마스터 클래스의 Dmitry Vdovin이 어트랙션을 만들었습니다. Dmitry Vdovin-볼쇼이 오페라단 부국장-그게 뭐죠? 허영심 또는 완벽주의
Dmitry Vdovin은 1962년 4월 17일 예카테린부르크에서 태어났습니다. 졸업 주립 연구소모스크바에서 연극 예술을 한 후 Inna Soloviev 교수의지도하에이 대학의 대학원에서 다음과 같이 공부했습니다. 연극 평론가, 가장 큰 출판물 전국 신문그리고 잡지. 그 후 그는 재교육을 받고 VS Popov Academy of Choral Art에서 보컬리스트 및 보컬 교사로 졸업했습니다. 1987년부터 1992년까지 - 현장 업무를 담당하는 직원 뮤지컬 극장소련의 연극 인물 연합.
그는 필라델피아에 있는 Curtis Institute of Music의 성악 부서 책임자인 Michael Elaysen의 지도 아래 벨기에의 유럽 오페라 및 성악 센터인 ECOV에서 성악 교사로 교육을 받았습니다. 1992년 드미트리 브도빈은 모스크바 음악 및 극장 센터의 예술 감독이 되었습니다. 창의적인 프로젝트가장 큰 국제 극장, 축제 및 음악 단체와 함께.
1996년부터 D.Vdovin은 위대한 러시아 가수 I.K. 콘서트 프로그램. 1995 년부터-교사, 2000 년부터 2005 년까지-1999-2001 년 Gnessin State Medical University 보컬 부서장-2001 년부터 Gnessin Academy of Music 교사-부교수, 학과장 독창아카데미 합창 예술 2008년부터 V.S. Popov의 이름을 따서 명명됨 - Achia 교수.
D. Vdovin은 러시아의 많은 도시와 미국, 멕시코, 이탈리아, 라트비아, 프랑스, 폴란드, 스위스에서 마스터 클래스를 제공했습니다. 그는 휴스턴 그랜드 오페라에서 청소년 프로그램의 영구 초청 교사였습니다. 1999년부터 2009년까지 - 모스크바의 예술 감독 및 교사 국제 학교러시아, 미국, 이탈리아, 독일, 영국에서 온 가장 큰 오페라 교사와 전문가들이 젊은 가수들과 함께 일하기 위해 모스크바에 올 수 있도록 한 보컬 마스터리
글린카 국제 콩쿠르(Glinka International Competition), 1위 및 2위 전 러시아인(All-Russian) 음악 대회, 국제 콩쿠르 Le voci verdiane in Busseto, International Viotti and Pavarotti Vocal Competition in Vercelli, AsLiCo in Como, 국제 대회파리와 보르도, 볼쇼이 극장의 Competizione dell'opera Italiana, 몬트리올 국제 콩쿠르, TV 채널 "Culture" "Big Opera" 경쟁, 이즈미르 성악 콩쿠르, 바르샤바 Moniuszko 국제 콩쿠르, "Die Meistersinger von Nürnberg" 뉘른베르크, 스페인 테네리페 오페라.
2009년부터 - 설립자 중 한 명이자 예술 감독러시아 볼쇼이 극장의 청소년 오페라 프로그램. 2015년부터 - International의 초빙 교사 오페라 스튜디오취리히 오페라. 뉴욕 메트로폴리탄 오페라 마스터 클래스.
Pavel Lungin 영화 "의 음악 컨설턴트 스페이드의 여왕". 또한 D.Yu. Vdovin은 부국장이었습니다. 크리에이티브 팀볼쇼이 극장의 오페라단.
잘 알려진 보컬 교사, 볼쇼이 극장 청소년 프로그램 책임자 Dmitry Vdovin은 Winter International에서 대화식 마스터 클래스를 개최했습니다. 음악 축제소치의 유리 바쉬메트.
여기에서 운전할 때 올림픽 기간 동안 누군가가 성악 교사의 마스터 클래스에 관심을 가질 지 확신하지 못했습니다. -Vdovin은 즉시 인정했습니다. -그런데 모였으니 올림픽에서도 음악에 대한 관심이 있다는 뜻이다. 우리는 목소리로 작업하는데 이것은 걸레로 닦고 구석에 놔둘 수 있는 악기가 아닙니다. 이것이 우리 작업의 전체적인 복잡성입니다.
Yuri Bashmet 축제의 마스터 클래스의 특징은 지리입니다. Rostelecom 회사와의 협력 덕분에 축제에 온 선생님은 한 번에 여러 도시에서 마스터 클래스를 진행합니다. 홀에서 음악 학교비디오 키트가 설치되고 소리와 그림이 지체없이 소치 필 하모닉의 오르간 홀에 들어갑니다. 이번에는 마스터 클래스에 참석했으며 가장 중요한 것은 Rostov, Yekaterinburg, Samara 및 Novosibirsk가 참여했습니다.
그러나 그들은 소치에서 모두 똑같이 시작했습니다. 처음으로 무대에 오른 소치예술학교 2학년 다비드 치크라제(David Chikradze)는 유명한 스승에게 악마의 두 번째 로망인 헨델의 아리아를 불렀다.
당신은 아름다운 바리톤을 가지고 있지만 대중 공연을 위해 그들은 당신이 음역을 넘어야 하는 작품을 선택했습니다. 그러나 먼저 중요한 메모입니다. 마스터 클래스에 오시면 세 세트의 노트가 있어야 합니다. 하나는 반주자용, 다른 하나는 교사용, 세 번째는 본인용입니다. 왜 자신을 위해? 당신이 걱정하기 때문에 당신은 아마도 말한 것을 많이 잊을 것이므로 사본에 메모를 해야 합니다.
특히 Dmitry Vdovin은 러시아어와 이탈리아어 모두 모호하거나 잘못된 발음에 대해 젊은 예술가를 질책했습니다.
발음은 매우 중요합니다. 종종 당신은 이탈리아어로 노래해야 하고, 게다가 수억 명의 사람들이 이 언어를 사용합니다. 정확한 발음은 성능의 핵심을 제공하고 이탈리아인의 구문 발음의 아름다움을 들어보세요!
Vdovin이 무시하지 않은 또 다른 특성은 가수의 유기적 특성입니다.
노래는 즉흥적이고 자연스러워야 합니다. 오스카 와일드가 말했듯이 가장 어려운 것은 자연스러워지는 것입니다. 그래서 노래를 부를 때 가장 중요한 것은 자연스러움을 유지하는 것입니다. 이제 오페라 역할 연극 감독더욱 중요해졌고, 오페라 아티스트들은 이미지 작업을 열심히 해야 하고, 자연스러움은 그 역할에 가장 중요한 조력자다. 큰 즐거움을 느끼며 노래하십시오. 날아가는 아름다운 소리를 즐기십시오.
그리고 주인은 바리톤 David에게 다음과 같이 상기시켰습니다.
헨델은 바리톤을 위한 파트가 없으며 바리톤 자체는 19세기에만 등장했습니다. 우리는 이 아리아를 테너와 카운터 테너에게 맡기고, 당신의 목소리에 더 적합한 것을 찾게 될 것입니다.
다음 오디션은 사마라 출신의 12세 소년 발레리 마카로프(Valery Makarov)로 나이를 초월한 아름다운 고음을 선보였다.
당신은 아름다운 목소리를 가지고 있고 음악성을 가지고 있으며 이것이 중요합니다. 별도의 전문가가 아이들과 함께 일하지만 나는 이것을하지 않지만 몇 가지 생각을 말할 것입니다. 이것은 달콤한 노래입니다! 목소리의 힘, 압박감을 보여줘야 하는 곳이 아니다. 부드러운 색상으로 전환하자마자 노래 내용이 명확해졌습니다. 노래는 무엇에 관한 것입니까? 노래의 주인공은 노모가 있고 반드시 그녀에게 돌아와 안아 주겠다고 노래합니다. 젊은 어머니가 있습니까?
예! Valera는 주저하지 않고 대답했습니다.
그리고 이 노래의 주인공은 이미 늙었다. 그리고 발음에 관해서. 이탈리아어에는 "mamma" 및 "mama"처럼 발음되는 단어가 있습니다. 다른 의미- 각각 "엄마"와 "사랑해". 이 노래에서 - "엄마". 더 충만하게 노래하십시오. 당신은 아름다운 음색을 가지고 있습니다. 음색은 목소리에서 가장 아름다운 것입니다.
