Pagrindinių japonų meno kūrinių didybės paslaptis. Japonijos tapybos raida

Šiuo straipsniu pradedu straipsnių apie japonų istoriją ciklą vaizdiniai menai. Šiuose pranešimuose daugiausia dėmesio bus skiriama tapybai nuo Heiano laikotarpio, o šis straipsnis yra įvadas ir aprašo meno raidą iki VIII a.

Jono laikotarpis
Japonijos kultūra turi labai senas šaknis – ankstyviausi radiniai datuojami X tūkstantmečiu prieš Kristų. e. bet oficialiai Džomono laikotarpio pradžia laikomi 4500 m. pr. Kr. e. Apie šį laikotarpį nekokit parašė labai gerą įrašą.
Jemon keramikos išskirtinumas yra tas, kad dažniausiai keramikos atsiradimas kartu su žemės ūkio raida rodo neolito eros pradžią. Tačiau net ir mezolito epochoje, likus keliems tūkstančiams metų iki žemės ūkio atsiradimo, Jomonų medžiotojai-rinkėjai kūrė gana sudėtingos formos keramiką.

Nepaisant labai ankstyvos keramikos atsiradimo, Džomono eros žmonės technologijas kūrė labai lėtai ir išliko akmens amžiaus lygyje.

Vidurinio Džomono laikotarpiu (2500–1500 m. pr. Kr.) atsirado keraminės figūrėlės. Tačiau tiek viduriniu, tiek vėlyvuoju (1000–300 m. pr. Kr.) laikotarpiais jie išlieka abstraktūs ir labai stilizuoti.

Iš Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Džomono laikotarpis, 1000–400 m.pr.Kr.
Tokijo nacionalinis muziejus

Beje, ufologai mano, kad tai ateivių atvaizdai. Šiose figūrėlėse jie mato skafandrus, akinius ir deguonies kaukes ant veidų, o spiralių vaizdai ant „skafandrų“ laikomi galaktikų žemėlapiais.

Yayoi laikotarpis
Yayoi – trumpas laikotarpis Japonijos istorijoje, besitęsiantis nuo 300 m. pr. Kr. iki 300 m. mūsų eros, per kurį Japonijos visuomenėje įvyko dramatiškiausi kultūriniai pokyčiai. Per šį laikotarpį gentys, atvykusios iš žemyno ir išstūmusios vietinius Japonijos salų gyventojus, atnešė savo kultūrą ir naujas technologijas, tokias kaip ryžių auginimas ir bronzos apdorojimas. Vėlgi, didžioji dalis Yayoi laikotarpio meno ir technologijų buvo importuota iš Korėjos ir Kinijos.

Kofun laikotarpis
Nuo 300 iki 500 metų genčių lyderiai buvo laidojami piliakalniuose, vadinamuose „Kofun“. Šis laikotarpis vadinamas šiuo vardu.

Į kapus buvo dedami daiktai, kurių galėjo prireikti mirusiesiems. Tai maistas, įrankiai ir ginklai, papuošalai, keramika, veidrodžiai ir įdomiausios – molinės figūrėlės, vadinamos „haniwa“.

Iš Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Kofuno laikotarpis, VI a.
Tokijo nacionalinis muziejus

Tiksli figūrėlių paskirtis nežinoma, tačiau jos randamos visose Kofuno eros kapinėse. Iš šių mažų figūrėlių galima įsivaizduoti, kaip tuo metu gyveno žmonės, nes žmonės vaizduojami su įrankiais ir ginklais, o kartais ir prie namų.

Šios skulptūros, paveiktos kinų tradicijų, turi savarankiškų elementų, būdingų tik vietiniam menui.

Moteris šokėja, Vakarų Hanų dinastija (206 m. pr. Kr. – 9 m. po Kr.), II a.
Kinija
Metropoliteno meno muziejus, NY

Kofun laikotarpiu figūrėlės tampa rafinuotos ir vis kitokios. Tai karių, medžiotojų, dainininkų, šokėjų ir t.t. vaizdai.

Iš Nohara, Konan-machi, Saitama. Dabar H. 64.2, 57.3.
Kofuno laikotarpis, VI a.
Tokijo nacionalinis muziejus

Yra dar vienas šių skulptūrų bruožas. Haniva reprezentuoja ne tik socialinę funkciją, bet ir figūros nuotaiką. Pavyzdžiui, kario veido išraiška yra griežta. o valstiečių veiduose didžiulės šypsenos.

Iš Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Kofuno laikotarpis, VI a.
Tokijo nacionalinis muziejus

Asuka laikotarpis
Nuo Yayoi laikotarpio Japonijos vizualinis menas buvo neatsiejamas nuo korėjiečių ar Kinijos menas. Labiausiai tai pastebima VII-VIII amžiais, kai japonų menas pradėjo sparčiai vystytis į įvairius vizualinius žanrus.

