연극 표현. "연극화의 수단

과학. 미술. 문화

2015년 4(8)호

극장 공연 및 휴일의 표현 수단과 시청자에게 미치는 영향

T.K. Donskaya1), I.V. 골리우소바2)

벨고로드 주립 예술 문화 연구소 1) 이메일: [이메일 보호] 2) 이메일: [이메일 보호]

이 기사는 대중 공연 및 휴일의 표현 수단을 고려하고 사회 문화적 기능을 강조합니다. 저자는 관객과 청취자의 생각, 의식, 감정 및 행동에 미치는 영향 측면에서 연극 공연 및 휴일의 표현 수단의 가능성을 밝힙니다.

키워드: 예술, 예술의 언어, 예술의 기능, 연극 공연 및 명절, 연극 공연 및 명절의 표현 수단.

안에 현대 세계증가하는 예술적, 미적 인상을 만족시키는 사람들의 요구를 충족시키는 대규모 화려한 연극 공연 및 휴일 (TPP)은 매우 인기가 있습니다. 거창한 스포츠 휴가소치 (2013 동계 올림픽), 붉은 광장 (2015 년 5 월 24 일)의 "슬라브 문학과 문화의 날", TV의 수많은 경쟁 프로그램 ( "Voice", "Dancing on Ice"등), 기념 콘서트 크렘린 궁전의 L. Zykina, 러시아 문화와 예술의 뛰어난 인물을 위한 음악 및 문학 콘서트 및 축제(G.V. Sviridov, K.S. Stanislavsky, P.I. Tchaikovsky, A.P. Chekhov,

엄마. Sholokhov, M.S. Shchepkin 등), 기억에 남는 역사 및 문화 행사 (Kulikovo 전투, 1812 년 애국 전쟁, 스탈린 그라드 및 쿠르스크 전투, 5 월 9 일 등)-이 모든 것이 우리 민족의 가장 풍부한 문화적 전통의 증거이며 그의 재능과 무한한 창의적 가능성의 시연 , 현재와 미래의 조국의 이름으로 조상의 창조적 창조적 활동의 상속자로 자신을 인식하는 사람들의 감사하고 생명을주는 기억의 표현.

이러한 대규모 화려한 공연을 조직하는 데 있어 주연은 감독들에게 속하며, 그의 이름은 당연히 관객의 인정을 받을 자격이 있습니다: A.D. 실린, O.L. Orlov, E.A. 글라조프, E.V. Vandalkovsky, V. A. Alekseev, A.I. 베레진, S.M. 코민, S.V. Tsvetkov 및 기타.

유명한 레닌 그라드 감독 N. P. Akimov는 예술에 대한 대중의 관심에 대한 이유는“예술은 사람들 간의 의사 소통 수단입니다. 이것은 두 번째 특별한 언어(우리가 강조-I.G.) 가장 중요하고 가장 깊은 많은 것들이 평범한 언어보다 더 좋고 더 완전하게 말할 수 있습니다 ... "1.

“사람들은 다양한 방식으로 이 공연이나 저 공연에 옵니다.<...>하지만 무대 위에 생생하고 진정성이 있다면<...>, 길은 모든 사람을 자신에게로 이끄는 하나의 큰 길로 바뀌고 그에게서 그가하지 않는 것을 발견합니다.

1 예술과 교육학. 리더기 / Comp. M.A.동사 St. Petersburg: Education, 1995. S. 28.

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가정 ...”,-G.G를 고려합니다. 러시아 연극 학교의 전통에 충실한 몇 안되는 현대 배우 중 한 명인 Taratorkin2.

창의적 대학의 학생 감독 준비 구조에서

사회-역사적, 문화적 주제에 대한 작품을 만들기 위한 독립적인 연구 프로젝트 활동에서 중요한 구성 요소는 장엄한 대중 예술의 대표자로서의 활동에 특정한 연출 및 무대 "언어"를 소유하는 것입니다.

각 예술 형식에는 색상 언어(회화), 신체 동작 언어(무용, 발레), 멜로디(음악), 단어(픽션) 등 고유한 표현 수단이 있습니다. 또한 상공회의소 이사의 각본 및 연출 활동의 "언어"는 자체 "언어"를 가진 특별한 종류의 예술로 특정 기능이 있습니다. 따라서 다양한 장르의 매스 스펙터클 퍼포먼스를 구체적으로 분석함에 있어서, 특정 사회문화적 맥락에서 소통의 수단으로서의 예술 언어와 표현 형식의 체계로서의 예술 언어의 개념을 방법론적으로 구분하는 것이 필요해 보인다.

“예술의 언어는 역사적으로 형성된 자연어에 이차적인 조형 체계로서 회화적 성격의 일정한 기호 체계와 그 연결 규칙을 특징으로 하며 다른 수단으로는 전달할 수 없는 특별한 메시지를 전달하는 역할을 한다. 예술적 커뮤니케이션 행위의 성패는 발화자와 메시지의 수신자(코드에 대한 올바른 이해)에 대한 예술 언어의 추상 체계의 일반성 정도에 의해 결정되므로 수신자는 메시지에 대한 정보를 수신합니다. 그가 현재 준비하고 있는 지각이지만 미래에는 지각이 깊어질 수 있습니다. 각 예술의 언어는 자연어와 마찬가지로 또 다른 기호 체계(화면 각색, 연극 제작, 일러스트레이션)로 번역될 수 있습니다.” Yu.M. 로트맨3.

언어 학자 (인지 적, 의사 소통 적, 누적 적, 표현 적, 공리 적, 명사 적, 이데올로기 등)가 식별 한 언어 및 연설의 기능과 유사하게 V.I. Petrushin은 사회에서 예술과 예술적 창의성의 다음 기능을 골라 냈습니다.

인지 기능은 주변 현실에 대한 이미지와 아이디어를 통해 세상에 대한 지식을 반영합니다. 삶에 대해 생각하고 배우는 특별한 방식으로서의 예술에 대한 이해는 V.G. 과학과 시의 차이를 "내용이 아니라 이 내용을 처리하는 방식에서만" 본 벨린스키4;

교육적 기능: “진정한 예술 작품은 예술가가 묘사하고 표현하는 것에 대한 예술가의 감상을 포함합니다.” “미학은 형식의 아름다움이고 윤리는 내용의 아름다움입니다. 권위 있는예술은 통합되어 나타납니다”5; 보편적 인 인간과 국가의 영적 및 도덕적 가치를 예술적 및 미적 형태로 주장하는 예술가는 "파악"하는 능력 인 민족의 안정성에 기여하고 단위의 의미를 축적하고 각 새로운 구성원에게 이전합니다. 민족은 이전 세대의 감각, 정신 및 활동 경험의 가장 귀중한 요소이며

2 Ibid., p. 84.

3 로트만 Yu.M. 문학 텍스트의 구조 // Lotman Yu.M. 예술에 대해. SPb., 1998.

4 Petrushin V.I. 예술 창의성의 심리학과 교육학: 고등학교 교과서. - 2판. M., 2008. S. 59.

5 Ibid., p. 60.

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기타";

일부 미술 평론가의 관점에서 볼 때 쾌락주의적 기능은 오락 목적으로 사용되지만 L.N. 톨스토이는 “예술을 즐거움의 수단으로 보지 말고 예술을 생각해야 한다”고 말했다.

인간 삶의 조건 중 하나로”; 현대 심리학은 예술의 본질에 대한 이러한 원시적 관점에서 멀리 나아갔지만 미학 분야에서는 꽤 끈질기게 입증되었습니다. "그러나 모든 종류의 예술에서 가장 높은 성과는

아름다운 외적 관능적 형태와 이러한 영적 형태로 구현된

의사 소통 기능은 인간의 주요 요구 중 하나 인 의사 소통의 필요성과 관련이 있습니다. "예술"이라고 L.N. Tolstoy는 생리 학자들이 생각하는 것처럼 게임이 아니라 쾌락이 아니라 단순히 사람들 간의 의사 소통 유형 중 하나이며이 의사 소통은 그들을 같은 감정으로 통합합니다.”6 7 8 9 10;

보상 기능은 교육의 부족, 문화 및 문화로부터의 고립을 보완하는 사회, 역사 및 문화 현상 분야에서 사람이 부족한 정서적 인상과 경험을 보완합니다.

교육 센터, 일상 생활에 대한 몰입, 제한된 사회 활동 등 그러한 사람들을위한 예술은 고전 및 국가 유산의 뛰어난 작품과의 만남을 풍요롭게하는 "세계를 향한 창"이며 경우에 따라 독립에 대한 충동입니다 창의적인 활동.

예술 작품의 심리 치료 기능은 예술 교육 활동뿐만 아니라 일상 생활에서도 사용되어 아름다움에 대한 각 사람의 요구와 일상 생활보다 사람을 키우는 예술 작품의 능력을 충족시키고 그들이 좋아하는 그림과의 대화, 문학의 등장인물들과의 대화, 상상력을 자극하는 연극, 영화, 발레, 예술과 문화 분야의 창작 활동과는 거리가 먼 사람의 세계를 빛과 즐거움으로 채우는 되는 느낌...

그러나 우리의 관점에서 볼 때 또 하나 중요한 것은 대규모 장엄한 예술의 기능인 예술의 영향(충전 - L.N. Tolstoy에 따르면) 기능입니다. 작가가 경험한 것, 이것이 예술이다" . 예술의 이러한 "전염성" 기능은 식별과 밀접한 관련이 있습니다.

예술적 이미지와 기호를 가진 시청자/청취자

과거에서 현재와 미래로 우리에게 전해진 국보에 속한다는 공통의 집단 의식을 가진 하나의 팀처럼 느껴지는 청중에게 가깝고 소중한 영적, 도덕적 가치 의미를 지닌 연극 공연 ... 그러나 창조된 작품의 내용과 형식에서 이 기능을 구현하기 위해 감독은 관객의 감정, 의식, 의지 및 행동에 대한 감정적, 도덕적 영향의 가능한 모든 수단을 모든 인식 채널에서 숙달해야 합니다. CCI.

6 라드빌 TB 언어 정신 연구의 기초: 교과서. 수당 / TB Radbil. M., 2010.

7 예술과 교육학. 리더기 / Comp. 엄마. 동사. SPb., 1995. S. 15.

8 Petrushin V.I. 예술 창의성의 심리학과 교육학: 고등학교 교과서. - 2판. M., 2008. S. 64.

9 Ibid., p. 65.

10 예술과 교육학. 리더기 / Comp. 엄마. 동사. SPb., 1995. S. 17.

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그러나 V.I.로 나열된 다른 것들과 유기적으로 관련된 이 가장 중요한 영향을 미치는 기능을 구현하려면 시청자의 개인적인 경험, 예술가의 예술성 등), 감독은 저자로서 자신이 한 번 경험한 감정이고, 자신 안에서 그것을 불러일으킨 후, 움직임, 선, 색상, 소리, 이미지를 말로 표현하여 다른 사람들이 같은 감정을 경험할 수 있도록 이 감정을 전달하는 것이 예술의 활동입니다.

CCI의 나열된 기능은 그 자체가 아니라 상호 이해와 적절한 "공감"(L.S. Vygotsky-I.G.) 청중 / 청취자가 그들 앞에 펼쳐지는 행동의 영적 및 도덕적 세계로 들어가 콘텐츠의 유기적이고 조화로운 통일성과 시각적 표현 형식으로 그들을 감염시킵니다. 상공 - 상공 회의소의 예술 언어.

영향력을 표현하는 수단 연구 프로젝트특정 언어를 구성하는 대중 CCI의 청중/청취자의 생각, 의식, 감정 및 행동에 미치는 영향 측면에서 사회 문화적 주제에 대한 언어 및 비언어적 두 그룹으로 구분할 수 있습니다.

언어적 표현 수단에는 무엇보다도 기능적 다양성을 지닌 모국어의 단어, 동의어 및 반의어 체계의 풍부함, 어법의 격언, 지혜가 포함됩니다. 날개 달린 말러시아 문화의 개념 영역을 구성하는 표현, 선례 텍스트, 단어 및 구의 은유 적 비 유적 의미, 수사적 인물, 러시아 사람들의 도덕적 가치를 반영하는 개념 (D.S. Likhachev). 그리고 특히 - 음성 텍스트의 억양 표현력. 뿌리깊은 국내 방법론자이자 언어학자인 M.A. Rybnikova는 이렇게 말했습니다. 그러나 동시에 표현적 읽기는 독자-암송자의 공연 예술이 구현되고 텍스트의 "감각 점수" 분석 결과가 반영되는 독자 해석 유형 중 하나입니다. 문학 작품구술 대본의 저자와 연기자는 관객 / 청취자의 감정을 일깨우고 연극 공연의 상황에 익숙해지고 이해하고 경험할 수 있도록 상공 회의소의 캐릭터와 함께 그들에게 공통된 영적 및 도덕적 국가적 가치. 대본 텍스트의 재능 있는 연기를 인식하는 과정에서 청중/청취자는 텍스트의 이벤트에 참여하는 환상을 얻습니다. 이러한 '전염'의 영향이 일어나기 위해서는 상공회의소 발표를 준비할 때 '점수'를 만드는 것이 필요하다. 읽을 수 있는 텍스트, 의미론에주의를 끌기 위해 시적 또는 산문 텍스트의 특징을 전달하는 "핵심"단어, 구, 음성 높이 및 낮추기 및 기타 표현 음성 수단 강조에 독자의주의를 집중하고 비유적 표현력들리는 예술적 단어. 따라서 상공 회의소 시나리오에서 들리는 말씀은 "국가 정신의 후광에 싸인"화자의 느낌에서 영감을 얻은 살아있는 말씀 (G.G. Shpet 및 M.M. Bakhtin의 용어)입니다. 독일 언어 학자 V.fon이 말했듯이 Humboldt, 러시아 언어 학자 F. I. Buslaev, 스페인 철학자 J. Ortego y Gasset 및 기타, 즉 관심, 열정, 아니

11 예술과 교육학. 리더기 / Comp. 엄마. 동사. SPb., 1995. S. 17.

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의미와 효과적으로 채색된 의미가 결합된 기계적이지만 영적인 단어(N.F. Alefirenko, 2009). 살아있는 말씀에 대한 그러한 이해는 "영의 실현을 위한 메커니즘으로서 마음의 진정한 본성"을 반영합니다. 그렇지 않으면 말씀의 이해에서 합리주의 철학만을 지향하는 것은 "장애인 지성"(V.P. Zinchenko)으로 이어집니다. 이러한 입장에서 상공회의소의 예술어 체계에서 단어의 영향력 기능이 고려되어야 한다.

이미 관객의 "마음의 기억"에 대한 연극 공연의 이름 선택, 원주민의 영웅적 전통과의 동일시 느낌 ( "성전의 귀중한 연대기", "요즘 영광은 멈추지 않을 것입니다 ...", "Holy Belogorye"등 ); 이야기의 사건을 평가하고 우리 조상이 얻은 조국의 자유를 보호하라는 요구에 대한 시민의 입장을 반영하는 발표자의 저널리즘 단어, 유명한 유명인의 표현적이고 열정적 인 진술, 러시아 역사 및 문화의 빛 ( "기억하세요! 단합 만이 러시아를 구할 것입니다!"-Radonezh의 성 세르지오), 21 세기 러시아 시민 인 우리에게 연설; 역사적 내러티브 상황에서 과거의 연기 영웅 연설 (Vladimir the Baptist, Yaroslav the Wise, Vladimir Monomakh, Alexander Nevsky, Dmitry Donskoy 등)은 청중의 의식, 느낌 및 의지에 대해 연설하여 영웅을 유지하도록 촉구합니다. 전통과 배 등을 아끼지 않고 다음 침략자로부터 조국을 방어 할 준비를하십시오. -이미 국가적 자각과 선포 된 주제와 그 하위 텍스트를 가진 사람의 식별 감각을 활성화합니다. 실제 역사적 정치가의 양식화된 연설과

CCI 참가자 (Peter I, M. Lomonosov, A.S. Pushkin, V.V. Stasov, M. Gorky, V. Mayakovsky, 아나운서 Levitan, Marshal G. Zhukov 등)의 생각과 감정과 일치하는 문화 대표, 프로젝트의 의사 소통 및 대화 기능을 구현하고 특히 "독자의 예술적 텍스트 해석"(E.R. Yadrovskaya)이 현실에 대한 작가의 태도를 전달하는 경우 시청자/청취자가 자신에게 전달되는 모든 단어에 관심을 갖도록 참여시킵니다. 묘사합니다.

G.V. Artobalevsky, D.N. Zhuravlev 및 기타 뛰어난 마스터 예술적 단어, "상상의 극장". 보는 사람/듣는 사람의 상상에 단어로 영향을 미치며 프로젝트의 모든 캐릭터와 팀은 전체적으로 그들을 공동 창작 과정에 참여시킵니다. 정신적으로 그들은 일어나고 있는 일에 존재하는 것처럼 보입니다. "이 상호 작용의 순간, 화자와 청취자 간의 실시간 접촉이 절대적으로 필요합니다."라고 D.N. Zhuravlev는 믿습니다. 그리고 이것이 읽기 성능과 연기의 차이점입니다. “... 청취자가 없으면 예술도 없습니다. 예술적 독서”, “연극 배우의 경우 그가 영향을 미치고 상호 작용하는 자연스러운 파트너는 다른 배우, 그의 무대 파트너입니다”(“독자의 예술”기사에서). L.S.에 따르면 표현적인 읽기에 대한 시청자/청취자의 감정적 반응 없이 Vygotsky는 예술의 감정을 "똑똑한 감정"이라고 불렀기 때문에 분석이 있을 수 없습니다. 뛰어난 심리학자는 생각하는 것뿐만 아니라 느끼는 것도 가능하다고 믿었습니다 ... 그러한 시청자 / 청취자를 상공 회의소를 통해 교육하는 것은 대중 공연 감독이 직면 한 가장 중요한 과제입니다. , 그 중 가장 잘 이해하는

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“살아있는” 단어의 인지적 기초는 교육, 과학 및 문화의 상호 연결 위에 형성되는 살아있는 지식입니다.”12

그러나 들리는 살아있는 말씀은 저자의 의도에 대한 발화-창의적 실현의 산물로서 본문에서만 의미를 반영한다. 텍스트의 어휘 및 문법 구조를 건드리지 않고 시청자 / 청취자의 감정과 생각에 상공 회의소 예술 언어의이 단위에 영향을 미치는 수단으로 텍스트의 억양으로 전환해야합니다. 상공회의소.

인토네이션 (멜로디, 리듬 멜로디, 음조, 피치, 지속 시간, 강도, 강도, 템포, 음색 등 인토네이션)은 다양한 의미를 표현하기 위해 텍스트 진술의 표현 발음의 복잡한 보컬 기능 세트입니다. 다양한 종류의 표현-감정-평가 함축을 제공하고 진술에 엄숙함, 서정성, 낙관주의, 슬픔, 장난기, 편안함, 친숙함 등을 줄 수 있는 표현적이고 감정적인 의미를 포함합니다.

억양은 항상 소리의 가장 중요한 신호, 구두 연설, 의사 소통 의미 및 감정 표현 음영의 수단으로 인식되었습니다. 그렇기 때문에 CCI 학생 이사에게 표현 표현을 가르치는 가장 중요한 방법은 심리학자 N.I. Zhinkin-작가가 텍스트에 새긴 억양을 빼는 능력을 가르칩니다. 저자 텍스트의 억양 이해의 정확성 (적절성)은 단어의 진실성뿐만 아니라 연기자의 "독자"억양이 전달하는 "감정의 진실성"에 의해 보장됩니다. A.S. Pushkin의 뛰어난 해석가는

V.N.Yakhontov. A.S.의 "선지자" 읽기 I.L.

그러나 상공 회의소의 다큐멘터리 및 저널리즘 장르 텍스트의 저널리즘 억양에서 특별한 표현력으로 나타나는 장르 및 스타일 외부의 텍스트는 없습니다.

현대 러시아 문학 언어의 저널리즘 스타일은 현재의 사회 문화적, 영적 및 사회의 사회 질서를 안정시키기 위한 도덕적 의미. 이 이데올로기 및 정치적 예정은 관중 / 청취자, 다큐멘터리 및 저널리즘 공연 참가자의 의식, 감정 및 의지에 영향을 미치는 특별한 저널리즘 억양으로 구두 및 서면 연설에 반영되었습니다.

청중과의 토론을 위해 제안된 사회 문화적 문제에 대한 작가의 관심을 반영한 감성,

호출, 저널리즘 프리젠 테이션의 선동적이고 선전적인 내용을 깨닫고,

대담 자, 대화의 공범자,

논리적 설득력, 저자-홍보인의 관점에서 토론 중인 문제의 핵심 사항,

비유의 적절한 사용을 포함하여 언어의 표현력은

12 알레피렌코 N.F. "라이브" 단어: 기능적 어휘학의 문제: 단행본 / N.F. 알레피렌코. M., 2009. S. 14.

13 Ibid., p. 7.

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강화하는 수사적 질문과 수사적 느낌표

사회적 의사소통의 대화적 특성,

어조에 대한 자신감

시민 파토스.

그러나 청중/청자에 대한 연설에는 얼굴 표정과 몸짓, 신체 움직임, 예술성, 의상 캐릭터의 유기적 행동, 게임 이미지에 해당하는 주제 세부 사항의 숙달 및 텍스트 수행자의 기타 행동 특징이 수반됩니다. 시나리오 액션. 그들은 작가와 자신의 감정을 전달하는 예술적 의사 소통의 의미 론적 행위에주의를 기울여 말한 진술의 의미를 활성화하고 강조하며 향상시킵니다. 그래서 비언어적 수단상공회의소 언어의 표현력은 언어에 영향을 미치는 추가적인 표현 수단이 됩니다.

뷰어/리스너.

CCI의 특정 장르 표현의 비언어적 언어 단위에는 언어 단위를 대체하는 다양한 예술적 및 미적 기호가 포함되지만 여기에 인코딩된 잘 알려진 역사적 및 문화적 이벤트에 대한 특정 일반화되고 간결한 의미 정보(기호)가 포함됩니다. 스크립트의 문자는 역사적 날짜 (1380, 1812, 1941 등), 권력의 속성 (배너, 문장, 명령 등), 초상화, 기념물, 사람들에게 변치 않는 영광을 가진 전설적인 장소 (게양 Reichstag에 대한 승리의 배너) 등

그러나 혼합주의로 인해 상공 회의소의 예술은 상공 회의소 언어의 가장 표현적인 단위로서 예술의 합성을 의미합니다. 음악, 문학, 발레, 회화 등)는 CCI의 특정 장르에서 예술적 구현을 ​​위해 취해진 대상 또는 현상의 일반화된 파노라마 예술적 이미지의 생성에 기여합니다. 영향을 미치는 기능을 수행하는 예술의 합성은 각 유형의 예술에 내재 된 언어로 시청자 / 청취자의 다양한 인식 채널에 작용합니다. 시각-그래픽 디자이너의 풍경과 소리의 색상 언어 및 무대 동작의 메이저 또는 마이너 무드에 상응하는 기술적 수단으로 생성된 컬러 배경; 귀로 - 자연 언어의 언어와 구두 텍스트의 음악 반주 언어; 의식과 잠재 의식에 - 시각적 댄스 이미지와 해당 멜로디의 인식을 통한 춤의 언어와 비 유적 사고에 의해 - (합성 - I.G.) "의 상호 작용 효과를 강화하는 모든 유형의 예술의 합성에 의해 다양한 기호학적 코드", 예술적 표현에서 "여러 기호 체계의 요소가 결합되어 시너지 효과를 제공할 때"14.

따라서 우리는 L.S. Vygotsky는 예술 작품의 형식과 내용의 통합의 역할과 예술 작품에 대한 예술적 인식에서 형식의 중요성에 대해 설명합니다. 이것은 형식만으로 생성된다는 의미가 아닙니다. 예술 작품예를 들어, 언어의 모든 소리는 표현력을 얻을 수 있습니다. 그들이 발생하는 단어의 의미가 이것에 기여한다면 인상. 저명한 사람이 추론한 이 심리 법칙

Isers O.S. 음성 영향: 교과서. 혜택 / O.S. 발급자. - 3판, 개정. M., 2013.

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심리학자: “단어의 의미가 이에 기여하면 소리가 표현력이 생깁니다. "15- 예술 언어의 모든 단위의 표현적인 인상을 의미합니다. 그러나 예술 공연의 예술가들과 다른 공연자들은 제작 작가의 아이디어와 가장 중요한 임무에 따라 상공회의소 예술의 이 "제2의 언어"를 숙달합니다.

CCI 언어의 가장 중요한 표현 단위 중 예술적 이미지에 특별한 자리를 부여해야 하는데, 언어적 표현 수단과 비언어적 수단이 유기적으로 얽혀 작가의 의도 전달에 기여하고 작가의 생각과 감정에 영향을 미친다. 청중/청중. 화신

예술적 이미지 또는 축제 공연의 주인공, 집단적 이미지 또는 예술적 상징으로 작가-감독의 사회 문화적, 예술적 및 미적 의도를 구현합니다.

예술적 이미지는 단어, 페인트 및 다른 예술 언어의 다른 단위로 아이디어와 감정을 예술적으로 반영한 것입니다. 감독이 만든 예술적 이미지는 러시아 관객에 가까운 영적, 도덕적 가치를 지닌 전형적인 성격을 반영합니다 (예 : 젊은 징집병의 집단적 이미지, 용감하고 건방진,

탄력 있고 조국의 부름에 즉시 응답 - 상공 회의소 "파괴 불가능하고 전설적인", dir. I. V. 골리우스바). 상공회의소 캐릭터와의 예술적 소통은 작가와 관객 사이의 대화이며, 미적 지각, 이해, 적극적인 대화적 상호 이해, 예술 작품의 정신적, 문화적 전유를 통해 이루어집니다. 개인의 경험을 예술적 창조를 위해 변형시키는 감독의 개인적인 경험을 반영합니다. 현실을 재부호화하고 변형시키는 창의적이고 창조적인 능력의 발현 인생 경험상공회의소의 예술적 이미지로의 전환은 미래의 창조를 예견하는 아이디어의 출현과 동시에 발생하는 감독의 연구, 탐색 활동의 가장 중요한 순간입니다. 학생들의 연구 프로젝트 활동을 관찰한 결과 감독의 예술적 직관이 이 과정에서 중요한 역할을 한다는 것을 알 수 있었습니다.

따라서 상공 회의소 예술 언어의 표현 단위를 학생 감독이 소유하는 것은 모든 종류의 상공 회의소를 독립적으로 만들려는 학생들의 준비의 가장 중요한 구성 요소입니다.

그러나 감독이 의식적으로 상공 회의소의 청중/청취자에게 영향을 미치는 수단을 선택하는 데 필요한 또 다른 중요한 전문 기술에 주목해야 합니다. 특정 사회 예술 공연은 작가와 화려한 공연 참가자의 요구에 적합한 감정을 불러 일으키기 위해 영향을 미칠 계획입니다.

심리학자 B.I. Dodonov는 이러한 감정의 출현을 "유발"하는 인간의 필요와 관련하여 감정을 분류합니다. 분류의 기초는 필요와 목표입니다. 특정 감정에 의해 제공되는 동기. 심리학자는 이러한 감정을 "가치 있는" 감정, 즉 사람이 가장 자주 필요성을 느끼는 감정이라고 합니다.

학생 감독이 만든 다양한 CCI에서 알 수 있듯이 대부분 시청자 / 청취자에게 다음과 같은 감정을 불러 일으키는 목표를 설정합니다.

1 욕망에 따라 생기는 이타적인 감정

15 Vygotsky L.S. 예술의 심리학. M., 2001. S. 86.

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사람들에게 기쁨과 행복을 가져다줍니다(예: 상공회의소 " 새해 이야기»),

3 가지 pugnic 감정은 레슬링에 대한 관심이있는 어려움, 위험을 극복해야 할 필요성과 관련이 있습니다 (예 : CCI "Sport 세상이다!»),

4 가지 낭만적 인 감정은 일어나고있는 일의 특별한 의미에서 "밝은 기적"을 경험하려는 욕구와 관련이 있습니다 (예 : 상공 회의소 "멋진 순간을 기억합니다 ...").

5 영지주의 감정 또는 지적 감정은 새로운 인지 정보(예: 상공 회의소 "슬라브 문학 및 문화의 날")를 받아야 할 필요성과 관련이 있습니다.