Samara의 또 다른 대표는 과도한 압력으로 노래를 불렀습니다. Vdovin은 시각적 수단의 절약에 대해 설명하기 시작했습니다.
멜로디를 올리기 전에 목소리가 가려진다. 커버는 보이스를 앞뒤로 밀어넣는게 아니라 좀 더 밝게 만들어주는 것! 더 음악적으로 노래해야 합니다. 물론 청년이 나오면 모두가 목소리를 기다리고 있지만 더 나아가 그들은 재능을 기다리고 있습니다. 많은 투표가 있습니다. 그러나 목소리는 작지만 모두가 말합니다-그가 노래하는 방법! 자료 자체의 표현에 주의를 기울이십시오.
Novosibirsk는 Verdi의 Rigoletto에서 Gilda의 아리아를 부드럽고 소심하게 부르는 18 세의 Irina Kolchuganova가 발표했습니다. Vdovin은 그녀가 작품을 어떻게 부르는지 주목했습니다.
부를 아리아를 발표할 때 항상 제목에 아리아의 첫 단어를 추가하세요. 그러면 다른 국가의 모든 청취자가 정확히 무엇을 부를지 이해할 것입니다.
당신은 부드럽게 노래합니다. 볼쇼이 극장 오디션과 대회에서 듣는 우리 가수들의 문제는 부드러움에 감사하지 않는다는 것입니다. 연주자들은 즉시 침략, 강력한 전달을 원하며 더 강력한 장치의 가수를 위해 작성된 부분을 노래하려고 합니다. 부드러움 - 청취자의 마음을 감동시킵니다. 이 부드러움, 연약함을 자신에게 저장하십시오-이를 귀하의 이점으로 만드십시오.
Vdovin은 자료 발표 능력에 대한 또 다른 귀중한 조언을 제공했습니다.
이 아리아의 또 다른 이름은 "The Story"입니다. 당신은 당신이 이 이야기를 들려주고 있는 사람을 볼 필요가 있으며, 아리아를 들려주는 것은 그 사람에게 있습니다. Gilda는 그녀가 사랑하는 사람 뒤에 몰래 어떻게 숨어 있는지 알려줍니다. 여기서는 포르테를 부를 수 없습니다! 첫사랑이 어떨지 누구나 알고 있습니다. 몰래 돌아 다니는 것은 특별한 감정입니다. 청취자에게 보여야합니다.
Rostov는 비디오 방송에서 다음이었습니다. 21 세의 바리톤 Vadim Popechuk은 Leoncavallo를 매우 감정적으로 불렀습니다. 우선 Vdovin은 Rostov Musical College 홀에서 엄청난 박수 갈채를 받았습니다.
아티스트는 그를 지원하고 박수를 쳐야 할 정도로 어려운 직업입니다! 종종 많은 전문가들이 오디션을 위해 볼쇼이 극장 홀에 앉아 있지만 예술가는 노래를 불렀고 아무도 박수를 치지 않았습니다. 그들의 존엄성 아래. 그리고 당신은 박수를해야합니다!
Vadim의 성능에 대해 마스터는 다음과 같이 말했습니다.
21년은 바리톤에게 충분하지 않습니다. 위해 쓰여진 아리아 전체 음성, 성숙한 바리톤. Leoncavallo는 이미 많은 감정을 가지고 있으며 감정에 의지 할 필요가 없으며 레가토를 유지합니다. 그렇지 않으면 이탈리아어가 아니지만 집시 억양이 나타납니다.
Dmitry Vdovin에 이어 또 다른 중요한 가정을 공식화했습니다.
우리 직업은 이상하게도 수학과 관련이 있습니다. 모든 쉼표, 모든 음표, 모든 페르마타의 길이를 계산해야 합니다. 무엇을 위해? 제안 된 상황에서 청중이 당신의 감정에 감염되기 위해서는 이것이 중요합니다. 우리는 극장에 있습니다. 보컬리스트는 각 음표의 지속 시간을 정확히 알고 있어야 하며 언제 숨을 들이마실지 알고 모든 것을 밀리초 단위로 계산해야 합니다.
그리고 진정한 매력이 시작되었습니다. 홀에서 Vdovin은 자신이 감독하는 볼쇼이 극장의 청소년 프로그램에 참여하는 바리톤 Andrei Zhilikhovsky를 발견하고 Yuri Bashmet의 Eugene Onegin 프로덕션에서 노래하기 위해 소치에 왔습니다. 그리고 Andrei Zhilikhovsky는 무대에 초대되어 Vadim과 함께 듀엣을 부르겠다고 제안했습니다. Zhilikhovsky의 당황한 표정을 알아 차리고 그는 Rostov에서 동행 할 것이라고 설명했습니다. 그리고 그것은 효과가 있었다! 연결은 약간의 지연없이 안정적인 것으로 판명되었습니다 (TV 채널의 생방송에서 자주 볼 수 있음)-두 명의 바리톤이 차례로 노래를 부르며 코다에서 일제히 합쳐졌습니다.
실제로 수정할 수있는 것이 거의 없기 때문에 마스터 클래스를별로 좋아하지 않습니다. 하지만 몇 가지 생각을 할 수 있습니다... 이제 상황은 놀랍습니다. 우리는 흑해 연안에 앉아 있고 Andrey는 몰도바 출신이고 Vadim과 반주는 Rostov에 있습니다. 우리만의 올림픽이 있습니다!
Yekaterinburg에서 또 다른 포함. 15세의 테너 알렉산더는 차이코프스키의 로망스 "시끄러운 무도회 속에서"를 불렀다.
약간 부정확하게 선택된 재료 - 많이 좋은 노래, 하지만 이 로맨스는 훌륭한 삶의 경험을 가진 많은 노인들을 위한 것입니다. 하지만 당신은 너무 감동적으로 노래해서 매우 귀중하고이 스레드를 평생 유지해야합니다. 모든 구절을 러시아어로 부릅니다. "파이프"가 아니라 "파이프"입니다. "thin"이 아니라 구식 발음이지만 "thin"입니다. 러시아어 규칙에 따라 들리는대로 모든 문구를 부르면 훨씬 더 명확하고 강해집니다. 모음 "U"를 부를 수 없습니다. "O"로 들어가고 텍스트 인식이 이로 인해 특히 로맨스에 중요합니다.
마지막으로 Dmitry Vdovin은 모든 젊은 연주자들에게 조언을 해주었습니다.
나는 항상 젊은 예술가들에게 조언합니다. 가능한 모든 곳에서 모든 사람에게 노래하십시오. 어디에나 나타나 대회에 참가하세요. 나라는 넓고 돌파하기가 매우 어렵습니다. 누구나 볼쇼이 극장의 청소년 프로그램에 지원할 수 있습니다. 청소년 프로그램 입학에 대한 발표가 곧 볼쇼이 극장 웹사이트에 게시될 예정입니다. 전자 신청- 당신의 말을 듣겠습니다. 축제 어딘가에서 당신의 말을 듣고 조언하고 어딘가에 초대하고 도움을 줄 사람이 항상 있다는 것을 기억하십시오. 이것이 우리의 직업 생활이 작동하는 방식입니다.
마스터 클래스는 바리톤 Andrei Zhilikhovsky가 연주 한 Alexei Tolstoy의 구절을 기반으로 한 Tchaikovsky의 로맨스 "To the Yellow Fields"로 끝났습니다.
바딤 포노마레프
사진 - 알렉세이 몰차노프스키
- 친애하는 Dmitry Yuryevich, 귀하에 대한 간략한 전기 정보는 인터넷에서 찾을 수 있지만 처음부터 가족, 어린 시절부터 다시 시작하겠습니다. 어떻게 그리고 무엇을 가지고 음악, 성악, 오페라 극장의 세계에 합류하기 시작했습니까?
저는 스베르들로프스크에서 태어나고 자랐습니다. 일반적으로 모든 친척은 전적으로 물리학 자이자 수학자입니다. 엄마는 Uralsky의 고등 수학 교사입니다. 주립 대학, 아빠는 물리학 자이고 대규모 연구소의 이사였으며 삼촌도 물리학 자, 이모는 대수 학자, 형제는 머리입니다. 현재 예카테린부르크에 있는 아카데미의 수학과. 전 세계에 흩어져있는 사촌과 자매 - 모든 수학자.
