연극 비평의 본질에 관하여. 자세히 알아보기: 구독할 러시아 연극 평론가 다른 사전에 "연극 평론가"가 무엇인지 확인

짧은 참조

Alisa Nikolskaya는 전문 연극 평론가입니다. 연극 학부 GITIS를 졸업했습니다. 13년 동안 그녀는 연극 작품, 사진 전시회 및 기타 프로젝트를 제작하면서 자신의 전문 분야에서 일해 왔습니다.

교수:앨리스, 말해봐, 왜 연극 평론가가 필요한거야? 극장에서 누가 그것을 필요로 합니까: 관객, 예술가, 감독?

알리사 니콜스카야:연극은 일시적인 예술입니다. 공연은 하루 저녁 동안 지속되며 커튼이 닫히면 끝납니다. 반면 비평가는 무대에서 일어나는 일을 수정하여 더 오래 살 수 있습니다. 다음에 대한 정보를 제공합니다. 넓은 범위사람들의. 즉, 역사가와 기록 보관자의 기능을 수행합니다. 또한 비평가는 극장에서 일어나는 모든 일에 대한 단어를 찾습니다. 공식화, 분석, 설명합니다. 한마디로 하나의 연극 과정에서 비평가는 이론을 책임진다.

교수:평론가는 어떻게 일합니까? 이렇게 제시합니다. 그는 무대 뒤로 가서 감독에게 이렇게 말합니다. “들어 봐, Petya! 너 좋은 성능놓다. 그러나 어쩐지 완벽하지는 않습니다. 이 장면을 조금 줄이고 엔딩을 조금 바꾸고 싶습니다. 감독은 비판, 변화, 컷에 귀를 기울인다. 비평가가 그의 발언으로 머리에 못을 박았 기 때문입니다. 그래서?

또는 평론가가 공연을 보고 집에 가서 리뷰를 작성하고 Kultura 신문이나 Theatre 잡지에 게재합니다. 그런 다음 그는 자신의 일과 이해와 영광에 대해 감사합니다.

A.N.:그럴 수도 있습니다. 비평가와 감독-배우-극작가 사이에 실시간 대화가 이루어지면 정말 멋집니다. 러시아어로 이유없이 극장 축제구두 토론의 장르 과정에서. 즉, 평론가가 와서 공연을 보고 창작팀과 대화하면서 분석한다. 이것은 양측 모두에게 유용합니다. 비평가는 공식화하는 능력을 연마하고 연극에서 작업한 사람들의 말을 듣고 존중하는 법을 배웁니다. 크리에이티브 그룹전문가의 의견을 듣고 고려합니다. 모스크바에는 그런 일이 거의 없으며 공연에 대한 이야기는 한쪽 또는 다른 쪽의 주도로 일회성으로 발생합니다. 전문적인 대화가 매우 중요한 것 같습니다. 이것은 프로세스를 앞으로 나아갈 수 있는 생생한 기회입니다.

서면 텍스트는 프로세스에 훨씬 덜 영향을 미칩니다. 일반적으로 인쇄된 단어의 가치는 시간이 지남에 따라 감소합니다. 예를 들어 우리나라에서는 공연에 대한 부정적인 리뷰가 서양에서와 같이 흥행에 영향을 미치지 않습니다. 그리고 공연을 위해 쓰여진 감독 부정적 피드백대부분의 시간은 그들을 무시합니다. 아마도 많은 비전문인들이 연극에 대해 글을 쓰고 직업 자체에 대한 신뢰가 훼손되었기 때문일 것입니다. 오늘 대화는 별로 좋지 않습니다. 그리고 예술가의 비평에 대한 필요성, 심지어 예술가에 대한 비판도 최소한이다.

교수:사악한 방언은 이렇게 말합니다. 스스로 할 줄 모르는 사람은 비판에 빠집니다.

A.N.: 네, 그런 의견이 있습니다. 비평가들은 배우나 감독이 되지 못한 사람들이라고 여겨진다. 그리고 때때로 그러한 사람들이 만납니다. 그러나 이것이 그들이 나쁜 비평가가 된다는 것을 의미하지는 않습니다. 마찬가지로 프로필 교육을 받은 평론가가 항상 좋은 것은 아닙니다. 우리 직업에는 인재가 필요합니다.

교수:현대 연극에는 특히 평론가가 필요하다고 생각합니다. 그는 설명해야 합니다. 현대 극장은 종종 크로스워드 퍼즐과 같기 때문에 명확하지 않습니다. 마음으로만 생각하지 말고 머리로 생각해야 합니다. 그거에 대해서 어떻게 생각해?

A.N.:확실히 설명이 필요합니다. 공식화하십시오. 프로세스를 분석합니다. 오늘날 연극적 스펙터클의 범위는 영화, 비디오 아트, 음악, 다른 유형미술. 엄청나게 흥미 롭습니다. 예를 들어 새로운 연극을 이해하거나 현대 무용, 모든 것이 매우 빠르게 변화하고 보완되는 곳이 우리 눈앞에서 만들어지고 있습니다. 그냥 쉽게 이해하고 이해하세요. 마음은 끌 수 없지만. 결국 오늘날의 연극은 관객에게 감각적 차원에서 영향을 미치며 머리로만 지각하는 것은 불가능할 것이다.

교수:일반적으로 현대 연극에 대해 어떻게 생각하십니까? 이 현상은 무엇이며 현대 연극은 어떤 질문에 대답하거나 대답하려고 시도합니까?

A.N.: 요즘은 반세기 전의 모델로 존재하는 극장과 급변하는 오늘날의 시대를 포착하고 그에 대응하려는 극장 사이에 엄청난 간극이 존재한다. 첫 번째 유형의 극장은 아무 대답도 하지 않습니다. 그는 그냥 산다. 누군가는 그것을 필요로 합니다. 오늘 들여 보내지 않으려는 범주적인 의지는 불행이자 문제입니다. 그리고 일반적으로 소규모, 그룹 또는 개인으로 구현되는 두 번째 유형의 극장은 주변에서 영양분을 찾습니다. 강당에 와서 자신의 영혼의 메아리를 갈망하는 사람의 생각과 감정. 이것은 현대 연극이 사회성과 시사성을 좋아한다는 것을 의미하지는 않습니다. 비록 이러한 구성 요소 없이는 불가능하지만 말입니다. 신성한 극장에 대한 접근 방식이 있습니다. 관능적, 인간 본성의 기원으로 돌아가기.

교수:어떻게 생각해, 앨리스, 어때 주요 문제러시아의 현대극? 그는 무엇이 부족합니까?

A.N.: 부족한 것이 많습니다. 주요 문제 - 사회 및 조직 계획. 당국과의 접촉, 대화가 없습니다. 드문 예외를 제외하고 당국과 예술가는 연락하지 않으며 당국은이 대화에 관심이 없습니다. 결과적으로 극장은 외곽에 있습니다. 공공 생활, 연극이 사회에 미치는 영향은 그렇지 않습니다. 일회성 단일 예외.

또 다른 문제는 건물과 보조금을 가진 사람들과 두뇌와 재능을 가진 사람들 사이의 거리입니다. 봐: 전체적으로 주요 극장신음 소리가 있습니다- "새로운 피가 어디에 있습니까?" 그리고이 새로운 피는-감독, 연기, 극작입니다. 그리고이 사람들은 여기에 있습니다. 그들을 위해 화성으로 날아갈 필요가 없습니다. 그러나 어떤 이유로 그들은 이러한 구조에서 최소한으로 허용되거나 허용되지 않습니다. 그리고 극장 경영진은 여전히 ​​\u200b\u200b하늘에서 떨어지고 모든 문제를 해결할 일종의 "새로운 Efros"를 꿈꾸고 있습니다. 이 모든 것을 보니 안타깝습니다. 실제로 극장에서 일어날 시간이없는 감독들이 연재물 촬영을 위해 떠나는 모습이 씁쓸하다. 몇 년 동안 제대로 된 직업을 가지지 못한 채 재능을 타고난 배우들을 보면 씁쓸하다. 학생들이 교육 시스템에 의해 왜곡되고 자신의 개성을 이해하지 못하고 듣지 않는 것을 보는 것은 씁쓸합니다.

교수:연극 평론가가 되려면 극장을 사랑해야합니다 ( "... 즉, 영혼의 힘을 다하고 열정을 다하고 열광적으로 만 할 수있는 ..."). 그러나이 직업을위한 훈련과 준비 과정에서 어떤 자질을 스스로 배양해야합니까?

A.N.: 평론가는 부차적인 직업이다. 비평가는 그가 본 것을 수정하고 이해하지만, 그 자신은 아무것도 창조하지 않는다. 특히 야심 찬 사람에게는 참기 어려운 순간입니다. 이것을 깨달을 준비가 되어 있어야 합니다. 그리고 극장을 사랑하는 것은 필수입니다! 물론 그들 모두는 아닙니다. 자신의 취향 형성, 자기 교육도 매우 중요한 것입니다. 좋은 것과 나쁜 것을 구별하지 않고 공연 후 기쁨으로 질식하는 비평가가 필요한 사람은 누구입니까? 극장에 가서 열심히 일하는 것처럼 이빨을 통해 불평하는 사람도 필요하지 않습니다.

교수:연극 평론가가 되기 위한 최고의 장소는 어디인가요?

A.N.:잊을 수없는 GITIS 총재 인 Sergei Alexandrovich Isaev는 연극 연구는 직업이 아니라 일련의 지식이라고 말했습니다. 이것은 사실입니다. GITIS의 연극부(제가 졸업했고 지금은 평론가로 일하고 있는 대부분의 동료들)에서 그들은 매우 훌륭한 교양 교육을 제공합니다. 그것을 받으면 과학에 가거나 반대로 PR에 가거나 극장에서 다른 것으로 전환 할 수도 있습니다. 우리 연극과를 졸업했다고 모두 평론가가 되는 것은 아니다. 그러나 모든 비평가가 연극 부서에서 직업을 얻는 것은 아닙니다.

제 생각에는 '글쓰기'의 길을 택한 사람에게 가장 최고의 선생님연습이다. 글쓰기는 가르치는 것이 불가능하다. 이것이 사람에게 어렵다면 그는이 사업에 결코 익숙해지지 않을 것입니다 (저는 그러한 경우를 많이 보았습니다). 소인이 있다면 대학에서 얻은 지식은 원하는 곳으로 가는데 도움이 될 것입니다. 사실, 오늘날 연극 비평은 대부분 연극 저널리즘으로 바뀌었습니다. 그리고 이러한 편견은 대학에 있는 것이 아닙니다. 그리고 동일한 GITIS의 벽을 떠나는 사람들은 직업에서 더 이상 존재할 준비가되지 않았을 수 있습니다. 여기에서 많은 것은 교사와 그 사람 자신에게 달려 있습니다.