6 가지 미적 감정은 아름다움을 즐길 필요성, 삶과 예술의 숭고하거나 장엄함에 대한 필요성에서 발생합니다 (예 : 상공 회의소 "Radonezh의 Sergius-러시아 땅의 수호자").

이 "감정적 툴킷"은 시청자/청취자에 대한 CCI의 영향 기능을 계획하는 학생 감독의 준비성을 풍부하게 합니다. 그의 CCI의 주제를 결정하면서 예측적 사고를 가진 프로덕션 디렉터는 프로덕션 작성자의 의도에 적합한 감정을 불러일으키기 위해 CCI 언어의 어떤 "충전" 단위를 지배적으로 사용해야 하는지 제안할 수 있습니다.

예를 들어:

1. 영웅-애국 테마.

목표는 역사적 기억의 교육입니다.

필요 - 사람들의 영웅적인 과거에 대한 관심의 필요성을 충족시키기 위해.

감정: 의사소통적, 호전적, 영지주의적, 심미적.

2. 기념일 콘서트.

목표는 역사 및 문화 지식을 풍부하게하는 것입니다.

필요는 사람들의 과거 또는 현재의 문화적, 미적 가치에 합류하는 것입니다.

감정: 의사소통적, 낭만적, 영지주의적, 심미적.

3. 다큐멘터리 및 저널리즘 프로젝트.

목표는 행동의 사회 문화적 규범을 촉진하는 것입니다.

필요한 것은 사회 활동에 대한 경험을 얻는 것입니다.

감정: 이타적, 의사소통적, 영지주의적.

4. 역사 및 교육 프로젝트.

목표는 자산으로 시청자/청취자를 풍부하게 하는 것입니다. 국가 문화그리고 예술.

필요 - 삶과 예술의 아름다움에 대한 욕구를 충족시키기 위해.

감정: 이타적, 의사소통적, 영지주의적, 심미적.

5. 예술 교육 프로젝트.

목표는 반사회적 현상이 청소년에게 미치는 부정적인 영향을 방지하는 것입니다. 필요한 것은 사회적 활동입니다.

감정: 이타적, 의사소통적, 호전적, 영지주의적,

미적인.

따라서 감독의 '감성적 도구' 숙달은 인지적 역량을 풍부하게 하고 창의적(예측적) 능력을 키울 뿐만 아니라 인본주의적 사고 형성에도 기여한다.

과학. 미술. 문화

2015년 4(8)호

"똑똑한 감정"을 지향하는 감독-제작자의 의식

(J.C. Vygotsky) 및 "가치있는 감정"(B.I. Dodonov).

서지

1. 알레피렌코, N.F. "라이브" 단어: 기능적 어휘학의 문제: 단행본 / N.F. 알레피렌코. - M., 2009. - 344p.

2. Vinogradov, S. "극장은 속이지 않는 성사입니다"/ S. Vinogradov // 러시아 세계. 러시아와 러시아 문명에 관한 Yai Magazine. - M., 2015. April, No. 1, p. 82-85.

3. Vygotsky, L. S. 예술 심리학 / L. S. Vygotsky. - M., 2001. - 211p.

4. 예술 텍스트의 해석. 교과서 / 에드. E.R. Yadrovskaya. - 상트페테르부르크, 2011. -196쪽.

5. 예술과 교육학. 리더. / 비교 엄마. 동사. - St. Petersburg: Education, 1995. - 293 p.

6. 발행자, O.S. 음성 영향: 교과서. 수당 / O.S. 발급자. - 3판, 개정. -M., 2013. -240p.

7. 로트만, Yu.M. 문학 텍스트의 구조 / Yu.M. 로트맨. 예술에 대해. -SPb., 1998. -288p.

8. Petrushin, V.I. 예술 창의성의 심리학과 교육학: 고등학교 교과서 / V.I. Petrushin. - 2판. - M., 2008. - 490p.

9. 라드빌, T.B. 언어 정신 연구의 기초: 교과서. 수당 / T.B. Radbil. - M., 2010. - 328p.

10. Yakhontov, V.N. 한 배우의 극장 / V.N. Yakhontov. - M., 1958. - 455p.

연극 공연과 축제의 표현적 수단과 관객에 대한 영향

T.K. Donskaya1-*, I.V. 골리우소바2)

Belgorod State Institute of Arts and Culture 1)이메일: [이메일 보호] 2) 이메일: [이메일 보호]

이 기사는 연극 대중 표현과 휴일의 표현 수단과 사회 문화적 기능에 관한 것입니다. 저자는 관객과 청취자의 사고, 의식, 감정 및 행동에 미치는 영향의 관점에서 연극 공연 및 축제의 표현 수단의 기회를 지적합니다.

주제어: 예술, 예술의 언어, 예술의 기능, 연극 공연의 표현 수단,

크리미아 자치공화국 교육부

범죄 국가 공학 및 교육 대학

심리학 및 교육 학부

방법학과 초등 교육

시험

분야별로

교수법을 사용한 안무, 무대 및 스크린 아트

연극 예술의 표현 수단

학생 Mikulskite S.I.

심페로폴

2007 - 2008 학년도 년도.

2. 연극 예술의 표현력의 주요 수단

장식

연극 의상

소음 설계

무대 조명

무대 효과

문학

1. 연극예술의 표현수단으로서의 장식예술의 개념

무대예술은 무대예술의 표현력을 나타내는 가장 중요한 수단의 하나로, 무대장치와 의상, 조명과 무대기법을 통해 공연의 시각적 이미지를 창조하는 예술이다. 이러한 모든 시각적 영향 수단은 연극 공연의 유기적 구성 요소이며 콘텐츠 공개에 기여하고 특정 감정적 사운드를 제공합니다. 장식예술의 발전은 연극과 드라마투르기의 발전과 밀접한 관련이 있다.

장식 예술 요소 (의상, 가면, 장식 커튼)는 가장 오래된 민속 의식과 게임에 존재했습니다. 안에 고대 그리스 극장이미 5세기에 기원전 즉, 배우들의 연극을 위한 건축적 배경이 되는 스켄의 건물 외에도 입체적인 풍경이 있었고, 이어서 그림 같은 풍경이 도입되었다. 그리스 장식 예술의 원칙은 커튼이 처음 사용된 고대 로마의 극장에서 채택되었습니다.

중세 시대에 교회 내부는 원래 장식적인 배경 역할을 했으며, 그곳에서 전례 드라마가 진행되었습니다. 이미 여기에서 중세 극장의 특징인 동시 풍경화의 기본 원칙이 적용되어 모든 행동 장면이 동시에 표시됩니다. 이 원칙은 중세 연극의 주요 장르 인 미스터리 연극에서 더욱 발전되었습니다. 풀과 꽃, 과일로 장식된 정자 형태의 '낙원'과 용이 입을 벌리고 있는 '지옥'의 풍경이 각종 미스터리 장면에서 가장 큰 주목을 받았다. 볼륨있는 장식과 함께 그림 같은 풍경 (별이 빛나는 하늘 이미지)도 사용되었습니다. 숙련 된 장인이 디자인에 참여했습니다-화가, 조각가, 도금공; 먼저 극장. 기계공은 시계 제작자였습니다. 골동품 미니어처, 판화 및 그림은 미스터리를 준비하는 다양한 유형과 기술에 대한 아이디어를 제공합니다. 영국에서는 카트에 실린 이동식 2층 부스인 pedzhents에서의 공연이 가장 널리 퍼졌습니다. 위층에서는 공연이 진행되었고 아래층은 배우들의 분장실 역할을 했다. 이러한 원형 또는 환형의 무대 플랫폼 배치는 고대부터 보존된 원형극장을 미스터리를 연출하는 데 사용할 수 있게 했습니다. 미스터리 장식의 세 번째 유형은 소위 파빌리온 시스템 (스위스 루체른과 독일 도나우에 싱겐의 16 세기 신비로운 공연)이었습니다. 광장에 흩어져있는 오픈 하우스로 미스터리 에피소드의 행동이 펼쳐졌습니다. 16세기 학교 극장에서. 처음으로 한 줄을 따라가 아니라 무대의 3면에 평행하게 행동 장소가 배열되었습니다.

아시아 연극 공연의 컬트 기반은 개별 상징적 세부 사항이 행동 장소를 지정했을 때 무대의 조건부 디자인의 수세기 동안 지배력을 결정했습니다. 풍경의 부족은 경우에 따라 장식적인 배경, 풍부하고 다양한 의상, 메이크업 마스크의 존재로 보완되었으며 색상은 상징적 의미를 가졌습니다. 14 세기 일본에서 형성된 봉건 귀족 뮤지컬 극장에서 정식 유형의 장식이 만들어졌습니다. 무대 뒷벽에는 추상적 인 황금색 배경에 소나무가 그려져 있습니다. 장수; 배우와 음악가가 무대에 입장하기 위해 왼쪽 부지 뒤쪽에 위치한 덮힌 다리의 난간 앞에 세 개의 작은 소나무 이미지가 배치되었습니다.

15시 - 구걸. 16세기 이탈리아에서는 새로운 유형의 극장 건물과 무대가 등장합니다. 가장 큰 예술가와 건축가는 Leonardo da Vinci, Raphael, A. Mantegna, F. Brunelleschi 등 로마에서 B. Peruzzi와 같은 연극 제작 디자인에 참여했습니다. 깊은 곳으로 들어가는 거리의 풍경을 묘사한 풍경은 프레임 위로 펼쳐진 캔버스에 그려졌으며 배경과 무대 양쪽에 있는 3개의 측면 평면으로 구성되었습니다. 풍경의 일부는 나무로 만들어졌습니다(집 지붕, 발코니, 난간 등). 태블릿의 가파른 상승 덕분에 필요한 원근 수축이 이루어졌습니다. 르네상스 무대의 동시적 풍경 대신 특정 장르의 공연을 위해 공통적이고 변하지 않는 하나의 장면을 재현했다. 이탈리아 최대의 연극 건축가이자 장식가인 S. Serlio는 사원, 궁전, 아치 - 비극을 위한 3가지 유형의 풍경을 개발했습니다. 개인 주택, 상점, 호텔이있는 도시 광장 - 코미디 용; 숲 풍경 - 목회자를 위해.

르네상스 예술가들은 무대와 강당을 전체적으로 고려했습니다. 이것은 1584년 A. Palladio의 디자인에 따라 지어진 Vicenza의 Olimpico 극장 창설에서 나타났습니다. 이 t-re에서 V. Scamozzi는 "이상적인 도시"를 묘사하고 비극을 연출하기 위한 웅장한 영구 장식을 만들었습니다.

위기 동안 극장의 귀족화 이탈리아 르네상스연극 제작에서 외부 과시가 우세했습니다. S. Serlio의 구호 장식은 바로크 양식의 그림 같은 장식으로 대체되었습니다. 16세기 말과 17세기 말 궁정 오페라와 발레 공연의 매혹적인 성격. 연극 메커니즘의 광범위한 사용으로 이어졌습니다. 화가 부온탈렌티(Buontalenti)가 그린 캔버스로 덮인 삼면체 회전 프리즘인 텔라리(telarii)의 발명으로 대중 앞에서 풍경 변화를 수행할 수 있게 되었습니다. 이러한 이동 가능한 원근법 풍경의 배치에 대한 설명은 이탈리아에서 일하면서 독일에 이탈리아 극장 기술을 심은 독일 건축가 I. Furtenbach의 작품과 "On the Art of of Art"라는 논문에서 찾을 수 있습니다. 건축가 N. Sabbatini의 건물 단계 및 기계"(1638). 원근법 기법의 발전으로 데코레이터는 서판이 급격하게 올라가지 않고도 깊이 있는 느낌을 낼 수 있게 되었습니다. 배우들은 무대 공간을 최대한 활용할 수 있습니다. 처음에는. 17 세기 G. Aleotti가 고안한 백스테이지 풍경이 등장했습니다. 비행을 위한 기술 장치, 해치 시스템, 측면 포털 실드 및 포털 아치가 도입되었습니다. 이 모든 것이 박스 씬의 생성으로 이어졌습니다.

무대 뒤 풍경의 이탈리아 시스템은 유럽 전역에 퍼졌습니다. 모든 R. 17 세기 비엔나 법원 극장에서는 이탈리아 극장 건축가 L. Burnacini가 바로크 양식의 무대 뒤 풍경을 소개했으며, 프랑스에서는 유명한 이탈리아 극장 건축가, 장식가 및 기계공 G. Torelli가 유망한 무대 뒤 장면의 성과를 오페라의 법원 제작에 독창적으로 적용했습니다. 발레 유형. 16세기에도 여전히 보존되어 있던 스페인 극장. 원시 박람회 장면은 이탈리아 얇은을 통해 이탈리아 시스템을 동화합니다. 스페인 법원 극장에서 일했던 K. Lotti (1631). 오랫동안 런던의 시립 극장은 셰익스피어 시대의 조건부 무대를 상하좌우로 나누고 객석으로 돌출된 프로시니엄과 빈약한 장식을 유지했다. 영국 극장의 무대를 통해 순서대로 행동 장소를 빠르게 변경할 수 있습니다. 이탈리아 유형의 원근 장식은 1 분기에 영국에서 도입되었습니다. 17 세기 법원 공연 제작의 극장 건축가 I. Jones. 러시아에서는 1672년 차르 알렉세이 미하일로비치(Tsar Alexei Mikhailovich)의 궁정 공연에서 백스테이지 원근법이 사용되었습니다.

고전주의 시대에 장소와 시간의 통일성을 요구했던 극적 캐논은 구체적인 역사적 특성이 결여된 영구적이고 대체 불가능한 풍경(비극의 왕좌의 방이나 궁전의 현관, 마을 광장이나 방)을 승인했다. 코미디). 다양한 장식 및 연출 효과는 17세기에 집중되었습니다. 오페라와 발레 장르 내에서, 극적인 공연은 디자인의 엄격함과 인색함으로 구별되었습니다. 프랑스와 영국의 극장에서 프로시니엄 측면에 위치한 무대 위의 귀족적 관중의 존재는 공연을 위한 풍경의 가능성을 제한했습니다. 오페라 예술의 발전은 오페라 하우스의 개혁으로 이어졌습니다. 대칭의 거부, 각도 원근법의 도입은 그림을 통해 장면의 깊이에 대한 환상을 만드는 데 도움이 되었습니다. 풍경의 역동성과 정서적 표현력은 건축 모티프(기둥, 계단, 아치, 조각상이 반복되는 행이 반복되는 치장 벽토 장식으로 장식된 바로크 양식의 홀의 끝없는 엔필라드) 개발의 리드미컬한 다양성인 키아로스쿠로의 플레이에 의해 달성되었습니다. 건축 구조의 웅장 함의 인상.

계몽주의의 이데올로기 투쟁의 악화는 다양한 스타일의 투쟁과 장식 예술에서 표현되었습니다. 바로크풍경의 장엄한 화려함과 봉건-귀족적 방향의 특징인 로코코 양식의 풍경화 출현과 함께 이 시기의 장식예술에서는 극장의 개혁, 해방을 위한 투쟁이 있었다. 궁정 예술의 추상적인 화려함에서 장소의 보다 정확한 국가적 및 역사적 특성화를 위해. 이 투쟁에서 교육 극장은 고전적인 스타일의 풍경 창조에서 표현되는 고대의 영웅적인 이미지로 향했습니다. 이 방향은 특히 데코레이터 J. Servandoni, G. Dumont, P.A의 작업에서 프랑스에서 개발되었습니다. 고대 건축물을 무대에 재현한 브루네티. 1759년 볼테르는 관객을 무대에서 몰아내어 풍경을 위한 추가 공간을 확보했습니다. 이탈리아에서는 바로크에서 고전주의로의 전환이 G. Piranesi의 작품에서 표현되었습니다.

18세기 러시아 극장의 집중적 발전. 현대 연극 회화의 모든 업적을 사용하는 러시아 장식 예술의 번성으로 이어졌습니다. 40대에. 18 세기 K. Bibbiena, P. 및 F. Gradipzi 등 주요 외국 예술가들이 공연 디자인에 참여했으며 그중 눈에 띄는 장소는 Bibbiena J. Valeriani의 재능있는 추종자에 속합니다. 2층. 18 세기 I. Vishnyakov, Volsky 형제, I. Firsov, S. Kalinin, G. Mukhin, K. Funtusov 및 법원 및 농노 극장에서 일한 다른 사람들과 같은 재능있는 러시아 장식가가 전면에 등장했습니다. 1792년부터 뛰어난 연극 디자이너이자 건축가인 P. Gonzago는 러시아에서 일했습니다. 계몽주의의 고전주의와 이데올로기 적으로 연결된 그의 작품에서 웅장 함과 기념비적 인 인상을주는 건축 양식의 엄격함과 조화는 완전한 현실의 환상과 결합되었습니다.

18세기 말 유럽 ​​극장에서는 부르주아 드라마의 발전과 관련하여 파빌리온 풍경(세 개의 벽과 천장이 있는 닫힌 방)이 등장한다. 17-18세기 봉건 이데올로기의 위기. 아시아 국가의 장식 예술에 반영되어 많은 혁신을 일으켰습니다. 18세기 일본 가부키 극장을 위한 건물이 지어지고 있었는데, 그 무대에는 객석 쪽으로 강하게 돌출된 프로시니엄과 수평으로 움직이는 커튼이 있었습니다. 무대 좌우측부터 객석 뒷벽까지 발판(하나미치, 문자 그대로 꽃길)이 있었고, 그 위에서 공연도 펼쳐졌다(이후 오른쪽 발판은 폐지되었다. 우리 시대에는 가부키 극장에는 왼쪽 비계만 남아 있습니다.) 가부키 극장은 3차원적 풍경(정원, 집의 정면 등)을 사용하여 장면을 구체적으로 특징짓습니다. 1758년에 처음으로 회전 단계가 사용되었으며 회전 단계는 손으로 이루어졌습니다. 중세 전통중국, 인도, 인도네시아 및 기타 국가의 많은 극장에서 보존되며 풍경이 거의 없으며 장식은 의상, 가면 및 메이크업으로 제한됩니다.

18세기 후반 프랑스 부르주아 혁명. 극장의 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. 드라마투르기라는 주제의 확장은 장식 예술에 많은 변화를 가져왔다. 파리의 "대로 극장" 무대에서 멜로 드라마와 무언극을 제작할 때 디자인에 특별한 관심을 기울였습니다. 극장 엔지니어의 높은 기술 덕분에 다양한 효과(난파선, 화산 폭발, 뇌우 장면 등)를 시연할 수 있었습니다. 그해의 장식 예술에서는 소위 pratikables (바위, 다리, 언덕 등을 묘사하는 3 차원 디자인 세부 사항)가 널리 사용되었습니다. 1분기에 19 세기 무대 조명의 혁신과 결합된 그림 같은 파노라마, 디오라마 또는 네오라마가 널리 퍼졌습니다(가스는 1920년대에 극장에 도입되었습니다). 연극 디자인의 개혁을 위한 광범위한 프로그램은 역사적으로 구체적인 장면 특성화 작업을 설정한 프랑스 낭만주의에 의해 제시되었습니다. 낭만주의 극작가들은 연극 제작에 직접 참여하여 그들에게 긴 말과 스케치를 제공했습니다. 공연은 복잡한 풍경과 웅장한 의상으로 만들어졌으며 역사적인 플롯에 대한 다막 오페라와 드라마 제작에서 장소와 시간의 색상의 정확성과 화려한 아름다움을 결합하기 위해 노력했습니다. 무대 기술의 복잡성으로 인해 공연 사이에 커튼이 자주 사용되었습니다. 1849년, Meyerbeer의 The Prophet 프로덕션에서 파리 오페라 무대에서 전기 조명 효과가 처음으로 사용되었습니다.

30-70 년대 러시아에서. 19 세기 주요 데코레이터 로맨틱 디렉션연극 기계의 뛰어난 대가 A. Roller였습니다. 그가 개발한 무대 효과의 첨단 기술은 이후 K.F.와 같은 데코레이터에 의해 개발되었습니다. 발츠, A.F. Geltser 및 기타 하반기 장식 예술의 새로운 경향. 19 세기 사실적인 고전 러시아 극작술과 연기 예술의 영향으로 확인되었습니다. 학업 루틴과의 싸움은 데코레이터 M.A에 의해 시작되었습니다. Shishkov 및 M.I. 보차로프. 1867 년 A.K. 의 연극 "끔찍한 이반의 죽음"에서. Tolstoy (Alexandria Theatre), Shishkov는 처음으로 Petrine Rus 이전의 삶을 역사적 구체성과 정확성으로 무대에서 보여주는 데 성공했습니다. Shishkov의 다소 건조한 고고학과는 달리 Bocharov는 그의 작품으로 무대에 진정한 화가의 도착을 기대하면서 그의 풍경 풍경에 러시아 자연의 진실하고 감정적 인 느낌을 도입했습니다. 그러나 주립 극장의 장식가에 대한 점진적인 검색은 장식, 무대 광경의 이상화, "풍경", "건축", "의상"등으로 나누어 진 예술가의 좁은 전문화로 인해 방해를 받았습니다. 현대 주제에 대한 극적인 공연에서는 일반적으로 조립식 또는 "의무"전형적인 풍경이 사용되었습니다 ( "가난한"또는 "부유 한"방, "숲", "시골 전망"등). 2층. 19 세기 다양한 유럽 극장 (Filastr 및 C. Cambon, 프랑스의 A. Roubaud 및 F. Chaperon, 독일의 Lutke-Meyer 등)에 서비스를 제공하기 위해 대규모 장식 워크샵이 만들어졌습니다. 이 기간 동안 예술과 창의적인 상상력이 수공예품으로 대체되는 부피가 크고 의식적이며 절충주의적인 스타일 장식이 널리 퍼집니다. 70-80년대 장식 예술의 발전에 관하여. Meiningen Theatre의 활동은 상당한 영향을 미쳤으며 유럽 투어는 감독의 공연 결정의 무결성, 높은 무대 문화, 풍경, 의상 및 액세서리의 역사적 정확성을 보여주었습니다. Meiningenians는 이탈리아 stile-arch 시스템의 전통 인 파빌리온과 풍경 ​​경관의 표준을 깨기 위해 각 공연의 디자인에 개별적인 모습을 부여했습니다. 석판 부조의 다양성을 널리 활용하여 다양한 건축 형태로 무대 공간을 채우고 다양한 플랫폼, 계단, 입체 기둥, 바위, 언덕 등의 실용성을 풍부하게 사용했다. Meiningen 프로덕션(디자인은

대부분 Duke George II에 속함) 독일 역사 회화 학교 인 P. Cornelius, W. Kaulbach, K. Piloty의 영향이 분명히 영향을 받았습니다. 그러나 역사적인 정확성과 타당성, 액세서리의 "진정성"은 때때로 Meiningen 사람들의 공연에서 자급 자족하는 의미를 얻었습니다.

E. Zola는 70년대 후반에 활동합니다. 추상적인 고전주의에 대한 비판, 이상화된 낭만적이고 화려한 매혹적인 풍경. 그는 소설 속 묘사와 비교한 풍경의 도움으로 '사회적 환경의 정확한 재현'이라는 현대적 삶의 무대에서의 묘사를 요구했다. 90년대 프랑스에서 등장한 상징주의 연극은 연극의 일상과 자연주의에 대한 항의라는 슬로건 아래 사실주의 예술에 대한 투쟁을 벌였습니다. P. Faure의 예술 극장과 Lunier-Poe의 극장 "Creativity" 주변에서 모더니스트 캠프 M. Denis, P. Serusier, A. Toulouse-Lautrec, E. Vuillard, E. Munch 등의 예술가들이 연합했습니다. 그들은 단순하고 양식화된 세트, 인상주의적 모호성, 강조된 원시주의 및 상징주의를 만들어 극장을 현실적인 삶의 묘사에서 멀어지게 했습니다.

러시아 문화의 강력한 고조는 19세기의 마지막 분기를 포착합니다. 연극과 장식 예술. 80-90년대 러시아에서. 가장 큰 이젤 예술가는 극장 작업에 참여합니다-V.D. 폴레노프, V.M. Vasnetsov 및 A.M. Vasnetsov, I.I. 레비탄, K.A. Korovin, V.A. Serov, M.A. 브루벨. 1885년부터 모스크바 개인 러시아 오페라 S.I. Mamontov, 그들은 풍경에 도입 작곡 기법현대 사실주의 회화는 공연에 대한 전체적인 해석의 원칙을 주장했습니다. Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky의 오페라 제작에서이 예술가들은 러시아 역사의 독창성, 러시아 풍경의 영적인 서정성, 동화 이미지의 매력과시를 전달했습니다.

19세기 후반과 20세기에 처음으로 무대 디자인의 원칙을 사실적인 무대 연출의 요구 사항에 종속시켰습니다. 모스크바 예술 극장의 연습에서. 황실 극장에서 흔히 볼 수 있는 전통적인 장면, 파빌리온, "조립식" 풍경 대신 모스크바 예술 극장의 각 공연은 감독의 의도에 부합하는 특별한 디자인을 가졌습니다. 계획 가능성의 확장 (주거 공간의 특이한 각도를 보여주는 평면 처리), "살아있는"환경의 인상을 만들고자하는 욕구, 행동의 심리적 분위기는 모스크바 예술 극장의 장식 예술을 특징 짓습니다.

Art Theatre V.A. Simov는 K.S. "새로운 유형의 무대 예술가의 창시자"인 Stanislavsky는 삶의 진실에 대한 감각으로 구별되고 그들의 작업과 연출을 불가분의 관계로 연결합니다. 모스크바 예술 극장이 수행한 장식 예술의 사실적 개혁은 세계 연극 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. K. Lautenschläger가 Mozart의 오페라 Don Giovanni(1896)를 상연할 때 유럽 극장에서 처음 사용했던 회전식 무대를 사용하여 무대의 기술적 재장비와 장식 예술의 가능성을 풍부하게 하는 데 중요한 역할을 했습니다. , 레지덴츠 극장, 뮌헨).

1900년대 "World of Art"그룹의 예술가-A.N. Benois, L.S. 박스트, M.V. Dobuzhinsky, N. K. Roerich, E.E. Lansere, I.Ya. Bilibin 등 이 예술가들의 회고적 성향과 양식화 특성은 그들의 창의성을 제한했지만 그들의 높은 문화와 기술, 공연의 전반적인 예술적 개념의 무결성을 위해 노력하는 것은 오페라와 발레 장식 예술의 개혁에 긍정적인 역할을 했습니다. 러시아뿐만 아니라 해외에서도. 1908년 파리에서 시작되어 수년에 걸쳐 반복된 러시아 오페라와 발레 투어는 풍경의 높은 수준의 그림 문화, 다양한 예술의 스타일과 특성을 전달하는 예술가의 능력을 보여주었습니다. 시대. Benois, Dobuzhinsky, B. M. Kustodiev, Roerich의 활동은 또한 모스크바 예술 극장과 관련이 있으며, 이 예술가들의 미학 특성은 K.S. Stanislavsky와 V.I. 네미로비치-단첸코. 가장 큰 러시아 데코레이터 K.A. Korovin과 A.Ya. 처음부터 일한 골로빈. 20 세기 제국 극장에서 국가 무대의 장식 예술에 근본적인 변화를 가져 왔습니다. Korovin의 넓고 자유로운 글쓰기 방식, 그의 무대 이미지에 내재 된 살아있는 자연의 느낌, 캐릭터의 풍경과 의상을 통합하는 색 구성표의 무결성은 러시아 오페라와 발레의 디자인에 가장 큰 영향을 미쳤습니다. "Sadko", " 황금 수평아리"; Ts. Pugni 등의 The Little Humpbacked Horse 의식 장식, 형태의 명확한 묘사, 색상 조합의 대담함, 일반적인 조화, 솔루션의 무결성은 Golovin의 연극 그림을 구별합니다. 작가의 여러 작품에서 모더니즘의 영향을 받았음에도 불구하고 그의 작품은 삶에 대한 깊은 연구를 바탕으로 한 뛰어난 사실주의 기교를 바탕으로 한다. Korovin과 달리 Golovin은 항상 그의 스케치와 풍경에서 강조했습니다. 연극적 성격무대 디자인, 개별 구성 요소; 그는 장식품으로 장식된 포털 프레임, 다양한 아플리케 및 페인트 커튼, 프로시니엄 등을 사용했습니다. 1908-17년에 Golovin은 여러 공연을 위한 장식을 만들었습니다. V.E. Meyerhold(몰리에르의 "Don Juan", "가면무도회" 포함),

19세기 말과 초기에 부르주아 예술의 반사실주의 경향이 강화됨. 20세기, 공개 거부 사회적 아이디어서양의 사실적인 장식 예술의 발전에 부정적인 영향을 미쳤습니다. 퇴폐적 흐름의 대표자들은 "관습성"을 예술의 기본 원칙으로 선포했습니다. A. 아피아(스위스)와 G. 크레이그(영국)는 리얼리즘에 대한 일관된 투쟁을 벌였다. "철학적 극장"을 창조한다는 아이디어를 내세우고, 그들은 달성한 빛을 변화시킴으로써 추상적이며 시대를 초월한 풍경(큐브, 스크린, 플랫폼, 계단 등)의 도움으로 "보이지 않는" 아이디어 세계를 묘사했습니다. 기념비적인 공간 형태의 유희. 감독이자 예술가로서 Crag 자신의 작업은 몇 개의 작품으로 제한되었지만 그의 이론은 이후 여러 국가의 많은 극장 디자이너와 감독의 작업에 영향을 미쳤습니다. Symbolist 극장의 원칙은 기념비적 인 조건부 공연을 만들기 위해 노력한 폴란드 극작가, 화가 및 연극 예술가 S. Wyspiansky의 작업에 반영되었습니다. 그러나 국가 형식의 구현 민속 예술공간 장면의 풍경과 프로젝트에서 Wyspiansky의 작업을 차가운 추상화에서 해방시켜 더욱 현실적으로 만들었습니다. 작가와 함께 뮌헨 예술극장 G. Fuchs의 주최자. F. Erler는 배우의 인물이 구호 형태로 평면에 위치하는 "구호 장면"(즉, 깊이가 거의없는 장면) 프로젝트를 제안했습니다. M. Reinhardt 감독(독일)은 그가 감독한 극장에서 다양한 디자인 기법을 사용했습니다. 순전히 외부 무대 효과에 점점 더 중점을 둔 서커스 경기장의 웅장한 대규모 광경에 대한 "천"장식. 예술가 E. Stern, E. Orlik, E. Munch, E. Schütte, O. Messel, 조각가 M. Kruse 등이 Reinhardt와 함께 작업했습니다.