VI amžiuje Japonijos visuomenėje įvyko kardinalūs pokyčiai: pagaliau susiformavo pirmoji japonų Jamato valstybė, o 552 m. į Japoniją atėjo budizmas, atsinešęs budistų skulptūrą ir šventyklos koncepciją, dėl kurios atsirado šventyklų Japonijoje – kaip šintoizmo, taip pat budistų.
Šintoizmo šventovės laikėsi klėtių architektūros (Ankstyviausios šintoizmo šventovės buvo klėtis, kuriose buvo rengiamos derliaus šventės. Per ritualines šventes žmonės tikėjo, kad su jomis puotaujasi dievai.)
Šintoizmo dievai – visų pirma gamtos jėgos kad šių šventovių architektūra būtų integruota su gamta, pavyzdžiui, upėmis ir miškais. Tai svarbu suprasti. Šintoizmo architektūroje žmogaus sukurtos struktūros turėjo būti gamtos pasaulio tęsinys.

Pirmoji budistų šventykla Shitennoji buvo pastatyta tik 593 metais Osakoje. Šios ankstyvosios šventyklos buvo Korėjos budistų šventyklų, sudarytos iš centrinės pagodos, apsuptos trijų pastatų, ir dengto koridoriaus, imitacijos.

Budizmo plitimas palengvino Japonijos ir Korėjos kontaktus su Kinija ir Kinijos kultūros integraciją į Japonijos kultūrą.

Japonija? Kaip tai išsivystė? Į šiuos ir kitus klausimus atsakysime straipsnyje. Japonijos kultūra susiformavo kaip istorinio judėjimo, prasidėjusio japonams persikėlus iš žemyno į salyną ir gimus Džomono laikotarpio civilizacijai, rezultatas.

Europa, Azija (ypač Korėja ir Kinija) ir Šiaurės Amerika stipriai paveikė dabartinį šios tautos apšvietimą. Vienas iš Japonijos kultūros požymių – ilga jos raida visiškos valstybės izoliacijos (sakoku politikos) eroje nuo visų kitų šalių valdant Tokugavos šogunatui, kuri tęsėsi iki XIX amžiaus vidurio – pradžios. Meiji era.

Įtaka

Kaip meno kultūra Japonija? Civilizacijai didelę įtaką darė izoliuota regioninė šalies padėtis, klimato ir geografines ypatybes, taip pat gamtos reiškiniai (taifūnai ir dažni žemės drebėjimai). Tai išreiškė nepaprastas gyventojų požiūris į gamtą kaip į gyvą būtybę. funkcija nacionalinis charakteris Japonų kalba – tai gebėjimas grožėtis dabartiniu visatos grožiu, kuris išreiškiamas daugelyje meno rūšių mažoje šalyje.

Japonijos meninė kultūra buvo sukurta budizmo, šintoizmo ir konfucianizmo įtakoje. Tos pačios tendencijos turėjo įtakos tolesnei jos raidai.

senovės laikai

Sutikite, Japonijos meninė kultūra yra nuostabi. Šintoizmo šaknys siekia senovės. Budizmas, nors ir atsirado prieš mūsų erą, pradėjo plisti tik nuo V a. Heiano laikotarpis (VIII–XII a.) laikomas auksine Japonijos valstybingumo era. Tuo pačiu laikotarpiu vaizdinga šios šalies kultūra pasiekė aukščiausią tašką.

Konfucianizmas atsirado XIII a. Šiame etape Konfucijaus ir budizmo filosofija buvo atskirta.

Hieroglifai

Japonijos meninės kultūros įvaizdis įkūnytas unikalioje versijoje, kuri vadinama Šioje šalyje taip pat labai išvystytas kaligrafijos menas, kuris, pasak legendos, kilo iš dangiškų dieviškų vaizdų. Būtent jie įkvėpė raštui gyvybės, todėl gyventojai yra malonūs kiekvienam rašybos ženklui.

Sklando gandai, kad japonų kultūrą davė hieroglifai, nes iš jų atsirado užrašus supantys vaizdai. Kiek vėliau pradėtas pastebėti stiprus tapybos ir poezijos elementų derinys viename kūrinyje.

Išstudijavę japonišką ritinį pamatysite, kad kūrinyje yra dviejų rūšių simbolių. Tai rašto ženklai – antspaudai, eilėraščiai, kolofenas, taip pat vaizdingi. Tuo pačiu metu Kabuki teatras įgijo didelį populiarumą. Kitoks teatro tipas - Bet - daugiausia renkasi kariškiai. jų griežtumas ir žiaurumas turėjo didelę įtaką Nr.