GITIS의 극장 부서는 아마도 가장 유명한 곳, 그들은 "비판하기"를 가르칩니다. 그러나 유일한 것은 아닙니다. 모스크바에 대해 이야기하면 대부분의 교양 대학에서 연극 연구 방향을 제공합니다. 예를 들어 RSUH는 교육의 질이 높은 곳입니다.

교수:연극 평론가의 경력은 어떻게 생겼습니까?

A.N.:말하기 어렵다. 비평가의 경력은 그 과정에 대한 그의 영향 정도인 것 같습니다. 이것은 비평가들이 인정하는 개별 스타일의 발전입니다. 그리고 행운의 순간, "in 적시올바른 장소에"도 있습니다.

교수:당신은 지금 연극을 제작하고 있습니다. 어디에서 왔습니까? 인내심이 부족합니까? 영혼에 뭔가 싹이 났습니까? IT 성장을 어떻게 이해했습니까? 그것이 당신을 어떻게 풍요롭게 했습니까?

A.N.:여기에는 많은 요인이 있습니다. 몇 년 전부터 기존의 연극적 현실이 그다지 만족스럽지 않다는 느낌을 받았다. 그녀는 뭔가를 놓치고 있습니다. 그리고 무언가 빠진 것이 있고 그것이 무엇인지 이해하면 변경 사항을 기다리거나 직접 가서 할 수 있습니다. 나는 두 번째를 선택했다. 나는 활동적인 사람이고 한 자리에 앉아서 기다릴 줄 모르기 때문입니다.

저는 새로운 것을 시도하는 것을 정말 좋아합니다. 5년 전 우리는 멋진 포토 아티스트 Olga Kuznetsova 프로젝트 "phototheatre"를 생각해 냈습니다. 우리는 카메라에 대한 연기 작업과 공간의 독창성을 결합했습니다. The Power of Open Space라는 한 프로젝트가 Na Strastnoy 극장 센터에서 3명의 사진작가의 대규모 전시회의 일환으로 상영되었습니다. 다른 하나는 “Royal Games. 훨씬 더 방대한 Richard the Third"는 1년 후에 제작되어 Meyerhold Center에서 상영되었습니다. 요컨대, 우리는 시도했습니다. 작동했습니다. 이제 방법을 이해합니다. 흥미로운 방향그리고 그것이 어떻게 개발될 수 있는지.

"흥미롭다 - 시도했다 - 밝혀졌다"라는 동일한 원칙에 따라 다른 프로젝트가 만들어지고 있습니다. 젊은 영화 감독들의 작품이 흥미로워졌습니다. TsIM에서 단편 영화를 상영하는 프로그램이 탄생했습니다. 나는 클럽 공간에 매료되어 콘서트를 시작했습니다. 그런데 이 직장을 그만둔 것이 정말 후회됩니다. 나는 그것으로 돌아가고 싶다. 그리고 내일 내가 다른 것을 좋아한다면, 나는 가서 그것을 하려고 노력할 것입니다.

연극에 관한 한, 여기에서 저는 아직 여정의 맨 처음에 있습니다. 많은 아이디어가 있습니다. 그리고 그들 모두는 여러면에서 내가 사랑하는 사람들, 세계와 연극에 대한 비전이 나와 일치하는 사람들에게 초점을 맞추고 있습니다. 팀워크는 저에게 매우 중요합니다. 혼자가 아닌, 지지를 받고, 관심을 가질 때의 느낌은 남다르다. 물론 실수와 실망도 있었다. 고통스럽고 쓰라린 결과가 있습니다. 그러나 이것은 검색, 프로세스입니다. 이것은 정상입니다.

예를 들어 특별한 예술가를 보거나 연극을 읽을 때 이것은 기분 좋은 느낌입니다. 갑자기 무언가가 내부에서 맥동하기 시작하면 "이것은 내 것입니다! "라고 생각합니다. 그리고 당신은 예술가를 위해-역할, 연극-감독을 발명하기 시작합니다. 당신은 머리와 종이에 전체 작업 순서를 구축합니다. 돈을 버는 방법, 사람들이 당신과 함께 일하도록 설득하는 방법, 자신의 불타는 것으로 그들을 사로 잡는 방법, 팀을 구성하는 방법, 완제품을 홍보하는 방법, 준비하는 방법 운명. 물론 작업량은 엄청납니다. 두려워하지 말고 중단 없이 앞으로 나아가는 것이 중요합니다.

교수:비평이라는 직업에서 당신의 신조는 무엇입니까?

A.N.: Credo, 아무리 진부하더라도 자신이 되십시오. 거짓말 하지마. 말로 죽이지 마세요. 분해, 대결에 들어가지 마십시오. 배우 또는 감독과 같은 특정 캐릭터가 솔직히 불쾌하고 그의 작품에 대해 이야기하면 무의식적으로 나쁜 것을 찾기 시작합니다. 그리고 그것을 찾으면 정말 이 땅을 돌아다니고 싶어집니다. 이것은 좋지 않습니다. 우리는 열정을 조절해야 합니다. 저는 항상 제 자신에게 이렇게 말합니다. 내가 주저하지 않는 일이 발생하지만.

교수:직업의 주요 어려움은 무엇입니까? 이 직업의 의무는 무엇입니까? 그래서 나는 당신이 거의 모든 저녁 시간을 극장에서 보내는 것을 봅니다. 이거 힘든 노동 아닙니까?

A.N.:아니, 힘든 노동은 전혀 아니다. 나는 직업이 매우 사랑 받더라도 평생을 지치지 않는다는 말에 지치지 않습니다. 그리고 소진하는 것은 불가능합니다. 그렇지 않으면 매우 불행한 사람이 될 수 있습니다. 그리고 내 눈앞에 그러한 예가 있습니다. 예, 극장은 제 시간의 상당 부분을 차지합니다. 그러나 그것은 의식적인 선택입니다. 내가 사랑하고 이야기하는 많은 사람들은 극장 서클. 그리고 나는 직업에 대해 포함하여 그들과 이야기하는 데 매우 관심이 있습니다. 그러나 나는 또한 완전히 비 연극적이고 비 연극적인 취미를 가진 친구들이 있습니다. 그리고 그들이 있다는 사실에 신에게 감사합니다. 자신을 일에 가둘 수는 없습니다. 살아있는 사람, 호흡 및 느낌이 필요합니다. 그리고 일을 고된 노동으로 접근해서는 안 됩니다. 그렇지 않으면 할 수 없습니다. 인식의 경계를 넓힐 필요가 있습니다.

예를 들어 극적 공연에 엄격하게 가는 사람들을 이해하지 못했습니다. 이제 모든 종류의 예술이 서로 침투합니다. 나는 오페라와 발레, 콘서트와 영화에 간다. 그리고 저에게 이것은 즐거움이나 오락일 뿐만 아니라 일의 일부이기도 합니다.

예를 들어 나에게 어려움은 나 자신에게 거짓말을 하지 않고 가짜가 되지 않는 것입니다. 때때로 당신은 놀라운 광경을 봅니다. 그리고 당신이 본 것을 말로 전달하기 위해 접근하는 방법을 모릅니다. 드물지만 발생합니다. 그런 다음 홀을 떠나 불타고 불타고 앉아서 글을 쓸 때-순교. 그러나 고통이 있고 매우 나쁜 성능을 다룰 때. 이것이 나쁘다고 말하는 방법은 독을 뿌리지 않고 남용하지 않고 "무엇"과 "왜"를 모두 명확하게 설명하는 것입니다. 나는 13년 동안 이 직업에 종사해 왔습니다. 그러나 새로운 텍스트가 저에게 시험이 되는 경우가 종종 있습니다. 우선 나 자신에게.

교수:당신에게 있어 이 직업의 주된 매력은 무엇입니까?

A.N.:바로 그 과정에서. 당신은 극장에 와서 홀에 앉아 봅니다. 당신은 메모를합니다. 그런 다음 쓰고, 생각하고, 공식화합니다. 당신은 이미 본(또는 읽은) 것의 연상, 감각, 메아리를 찾기 위해 내면을 들여다보고 있습니다. 다른 예술 형식과 유사점을 그립니다. 이 모든 것이 무엇과도 비교할 수 없는 놀라운 느낌입니다.

그리고 또 하나의 즐거움 - 인터뷰. 인터뷰를 별로 좋아하지 않는데 반갑고 반갑게 만나는 사람들이 있다. Yuri Lyubimov, Mark Zakharov, Tadashi Suzuki, Nina Drobysheva, Gennady Bortnikov... 이들은 우주인입니다. 예, 그리고 다른 많은 이름을 지정할 수 있습니다. 각 회의는 경험, 인식, 자연에 대한 이해, 인간 및 창의적입니다.

교수:연극 평론가로 돈을 벌 수 있습니까?

A.N.:할 수 있다. 하지만 쉽지 않습니다. 많은 것은 자신의 활동에 달려 있습니다. 한 친구이자 동료가 말했듯이 "내가 얼마나 달렸는지, 나는 너무 많이 벌었습니다." 또한 극장에 대한 텍스트가 모든 미디어에서 요구되는 것은 아니라는 점을 명심해야 합니다. 그러므로 당신은 끊임없는 극단에 살고 있습니다. 내부, 직업적 요구 및 진부한 생존의 조합을 찾습니다. 지식과 기술을 최대한 활용하십시오.

어떤 사람들의 생각에 비평가는 평결을 내리는 판사입니다. 더 정확하게 말하면 걸작입니까 아니면 말도 안되는 것입니까? 여러 면에서 이것은 막다른 의견입니다. 비평은 단순한 리뷰일 뿐 아니라 작품에 대한 단순한 프로 콘트로가 아니기 때문입니다. 연극 비평은 큰 함정이 있는 특별한 세계다. 그들 없이는 비판은 오래 전에 소셜 네트워크의 토론 및 게시물 형식으로 전환되었을 것입니다. 그래서 무엇입니까? 리뷰 작성 기술은 어디서 배우나요? 연극 평론가가 되려면 어떤 재능이 필요합니까? 이 직업의 어려움은 무엇입니까?