10대 후반과 20대. 20 세기 독일에서 처음 발전했지만 다른 나라의 예술을 널리 포착한 표현주의가 가장 중요합니다. 표현주의 경향은 장식 예술의 모순을 심화시키고 사실주의에서 벗어나 도식화했습니다. 평면의 '시프트'와 '베벨', 비객관적이거나 단편적인 풍경, 빛과 그림자의 선명한 대비 등을 통해 작가들은 무대 위에서 주관적인 시각의 세계를 창조하고자 했다. 동시에 일부 표현주의 공연은 뚜렷한 반제국주의적 지향을 가지고 있었고 그 풍경은 극심한 사회적 그로테스크의 특징을 얻었습니다. 이 시기의 장식 미술은 기술 실험에 대한 예술가의 열정, 무대 상자를 파괴하고 무대를 드러내고자 하는 욕구, 연출 기법의 기법이 특징입니다. 구성주의, 입체주의, 미래주의와 같은 형식주의적 흐름은 장식 예술을 자급자족하는 기술주의의 길로 이끌었습니다. "순수한"기하학적 모양, 평면 및 부피, 메커니즘 부분의 추상적 조합을 무대에서 재현하는 이러한 경향의 아티스트는 현대 산업 도시의 "역 동성", "템포 및 리듬"을 전달하고자 노력했습니다. 실제 기계 작업의 환상을 연출합니다 (G. Severini, F. Depero, E. Prampolini - 이탈리아, F. Leger - 프랑스 등).

서유럽과 미국의 장식 예술에서 ser. 20 세기 특정이 없다 예술적 방향학교: 예술가들은 다양한 스타일과 기술에 호소할 수 있는 폭넓은 방식을 개발하기 위해 노력합니다. 그러나 많은 경우 공연을 디자인하는 예술가들은 극의 이념적 내용, 성격, 구체적인 역사적 특징을 전달하지 않고 캔버스에 독립적인 장식 예술 작품을 만들기 위해 노력합니다. 작가의 자유로운 상상의 산물"이다. 따라서 자의성, 추상적 디자인, 많은 공연에서 현실과 단절됩니다. 이는 고전, 진보적 현대극, 민속전통에 의존하여 사실적인 장식예술을 보존하고 발전시키려는 진보적 연출가들의 실천과 예술가들의 작업에 반대된다.

10대부터. 20 세기 이젤 예술의 거장들은 극장 작업에 점점 더 많이 참여하고 있으며, 창의적인 예술의 한 형태인 장식 예술에 대한 관심이 점점 더 강해지고 있습니다. 예술 활동. 30대부터. 무대 기술을 잘 아는 자격을 갖춘 전문 연극 예술가의 수가 증가하고 있습니다. 무대 기술은 다양한 수단으로 풍부해지고 새로운 합성 재료, 발광 페인트, 사진 및 필름 프로젝션 등이 사용됩니다.50년대의 다양한 기술 개선에서. 20 세기 가장 중요한 것은 극장에서 사이클로라마를 사용하는 것(여러 필름 프로젝터의 이미지를 넓은 반원형 스크린에 동시에 투사), 복잡한 조명 효과의 개발 등입니다.

30대에. 창의적인 연습에서 소비에트 극장사회주의 리얼리즘의 원칙이 확인되고 발전됩니다. 장식 예술의 가장 중요하고 정의적인 원칙은 삶의 진실, 역사적 구체성, 현실의 전형적인 특징을 반영하는 능력에 대한 요구입니다. 1920년대의 많은 공연을 지배했던 풍경의 체적 공간적 원리는 회화의 광범위한 사용으로 더욱 풍부해졌습니다.

2. 연극 예술의 표현력의 주요 수단 :

풍경 (lat. decoro에서-나는 장식합니다)-배우가 연기하는 물질적 환경을 재현하는 무대 디자인. 풍경은 "장면의 예술적 이미지를 나타내는 동시에 무대에서 액션을 수행할 수 있는 풍부한 기회를 나타내는 플랫폼을 나타냅니다." 풍경은 회화, 그래픽, 건축, 장면 기획 기술, 풍경의 특수한 질감, 조명, 무대 기술, 프로젝션, 영화 등 현대 연극에서 사용되는 다양한 표현 수단을 사용하여 만들어집니다. 주요 풍경 시스템:

1) 로커 모바일,

2) 로커 아치 리프팅,

3) 파빌리온,

4) 체적

5) 프로젝션.

각 풍경 시스템의 출현, 개발 및 다른 시스템으로의 대체는 시대의 역사와 과학 기술의 성장에 해당하는 연극, 연극 미학의 특정 요구 사항에 의해 결정되었습니다.

슬라이딩 모바일 장식. 무대 뒤 - 특정 거리에서 무대 측면에 위치한 풍경의 일부(포털에서 무대 깊숙이까지) 시청자로부터 무대 뒤 공간을 닫도록 설계되었습니다. 날개는 프레임에 부드럽고 경첩이 있거나 단단했습니다. 때때로 그들은 건축 프로필, 나무 줄기의 윤곽, 잎사귀를 묘사하는 그림 윤곽선을 가졌습니다. 단단한 날개의 변경은 경사로와 평행 한 각 무대 계획 (18 세기와 19 세기)에 바퀴가 달린 프레임 인 특수 날개의 도움으로 수행되었습니다. 이 프레임은 첫 번째 홀드의 바닥을 따라 놓인 레일을 따라 스테이지 보드에 특별히 새겨진 통로로 이동했습니다. 첫 번째 궁전 극장에서 풍경은 배경, 날개 및 천장 고리로 구성되어 장면의 변화와 동시에 오르락 내리락했습니다. 구름, 단풍이있는 나뭇 가지, 천정의 일부 등이 Padugs에 쓰여졌습니다 Drottningholm의 법원 극장과 모스크바 왕자 근처의 이전 부동산 극장의 무대 시스템 풍경. 주의 "아르한겔스크"의 유수포프

stile-arched 리프팅 장식은 17 세기 이탈리아에서 시작되었습니다. 격자가 높은 공공 극장에서 널리 사용되었습니다. 이 유형의 풍경은 나무 줄기, 잎이 달린 가지, 건축 세부 사항 (선형 및 공중 원근법 준수)이있는 아치 형태로 꿰매어진 캔버스입니다 (가장자리와 상단을 따라). 최대 75개의 이러한 무대 아치를 무대에 걸 수 있으며 배경은 페인트 배경 또는 수평선입니다. 다양한 무대 아치 장식은 투각 장식입니다 (특수 그물에 접착되거나 얇은 명주 그물에 적용된 "숲"또는 "건축"무대 아치 페인트). 현재 무대 아치 장식은 주로 오페라와 발레 제작에 사용됩니다.

파빌리온 장식은 1794년에 처음 사용되었습니다. 배우 겸 감독 F.L. 슈뢰더. 파빌리온 장식은 밀폐된 공간을 표현한 것으로 캔버스로 덮인 프레임 월과 벽지, 판자, 타일의 패턴과 일치하도록 칠해져 있습니다. 벽은 "귀머거리"이거나 창문과 문을 위한 스팬이 있을 수 있습니다. 그들 사이에서 벽은 던지기 로프의 도움으로 연결됩니다-겹침 및 슬로프가있는 무대 바닥에 부착됩니다. 현대 극장의 파빌리온 벽의 너비는 2.2m를 넘지 않습니다 (그렇지 않으면 풍경을 운반 할 때 벽이 화물차 문을 통과하지 않습니다). 파빌리온 풍경의 창과 문 뒤에는 일반적으로 백보드 (프레임에 매달린 장식 부분)가 배치되며 해당 풍경이나 건축 모티브가 그려져 있습니다. 파빌리온 장식은 천장으로 덮여 있으며 대부분의 경우 화격자에 매달려 있습니다.

현대 극장에서는 1870년 마이닝겐 극장의 공연에서 3차원적 풍경이 처음 등장했습니다. 이 극장에서는 평평한 벽과 함께 3차원적 세부 사항이 사용되기 시작했습니다. 테라스, 언덕, 요새 벽을 묘사하기 위한 기타 구조물. 공작 기계의 디자인은 일반적으로 그림 같은 캔버스 또는 가짜 부조(돌, 나무 뿌리, 풀)로 가려져 있습니다. 3차원적 풍경의 일부를 변경하기 위해 롤러(푸르카) 위의 롤링 플랫폼, 턴테이블 및 기타 유형의 무대 장비가 사용됩니다. 체적 풍경을 통해 감독은 "깨진"무대 평면에 미장센을 구축하고 다양한 건설적인 솔루션을 찾을 수 있었으며 덕분에 연극 예술의 표현 가능성이 비정상적으로 확장되었습니다.

프로젝션 장식은 1908년 뉴욕에서 처음 사용되었습니다. 투명 필름에 그려진 컬러 및 흑백 이미지의 투영(화면)을 기반으로 합니다. 프로젝션은 극장 프로젝터의 도움으로 수행됩니다. 배경, 수평선, 벽, 바닥은 화면 역할을 할 수 있습니다. 전면 투사(프로젝터가 스크린 앞에 있음)와 투과 투사(프로젝터가 스크린 뒤에 있음)가 있습니다. 프로젝션은 정적(건축, 풍경 및 기타 모티프) 및 동적(구름, 비, 눈의 움직임)일 수 있습니다. 새로운 스크린 재료와 프로젝션 장비를 갖춘 현대 극장에서는 프로젝션 풍경이 널리 사용되었습니다. 제조 및 작동의 용이성, 장면 전환의 용이성 및 속도, 내구성 및 높은 예술적 품질 달성 가능성으로 인해 프로젝션 장식은 현대 극장의 유망한 유형의 풍경 중 하나입니다.

국가의 산업화, 계획적이고 지시적인 사회주의 건설 강화, "NEP 축소"를위한 과정이 진행되었습니다. 2. 문화 정책 NEP 동안 소비에트 권력. NEP 2.1 기간 동안 소련의 연극 사업 NEP 기간 동안 소련의 연극 사업 혁명은 러시아 사회 시스템의 완전한 위기와 붕괴를 보여주었습니다. 제국과 민간 극장을 포함한 모든 극장이 국영으로 선언되었습니다...

이러한 기회가 사용되었으며 성인의 창의적 잠재력은 크게 좌우됩니다. 2 장. 미취학 아동의 창의적 능력 개발 수단으로서의 연극 활동. 어린이의 창의적 능력은 연극 활동을 기반으로 나타나고 개발됩니다. 이 활동은 아이의 성격을 개발하고 안정된 ...

다른 유형의 예술을 비교할 때 주목해야 할 사항 중요한 점: 회화, 문학, 건축, 조각은 창작 과정의 결과로서만 보는 사람, 독자 및 기타 지각 주체에 의해 지각됩니다. 즉, 먼저 작가가 자신의 창작 활동을 하고, 시간이 지나면 그 결과를 관객에게 제시하는 것이다. 여기서 창작 과정은 평가 대상이 아니라 대중의 인식 범위에서 벗어난 것입니다. 오히려 창작 과정, 평가, 분석, 동기 부여, 사회에 대한 영향 등에 대한 고려는 비평가, 미술사 학자, 사회 학자, 즉 전문 감정인 길드의 특권입니다. 반면 예술을 직접적으로 소비하는 사람은 창작의 탄생과 관련된 세세한 부분까지 굳이 들어가야 할 절실함을 느끼지 못한 채 창작의 결과물을 소비하는 행위를 한다.

또 다른 것은 공연과 관련된 예술 유형에 대한 인식에 관한 것입니다. 이 그룹의 이름에서 다음과 같이 창작 행위의 결과에 대한 시청자의 평가는 실행 순간에 직접 수행됩니다. 동시에 시청자는 무의식적으로 관찰자 일뿐만 아니라 세상을 인식하는 거의 모든 능력을 포함하는 창작 과정의 공범자가됩니다. 이와 관련하여 연극 예술은 최대 수의 정보 채널을 사용합니다. 아시다시피 인간은 주요 표상체계의 유형에 따라 시각, 청각, 운동감각으로 나뉩니다. 음악이나 성악이 시청자의 시각적 표현에 간접적으로만 영향을 미친다면(상상력을 통해) 극장의 영향은 직접적인 방식으로 수행됩니다. 극장은 세 가지 유형의 지각 모두에 적극적으로 영향을 미칩니다. 시각 및 청각 기관은 시청자가 담화의 시각적 및 청각적 구성 요소를 인식할 수 있도록 하고 운동감각적 구성 요소는 이미 언급한 공감 현상 덕분에 인식할 수 있습니다. 극장이 다른 유형의 예술에 비해 훨씬 더 적극적이고 효과적으로 시청자에게 영향을 미칠 수 있는 것은 이 기능(최대 정보 채널 사용)입니다. 비 유적 특성으로 인해 객관적 현실의 특정 영역을 이해하는 각 유형의 예술은 이미 이러한 상황으로 인해 고유 한 고유 한 법칙을 가지고 있습니다. 우선, 여기에서 시각적 및 표현적 수단의 시스템에 내재적으로 통합된 이 예술만의 특징인 세계의 고유한 예술적 재창조에 주목해야 합니다. 음악의 특징은 시나 그림으로 이해되는 것과는 다르다. 그러나 모든 예술의 특징인 직접 성찰의 한계는 현실에서 본질에 대한 이해라는 모호함으로 변모한다.

조형극장의 특징인 배우와 관객의 상호작용(공동창작)의 특성을 파악하기 위해서는 정보채널의 종류뿐만 아니라 주로 다루어지는 청중의 인식. 첫 번째 장에서 언급했듯이 조형 극장의 경우 이러한 특정 영역은 문화 간 또는 전문화로 특징지어질 수 있는 영역입니다. 이것은 모든 인류에게 공통적이며 모든 국가, 종교 또는 기타 거시 문화가 구축되는 기초 역할을 하는 의식 영역입니다.

이전 세기의 극장에 대한 직관적인 검색과 발견으로 관객의 정신에 영향을 미치는 다소 풍부한 경험이 축적되었습니다. 이것은 암시적인 영향의 방법을 사용하고 원형 구성 요소에 호소하는 것입니다. 20세기 중반부터 정신 현상에 대한 연구, 정신 구조 및 원형과 같은 개념의 순환 도입으로 인해 이러한 검색이 엄격한 방법론의 레일에 놓일 수 있음을 깨닫게 되었습니다. 이것은 철학, 심리학 및 문화 연구에 대한 연구에 의해 촉진되었습니다. 20세기 말부터. 이 영역에 신경 언어 프로그래밍과 같은 과학 방향이 추가되었습니다. Terry-Lee Still, Steven Heller, Virginia Satir, Bandler, Grinder 및 기타 연구원의 이론적 연구 및 실제 개발은 동기 부여의 즉각적인 형성 및 무슨 일이 일어나고 있는지 평가하는 수준에서 대중의 마음을 조작하는 것과 같은 도구를 극장에 제공했습니다. 명시적이든 묵시적이든 무대 위에서.

조형 극장의 예술적 표현 수단에 대해 말하면서 다음과 같은 매우 중요한 점을 고려할 필요가 있습니다. 배우의 목소리, 그의 움직임, 풍경, 음악 또는 가벼운 반주가 독점 재산이 아닙니다. 플라스틱 극장의 이 모든 요소는 다른 유형에서 사용됩니다. 공연 예술다양한 정도와 비율로. 즉, 이 원칙에 따르면 조형극장을 하나의 독립적인 구조단위로 선별하는 것은 불가능하다. 그러나 다음 사항을 고려할 필요가 있다. 연극 담론에 대한 관객의 인식은 공연 예술의 유형에 따라 다르게 발생한다. 그리고 조형극장의 예술적 표현 수단을 고려할 때, 본질적으로 조형극장의 특징인 관객과 무대 사이의 소통의 차이, 혹은 다른 형태의 연극예술이 어떤 부분에 주목해야 하는지를 특별히 고려해야 한다. 관중의 정신은 의사 소통 교환에 관여합니다.

위에서 언급했듯이 시청자의 잠재 의식을 가리키는 플라스틱 극장은 모든 것을 사용합니다. 사용 가능한 자금. 이러한 도구는 청각 및 시각의 두 가지 주요 복합물로 나눌 수 있습니다. 청각에는 배우의 목소리(음량, 억양, 단조로움, 리듬 등의 모든 가능성 포함), 음악, 자연적 또는 인공적 성격의 음향 효과, 청중에게 영향을 미치는 리듬 및 음향 방법 및 기타 요소가 포함됩니다. 그것은 아래에서 논의될 것입니다. 시각적 복합체에는 시청자가 보는 모든 것이 포함됩니다. 이들은 모든 표현 능력, 무대 장식의 디자인, 규모, 배우와 관객과 관련된 무대에서의 위치, 리듬 또는 무작위성 등 모든 면에서 배우의 신체이며, 이는 의 개념에 포함됩니다. "근접학". 또한 시각적 지각의 관점에서 볼 때 무대 공간의 색채와 조명 솔루션은 중요한 역할을 한다. 조명, 시청자에게 가능한 능동적인 빛-리듬 효과 및 기타 기술적이고 건설적인 측면은 청중이 무대에서 일어나는 행동을 인식하는 방법과 이 프로세스가 수행되는 수준(의식 또는 잠재 의식)에 상당한 영향을 미칠 수 있습니다. 장소. 플라스틱 극장에서 시각 및 청각 복합체의 표현 수단의 상호 작용은 의도적으로 관객과 연기자 모두에게 암시적인 영향을 미치도록 구성되어 연쇄 누적 효과를 만들 수 있습니다. 전자 제품에서 포지티브 피드백 회로의 공진 현상은 두 개의 상호 연결된 요소가 서로 동시에 작용하면서 개별적으로 할 수 없는 효과를 생성할 때 아날로그 역할을 할 수 있습니다.

무대 예술의 표현 수단에 대해 말하면서 다른 유형과 구별되는 중요한 점에 주목할 필요가 있습니다. 우리는 배우가 시청자에게 미치는 영향의 직접적인 구현자라는 사실에 대해 이야기하고 있지만 작가와 감독 모두 , 무대 디자이너, 작곡가 및 기타 참가자. 그러나 시청자의 시선은 무엇보다 배우에게 쏠린다. "액터"라는 용어 자체는 "액션"-액션의 개념을 기반으로 합니다. 즉 행위자는 행위자의 본질이다. 그리고 시청자는 무엇보다도 액션에 몰두합니다. 즉, 그의 관심은 배우에게 집중됩니다. 의심할 여지 없이 배우의 행동은 작가의 의도, 감독의 아이디어 및 단일 연극 과정의 다른 많은 구성 요소에 따라 달라지므로 배우의 표현 수단 선택은 그의 단독 결정이 아닙니다. 그러나 무대 동작을 인지하는 순간 이 사실에 대한 자각은 관객의 의식의 주변부에 있다. 그러나 이 사실이 명백히 의식되지는 않았음에도 불구하고 연출가, 안무가, 작곡가, 아티스트 및 기타 크리에이티브 그룹 구성원의 손에 쥐어진 표현 수단이 표현 수단보다 비중이 적고 영향력이 적다는 사실을 부정하지는 않는다. 배우의 수단.. 즉, 조형극의 표현수단이 시청자에게 미치는 영향의 구체적 내용을 고려할 때, 배우의 영역에 속하든 창작의 다른 누군가에 속하든 관계없이 표현수단의 전체 복합체를 고려할 필요가 있다. 그룹.

시청자에게 영향을 미치는 연기 가능성에 대해 말하면 두 가지 주요 영역을 구분할 수 있습니다. 그 중 하나는 신체의 가능성을 포함하고 다른 하나는 음성 가능성을 포함합니다. 이미 언급했듯이이 두 영역은 한편으로는 전체 성능의 근접 구성 요소와 교차하고 다른 한편으로는 청각 구성 요소와 관련된 성능의 모든 요소와 교차합니다. 플라스틱 극장과 다른 유형의 연극 예술에서의 기능을 비교하는 관점에서 이 두 영역을 모두 고려해 보겠습니다.

어떤 무대예술도 제스처 없이는 할 수 없다는 것은 자명하지만, 무대에서 관객에게 의미를 전달하는 과정에서 제스처의 역할과 기능, 비중은 예술의 종류에 따라 크게 다르다. Moses Kagan은 얼굴 표정, 신체 움직임 및 시선과 함께 제스처를 기본 연기 형식으로 간주합니다. 연구원에 따르면 이 형태는 사냥하는 과정에서 생겨났고, 고대 그리스 문화에 오르케스티카라는 이름으로 보존됐다. 그 발전 과정에서 이러한 혼합적 예술에서 비회화적 성격을 지닌 무용이 등장했고, 본질적으로 시각적이든 모방적이든 말이 없는 연기 예술이 또 다른 극이 되었다. The Morphology of Art에서 그는 다음과 같이 썼습니다. 예술적 언어이 예술은 인간 행동의 실제 형태, 그의 일상적인 움직임, 몸짓, 표정, 즉 그림 같은 성격의 재현을 기반으로합니다.Gordon Craig는 같은 입장을 취합니다. "극장의 예술은 행동-운동- 춤 .... 드라마는 읽기 위한 것이 아니라 무대에서 보는 것이기 때문에 몸짓이 필요하다... 극작가의 조상은 무용수였다... 최초의 극작가는 현대인들이 아직도 이해하지 못하는 것을 이해했다. 그는 그와 그의 동지들이 대중 앞에서 연설을 하면 청중들이 말하는 내용을 듣는 것보다 무슨 일이 벌어지고 있는지 지켜보는 데 더 열심일 것임을 알고 있었습니다. 그는 눈이 다른 감각보다 장면에 더 빠르고 강력하게 끌린다는 것을 알았습니다. 시각은 의심할 여지 없이 인체에서 가장 예리한 감각입니다.

제스처(몸짓)를 기반으로 발레, 판토마임, 조형극이 구축된다. 네, 배우가 참여하는 공간 예술인 드라마와 오페라도 몸짓 없이는 할 수 없습니다. 뮤지컬 공연 예술에서도 아티스트의 움직임은 관객의 인식에 영향을 미칩니다. 뮤지션이 관객 앞에 있는 것은 괜히 있는 일이 아니며 콘서트홀에서 가장 권위 있는 장소는 관객이 명확하게 볼 수 있는 장소입니다. 음악가가 연주합니다. 그러나 제스처 자체와 그 목적, 보는 사람이 읽고 해독하는 방식은 동일하지 않습니다. 이러한 모든 유형의 예술에 공통적인 것은 제스처가 작업의 내러티브 캔버스와 어떤 식으로든 상관 관계가 있는 정보를 전달한다는 것입니다. 배우가 말을 하든 안 하든 "... 몸짓은 비밀을 드러내고, 내면의 생각을 배반한다... 정신분석가는 환자의 누락을 드러내고, 대화 중에 그들을 지켜본다... 몸짓은 만드는 속성을 갖는다. 비밀이 밝혀졌다." 이 제스처 기능은 모든 종류의 공연 예술에 공통적입니다. 그러나 차이점이 있고 더 많습니다. 드라마에서 몸짓이 말과 반드시 ​​연결되어야 한다면, 비언어적 예술(발레와 판토마임)에서는 배우의 신체 움직임이 그 자체로 가치가 있습니다. 그리고 그것과 아무런 관계가 없습니다. 조형극장에서 몸짓은 말과 어긋나기도 하지만 그 무게는 헤아릴 수 없이 크다. "표현력의 주요 도구 중 하나인 단어의 극적 연기를 빼앗는다면 그것을 대신할 수 있는 의미의 담지체로 대체되어야 할 것은 자명하며, 이는 연기의 스타일에서 결정적일 것입니다. 20세기의 실험자들은 의미론적 풍부함의 정도가 단어보다 열등하지 않을 뿐만 아니라 때로는 그것을 능가하기도 한다는 바로 그 동등성을 발견했습니다. 시각적 수단은 마침내 세기 후반에 플라스틱 극장이라는 최종 이름을 얻었습니다.

위에서 언급했듯이 20세기 초는 공연 예술의 모든 영역에서 예술적 표현의 새로운 수단을 찾는 것이 특징입니다. 드라마 분야에서 이런 의미에서 가장 눈에 띄는 인물은 Meyerhold, Fokin, Tairov 및 M. Chekhov였습니다. 후자의 뛰어난 장점은 심리적 제스처 이론의 발전에 있습니다 (여기서 우리는 아래에서 고려할 판토마임의 양식화 개념과 약간의 유사성을 관찰합니다). Chekhov는 심리적 제스처를 영혼에 존재하는 하나 또는 다른 상태를 나타내는 제스처의 이상적인 구체화라고 불렀습니다. 그는 사람들이 물리적 영역이 아니라 영적, 이상적으로 만드는 자연 주의적 제스처와의 차이점을 보았습니다. . 따라서 '심리적' 몸짓, 즉 단순하고 일상적인 몸짓의 이상적인 원형은 신체적 몸짓에 내재된 개인차가 없으며, 보편 대 특수로서의 자연주의적 몸짓에 해당한다. 배우가 심리적인 제스쳐를 익히기 위해서는 체조, 춤, 펜싱 등 몸을 키우는 것만으로는 부족하다. 각 신체 운동의 심리적 측면, 즉 일종의 몸 채우기를 의미 할 때 심신 운동을 수행하는 것이 필요합니다. Chekhov는 제스처 분류를 만들었습니다. 그의 의견으로는 열기, 반발, 압축, 닫기 제스처가 있습니다. 그들 각각은 자체 그라데이션이 있습니다. 그럼에도 불구하고 체호프는 훌륭한 연습생이었지만 그의 이론은 자신의 연기 경험에만 근거한 것이 아닙니다. 그의 스승 중 한 명은 러시아 문화계 인사들 사이에서 매우 인기 있는 루돌프 슈타이너(Rudolf Steiner)였습니다. Chekhov가 그의 직관적 인 감정, 특히 배우의 가소성에 대한 그의 생각을 확인한 것은 Steiner였으며 관심은 Chekhov의 예술적 세계관의 유기적 구체화였습니다.