그래서 나는 그들이 말하는 것처럼 음악가 없이는 가족에서 유일한 예외입니다!
그러나 동시에 아빠와 형제 모두 어린 시절에 음악을 공부했습니다. 그러나 여기에 나는 어떻게 든 "지연"되어 있습니다. 그는 피아노 음악 학교를 졸업하고 연극과에서 GITIS에 입학했습니다. 그리고 내 피아니즘은 매우 유용한 것으로 판명되었고 보컬리스트와 함께 살았습니다. 즉, 일종의 "물물 교환"이었습니다. 저는 친구와 지인들로부터 보컬을 배웠고 피아노에서 아리아, 로맨스를 연주하고 그들과 함께 새로운 작품을 배우면서 "보상"했습니다. 젊었을 때 정말 노래를 부르고 싶었지만 진지한 부모님이 먼저 더 안정적인 전문 분야를 얻으라고 조언 해주셔서 연극 평론가로 연구소를 졸업하고 오페라를 전공하고 대학원을 졸업했습니다.
아아, 나를 믿어 줄 진짜 보컬 선생님을 만나지 않고 시작했습니다. 솔로이스트로서의 경력에 대한 개인적인 자질이 충분하지 않았을 수 있으며 제 시간에 이것을 이해하게 된 것에 대해 신에게 감사합니다. 완료되지 않은 모든 것은 더 나은 것입니다. 일반적으로 나는 30 세까지 상당히 늦게 노래를 불렀습니다. 그때 이미 많은 사람들이 나를 알고 있었다. 오페라 세계다른 용량으로. 상황은 미묘했습니다. 연극 노동자 연합에서 나는 뮤지컬 극장을 "지휘"했습니다. 수백만 달러의 예산과 좋은 의도로 거대한 축제와 대회를 준비하면서 소련의 쇠퇴에 오래 살지 못한 협회였습니다 ...
90년대 초에 보컬 선생님으로 실력향상을 위해 벨기에로 갔는데, 가수로서 꽤 큰 기획사와 계약 제의를 받았을 때 갑자기 너무 늦었다는 걸 깨달았다. 밖으로”또는 오히려 다른 방향으로 향했습니다.
- 하지만 거기에는 역사적 사례늦은 보컬 경력-36 세에 시작한 테너 Nikandr Khanaev,베이스 Boris Gmyrya-33 세 Antonina Nezhdanova는 29 세에 프로 무대에 데뷔했습니다.
첫째, 그들은 20세기 초중반에 살았고, 동시대 사람들과 가까울수록 30세에 가수를 시작하는 가수를 찾기가 더 어려웠고, 그 다음에는 각자 자신의 '안전 마진'을 가지고 있었다. 목표 달성을 향한 끈기.
무너졌을 때 소련, 우리는 콘서트 및 연기 기관인 "잔해"STD를 조직하여 매우 성공적이었습니다. 나는 28 세에 처음으로 해외 여행을 시작했고 그 전에는 어떤 이유로 나를 내보내지 않았기 때문에 특별한 감사로 그 시절을 기억합니다. 이것은 엄청난 청취 경험, 세계 무대에서 최고의 오페라 제작에 대해 알게되고 라이브 목소리를 평가할 수있는 기회를 제공했습니다. 유명한 가수. 나는 스스로 발견했다 새로운 세계, 드문 예외를 제외하고는 우리처럼 전혀 노래하지 않았습니다.
소련 오페라 전통에 의해 귀가 "흐리게"되었기 때문에 나 자신의 아이디어를 깨뜨려야했습니다. 나쁜 감각이 단어. 기술적으로, 스타일적으로 재건되어 내 취향이 바뀌었습니다. 쉽지 않았고 때때로 그는 어리석은 일을했습니다. 얼마 동안 나는 관심이 없어서 남자들과 공부했고 수업료를받은 기억조차 없습니다.
그리고 뮤지컬 배우 학부의 Gnessin School에서 보컬을 가르치도록 초대 받았습니다. 나를 위해 특별히 추가 세트를 위해 그들은 유일한 학생 인 Rodion Pogosov를 데려갔습니다. 당시 그는 16 살이었고 노래를 부르지 않았고 일반적으로 극적인 배우가되는 꿈을 꾸었습니다. 그러나 안으로 연극 대학그는 받아 들여지지 않았고 "슬픔에"학교에 들어와 나에게 왔습니다. 이미 19세, 3학년 때 '파파게노'로 데뷔했다. 뉴 오페라”, 21 세에 그는 메트로폴리탄 청소년 프로그램의 최연소 참가자가되었습니다. 이제 Rodion은 국제적인 수준의 인기 아티스트입니다.
- 글쎄요, "첫 번째 팬케이크"도 당신을 위해 울퉁불퉁하게 나오지 않았습니다!
네, 제 첫 학생과 함께 일하는 데는 제게 많은 힘과 에너지가 필요했습니다. 어머니와 팀을 이루어 항상 보컬을 강요했습니다. 일주일에 두 번 45분씩 하는 평범한 수업이 아니라 거의 매일 하는 수업이었다. 간단히 말해서, 나는 저항과 배우려는 의지를 극복하고 그를 쫓았습니다. 당신은 완전히 이해할 수 있습니다 어린 소년, 그들의 보컬 능력을 믿지 않는 것 외에. 그는 심지어 가수들을 비웃었습니다. 학문적 노래의 과정 자체가 그에게 우스꽝스러워 보였습니다.
-처음부터 공부해야 했음이 밝혀졌습니다! 그리고 우리는 합창단 아카데미 졸업생에 대해 더 많이 알고있는 Vdovin의 학생들이 이미 어린 시절부터 준비된 사람이며 6-7 세부터 노래를 부르는 매우 유능한 음악가라는 인상을받습니다.
이제 그들은 내가 수업에서 "크림"을 먹는다고 나에 대해 말합니다. 최고의 목소리. 그리고 나쁜 것을 가져가는 것이 필요합니까? 아니면 누군가에게 무언가를 증명해야 합니까? 모든 일반 아티스트(아티스트, 마스터)는 항상 최고를 선택합니다. 예, 이제 젊은이들이 제 일의 결과를보고 저에게 와서 선택할 기회가 있습니다. 그리고 처음에 그들은 저에게 다른 학생들을주었습니다. 그래서 어려운 학생들을 전면적으로 끌어내는 학교를 다녔는데, 이것이 젊은 교사에게 필요하다고 생각합니다.
-완전히 절망적 인 옵션이 있었습니까? 당신의 잘못이 아니더라도 목소리를 완전히 잃거나 보컬 경력을 떠나는 사람에게?
현재 초심자의 지극히 어린 나이도 문제 중 하나다. 이전에는 23-25 세에 전문적으로 보컬을 배우기 시작했으며 특히 남성, 즉 신체적으로 건강하고 신체뿐만 아니라 정신도 강하고 의미있게 직업을 선택한 남성입니다. 이제 15-16 세는 17 세에 우리 반의 합창단 아카데미에 학교에옵니다.
알고 보니 22살이면 이미 졸업을 한 셈이다. 나는 그런 남자, 저음, 아주 훌륭하고 대회에서 우승했습니다. 그는 즉시 다음 중 한 곳에서 청소년 프로그램으로 옮겨졌습니다. 유럽 국가그리고 극장으로. 그게 다야-나는 그에 대해 오랫동안 듣지 못했습니다. 그는 떠났습니다. 레퍼토리 극장의 소위 페스트 계약은 아주 어린 보컬리스트에게 특히 위험합니다. 이것은 당신의 목소리에 어울리든 어울리지 않든 모든 것을 노래한다는 것을 의미합니다. 오늘 - 로시니, 내일 - 무소르그스키, 모레 - 모차르트 등 베른슈타인과 오페레타까지. 몇 년도 지나지 않았지만 목소리 대신 과거 미녀의 잔재가 보입니다.
-그러나 결국 러시아-소련 전통에서는 포스터의 매우 다른 스타일과 이름이 항상 번갈아 가며 주요 솔리스트도 현재 서양에서와 같이 6-7 "La Traviata"또는 "Peak"를 부르지 않았습니다. , 하지만 한 달에 4-5개의 가장 다양한 역할.