저널리즘 장르를 기억한다면 리뷰는 분석이라는 세 그룹 중 하나에 속합니다. 간단히 말해서 연극 평론가는 공연을 분석합니다. 모든 작은 것이 중요하기 때문에 그는 모든 세부 사항을 들여다 봅니다. 그러나 리뷰가 항상 "비판"인 것은 아닙니다. 감정적으로 쓰여진 자료를 아무도 읽지 않을 것입니다. "당신의 성과는 엉망입니다."

“모스크바에서 열린 러시아 현대 미술 트리엔날레에서 옴스크의 다미르 무라토프(Damir Muratov)는 캔버스에 개념적으로 새긴 “모든 사람이 예술가를 화나게 할 수 있는 것은 아닙니다”라는 그의 작품을 발표했습니다. 유사한 행동주의와 마찬가지로 장난스러운 말장난과 함께 여기에서 볼 수 있습니다. 중요한 의미,-연극 평론가 Alexey Goncharenko는 말합니다. -때로는 비평가의 날카로운 발언으로 감정을 제쳐두고 장면의 무언가를 바꾸고 더 강하게 만들 수 있으며 때로는 예기치 않은 칭찬이 저자를 우울하게 할 수 있습니다 (그는 작품에서 그에게 더 소중한 것을 주목할 것이라고 기대했습니다) . 단순히 감독과 아티스트를 꾸짖을 필요가 없고 칭찬만 하듯 관객도 할 수 있다. 분석, 분해, 질문 및 질문을하는 것이 연극 과정에서 더 생산적이며 논쟁과 함께 예술 작품에 대한 평가가 탄생 할 것입니다. odes의 저자, ​​그는 맹목적으로 존경하지 않고 그가 쓴 사람들을 존경합니다.

이 장르로 글을 쓰기 위해서는 연극이 무엇인지 아는 것만으로는 충분하지 않다. 비평가는 좋은 의미에서 선택 뒤죽박죽입니다. 그는 연극 예술뿐만 아니라 정통합니다. 비평가는 약간의 철학자, 약간의 사회학자, 심리학자, 역사가입니다. 감독, 배우, 극작가. 그리고 마지막으로 기자입니다.

"연극계의 대표자로서 비평가는 끊임없이 의심해야 합니다."라고 "Badger-theater expert" 잡지의 편집장인 Elizaveta Sorokina는 그녀의 의견을 공유합니다. - 당신은 말할 수 없습니다. 계속해서 가설을 세워야 합니다. 그리고 그것이 사실인지 아닌지 확인하십시오. 가장 중요한 것은 실수를 두려워하지 않고 각자에게 감사하는 것입니다. 우리는 연극 평론가가 다른 모든 연극과 마찬가지로 창의적인 직업이라는 것을 잊지 말아야 합니다. 비평가가 "경사로의 반대편"에 있다는 사실은 아무 것도 바꾸지 않습니다. 감독의 진술 단위는 연극이고, 배우는 역할이고, 극작가는 연극이고, 비평은 텍스트입니다.

비평가의 과제 중 하나는 모든 사람을 위한 자료를 작성하는 것입니다. 자신의 취향과 선호도가 있는 각 독자에게 적응하십시오. 리뷰 청중은 상당히 많습니다. 여기에는 관객뿐만 아니라 공연 감독 (많은 훌륭한 감독이 자신의 작품에 대한 비판을 읽지 않는다고 주장하지만)과 상점의 동료도 포함됩니다. 그들이 얼마나 다른 사람들인지 상상해보세요! 그들 각각은 자신의 방식으로 극장을 봅니다. 어떤 사람들에게는 "재미있는 시간"이고 다른 사람들에게는 "세상에 좋은 말을 많이 할 수있는 부서"(N. V. Gogol)입니다. 각 독자에게 자료는 유용해야 합니다.

대부분의 경우 리뷰는 이해하도록 교육받은 사람들이 작성합니다. 연극 예술내부에서 그들은 연극 평론가입니다. 모스크바 학교(GITIS), 상트페테르부르크(RGISI) 등의 졸업생. 언론인 학위를 가진 사람들이 항상 문화 영역에 빠지는 것은 아닙니다. 연극 전문가와 저널리스트를 비교하면 흥미로운 비유를 얻을 수 있습니다. 둘 다 공연 리뷰를 작성할 때 장단점이 있습니다. 연극과를 졸업한 평론가들이 항상 저널리즘 장르에 대한 생각을 갖고 있는 것은 아니다. 많은 용어 뒤에는 엘리트가 아닌 독자가 이해할 수없는 단어가 풍부하여 금방 지루해질 것이라는 사실을 잊는 경우도 있습니다. 저널리즘 교육을 받은 비평가는 매개 변수 측면에서 부족합니다. 그들은 종종 극장, 기능 및 전문 용어에 대한 특징적인 지식이 부족합니다. 그들은 항상 내부에서 극장을 이해하는 것은 아닙니다. 단순히 이것을 배우지 않았습니다. 저널리즘 장르를 아주 빨리 배울 수 있다면 (처음은 아니지만) 몇 달 안에 연극 이론을 마스터하는 것은 불가능합니다. 일부의 단점은 다른 사람의 장점인 것으로 밝혀졌습니다.

FB Pavel Rudnev의 사진

"연극 텍스트는 더 이상 돈을 버는 수단이 아니며 미디어의 문화 페이지는 불가능하게 축소되었으며 나머지 신문은 크게 개선되었습니다. "라고 극장 평론가이자 극장 관리자 인 Pavel Rudnev는 말합니다. 미술사에서. - 1990년대에 수도에서의 공연이 30-40개의 리뷰를 수집할 수 있었다면 오늘날 언론 비서는 공연에 대한 적어도 하나의 리뷰가 게시되면 기뻐합니다. 가장 공명적인 작품은 10개의 리뷰를 유발합니다. 물론 이것은 한편으로는 팔 수없는 것을 짜내는 시장의 결과이고 다른 한편으로는 현대 문화, 새로운 극장, 문화에 들어오는 새로운 사람들에 대한 불신의 결과입니다. 첫 번째를 참을 수 있다면 두 번째는 진짜 재앙입니다. 많은 사람들은 오늘날 평론가가 매니저, 프로듀서가 되었다고 말합니다. 그리고 이것은 아쉽게도 강요된 것입니다. 당신은 자신과 가족을 부양해야합니다. 그러나 문제는 비평가의 명성과 권위가 여전히 무엇보다도 정확히 텍스트와 분석에 의해 만들어진다는 것입니다. 그리고 오늘날 젊은 연극 평론가에게 기회가 거의 없다는 사실은 평론가의 성숙이 장기적인 과정이기 때문에 재앙입니다. 완전히 준비되고 갖춰진 대학에서 나오는 사람은 없습니다.

내가 시작했을 때 나는 Nezavisimaya Gazeta의 Dom Aktora 신문의 Olga Galakhova와 Gennady Demin, Nezavisimaya Gazeta의 Grigory Zaslavsky와 같은이 신뢰에 감사하는 선임 연극 전문가로부터 귀중한 도움을 받았습니다. 그리고 이것은 그 자체의 의미를 가졌습니다. 연속성이있었습니다. 당신은 저를 돕고 저는 다른 사람들을 돕습니다. 문제는 오늘날 이 선을 뻗을 곳조차 없다는 것입니다. 오늘날에는 인터넷의 무료 기능만이 가능성을 제공할 수 있습니다. 예를 들어 STD RF의 Youth Council은 젊은 비평가 "Start Up"을 위한 블로그를 만들었습니다. 텍스트의 영역은 수도의 문화뿐만 아니라 무엇보다 지역에 영향을 미치기 때문에 넓습니다. 그러나 우리가 문자에 대해 아무것도 지불하지 않는 것은 나쁘다. 부끄러운 일이야!"

연극 평론가는 창의적인 직업이며 많은 사람들이 무관심하게 평생을 바칩니다. 그러나 전문가가 되기 전에 열심히 노력해야 합니다. 비평가는 저자의 창의적인 아이디어를 객관적으로 평가할 수 있어야 하며 그의 의견을 정확하고 명확하게 진술할 수 있어야 합니다. 세부 사항을 인식하고 단어를 능숙하게 마스터하고 무대에 제시된 세계의 그림을 인식하는 방법을 배워야합니다. 간단합니까? 아니요. 그러나 언제 어려움이 우리를 막았습니까? 절대. 앞으로!

Elizaveta Pecherkina, rewizor.ru

연극 평론가

연극 평론가- 연극 비평에 전문적으로 종사하는 사람뿐만 아니라 직업 - 문학적 창의성, 일반화 기사, 공연 리뷰, 창의적인 초상화배우, 감독 등 .

연극 비평은 연극 연구와 직접적으로 관련이 있으며, 그 수준에 따라 다르며, 더 시사적이고 사건에 더 빨리 반응하기 때문에 연극 연구에 자료를 제공합니다. 극장 생활. 한편, 연극비평은 문학비평, 문학비평과 연결되어 시대적 미학적 사상의 상태를 반영하고, 극장 시스템.

이야기

다음은 유명한 러시아 비평가들입니다.

노트

위키미디어 재단. 2010.

• 시어터 디스트릭트(뉴욕)
• 극장 다리(이바노보)

다른 사전에 "극장 평론가"가 무엇인지 확인하십시오.