20세기 전반으로 돌아가서, Antonin Artaud는 배우의 신체적 표현력과 관련하여 자신의 입장을 다음과 같이 선언했습니다. 그리고 20세기 후반에 배우의 조형 문화에 지대한 관심을 기울인 예지 그로토프스키는 제스처, 배우의 움직임, 그의 신체 작업에 대한 이러한 요구 사항을 명확하게 공식화했습니다. 플라스틱 극장에 필요합니다. 그는 배우의 예술을 마스터하기 위해서는 연극 악보의 형태소를 찾아야 한다고 믿었습니다(음표가 악보의 형태소 역할을 하는 것처럼). 더욱이 그러한 형태소는 외적 몸짓이나 음성이 아니라 의식이나 논리에 근거하지 않고 더 깊은 곳에 놓여있는 다른 것입니다. 그의 작품 "연극과 의식"에서 그는 다음과 같이 썼습니다. , 나는 숨겨진 내면의 존재로 정의 할 것입니다. 몸의 내면 깊은 곳과 영혼의 깊은 곳의 모든 동기를 포용하는 것입니다 ... "밖으로"노력하는 충동이 있으며 몸짓은 그 완성 일뿐입니다 , 마지막 포인트. 그리고 또한 그의 말: "배우는 더 이상 영혼의 움직임을 설명하기 위해 몸을 사용해서는 안 됩니다. 그는 몸의 도움을 받아 이 움직임을 연기해야 ​​합니다."

따라서 우리는 제스처의 역할과 드라마틱 극장과 조형 극장에서 시청자에게 영향을 미치는 방식을 비교하여 먼저 두 가지 주요 차이점을 구별할 수 있음을 알 수 있습니다. 그것이 전달되는 의식.

무언극과 플라스틱 극장의 제스처를 비교하면 I. Rutberg가 쓴 제스처가 거기 저기 (그리고 발레에서) 사용된다는 점에 유의해야합니다. "... 가장 포괄적 인 종류의 제스처 기호는 직접 태어난 제스처 , 이 순간 태어난 감정적 메시지: "... 사람이 자고 싶다는 것을 보여주는 흥미로운 제스처가 아니라 졸음을 배반하는 제스처입니다." 이 징후는 다음과 같습니다. 판토마임의 주 소재이자 미모드라마의 가장 중요한 소재이기 때문에 인물의 개성을 직접적으로 표현한다” .

본질적으로 플라스틱 극장에 가장 가까운 판토마임과 미드 드라마의 차이점을 강조하면서 Rutberg는 양방향에 내재 된 제스처의 유사한 역할에 주목합니다. 차이점은 무엇입니까? 외국어사전에서는 판토마임을 다음과 같이 정의하고 있다. 등." 아시다시피 판토마임에서는 배우의 표현 수단 구성에서 단어가 제외되므로 제스처로 완전히 대체해야합니다. 조형 극장은 절대적으로 비언어적 예술 형식은 아니지만 제스처가 상호 작용하고 보완하는 단어의 사용도 포함합니다. 또한 첫 번째 장에서 이미 살펴본 바와 같이 무언극에서 제스처는 더 담론적이고 모호하지 않게 읽을 수 있으며 시청자에게 마임 배우가 무대에서 만든 객관적 세계의 환상을 불러일으키도록 의도되었습니다. 즉 조형극장보다 논리적인 지각에 치중한다. 무언극의 제스처와 플라스틱 극장의 제스처 사이에는 상당한 차이가 있습니다. Decroux, Barrot 및 Marceau의 무언극에서는 제스처가 명확하게 수행되고 암기된다는 사실에 있습니다. 그러나 이것은 무언극의 몸짓이 정형화되는 방식으로 이해되어서는 안됩니다. 마르셀 마르소(Marcel Marceau)에 따르면 "모든 것은 양식화, 건물 스타일에 관한 것입니다. 실제 양식화는 삶을 안다고 주장하는 학문적 예술보다 삶보다 더 깊이 현상의 본질을 표현합니다." 그러나 무언극의 기본 양식화에는 자발성 요소가 거의 없습니다. 양식화라는 바로 그 개념은 다양한 동기를 가진 마임 배우의 움직임이 형성되는 명확하게 고정된 형태를 포함합니다. Jean-Louis Barrault는 Etienne Decroux와 함께 양식화에 대한 자신의 탐구를 다음과 같이 설명했습니다. 반점: 균형 상실, 균형, 호흡, 에너지의 고립".

첫 번째 장에서 이미 언급했듯이 Ilya Rutberg는 무언극의 움직임이 구축되는 다음 법칙을 제공합니다.

· 판토마임은 콘텐츠의 최대한 일반화를 위해 노력합니다.

· 이러한 일반화는 실생활에서 취하고 삶의 경험에서 인지할 수 있는 움직임의 형태의 양식화를 통해 이루어집니다.

· 양식화 방법은 무엇보다 각 동작의 최대한의 편의성과 정확성을 추구해야 합니다.

배우의 조형적 표현력을 추구하는 Grotowski도 처음에는 이 길을 따랐지만 정확히 그에게 적합하지 않은 것은 고전 무언극의 특징인 이러한 양식화였습니다. 그는 마임 배우의 작업과 조형 연극 배우의 작업 간의 신체 표현의 차이를 명확하게 나타냅니다. 우리에게서 타인에게 오는 반응과 타인에게서 우리에게 오는 반응을 구별합니다.. 결국 우리는 Delsarte, Dalcroze 등의 잘 알려진 시스템에 따라 다양한 성형 운동을 경험하고 한 걸음 한 걸음 나아가며, 소위 플라스틱 운동을 발견했습니다. coniunctiko oppositorium(모순의 활용 - lat.) 구조와 자발성 사이. 여기에서 신체의 움직임에는 형태라고 할 수 있는 세부 사항이 고정되어 있습니다. 첫 번째 요점은 특정 수의 부품을 수정하고 정확도를 달성하는 것입니다. 그런 다음 이러한 세부 사항에 구체화될 수 있는 개별 충동을 찾아 구체화하고 변경합니다. 변화하되 파괴하지는 않는다." 이것이 바로 고전 무언극의 몸짓과 조형극의 주된 차이점이다.

조형극은 판토마임과 달리 엄격하게 고정된 양식을 의도적으로 거부한다. 조형극과 드라마의 차이에서도 비슷한 차이를 볼 수 있다. 신체 표현의 수단이라는 측면에서 드라마는 한 가지 스타일에 훨씬 더 엄격하게 묶여 있습니다. 일부 연구자들에게 플라스틱 극장의 이러한 기능은 매우 부정적인 태도를 유발합니다. "조형의 고의적이고 강조된 관습성은 특정 스타일의 표시가 없거나 반대로 가능한 모든 스타일을 혼합하는 표시를 포함하여 독립적인 예술적 가치"안티 스타일 ", 즉 스타일을 다음과 같이 주장합니다. 문체 확실성의 부재 이 양식화 원칙은 스스로를 "가소성"이라고 부르는 변형을 포함하여 아방가르드 극장의 여러 방향의 특징입니다. 실제로 종종 학교의 부족, 적절한 수준의 연기 기술 및 모든 이해 가능한 방향은 의사 아방가르드의 투기 적 표현으로 덮여 있습니다. 배우의 내부 및 외부 기술의 조화로운 통일성은 창의적 "우리는 자연 데이터를 사용하는 방법을 아는 사람만을 소성 표현 배우라고 부를 것입니다. 역할의 본질을 가장 생생하게 공개하기 위해 훈련의 결과로 얻은 기술 ... 우리는 "배우가 연기를 잘하는데 움직임이 나쁘다"고 말하지 않습니다. 잘 움직이지 않으면 역할을 제대로 하지 못하는 것 같다. 같은 방식으로 "배우가 얼마나 나쁘게 연기하지만 잘 움직이는 지보세요"라고 말할 수 없습니다. 이 경우 배우의 가소성은 분명히 역할과 전혀 관련이 없기 때문입니다.

그러나 어느 하나의 스타일에 대한 집착이 없다는 것은 비전문성이나 기술적인 미숙함의 표현이 아니라, 다른 유형의 연기에 의해 탄생되고 완성된 표현력의 고정된 틀을 벗어나려는 시도이다. 미술. 각각의 예술 형식에서 연기 기법의 기초가 되는 판토마임, 극적 연기 기법 또는 발레 댄스와 같은 양식적 기법은 조형 연극 배우의 단계일 뿐이며, 관객과의 고유한 소통 방식을 구축하기 시작합니다. . 그리고 다양한 작품에서 다양한 창작자들이 다양한 기술을 바탕으로 이러한 방식을 결합하고 새로운 것을 합성하지만 누군가가 이미 달성 한 높이를 마스터하기 위해 전혀 노력하지 않습니다. Grotovsky 또는 Carmello Bene의 경우 극적인 배우의 기술을 기본으로 삼았고 Mackevicius는 주로 무언극에 의존했으며 Pina Bausch와 Alla Sigalova는 춤에 의존했습니다. 그렇기 때문에 플라스틱 극장과 각각의 특정 사례에서 출발점으로 간주되는 예술 유형 사이에 명확한 선을 그리는 것이 항상 가능한 것은 아닙니다.

무용과 소극장에서 배우의 움직임의 기능과 완성도를 비교하면서 몇 가지 점에 주목할 필요가 있다. 첫째, 무용에서는 플라스틱 극장과 달리 의미 형성 요소로서의 음악의 역할이 훨씬 더 중요합니다. 이를 시작으로 음악과 동작의 연결은 이 두 방향에서 서로 다른 방식으로 구축됩니다. 무용에서는 조형 연극과 달리 움직임과 음악 사이에 거의 항상 매우 엄격한 상관관계가 있습니다. 더욱이 이 상관관계는 거의 항상 일방적이므로 본질적으로 음악 반주에 대한 움직임의 의존성에 대해 이야기하고 있습니다. 위에서 언급했듯이 음악과 춤(배우의 일련의 동작)은 리듬, 역동성, 진폭, 구성, 조화 또는 불협화음, 패턴, 불연속성 또는 연속성 등 매우 유사한 특성을 가지고 있습니다. 그리고 거의 항상 춤에서 댄서의 움직임의 특성은 음악의 해당 특성에 종속됩니다. 예외는 음악과 동작이 위의 특성 중 하나와 대조적으로 서로 모순되는 경우(예: 희극 효과 생성)입니다. 더욱이 그러한 형태의 춤을 고전 발레로 간주한다면 " 음악 반주"음악은 먼저 작곡가가 작곡한 다음 안무가가 댄서의 전체 동작 패턴을 구축하여 음악에 포함된 아이디어를 시청자가 최대한 명확하고 쉽게 이해할 수 있도록 시각화하기 때문에 일반적으로 승인되지 않습니다. 동시에 , 이 과정은 수세기에 걸쳐 발레 예술의 발전과 형성에 걸쳐 발전해 온 전통의 다소 엄격한 틀 내에서 수행되며 두 사람의 공동 노력으로 개발된 코딩 규칙의 적용을 받는다는 점을 기억해야 합니다. 안무가와 작곡가 즉, 발레 예술에서 댄서의 움직임은 음악을 통해 간접적으로 플롯과 연결됩니다. 댄스 아트춤의 줄거리나 의미론적 내용이 없거나 중요한 역할을 하지 않는 경우에도 움직임의 본질은 여전히 ​​음악의 본질과 밀접하게 연결되어 있습니다. 플라스틱 극장에서 우선 순위는 정반대입니다. 주요 의미 형성 요소는 움직임입니다. 여기서 음악은 서비스나 보조적인 기능만 수행할 뿐 더 이상 지배적인 역할을 하지 못한다고 해도 과언이 아니다. 소극장에서는 배우들의 움직임의 특성이 대두되고 음악은 이미 배역의 움직임이나 전체 공연의 패턴에 따라 선택되거나 쓰여진다.

춤과 조형 연극의 제스처 미학도 다르게 형성됩니다. 전통적으로 안무적으로 구성된 움직임은 "아름다움"에 대한 열망으로 구별됩니다. 이것은 이미 위에서 언급한 음악에 대한 그의 의존성으로 대부분 설명됩니다. 조형극장의 몸짓과 움직임은 상황에 따라 무용 미학의 관점에서 비미학적일 수도 있고 반미적일 수도 있다. "사람의 무의식에 침투하려는 욕망, 그의 행동을 통제하는 비합리적인 힘에 대한 관심, 표현주의 무용의 뛰어난 무용수인 폰 라반의 제자 마리 위그만(Marie Wigman, 1886-1973)은 아름다운 움직임에 대한 거부를 의미한다. , 추악하고 끔찍한 것에 대한 관심 그녀의 댄스 스타일 (영구적으로 땅에 떨어지기, 무릎 꿇기, 쪼그리고 앉기, 기어 가기, 경련 운동, 떨림)은 무대에서 새로운 유형의 가소성을 증언했습니다. 양식화되지 않은 조화로운 움직임이지만 움직임이 자극되었습니다. , Mikhail Yampolsky ( "The Demon and the Labyrinth"라는 책의 한 장에서 "표현주의 연극 전체의 얼굴 표정의 기초와 가소성에 대해 이야기 함)"의 말에 따르면 "히스테리 ". 이러한 차이의 근간에는 무용이라는 예술이 사회적 환경과 어떤 문화적 패러다임에 따라 형성되는 인간의 미적 취향 판단 능력을 의미한다는 사실이 있다. 그리고 플라스틱 극장은 제스처의 아름다움과 조화가 배경으로 물러나는 더 깊은 의식 구조에 호소하며 가장 중요한 것은 관객 정신의 특정 사전 문화 영역에 적극적이고 정확하게 영향을 미치는 제스처의 능력입니다. 이 때문에 플라스틱 극장에서 제스처를 선택할 때 주요 기준은 "아름다움"또는 "추함"의 정도를 상당히 엄격하게 설정할 수있는 기능 및 의미 론적 내용입니다.

무용과 조형극의 몸짓 인식의 또 다른 중요한 차이점은 조형극 공연의 스케일이 항상 음악만으로 구성되는 것은 아니라는 점이다. 일상적인 소리일 수도 있고 그 조합일 수도 있습니다. 공연 중 아티스트가 직접 제공하는 사운드 반주(전통적인 의미의 음악은 아님) 현대 전자 기술을 사용하여 합성된 실생활에서 아날로그가 없는 사운드(아래에서는 플라스틱 극장에서 이러한 요소의 기능적 중요성에 대해 자세히 설명합니다). 이와 관련하여 플라스틱 극장에서 배우의 움직임과 음악 또는 기타 사운드 반주의 상호 작용은 시청자에게 상호 의존적 인 것이 아니라 두 가지 병렬 현상의 존재로 인식 될 수 있습니다. 또한 비디오 시퀀스와 사운드 시퀀스는 서로를 강조하면서 대립적으로 존재할 수 있습니다. 움직임과 음악이 아닌 일부 소리의 조합은 움직임이나 반주에 직접 포함되지 않는 새로운 의미를 생성할 수 있습니다. 이것은 무용과 조형극에서 배우의 움직임에 대한 인식을 구별하는 또 다른 특징이다.

인용된 모든 사실은 무대 위 배우들의 움직임에 관한 것이었다. 하지만 조형극장은 근본적으로 넌버벌이 아니기 때문에 음성으로도 운영이 가능하다. 비언어적 형태그리고 단어. 그리고 여기에서 조형 극장과 드라마(또는 오페라)에서 배우의 목소리가 인식되는 방식 사이의 중요한 차이를 추적할 수도 있습니다. 우선, 플라스틱 극장에서 지배적 인 역할을하지 않는 단어는 종종 보조 기능 만 수행한다는 점에 유의해야합니다. 음성 텍스트의 억양, 감정적 색상은 언어 및 내러티브 내용보다 훨씬 더 중요합니다. 이러한 이유로 비명, 신음, 쌕쌕거림 또는 명료한 연설이 아닌 배우의 다른 소리와 같은 표현은 명확하게 인식되는 텍스트보다 무대 계획의 실현에 훨씬 더 기여할 수 있습니다. 이 방향에 대한 의식적인 작업은 그의 작품에서 "... 단어를 완전히 버리지 않습니다. 종종 소리가 나고 존재하며 일종의 음향 재료로 변형되고"부담스러운 의미의 부하가없는 Bob Wilson이 수행했습니다. 구, 강박적으로 반복하다가 단어로 잘린 구, 단어를 소리로, 흐느끼는 소리, 속삭이는 소리, 바스락거리는 소리… 공연의.

20세기의 중요한 경향은 움직임과 목소리를 결합하는 분야의 검색이 댄서와 안무가 자신에 의해 수행되었다는 것입니다. 발레 The Flames of Paris에서 무용수들은 마르세예즈를 부릅니다. 발레 "Le Corsaire"에서 Lyubov Vasilievna Geltser "...해적의 거친 걸음 걸이를 희화화하면서 남자 정장을 입고 나타났습니다. 그녀는 콧수염을 비틀고 소집 신호를 불고 갑자기 해적처럼 외쳤습니다. "탑승!" 청중이 "Gelzer라는 단어를 받아 들일 정도로 자연스럽게 나왔습니다. 그런데 오늘날 Maya Plisetskaya는 미래에 발레가 단어와 춤의 합성이 될 것이라고 주장하는 경향이 있습니다." 무용극 배우 피나 바우쉬는 무대 위에서 말만 하는 것이 아니라 관객과 대화를 하게 만든다. 이와 같은 많은 예가 있으며, 이는 개별 공연 예술 유형 간의 경계를 고의적으로 모호하게 만드는 경향을 다시 한 번 말해줍니다.

이 섹션을 요약하면 다음과 같이 요약할 수 있습니다. 조형 극장의 표현 수단 세트가 유사한 드라마, 판토마임 또는 댄스 세트와 상당한 정도로 다르다고 주장할 수 없습니다. 그러나 근본적으로 중요한 것은 시청자 인식의 다른 영역에 대한 초기 초점으로 인해 시청자에 대한 이러한 수단의 영향이 다르다는 것입니다.

크리미아 자치공화국 교육부
범죄 국가 공학 및 교육 대학
심리학 및 교육 학부
초등 교육 방법론
시험
/>분야별로
교수법을 사용한 안무, 무대 및 스크린 아트
주제
연극 예술의 표현 수단
학생 Mikulskite S.I.
심페로폴
2007 – 2008 학년도 년도.