나는 정규 극단과 레퍼토리 극장구식이며 예술가, 지휘자, 대중 모두에게 좋지 않습니다. 첫째, 현재 타이틀을 좋은 상태로 유지하기 위한 리허설이 항상 부족합니다. 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라나 빈 슈타츠오퍼 같은 박력 있는 앙상블에서도 리허설이 부족하다. 그러므로 우리의 모든 것이 나쁘다고 생각하지 마십시오. 그들은 모두 그곳에서 번영합니다. 나는 내 학생이 어떻게 Met 데뷔를 가장 힘들게 했는지 기억할 수 있습니다. 메인 파티단 한 번의 무대 리허설도 없이! 그래서 그녀가 나와서 노래를 불렀고 턴테이블도 막혔고 무대 뒤에서 아리아를 시작했습니다.
그래서 저는 레퍼토리 시스템의 지지자가 아닙니다. 우리나라에서는 예술과 관련이 없지만 노동법, 이념 등과 관련된 소비에트 시대의 유물이라고 생각합니다. 그래서 우리는 지금 막다른 길에 앉아 있고 무엇을 해야 할지 모릅니다. 가수들은 자신의 미래에 대해 확신하지 못하지만, 그런데 직업은 오페라 아티스트일반적으로 매우 위험합니다. 음성이 악기에 비해 너무 취약합니다. 의심스러운 경우 처음에 다른 필드를 선택할 수 있고 선택해야 합니다. 가수가 오늘 모차르트와 내일 프로코피예프를 똑같이 설득력 있게 연주할 수 없기 때문에 지휘자들은 행복하지 않습니다. 오늘날 대중도 버릇없고 별이나 새로운 이름이 필요합니다. 그리고 예술에 해를 끼치는 타협이 이루어집니다.
무료 랜서 상황에서 최고의 가수는 항상 자신에게 맞는 레퍼토리를 마스터하고 흥미로운 지휘자, 동등한 수준의 파트너 등을 만날 기회가 더 많습니다. 그리고 특정 프로젝트의 프로덕션 팀의 경우 모든 것을 얼마나 신중하게 리허설 할 수 있습니까!
-그런데 동명 공연이 5~6회도 안 되고 가끔은 12회도 연달아 나오는 상황에서 아티스트들이 뮤지컬의 솔리스트처럼 자동화 효과를 내는 건가. 브로드 웨이에서 하루를 쉬고 종종 교체없이 무대에서 감정, 웃음, 눈물을 묘사하면서 수백 번의 공연을 연속으로 수행하는 것이 어떻게 가능한지 거의 이해할 수 없습니다 ...
브로드웨이와 달리 매일 저녁 오페라 하우스에서는 예술가들이 외출을 하지 않고(긴급한 경우를 제외하고) 항상 하루나 이틀의 휴식이 있다. 그리고 무대 블록에서 공연이 5번 이상 진행되는 경우는 거의 없습니다. 메트로폴리탄과 같은 최고의 극장은 오늘날 전 세계에서 이 오페라의 최고의 연주자를 모으기 위해 노력하고 있습니다. 날 믿어 분위기 속에서 높은 전문성모든 세부 사항의 완벽함을 통해 아티스트가 이미지에 집중하기가 훨씬 더 쉽습니다.
Met 예는 대중에게도 흥미 롭습니다. 왜냐하면 일주일 안에 가장 많은 작품을들을 수 있기 때문입니다. 다른 스타일최고의 성능으로. 결국 "원주민"보다 더 자주 방문객, 관광객이 오페라 하우스에가는 경향이 있다는 것은 비밀이 아닙니다. 그래서 올해 1월 뉴욕에 있는 동안 며칠 만에 재능 있는 바로크 모음집인 Enchanted Island를 방문하여 놀라운 Faust, Tosca와 Daughter of the Regiment를 보았습니다. 그리고 부진한 "로컬"의 경우 현재 오페라 시즌을 연 "Anne Boleyn"과 같이 약 6 개월 후에 가장 성공적인 타이틀이 반복됩니다.
일반적으로 오페라 하우스의 존재에 대한 다양한 전통의 주제는 매우 흥미롭고 어렵습니다. 각 국가에는 선을 위해 결합 할 수있는 합리적인 순간이 있으므로이를 알고 수행하는 방법 만 알면됩니다.
- 개인적으로, 특히 초반에 교육 활동, 그의 무대 경험 부족을 방해하지 않았습니까?
물론 처음에는 방해가되었습니다! 당연히 내가 좋아하는 Elena Vasilievna Obraztsova와 함께 마스터 클래스에 앉아있을 때 나는 단순히 그녀의 비교, 비 유적 연설에 빠져 있습니다. 그녀의 방대한 경험, 뛰어난 거장들과의 작업, 그리고 개인적으로 가장 풍부한 예술적 환상 - 모두 함께 매력적입니다! 그녀가 잘 알고 있는 오페라나 로맨스의 단편을 작업할 때, 그녀는 연기뿐만 아니라 연출, 심지어 지휘까지 지식과 재능이 함께 만들어내는 전 세계를 구축한다.
나는 항상 배우고있다! 그는 현재 Obraztsova 옆에 있는 잊을 수 없는 Irina Konstantinovna Arkhipova와 Evgeny Evgenievich Nesterenko와 청소년 프로그램 교사들과 함께 일하면서 공부했습니다. 나는 학생들과 함께 외국 파티를 포함한 새로운 파티와 프로덕션의 암초를 통과합니다. 이 모든 것은 검색, 학교, 개인 연습의 강화입니다. 나는 시간적으로 운이 좋았고, 오페라 가수일반적으로 자신과 경력에만 바쁘다. 나는 교육적 경험을 얻고, 모든 유형의 목소리로 작업하고, 다양한 레퍼토리를 연구하기 위해 매우 깊고 광범위하게 교육학적 문제에 몰두할 기회를 가졌습니다.
여기서 다소 예상치 못한 비교를 해보겠습니다. 최고의 산부인과 의사는 남성이라는 의견이 있습니다. 왜냐하면 그들은 이해하고 진통을 상상하고 더 단호하고 침착하게 행동 할 수 없기 때문입니다.
예, 아마도 그러한 수행에서 분리되는 순간이 도움이 될 수 있습니다. 고민을 많이 하다가 오페라 성악과 성악 교육은 둘이라는 결론에 도달했습니다. 다른 직업, 물론 어떤면에서는 비슷하지만 모든면에서 그런 것은 아닙니다.
의학, 외과 의사 및 진단사에게 의지하면 어떻게 존재합니까? "황금 손"을 가진 우수한 외과 의사는 잘못된 진단을 내릴 수 있으며 그 반대도 마찬가지입니다. 이러한 직업에는 다른 지식이 필요합니다.
우리의 교육학은 보컬 기술에만 관해서는 다소 좁고 레퍼토리에 대한 질문이 발생할 때 모든 측면에서 가수의 직업에 대한 지식이 필요합니다. 네, 저는 무대에서는 노래를 부르지 않지만 수업 시간에는 항상 노래를 부르며 제 목소리로 보여줍니다. 나는 공공장소에서 피아노를 치지 않지만 학생들과 잘 동행할 수 있습니다. 저는 매니저였기 때문에 학생들에게 계약의 "함정", 나쁜 점, 좋은 조건연설. 내가 직접 오페라를 지휘하고 무대에 올린 것이 아니라면 다시 한 번 리허설에서 이러한 기능을 수행합니다.
-그리고 그 모든 것에 대해 Dmitry는 규칙의 예외입니다. 무대에서 공연하지 않은 성공적인 보컬 교사입니다. 비슷한 운명을 가진 다른 동료가 있습니까?
저는 Svetlana Grigoryevna Nesterenko(저희 위대한 베이스의 이름을 딴 것)라고 부를 수 있고, 우리는 볼쇼이 극장 청소년 프로그램에서 함께 일하며, 그녀는 합창단 아카데미의 보컬 부서장입니다. V. S. 포포바. 그녀의 학생들 중에는 Alexander Vinogradov, Ekaterina Lekhina, Dinara Alieva 및 기타 많은 합당한 가수가 있습니다. 그리고 일반 대중은 가수로서 뛰어난 서양 교사를 많이 알지 못합니다. 일반적으로 우리 성악 교사는 보이지 않는 전선의 투사입니다.