Tapyba

Meninę kultūrą tyrinėjo daug specialistų. Didžiulį vaidmenį jo formavime suvaidino kaiga tapyba, kuri japoniškai reiškia piešimą arba tapybą. Šis menas laikomas seniausia valstybės tapybos rūšimi, kurią lemia daugybė sprendimų ir formų.

Joje ypatingą vietą užima gamta, kuri lemia sakralinį principą. Tapybos skirstymas į sumi-e ir yamato-e egzistuoja nuo X amžiaus. Pirmasis stilius išsivystė arčiau XIV a. Tai savotiška monochrominė akvarelė. Yamato-e yra horizontaliai sulankstyti ritinėliai, kurie dažniausiai naudojami literatūros kūrinių dekoravimui.

Kiek vėliau, XVII amžiuje, šalyje atsirado spauda ant planšetinių kompiuterių – ukiyo-e. Meistrai vaizdavo peizažus, geišas, žinomų aktorių kabuki teatras. Šis tapybos tipas XVIII amžiuje padarė didelę įtaką Europos menui. Atsirandanti tendencija buvo pavadinta „japonizmu“. Viduramžiais Japonijos kultūra peržengė šalies sienas – ji pradėta naudoti kuriant stilingus ir madingus interjerus visame pasaulyje.

Kaligrafija

Oi, kokia graži Japonijos meninė kultūra! Harmonijos su gamta suvokimas matomas kiekviename jos segmente. Kas yra šiuolaikinė japonų kaligrafija? Jis vadinamas shodo („pranešimų būdas“). Kaligrafija, kaip ir rašymas, yra privaloma disciplina. Mokslininkai nustatė, kad šis menas atsirado kartu su kinų raštu.

Beje, senovėje apie žmogaus kultūrą buvo sprendžiama pagal jo kaligrafijos lygį. Šiandien yra didelis skaičius rašymo stilių, ir juos sukūrė budistų vienuoliai.

Skulptūra

Kaip atsirado japonų kultūra? Mes kiek įmanoma išsamiau išnagrinėsime šios žmogaus gyvenimo srities raidą ir tipus. Skulptūra yra seniausia meno rūšis Japonijoje. Senovėje šios šalies žmonės iš keramikos gamindavo stabų figūrėles, indus. Tada žmonės ant kapų pradėjo montuoti chanivo statulas, sukurtas iš kepto molio.

Skulptūrinio amato raida šiuolaikiniame pasaulyje Japonijos kultūra siejamas su budizmo plitimu valstybėje. Vienu seniausių Japonijos paminklų atstovų laikoma Budos Amitabhos statula, pagaminta iš medžio, pastatyta Zenko-ji šventykloje.

Skulptūros labai dažnai būdavo daromos iš sijų, tačiau atrodė itin sodriai: meistrai jas padengdavo laku, auksu, ryškiomis spalvomis.

Origami

Ar jums patinka Japonijos meninė kultūra? Supratimas apie harmoniją su gamta suteiks nepamirštamų įspūdžių. būdingas bruožas Japonijos kultūra tapo nuostabiais origami („sulankstyto popieriaus“) gaminiais. Šis įgūdis kilęs iš Kinijos, kur iš tikrųjų buvo išrastas pergamentas.

Iš pradžių „lankstytas popierius“ buvo naudojamas religinėse apeigose. Šio meno galėjo mokytis tik aukštesnioji klasė. Tačiau po Antrojo pasaulinio karo origami paliko didikų namus ir rado savo gerbėjų visoje Žemėje.

Ikebana

Kiekvienas turėtų žinoti, kokia yra Rytų šalių meninė kultūra. Japonija į jos plėtrą investavo daug darbo. Kitas šios kultūros komponentas nuostabi šalis yra ikebana („gyvos gėlės“, „naujas gėlių gyvenimas“). Japonai yra estetikos ir paprastumo gerbėjai. Būtent šios dvi savybės yra investuojamos į darbus. Vaizdų rafinuotumas pasiekiamas naudingai naudojant natūralų augmenijos grožį. Ikebana, kaip ir origami, taip pat buvo religinės ceremonijos dalis.

Miniatiūros

Tikriausiai daugelis jau suprato, kad Senovės Kinijos ir Japonijos meninė kultūra yra glaudžiai susipynusi. O kas yra bonsai? Tai unikalus japonų įgūdis išauginti beveik tikslią miniatiūrinę tikro medžio kopiją.

Japonijoje taip pat įprasta gaminti netsuke – mažas skulptūrėles, kurios yra savotiškas raktų pakabukas. Dažnai tokios figūrėlės tokios talpos būdavo tvirtinamos prie japonų drabužių, kurie neturėjo kišenių. Jie ne tik papuošė jį, bet ir tarnavo kaip originali atsvara. Raktų pakabukai buvo gaminami rakto, maišelio, pinto krepšelio pavidalu.