계획

2. 연극 예술의 표현력의 주요 수단
장식
연극 의상
소음 설계
무대 조명
무대 효과
조립
마스크
문학

1. 연극예술의 표현수단으로서의 장식예술의 개념
세트 아트 - 연극 예술의 가장 중요한 표현 수단 중 하나이며, 무대 장치와 의상, 조명 및 무대 장치를 통해 공연의 시각적 이미지를 만드는 예술입니다. 이러한 모든 시각적 영향 수단은 연극 공연의 유기적 구성 요소이며 내용 공개에 기여하고 특정 감정적 사운드를 제공합니다 장식 예술의 발전은 연극 및 드라마의 발전과 밀접한 관련이 있습니다.
가장 오래된 민속 의식과 게임에는 장식 예술 요소 (의상, 가면, 장식용 커튼)가 있습니다. 이미 5 세기에 고대 그리스 극장에서. 기원전 즉, 배우들의 연극을 위한 건축적 배경 역할을 한 스케네 건물 외에도 체적 풍경이 있었고 그림 같은 풍경이 도입되었으며 그리스 장식 예술의 원리는 고대 로마의 극장에 동화되었습니다. 커튼이 처음 사용되었습니다.
중세 시대에 전례 드라마가 펼쳐지는 교회 내부는 원래 장식적인 배경 역할을 했습니다. 이미 여기에서 중세 극장의 특징인 동시 풍경화의 기본 원칙이 적용되어 모든 행동 장면이 동시에 표시됩니다. 이 원칙은 중세 연극의 주요 장르 인 미스터리 연극에서 더욱 발전되었습니다. 온갖 미스터리 장면에서 신록과 꽃, 과일로 장식된 정자 형태의 '낙원'과 용이 입을 벌리고 있는 형태의 '지옥'의 풍경에 가장 큰 관심을 기울였다. 방대한 풍경, 그림 같은 풍경 (별이 빛나는 하늘의 이미지)도 사용되었습니다. 최초의 극장인 화가, 조각가, 도금공 등 숙련된 장인들이 설계에 참여했습니다. 기계공은 시계 제작자였습니다. 골동품 미니어처, 판화 및 그림은 미스터리를 준비하는 다양한 유형과 방법에 대한 아이디어를 제공합니다. 영국에서는 카트에 실린 이동식 2층 부스인 pedzhents에서의 공연이 가장 큰 배급을 받았습니다. 위층에서는 공연이 진행되었고 아래층은 배우들의 분장실 역할을 했다. 이러한 원형 또는 링 형태의 무대 플랫폼 배치는 고대부터 보존된 원형극장을 미스터리를 연출하는 데 사용할 수 있게 했습니다. 미스터리의 세 번째 디자인 유형은 소위 아버 시스템 (16 세기 스위스 루체른과 독일 도나우에 칭겐의 미스터리 공연)으로, 미스터리 에피소드의 행동이 펼쳐지는 지역에 흩어져있는 오픈 하우스입니다. 16세기 학교 극장에서. 처음으로 한 줄을 따라가 아니라 무대의 3면에 평행하게 행동 장소가 배열되었습니다.
아시아 연극 공연의 컬트 기반은 개별 상징적 세부 사항이 행동 장면을 지정했을 때 무대의 조건부 디자인의 수세기 동안 지배력을 결정했습니다. 풍경의 부족은 경우에 따라 장식적인 배경, 풍부하고 다양한 의상, 메이크업 마스크의 존재로 보완되었으며 색상은 상징적 의미를 가졌습니다. 14 세기 일본에서 발전한 봉건 귀족 뮤지컬 극장에서 정식 유형의 장식이 만들어졌습니다. 무대 뒷벽에는 추상적 인 황금색 배경에 장수의 상징 인 소나무가 그려져 있습니다. ; 배우와 음악가가 무대에 입장 할 수 있도록 왼쪽 무대 뒤편에 위치한 덮힌 다리의 난간 앞에 세 개의 작은 소나무 이미지가 배치되었습니다.
15:00에 16세기 이탈리아에서는 새로운 유형의 극장 건물과 무대가 등장합니다. 가장 큰 예술가와 건축가는 Leonardoda Vinci, Rafael, A. Mantegna, F. Brunelleschi 등의 연극 제작 디자인에 참여했습니다. 깊은 곳으로 들어가는 거리의 풍경을 묘사한 풍경은 프레임 위에 펼쳐진 캔버스에 그려졌으며 배경과 무대 양쪽에 있는 3개의 측면 평면으로 구성되었습니다. 풍경의 일부는 나무로 만들어졌습니다(집 지붕, 발코니, 난간 등). 태블릿을 가파르게 들어올려 필요한 원근 수축을 달성했습니다. 르네상스 무대의 동시적 풍경 대신 특정 장르의 공연을 위해 공통적이고 변함없는 하나의 장면을 재현했다. 이탈리아 최대의 연극 건축가이자 장식가인 S. Serlio는 사원, 궁전, 아치 - 비극을 위한 3가지 유형의 풍경을 개발했습니다. 개인 주택, 상점, 호텔이있는 마을 광장-코미디; 숲 풍경 - 목회자를 위해.
르네상스 예술가들은 무대와 강당을 전체적으로 고려했습니다. 이것은 1584년 A. Palladio가 설계한 Vicenza의 Olimpico 극장 창설에서 나타났습니다. V. Scamozzi는 "이상적인 도시"를 묘사하고 비극을 연출하기 위해 이곳에 화려한 영구 장식을 세웠습니다.
이탈리아 르네상스의 위기 동안 극장의 귀족화는 연극 제작에서 외부 과시가 우세하도록 이끌었습니다. S. Serlio의 구호 장식은 바로크 양식의 그림 같은 장식으로 대체되었습니다. 16세기 말과 17세기 말 궁정 오페라와 발레 공연의 매혹적인 성격. 연극 메커니즘의 광범위한 사용으로 이어졌습니다. 화가 부온탈렌티(Buontalenti)가 그린 캔버스로 덮인 삼면체 회전 프리즘인 텔라리(telarii)의 발명은 대중 앞에서 풍경을 바꾸는 것을 가능하게 했습니다. 이러한 움직이는 원근법 풍경의 장치에 대한 설명은 이탈리아에서 일하고 독일에 이탈리아 극장 기술을 심은 독일 건축가 I. Furtenbach의 작품과 "건축 기술에 관한"논문에서 볼 수 있습니다. 무대와 기계”(1638) 건축가 N. Sabbatini. 원근법 기법의 발전으로 데코레이터는 서판이 급격하게 올라가지 않고도 깊이 있는 느낌을 낼 수 있게 되었습니다. 배우들은 무대 공간을 마음껏 사용할 수 있습니다. 처음에는. 17 세기 J.가 발명한 백스테이지 풍경이 등장했습니다. 알레오티. 비행을 위한 기술 장치, 해치 시스템, 측면 포털 실드 및 포털 아치가 도입되었습니다. 이 모든 것이 박스 씬의 생성으로 이어졌습니다.
무대 뒤 풍경의 이탈리아 시스템은 모든 유럽 국가에서 널리 퍼졌습니다. 모든 R. 17 세기 비엔나 법원 극장에서는 이탈리아 극장 건축가 L. Burnacini가 바로크 양식의 무대 뒤 풍경을 소개했으며, 프랑스에서는 유명한 이탈리아 극장 건축가, 장식가 및 기계공 G. Torelli가 유망한 무대 뒤 장면의 성과를 오페라의 법원 제작에 독창적으로 적용했습니다. 발레 유형. 16세기에도 여전히 보존되어 있던 스페인 극장. 원시 박람회 장면은 이탈리아 얇은을 통해 이탈리아 시스템을 동화합니다. 스페인 법원 극장에서 일했던 K. Lotti (1631). 런던의 시립극장은 상하좌우로 구분된 셰익스피어 시대의 조건부 무대와 객석으로 돌출된 프로시니엄, 빈약한 장식 등을 오랫동안 유지해 왔다. 순서대로 장면을 빠르게 변경합니다. 1 분기에 영국에서 이탈리아 유형의 유망한 장식이 도입되었습니다. 17 세기 법원 공연 제작의 극장 건축가 I. Jones. 러시아에서는 1672년 차르 알렉세이 미하일로비치(Tsar Alexei Mikhailovich)의 궁정 공연에서 백스테이지 원근법이 사용되었습니다.
고전주의 시대에 장소와 시간의 통일성을 요구했던 극적 정경은 특정한 역사적 특성(비극을 위한 왕좌의 방이나 궁전의 로비, 도시 광장이나 코메디). 다양한 장식 및 연출 효과는 17세기에 집중되었습니다. 오페라와 발레 장르 내에서, 극적인 공연은 디자인의 엄격함과 인색함으로 구별되었습니다. 프랑스와 영국의 극장에서 프로시니엄의 측면에 위치한 귀족 관중의 무대에서의 존재는 공연을 위한 풍경의 가능성을 제한했습니다. 오페라 예술의 발전은 오페라의 개혁으로 이어졌습니다. 대칭의 거부, 각도 원근법의 도입은 그림을 통해 장면의 깊이가 큰 착시를 만드는 데 도움이 되었습니다 풍경의 역동성과 정서적 표현은 빛과 음영의 놀이, 모티프 (기둥, 계단, 아치, 조각상이 반복되는 치장 벽토 장식으로 장식 된 바로크 양식의 홀의 끝없는 enfilades) , 건축 구조의 웅장함에 대한 인상이 만들어졌습니다.
계몽주의의 이데올로기 투쟁의 악화는 다양한 스타일의 투쟁과 장식 예술에서 표현되었습니다. 바로크풍경의 장엄한 화려함과 봉건-귀족적 경향의 특징인 로코코풍의 풍경화의 출현과 함께 이 시기의 장식미술에서는 극장의 개혁, 해방을 위한 투쟁이 있었다. 궁정 예술의 추상적인 화려함에서 장면의 보다 정확한 국가적 및 역사적 특성화를 위해. 이 투쟁에서 교육 극장은 고전적인 스타일의 풍경 창조에서 표현되는 낭만주의의 영웅적 이미지로 향했습니다. 이 방향은 특히 데코레이터 J. Servandoni, G. Dumont, P.A의 작업에서 프랑스에서 개발되었습니다. 고대 건축물을 무대에 재현한 브루네티. 1759년 볼테르는 관객을 무대에서 몰아내어 풍경을 위한 추가 공간을 확보했습니다. 이탈리아에서는 바로크에서 고전주의로의 전환이 G. Piranesi의 작품에서 표현되었습니다.
18세기 러시아 연극의 집중적 발전. 현대 연극 회화의 모든 업적을 사용하는 러시아 장식 예술의 번성으로 이어졌습니다. 40대에. 18세기에는 주요 외국 예술가들이 공연 디자인에 참여했습니다. K. Bibbiena, P. 그리고 F. Gradipzi 및 기타, 그 중 눈에 띄는 장소는 Bibbiena J. Valerani의 재능있는 추종자에 속합니다. 2층. 18 세기 I. Vishnyakov, Volsky 형제, I. Firsov, S. Kalinin, G. Mukhin, K. Funtusov 및 법원 및 농노 극장에서 일한 다른 사람들과 같은 재능있는 러시아 장식가가 전면에 등장했습니다. 1792년부터 뛰어난 연극 예술가이자 건축가인 P. Gonzago는 러시아에서 일했습니다. 계몽주의의 고전주의와 이데올로기 적으로 연결된 그의 작품에서 건축 양식의 엄격함과 조화는 웅장 함과 기념비적 인 인상을 만들어 현실의 완전한 환상과 결합되었습니다.
18세기 말 유럽 ​​극장에서는 부르주아 연극의 발전과 관련하여 파빌리온 풍경(세 개의 벽과 천장이 있는 닫힌 방)이 등장한다. 17-18세기 봉건 이데올로기의 위기. 아시아의 장식 예술에 반영되어 많은 혁신을 일으켰습니다. 18세기 일본 건물은 가부키 극장을 위해 지어지고 있으며 무대에는 객석으로 강하게 돌출된 프로시니엄과 수평으로 움직이는 커튼이 있습니다. 무대 좌우측부터 객석 뒷벽까지 연단(하나미치, 문자 그대로 꽃길)이 있었고, 그 위에서 공연도 펼쳐졌다(이후 오른쪽 연단은 폐지되었다. 우리 시대에는 왼쪽 플랫폼만 가부키 극장에 남아 있습니다). 가부키 극장은 3차원적 풍경(정원, 집의 정면 등)을 사용하여 장면을 구체적으로 특징짓습니다. 1758년에 처음으로 회전 단계가 사용되었으며 회전 단계는 수동으로 이루어졌습니다. 중세 전통은 중국, 인도, 인도네시아 및 기타 국가의 많은 극장에서 보존되어 풍경이 거의 없으며 장식은 의상, 마스크 및 메이크업으로 제한됩니다.
18세기 후반 프랑스 부르주아 혁명. 연극 예술에 큰 영향을 미쳤으며 드라마 주제의 확장은 장식 예술에 많은 변화를 가져 왔습니다. 파리의 "대로 극장" 무대에서 멜로 드라마와 무언극을 제작할 때 디자인에 특별한주의를 기울였습니다. 연극 기계공의 높은 기술로 다양한 효과 (난파선, 화산 폭발, 뇌우 장면 등)를 시연 할 수 있습니다. 그해의 장식 예술에서는 소위 pratikables (바위, 다리, 언덕 등을 묘사하는 3 차원 디자인 세부 사항)가 널리 사용되었습니다. 1분기에 19 세기 무대 조명의 혁신과 결합된 그림 같은 파노라마, 디오라마 또는 네오라마가 널리 퍼졌습니다(가스는 1920년대에 극장에 도입되었습니다). 연극 디자인의 개혁을 위한 광범위한 프로그램은 프랑스 낭만주의에 의해 제시되었으며, 이는 역사적으로 특정한 장면 특성화 작업을 설정했습니다. 낭만주의 극작가들은 연극 제작에 직접 참여하여 그들에게 긴 말과 스케치를 제공했습니다. 공연은 복잡한 풍경과 웅장한 의상으로 만들어졌으며 역사적인 플롯에 대한 다막 오페라와 드라마 제작에서 장소와 시간의 색상의 정확성과 화려한 아름다움을 결합하기 위해 노력했습니다. 무대 기술의 복잡성으로 인해 공연 사이에 커튼이 자주 사용되었습니다. 1849년 Meyerbeer의 The Prophet을 제작하는 파리 오페라 무대에서 전기 조명의 효과가 처음으로 사용되었습니다.
30-70 년대 러시아에서. 19 세기 A. 연극 기계의 뛰어난 거장 롤러는 낭만적 인 방향의 주요 장식가였습니다. 그가 개발한 무대 효과의 높은 기술은 이후 K.F.와 같은 데코레이터에 의해 개발되었습니다. 발츠, A.F. Geltseri 외 하반기 장식 예술의 새로운 경향. 19 세기 사실적인 고전 러시아 극작술과 연기 예술의 영향으로 확인되었으며, 학문적 일상과의 싸움은 데코레이터 M.A에 의해 시작되었습니다. Shishkov 및 M.I. 보차 로프 1867 년 A.K. 의 연극 "끔찍한 이반의 죽음"에서. Tolstoy (Alexandria Theatre) Shishkov는 역사적 구체성과 정확성으로 Petrine Rus 이전의 삶을 처음으로 무대에서 보여주는 데 성공했습니다. Shishkov의 다소 무미건조한 고고학과는 대조적으로 Bocharov는 러시아 자연의 진실하고 감정적인 느낌을 그의 작품으로 무대에 진정한 화가의 도착을 예상하면서 그의 풍경 풍경에 도입했습니다. 건축”, “의상” 등; 현대 주제에 대한 극적인 공연에서는 일반적으로 조립식 또는 "근무 중" 전형적인 풍경이 사용되었습니다 ( "빈곤"또는 "풍부한"방, "숲", "시골 전망"등). 2층. 19 세기 다양한 유럽 극장 (Philastre 및 Ch. Cambon, 프랑스의 A. Roubaud 및 F. Chaperon, 독일의 Lütke-Meyer 등의 워크샵)을 제공하기 위해 대규모 장식 워크샵이 만들어졌습니다. 이 기간 동안 예술과 창의적인 상상력이 수공예품으로 대체되는 부피가 크고 의식적이며 절충주의적인 스타일 장식이 널리 퍼집니다. 70-80년대 장식 예술의 발전에 관하여. 유럽 ​​투어를 통해 감독의 공연 결정의 무결성, 높은 제작 문화, 배경, 의상 및 액세서리의 역사적 정확성을 입증한 마이닝겐 극장의 활동이 상당한 영향을 미쳤습니다. 석판 부조의 다양성을 널리 활용하여 다양한 건축 형태로 무대 공간을 채우고 다양한 플랫폼, 계단, 입체 기둥, 바위, 언덕 등의 실용성을 풍부하게 사용했다. Meiningen 프로덕션(디자인은
대부분 Duke George II에 속함) 독일 역사 회화 학교 인 P. Cornelius, W. Kaulbach, K. Piloty의 영향이 분명히 영향을 받았습니다. 그러나 역사적인 정확성과 타당성, 액세서리의 "진정성"은 때때로 Meiningen 사람들의 공연에서 자급 자족하는 의미를 얻었습니다.
E. Zola는 70년대 후반에 활동합니다. 추상적인 고전주의, 이상화, 낭만적이고 장엄한 매혹적인 풍경에 대한 비판과 함께. 그는 소설 속 묘사와 비교한 풍경의 도움으로 '사회적 환경의 정확한 재현'이라는 현대적 삶의 무대에서의 묘사를 요구했다. 90년대 프랑스에서 연극의 일상과 자연주의에 대한 항의라는 슬로건 아래 등장한 상징주의 연극은 사실주의 예술에 맞서 싸웠다. P. Faure의 예술 극장과 Lunier-Poe의 극장 "Creativity" 주변에서 모더니스트 캠프 M. Denis, P. Serusier, A. Toulouse-Lautrec, E. Vuillard, E. Munch 등의 예술가들이 연합했습니다. 그들은 단순하고 양식화된 풍경, 인상주의적 모호성, 강조된 원시주의 및 상징주의를 만들어 극장을 현실적인 삶의 묘사에서 멀어지게 했습니다.
러시아 문화의 강력한 고조는 19세기 후반에 자리를 잡았습니다. 극장 및 장식 예술. 80-90년대 러시아에서. 가장 큰 이젤 예술가는 극장 작업에 참여합니다-V.D. 폴레노프, V.M. Vasnetsov 및 A.M. Vasnetsov, I.I. Levitan, K.A. Korovin, V.A. Serov, M.A. 브루벨. 1885년부터 모스크바 개인 러시아 오페라 S.I. Mamontov는 현대 사실주의 회화의 구성 기법을 풍경에 도입하여 공연에 대한 전체 론적 해석의 원칙을 확인했습니다. Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky의 오페라 제작에서이 예술가들은 러시아 역사의 독창성, 러시아 풍경의 영적인 서정성, 동화 이미지의 매력과시를 전달했습니다.
19세기 후반과 20세기에 처음으로 무대 디자인의 원칙을 사실적인 무대 연출의 요구 사항에 종속시켰습니다. 모스크바 예술 극장의 관행에서 황실 극장에서 흔히 볼 수 있는 전통적인 백스테이지, 파빌리온 및 "조립식" 풍경 대신 모스크바 예술 극장의 각 공연은 감독의 의도에 부합하는 특별한 디자인을 가졌습니다. 계획 가능성의 확장 (평면 처리, 거주 구역의 특이한 각도 표시), "살아있는"환경의 인상을 만들고자하는 욕구, 행동의 심리적 분위기는 모스크바 예술 극장의 장식 예술을 특징 짓습니다.
Art Theatre V.A. Simov는 K.S. "새로운 유형의 무대 예술가의 창시자"인 Stanislavsky는 삶의 진실에 대한 감각으로 구별되고 그들의 작업과 연출을 불가분의 관계로 연결합니다. 모스크바 예술 극장이 수행한 장식 예술의 사실적 개혁은 세계 연극 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. K. Lautenschläger가 Mozart의 오페라 Don Giovanni(1896)를 제작할 때 유럽 극장에서 처음 사용한 회전 무대는 무대의 기술적 재장비와 장식 예술의 가능성을 풍부하게 하는 데 중요한 역할을 했습니다. , 레지덴츠 극장, 뮌헨).
1900년대 World of Art 그룹의 예술가-A.N. Benois, L.S. 박스트, M.V. Dobuzhinsky, N. K. Roerich, E.E. Lansere, I.Ya. 빌리비니 등 이들 예술가의 회고주의와 양식화 특성은 그들의 창의성을 제한했지만 그들의 높은 문화와 기술, 공연의 전반적인 예술적 디자인의 온전함을 위해 노력하는 것은 오페라와 발레 장식 예술의 개혁에 긍정적인 역할을 했다. 러시아뿐만 아니라 해외에서도. 1908년 파리에서 시작되어 수년에 걸쳐 반복된 러시아 오페라와 발레 투어는 풍경의 높은 그림 문화, 다양한 시대의 예술 스타일과 특성을 전달하는 예술가의 능력을 보여주었습니다. Benois, Dobuzhinsky, B. M. Kustodiev, Roerich의 활동은 또한 모스크바 예술 극장과 관련이 있으며, 이 예술가들의 미학 특성은 K.S. Stanislavsky와 V.I. Nemirovich-Danchenko 러시아 최대 장식가 K.A. Korovin과 A.Ya. 처음부터 일한 골로빈. 20 세기 제국 극장에서 국가 무대의 장식 예술에 근본적인 변화를 가져 왔습니다. Korovin의 넓고 자유로운 글쓰기 방식, 그의 무대 이미지에 내재 된 살아있는 자연의 감각, 캐릭터의 풍경과 의상을 통합하는 색 구성표의 무결성은 러시아 오페라 발레의 디자인 인 Sadko, The Golden Cockerel에 가장 분명하게 영향을 미쳤습니다. "혹등고래 말" C. Pugni 및 기타 의식 장식, 형태의 명확한 묘사, 색상 조합의 대담함, 일반적인 조화 및 솔루션의 무결성은 Golovin의 연극 그림을 구별합니다. Korovin과 달리 Golovin은 스케치와 풍경에서 무대 디자인의 연극 적 특성, 개별 구성 요소를 항상 강조했습니다. 그는 장식품으로 장식된 포털 프레임, 다양한 아플리케 및 페인트 커튼, 프로시니엄 등을 사용했습니다. 1908-17년에 Golovin은 여러 공연을 위한 디자인을 만들었습니다. V.E. Meyerhold(몰리에르의 "Don Juan", "가면무도회" 포함),
19세기 말과 초기 부르주아 미술의 반사실주의적 경향 강화. 20세기에 사회적 이념을 공개하는 것을 거부하는 것은 서구의 사실적인 장식 예술의 발전에 부정적인 영향을 미쳤다. 퇴폐적 흐름의 대표자들은 "관습성"을 예술의 주요 원칙으로 선포했습니다. A. 아피아(스위스)와 G. 크레이그(영국)는 리얼리즘에 대한 일관된 투쟁을 벌였다. "철학적 극장"을 창조한다는 아이디어를 내세우고, 그들은 달성한 빛을 변화시킴으로써 추상적이며 시대를 초월한 풍경(큐브, 스크린, 플랫폼, 계단 등)의 도움으로 "보이지 않는" 아이디어 세계를 묘사했습니다. 기념비적인 공간 형태의 유희. 감독이자 예술가로서 Craig 자신의 작업은 몇 개의 작품으로 제한되었지만 그의 이론은 이후 여러 국가의 많은 극장 디자이너와 감독의 작업에 영향을 미쳤습니다. Symbolist 극장의 원칙은 폴란드 극작가, 화가 및 연극 예술가 S. 기념비적인 조건부 공연을 만들고자 열망했던 Wyspiansky 그러나 공간 무대의 풍경과 프로젝트에서 국가적 형태의 민속 예술을 구현함으로써 Wyspiansky의 작업은 냉정한 추상화에서 해방되어 더욱 사실적으로 만들어졌습니다. 예술가와 함께 뮌헨 예술 극장 G. Fuchs의 주최자. F. Erler는 배우의 인물이 구호 형태로 평면에 위치하는 "구호 장면"(즉, 깊이가 거의없는 장면) 프로젝트를 제안했습니다. M. Reinhardt 감독(독일)은 그가 감독한 극장에서 다양한 디자인 기법을 사용했습니다. 순전히 외부 무대 효과에 점점 더 중점을 두는 장대 한 대중 엔터테인먼트 서커스 경기장에 "천으로"장식. 예술가 E. Stern, E. Orlik, E. Munch, E. Schütte, O. Messel, 조각가 M. Kruse 등이 Reinhardt와 함께 작업했습니다.
10대 후반과 20대. 20 세기 독일에서 처음으로 발전했지만 다른 나라의 예술을 널리 포착한 표현주의가 가장 중요합니다. 표현주의 경향은 장식 예술의 모순을 심화시키고 사실주의에서 벗어나 도식화했습니다. 평면의 "시프트"와 "베벨", 물체가 없거나 단편적인 풍경, 빛과 그림자의 선명한 대비를 사용하여 아티스트는 무대에서 주관적인 비전의 세계를 만들려고 했습니다. 동시에 일부 표현주의 공연은 뚜렷한 반제국주의적 지향을 가지고 있었고 그 풍경은 극심한 사회적 그로테스크의 특징을 얻었습니다. 이 시기의 장식 미술은 기술 실험에 대한 예술가의 열정, 무대 상자를 파괴하고 무대를 드러내고자 하는 욕구, 연출 기법의 기법이 특징입니다. 구성주의, 입체주의, 미래주의와 같은 형식주의적 흐름은 장식 예술을 자급자족하는 기술주의의 길로 이끌었습니다. "순수한"기하학적 모양, 평면 및 볼륨, 메커니즘 부분의 추상적 조합을 무대에서 재현하는 이러한 트렌드의 아티스트는 현대 산업 도시의 "역 동성", "템포 및 리듬"을 전달하고자 노력했습니다. 실제 기계 작업의 환상 (G. Severini, F. Depero, E. Prampolini - 이탈리아, F. Leger - 프랑스 등).
서유럽과 미국의 장식 예술에서 ser. 20 세기 특정 예술적 경향과 학교는 없습니다. 예술가는 다양한 스타일과 기술에 적용할 수 있는 광범위한 방식을 개발하기 위해 노력합니다. 그러나 많은 경우에 공연을 디자인하는 예술가들은 극의 이데올로기적 내용, 성격, 특정 역사적 특징을 전달하지 않고 캔버스에 독립적인 장식 예술 작품을 만들기 위해 노력합니다. 작가의 자유로운 환상의 결실”. 따라서 자의성, 추상적 디자인, 많은 공연에서 현실과의 단절. 이는 고전, 진보적 현대극, 민속전통에 의존하여 사실적인 장식예술을 보존하고 발전시키려는 진보적 연출가들의 실천과 예술가들의 작업에 반대된다.
10년대 이후 20 세기 이젤 예술의 거장들이 극장 작업에 점점 더 많이 참여하고 있으며 창의적인 예술 활동의 한 유형으로서 장식 예술에 대한 관심이 강해지고 있습니다. 30대부터. 무대 기술을 잘 아는 자격을 갖춘 전문 연극 예술가의 수가 증가하고 있습니다. 무대 기술은 다양한 수단으로 풍부해지고 새로운 합성 재료, 발광 페인트, 사진 및 필름 프로젝션 등이 사용됩니다.50년대의 다양한 기술 개선에서. 20 세기 가장 중요한 것은 극장에서 사이클로라마를 사용하는 것(여러 필름 영사기의 이미지를 넓은 반원형 스크린에 동시에 투사), 복잡한 조명 효과의 개발 등입니다.
30대에 소련 극장의 창작 관행에서 사회주의 리얼리즘의 원칙이 확인되고 발전됩니다. 장식 예술의 가장 중요하고 정의적인 원칙은 삶의 진실, 역사적 구체성 및 현실의 전형적인 특징을 반영하는 능력에 대한 요구입니다. 1920년대의 많은 공연을 지배했던 풍경의 체적 공간적 원리는 회화의 광범위한 사용으로 더욱 풍부해졌습니다.

2. 연극 예술의 표현력의 주요 수단 :
2.1 장식
풍경 (lat. decoro에서-나는 장식합니다)-배우가 작동하는 물질적 환경을 재현하는 무대 디자인. 풍경은 "장면의 예술적 이미지를 나타내는 동시에 무대에서 액션을 수행할 수 있는 풍부한 기회를 나타내는 플랫폼을 나타냅니다." 풍경은 회화, 그래픽, 건축, 장면 기획 기술, 풍경의 특수한 질감, 조명, 무대 기술, 프로젝션, 영화 등 현대 연극에서 사용되는 다양한 표현 수단을 사용하여 만들어집니다. 주요 풍경 시스템:
1) 로커 모바일,
2) 로커 아치형 리프팅,
3) 파빌리온,
4) 체적
5) 프로젝션.
각 세트 시스템의 출현과 발전 및 다른 시스템으로의 대체는 시대의 역사와 과학 기술의 성장에 해당하는 극작술, 연극 미학의 특정 요구 사항에 의해 결정되었습니다.
스윙 모바일 장식. 무대 뒤에서 - 특정 거리에서 무대 측면에 위치한 장면의 일부 (포털에서 무대 깊이까지) 시청자로부터 무대 뒤 공간을 닫도록 설계되었습니다. 날개는 프레임에 부드럽고 경첩이 있거나 단단했습니다. 때때로 그들은 건축 프로필, 나무 줄기의 윤곽 및 잎사귀를 묘사하는 윤곽선을 가졌습니다. 단단한 날개의 변경은 경사로와 평행 한 각 무대 계획 (18 세기와 19 세기)에 바퀴가 달린 프레임 인 특수 날개의 도움으로 수행되었습니다. 이 프레임은 하프 퍼스트 홀드를 따라 놓인 레일을 따라 무대 판자에 특별히 새겨진 통로에서 움직였습니다. 첫 번째 궁전 극장에서 풍경은 날개의 변화와 동시에 상승 및 하강하는 배경, 날개, 천장 고리로 구성되었습니다. 구름, 잎사귀가있는 나무 가지, 천정의 일부 등이 padugs에 기록되었습니다. 오늘날까지 Drottningholmei의 법원 극장의 무대 뒤 무대 시스템은 모스크바 왕자 근처의 이전 부동산 극장에 있습니다. 주의 "아르한겔스크"의 유수포프
stile-arched 리프팅 장식은 17 세기 이탈리아에서 시작되었습니다. 격자가 높은 공공 극장에서 널리 배포되었습니다. 이 유형의 장식은 나무 줄기가있는 아치, 단풍이있는 가지, 건축 세부 사항 (선형 및 공중 원근법 준수)이 칠해진 (가장자리와 상단) 형태로 꿰매어진 캔버스입니다. 최대 75개의 이러한 무대 아치를 무대에 걸 수 있으며 배경은 페인트 배경 또는 수평선입니다. 다양한 백스테이지 아치형 장식은 투각 장식입니다("숲" 또는 "건축용" 백스테이지 아치를 특수 그물에 접착하거나 얇은 명주 그물에 붙임).현재 백스테이지 아치형 장식은 주로 오페라와 발레 제작에 사용됩니다.
파빌리온 장식은 1794년에 처음 사용되었습니다. 배우 겸 감독 F.L. 슈뢰더 파빌리온 장식은 밀폐된 공간을 표현한 것으로 캔버스로 덮인 프레임 월과 벽지, 판자, 타일의 패턴과 일치하도록 칠해진 것으로 구성됩니다. 벽은 "귀머거리"이거나 창문과 문을 위한 스팬이 있을 수 있습니다. 그들 사이에서 벽은 던지기 로프-랩의 도움으로 연결되며 슬로프가있는 무대 바닥에 부착됩니다. 현대 극장의 파빌리온 벽의 너비는 2.2m를 넘지 않습니다 (그렇지 않으면 풍경을 운반 할 때 벽이 화물차 문을 통과하지 않습니다). 파빌리온 풍경의 창과 문 뒤에는 일반적으로 등받이 (프레임에 매달린 장식 부분)가 있으며 해당 풍경이나 건축 모티브가 그려져 있습니다. 파빌리온 장식은 천장으로 덮여 있으며 대부분의 경우 화격자에 매달려 있습니다.
연극 시대에 3차원적 풍경은 1870년 마이닝겐 극장의 공연에 처음 등장했습니다. 이 극장에서는 평평한 벽과 함께 직선 및 경사 기계 - 경사로, 계단 및 기타 구조물과 같은 3차원 세부 사항이 사용되기 시작했습니다. 테라스, 언덕 및 요새 벽을 묘사하기 위해. 공작 기계의 디자인은 일반적으로 그림 같은 캔버스 또는 가짜 부조(돌, 나무 뿌리, 풀)로 가려져 있습니다. 3차원적 풍경의 일부를 변경하기 위해 롤러(푸르카) 위의 롤링 플랫폼, 턴테이블 및 기타 유형의 무대 장비가 사용됩니다. 체적 풍경을 통해 감독은 "깨진"무대 평면에 미장센을 구축하고 다양한 건설적인 솔루션을 찾을 수 있었으며 덕분에 연극 예술의 표현 가능성이 비정상적으로 확장되었습니다.
프로젝션 장식은 1908년 뉴욕에서 처음 사용되었습니다. 투명 필름에 그려진 컬러 및 흑백 이미지를 (스크린에) 투사하는 방식으로 영사기는 극장 영사기를 사용하여 진행됩니다. 배경, 수평선, 벽, 바닥은 화면 역할을 할 수 있습니다. 전면 투사(프로젝터가 스크린 앞에 있음)와 투과 투사(프로젝터가 스크린 뒤에 있음)가 있습니다. 프로젝션은 정적(건축, 풍경 및 기타 모티프) 및 동적(구름, 비, 눈의 움직임)일 수 있습니다. 새로운 스크린 재료와 프로젝션 장비를 갖춘 현대 극장에서는 프로젝션 풍경이 널리 사용되었습니다. 제조 및 작동의 용이성, 장면 전환의 용이성 및 속도, 내구성 및 높은 예술적 품질 달성 능력으로 인해 프로젝션 장식은 현대 극장의 유망한 유형의 풍경 중 하나입니다.