그리고 모든 불만과 함께 세계의 일반적인 가수 수준은 이제 상당히 높으며 어느 정도 과잉이 있지만 가치있는 진지한 보컬 교사의 부족은 조각 직업이 있었고 남아 있었기 때문에 일정합니다. 여기에 역설이 있습니다.
작업 초반에 경험 많은 보컬리스트들이 나 자신이 가수가 아니고, 화장을 맡지 않았고, 시도하지 않았고, 상처를 입히지 않고 긁었다는 말을했습니다. 그리고 지금 - 절대 상관하지 마십시오. 이런 의미에서 저는 진정되었고, 전 세계에 흩어져있는 수십 명의 성공적인 학생들에 대한 책임과 책임이 너무 많습니다. 잘못된 레퍼토리로 올라가려는 욕구에서 실수를 저 지르지 않도록해야합니다. 그들에게 편지를 쓰고, 전화를 걸고, 설득해야합니다. 갈등까지-이것은 드물지만 다툼과 휴식으로 끝났습니다 (내 편이 아님). 모두가 어른이 되기를 원하고 동시에 모두가 어린아이처럼 취약합니다! 그들은 때때로 그들의 좋은 노래가 나의 깊은 관심이라는 것을 이해하지 못하고 내가 채찍을 든 폭군이 아니라 그들을 가혹하게 비판하기 위해 공연이나 콘서트에 왔습니다.
- 한 음악 학교의 한 아주 늙고 현명한 교사는 항상 콘서트 직후에 학생들을 칭찬하고 "보고"를 다음 날로 연기했습니다. 무대가 아드레날린이기 때문에 어쨌든 박수의 행복감에 비판은 진지하게 받아 들여지지 않을 것이지만 날개, 음악을 연주하려는 욕구는 아이가 날카로운 발언으로 깨뜨릴 수 있습니다.
이런 의미에서 나는 어려운 성격을 가지고 있습니다. 내가 잘못하고 있고 감정적이고 거친 사람이라는 것을 알고 있지만 항상 자제 할 수는 없지만 노력합니다.
최근에 매우 실패한 콘서트가 하나있었습니다. 그래서 어려운 상황, 리허설이 적고 오케스트라와의 접촉이 좋지 않았습니다. 결국 나는 사람들에게 가서 E. V. Obraztsova를 다시 인용했습니다. "동지들, 오늘 우리는 극장이 아니라 Tsuryupa의 이름을 딴 클럽이있었습니다." 물론 모두가 매우 슬펐지만 다음날 두 번째 콘서트가 훨씬 좋아지는 것을 막지는 못했습니다!
물론 때로는 학생들에게 상처를 주기도 합니다. 그러나 나는 동시에 말합니다 : 여러분,하지만 나는 말로 자신을 다치게하고 기분을 상하게합니다. 나는 모든 것에 대해 당신을 비난하지 않습니다. 이것은 우리의 일반적인 실수입니다. 나 자신은 밤에 잠을 자지 않고 고통 받고 분석합니다.
- 꾸짖지 않는 선생님은 치료하지 않는 의사와 같다!
정신적 차이의 문제도 있습니다. 우리의 매우 유명한 피아니스트이자 훌륭한 선생님 인 제 동료 중 한 명이 미국에서 한때 마음 속으로 목소리를 높이고 학생에게 메모를 던졌습니다. 바로 거기-수사, 경찰, 스캔들 ... 따라서 미국에서는 이와 관련하여 일하는 데 익숙해지는 것이 쉽지 않았습니다. 때로는 감정을 추가하고 학생에게 목소리를 높이고 싶지만 그곳에서는 불가능합니다.
하지만 다른 학생들도 있습니다! 나는 휴스턴의 마스터 클래스를 처음 방문했을 때 충격을 받았습니다. 좋은 젊은 바리톤이 나에게 와서 Yeletsky의 아리아를 보여주었습니다. 나는 그에게 제안했다 추가 수업결국 저녁에. 그는 세비야에서 피가로의 카바티나를 넘기고 싶었다. 그러나 18시에 피아니스트가 일어나서 떠났습니다. 그녀의 근무일은 끝났고 모든 것이 엄격했습니다. 나는 Rossini의 bravura 반주를 너무 깊이 파헤칠 것이라는 것을 깨달았고 "Yeletsky를 다시 부를 것입니까? "라고 말했습니다. 그는 기꺼이 동의하고 나를 놀라게했습니다. 아침 수업 이후 몇 시간 만에 그는 모든 것을 고쳤습니다! 구문, 발음, 억양, 연기 내용에 대한 모든 의견 - 모든 것이 고려됩니다!
"네, 잘 지내세요?" 나는 그에게 묻습니다. "마에스트로, 나는 앉아서 15분 동안 음표를 보고, 우리 레슨의 녹음을 듣고, 당신이 말한 것을 이해했습니다. 이제 아리아가 준비되었습니다."
저에게는 즐거운 충격이었습니다! 모스크바로 돌아와서 그는이 사건으로 자신의 학생들을 비난했습니다. 왜냐하면 당신이 그들에게 20 번 말할 때까지 그들은 그것을하지 않을 것이기 때문입니다! 그들은 녹음기 없이 수업에 옵니다. 때로는 연필과 메모할 여분의 악보도 없이 수업에 옵니다. 당신은 무엇을 말할 수 있습니까? 당신은 강해야합니다.
- 반에 여학생이 있습니다. 접근 방식에 차이가 있습니까?
남자들과 있으면 어느 정도 더 쉽지만 수업에 여자들이 없으면 지루할 것입니다! 물론 여성의 목소리는 보컬 현실에 대한 다른 접근 방식, 더 큰 관심 집중을 요구합니다. 다른 재료와 그에 따라 다른 도구. 생각하는 데 더 많은 시간, 더 많은 노력, 심지어 기술 지식그리고 경험. 그러나 인생에서 알 수 있듯이 일반적으로 여성 목소리알겠습니다. 그리고 교실에서 다른 성별의 존재는 레퍼토리에서 큰 이점을 제공하며 앙상블, 듀엣을 연주할 수 있습니다.
- 20세기 말~21세기 초 세계 보컬의 총체적 위기는? 예를 들어 20세기의 60-70과 비교한다면, 그렇다면 그 이유는 무엇입니까?
그렇다면 위기는 항상 존재해 왔다. Callas와 Del Monaco의 전성기에는 Ponselle, Gigli, Caruso 등 시간을 거슬러 올라 19 세기 초까지 완전히 전설적인 이름에 이르기까지 그리움으로 이야기하는 사람들이있었습니다. 이것은 "하늘은 더 파랗고 잔디는 더 푸르다" 시리즈에서 나온 것입니다.
원칙적으로 학교는 다른 나라, 우리는 단일 정보 공간에서 살기 시작했기 때문에 자주들을 기회를 얻었습니다. 살다또는 세계 오페라 무대에서 최고의 모든 것을 아주 새롭게 녹음합니다. 많은 음악 애호가들에게 비행기를 타고 몇 시간 만에 음악의 수도에 있는 자신을 찾는 것은 접근 가능한 현실이 되었습니다.
제 생각에는 위기는 다른 곳에 있습니다. 지금은 실력 있는 전문직이 꽤 많고, 중간관리자 사이에 실업자가 늘고 있지만, 뛰어나고 비범한 목소리는 거의 없다. 그리고 아름다움이 아니라 힘, 소리의 양입니다.
-진심으로 여러분과 함께합니다. "노인"이 두 음표에서 즉시!
그리고 이것은 또한 기술 비용입니다! 모두가 너무 똑같이 잘 노래하기 시작했습니다. 이전의 많은 위대한 사람들은 그들의 장점뿐만 아니라 비교할 수없는 Callas와 같은 "신성한 불규칙성"으로도 알아볼 수 있고 비범하고 아름다웠습니다. 드문 예외를 제외하고 밝은 음색뿐만 아니라 무엇보다도 개성이 부족합니다. 부분적으로는 가수들이 이제 감독의 독재에 극도로 의존하고 그들의 직업이 오페라 하우스의 중요성 측면에서 첫 번째 행에 있지 않기 때문입니다.
- 오, 우리가 가장 좋아하는 주제는 "재작동자"에 관한 것입니다! 그녀에 대해 어떻게 생각하세요?