극장판 10월- 1920년 Vsevolod Emilievich Meyerhold가 제시한 10월의 정복을 기반으로 한 극장의 정치화인 혁명 이후 러시아의 연극 사업을 개혁하는 "Theatrical October" 프로그램. 해. Meyerhold - 극장의 "리더" ... Wikipedia

비평가- 비평가, 비판, 남편. 1. 예술 작품을 비평, 해석, 평가하는 작가. 문학 평론가. 연극평론가. 2. 평론가와 동일(구어체 neod.). 그는 끔찍한 비평가입니다. “나는 당신이 몹시 두렵습니다 ... 당신은 위험합니다 ... ... Ushakov의 설명 사전

비평가- n., m., 사용. 비교 종종 형태학: (아니오) 누구? 누구를 위한 비판? 비판, (참조) 누구? 누구의 비판? 비평가, 누구에 대해? 비판에 대해; pl. WHO? 비판, (아니) 누구? 비평가는 누구에게? 비평가, (참조) 누구? 비평가 누구? 누구에 대한 비평가? 평론가에 대해... 드미트리예프 사전

비평가- CRITIC, a, m 누구, 무엇 l을 비판, 평가, 분석하는 사람. Vadim은 대학을 졸업하고 미술사 학위를 받고 강의를하고 때로는 견학을했으며 이제는 연극 평론가 (A. Rybakov)로 활동했습니다 ... 러시아어 명사의 설명 사전

시어터 밴(영화)- The Band Wagon Theatrical Wagon ... Wikipedia

연극 로맨스 (영화)- 연극 소설 장르 드라마 코미디 감독 올렉 바비츠키 유리 골딘 각본가 예브게니 운가드 ... Wikipedia

비평가- 비평가, 남편. 1. 비평에 종사하는 자(1가치) 누군가를 비난하는 사람. 엄격한 k. 2. 비판에 관여하는 전문가(3가지 가치). 문학 k. 뮤지컬 k. 연극 k. | 여성 비판, s (2가지 의미; 구어체 ... ... Ozhegov의 설명 사전

연극 로맨스- Mikhail Afanasyevich Bulgakov의 미완성 소설 "연극 소설"( "죽은 사람의 노트"). 특정 작가 Sergei Leontyevich Maksudov를 대신하여 1 인칭으로 작성된이 소설은 연극 무대와 글쓰기 세계에 대해 이야기합니다. ... ... Wikipedia

비평가- ㅏ; m. 1. 무엇을 분석하고 평가하는 사람 l. 등등. 발간된 법률 초안의 비평가. 이 문제에 대한 우리 입장의 비평가. 2. 비판을 다루는 사람(4자). 문학 K. 연극 K. 뮤지컬 K. ◁ 비평, ... ... 백과 사전

비평가- ㅏ; M. 참조하십시오. 비판 1) 무엇을 분석하고 평가하는 사람 l. 등등. 발간된 법률 초안의 비평가. 이 문제에 대한 우리 입장의 비평가. 2) 비평에 종사하는 사람 4) 문학 kri/tik. 연극 크리어/ … 많은 표현의 사전

서적

• F. V. Bulgarin - 작가, 저널리스트, 연극 평론가, Vershinina Natalya Leonidovna, Bulkina I., Reitblat Abram Ilyich. F. V. Bulgarin-작가, 저널리스트, 연극 평론가 (2017) 저널 New Literary Review 및 ...

논문은 낡았고 중요한 연구는 남아 있습니다.

L. 그로스만

내게는 우리가 제대로 된 연극 비평을 거의 다루지 않는 것 같았습니다. 그의 인생에서 배우가 몇 번만 (위대한 사람들의 메모에 따르면) 비행 상태, 무중력 및 환생이라고 불리는이 마법의 "내가 아님"을 느끼는 것처럼 극장의 작가는 거의 말할 수 없습니다. 에 종사했다 예술 비평. 진정한 의미에서 연극 비평, 공연에 대한 유창하고 간결한 진술 또는 다른 무대 현상 중에서 자신의 위치를 ​​지적하는 연극 적 결론을 고려할 가치가 거의 없습니다. 우리의 텍스트, 특히 신문 텍스트는 연극 연구와 저널리즘의 일종의 공생이며 메모, 고려 사항, 분석, 인상 등 무엇이든간에 직업의 주권을 결정하는 연극 비평의 본질은 다른 것입니다. 연극 비평은 항상 더 깊고 유기적이며 원래 예술적 직업인 것처럼 보였습니다.

감독이나 배우 (그리고 이것은 항상 발생합니다)가 자신의 작품의 본질이 신비스럽고 비평가들에게 이해할 수 없다고 말할 때 (이해하기 위해 가서 공연을하게하십시오 ...)-이것은 놀랍습니다. 비평가와 공연 텍스트의 관계, 이해 과정은 역할을 생성하거나 감독의 악보를 구성하는 행위와 유사합니다. 한마디로 연극비평은 연출과 연기를 동시에 닮는다. 이 질문은 제기된 적이 없으며 비평이 문학이어야 한다는 것조차 동료 연극 평론가에게는 종종 명확하지 않습니다.

이것부터 시작합시다.

문학으로서의 비평

기분 상하지 마세요. 상기시켜 드리겠습니다. 러시아 연극 비평은 독점적으로 위대한 작가의 깃털 아래에서 발생했습니다. 그들은 많은 장르의 창시자였습니다. N. Karamzin은 첫 번째 리뷰의 저자입니다. P. Vyazemsky-feuilleton (적어도 "Lipetsk Waters"에 대해 살펴 보겠습니다), 그는 극작가의 첫 번째 초상화 중 하나의 저자이기도합니다 (사후 Collected Works에서 V. Ozerov의 인생 이야기). V. Zhukovsky는 "역할을 맡은 배우"라는 장르를 발명하고 Phaedra, Dido, Semiramide의 소녀 Georges를 묘사했습니다. A. Pushkin은 "비고"를 낳았습니다. P. Pletnev는 문자 그대로 "Stanislavsky에서"논문으로 연기하는 것에 관한 최초의 이론적 기사를 썼을 것입니다. N. Gnedich와 A. Shakhovskoy는 서신을 출판했습니다 ...

러시아 연극 비평은 A. Grigoriev와 A. Kugel에서 V. Doroshevich와 L. Andreev에 이르기까지 뛰어난 작가로 유명해졌습니다. 비평가들은 넓은 의미의 작가들이었기 때문에 러시아 연극 비평을 러시아 문학의 일부, 특정 예술적이고 분석적인 산문 분야로 간주할 모든 이유가 있으며, 다른 유형의 문학과 완전히 동일한 다른 장르 및 문체 수정에 존재합니다. 극장 리뷰, 패러디, 초상화, 에세이, 날조, 문제 기사, 인터뷰, 대화, 팜플렛, 시 등 -이 모든 것은 문학으로서의 연극 비평입니다.

국내 비평은 연극 자체의 발전과 병행하여 발전했지만 연극 연구가 과학으로 등장해야만 다른 질을 얻었다 고 생각하는 것은 잘못된 것입니다. 이미 러시아 비판이 형성되었을 때 이런 종류의 창의성에 대한 진지한 정의가 주어졌습니다. “비평은 공정하고 자유로운 교육받은 취향의 규칙에 기반한 판단입니다. 당신은 시를 읽고, 그림을 보고, 소나타를 듣고, 즐거움과 불쾌함을 느낍니다. 둘 다에 대한 이유를 분석하십시오. 그것은 비판입니다.”라고 V. Zhukovsky는 썼습니다. 이 진술은 예술 작품뿐만 아니라 작품에 대한 자신의 인식인 "즐거움 또는 불쾌함"을 분석할 필요성을 확인합니다. 푸쉬킨은 주코프스키의 주관주의에 대해 다음과 같이 주장했습니다. 현대의 놀라운 현상에 대한 용어 관찰." 즉, Pushkin에 따르면 예술 발전 과정 자체 ( "장기 관찰")를 이해해야하며 Zhukovsky에 따르면 자신의 인상을 잊지 말아야합니다. 200년 전, 우리 직업의 이중성을 표현하면서 관점이 수렴되었습니다. 분쟁은 오늘날까지 끝나지 않았습니다.

연출의 출현과 연극 연구의 발전과 함께 공연의 텍스트가 연극 비평의 대상이되었다고 생각하는 것은 잘못된 것입니다. 처음부터 비판은 연극과 공연을 분리했습니다 (Emilia Galotti에 대한 그의 리뷰에서 Karamzin은 연극을 분석 한 다음 배우의 연기를 평가합니다). 한 역할에서 배우의 연기를 신중하게 설명했습니다. 또는 다른 (Gnedich, Zhukovsky), 연극 예술의 방향에 대한 논쟁을 위해 연기 창작물의 예를 사용하여 V. Belinsky가 나중에 불렀던 것처럼 비판을 "움직이는 미학"으로 바꿉니다. 이미 1820 년대 초에 Ekaterina Semenova에 관한 기사에서 연기 예술 분석의 주목할만한 예가 나타났습니다. P. Pletnev는 배우의 내부 구조에 대해 연기 방법에 대해 훌륭하게 씁니다. 연극의 발달과 함께 그 순간 무엇이 무대를 장악했느냐에 따라 비평은 트렌드와 장르의 특성을 파고들고 그 다음에는 드라마투르기가 중심이 되고 그 다음에는 배우가 되었고, 극장, 러시아 연극 비평은 이 방향을 모색했다.

연출의 연극과 연극학이 학문으로 등장하면서 연극비평은 이론적 토대를 갖추게 되었고, 연극적 기준을 유기적으로 동화시켰다. 그러나 그것은 항상 문학이었고 여전히 남아 있습니다. 공연에 대한 연극적 진술을 확인하고 이 공연이 속한 방향을 결정하는 속성을 명명하는 비평을 고려하는 것은 거의 불가능합니다. 이것도 비평이라는 의견이 있지만 어제 라이브 공연이었던 '나비'를 잡은 연극 평론가의 임무는 '핀에 찔러' 다른 컬렉션에 넣는 것입니다. 나비, 현상을 분류하고 "식별 번호"를 지정합니다.

연극 비평은 다른 예술 비평과 마찬가지로 "과학을 대체하지 않고, 과학과 일치하지 않으며, 그 안에 포함된 과학적 성격의 요소에 의해 결정되지 않는다", "예술적 창의성과 그 주제의 의미를 유지하면서- 미술, 미학, 사회학 또는 언어학이 전혀되지 않고 미적, 사회 학적 또는 저널리즘 적 성격을 취할 수 있습니다. 따라서시는 과학적이거나 정치적 일 수 있으며 본질적으로 시로 남을 수 있습니다. 따라서 소설은 철학적, 사회적 또는 실험적일 수 있으며 끝까지 소설로 남을 수 있습니다. N. Krymova, K. Rudnitsky, I. Solovieva, A. Svobodin, V. Gaevsky, A. Smelyansky 및 20 세기 후반의 기타 주요 비평가의 작업에서 많은 사람들이 기본 교육의 연극 평론가였습니다. 다른 역사적 시대와 마찬가지로 미적, 사회학적 비평, 저널리즘 등의 예를 찾을 수 있습니다.

* Grossman L. 예술 비평의 장르 // Grossman L. P. 스타일을 위한 투쟁. M., 1927. S. 21.

감동적인 미학으로서의 연극 비평은 연극 과정과 병행하여 때로는 앞서고 때로는 뒤처져 극장의 발전과 함께 그 범주적 장치와 예술적 좌표 체계가 변하지만 매번 텍스트는 진정한 비평으로 간주될 수 있다. 특정 작품을 심사하는 곳, 우리 대화하는 중이 야창의적으로 가공된 특정 재료를 의미하고 자체 구성에 대한 판단이 이루어지는 예술적 생산에 대해. 물론 ... 비평은 전체 경향, 학파 및 그룹을 판단하기 위해 요구되지만 특정 미적 현상에서 진행되는 데 없어서는 안될 조건입니다. 고전주의, 감상주의 등에 대한 비객관적 주장 모든 이론, 시학 또는 선언문을 참조할 수 있습니다. 그들은 어떤 식으로든 비평의 영역에 속하지 않습니다.