2.2 연극 의상
연극 의상 (이탈리아 의상, 실제로 맞춤) - 배우가 자신이 만든 무대 이미지를 특징 짓기 위해 사용하는 옷, 신발, 모자, 보석 및 기타 항목. 의상에 필요한 추가 사항은 메이크업과 헤어입니다. 의상은 배우가 캐릭터의 외모를 찾고, 무대 주인공의 내면 세계를 드러내고, 행동이 일어나는 환경의 역사적, 사회 경제적, 국가적 특성을 결정하고, (나머지 디자인과 함께) 구성 요소) 성능의 시각적 이미지. 의상의 색은 공연의 전체적인 배색과 밀접한 관련이 있어야 한다. 의상은 연극 예술가의 창의성의 전체 영역을 구성하며 의상에 거대한 이미지 세계를 구현합니다. 예리하게 사회적, 풍자적, 기괴하고 비극적입니다.
스케치부터 무대 구현까지 의상을 만드는 과정은 여러 단계로 구성됩니다.
1) 소송을 구성할 재료의 선택
2) 색소용 시료
3) 대사 찾기: 다른 재료로 카트리지를 만들고 재료를 마네킹(또는 배우)에 문신으로 새기기;
4) 조명이 다른 무대에서 의상을 확인합니다.
5) 배우의 의상 "정산".
의상의 역사는 원시 사회. 고대인이 그의 삶의 다양한 사건에 반응하는 게임과 의식에서 헤어 스타일, 메이크업, 채색, 의식 의상이 매우 중요했습니다. 원시인들은 그들에게 많은 발명품과 독특한 취향을 투자했습니다. 때때로 이러한 의상은 환상적이었고 다른 때에는 동물, 새 또는 짐승과 비슷했습니다. 고대부터 동양의 고전 극장에는 의상이 있었습니다. 중국, 인도, 일본 및 기타 국가에서 의상은 관습적이고 상징적입니다. 예를 들어 중국 극장 노란색 꽃복은 황실에 속하는 것을 의미하며 관리와 봉건 영주의 역할을 수행하는 사람은 검은색과 녹색 옷을 입습니다. 중국 고전 오페라에서 전사의 등 뒤에 있는 깃발은 연대의 수를 나타내고 얼굴에 검은 스카프는 무대 인물의 죽음을 상징합니다. 밝기, 색상의 풍부함, 재료의 장엄함은 동양 극장의 의상을 공연의 주요 장식 중 하나로 만듭니다. 원칙적으로 특정 공연, 특정 배우를 위해 의상이 만들어집니다. 레퍼토리에 관계없이 모든 극단에서 사용하는 전통에 의해 고정된 의상 세트도 있습니다. 유럽 ​​극장의 의상은 고대 그리스에서 처음 등장했습니다. 그는 기본적으로 고대 그리스인의 일상 의상을 반복했지만 다양한 조건부 세부 사항이 도입되어 시청자가 이해할 수있을뿐만 아니라 무대에서 일어나는 일을 더 잘 볼 수 있습니다 (극장 건물은 거대했습니다). 각 의상에는 특별한 색상이 있었고 (예를 들어 왕의 의상은 보라색 또는 사프란-노란색) 배우들은 멀리서도 명확하게 보이는 마스크와 높은 스탠드의 신발-coturnes를 착용했습니다. 봉건주의 시대에 극장의 예술은 순회 배우-역사의 유쾌하고 시사적이며 재치있는 공연으로 계속 발전했습니다. 이 기간 동안 발생한 종교 연극 공연 중에서 미스터리가 가장 큰 성공을 거두었으며 그 작품은 특히 웅장했습니다. 미스터리 쇼에 앞서 이그림 (동화와 신화의 환상적인 캐릭터, 온갖 동물)의 다양한 의상을 입은 머머들의 행렬은 밝은 색채로 구별된다. 미스터리 극에서 의상의 주요 요구 사항은 부와 우아함입니다 (역할에 관계없이). 의상은 관습적이었습니다. 성도들은 흰색, 그리스도는 금박 머리, 악마는 그림 같은 환상적인 의상을 입었습니다. 교훈적이고 우화적인 드라마 도덕의 연기자들의 의상은 훨씬 더 겸손했습니다. 중세 연극의 가장 활기차고 진보적 인 장르 인 봉건 사회에 대한 날카로운 비판을 담은 희극에는 현대 캐리커처 특유의 의상과 메이크업이 등장했습니다. 르네상스 시대에 commedia dell'arte의 배우들은 의상을 통해 그들의 영웅에 대해 재치 있고 때로는 잘 조준되고 사악한 특성을 부여했습니다. 학자 학자의 전형적인 특징, 장난스러운 하인이 의상에 일반화되었습니다. 2층. 16 세기 스페인과 영국 극장에서 배우는 유행하는 귀족 의상에 가까운 의상을 입고 연기하거나 (역할이 요구하는 경우) 광대한 의상을 입고 연기했습니다. 민속 의상. 프랑스 극장에서 의상은 중세 소극의 전통을 따랐습니다.
의상 분야의 현실적인 경향은 현대 생활에 전념하는 연극을 무대에 올릴 때 다양한 계층의 사람들의 현대 의상을 사용한 Moliere에서 나타났습니다. 영국의 계몽주의 시대에 배우 D. Garrick은 허세와 무의미한 양식화의 의상을 공개하려고했습니다. 맡은 역할에 맞는 의상을 선보이며 주인공의 성격을 드러내는데 일조했다. 18 세기 이탈리아에서 코미디언 C. Goldoni는 그의 연극에서 전형적인 commedia dell'arte 마스크를 점차 실제 인물의 이미지로 대체하면서 동시에 해당 의상과 메이크업을 유지했습니다. 프랑스에서 Voltaire는 여배우 Clairon의 지원을 받아 무대 의상의 역사적, 민족적 정확성을 위해 노력했습니다. 그녀는 fizhma, 가루 가발, 귀중한 보석에 대한 비극적 인여 주인공 의상 관습에 맞서 싸웠습니다. 비극 속 의상 개혁의 명분은 프랑스 배우에 의해 더욱 발전되었다. 전통적인 터널을 버리고 양식화된 '로마' 의상을 수정한 레켄은 무대에서 동양적 의상을 승인했다. Leken의 의상은 이미지의 심리적 특성화 수단이었습니다. 2층 의상의 발전에 지대한 영향을 미쳤다. 19 세기 렌더링된 활동입니다. 높은 무대 문화, 의상의 역사적 정확성으로 공연이 구별되는 Meiningen Theatre. 그러나 의상의 진정성은 마이닝겐 사람들 사이에서 자급자족하는 의미를 갖게 되었습니다. E. Zola는 무대에서 사회적 환경의 정확한 재현을 요구했습니다. 이것은 초창기의 가장 큰 연극 인물들이 열망했던 것입니다. 20세기 - A. Antoine(프랑스), O. 공연 디자인에 적극적으로 참여한 Brahm (독일)은 극장에서 일할 가장 큰 예술가를 끌어 들였습니다. 90년대에 생겨난 상징주의 연극. 프랑스에서는 연극의 일상과 자연주의에 대한 항의라는 슬로건 아래 사실주의 예술에 대한 투쟁을 벌였습니다. 모더니스트 예술가들은 단순화되고 양식화된 풍경과 의상을 만들어 극장을 현실적인 삶의 묘사에서 멀어지게 했습니다. 최초의 러시아 의상은 buffoons에 의해 만들어졌습니다. 그들의 의상은 도시 하층민과 농민의 옷 (카프 탄, 셔츠, 일반 바지, 인피부 신발)을 반복했으며 다색 띠, 패치, 밝은 수 놓은 모자로 장식되었습니다. 16 세기 교회 극장에서 청소년 역할 수행자들은 흰색 옷 (머리에 십자가가있는 왕관)을 입고 칼데 아인을 묘사하는 배우-짧은 카프 탄과 모자를 썼습니다. 전통적인 의상은 학교 연극 공연에서도 사용되었습니다. 우화적인 인물들은 그들만의 상징을 가지고 있었습니다. 믿음은 십자가와 함께, 희망은 닻과 함께, 화성은 칼과 함께 나타났습니다. 왕의 의상은 왕의 존엄성에 필요한 속성으로 보완되었습니다. 동일한 원칙이 첫 번째 성능을 구별했습니다. 전문 극장 17 세기 러시아에서 Tsar Alexei Mikhailovich의 법원에서 설립 된 Natalia Alekseevna 공주와 Praskovya Feodorovna 여왕의 법원 극장 공연. XVIII 세기 러시아의 고전주의 발전. 의상에서이 방향의 모든 관습을 보존했습니다. 세련된 현대 의상과 골동품 의상 요소 (서구의 "로마"복장과 유사)가 혼합 된 의상을 입고 연기하는 배우, 귀족 귀족이나 왕 역할을 맡은 연기자는 고급스러운 조건부 의상을 입었습니다. 처음에는. 19 세기 현대 생활의 공연에서는 세련된 현대 의상이 사용되었습니다.
역사극의 의상은 여전히 ​​역사적 정확성과는 거리가 멀었다.
19세기 중반. Alexandrinsky Theatre와 Maly Theatre의 공연에는 의상의 역사적 정확성에 대한 열망이 있습니다. 모스크바 예술 극장은 세기 말에 이 분야에서 큰 성공을 거두었습니다. 위대한 연극 개혁가 Stanislavsky와 Nemirovich-Danchenko는 모스크바 예술 극장에서 일한 예술가들과 함께 연극에 묘사 된 시대와 환경, 무대 영웅의 성격에 대한 의상의 정확한 일치를 달성했습니다. 예술 극장에서 의상은 무대 이미지를 만드는 데 매우 중요했습니다. 많은 러시아 극장에서 일찍. 20 세기 의상은 작가, 감독, 배우의 의도를 표현하는 진정한 예술 작품으로 변모했습니다.
2.3 노이즈 설계
소음 설계 - 주변 생활의 소리를 무대로 재현합니다. 무대장치, 소품, 조명, 소음 디자인과 함께 배우와 관객이 극의 액션에 상응하는 환경을 느낄 수 있도록 도와주는 배경을 형성하고, 적절한 분위기를 조성하며, 공연의 리듬과 속도에 영향을 미칩니다. 폭죽, 총성, 철판이 울리는 소리, 무대 뒤의 무기 소리와 울림은 일찍이 16-18세기에 공연을 동반했습니다. 러시아 극장 건물 장비에 음향 장비가 있다는 것은 러시아에서 소음 설계가 이미 중간에 사용되었음을 나타냅니다. 18 세기
현대 소음 설계는 소리의 특성이 다릅니다: 자연의 소리(바람, 비, 천둥, 새); 생산 소음(공장, 건설 현장); 교통 소음(수레, 기차, 비행기); 전투 소음(기병, 사격, 군대 이동) 일상적인 소음(시계 소리, 유리 부딪히는 소리, 삐걱거리는 소리) 노이즈 디자인은 공연의 스타일과 결정에 따라 자연주의적, 사실적, 낭만적, 환상적, 추상적 조건적, 그로테스크적일 수 있습니다. 노이즈 디자인은 극장의 사운드 디자이너나 프로덕션 부서에서 처리합니다. 연기자는 일반적으로 배우도 포함하는 특수 소음 여단의 구성원입니다. 간단한 음향 효과는 무대 담당자, 소품 등으로 수행할 수 있습니다. 현대 극장에서 소음 설계에 사용되는 장비는 다양한 크기, 복잡성 및 목적을 가진 100개 이상의 장치로 구성됩니다. 이러한 장치를 사용하면 넓은 공간감을 얻을 수 있습니다. 건전한 관점의 도움으로 접근하고 출발하는 기차 또는 항공기의 소음에 대한 환상이 만들어집니다. 현대 라디오 기술, 특히 입체 음향 장비는 소음 설계의 예술적 범위와 품질을 확장할 수 있는 큰 기회를 제공하는 동시에 이 성능 부분을 조직적이고 기술적으로 단순화합니다.
2.4 무대 조명
무대 위의 조명은 중요한 예술적 수단이자 연출 수단 중 하나입니다. 빛은 행동, 관점의 장소와 분위기를 재현하고 필요한 분위기를 만드는 데 도움이 됩니다. 때때로 현대 공연에서 조명은 거의 유일한 장식 수단입니다.
다양한 형태의 경관디자인은 적절한 조명기법을 필요로 하며, 평면경관은 일반적인 조명기구(soffits, ramp, portable device)에 의해 생성되는 일반적인 균일조명을 필요로 한다.
혼합형 데코레이션을 사용할 경우 그에 따른 혼합 조명 시스템을 적용한다.
연극 조명 장치는 넓은, 중간 및 좁은 광산란 각도로 만들어지며 후자는 스포트라이트라고하며 무대와 배우의 특정 부분을 비추는 역할을합니다. 위치에 따라 극장 무대의 조명 장비는 다음과 같은 주요 유형으로 나뉩니다.
1) 계획에 따라 여러 줄로 무대의 연주 부분 위에 매달린 조명 기구(밑면, 스포트라이트)를 포함하는 오버헤드 조명 장비.
2) 연극의 지평선을 비추는 데 사용되는 수평 조명 장비.
3) 측면 조명 장비, 일반적으로 포털 백스테이지, 측면 조명 갤러리에 설치된 프로젝터형 장치를 포함합니다.
4) 강당의 여러 부분에 무대 외부에 설치된 스포트라이트로 구성된 원격 조명 장비. 램프는 원격 조명에도 적용됩니다.
5) 공연의 각 동작을 위해 무대에 설치된 다양한 유형의 장치로 구성된 휴대용 조명 장비(요구 사항에 따라 다름).
6) 다양한 특수 조명 및 프로젝션 장치. 극장은 또한 공연을 디자인하는 아티스트의 스케치에 따라 만들어진 다양한 특수 목적 조명 장치(장식용 샹들리에, 촛대, 램프, 양초, 랜턴, 모닥불, 횃불)를 자주 사용합니다.
예술적 목적 (무대에서 실제 자연 재현)을 위해 다양한 색상의 조명 필터로 구성된 장면 조명의 컬러 시스템이 사용되며 조명 필터는 유리 또는 필름이 될 수 있습니다. 성능 과정에서 색상 변경은 다음과 같이 수행됩니다. b) 동시에 작동하는 여러 장치의 색상을 추가합니다. c) 조명 기구의 조명 필터 교체. 조명 프로젝션은 공연 디자인에서 매우 중요합니다. 다양한 동적 프로젝션 효과(구름, 파도, 비, 떨어지는 눈, 불, 폭발, 섬광, 날아다니는 새, 비행기, 범선) 또는 장식의 그림 같은 세부 사항을 대체하는 정적 이미지(빛 프로젝션 풍경)를 생성합니다. 라이트 프로젝션의 사용은 드물게 공연에서 빛의 역할을 확장하고 예술적 가능성을 풍부하게 합니다. 때로는 필름 프로젝션도 사용됩니다. 조명은 유연한 중앙 집중식 제어 시스템이 있는 경우에만 공연의 본격적인 예술적 구성 요소가 될 수 있습니다. 이를 위해 무대의 모든 조명 장비의 전원 공급 장치는 개별 조명 장치 또는 장치와 설치된 필터의 개별 색상과 관련된 라인으로 나뉩니다. 현대 무대에는 최대 200-300개의 라인이 있습니다. 조명을 제어하려면 각 개별 라인과 이들의 조합에서 광속을 켜고 끄고 변경해야 합니다. 이를 위해 무대장치의 필수요소인 조명제어장치가 있다. 램프의 광속 조절은 조명 회로의 전류 강도 또는 전압을 변경하는 자동 변압기, thyratrons, 자기 증폭기 또는 반도체 장치의 도움으로 발생합니다. 수많은 무대 조명 회로를 제어하기 위해 일반적으로 극장 조정기라고 하는 복잡한 기계 장치가 있습니다. 자동 변압기 또는 자기 증폭기와 함께 가장 널리 사용되는 전기 조정기. 현재 전기 다중 프로그램 조정기가 널리 보급되고 있습니다. 그들의 도움으로 장면의 조명 제어에 탁월한 유연성이 달성됩니다. 이러한 시스템의 기본 원리는 제어 장치가 여러 사진 또는 공연 순간에 대한 예비 조명 조합 세트를 허용하고 이후에 무대에서 임의의 순서와 템포로 재생한다는 것입니다. 이것은 빛의 역동성이 크고 변화를 빠르게 따라가는 복잡하고 현대적인 멀티 픽처 공연을 조명할 때 특히 중요합니다.
2.5 무대 효과
무대 효과 (lat. effectus-성능)-특수 장치 및 장치의 도움으로 생성 된 비행, 수영, 홍수, 화재, 폭발의 환상. 무대 효과는 고대 극장에서 이미 사용되었습니다. 로마 제국 시대에는 마임 공연에 개별 무대 효과가 도입되었습니다. 14~16세기의 종교적 사상은 영향으로 가득 차 있었다. 예를 들어 미스터리를 연출할 때 특별한 "기적의 대가"가 수많은 연극 효과의 편곡에 참여했습니다. 16-17세기 궁정 및 공공 극장에서. 연극적 매커니즘을 바탕으로 다양한 무대효과로 일종의 장엄한 공연을 확립했다. 모든 종류의 신격화, 비행 및 변형을 만든 기계공 및 장식가의 기술이 이러한 공연에서 전면에 나타났습니다. 그러한 장엄한 광경의 전통은 다음 세기의 연극 관행에서 반복적으로 부활했습니다.
현대극장에서 무대효과는 소리, 빛(빛의 투사), 기계적 효과로 구분된다. 사운드(소음) 효과의 도움으로 자연의 소리(바람, 비, 뇌우, 새소리), 생산 소음(공장, 건설 현장 등), 교통 소음 등 주변 생활의 소리가 무대에 재현됩니다. (기차, 비행기), 전투 소음(기병 이동, 총소리), 집안 소음(시계 소리, 유리 부딪히는 소리, 삐걱거리는 소리).
조명 효과에는 다음이 포함됩니다.
1) 자연광의 모든 종류의 모조품(낮, 아침, 밤, 다양한 자연 현상 동안 관찰되는 조명 - 일출 및 일몰, 맑고 흐린 하늘, 뇌우 등)
2) 쏟아지는 비, 움직이는 구름, 타오르는 불, 낙엽, 흐르는 물 등의 환상을 만듭니다.
첫 번째 그룹의 효과를 얻으려면 일반적으로 필요한 모든 전환과 함께 거의 모든 톤을 제공하는 흰색, 빨간색, 파란색의 3색 조명 시스템을 사용합니다. 더욱 풍부하고 유연해진 색상 팔레트(가능한 모든 음영의 뉘앙스 포함) 주요 스펙트럼 구성에 해당하는 네 가지 색상(노란색, 빨간색, 파란색, 녹색)의 조합을 제공합니다. 백색광. 두 번째 그룹의 조명 효과를 얻는 방법은 주로 조명 프로젝션 사용으로 축소됩니다. 시청자가 받는 인상의 특성에 따라 조명 효과는 고정(고정) 및 동적으로 나뉩니다.
고정 조명 효과의 유형
Zarnitsa - 수동 또는 자동으로 생성되는 순간적인 볼타 아크 플래시에 의해 제공됩니다. 안에 지난 몇 년고강도 전자 포토플래시가 널리 퍼졌습니다.
별 - 손전등의 많은 수의 전구를 사용하여 시뮬레이션, 페인트 다른 색상그리고 다른 빛 강도로. 전구와 전원 공급 장치는 울타리 기둥에 매달린 검은색 페인트 메쉬에 장착됩니다.
달 - 수평선에 적절한 빛 이미지를 투사하고 달을 모방한 위로 올려진 모델을 사용하여 생성됩니다.
번개 - 좁은 지그재그 간격이 뒷면이나 파노라마를 통과합니다. 반투명한 재질로 덮여 일반적인 배경으로 위장한 이 틈은 강력한 램프나 손전등으로 적시에 뒤에서 비춰지며 갑작스러운 빛의 지그재그가 원하는 환영을 줍니다. 번개의 효과는 반사경과 조명 장치가 장착된 특수 제작된 번개 모델을 사용하여 얻을 수도 있습니다.
레인보우 - 아크 스포트라이트의 좁은 빔의 투영에 의해 생성되며 먼저 광학 프리즘(백색광을 복합 스펙트럼 색상으로 분해)을 통과한 다음 아크 모양의 슬릿이 있는 투명 "마스크"를 통과합니다(후자가 결정함). 프로젝션 이미지 자체의 특성).
안개는 랜턴의 출구에 놓고 넓은 팬 모양의 평면 배광을 제공하는 좁고 슬릿 모양의 노즐이 있는 다수의 강력한 램프 렌즈 랜턴을 사용하여 달성됩니다. 소위 드라이 아이스가 들어있는 장치를 통해 뜨거운 증기를 통과시키면 스멀거리는 안개 이미지에서 가장 큰 효과를 얻을 수 있습니다.
동적 조명 효과의 유형
불 같은 폭발, 화산 폭발 - 간단한 피펫으로 빨간색 또는 검은 색 바니시 방울을 위에 놓는 작고 좁은 수족관 유형 선박의 두 개의 평행 유리 벽 사이에 둘러싸인 얇은 물층의 도움으로 얻습니다. 무거운 물방울이 물 속으로 떨어지다가 천천히 바닥으로 가라앉으면서 사방으로 넓게 퍼지고 점점 더 많은 공간을 차지하며 화면에 거꾸로(즉, 아래에서 위로) 투영되어 원하는 현상의 본질을 재현합니다. . 이러한 효과의 환상은 잘 만들어진 장식 배경(분화구 이미지, 불타는 건물의 골격, 대포 실루엣 등)으로 강화됩니다.
웨이브는 특수 장치(크로모트로프) 또는 이중 평행 투명도를 사용하여 프로젝션을 사용하여 동시에 위 또는 아래로 서로 반대 방향으로 이동합니다. 기계적 수단에 의한 가장 성공적인 웨이브 배열의 예: 필요한 수의 크랭크 샤프트 쌍은 스테이지의 오른쪽과 왼쪽에 있습니다. 무대 한쪽에서 다른 쪽까지 샤프트의 커넥팅로드 사이에 케이블이 아플리케로 늘어납니다. 바다를 묘사한 그림 같은 패널입니다.
강설량은 표면에 작은 거울 조각이 늘어선 소위 "미러볼"에 의해 이루어집니다. 이 다면적인 구형 표면에서 알려진 각도로 강한 집중 광선(서치라이트 또는 대중에게 숨겨진 렌즈 램프에서 나오는 광선)을 지시하고 수평축을 중심으로 회전하게 하면 무한한 수의 작은 반사된 "토끼"가 얻어집니다. , 떨어지는 눈 조각의 인상을 만듭니다. 공연 중 "눈"이 배우의 어깨에 떨어지거나 땅을 덮는 경우 잘게 자른 백지로 만들어집니다. 특수 가방 (전환 다리에 배치됨)에서 떨어지는 "눈"은 스포트라이트 광선에서 천천히 원을 그리며 원하는 효과를 만듭니다.
기차의 움직임은 광학 램프의 렌즈 앞에서 수평 방향으로 움직이는 해당 이미지와 함께 긴 슬라이드 프레임의 도움으로 수행됩니다. 빛 투사를 보다 유연하게 제어하고 렌즈 뒤에 있는 풍경의 원하는 부분으로 향하게 하기 위해 종종 경첩 장치에 작은 이동식 거울이 장착되어 랜턴이 제공하는 이미지를 반영합니다.
기계적 효과에는 다양한 종류의 비행, 딥, 밀, 회전 목마, 선박, 보트가 포함됩니다. 극장에서의 비행은 보통 아티스트의 역동적인 움직임(이른바 표준 비행) 또는 무대판 위의 소품이라고 합니다.
가짜 비행(수평 및 대각선 모두)은 캐리지 링에 연결된 코드와 케이블을 사용하여 케이블 도로를 따라 비행 캐리지를 이동하여 수행됩니다.수평 케이블은 무대 거울 위의 반대편 작업 갤러리 사이에 늘어납니다. 대각선은 작업 갤러리의 반대 수준과 다른 수준 사이에서 강화됩니다. 위에서 아래로 대각선 비행을 할 때 물체의 중력에 의해 생성된 에너지가 사용됩니다. 상향식 대각선 비행은 균형추의 자유 낙하 에너지로 인해 가장 자주 수행되며, 균형추로는 가이드 케이블 용 모래와 고리가있는 가방이 사용됩니다. 가방의 무게는 소품과 마차의 무게보다 높아야 합니다. 균형추는 케이블에 연결되어 있으며 케이블의 반대쪽 끝은 항공 운송 수단에 연결되어 있습니다. 라이브 비행은 고무 충격 흡수 장치뿐만 아니라 케이블 또는 고정 도로에서 수행됩니다. 케이블 도로의 비행 장치는 무대 반대편 사이에 뻗은 수평 케이블 도로, 비행 객차, 도르래 블록 및 2개의 드라이브(하나는 도로를 따라 객차를 이동시키기 위한 것이고, 다른 하나는 아티스트를 올리고 내리기 위한 것임)로 구성됩니다. . 무대 한 쪽에서 다른 쪽으로 수평 비행을 할 때 비행 캐리지가 장면 뒤에 미리 설치됩니다. 그 후 플라잉 케이블로 블록을 내립니다. 카빈총의 도움으로 케이블은 아티스트 슈트 아래에 있는 특수 비행 벨트에 고정됩니다. 공연을 이끄는 감독의 사인에 작가는 정해진 높이까지 올라가 명령에 따라 반대편으로 "날아간다". 무대 뒤에서 그는 태블릿으로 내려와 케이블에서 풀려납니다. 케이블 도로의 비행 장치 덕분에 두 드라이브의 동시 작동과 정확한 속도 비율을 능숙하게 사용하여 포털 아치와 평행한 평면에서 다양한 비행을 수행할 수 있습니다. 아래에서 위로 또는 위에서 아래로, 무대 한쪽에서 다른 쪽으로, 날개에서 무대 중앙으로 또는 무대 뒤 장면 등
고무 댐퍼가 있는 비행 장치는 흔들리면서 동시에 하강 및 상승하는 진자의 원리를 기반으로 합니다. 고무 충격 흡수 장치는 저크를 방지하고 부드러운 비행 경로를 제공합니다. 이러한 장치는 두 개의 화격자 블록, 두 개의 편향 드럼(비행 케이블 양쪽의 화격자 아래에 설치됨), 균형추, 비행 케이블로 구성됩니다. 균형추 상부에 부착된 이 케이블의 한쪽 끝은 두 개의 화격자 블록 주위를 돌고 편향 드럼을 통해 예술가의 벨트에 고정된 태블릿 수준으로 떨어집니다. 직경 14mm의 충격 흡수 코드가 카운터 웨이트의 하단에 연결되고 두 번째 끝이 스테이지 보드의 금속 구조에 부착됩니다. 비행은 두 개의 로프(직경 25-40mm)를 사용하여 수행됩니다. 그 중 하나는 균형추 바닥에 묶여 있고 태블릿 위로 자유롭게 떨어집니다. 카운터 웨이트의 윗부분에 묶인 두 번째는 수직으로 올라가서 상단 비하인드 블록을 돌아 태블릿 위로 자유롭게 떨어집니다. 전체 무대를 가로지르는 비행(통과 비행)의 경우, 화격자 비행 장치는 짧은 비행의 경우 드라이브 장치에 더 가까운 무대 중앙에 설치됩니다. 시각적으로 고무 충격 흡수 장치를 사용하여 비행하는 것은 자유 급상승하는 것처럼 보입니다. 시청자의 눈앞에서 비행 방향이 180도 바뀌고 여러 비행 장치를 동시에 사용하는 경우 무대 한쪽에서 끝없이 이착륙 한 다음 다른 쪽에서 끝없이 이착륙하는 느낌이 듭니다. . 전체 장면을 통과하는 하나의 비행은 무대 중앙과 뒤로 비행, 위로 비행-아래로 비행, 왼쪽으로 비행-오른쪽으로 비행에 해당합니다.
2.6 그림
메이크업 (French grime, old Italian grimo-wrinkled)-메이크업 페인트 (소위 메이크업), 플라스틱 및 머리카락의 도움으로 배우의 외모, 그의 주요 얼굴을 변경하는 기술 스티커, 가발, 헤어스타일 등 연기하는 역할의 요구 사항에 따라 배우의 메이크업 작업은 이미지 작업과 밀접한 관련이 있습니다. 배우의 이미지를 만드는 수단 중 하나 인 메이크업은 극작술의 발전과 예술의 미학적 경향의 투쟁과 진화에 관련되어 있습니다. 메이크업은 예술적 특징연극과 이미지, 배우의 아이디어, 감독의 컨셉, 공연 디자인 스타일.
메이크업을 만드는 과정에서 의상은 메이크업의 성격과 배색에 영향을 미치며, 메이크업의 표현력은 장면의 조명에 크게 좌우됩니다. 낮은 조명에서는 더 선명한 메이크업이 필요합니다.
메이크업 적용 순서: 먼저 의상의 일부 디테일(모자, 스카프 등)로 얼굴 모양을 만든 다음 코와 기타 몰딩을 붙이고 가발을 착용하거나 헤어스타일을 직접 만듭니다. 머리카락, 턱수염, 콧수염을 붙이고 마지막에만 페인트로 화장합니다. 메이크업 기술은 얼굴의 구조, 해부학, 근육의 위치, 주름, 돌출 및 함몰에 대한 배우의 연구를 기반으로 합니다. 배우는 노년기에 얼굴에 어떤 변화가 일어나는지, 젊은 얼굴의 특징적인 특징과 전반적인 톤을 알아야 합니다. 나이 메이크업 외에도 극장, 특히 최근에는 동양 국가 (아시아, 아프리카) 사람들의 삶에 전념하는 공연에 사용되는 소위 "국가"메이크업, 등이 널리 퍼져 있으며 하나 또는 다른 국적의 대표자의 수평 및 수직 프로파일도 있습니다. 수평 프로파일은 광대뼈 돌출부의 날카로움에 의해 결정되고, 수직 프로파일은 턱 돌출부에 의해 결정됩니다. 국가 메이크업에서 매우 중요한 특징은 다음과 같습니다. 코의 모양, 입술의 두께, 눈의 색상, 머리의 모양, 색상 및 길이, 모양, 수염, 콧수염, 피부 색상. 동시에 이러한 메이크업에서는 나이, 사회적 지위, 직업, 시대 등 캐릭터의 개별 데이터를 고려해야 합니다.
각 역할의 메이크업을 결정하는 배우와 아티스트에게 가장 중요한 창의적 소스는 주변 생활에 대한 관찰, 사람들의 외모의 전형적인 특징에 대한 연구, 사람의 성격 및 유형과의 연결, 그의 내부 상태 및 곧. 메이크업 기술에는 메이크업 기술을 습득하는 능력, 메이크업 페인트, 헤어 제품 (가발, 수염, 콧수염), 볼륨있는 몰딩 및 스티커 사용 능력이 필요합니다. 메이크업 물감은 화보 기법으로 배우의 얼굴 변화를 가능하게 한다. 전체적인 톤, 그림자, 함몰과 돌출의 인상을 주는 하이라이트, 얼굴에 주름을 형성하는 획, 눈, 눈썹, 입술의 모양과 특성을 변경하여 배우의 얼굴에 완전히 다른 성격을 부여할 수 있습니다. 헤어스타일, 가발, 캐릭터의 외형 변화는 캐릭터의 역사적, 사회적 소속을 결정하고 캐릭터의 성격을 결정하는 데에도 중요합니다. 페인트만으로는 할 수없는 얼굴 모양의 강력한 변화를 위해 볼륨있는 몰딩과 스티커가 사용됩니다. 끈적 끈적한 컬러 패치를 사용하여 얼굴의 비활성 부분을 변경합니다. 뺨을 두껍게하기 위해 턱, 목, 면모로 만든 스티커, 니트, 거즈, 살색 크레이프를 사용합니다.
2.7 마스크
마스크 (후기 라틴어 mascus, masca - 마스크) - 일부 이미지 (얼굴, 동물 총구, 신화 생물의 머리 등)가있는 특수 오버레이로 가장 자주 얼굴에 착용됩니다. 마스크는 종이, 페이퍼 마셰 및 기타 재료로 만들어집니다. 가면의 사용은 고대부터 의식(노동 과정, 동물 숭배, 매장 등과 관련됨)에서 시작되었습니다. 나중에 마스크는 배우의 메이크업 요소로 극장에서 사용되었습니다. 연극 의상과 함께 마스크는 무대 이미지를 만드는 데 도움이 됩니다. 고대 극장에서는 가면을 가발에 연결하고 머리 위에 씌워 눈과 입에 구멍이 뚫린 일종의 투구를 만들었습니다. 배우의 목소리를 높이기 위해 마스크 헬멧은 내부에서 금속 공명기로 공급되었습니다. 마스크가 의상과 분리될 수 없는 의상 마스크와 손에 쥐거나 손가락에 끼우는 마스크가 있습니다.