바로 지금 뮤지컬 극장에는 우리 모두가 질병이나 악천후처럼 겪고 있는 기간이 있습니다. 우리가 음악의 역사를 공부하고 바로크 시대의 "오페라의 몰락", "의상을 입은 콘서트"에 대해 이야기했던 때를 기억하십니까? 20 세기 중반, 세계 무대에서 Callas 및 Luchino Visconti와 함께 오페라는 드라마, 영화의 세계와 합쳐지고 그림에서 이미지를 그리고 어떤면에서는 예술적 수준으로 상승하기 시작했습니다. 그러나 결과적으로 오페라 하우스는 매너리즘이라는 또 다른 극단으로 치닫게 되었다. 이것은 독일에서 특히 급진적이어서 Peter Stein이 독일 오페라 연출에 대해 이야기할 때 이미 어디선가 이렇게 말했습니다.
그러나 흥미롭게도 수세기 동안 오페라의 죽음에 대한 이야기가 있었습니다. 그녀는 항상 극단으로 간다. 그러나 모든 것이 이미 끝난 것처럼 보일 때 갑자기 그녀는 새로운 수단을 찾고 그녀의 모든 아름다움에 다시 나타납니다.
- 예 예! 그렇기 때문에 2010년 파리 바스티유 오페라에서 열린 베르테르, 지난 시즌 코벤트 가든에서 열린 아드리엔느 르쿠브뢰르, 메트에서 가장 최근에 선보인 마법에 걸린 섬 등 전통의상 작품들이 첫 막을 열 때부터 박수갈채를 끊는다.
그러나이 상황에서 나는 테리 정통, 역행 및 보수처럼 보이고 싶지 않습니다. 놀라울 정도로 얇고 깊다. 현대 프로덕션오페라.
모두가 감독의 설득력과 재능의 정도를 결정하고 저도이 문제에 대한 개인적인 의견을 발전 시켰습니다. 제작에 고유 한 깊은 논리가 있고 모든 "총 쏘기"가 있다면 제작이 성공했다고 생각합니다. 그리고 공연에서 감독이 지난 몇 년간의 다운 타임을 모아 놓은 모든 이미지와 은유를 모아서 생계를 꾸릴 수없고 우리가 앉아서 이해하지 못한다면 왜 그럴까요? Natalie Dessay가 Ariadne auf Naxos에서 보여준 것처럼 이론적으로 문자 그대로 "머리 위를 걷는 것"도 설득력 있게 만들 수 있습니다.
-하지만 보컬 마스터 Vdovin은 노래하면서 거꾸로 걷는 것이 어렵고 학생들을 위해 일어서는 것이 어렵고 생리적이지 않다고 말할 수 없습니까?
아니요, 불행히도 아무 말도 할 수 없지만 때로는 많은 일에 분개합니다. 극장에서 모든 사람은 의존적이며 감독의 계획에 충실해야 합니다. 어떤 감독님의 시나리오에서 사람들이 무대에서 부끄러워하는 모습을 가끔 봅니다. 여기서 우리는 어떤 예술적 설득력에 대해 이야기하고 있습니까! 그리고 가장 슬픈 것은 이기심과 변덕을 제외하고는 때때로 이것이 말이 되지 않는다는 것입니다. 하지만 다른 한편으로는 여기에 정말 깊은 예술적 과제가 있다면 추악한 방식으로도 예술가를 보여줄 수 있다는 데 동의합니다.
나는 최초의 교육을받은 연극 전문가이며 첫 번째 지도자는 Pavel Alexandrovich Markov이고 주요 마스터는 위대한 사람들 인 Inna Natanovna Solovyova였습니다. 나는 극장에서 좋은 시간을 찾았습니다-A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov의 공연에 갔고 모스크바에서 많은 투어가있었습니다 ...
- 감독의 횡포에 굴복하기 싫고 순수한 실내악 장르로만 생각하는 학생들이 있는가?
나는 그런 사람을 만났지만 그는 내 학생이 아닙니다. 그는 우리 시대의 뛰어난 현상이 될 모든 것을 가지고 있습니다. 베이스 Dmitry Beloselsky입니다. 그는 합창단을 떠났고 오랫동안 칸타타 오라토리오 음악, 콘서트만을 불렀습니다. 나는 오페라에 가고 싶지 않았다. 최근에야 34 세에 마음이 바뀌고 볼쇼이 극장에 왔는데 다행입니다. 이 나이에 그는 경주를 조기에 떠나지 않고 지능과 이해력으로 장수를 할 기회가 더 많습니다. 성공적인 경력. Dmitry는 이제 어디에서 공연하든 엄청난 성공을 거두고 있습니다. 메트로폴리탄에서 볼쇼이까지. 하지만 안타깝게도 "순수한"콘서트 가수가 재정적으로 살아남는 것은 어렵고 실내악 연주자의 직업은 사실상 죽어 가고 있습니다. 아아!
- "러시아 성악 학교"라는 개념이 오늘날 의미가 있습니까? 이와 관련하여 지난 봄 드미트리가 이끄는 볼쇼이 극장 청소년 프로그램 졸업 콘서트에서 젊은 가수들이 서양 음악에 얼마나 더 잘 대처하고 설득력있게 대처하는지, 그리고 그것이 얼마나 문제가되는지에 대해 불쾌하게 놀랐습니다. 러시아어를 연주합니다.
거대한 오페라 유산과 러시아어가 있기 때문에 러시아 학교는 의심 할 여지없이 존재합니다. 그리고 구성 요소 - 연극 전통. 러시아 레퍼토리 자체는 이탈리아, 프랑스, 독일 음악. 내 생각에 문제는 우리 음악이 주로 성숙한 가수를 위해 매우 강한 목소리를 위해 설계되었다는 것입니다. 대부분의 오페라는 항상 강력하고 깊은 목소리로 유명했던 두 개의 제국 극장을 위해 작성되었습니다. 오늘날 Khovanshchina의 실제 Herman 또는 Marfa를 어디에서 찾을 수 있는지에 대한 질문은 해결하기가 점점 더 어려워지고 있습니다 ...
그건 그렇고, 미국에서 Tatyana는 "Peak"의 Lisa보다 더 강력한 연령 파티로 간주됩니다. 그리고 Yeletsky는 Le nozze di Figaro의 백작보다 강합니다. Lensky와 Onegin은 Pyotr Ilyich가 모스크바 음악원 학생들을 위해 서정적 장면을 썼기 때문에 우리에게 관례적인 것처럼 청소년 역할로 간주되지 않습니다. 그러나 매우 조밀한 오케스트레이션과 복잡한 보컬 테시투라가 있으며, 범위 위아래로 큰 점프가 있습니다. 교사로서 모든 젊은 가수가 할 수 있는 것은 아닙니다. 그리고 많은 홀에 있는 문제가 있는 음향과 오케스트라가 우르르 울리는 것을 좋아한다는 점을 감안할 때 이 모든 것을 견디려면 매우 강력하고 강한 목소리가 필요합니다. 실례지만 예를 들어 Glinka의 Antonida의 cavatina는 그녀를 위해 쓰기가 너무 어렵다고 생각합니다. 좋은 성능바로 소프라노의 날개에 메달을 달아야 합니다! 또 다른 섬세한 점-러시아 작곡가는 모든 천재성에도 불구하고 항상 성악 작문의 복잡성을 마스터하지 못했습니다. 그리고 이것은 이해할 수 있습니다-자신 오페라 전통러시아에서는 그리 오래되지 않았으며 많은 대표자들이 스스로 이것을 배웠습니다.
감각적 인 것과 관련하여 Glinka에 대한 추가 정보 마지막 초연"Ruslana", 지금은 보컬 측면에 대해서만 이야기하고 있습니다. 언론에 B. A. Pokrovsky의 70 년대 볼쇼이 극장의 이전 제작에 비해 제대로 노래 할 사람이 없다는 진술이 있었기 때문입니다. 나는 살아있는 증인이자 청취자로서 말할 것입니다-예, 그 공연에는 화려한 Ruslan-Evgeny Nesterenko, Lyudmila-Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya-Ratmir가있었습니다. 그러나 풍부한 캐릭터 (그리고 공연은 2-3 캐스트) 중에는 알 수없는 이유로 볼쇼이 극장 무대에 등장한 가수가 있었고 공연이 있었다는 것은 비밀이 아닙니다. 그렇게 되면 오페라에 대한 흥미를 영원히 잃을 수 있습니다.