시를 쓰기 위해서는 검증의 법칙에 대한 지식뿐만 아니라 '청각', 특별한 마음가짐 등도 필요하다. 연극 평론가에게 연극에 대해 글을 쓰는 사람, 연극 연구 지식의 총체. 여기에서도 공연에 대한 "청각", 그것을 생생하게 인식하고 종이에 예술적이고 분석적인 인상을 반영하고 재현하는 능력이 필요합니다. 동시에 연극 장치는 의심의 여지가 없습니다. 연극 현상은 당시의 일반적인 상황, 일반적인 문화적 문제와 관련하여 연극 과정의 맥락에 배치되어야합니다. Zhukovsky-Pushkin 시대와 마찬가지로 극장의 존재에 대한 객관적인 법칙과 작품에 대한 주관적인 인식의 조합에서 비평가의 내부 대화는 그의 반성 및 연구 주제 인 공연으로 구성됩니다.

작가는 세계와 그의 영혼의 현실을 동시에 탐구한다. 연극 평론가는 공연의 현실을 탐구하지만 그것을 통해 세계의 현실(좋은 공연은 세계에 대한 진술이기 때문에)과 그의 영혼을 탐구합니다. (아래에서 자세히 설명). Willy-nilly, 그는 공연뿐만 아니라이 공연의 동시대 인, 엄밀히 말하면 목격자 인 전문적이고 인간적인 기준 시스템을 가진 회고록 인 자신도 극장의 역사를 포착합니다.

이것은 비평의 서정적 "나"가 지배한다는 의미가 아닙니다. 배우의 "나"가 역할 뒤에 숨겨져있는 것과 같은 방식으로 "공연의 이미지"뒤에 숨겨져 있습니다. 공연의 텍스트, 작가의-문학 텍스트의 비 유적 체계 뒤에 있습니다.

연극평론가는 공연 뒤에 '숨어' 그 속에 녹아들지만 글을 쓰기 위해서는 '그에게 헤쿠바란 무엇인가'를 이해하고 자신과 공연 사이의 긴장의 실타래를 찾아 이 긴장을 말로 표현해야 한다. “말은 사람이 물려받은 가장 정확한 도구입니다. 그리고 전에는 (끊임없이 우리를 위로합니다 ...) 아무도 한마디로 아무것도 숨길 수 없었습니다. 그가 거짓말을하면 그의 말이 그를 배신했고 그가 진실을 알고 말하면 그에게 왔습니다. 사람이 단어를 찾는 것이 아니라 단어가 사람을 찾습니다”(A. Bitov“Pushkin House”). 나는 종종 Bitov의 이러한 말을 인용하지만 내가 무엇을 할 수 있습니까-나는 그것을 좋아합니다.

많은 동료들이 저에게 동의하지 않고 Yu.nature가 편집 한 제 고향 (정말 원주민!) 부서 "연극 개론"의 집단 논문에서도 만장일치로 만나면 당연히 기쁩니다. . 여기 S. Yolkin이 인터넷에 게시 한 A. Smelyansky와의 최근 인터뷰에서 저는 다음과 같이 읽었습니다. 기준은 동일하고 작업은 동일합니다. 당신은 공연을 봐야하고, 보는 순간 절대적으로 순진해야하고, 당신에게 모든 외부 영향을 제거하고, 작품을 흡수하고, 당신의 감정을 예술적 형식으로 형성합니다. 즉, 공연의 인상을 전달하고 독자에게 이 인상 - 부정 또는 긍정적. 이걸 어떻게 가르칠 수 있는지 모르겠어... 문학적 재능이 아닌 연극 비평에 종사하는 것은 불가능하다. 사람이 글을 쓸 수 없다면, 언어가 그의 요소가 아니라면, 연극 평론이 공연에 대한 예술적 글쓰기 시도라는 것을 이해하지 못한다면 아무것도 작동하지 않을 것입니다 ... 위대한 러시아 연극 비평은 Belinsky에서 시작되었습니다. 취한 배우 Mochalov. 술에 취해, 햄릿을 연기하면서 가끔 취해서. Belinsky는 공연을 여러 번 보았고 "Mochalov는 Hamlet을 연기합니다"라는 기사는 러시아에서 예술 비평이라고 할 수있는 훌륭한 시작이 된 것 같습니다. 예술심리학 전문가인 비고츠키는 "비평가는 예술의 결과를 조직하는 사람이다"라고 유명하게 말했습니다. 이러한 결과를 정리하려면 특정 재능이 필요합니다.”(http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html).

연구 주제와의 대화에서 연극 평론가의 창의적 활동, 문학적 텍스트의 창조는 독자를 계몽되고 감정적으로 분석적으로 발전된 관객으로 만들기 위해 고안되었으며, 이러한 의미에서 비평가는 다음과 같은 작가가 됩니다. V. Nabokov에 따르면 “언어, 시각, 소리, 움직임 또는 기타 느낌을 통해 독자의 색채 감각을 일깨우고 자신의 기억만큼 생생하게 될 가상의 삶의 이미지를 상상 속에서 불러냅니다. 연극 평론가의 임무는 독자에게 색상, 모양, 소리, 움직임의 감각을 깨우는 것입니다. 즉, 문학적 수단으로 색상, 소리, 즉 "가상"을 재현하는 것입니다 (그가 발명하지는 않았지만 끝 후에) 주제 평론가의 기억 속에만 고정된 공연의, 그의 마음 속에만 살고 있는) 공연의 비유적 세계. 무대 텍스트의 일부만이 객관적인 고정에 적합합니다: 미장센, 시노그래피, 라이트 스코어. 이런 의미에서 오늘 저녁 무대에서 일어난 일의 현실에 대한 언급은 무의미합니다. 두 명의 전문 연극 평론가, 비평가, 전문가, 교수, 교수가 나란히 앉아 때로는 동시에 다른 의미를 빼며 그들의 논쟁은 근거가 없습니다. 그들이 다르게 기억하고 사라진 그녀는 그들의 기억의 산물이자 기억의 대상이다. 서로 옆에 앉아있는 두 명의 비평가는 미적 및 인간적 경험, 동일한 "Zhukov의"취향, 역사의 기억, 극장에서 본 볼륨 등에 따라 동일한 독백을 다른 방식으로보고 듣게됩니다. 언제 다른 아티스트그들은 동시에 같은 정물을 그려달라고 요청했고 그 결과 완전히 다른 그림이되었고 종종 그림 기법뿐만 아니라 색상도 일치하지 않았습니다. 이것은 화가가 의도적으로 색상을 변경했기 때문이 아니라 다른 예술가의 눈이 다른 수의 음영을 보기 때문에 발생했습니다. 비판도 마찬가지입니다. 공연의 텍스트는 "이해하는 사람들의 공동 창작"(M. Bakhtin)에 배치되거나 배치되지 않은 지각자의 성격, 그의 내부 장치와 같은 방식으로 비평가의 마음에 각인됩니다.

* Nabokov V. 러시아 문학 강의. M., 1996. S. 279.

몸 전체가 공연에 대한 인식에 맞춰진 비평가는 개발되고 개방적입니다 ( "좋아하는 생각에 대한 편견 없음. 자유"-푸쉬킨의 유언에 따르면) 연극 비평 리뷰에서 공연을 최대한 생생하게 제공해야합니다. 이런 의미에서 비평은 특정 연극 사건에 대해 독자에게 알리고 연극 현상에 대한 등급 평가를 제공하기 위해 고안된 연극 저널리즘과 고유한 연극 연구와 다릅니다. 연극 연구는 그다지 매력적이지 않지만 이상적으로는 독자의 감정적 반응을 불러 일으킬 수있는 공연 이미지의 플라스틱 언어 재현이 아니라 문학 텍스트를 분석하는 작업을 설정합니다.

설명의 세부 사항이 아닙니다. 게다가, 지난 몇 년비디오 녹화의 출현으로 공연이 가장 객관적으로 영화에 포착 된 것처럼 보이기 시작했습니다. 이것은 잘못된 것입니다. 홀에 앉아 우리는 고개를 돌려 대위법 발전의 행동을 동적으로 인식합니다. 한 지점에서 촬영된 공연은 모든 라이브 공연에 존재하고 감독의 의지에 따라 우리의 의식을 표시하는 의미, 클로즈업, 악센트를 잃습니다. 녹음이 여러 지점에서 이루어지면 몽타주 형식의 공연 해석에 직면합니다. 그러나 그것은 요점이 아닙니다. 오늘날 Yermolova 또는 Kachalov의 녹음을 들으면 동시대 사람들에게 미치는 영향의 힘을 이해하기 어렵습니다. Kugel, Doroshevich, Amfiteatrov의 텍스트는 시청자, 사람, 사회에 대한 그녀의 살아있는 영향력에서 살아있는 Yermolov를 제공하며 비판적 연구의 문학적, 비 유적 측면은 이것에서 큰 역할을합니다.

감독으로서의 비판

비평가와 연극 텍스트의 관계는 감독과 연극의 관계와 매우 유사합니다. 설명하겠습니다.

언어적 텍스트(극)를 시공간(무대) 텍스트로 번역하고, 작곡하고, 극의 말에 따라 ‘자수를 얹고’, 극작가를 해석하고, 읽고, 개인의 시각으로 보고, 세계 속으로 뛰어든다. 작가의 감독은 행동, 극적 갈등, 어떤 주관적, 내재적 내재적 비유적 체계, 하나 또는 다른 리허설 방법 선택, 연극 유형 등

공연의 시공간 법칙을 언어적 시리즈로, 기사로 번역하고, 감독을 해석하고, 개별 광학에 따라 그의 무대 텍스트를 읽고, 아이디어를 추측하고 구현을 분석하는 비평가는 전문적인 지식을 가지고 자신의 텍스트를 만듭니다. 감독과 같은 영역(이론 및 연극사에 대한 지식, 연출, 극작술), 그리고 같은 방식으로 그는 텍스트의 구성, 장르 전개 및 내적 변천에 대해 고민하며 최대한의 문학적 표현력을 위해 노력합니다. 감독은 극적 텍스트의 자신의 버전을 만듭니다.