문학
1. Barkov V.S., 성능의 가벼운 디자인, M., 1993. - 70p.
2. Petrov A.A., 연극 무대 배치, St. Petersburg, 1991. - 126 p.
3. Stanislavsky K.S., 예술에서의 나의 삶, Soch., v. 1, M., 1954, p. 113-125

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크리미아 자치공화국 교육부

범죄 국가 공학 및 교육 대학

학부 심리적 및 교육적

초등 교육 방법론

시험

분야별로

교수법을 사용한 안무, 무대 및 스크린 아트

연극 예술의 표현 수단

학생 Mikulskite S.I.

심페로폴

2007 - 2008 학년도 년도.

2. 연극 예술의 표현력의 주요 수단

장식

연극 의상

소음 설계

무대 조명

무대 효과

문학

1. 연극예술의 표현수단으로서의 장식예술의 개념

무대예술은 무대예술의 표현력을 나타내는 가장 중요한 수단의 하나로, 무대장치와 의상, 조명과 무대기법을 통해 공연의 시각적 이미지를 창조하는 예술이다. 이러한 모든 시각적 영향 수단은 연극 공연의 유기적 구성 요소이며 콘텐츠 공개에 기여하고 특정 감정적 사운드를 제공합니다. 장식예술의 발전은 연극과 드라마투르기의 발전과 밀접한 관련이 있다.

장식 예술 요소 (의상, 가면, 장식 커튼)는 가장 오래된 민속 의식과 게임에 존재했습니다. 이미 5 세기에 고대 그리스 극장에서. 기원전 즉, 배우들의 연극을 위한 건축적 배경이 되는 스켄의 건물 외에도 입체적인 풍경이 있었고, 이어서 그림 같은 풍경이 도입되었다. 그리스 장식 예술의 원칙은 커튼이 처음 사용된 고대 로마의 극장에서 채택되었습니다.

중세 시대에 교회 내부는 원래 장식적인 배경 역할을 했으며, 그곳에서 전례 드라마가 진행되었습니다. 이미 여기에서 중세 극장의 특징인 동시 풍경화의 기본 원칙이 적용되어 모든 행동 장면이 동시에 표시됩니다. 이 원칙은 중세 연극의 주요 장르 인 미스터리 연극에서 더욱 발전되었습니다. 풀과 꽃, 과일로 장식된 정자 형태의 '낙원'과 용이 입을 벌리고 있는 '지옥'의 풍경이 각종 미스터리 장면에서 가장 큰 주목을 받았다. 볼륨있는 장식과 함께 그림 같은 풍경 (별이 빛나는 하늘 이미지)도 사용되었습니다. 숙련 된 장인이 디자인에 참여했습니다-화가, 조각가, 도금공; 먼저 극장. 기계공은 시계 제작자였습니다. 골동품 미니어처, 판화 및 그림은 미스터리를 준비하는 다양한 유형과 기술에 대한 아이디어를 제공합니다. 영국에서는 카트에 실린 이동식 2층 부스인 pedzhents에서의 공연이 가장 널리 퍼졌습니다. 위층에서는 공연이 진행되었고 아래층은 배우들의 분장실 역할을 했다. 이러한 원형 또는 환형의 무대 플랫폼 배치는 고대부터 보존된 원형극장을 미스터리를 연출하는 데 사용할 수 있게 했습니다. 미스터리 장식의 세 번째 유형은 소위 파빌리온 시스템 (스위스 루체른과 독일 도나우에 싱겐의 16 세기 신비로운 공연)이었습니다. 광장에 흩어져있는 오픈 하우스로 미스터리 에피소드의 행동이 펼쳐졌습니다. 16세기 학교 극장에서. 처음으로 한 줄을 따라가 아니라 무대의 3면에 평행하게 행동 장소가 배열되었습니다.

아시아 연극 공연의 컬트 기반은 개별 상징적 세부 사항이 행동 장소를 지정했을 때 무대의 조건부 디자인의 수세기 동안 지배력을 결정했습니다. 풍경의 부족은 경우에 따라 장식적인 배경, 풍부하고 다양한 의상, 메이크업 마스크의 존재로 보완되었으며 색상은 상징적 의미를 가졌습니다. 14 세기 일본에서 형성된 봉건 귀족 뮤지컬 극장에서 정식 유형의 장식이 만들어졌습니다. 무대 뒷벽에는 추상적 인 황금색 배경에 소나무가 그려져 있습니다. 장수; 배우와 음악가가 무대에 입장하기 위해 왼쪽 부지 뒤쪽에 위치한 덮힌 다리의 난간 앞에 세 개의 작은 소나무 이미지가 배치되었습니다.

15시 - 구걸. 16세기 이탈리아에서는 새로운 유형의 극장 건물과 무대가 등장합니다. 가장 큰 예술가와 건축가는 Leonardo da Vinci, Raphael, A. Mantegna, F. Brunelleschi 등 로마에서 B. Peruzzi와 같은 연극 제작 디자인에 참여했습니다. 깊은 곳으로 들어가는 거리의 풍경을 묘사한 풍경은 프레임 위로 펼쳐진 캔버스에 그려졌으며 배경과 무대 양쪽에 있는 3개의 측면 평면으로 구성되었습니다. 풍경의 일부는 나무로 만들어졌습니다(집 지붕, 발코니, 난간 등). 태블릿의 가파른 상승 덕분에 필요한 원근 수축이 이루어졌습니다. 르네상스 무대의 동시적 풍경 대신 특정 장르의 공연을 위해 공통적이고 변하지 않는 하나의 장면을 재현했다. 이탈리아 최대의 연극 건축가이자 장식가인 S. Serlio는 사원, 궁전, 아치 - 비극을 위한 3가지 유형의 풍경을 개발했습니다. 개인 주택, 상점, 호텔이있는 도시 광장 - 코미디 용; 숲 풍경 - 목회자를 위해.

르네상스 예술가들은 무대와 강당을 전체적으로 고려했습니다. 이것은 1584년 A. Palladio의 디자인에 따라 지어진 Vicenza의 Olimpico 극장 창설에서 나타났습니다. 이 t-re에서 V. Scamozzi는 "이상적인 도시"를 묘사하고 비극을 연출하기 위한 웅장한 영구 장식을 만들었습니다.

이탈리아 르네상스의 위기 동안 극장의 귀족화는 연극 제작에서 외부 과시가 우세하도록 이끌었습니다. S. Serlio의 구호 장식은 바로크 양식의 그림 같은 장식으로 대체되었습니다. 16세기 말과 17세기 말 궁정 오페라와 발레 공연의 매혹적인 성격. 연극 메커니즘의 광범위한 사용으로 이어졌습니다. 화가 부온탈렌티(Buontalenti)가 그린 캔버스로 덮인 삼면체 회전 프리즘인 텔라리(telarii)의 발명으로 대중 앞에서 풍경 변화를 수행할 수 있게 되었습니다. 이러한 이동 가능한 원근법 풍경의 배치에 대한 설명은 이탈리아에서 일하면서 독일에 이탈리아 극장 기술을 심은 독일 건축가 I. Furtenbach의 작품과 "On the Art of of Art"라는 논문에서 찾을 수 있습니다. 건축가 N. Sabbatini의 건물 단계 및 기계"(1638). 원근법 기법의 발전으로 데코레이터는 서판이 급격하게 올라가지 않고도 깊이 있는 느낌을 낼 수 있게 되었습니다. 배우들은 무대 공간을 최대한 활용할 수 있습니다. 처음에는. 17 세기 G. Aleotti가 고안한 백스테이지 풍경이 등장했습니다. 비행을 위한 기술 장치, 해치 시스템, 측면 포털 실드 및 포털 아치가 도입되었습니다. 이 모든 것이 박스 씬의 생성으로 이어졌습니다.

무대 뒤 풍경의 이탈리아 시스템은 유럽 전역에 퍼졌습니다. 모든 R. 17 세기 비엔나 법원 극장에서는 이탈리아 극장 건축가 L. Burnacini가 바로크 양식의 무대 뒤 풍경을 소개했으며, 프랑스에서는 유명한 이탈리아 극장 건축가, 장식가 및 기계공 G. Torelli가 유망한 무대 뒤 장면의 성과를 오페라의 법원 제작에 독창적으로 적용했습니다. 발레 유형. 16세기에도 여전히 보존되어 있던 스페인 극장. 원시 박람회 장면은 이탈리아 얇은을 통해 이탈리아 시스템을 동화합니다. 스페인 법원 극장에서 일했던 K. Lotti (1631). 오랫동안 런던의 시립 극장은 셰익스피어 시대의 조건부 무대를 상하좌우로 나누고 객석으로 돌출된 프로시니엄과 빈약한 장식을 유지했다. 영국 극장의 무대를 통해 순서대로 행동 장소를 빠르게 변경할 수 있습니다. 이탈리아 유형의 원근 장식은 1 분기에 영국에서 도입되었습니다. 17 세기 법원 공연 제작의 극장 건축가 I. Jones. 러시아에서는 1672년 차르 알렉세이 미하일로비치(Tsar Alexei Mikhailovich)의 궁정 공연에서 백스테이지 원근법이 사용되었습니다.

고전주의 시대에 장소와 시간의 통일성을 요구했던 극적 캐논은 구체적인 역사적 특성이 결여된 영구적이고 대체 불가능한 풍경(비극의 왕좌의 방이나 궁전의 현관, 마을 광장이나 방)을 승인했다. 코미디). 다양한 장식 및 연출 효과는 17세기에 집중되었습니다. 오페라와 발레 장르 내에서, 극적인 공연은 디자인의 엄격함과 인색함으로 구별되었습니다. 프랑스와 영국의 극장에서 프로시니엄 측면에 위치한 무대 위의 귀족적 관중의 존재는 공연을 위한 풍경의 가능성을 제한했습니다. 오페라 예술의 발전은 오페라 하우스의 개혁으로 이어졌습니다. 대칭의 거부, 각도 원근법의 도입은 그림을 통해 장면의 깊이에 대한 환상을 만드는 데 도움이 되었습니다. 풍경의 역동성과 정서적 표현력은 건축 모티프(기둥, 계단, 아치, 조각상이 반복되는 행이 반복되는 치장 벽토 장식으로 장식된 바로크 양식의 홀의 끝없는 엔필라드) 개발의 리드미컬한 다양성인 키아로스쿠로의 플레이에 의해 달성되었습니다. 건축 구조의 웅장 함의 인상.

계몽주의의 이데올로기 투쟁의 악화는 다양한 스타일의 투쟁과 장식 예술에서 표현되었습니다. 바로크풍경의 장엄한 화려함과 봉건-귀족적 방향의 특징인 로코코 양식의 풍경화 출현과 함께 이 시기의 장식예술에서는 극장의 개혁, 해방을 위한 투쟁이 있었다. 궁정 예술의 추상적인 화려함에서 장소의 보다 정확한 국가적 및 역사적 특성화를 위해. 이 투쟁에서 교육 극장은 고전적인 스타일의 풍경 창조에서 표현되는 고대의 영웅적인 이미지로 향했습니다. 이 방향은 특히 데코레이터 J. Servandoni, G. Dumont, P.A의 작업에서 프랑스에서 개발되었습니다. 고대 건축물을 무대에 재현한 브루네티. 1759년 볼테르는 관객을 무대에서 몰아내어 풍경을 위한 추가 공간을 확보했습니다. 이탈리아에서는 바로크에서 고전주의로의 전환이 G. Piranesi의 작품에서 표현되었습니다.

18세기 러시아 극장의 집중적 발전. 현대 연극 회화의 모든 업적을 사용하는 러시아 장식 예술의 번성으로 이어졌습니다. 40대에. 18 세기 K. Bibbiena, P. 및 F. Gradipzi 등 주요 외국 예술가들이 공연 디자인에 참여했으며 그중 눈에 띄는 장소는 Bibbiena J. Valeriani의 재능있는 추종자에 속합니다. 2층. 18 세기 I. Vishnyakov, Volsky 형제, I. Firsov, S. Kalinin, G. Mukhin, K. Funtusov 및 법원 및 농노 극장에서 일한 다른 사람들과 같은 재능있는 러시아 장식가가 전면에 등장했습니다. 1792년부터 뛰어난 연극 디자이너이자 건축가인 P. Gonzago는 러시아에서 일했습니다. 계몽주의의 고전주의와 이데올로기 적으로 연결된 그의 작품에서 웅장 함과 기념비적 인 인상을주는 건축 양식의 엄격함과 조화는 완전한 현실의 환상과 결합되었습니다.

18세기 말 유럽 ​​극장에서는 부르주아 드라마의 발전과 관련하여 파빌리온 풍경(세 개의 벽과 천장이 있는 닫힌 방)이 등장한다. 17-18세기 봉건 이데올로기의 위기. 아시아 국가의 장식 예술에 반영되어 많은 혁신을 일으켰습니다. 18세기 일본 가부키 극장을 위한 건물이 지어지고 있었는데, 그 무대에는 객석 쪽으로 강하게 돌출된 프로시니엄과 수평으로 움직이는 커튼이 있었습니다. 무대 좌우측부터 객석 뒷벽까지 발판(하나미치, 문자 그대로 꽃길)이 있었고, 그 위에서 공연도 펼쳐졌다(이후 오른쪽 발판은 폐지되었다. 우리 시대에는 가부키 극장에는 왼쪽 비계만 남아 있습니다.) 가부키 극장은 3차원적 풍경(정원, 집의 정면 등)을 사용하여 장면을 구체적으로 특징짓습니다. 1758년에 처음으로 회전 단계가 사용되었으며 회전 단계는 손으로 이루어졌습니다. 중세 전통은 중국, 인도, 인도네시아 및 기타 국가의 많은 극장에서 보존되어 풍경이 거의 없으며 장식은 의상, 마스크 및 메이크업으로 제한됩니다.

18세기 후반 프랑스 부르주아 혁명. 극장의 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. 드라마투르기라는 주제의 확장은 장식 예술에 많은 변화를 가져왔다. 파리의 "대로 극장" 무대에서 멜로 드라마와 무언극을 제작할 때 디자인에 특별한 관심을 기울였습니다. 극장 엔지니어의 높은 기술 덕분에 다양한 효과(난파선, 화산 폭발, 뇌우 장면 등)를 시연할 수 있었습니다. 그해의 장식 예술에서는 소위 pratikables (바위, 다리, 언덕 등을 묘사하는 3 차원 디자인 세부 사항)가 널리 사용되었습니다. 1분기에 19 세기 무대 조명의 혁신과 결합된 그림 같은 파노라마, 디오라마 또는 네오라마가 널리 퍼졌습니다(가스는 1920년대에 극장에 도입되었습니다). 연극 디자인의 개혁을 위한 광범위한 프로그램은 역사적으로 구체적인 장면 특성화 작업을 설정한 프랑스 낭만주의에 의해 제시되었습니다. 낭만주의 극작가들은 연극 제작에 직접 참여하여 그들에게 긴 말과 스케치를 제공했습니다. 공연은 복잡한 풍경과 웅장한 의상으로 만들어졌으며 역사적인 플롯에 대한 다막 오페라와 드라마 제작에서 장소와 시간의 색상의 정확성과 화려한 아름다움을 결합하기 위해 노력했습니다. 무대 기술의 복잡성으로 인해 공연 사이에 커튼이 자주 사용되었습니다. 1849년, Meyerbeer의 The Prophet 프로덕션에서 파리 오페라 무대에서 전기 조명 효과가 처음으로 사용되었습니다.

30-70 년대 러시아에서. 19 세기 낭만적 인 연출의 주요 장식가는 연극 기계의 뛰어난 대가 인 A. Roller였습니다. 그가 개발한 무대 효과의 첨단 기술은 이후 K.F.와 같은 데코레이터에 의해 개발되었습니다. 발츠, A.F. Geltser 및 기타 하반기 장식 예술의 새로운 경향. 19 세기 사실적인 고전 러시아 극작술과 연기 예술의 영향으로 확인되었습니다. 학업 루틴과의 싸움은 데코레이터 M.A에 의해 시작되었습니다. Shishkov 및 M.I. 보차로프. 1867 년 A.K. 의 연극 "끔찍한 이반의 죽음"에서. Tolstoy (Alexandria Theatre), Shishkov는 처음으로 Petrine Rus 이전의 삶을 역사적 구체성과 정확성으로 무대에서 보여주는 데 성공했습니다. Shishkov의 다소 건조한 고고학과는 달리 Bocharov는 그의 작품으로 무대에 진정한 화가의 도착을 기대하면서 그의 풍경 풍경에 러시아 자연의 진실하고 감정적 인 느낌을 도입했습니다. 그러나 주립 극장의 장식가에 대한 점진적인 검색은 장식, 무대 광경의 이상화, "풍경", "건축", "의상"등으로 나누어 진 예술가의 좁은 전문화로 인해 방해를 받았습니다. 현대 주제에 대한 극적인 공연에서는 일반적으로 조립식 또는 "의무"전형적인 풍경이 사용되었습니다 ( "가난한"또는 "부유 한"방, "숲", "시골 전망"등). 2층. 19 세기 다양한 유럽 극장 (Filastr 및 C. Cambon, 프랑스의 A. Roubaud 및 F. Chaperon, 독일의 Lutke-Meyer 등)에 서비스를 제공하기 위해 대규모 장식 워크샵이 만들어졌습니다. 이 기간 동안 예술과 창의적인 상상력이 수공예품으로 대체되는 부피가 크고 의식적이며 절충주의적인 스타일 장식이 널리 퍼집니다. 70-80년대 장식 예술의 발전에 관하여. Meiningen Theatre의 활동은 상당한 영향을 미쳤으며 유럽 투어는 감독의 공연 결정의 무결성, 높은 무대 문화, 풍경, 의상 및 액세서리의 역사적 정확성을 보여주었습니다. Meiningenians는 이탈리아 stile-arch 시스템의 전통 인 파빌리온과 풍경 ​​경관의 표준을 깨기 위해 각 공연의 디자인에 개별적인 모습을 부여했습니다. 석판 부조의 다양성을 널리 활용하여 다양한 건축 형태로 무대 공간을 채우고 다양한 플랫폼, 계단, 입체 기둥, 바위, 언덕 등의 실용성을 풍부하게 사용했다. Meiningen 프로덕션(디자인은

대부분 Duke George II에 속함) 독일 역사 회화 학교 인 P. Cornelius, W. Kaulbach, K. Piloty의 영향이 분명히 영향을 받았습니다. 그러나 역사적인 정확성과 타당성, 액세서리의 "진정성"은 때때로 Meiningen 사람들의 공연에서 자급 자족하는 의미를 얻었습니다.

E. Zola는 70년대 후반에 활동합니다. 추상적인 고전주의에 대한 비판, 이상화된 낭만적이고 화려한 매혹적인 풍경. 그는 소설 속 묘사와 비교한 풍경의 도움으로 '사회적 환경의 정확한 재현'이라는 현대적 삶의 무대에서의 묘사를 요구했다. 90년대 프랑스에서 등장한 상징주의 연극은 연극의 일상과 자연주의에 대한 항의라는 슬로건 아래 사실주의 예술에 대한 투쟁을 벌였습니다. P. Faure의 예술 극장과 Lunier-Poe의 극장 "Creativity" 주변에서 모더니스트 캠프 M. Denis, P. Serusier, A. Toulouse-Lautrec, E. Vuillard, E. Munch 등의 예술가들이 연합했습니다. 그들은 단순하고 양식화된 세트, 인상주의적 모호성, 강조된 원시주의 및 상징주의를 만들어 극장을 현실적인 삶의 묘사에서 멀어지게 했습니다.

러시아 문화의 강력한 고조는 19세기의 마지막 분기를 포착합니다. 연극과 장식 예술. 80-90년대 러시아에서. 가장 큰 이젤 예술가는 극장 작업에 참여합니다-V.D. 폴레노프, V.M. Vasnetsov 및 A.M. Vasnetsov, I.I. 레비탄, K.A. Korovin, V.A. Serov, M.A. 브루벨. 1885년부터 모스크바 개인 러시아 오페라 S.I. Mamontov는 현대 사실주의 회화의 구성 기법을 풍경에 도입하여 공연에 대한 전체 론적 해석의 원칙을 확인했습니다. Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky의 오페라 제작에서이 예술가들은 러시아 역사의 독창성, 러시아 풍경의 영적인 서정성, 동화 이미지의 매력과시를 전달했습니다.

19세기 후반과 20세기에 처음으로 무대 디자인의 원칙을 사실적인 무대 연출의 요구 사항에 종속시켰습니다. 모스크바 예술 극장의 연습에서. 황실 극장에서 흔히 볼 수 있는 전통적인 장면, 파빌리온, "조립식" 풍경 대신 모스크바 예술 극장의 각 공연은 감독의 의도에 부합하는 특별한 디자인을 가졌습니다. 계획 가능성의 확장 (주거 공간의 특이한 각도를 보여주는 평면 처리), "살아있는"환경의 인상을 만들고자하는 욕구, 행동의 심리적 분위기는 모스크바 예술 극장의 장식 예술을 특징 짓습니다.

Art Theatre V.A. Simov는 K.S. "새로운 유형의 무대 예술가의 창시자"인 Stanislavsky는 삶의 진실에 대한 감각으로 구별되고 그들의 작업과 연출을 불가분의 관계로 연결합니다. 모스크바 예술 극장이 수행한 장식 예술의 사실적 개혁은 세계 연극 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. K. Lautenschläger가 Mozart의 오페라 Don Giovanni(1896)를 상연할 때 유럽 극장에서 처음 사용했던 회전식 무대를 사용하여 무대의 기술적 재장비와 장식 예술의 가능성을 풍부하게 하는 데 중요한 역할을 했습니다. , 레지덴츠 극장, 뮌헨).

1900년대 "World of Art"그룹의 예술가-A.N. Benois, L.S. 박스트, M.V. Dobuzhinsky, N. K. Roerich, E.E. Lansere, I.Ya. Bilibin 등 이 예술가들의 회고적 성향과 양식화 특성은 그들의 창의성을 제한했지만 그들의 높은 문화와 기술, 공연의 전반적인 예술적 개념의 무결성을 위해 노력하는 것은 오페라와 발레 장식 예술의 개혁에 긍정적인 역할을 했습니다. 러시아뿐만 아니라 해외에서도. 1908년 파리에서 시작되어 수년에 걸쳐 반복된 러시아 오페라와 발레 투어는 풍경의 높은 수준의 그림 문화, 다양한 예술의 스타일과 특성을 전달하는 예술가의 능력을 보여주었습니다. 시대. Benois, Dobuzhinsky, B. M. Kustodiev, Roerich의 활동은 또한 모스크바 예술 극장과 관련이 있으며, 이 예술가들의 미학 특성은 K.S. Stanislavsky와 V.I. 네미로비치-단첸코. 가장 큰 러시아 데코레이터 K.A. Korovin과 A.Ya. 처음부터 일한 골로빈. 20 세기 제국 극장에서 국가 무대의 장식 예술에 근본적인 변화를 가져 왔습니다. Korovin의 넓고 자유로운 글쓰기 방식, 그의 무대 이미지에 내재 된 살아있는 자연의 느낌, 캐릭터의 풍경과 의상을 통합하는 색 구성표의 무결성은 러시아 오페라와 발레의 디자인에 가장 큰 영향을 미쳤습니다. "Sadko", " 황금 수평아리"; Ts. Pugni 등의 The Little Humpbacked Horse 의식 장식, 형태의 명확한 묘사, 색상 조합의 대담함, 일반적인 조화, 솔루션의 무결성은 Golovin의 연극 그림을 구별합니다. 작가의 여러 작품에서 모더니즘의 영향을 받았음에도 불구하고 그의 작품은 삶에 대한 깊은 연구를 바탕으로 한 뛰어난 사실주의 기교를 바탕으로 한다. Korovin과 달리 Golovin은 스케치와 풍경에서 무대 디자인의 연극 적 특성, 개별 구성 요소를 항상 강조했습니다. 그는 장식품으로 장식된 포털 프레임, 다양한 아플리케 및 페인트 커튼, 프로시니엄 등을 사용했습니다. 1908-17년에 Golovin은 여러 공연을 위한 장식을 만들었습니다. V.E. Meyerhold(몰리에르의 "Don Juan", "가면무도회" 포함),

19세기 말과 초기에 부르주아 예술의 반사실주의 경향이 강화됨. 20세기, 사회적 이념의 공개 거부는 서구의 사실적인 장식 예술의 발전에 부정적인 영향을 미쳤다. 퇴폐적 흐름의 대표자들은 "관습성"을 예술의 기본 원칙으로 선포했습니다. A. 아피아(스위스)와 G. 크레이그(영국)는 리얼리즘에 대한 일관된 투쟁을 벌였다. "철학적 극장"을 창조한다는 아이디어를 내세우고, 그들은 달성한 빛을 변화시킴으로써 추상적이며 시대를 초월한 풍경(큐브, 스크린, 플랫폼, 계단 등)의 도움으로 "보이지 않는" 아이디어 세계를 묘사했습니다. 기념비적인 공간 형태의 유희. 감독이자 예술가로서 Crag 자신의 작업은 몇 개의 작품으로 제한되었지만 그의 이론은 이후 여러 국가의 많은 극장 디자이너와 감독의 작업에 영향을 미쳤습니다. Symbolist 극장의 원칙은 기념비적 인 조건부 공연을 만들기 위해 노력한 폴란드 극작가, 화가 및 연극 예술가 S. Wyspiansky의 작업에 반영되었습니다. 그러나 풍경과 공간 무대 프로젝트에서 국가적 형태의 민속 예술을 구현함으로써 Wyspiansky의 작업은 차가운 추상화에서 해방되어 더욱 현실감 있게 되었습니다. 작가와 함께 뮌헨 예술극장 G. Fuchs의 주최자. F. Erler는 배우의 인물이 구호 형태로 평면에 위치하는 "구호 장면"(즉, 깊이가 거의없는 장면) 프로젝트를 제안했습니다. M. Reinhardt 감독(독일)은 그가 감독한 극장에서 다양한 디자인 기법을 사용했습니다. 순전히 외부 무대 효과에 점점 더 중점을 둔 서커스 경기장의 웅장한 대규모 광경에 대한 "천"장식. 예술가 E. Stern, E. Orlik, E. Munch, E. Schütte, O. Messel, 조각가 M. Kruse 등이 Reinhardt와 함께 작업했습니다.

10대 후반과 20대. 20 세기 독일에서 처음 발전했지만 다른 나라의 예술을 널리 포착한 표현주의가 가장 중요합니다. 표현주의 경향은 장식 예술의 모순을 심화시키고 사실주의에서 벗어나 도식화했습니다. 평면의 '시프트'와 '베벨', 비객관적이거나 단편적인 풍경, 빛과 그림자의 선명한 대비 등을 통해 작가들은 무대 위에서 주관적인 시각의 세계를 창조하고자 했다. 동시에 일부 표현주의 공연은 뚜렷한 반제국주의적 지향을 가지고 있었고 그 풍경은 극심한 사회적 그로테스크의 특징을 얻었습니다. 이 시기의 장식 미술은 기술 실험에 대한 예술가의 열정, 무대 상자를 파괴하고 무대를 드러내고자 하는 욕구, 연출 기법의 기법이 특징입니다. 구성주의, 입체주의, 미래주의와 같은 형식주의적 흐름은 장식 예술을 자급자족하는 기술주의의 길로 이끌었습니다. "순수한"기하학적 모양, 평면 및 부피, 메커니즘 부분의 추상적 조합을 무대에서 재현하는 이러한 경향의 아티스트는 현대 산업 도시의 "역 동성", "템포 및 리듬"을 전달하고자 노력했습니다. 실제 기계 작업의 환상을 연출합니다 (G. Severini, F. Depero, E. Prampolini - 이탈리아, F. Leger - 프랑스 등).