다시 장르 구분으로 돌아가겠습니다. 모차르트 오페라에는 독특한 멋진 가수들이 있고 그 이상은 없습니다. 그리고 다른 사람들은 독점적으로 러시아 음악을 불러야합니다. 이것이 그들의 장점입니다. 그러나 그들이 이것 저것 노래하기 시작하면 모차르트, 글린카, 청취자 모두에게 더 나쁩니다.
-불행히도 모든 가수가 자신의 냉정한 분석 정신을 가지고 있고 이미 Herman을 노래하도록 제안받은 Dmitry Korchak과 같은 모험적인 프로젝트를 거부 할 의지가있는 것은 아닙니다!
예, Dima는 이런 의미에서 훌륭하지만 그의 레퍼토리에 러시아 음악이 너무 적다는 사실은 그의 목소리가 너무 가볍기 때문에 유감입니다. 그런데 Vasily Ladyuk도 마찬가지입니다. 나는 그가 러시아 로맨스를 공연했던 저녁을 기억합니다. 나는 관현악 실내악을 좋아하지 않지만 Mikhail Pletnev는 놀랍도록 잘 해냈고 음악의 의미를 관통하는 최고의 콘서트 중 하나가 열렸습니다!
일반적으로 러시아 음악을 잘 부르기 위해서는 신선함을 잃지 않도록 수많은 우리 자신의 진부한 표현을 제거하기 위해 매우 열심히 노력해야합니다. 때때로 외국인은 놀라운 새로운 색조를 가지고 있으며 때로는 우리는 전통을 오래 전 러시아 장면의 인정 된 고전에 대한 진부한 기록 인 urtext로 인식합니다.
- 오래된 기록을 "듣는" 것에 대해. 오랫동안 Svyatoslav Teofilovich Richter의 진술은 영혼에 가라 앉았습니다. 현대 청소년, 녹음 장비의 가용성에 망가진 그는 공연 후 외부에서 지속적으로 자신을 통제하는 데 익숙해집니다. 그리고 이러한 문명의 축복을 박탈당한 이전 세대의 음악가들은 소위 "예청", 즉 내이로 다음 음악 구절을 미리 느끼는 능력을 개발했습니다.
요점. 나는 최근 Met에서 "피가로의 결혼"이라는 오디오 녹음을 들었습니다. 그리고 앙상블 중에 때때로 나는 백작 부인, Susanna 또는 Cherubino와 같은 지금 연주하고있는 음표없이 앉아 이해할 수 없었습니다. 셋 다 미안해 꼬마 르네 플레밍! 물론 모든 것과 모든 사람, YouTube 등의 음원을 사용할 수 있습니다. 흔적을 남기다 현대 공연자, 진부한 해석이 여기에서 나옵니다.
-하지만 개인적으로 학생들이 수업, 공연에서 기술을 사용하도록 허용합니까?
나는 예를 허용합니다. 연극적인 사람으로서 나는 남자들과 함께 작업을 시작하고 이것 또는 저 음악 이미지의 기원, 원인 및 결과를 찾으면 진부함이 사라지고 다른 사람들의 오디오 및 비디오 녹음에 대한 압력이 사라진다는 것을 이해합니다.
-가수는 작가의 전기에 대한 역사적 맥락, 영웅의 행동 시간과 장소에 대한 지식이 필요합니까?
물론이죠! 오페라 아티스트, 가수는 교육받은 사람이어야합니다! 작업을 채우기 위해 텍스트에 의미를 부여합니다. 모국어단어뿐만 아니라 캐릭터 주변의 전체 상황, 플롯, 역사적 유대그런 자료라면. 젊은이들이 로망스를 쓴 시인들의 이름을 알지 못하거나 돈 카를로스의 아리아에서 부르는 플랑드르가 어디에 있는지 헤매고 있을 때 끔찍하다. 또는 아리아가 파트너에게 전달되고 본질적으로 이것은 듀엣이라고 상상하지 않습니다.
가장 중요한 것은 가수의 예술적 상상력을 개발하여 깊이와 라인 사이에 무엇이 있는지보고 이해하게 만드는 것입니다.
- 다소 도발적인 질문: 가수의 화려한 보컬과 제한된 예술성 및 특징 없는 외모가 결합된 것, 또는 그 반대의 경우, 매우 절제된 보컬에 밝은 예술성 중 무엇을 선호합니까?
개인적으로 저는 이제 그런 상황에서 집에 있는 것을 선호합니다! 그러나 진지하게 오페라에서 평범한 보컬과 화려한 예술성이 결합되는 것은 부적절합니다. 힘이나 음색면에서 눈에 띄지 않는 보컬리스트가있을 수 있지만 그는 악기를 완전히 마스터해야합니다. 다른 방법은 없습니다. 날씬한 몸매, 올바른 얼굴 특징과 연기 가소성은 메모를 완전히 놓치면 저장하지 않습니다-해야 할 일, 합성 장르.
따라서 우리는 경이로운 목소리, 음악성, 밝고 매우 용감한 아름다움과 결합 된 거대한 연기 기질과 같은 모든 것의 조화에 대한 가장 드문 예를 높이 평가합니다. 볼쇼이 무대에서 통치 한 무대의 Vladimir Andreevich Atlantov와 같습니다. 극장. 학창시절 그를 만나 반가웠다. Atlantov는 아마도 이상적이고 세련된 예가 아니었을 것입니다. 보컬 스쿨, 그러나 그는 진정한 예술가가되어야하는 오페라 노래 과정을 이해하는 측면에서 많은 것을주었습니다.
Tatyana Elagina의 인터뷰
에서 주목할 만하다 세 개의 오페라올해 ROF 페스티벌에서 공연되는 주요 테너 파트는 러시아 가수들이 연주할 예정이며 모두 Dmitry Yuryevich Vdovin 교수의 제자입니다.
여름철에는 연극 열정의 강도가 감소해야 할 것 같지만 이것은 일어나지 않습니다. 여름에는 어렵고 매우 권위있는 대회와 축제가 많이 있습니다. 엄청난 수의 축제 중 특별한 장소는 Gioacchino Rossini의 고향 인 이탈리아의 Pesaro시에서 매년 열리는 Rossini Opera Festival 인 ROF에 속합니다. 8월 10일, 이 축제의 개막이 열립니다.
ROF-2017 프로그램은 테너 세르게이 로마노프스키(Sergei Romanovsky)가 주연을 맡은 G. 로시니(G. Rossini)의 오페라 코린트 공성전(The Siege of Corinth) 공연으로 시작됩니다. 다음날인 8월 11일에는 G. Rossini의 오페라 The Touchstone이 테너 Maxim Mironov와 함께 공연됩니다. G. Rossini의 오페라 "Torvaldo and Dorlisca"가 8 월 12 일에 발표되며 테너 Dmitry Korchak이 노래를 부를 예정입니다. 그들 모두는 Dmitry Vdovin의 학생입니다.
-'브도빈 학파 현상'의 비결은?
본질적으로 다소 "팡파르"이기 때문에 대답하기 쉽지 않은 질문입니다. 아시다시피 "팡파르에"천둥을 칠 수 있습니다. (웃음)그러나 다른 한편으로 나는 얼버무리지 않을 것입니다. 결과가 있고 함께 일한 가수들은 세계 오페라 극장에서 확실하고 진지한 위치를 차지합니다. 청소년기에 Rossini에 매우 관심을 갖게 된 것이 궁금합니다. 이것은 "세비야의 이발사"와 "알제리의 이탈리아인"의 녹음 때문이었습니다. 그들은 또한 중요한 역할을 한 러시아어로 만들어졌습니다. 저는 너무 어렸고 아마도 이탈리아어로 노래하는 것이 저를 그렇게 사로 잡지 않았을 것입니다. 나는 로시니의 연극성, 그의 유머, 놀라운 선율의 관대함, 삶의 쾌락주의에 매료되었습니다. 그리고 Urals의 혹독한 기후와 소련의 가혹한 조건에서 살았던 나에게는 그의 음악뿐만 아니라 그의 전체 역사 (Stendhal의 "Rossini 's Life"를 읽음)가 일종의 특이하고 축제의 세계. 비닐 레코드의 겸손한 소유자로만 들어갈 수 있었던 것입니다.