우리는 스테이지 텍스트의 자체 버전을 만듭니다. 감독은 연극을 읽고 평론가는 공연을 읽습니다. 유명한 감독). M. Bakhtin은 "강력하고 심오한 창의성"이 대체로 무의식적이며 다양하게 이해된 것(즉, 다른 비평가에 의한 작업의 "이해"의 총체성에 반영됨. - M.D.)이 의식에 의해 보충되고 그 의미의 다양성. 그는 “이해가 텍스트를 완성한다(의심할 여지 없이 무대 텍스트를 포함합니다. — M.D.): 그것은 능동적이고 창의적인 성격을 가지고 있습니다.

창의적인 이해는 창의성을 지속하고 배가합니다. 예술적 부인류"*. 극장의 경우 비평에 대한 이해는 창의적인 텍스트를 보충할 뿐만 아니라 텍스트가 22:00에 사라지고 오늘날의 버전에는 더 이상 존재하지 않기 때문에 단어로 재현합니다. 하루 또는 일주일 안에 배우가 무대에 등장하고 오늘 또는 일주일에 감정적 경험이 무언가를 바꾸고 날씨가 달라지고 청중이 다른 반응 등으로 홀에 올 것입니다. 공연의 일반적인 의미는 거의 동일하게 유지되고 다른 공연이 될 것이며 비평가는 다른 경험을 얻게 될 것입니다. 따라서 공연과 자신의 감정, 생각, 감정을 홀에서 노트북으로 "잡는"것이 매우 중요합니다. 이 현실이 출현하고 존재하는 순간에 현실을 포착할 수 있는 유일한 기회다. 정의, 반응, 행동 중에 자발적으로 기록한 단어는 파악하기 어려운 텍스트에 대한 유일한 문서 증거입니다. 연극 비평은 당연히 전문적 지각의 이원론을 특징으로 한다. 나는 관객으로서 공연을 보고 인간으로서 행동에 공감하면서 무대 텍스트를 읽고 암기하는 동시에 더 나은 문학적 재생산을 위해 그것을 분석하고 수정한다. 동시에 나 자신, 내 인식, 냉정한보고, 왜 그리고 어떻게 내가 성능을 인식 / 인식하지 않는지 스캔합니다. 이것은 연극 비평을 다른 것들 중에서 절대적으로 독특하게 만듭니다. 미술 평론가. 여기에 관객의 목소리를 듣고 관객과 재결합하여 관객과 무대 사이의 에너지 대화를 느끼고 이해하는 능력을 추가해야 합니다. 즉, 연극 비평은 본질적으로 다성적이며 연출과 유사합니다. 그러나 감독이 해석되는 연극을 통해 세계에 대해 이야기한다면 비평가는 기사에서 보고 실현되고 재현된 공연의 현실을 통해 이야기한다. “인생을 예술적으로 묘사할 수 있습니다. 소설, 이야기 또는 단편 소설을 얻게 됩니다. 연극 현상을 예술적으로 설명할 수 있습니다. 여기에는 삶, 캐릭터, 운명, 국가, 세계 등 모든 것이 포함됩니다.” A. Smelyansky(http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html). 좋은 평론가는 말하자면 "공개적으로", "큰 소리로" 읽고 분석하는 작가입니다. 예술 작품"형태"에 의해서만 커버되는 추상적인 생각과 위치의 단순한 합이 아니라 복잡한 유기체"*라고 뛰어난 미학자 V. Asmus는 썼습니다. 마치 연출에 대해 말하는 것처럼 : 결국 대중의 좋은 감독조차도 큰 소리로 시공간 연속체, 복잡한 유기체, 공연의 문학적 기반으로 분해하고 변형합니다 (지금은 이러한 유형의 연극 만 보자. ).

* Asmus V.F. 작품과 창의성으로서의 읽기 // Asmus V.F. 미학의 이론과 역사에 대한 질문. M., 1968. S. 67-68.

공연을 "읽고 분석"하기 위해 감독은 모든 것이 필요합니다. 표현 수단연극과 연극 비평은 문학의 모든 표현 수단이 필요합니다. 그것을 통해서만 무대 텍스트가 고정되고 각인되며, 예술 시리즈를 종이로 옮기고 그 비 유적 의미를 발견함으로써 이미 언급했듯이 실제 문학을 통해서만 공연을 역사에 남길 수 있습니다. 무대 이미지, 의미, 은유, 상징은 연극 비평 텍스트에서 문학적 등가물을 찾아야 합니다. M. Bakhtin을 언급해 보겠습니다. 다른(동형) 의미(기호 또는 이미지)의 도움을 통해서만 가능합니다. 개념으로 분해하는 것은 불가능합니다 (개념적 연극 장치에만 의존하여 공연의 내용을 밝히기 위해-M.D.). Bakhtin은 일반적인 과학적 분석이 "의미의 상대적인 합리화"를 제공하고 "다른 의미(철학적 및 예술적 해석)의 도움을 받아" "먼 맥락을 확장함으로써"* 심화된다고 믿습니다. "먼 맥락"은 비평가의 성격, 전문 교육 및 장비와 관련이 있습니다.

* Bakhtin M. 언어적 창의성의 미학. M., 1979. S. 362.

공연의 장르와 연극 비평의 장르(극의 장르와 공연의 장르)는 이상적으로 일치해야 하며, 각 공연에는 평론가의 특정 어휘가 필요합니다(감독의 연극처럼). , 아마도 시공간 연속체를 언어 시리즈로 번역하는 동등한 이미지 , 공연은 연극 비평 텍스트에 리드미컬 한 호흡을 제공하여 무대 텍스트를 "읽습니다". 일반적으로 우리는 종종 종이에 "Brecht에 따르면"공연을합니다. 공연의 이미지를 입력 한 다음 종료하고 설명하고 우리 자신이 묘사 한 삶에 대해 이야기합니다 ...

“비평가는 첫 번째이자 최고의 독자입니다. 그를 위해 다른 누구보다 시인의 페이지가 쓰여지고 의도되었습니다 ... 그는 자신을 읽고 다른 사람들에게 읽도록 가르칩니다 ... 작가를 인식한다는 것은 그를 재현하고 그를 따라 반복하는 것을 어느 정도 의미합니다 영감을받은 자신의 창의성 과정 (강조 광산. - M. D.). 읽는다는 것은 쓰는 것이다."* Aikhenwald의 이러한 추론은 연극 비평에 직접 적용됩니다. 공연을 이해하고 느꼈고, 내면의 예술 법칙을 이해하고, 연극 과정의 맥락에서 공연을 배치하고, 예술적 기원을 깨닫고, "환생"을 쓰는 과정에서 비평가 " 이 공연에서 종이에 "잃어버린"것은 배우와 역할 사이의 관계 법칙에 따라 그와의 관계를 구축합니다. "공연의 이미지"에 들어가 "떠나기"(자세한 내용은 아래) . "출력"은 과학적 논평, "의미의 합리화"(Bakhtin에 따르면) 또는 연극 세계에 대한 비평가의 개인적인 인식과 관련된 "먼 맥락의 확장"일 수 있습니다. 기사의 일반적인 문학 수준, 텍스트의 재능 또는 평범함, 이미지, 연관 이동, 기사 텍스트에 제공된 비교, 독자-관객을 특정 예술적 유사점으로 이끌 수 있는 다른 유형의 예술 이미지에 대한 참조, 그를 공연에 대한 인식의 공범으로 만드는 것은 예술적 사건에 대한 그의 평가를 형성하기 위해 연극 비평 텍스트와 일반적인 예술적 맥락을 통해 비평가의 성격과 관련됩니다.

* Aikhenwald Yu. 러시아 작가의 실루엣. M., 1994. S. 25.

“가치 있는 이해란 불가능하다… 이해하는 사람은 이미 확립된 자신만의 세계관을 가지고, 자신의 관점에서, 자신의 입장에서 작품에 접근한다. 이러한 위치는 그의 평가를 어느 정도 결정하지만 그 자체는 변경되지 않습니다. 항상 새로운 것을 소개하는 작업에 노출됩니다.<…>이해하는 사람은 이미 준비된 관점과 입장을 바꾸거나 포기할 가능성을 배제해서는 안됩니다. 이해의 행위에는 투쟁이 있고 그 결과 상호 변화와 풍부함이 있습니다. 공연의 예술 세계와의 대화에서 평론가의 내적 활동, 그것을 마스터하는 과정에서 "미와 결점"을 가지고 본격적인 연극 비평 텍스트를 제공하고 평론가가 공연을 여러 번 본다면 , 그는 역할과 마찬가지로 무대에서 자신의 이미지를 만드는 역할과 함께 생활하며 점차적으로 그리고 힘들게 각 공연마다 새로운 것이 나타나기 때문에 그는 항상 "작업의 영향"을 받습니다. 공연의 악보를 종이에 작성하는 이 작업만이 나에게 이상적으로는 연극 비평이다. 우리는 성능을 역할로 "연주"합니다.

* Bakhtin M. 언어적 창의성의 미학. 346-347쪽.

이것은 극히 드물게 발생하지만 종이에 대한 판단이 아니라 실제로 비판에 참여한다면 이것을 위해 노력할 필요가 있습니다.

비평의 기술에 대하여.

MIKHAIL CHEKHOV의 빠른 읽기

사실, 우리는 종종 무대에 오르기 15분 전에 극장으로 달려가 자동 조종 장치의 역할을 선언하는 피곤한 연기자처럼 보입니다. 실제 연극 비평은 배우의 예술적 창의성과 유사합니다. Mikhail Chekhov가 이해 한 형식으로 가정 해 봅시다. 그의 저서 "배우의 기술에 관하여"를 읽을 때마다 나는 그것이 평론가의 교과서가 될 수 있고 우리 자신의 정신 물리학적 장치를 훈련시키기 위해 많은 연습을 수행하는 것이 좋을 것이라고 항상 생각했습니다.

나는 항상 그것에 대해 자세히, 길게, 천천히 쓰고 싶었지만 항상 시간이 충분하지 않았습니다. 지금도 거기에 없기 때문에 천천히 읽는 체호프 대신 당분간은 속독을 제안 할 위험이 있습니다 ...

체호프는 어디에서 시작합니까?