서유럽과 미국의 장식 예술에서 ser. 20 세기 특정 예술적 경향과 학교는 없습니다. 예술가는 다양한 스타일과 기술에 적용할 수 있는 광범위한 방식을 개발하기 위해 노력합니다. 그러나 많은 경우 공연을 디자인하는 예술가들은 극의 이념적 내용, 성격, 구체적인 역사적 특징을 전달하지 않고 캔버스에 독립적인 장식 예술 작품을 만들기 위해 노력합니다. 작가의 자유로운 상상의 산물"이다. 따라서 자의성, 추상적 디자인, 많은 공연에서 현실과 단절됩니다. 이는 고전, 진보적 현대극, 민속전통에 의존하여 사실적인 장식예술을 보존하고 발전시키려는 진보적 연출가들의 실천과 예술가들의 작업에 반대된다.

10대부터. 20 세기 이젤 예술의 거장들이 극장 작업에 점점 더 많이 참여하고 있으며 창의적인 예술 활동의 한 유형으로서 장식 예술에 대한 관심이 강해지고 있습니다. 30대부터. 무대 기술을 잘 아는 자격을 갖춘 전문 연극 예술가의 수가 증가하고 있습니다. 무대 기술은 다양한 수단으로 풍부해지고 새로운 합성 재료, 발광 페인트, 사진 및 필름 프로젝션 등이 사용됩니다.50년대의 다양한 기술 개선에서. 20 세기 가장 중요한 것은 극장에서 사이클로라마를 사용하는 것(여러 필름 프로젝터의 이미지를 넓은 반원형 스크린에 동시에 투사), 복잡한 조명 효과의 개발 등입니다.

30대에. 소련 극장의 창작 관행에서 사회주의 리얼리즘의 원칙이 확인되고 발전됩니다. 장식 예술의 가장 중요하고 정의적인 원칙은 삶의 진실, 역사적 구체성, 현실의 전형적인 특징을 반영하는 능력에 대한 요구입니다. 1920년대의 많은 공연을 지배했던 풍경의 체적 공간적 원리는 회화의 광범위한 사용으로 더욱 풍부해졌습니다.

2. 연극 예술의 표현력의 주요 수단 :

풍경 (lat. decoro에서-나는 장식합니다)-배우가 연기하는 물질적 환경을 재현하는 무대 디자인. 풍경은 "장면의 예술적 이미지를 나타내는 동시에 무대에서 액션을 수행할 수 있는 풍부한 기회를 나타내는 플랫폼을 나타냅니다." 풍경은 회화, 그래픽, 건축, 장면 기획 기술, 풍경의 특수한 질감, 조명, 무대 기술, 프로젝션, 영화 등 현대 연극에서 사용되는 다양한 표현 수단을 사용하여 만들어집니다. 주요 풍경 시스템:

1) 로커 모바일,

2) 로커 아치 리프팅,

3) 파빌리온,

4) 체적

5) 프로젝션.

각 풍경 시스템의 출현, 개발 및 다른 시스템으로의 대체는 시대의 역사와 과학 기술의 성장에 해당하는 연극, 연극 미학의 특정 요구 사항에 의해 결정되었습니다.

슬라이딩 모바일 장식. 무대 뒤 - 특정 거리에서 무대 측면에 위치한 풍경의 일부(포털에서 무대 깊숙이까지) 시청자로부터 무대 뒤 공간을 닫도록 설계되었습니다. 날개는 프레임에 부드럽고 경첩이 있거나 단단했습니다. 때때로 그들은 건축 프로필, 나무 줄기의 윤곽, 잎사귀를 묘사하는 그림 윤곽선을 가졌습니다. 단단한 날개의 변경은 경사로와 평행 한 각 무대 계획 (18 세기와 19 세기)에 바퀴가 달린 프레임 인 특수 날개의 도움으로 수행되었습니다. 이 프레임은 첫 번째 홀드의 바닥을 따라 놓인 레일을 따라 스테이지 보드에 특별히 새겨진 통로로 이동했습니다. 첫 번째 궁전 극장에서 풍경은 배경, 날개 및 천장 고리로 구성되어 장면의 변화와 동시에 오르락 내리락했습니다. 구름, 단풍이있는 나뭇 가지, 천정의 일부 등이 Padugs에 쓰여졌습니다 Drottningholm의 법원 극장과 모스크바 왕자 근처의 이전 부동산 극장의 무대 시스템 풍경. 주의 "아르한겔스크"의 유수포프

stile-arched 리프팅 장식은 17 세기 이탈리아에서 시작되었습니다. 격자가 높은 공공 극장에서 널리 사용되었습니다. 이 유형의 풍경은 나무 줄기, 잎이 달린 가지, 건축 세부 사항 (선형 및 공중 원근법 준수)이있는 아치 형태로 꿰매어진 캔버스입니다 (가장자리와 상단을 따라). 최대 75개의 이러한 무대 아치를 무대에 걸 수 있으며 배경은 페인트 배경 또는 수평선입니다. 다양한 무대 아치 장식은 투각 장식입니다 (특수 그물에 접착되거나 얇은 명주 그물에 적용된 "숲"또는 "건축"무대 아치 페인트). 현재 무대 아치 장식은 주로 오페라와 발레 제작에 사용됩니다.

파빌리온 장식은 1794년에 처음 사용되었습니다. 배우 겸 감독 F.L. 슈뢰더. 파빌리온 장식은 밀폐된 공간을 표현한 것으로 캔버스로 덮인 프레임 월과 벽지, 판자, 타일의 패턴과 일치하도록 칠해져 있습니다. 벽은 "귀머거리"이거나 창문과 문을 위한 스팬이 있을 수 있습니다. 그들 사이에서 벽은 던지기 로프의 도움으로 연결됩니다-겹침 및 슬로프가있는 무대 바닥에 부착됩니다. 현대 극장의 파빌리온 벽의 너비는 2.2m를 넘지 않습니다 (그렇지 않으면 풍경을 운반 할 때 벽이 화물차 문을 통과하지 않습니다). 파빌리온 풍경의 창과 문 뒤에는 일반적으로 백보드 (프레임에 매달린 장식 부분)가 배치되며 해당 풍경이나 건축 모티브가 그려져 있습니다. 파빌리온 장식은 천장으로 덮여 있으며 대부분의 경우 화격자에 매달려 있습니다.

현대 극장에서는 1870년 마이닝겐 극장의 공연에서 3차원적 풍경이 처음 등장했습니다. 이 극장에서는 평평한 벽과 함께 3차원적 세부 사항이 사용되기 시작했습니다. 테라스, 언덕, 요새 벽을 묘사하기 위한 기타 구조물. 공작 기계의 디자인은 일반적으로 그림 같은 캔버스 또는 가짜 부조(돌, 나무 뿌리, 풀)로 가려져 있습니다. 3차원적 풍경의 일부를 변경하기 위해 롤러(푸르카) 위의 롤링 플랫폼, 턴테이블 및 기타 유형의 무대 장비가 사용됩니다. 체적 풍경을 통해 감독은 "깨진"무대 평면에 미장센을 구축하고 다양한 건설적인 솔루션을 찾을 수 있었으며 덕분에 연극 예술의 표현 가능성이 비정상적으로 확장되었습니다.

프로젝션 장식은 1908년 뉴욕에서 처음 사용되었습니다. 투명 필름에 그려진 컬러 및 흑백 이미지의 투영(화면)을 기반으로 합니다. 프로젝션은 극장 프로젝터의 도움으로 수행됩니다. 배경, 수평선, 벽, 바닥은 화면 역할을 할 수 있습니다. 전면 투사(프로젝터가 스크린 앞에 있음)와 투과 투사(프로젝터가 스크린 뒤에 있음)가 있습니다. 프로젝션은 정적(건축, 풍경 및 기타 모티프) 및 동적(구름, 비, 눈의 움직임)일 수 있습니다. 새로운 스크린 재료와 프로젝션 장비를 갖춘 현대 극장에서는 프로젝션 풍경이 널리 사용되었습니다. 제조 및 작동의 용이성, 장면 전환의 용이성 및 속도, 내구성 및 높은 예술적 품질 달성 가능성으로 인해 프로젝션 장식은 현대 극장의 유망한 유형의 풍경 중 하나입니다.

2.2 연극 의상

연극 의상 (이탈리아 의상, 실제로 맞춤) - 배우가 자신이 만든 무대 이미지를 특징 짓기 위해 사용하는 옷, 신발, 모자, 보석 및 기타 항목. 의상에 필요한 추가 사항은 메이크업과 헤어입니다. 의상은 배우가 캐릭터의 모습을 찾고, 무대 주인공의 내면 세계를 드러내고, 행동이 일어나는 환경의 역사적, 사회 경제적, 국가적 특성을 결정하고 (다른 디자인 구성 요소와 함께) 생성하도록 도와줍니다. 공연의 시각적 이미지. 의상의 색은 공연의 전체적인 배색과 밀접한 관련이 있어야 한다. 의상은 연극 예술가의 창의성의 전체 영역을 구성하며 의상에 거대한 이미지 세계를 구현합니다. 예리하게 사회적, 풍자적, 기괴하고 비극적입니다.

스케치부터 무대 구현까지 의상을 만드는 과정은 여러 단계로 구성됩니다.

1) 소송을 구성할 재료의 선택

2) 착색 재료 샘플 선택;

3) 줄 찾기: 다른 재료로 카트리지를 만들고 재료를 마네킹(또는 배우)에 문신으로 새기기;

4) 조명이 다른 무대에서 의상을 확인합니다.

5) 배우의 의상 "정산".

의상 기원의 역사는 원시 사회로 거슬러 올라갑니다. 고대인이 그의 삶의 다양한 사건에 반응하는 게임과 의식에서 헤어 스타일, 메이크업 채색, 의식 의상이 매우 중요했습니다. 원시인들은 그들에게 많은 허구와 독특한 취향을 투자했습니다. 때때로 이러한 의상은 환상적이었고 다른 때에는 동물, 새 또는 짐승과 비슷했습니다. 고대부터 동양의 고전 극장에는 의상이 있었습니다. 중국, 인도, 일본 및 기타 국가에서 의상은 조건부이며 상징적입니다. 예를 들어 중국 극장에서 의상의 노란색은 황실에 속한 것을 의미하고 공무원과 봉건 영주의 역할을 수행하는 사람들은 검은 색과 녹색 의상을 입습니다. 중국 고전 오페라에서 전사의 등 뒤의 깃발은 연대의 수를 나타내고 그의 얼굴에 검은 스카프는 무대 인물의 죽음을 상징합니다. 밝기, 색상의 풍부함, 재료의 장엄함은 동양 극장의 의상을 공연의 주요 장식 중 하나로 만듭니다. 원칙적으로 특정 공연, 특정 배우를 위해 의상이 만들어집니다. 레퍼토리에 관계없이 모든 극단에서 사용하는 전통에 의해 고정된 의상 세트도 있습니다. 유럽 ​​극장의 의상은 고대 그리스에서 처음 등장했습니다. 그는 기본적으로 고대 그리스인의 일상 의상을 반복했지만 다양한 조건부 세부 사항이 도입되어 시청자가 이해할 수있을뿐만 아니라 무대에서 일어나는 일을 더 잘 볼 수 있습니다 (극장 건물은 거대했습니다). 각 의상에는 특별한 색상이 있었고 (예를 들어 왕의 의상은 보라색 또는 사프란-노란색) 배우들은 멀리서도 명확하게 보이는 마스크와 높은 스탠드의 신발-cothurns를 착용했습니다. 봉건주의 시대에 극장의 예술은 순회 연극 배우들의 유쾌하고 시사적이며 재치있는 공연으로 계속 살아 남았습니다. histrions의 의상 (러시아어 버푼의 의상과 마찬가지로)은 도시 빈민의 현대 의상에 가까웠지만 밝은 패치와 코믹한 디테일로 장식되었습니다. 이 시기에 일어난 종교극의 공연 중에서 추리극이 가장 큰 성공을 거두었고 그 작품은 특히 웅장했다. 미스터리 쇼에 앞서 다양한 의상과 분장을 한 머머들의 행렬(동화와 신화의 환상적인 캐릭터, 온갖 동물)은 밝은 색채로 구별됐다. 미스터리 극에서 의상의 주요 요구 사항은 부와 우아함입니다 (역할에 관계없이). 의상은 관습적이었습니다. 성도들은 흰색이었고 그리스도는 금박을 입었고 악마는 그림 같은 환상적인 의상을 입었습니다. 교훈적이고 우화적인 드라마 도덕의 공연자들의 의상은 훨씬 더 겸손했습니다. 중세 연극의 가장 활기차고 진보적 인 장르 인 봉건 사회에 대한 날카로운 비판을 담은 희극에는 현대 캐리커처 특유의 의상과 메이크업이 등장했습니다. 르네상스 시대에 commedia dell'arte의 배우들은 의상을 통해 그들의 영웅에 대해 재치 있고 때로는 잘 조준되고 사악한 특성을 부여했습니다. 학자 학자의 전형적인 특징, 장난스러운 하인이 의상에 일반화되었습니다. 2층. 16 세기 스페인과 영국 극장에서 배우들은 유행하는 귀족 의상에 가까운 의상이나 (역할이 요구하는 경우) 익살스러운 민속 의상을 입고 공연했습니다. 프랑스 극장에서 의상은 중세 소극의 전통을 따랐습니다.

의상 분야의 현실적인 경향은 현대 생활에 전념하는 연극을 무대에 올릴 때 다양한 계층의 사람들의 현대 의상을 사용한 Molière에서 나타났습니다. 영국의 계몽주의 시대에 배우 D. Garrick은 허세와 무의미한 양식화에서 의상을 해방하려고 노력했습니다. 맡은 역할에 맞는 의상을 선보이며 주인공의 성격을 드러내는데 일조했다. 18세기 이탈리아에서. 코미디언 C. Goldoni는 그의 연극에서 commedia dell'arte의 전형적인 마스크를 점차 실제 인물의 이미지로 대체하면서 동시에 적절한 의상과 메이크업을 유지했습니다. 프랑스에서 Voltaire는 여배우 Clairon의 지원을 받아 무대 의상의 역사적, 민족지 학적 정확성을 위해 노력했습니다. 그녀는 fizhma, 가루 가발, 귀중한 보석에 대한 비극적 인여 주인공 의상 관습에 맞서 싸웠습니다. 비극에서 의상 개혁의 원인은 프랑스 배우 A. Lequin이 양식화 된 "로마"복장을 수정하고 전통적인 터널을 버리고 무대에서 동양 의상을 채택함으로써 더욱 발전했습니다. Leken의 의상은 이미지의 심리적 특성화 수단이었습니다. 2층 의상의 발전에 지대한 영향을 미쳤다. 19 세기 렌더링된 활동입니다. 높은 무대 문화, 의상의 역사적 정확성으로 공연이 구별되는 Meiningen Theatre. 그러나 의상의 진정성은 마이닝겐 사람들 사이에서 독립적인 의미를 갖게 되었습니다. E. Zola는 무대에서 사회적 환경의 정확한 재현을 요구했습니다. 처음의 가장 큰 연극 인물은 같은 것을 열망했습니다. 20 세기-공연 디자인에 적극적으로 참여한 A. Antoine (프랑스), O. Brahm (독일)은 극장에서 일할 주요 예술가를 유치했습니다. 90년대에 등장한 상징주의 극장. 프랑스에서는 연극의 일상과 자연주의에 대한 항의라는 슬로건 아래 사실주의 예술에 대한 투쟁을 벌였습니다. 모더니스트 예술가들은 단순화되고 양식화된 풍경과 의상을 만들어 극장을 현실적인 삶의 묘사에서 멀어지게 했습니다. 최초의 러시아 의상은 buffoons에 의해 만들어졌습니다. 그들의 의상은 도시 하층민과 농민의 옷 (카프 탄, 셔츠, 일반 바지, 인피부 신발)을 반복했으며 다색 띠, 패치, 밝은 수 놓은 모자로 장식되었습니다. 초기에 16 세기 교회 극장에서 청소년 역할 수행자들은 흰색 옷 (머리에 십자가가있는 왕관)을 입고 칼데 아인을 묘사하는 배우-짧은 카프 탄과 모자를 썼습니다. 기존의 의상은 학교 연극 공연에도 사용되었습니다. 우화적인 인물들은 그들만의 상징을 가지고 있었습니다. 믿음은 십자가와 함께, 희망은 닻과 함께, 화성은 칼과 함께 나타났습니다. 왕의 의상은 왕의 존엄성에 필요한 속성으로 보완되었습니다. 동일한 원칙이 Tsar Alexei Mikhailovich의 법원에서 설립 된 17 세기 러시아 최초의 전문 극장의 공연, Natalia Alekseevna 공주와 Praskovya Feodorovna 황후의 법원 극장 공연을 구별했습니다. XVIII 세기 러시아의 고전주의 발전. 의상에서이 방향의 모든 관습을 보존했습니다. 세련된 현대 의상과 골동품 의상 요소 (서구의 "로마"복장과 유사)가 혼합 된 의상을 입고 연기하는 배우, 귀족 귀족이나 왕 역할을 맡은 연기자는 고급스러운 조건부 의상을 입었습니다. 처음에는. 19 세기 현대 생활의 공연에서는 세련된 현대 의상이 사용되었습니다.

역사극의 의상은 여전히 ​​역사적 정확성과는 거리가 멀었다.

모든 R. 19 세기 Alexandrinsky Theatre와 Maly Theatre의 공연에는 의상의 역사적 정확성에 대한 열망이 있습니다. 모스크바 예술 극장은 세기 말에 이 분야에서 큰 성공을 거두었습니다. 위대한 연극 개혁가 Stanislavsky와 Nemirovich-Danchenko는 모스크바 예술 극장에서 일한 예술가들과 함께 연극에 묘사 된 시대와 환경, 무대 영웅의 성격에 대한 의상의 정확한 일치를 달성했습니다. 예술 극장에서 의상은 무대 이미지를 만드는 데 매우 중요했습니다. 많은 러시아 극장에서 일찍. 20 세기 의상은 작가, 감독, 배우의 의도를 표현하는 진정한 예술 작품으로 변모했습니다.

2.3 노이즈 설계

소음 설계 - 주변 생활의 소리를 무대로 재현합니다. 노이즈 디자인은 무대장치, 소품, 조명과 함께 배우와 관객이 극의 액션에 상응하는 환경을 느낄 수 있도록 도와주는 배경이 되어 적절한 분위기를 연출하고 공연의 리듬과 속도에 영향을 미친다. 폭죽, 총성, 철판의 럼블, 무대 뒤의 무기 소리와 울림은 이미 16-18 세기 공연과 함께했습니다. 러시아 극장 건물 장비에 음향 장비가 있다는 것은 러시아에서 소음 설계가 이미 중간에 사용되었음을 나타냅니다. 18 세기

현대 소음 디자인은 소리의 특성이 다릅니다: 자연의 소리(바람, 비, 천둥, 새); 생산 소음(공장, 건설 현장); 교통 소음(수레, 기차, 비행기); 전투 소음(기병, 사격, 부대 이동); 집안 소음(시계, 유리 부딪히는 소리, 삐걱거리는 소리). 소음 디자인은 공연의 스타일과 결정에 따라 자연주의적, 현실적, 낭만적, 환상적, 추상적 조건적, 그로테스크적일 수 있습니다. 소음 설계는 사운드 엔지니어 또는 극장의 무대 부분에서 처리합니다. 연기자는 일반적으로 배우도 포함하는 특수 소음 여단의 구성원입니다. 간단한 음향 효과는 무대 담당자, 소품 등으로 수행할 수 있습니다. 현대 극장에서 소음 설계에 사용되는 장비는 다양한 크기, 복잡성 및 목적을 가진 100개 이상의 장치로 구성됩니다. 이러한 장치를 사용하면 넓은 공간감을 얻을 수 있습니다. 건전한 관점의 도움으로 접근하고 출발하는 기차 또는 항공기의 소음에 대한 환상이 만들어집니다. 현대 라디오 기술, 특히 입체 음향 장비는 소음 설계의 예술적 범위와 품질을 확장할 수 있는 큰 기회를 제공하는 동시에 이 성능 부분을 조직적이고 기술적으로 단순화합니다.

2.4 무대 조명

무대 위의 조명은 중요한 예술적, 연출적 수단 중 하나이다. 빛은 필요한 분위기를 조성하기 위해 행동의 장소와 분위기, 관점을 재현하는 데 도움이 됩니다. 때때로 현대 공연에서 조명은 거의 유일한 장식 수단입니다.

다양한 유형의 장식에는 적절한 조명 기술이 필요합니다. 평면적인 회화적 풍경은 일반적으로 균일한 조명을 필요로 하며, 이는 일반 조명의 조명 장치(밑면, 경사로, 휴대용 장치)에 의해 생성됩니다. 볼륨감 있는 풍경으로 꾸며진 공연은 조명의 대비를 만들어 볼륨감 있는 디자인을 강조하는 로컬(프로젝터) 조명이 필요하다.

혼합형 데코레이션을 사용할 경우 그에 따른 혼합 조명 시스템을 적용한다.

연극 조명 장치는 넓은 각도, 중간 각도 및 좁은 각도의 광산란으로 만들어지며 후자는 스포트라이트라고하며 무대와 배우의 특정 부분을 비추는 역할을합니다. 위치에 따라 극장 무대의 조명 장비는 다음과 같은 주요 유형으로 나뉩니다.

1) 계획에 따라 여러 줄로 무대의 연주 부분 위에 매달린 조명 기구(스포트라이트, 스포트라이트)를 포함하는 오버헤드 조명 장비.

2) 연극의 지평선을 비추는 데 사용되는 수평 조명 장비.

3) 측면 조명 장비, 일반적으로 포털 백스테이지, 측면 조명 갤러리에 설치된 프로젝터형 장치를 포함합니다.

4) 강당의 여러 부분에 무대 외부에 설치된 스포트라이트로 구성된 원격 조명 장비. 램프는 원격 조명에도 적용됩니다.

5) 공연의 각 동작을 위해 무대에 설치된 다양한 유형의 장치로 구성된 휴대용 조명 장비(요구 사항에 따라 다름).

6) 다양한 특수 조명 및 프로젝션 장치. 극장은 또한 공연을 디자인하는 아티스트의 스케치에 따라 만들어진 다양한 특수 목적 조명 장치(장식용 샹들리에, 촛대, 램프, 양초, 랜턴, 모닥불, 횃불)를 자주 사용합니다.

예술적 목적(무대에서 실제 자연 재현)을 위해 다양한 색상의 조명 필터로 구성된 컬러 조명 시스템이 무대에 사용됩니다. 조명 필터는 유리 또는 필름일 수 있습니다. 성능 과정에서 색상 변경이 수행됩니다. a) 한 가지 색상의 조명 필터가 있는 조명 장치에서 다른 색상의 장치로 점진적으로 전환합니다. b) 동시에 작동하는 여러 장치의 색상을 추가합니다. c) 조명 기구의 조명 필터 교체. 조명 프로젝션은 공연 디자인에서 매우 중요합니다. 다양한 동적 프로젝션 효과(구름, 파도, 비, 떨어지는 눈, 불, 폭발, 섬광, 날아다니는 새, 비행기, 범선) 또는 장식의 그림 같은 세부 사항을 대체하는 정적 이미지(빛 프로젝션 풍경)를 생성합니다. 라이트 프로젝션의 사용은 공연에서 빛의 역할을 크게 확장하고 예술적 가능성을 풍부하게 합니다. 때로는 필름 프로젝션도 사용됩니다. 조명은 유연한 중앙 제어 시스템이 있어야만 공연의 본격적인 예술적 구성 요소가 될 수 있습니다. 이를 위해 장면의 모든 조명 장비의 전원 공급 장치는 개별 조명 장치 또는 장치와 설치된 조명 필터의 개별 색상과 관련된 라인으로 나뉩니다. 현대 무대에는 최대 200-300개의 라인이 있습니다. 조명을 제어하려면 각 개별 라인과 이들의 조합에서 광속을 켜고 끄고 변경해야 합니다. 이를 위해 무대 장치의 필수 요소인 조광 설비가 있다. 램프의 광속 조절은 조명 회로의 전류 또는 전압을 변경하는 자동 변압기, thyratrons, 자기 증폭기 또는 반도체 장치의 도움으로 발생합니다. 수많은 무대 조명 회로를 제어하기 위해 일반적으로 극장 조정기라고 하는 복잡한 기계 장치가 있습니다. 가장 널리 퍼진 것은 자동 변압기 또는 자기 증폭기가 있는 전기 조정기입니다. 현재 전기 다중 프로그램 컨트롤러가 널리 보급되고 있습니다. 그들의 도움으로 무대 조명 관리의 탁월한 유연성에 도달했습니다. 이러한 시스템의 기본 원리는 조정 설치를 통해 공연의 여러 장면 또는 순간에 대한 예비 조명 조합 세트를 허용하고 이후 무대에서 임의의 순서와 템포로 재생하는 것입니다. 이것은 빛의 역동성이 크고 변화를 빠르게 따라가는 복잡하고 현대적인 멀티 픽처 공연을 조명할 때 특히 중요합니다.

2.5 무대 효과

무대 효과 (lat. effectus-성능)-특수 장치 및 비품의 도움으로 생성 된 비행, 수영, 홍수, 화재, 폭발의 환상. 무대 효과는 고대 극장에서 이미 사용되었습니다. 로마 제국 시대에는 마임의 공연에 별도의 무대 효과가 도입되었습니다. 14-16세기의 종교 공연은 효과로 가득 차 있었다. 예를 들어 미스터리를 연출할 때 특별한 "기적의 대가"가 수많은 연극 효과의 편곡에 참여했습니다. 16-17세기 궁정 및 공공 극장에서. 연극적 매커니즘을 바탕으로 다양한 무대효과로 일종의 장엄한 공연을 확립했다. 모든 종류의 신격화, 비행 및 변형을 만든 기계공 및 장식가의 기술이 이러한 공연에서 전면에 나타났습니다. 그러한 장엄한 광경의 전통은 다음 세기의 연극 관행에서 반복적으로 부활했습니다.

현대극장에서 무대효과는 소리, 빛(빛의 투사), 기계적 효과로 구분된다. 음향(소음) 효과의 도움으로 자연의 소리(바람, 비, 천둥, 새소리), 생산 소음(공장, 건설 현장 등), 교통 소음 등 주변 생활의 소리가 무대에 재현됩니다. (기차, 비행기), 전투 소음(기병 이동, 사격), 일상 소음(시계 소리, 유리 부딪히는 소리, 삐걱거리는 소리).

조명 효과에는 다음이 포함됩니다.

1) 모든 유형의 자연광 모방(일광, 아침, 야간, 다양한 자연 현상 동안 관찰되는 조명 - 일출 및 일몰, 맑고 흐린 하늘, 뇌우 등)

2) 쏟아지는 비, 움직이는 구름, 타오르는 불, 낙엽, 흐르는 물 등의 환상을 만듭니다.

첫 번째 그룹의 효과를 얻으려면 일반적으로 필요한 모든 전환과 함께 거의 모든 톤을 제공하는 흰색, 빨간색, 파란색의 3색 조명 시스템을 사용합니다. 백색광의 주요 스펙트럼 구성에 해당하는 4가지 색상(노란색, 빨간색, 파란색, 녹색)의 조합으로 훨씬 더 풍부하고 유연한 색상 팔레트(다양한 색조의 뉘앙스가 있음)가 제공됩니다. 두 번째 그룹의 조명 효과를 얻는 방법은 주로 조명 프로젝션 사용으로 축소됩니다. 시청자가 받는 인상의 특성에 따라 조명 효과는 고정(고정) 및 동적으로 나뉩니다.

고정 조명 효과의 유형

Zarnitsa - 수동 또는 자동으로 생성되는 순간적인 볼타 아크 플래시에 의해 제공됩니다. 최근에는 고강도 전자 플래시 장치가 널리 보급되었습니다.

별 - 손전등의 많은 수의 전구를 사용하여 시뮬레이션되었으며, 다양한 색상으로 칠해져 있고 광선 강도가 다릅니다. 전구와 그에 대한 전기 공급 장치는 펜스 막대의 막대에 매달린 검은 색 페인트 메쉬에 장착됩니다.

달 - 수평선에 적절한 빛 이미지를 투사하고 달을 모방한 목업을 사용하여 만들어집니다.

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