그러나 교직 초기에 세 명의 테너가 작은 시간 간격으로 나에게 와서 Rossinian 레퍼토리의 전문가가되었습니다. 사실 모든 것이 그렇게 간단하지 않습니다. 18 세의 Maxim Mironov는 비정상적으로 높고 매우 움직이는 목소리의 특성으로 인해 즉시 Rossini의 테너로 간주되었습니다. 내가 그에게 준 첫 번째 아리아는 The Italian Girl in Algiers의 Languir per una bella였고 그 다음 Othello의 O come mai non senti였습니다. 그리고 이제 그는 최고의 Lindor와 Rodrigo 중 하나입니다.
Sergey Romanovsky... 첫 달과 심지어 1 년 동안 아마도 나는 그와 함께 Don Ottavio, Nemorino, Lensky를 더 공부했습니다. 아니요, 우리는 곧 신데렐라를 부르기 시작했고 Mironov가 다른 사람이 Rossini를 부르는 것처럼 전화로 전화를 걸었을 때 처음 들었던 것을 기억합니다. 로마노프스키였습니다! 그러나 Rossini에서 Serezha와의 진지한 입장은 내가 모스크바에서 Journey to Reims의 준 무대 공연을하기로 결정했을 때 일어났습니다. 10년 전의 이 이야기는 많은 사람들을 직업과 로시니 세계에 소개했다고 말해야 합니다. 그러나 특히 그녀는 Liebenskoff의 유일한 백작인 Romanovsky에게 많은 것을주었습니다. 이것은 가장 어렵고 가장 거장적인 부분이며 덕분에 그는 실제로 학생 공연을보기 위해 그 당시 모스크바에 특별히 온 전문가들의 관심을 끌었습니다. 얼마 지나지 않아 그는 이탈리아, Treviso 및 Jesi에서이 역할로 데뷔했으며 곧 La Scala의 일련의 공연에서 Korczak과 Romanovsky가 차례로 Liebenskoff를 불렀습니다. 매우 위험한 순간이었고, 그렇게 어린 나이에 중요한 극장에 데뷔하기에는 너무 이르다. 그러나 그럼에도 불구하고 모든 것이 진행되었습니다. Mironov는 베니스의 La Fenice (Mohammed II)에서 첫 번째 Rossini를 불렀습니다. 이것은 Neue Stimmen 대회 이후 서부에서 Lindor의 아리아 끝에서 성층권 E 플랫을 차지한 이후 첫 번째 계약이었습니다. 그건 그렇고, 2000년대 초반에는 지금처럼 높은 로시니 테너가 많지 않았습니다. 경쟁이 눈에 띄게 증가했습니다.
프랑스인 모차르트의 테너로 더 생각했던 드미트리 코르차크 서정 오페라그리고 러시아 레퍼토리(그리고 지금까지 나는 이것이 그의 가장 강점) 그러나 Rossini는 노래를 많이 부르기 시작했습니다. 그의 뛰어난 음악적 능력은 주요 지휘자(Muti, Chaya, Maazel, Zedda)와 과거에 매우 저명한 Rossinian 테너이자 나중에 Juan Diego Flores의 멘토이자 현재는 축제의 수장인 로시니안 세계, 그리고 지금은 로시니의 고향인 페자로의 아카데미. 올해 세 명의 테너를 모은 것은 Maestro Palacio였습니다. 자랑스럽지 않을 수 없습니다.
ROF-2017에는 세 명의 테너와 모든 학생이 있습니다. 이들은 Korchak, Mironov, Romanovsky입니다. 물론 그들은 다르지만 제자로서 그들을 하나로 묶는 것은 무엇입니까?
그들은 재능 있고, 매우 똑똑하고, 각자의 방식대로 열심히 일합니다. 나는 게으른 사람들을 참을 수 없습니다. 게으른 주인 아름다운 목소리-나에게 이들은 예술의 속물, 일종의 정신적으로 배가 고픈 보컬 능력의 세입자입니다. 이 세 가지는 전혀 그렇지 않습니다. 매우 책임감 있고 진지하며 사려 깊은 예술가. 이것이 그들을 하나로 묶는 것입니다.
드미트리 유리예비치 브도빈(출생)-러시아 오페라 인물이자 성악 교사, 러시아 연방 명예 예술가, 합창 아카데미 교수.
러시아 볼쇼이 극장의 청소년 오페라 프로그램 예술 감독.
전기
1962년 4월 17일 스베르들로프스크(지금의 예카테린부르크)에서 태어났다. 그는 모스크바의 국립 연극 연구소 (현재 RATI)를 졸업 한 후이 대학의 대학원에서 Inna Solovieva 교수의지도하에 연극 (오페라) 평론가로 공부했으며 주요 전국 신문 및 잡지에 게재되었습니다. 그 후 그는 재교육을 받고 합창 아카데미를 졸업했습니다. V. S. Popova는 보컬리스트이자 보컬 교사입니다. 1987년부터 1992년까지 -소련 극장 노동자 연합의 뮤지컬 극장 분야에서 일하는 직원. 필라델피아에 있는 Curtis Institute of Music의 성악 부서장인 Michael Elaysen(1992-1993)의 지도하에 벨기에의 유럽 오페라 및 성악 센터인 ECOV에서 성악 교사로 교육을 받았습니다. 1992년에 드미트리 브도빈은 주요 국제 극장, 축제 및 음악 단체와 공동 창작 프로젝트에 참여한 예술 기관인 모스크바 음악 극장 센터의 예술 감독이 되었습니다. 1996년부터 D. Vdovin은 위대한 러시아 가수 I. K. Arkhipova와 그녀의 텔레비전 및 콘서트 프로그램의 공동 주최자인 Summer School의 교사이자 책임자로 협력했습니다. 1995년부터 - 2000년부터 2005년까지 교사. -국립 의과 대학 성악과장. Gnesins, 1999-2001년 - 러시아 과학 아카데미 교사. Gnesinykh, 2001년부터 - 합창 예술 아카데미 독창과 부교수(2003년까지). V. S. Popova, 2008년부터 - 예술 아카데미 교수. D. Vdovin은 러시아의 많은 도시와 미국, 멕시코, 이탈리아, 라트비아, 프랑스, 폴란드, 모나코, 스위스에서 마스터 클래스를 제공했습니다. 그는 휴스턴 그랜드 오페라 하우스 청소년 프로그램(HGO 스튜디오)의 정규 객원 교사였습니다. 1999년부터 2009년까지 - 러시아, 미국, 이탈리아, 독일, 영국에서 온 가장 큰 오페라 교사 및 전문가들이 젊은 가수들과 함께 일하기 위해 모스크바에 올 수 있도록 한 모스크바 국제 성악 학교의 예술 감독 및 교사
많은 권위 있는 보컬 대회인 국제 대회의 심사위원입니다. Glinka, 제1회 및 제2회 전러시아 음악 콩쿠르, 국제 콩쿠르 Le voci verdiane (Verdi voices) in Busseto, the International Vocal Competition. Vercelli의 Viotti와 Pavarotti, Como의 AsLiCo(이탈리아), 파리와 보르도(프랑스)의 국제 대회, 모스크바와 Linz의 Competizione dell'opera Italiana, 몬트리올(캐나다)의 국제 대회, TV 채널 "Culture" "Big Opera”, St. Petersburg의 Elena Obraztsova 대회, Izmir (터키)의 보컬 대회, 국제 대회. 바르샤바의 Moniuszko, 뉘른베르크의 "Die Meistersinger von Nürnberg", 스페인의 Opera de Tenerife.
2009년부터 - 러시아 볼쇼이 극장 청소년 오페라 프로그램의 창립자이자 예술 감독 중 한 명. 2015년부터 그는 취리히 오페라의 국제 오페라 스튜디오에서 객원 교사로 재직하고 있습니다. 뉴욕 메트로폴리탄 오페라 마스터 클래스(Lindemann Young Artist Development Program).
Pavel Lungin의 영화 "The Queen of Spades"(2016)의 음악 컨설턴트.
또한 D. Yu. Vdovin은 볼쇼이 극장(2013-2014) 오페라단 크리에이티브 팀의 부국장이었습니다.