저녁. 긴 하루를 보낸 후, 많은 인상, 경험, 행동 및 말을 통해 지친 신경에 휴식을 줍니다. 눈을 감고 앉거나 방의 불을 끈다. 내면의 눈 앞의 어둠 속에서 무엇이 떠오르나요? 오늘 만나는 사람들의 얼굴. 그들의 목소리, 그들의 대화, 행동, 움직임, 그들의 특징 또는 재미있는 특징. 당신은 다시 거리를 달리고, 낯익은 집을 지나고, 표지판을 읽고... 그날의 기억의 다채로운 이미지를 수동적으로 따라간다.(M. Chekhov*가 쓴 책의 일부는 아래에서 강조 표시됩니다.)

* Chekhov M. 배우의 기술 // Chekhov M. 문학 유산 : 2 권 M., 1986. T. 2. S. 177-402.

이것이, 또는 거의 이것이 극장에서 온 평론가가 느끼는 감정입니다. 저녁. 그는 기사를 써야합니다 ... 그래서 또는 거의 이와 같이 성능이 마음에 나타납니다. 그것은 당신의 의식, 상상 외에는 어디에도 살지 않기 때문에 당신은 그것을 기억할 수 있을 뿐입니다.

사실, 우리는 공연의 첫 순간부터 상상의 세계에 들어가 그와 평행을 이루는 어떤 내면의 삶을 살고 있습니다. 나는 이미 이것에 대해 썼습니다. 그리고 오늘 저녁에 끝난 공연은 우리의 기억에만 각인되는 것으로 밝혀졌습니다. 우리는 의식의 산물 인 가상 현실을 다루고 있습니다. 인식자의 성격이 무엇인지, 그의 내부 장치 및 "인식 장치"가 무엇인지에 대한 방식).

우리는 공연을 현실로 기억하기 시작합니다. 그것은 마음 속에 살아나고, 당신 안에 사는 이미지, 서로 관계를 맺고, 눈앞에서 장면을 연출하고, 새로운 사건을 따르고, 이상하고 예상치 못한 분위기에 사로잡힙니다. 생소한 이미지는 당신을 그들의 삶의 사건에 참여시키고 당신은 이미 그들의 투쟁, 우정, 사랑, 행복과 불행에 적극적으로 참여하기 시작하고 있습니다 ... 그들은 단순한 기억보다 더 큰 힘으로 당신을 울거나 웃게 만들고 분개하거나 기뻐하게 만듭니다. .

공연의 리얼리티만이 비평가에 의해 발명된 것이 아니라 보고 기억과 노트에 기록됩니다. 비평가의 관심은 그가 글을 쓸 때 공연의 이미지를 재현하는 기억에 집중되어 있습니다. 주의를 기울이는 과정에서 당신은 내부적으로 네 가지 행동을 동시에 수행합니다. 첫째, 관심의 대상을 보이지 않게 유지합니다. 둘째, 당신은 그를 당신에게 끌어들입니다. 셋째, 당신 자신이 그것을 열망합니다. 넷째, 당신은 그것을 관통합니다.사실 이것은 공연과 연극 비평을 이해하는 과정입니다. 비평가는 보이지 않는 공연의 대상을 잡고 마치 그 안에 "안착"하는 것처럼 자신에게 끌어 들이고 무대 텍스트의 구석 구석에 살고 있습니다. 그리고 공연에 대한 그의 이해를 더 자세히 설명하고 심화하고, 자신의 내면 세계, 기준을 가지고 그것을 향해 돌진하고, 내부 대화에 들어가고, 그 법칙, 구조, 분위기에 침투합니다.

비평가, 모든 아티스트처럼알고있다 그런 분. Max Reinhardt는 "나는 항상 이미지에 둘러싸여 있습니다. "라고 Max Reinhardt는 말합니다. Michelangelo는 절망적으로 외쳤습니다.

그가 본 공연의 이미지는 평론가를 괴롭히기 시작하고, 그의 마음 속에 자리잡은 인물들은 정말로 그것들을 언어의 가소성 속에서 언어의 가소성 속에서 다시 구체화하기 위해 말로 표현하도록 강요합니다. 이상형으로 변해버린 연극비평의 의식이라는 비좁은 세포에서 다시 세계를 요구한다. (몇 번이나 그런 일이 있었습니까? 글을 쓸 생각 없이 공연을 보았지만 마음 속에 계속 존재하며 "제거"하는 유일한 방법은 앉아서 글을 쓰는 것입니다.) M. 자신이 독립적으로 존재한다는 것을 배우에게 증명한 체호프 창의적인 이미지, 연극 평론가는 그것을 증명하지 못할 수도 있습니다. 그들은 실제로 그의 의지에 반하여 존재하며 한동안 강당에서 관찰됩니다. 그리고 그들은 사라진다...

Chekhov는 "뇌 활동의 산물"로서의 창의성에 대한 항의로 시작합니다. 당신은 자신에게 집중하고 있습니다. 당신은 자신의 감정을 복사하고 주변의 삶의 사실을 사진의 정확성으로 묘사합니다.(저희 경우에는 성능을 사실적인 자료로 고정하고 사진의 정확성을 위해 노력합니다). 그는 이미지에 대한 권한을 요구합니다. 그리고 공연의 세계로 뛰어들면서 우리는 무대 위에 살며 우리 안에 사는 조형적 세계를 틀림없이 마스터한다. 특정 예술적 작업을 수행하면 목표에 따라 그들을 지배하고 조직하고 지시하는 방법을 배워야 합니다. 그런 다음 귀하의 의지에 따라 이미지가 저녁의 고요함뿐만 아니라 낮 동안, 태양이 비치는 동안, 시끄러운 거리, 군중, 낮의 걱정 속에서 이미지가 나타납니다. .

그러나 완료하고 완료하기 전에 이미지가 나타날 것이라고 생각해서는 안됩니다. 필요한 표현력을 얻기 위해 변경하고 개선하는 데 많은 시간이 필요합니다. 참을성 있게 기다리는 법을 배워야 합니다.

대기 기간 동안 무엇을 하나요? 친구에게 물어보듯이 눈앞의 이미지에 질문을 던집니다. 전체 작업 첫 번째 기간 (성능에 침투) 질문과 답변을 전달하고 요청하며 이것이 대기 기간 동안의 활동입니다.

연극 평론가는 배우와 같은 일을 한다. 그는 생각. 그는 질문을 하고 그의 기억 속에 살아 있는 것을 기다립니다. 예술적 현실퍼포먼스는 텍스트의 탄생과 함께 그의 질문에 답하기 시작할 것이다.

그러나 질문을 하는 데는 두 가지 방법이 있습니다. 한 경우에, 당신은 당신의 마음으로 향합니다. 이미지의 감정을 분석하고 가능한 한 많이 배우려고 노력합니다. 그러나 캐릭터의 경험에 대해 더 많이 알수록 자신을 덜 느끼게 됩니다.

다른 방법은 첫 번째 방법과 반대입니다. 그 기초는 당신의 상상력입니다. 당신이 질문을 할 때, 당신은 당신이 무엇을 묻고 있는지 보고 싶어합니다. 당신은보고 기다립니다. 질문하는 당신의 시선 아래 이미지가 바뀌고 눈에 보이는 대답으로 당신 앞에 나타납니다. 이 경우 그는 당신의 창조적 직감의 산물입니다. 그리고 답을 얻지 못한 질문은 없습니다. 특히 작업의 첫 번째 단계에서 당신을 흥분시킬 수 있는 모든 것: 작가의 스타일과 주어진 연극, 그 구성, 주요 아이디어, 캐릭터의 특징, 그들 사이에서 당신의 역할의 위치와 중요성, 일반적이고 세부적인 기능 - 질문으로 바꿀 수 있는 모든 것. 그러나 물론 모든 질문에 즉각적인 답변을 얻을 수 있는 것은 아닙니다. 이미지는 종종 필요한 변환을 완료하는 데 오랜 시간이 걸립니다.

사실 여기서 M. Chekhov의 책을 다시 인쇄할 필요는 없습니다. 그가 위에서 쓴 모든 것은 이상적으로 (나는 일반적으로 우리 직업을 배반하는 집중되지 않은 일상 생활이 아니라 이상적으로 무엇에 대해 씁니다!) 비평가와 공연을 연결하는 예술적이고 분석적인 과정이 일어나는 방식에 완전히 적합합니다. 무대 내 연결이 모색됨에 따라(한 사람과 다른 사람의 관계, Chekhov가 쓴 내용...) 독자에게 공연이 어떻게 작동하는지, 그 법칙이 무엇인지 설명할 뿐만 아니라 느낌, 주제에 익숙해지기 위해-배우가 역할에 익숙해지는 방법.

저것들 예술적 이미지내가 관찰하는 사람들은 내 주변 사람들처럼 내면의 삶과 외적인 표현을 가지고 있습니다. 단 하나의 차이점이 있습니다. 일상 생활에서 외부 표현 뒤에는 내 앞에 서있는 사람의 내면을 볼 수 없으며 추측 할 수 없습니다. 그러나 내 내면의 시선을 기다리는 예술적 이미지는 모든 계획, 목표 및 가장 숨겨진 욕망과 함께 모든 감정, 느낌 및 열정으로 끝까지 나에게 열려 있습니다. 이미지의 외피를 통해 나는 이미지의 내면을 "본다".

우리 사업에서 매우 중요한 것은 Chekhov에 따르면 PZh라는 심리적 제스처입니다.

심리적 제스처를 통해 큰 캔버스에 최초의 무료 "목탄 스케치"를 만들 수 있습니다. 심리적 제스처의 형태로 최초의 창조적 충동을 쏟아 붓습니다. 말하자면 예술적 의도를 단계별로 수행할 계획을 세우는 것입니다. 눈에 보이지 않는 심리적인 몸짓을 육체적으로, 물리적으로 할 수 있습니다. 특정 색상과 결합하여 감정과 의지를 깨우는 데 사용할 수 있습니다.

배우가 내면의 안식처를 찾아 역할을 해야 하듯이 평론가에게도 PJ가 필요하다.

결론을 내립니다.

문제를 만지십시오.

BREAK 관계.

아이디어를 잡아라.

책임에서 벗어납니다.

절망에 빠지다.

질문 등을 합니다.

이 모든 동사는 무엇에 대해 이야기하고 있습니까? 제스처에 대해 명확하고 명확합니다. 그리고 우리는 언어 표현에 숨겨진 영혼 속에서 이러한 제스처를 만듭니다. 예를 들어 우리가 문제를 만질 때 우리는 그것을 육체적으로 만지는 것이 아니라 정신적으로 만지는 것입니다. 만지는 정신적 몸짓의 본질은 물리적 몸짓과 동일하지만 한 몸짓은 일반적 성격을 갖고 영적 영역에서 눈에 보이지 않게 수행되는 반면, 다른 몸짓은 특정한 성격과 분명히 물리적 영역에서 수행됩니다.

