고는 오페라의 높은 서정적 분위기, 소설에서 서정적 편차의 기능을 수행하는 음악 구조의 미묘한 변화에 반영된 것 같습니다. 그러한 음악적 "편차"가 어느 시점에 발생하는지 증명하는 것은 불가능하지만 그 중 하나에 주목하고 싶습니다. 오페라의 마지막 두 장면. 이 그림의 각 에피소드에는 간결함, 완전성, 명확성이 있으며 일반적으로 예술과 삶의 성숙하고 안정적인 현상에 내재되어 있습니다. 마지막 장면은 소개에서여 주인공을 특징 짓는 주제와 관련하여 상류 사회 무도회에서 Tatyana의 모습을 수반하는 왈츠와 같이 이전의 모든 것과 동일한 관계에 있습니다.
일반적인 감정 구조의 이러한 변화는 새로운 시대영웅들의 마음 속에는 인간 성숙의 모공이 있으며, 이 장치가 아마도 무의식적으로 차이코프스키에서 발생했다는 생각에서 벗어나기 어렵습니다. 그의 소설:

그래서, 내 정오가 왔고, 나는 필요해
인정합니다.
하지만 그렇게 하세요. 함께 작별 인사를 합시다.
오 나의 가벼운 젊음이여!
즐거움에 감사드립니다
슬픔을 위해, 달콤한 고통을 위해,
소음, 폭풍, 잔치.
모든 것을 위해, 모든 선물을 위해;
감사합니다. 당신에 의해,
불안과 침묵 속에서
내가 즐겼다. 그리고 아주;
충분한! 맑은 영혼으로
나는 이제 새로운 길을 가고 있다.

표트르 차이코프스키의 오페라 "유진 오네긴"에서 Lensky의 아리아 "어디로 가셨습니까..."("Wohin, wohin bist du entschwunden..."). 프리츠 분덜리히의 연주. 1962년

Fritz Wunderlich는 전후 세대의 가장 주목할만한 가수 중 한 명입니다. 35세의 나이에 신발 끈을 잘못 묶고 계단에서 넘어지는 불의의 사고로 인생이 중단되었습니다. 그의 초기 사망에도 불구하고 Wunderlich의 음반과 레퍼토리는 오페라, 오페레타, 영적 오라토리오, 실내악 장르의 공연 등 매우 광범위했습니다. 그의 보컬 숙달은 보편적입니다. 다음은 아마도 비디오로 볼 수 있는 차이코프스키의 유진 오네긴에 대한 최고의 녹음일 것입니다. 1962년 바이에른 오페라가 Wunderlich를 Lensky로 연기한 작품입니다. 푸쉬킨이 패러디로 생각한 차이코프스키의 오페라에서 렌스키가 자신에게 쓴 필적기적 비문은 전체 오페라의 비극적 절정이 됩니다. Tchaikovsky는 푸쉬킨의 텍스트를 뒤집습니다. 그의 트레이드 마크인 아이러니, 저자의 제거를 박탈합니다. 우스꽝스러운 렌스키가 진지하게 서정적 영웅, Pyotr Ilyich의 모든 작업의 ​​leit-motif 오페라의 주요 지수-개인 행복의 불가능.