안에 최근에, 끊임없는 경주에서 더 이상 비판을하지 않고 연극 연구와 저널리즘의 경계에서 텍스트를 제작하면서 PZh에 대해 거의 생각하지 않습니다. 하지만 최근에는 "생산 필요성"으로 인해 컬렉션을 수집하는 동안 내 출판물 약 천 개에 달하는 오래된 텍스트 산더미를 다시 읽었습니다. 내 오래된 기사를 읽는 것은 고문이지만 무언가 살아 있었고, 밝혀진 바와 같이 내가 기억하는 것처럼 어떤 경우에 필요한 PZh가 정확히 발견 된 바로 그 텍스트입니다.

Dodino의 "Brothers and Sisters"에 가까워 질 수 없다고 가정 해 보겠습니다 (첫 번째 신문 리뷰는 포함되지 않고 나가서 나갔습니다-공연을 지원하는 것이 중요했습니다. 이것은 다른 장르입니다 ...). 공연은 3월 초에 보여졌고, 4월은 끝났고, 극장 잡지는 기다렸지만 문자는 가지 않았다. 어떤 사업에서 나는 고향 Vologda에 가서 어머니의 오랜 친구와 함께 머물 렀습니다. 그리고 첫날 아침 맨발이 나무 바닥을 밟고 마루판이 삐걱 거리면 (레닌 그라드 마루-마루판이 아님) 머리가 아니라 다리가 생겨 어린 시절의 나무 느낌, 서리가 내린 냄새를 기억했습니다. 스토브 옆의 장작, 3 월의 태양 아래 젖은 마운드, 바닥의 열기로 씻은 나무 뗏목, 여름에 여성들이 옷을 헹구는 ... Kocherginskaya 나무 벽, 풍경, 건설적이고 은유적인 의미를 잃지 않고 , 발견 된 PZh를 통해 나에게 다가 갔고, 나는 정신 물리학 적으로 공연에 들어가고, 끌어 당기고, 정착하고, 그의 삶을 살 수있었습니다.

아니면 우리가 방을 빌리고 있다는 것을 기억합니다. 저는“P. 에스." Alexandrinka에서 Hoffmann의 Chrysleriana를 기반으로 한 G. Kozlov의 공연. 나는 어두운 Fontanka를 따라 사무실로 달려가 불이 켜져 있고 Rossi Street의 아름다움이 보이고 바람, 겨울, 진눈깨비가 내 눈을 멀게합니다. 제작에 괴로워하고 피곤하고 늦었지만 공연에 대해 생각하고 나에게 그림을 그리고 반복합니다. "영감, 오세요!" 나는 멈춘다 : 여기, 첫 번째 문구, 췌장이 발견되었습니다. 나는 거의 같은 긴장된 크라이슬러입니다. 작동하지 않고 눈에 눈이 내리고 마스카라가 흐릅니다. "영감, 오세요!" 나는 눈 바로 아래에서 공책에 씁니다. 기사가 작성된 것으로 간주 될 수 있으며,이 진정한 웰빙 느낌, 리듬을 잃지 않고 연극 연구를 분석하는 것조차 중요합니다. 이것은 모든 상태에서 수행 할 수 있습니다 ...

공연이 마음 속에 살아 있다면, 그것에 질문하고, 그것을 끌어당기고, 지하철에서, 거리에서 그것에 대해 생각하고, 차를 마시면서 그것의 예술적 본성에 집중하십시오 - PJ가 발견될 것입니다. 때로는 옷도 올바른 췌장을 돕습니다. 예를 들어, 앉아서 글을 쓸 때 가끔은 모자를 쓰고, 때로는 목도리를 씌우거나 (무슨 공연을 보는지!) 담배를 피우는 것이 유용합니다. 물론이 모든 것은 우리가 의사 소통을하기 때문에 상상 속에 있습니다. 이상적인 세계! 나는 기억합니다 (실례합니다, 그게 나 자신에 관한 것입니다 ...) 여름에 Shchelykovo에서 갑자기 옅은 녹색 종이를 발견 할 때까지 Fomenko 's에서 "Tanya-Tanya"에 대해 글을 쓸 수 없었습니다. 그게 다이고이 텍스트에 적합합니다. 로지아에 앉아 민트와 함께 차를 끓인 후이 시트에 "좋아요! "라는 한 단어 만 썼습니다. 췌장이 발견되었고 기사 자체가 생겼습니다.

내가 의미하는 것은 실제 연극 비평이 나에게 정신적 활동이 아니라는 것입니다. 본질적으로 그것은 이상적으로는 연출 및 연기 (그리고 실제로 모든 예술적 창의성)에 매우 가깝습니다. 다시 말하지만 연극 연구, 역사 및 이론에 대한 지식, 맥락의 필요성 (넓을수록 더 아름답다)을 부정하지 않습니다.

텍스트를 쓰는 비평을 결정하는 데 좋을 가상 센터에 별도의 섹션을 할애 할 수 있습니다. 이것은 직업의 대상 지정과 직접 관련이 있습니다.

그러나 동시에 손으로 쓴 텍스트는 하나의 PJ입니다. 컴퓨터에서는 다른 것입니다. 때때로 저는 실험을 합니다. 텍스트의 일부를 펜으로 쓰고 일부를 입력합니다. 나는 "손의 에너지"를 더 믿으며, 이 조각들은 확실히 질감이 다릅니다.

여기에 과거 시제가 필요합니다. PJ를 찾고 있다고 썼고 믿었습니다 ... 배우가 공연 3 시간 전에 탈의실에 오는 빈도가 점점 줄어들면서 우리는 전문 교육에 점점 더 적게 참여하고 있습니다. 그리고 조정 ...

그리고 오늘의 약간

불행히도 이제 우리가 정확히 연극 비평을 고려하고 싶은 사례가 점점 줄어들고 있습니다. 우리 출판물의 페이지에는 문학 텍스트가 거의 없을 뿐만 아니라 장르의 스펙트럼도 매우 좁습니다. 내가 말했듯이 연극 연구와 저널리즘의 교차로에서 태어난 무언가가 지배합니다.

오늘날 완전한 정보를 가진 비평가는 거의 프로듀서와 같습니다. 그는 페스티벌 공연을 추천하고 극장에서 명성을 얻습니다. 결막, 교전, 패션, 봉사 이름 및 극장에 대해서도 이야기 할 수 있습니다. 그러나 항상 그랬던 것처럼 말입니다. “비평의 등급은 당신이 그것을 좋아하지 않았을 때 자료에 대해 테스트되며 장난하지 않고 숨기지 않고 끝까지 말하십시오. 그리고 그러한 기사가 당신이 쓰고 있는 사람에 대한 존경심을 불러일으킨다면, 그것은 상류층이며, 기억되고, 그와 당신 모두의 기억 속에 남아 있습니다. 칭찬은 다음날 아침 잊혀지고 부정적인 것들은 기억에 새김새로 남습니다. 그러나 당신이 무언가를 좋아하지 않고 그것에 대해 썼다면 그 사람이 당신에게 인사를 멈추고 그와의 관계가 끝날 것이라는 사실에 대비하십시오. 작가는 이런 식으로 생리적으로 배열되어 있습니다. 그는 거부를 받아들이지 않습니다. 소녀에게 진심으로 "당신이 싫어요. "라고 말하는 것과 같습니다. 당신은 그녀를 위해 존재하지 않습니다. 비판의 심각성은 이러한 상황에서 테스트됩니다. 예술의 일부 현상을 받아들이지 않고 있는 그대로 부정하는 수준에 머물 수 있겠습니까?”라고 A. Smelyansky(http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html)는 말합니다.

우리 비판의 상황은 지난 세기 전환기의 상황을 아주 밀접하게 반복합니다. 그 당시에는 기업가가 번성했습니다. 즉 미술 시장이 확장되고 연극 기자 무리가 앞장서서 일간 신문에 성급한 문맹 리뷰를 실었고 관찰자로 성장한 언론인은 더 큰 신문에 (독자는 익숙해졌습니다. 같은 관찰자의 이름-지금과 같은 전문가), "황금 깃털"V. Doroshevich, A. Amfiteatrov, V. Gilyarovsky-가장 큰 신문에 썼고 A.R. Kugel은 300 부를 발행했습니다. 22년 동안 존속한 위대한 연극 잡지 Theatre and Art를 발행하기 시작했습니다. 그는 성장하는 자본주의의 예술이 전문적인 눈을 느끼고 예술적 기준을 잃지 않도록 19 세기 말에 그것을 만들었습니다.

현재 연극 문학은 신문 발표, 주석, 매력적인 인터뷰의 물결로 구성되어 있으며 예술적 대상이 이러한 출판물의 중심에 있지 않기 때문에이 모든 것이 비판으로 간주 될 수 없습니다. 이것이 저널리즘입니다.

모든 중요한 초연에 빠르고 정력적으로 대응하는 모스크바 신문 비평의 배열은 직업이 존재하는 것 같은 인상을줍니다 (지난 세기 초와 같이). 사실, 관심의 범위는 엄격하게 정의되어 있으며 관심있는 사람 목록도 있습니다 (상트 페테르부르크에서는 Alexandrinka, Mariinka, BDT 및 MDT입니다). 주요 신문의 리뷰어는 동일한 잉크통에 펜을 담았고 스타일과 견해가 통일되었으며 소수의 저자만이 개별 스타일을 유지했습니다. 예술적 대상이 중심에 있더라도 원칙적으로 설명 언어는 문학 대상의 본질과 일치하지 않으며 문학에 대한 이야기는 전혀 없습니다.

상트 페테르부르크에서는 신문 연극 비평조차 소용이 없었습니다. 이제 소셜 네트워크와 블로그에서 토론이 진행되고 있습니다. 이것은 새로운 형태의 대화와 서신이지만 이제는 Gnedich에서 Batyushkov로, Chekhov에서 Suvorin으로 편지가 오지 않습니다 ... 물론이 모든 것, 비판과는 아무런 관련이 없습니다. 그러나 블로그는 "깨달은 극장 관객 시대"에 존재했던 것과 유사한 일종의 "서클"인 것 같습니다. 그곳에서 그들은 NN 또는 AA의 Facebook 페이지에서 Olenin 또는 Shakhovsky와 공연에 대해 논의 할 예정이었습니다. ..

그리고 사실 저도 거기에 있습니다.