Tapybos istorija

Meno kultūra senovės japonija domisi daugybe žmonių. Tapyba šioje šalyje atsirado Japonijos paleolito laikotarpiu ir vystėsi taip:

• Yamato laikotarpis. Asukos ir Kofuno laikais (IV–VII a.), kartu su hieroglifų įvedimu, kiniško stiliaus valstybės režimo sukūrimu ir budizmo populiarėjimu, į Japoniją iš Kinijos buvo atvežta daug meno kūrinių. Po to Tekančios saulės šalyje pradėti atgaminti kiniško stiliaus paveikslai.
• Naros laikas. VI ir VII a. Budizmas Japonijoje toliau vystėsi. Šiuo atžvilgiu pradėjo klestėti religinė tapyba, kuria buvo puošiama daugybė aristokratijos statytų šventyklų. Apskritai Naros epochoje indėlis į skulptūros ir meno raidą buvo didesnis nei tapyboje. Ankstyvieji šio ciklo paveikslai apima freskas ant Horyu-ji šventyklos vidaus sienų Naros prefektūroje, vaizduojančias Šakjamunio Budos gyvenimą.
• Heiano era. Japonų tapyboje, pradedant nuo 10 amžiaus, išskiriama yamato-e tendencija, apie kurią rašėme aukščiau. Tokie paveikslai yra horizontalūs ritinėliai, naudojami knygoms iliustruoti.
• Muromachi era. XIV amžiuje pasirodė Supi-e stilius (vienspalvė akvarelė), o XVII amžiaus pirmoje pusėje. dailininkai ant lentų pradėjo spausdinti graviūras – ukiyo-e.
• Azuchi-Momoyama eros tapyba ryškiai kontrastuoja su Muromachi laikotarpio tapyba. Jis turi polichrominį stilių, kuriame plačiai naudojamas sidabras, ir šiuo laikotarpiu Kano švietimo įstaiga turėjo didelį prestižą ir šlovę. Jos įkūrėjas buvo Kano Eitoku, kuris nudažė lubas ir stumdomas duris į atskirus kambarius. Tokie piešiniai puošė karinės aukštuomenės pilis ir rūmus.
• Maiji era. Nuo XIX amžiaus antrosios pusės menas skilo į konkuruojančius tradicinius ir europietiškus stilius. Maiji eros metu Japonija patyrė didelių socialinių ir politinių pokyčių valdžios organizuotame modernizacijos ir europeizacijos procese. Jauni, perspektyvūs menininkai buvo išsiųsti studijuoti į užsienį, o užsienio menininkai atvyko į Japoniją kurti mokyklinių meno programų. Kad ir kaip būtų, po pirminio smalsumo bangos apie Vakarų meninį stilių švytuoklė įsisuko. išvirkščia pusė, ir atgaivintas tradicinis japonų stilius. 1880 m. Vakarų meno praktika buvo uždrausta oficialiose parodose ir buvo smarkiai kritikuojama.

Poezija

Senovės Japonijos meninė kultūra vis dar tiriama. Jo ypatumas – universalumas, šiek tiek sintetika, nes susiformavo veikiant įvairioms religijoms. Yra žinoma, kad japonų klasikinė poezija atsirado iš kasdienio gyvenimo, veikė jame ir šis jos žemiškumas tam tikru mastu buvo išsaugotas tradicinėse šių dienų poezijos formose – trijų eilučių haiku ir penkių eilučių tankoje, kurios išsiskiria ryškiu masinis charakteris. Beje, kaip tik ši savybė išskiria juos nuo „laisvosios eilės“, traukiančios į elitizmą, atsiradusios Japonijoje XX amžiaus pradžioje Europos poezijos įtakoje.

Ar pastebėjote, kad Japonijos meninės kultūros raidos etapai yra daugialypiai? Ypatingą vaidmenį šios šalies visuomenėje atliko poezija. Vienas žinomiausių žanrų yra haiku, jį suprasti galima tik susipažinus su jo istorija.

Pirmą kartą jis pasirodė Heiano eroje, panašus į renga stilių, kuris buvo savotiška išeitis poetams, norintiems pailsėti nuo apgalvotų wah eilių. Haikai tapo nepriklausomas žanras XVI amžiuje, kai renga tapo pernelyg rimta ir rėmėsi haiku šnekamoji kalba ir vis dar buvo juokingas.

Žinoma, Japonijos meninė kultūra trumpai aprašyta daugelyje kūrinių, tačiau pabandysime apie tai pakalbėti plačiau. Yra žinoma, kad viduramžiais vienas garsiausių japonų literatūros žanrų buvo tanka („lakoniška daina“). Daugeliu atvejų tai yra penkių eilučių, susidedanti iš strofų poros su fiksuotu skiemenų skaičiumi: 5-7-5 skiemenys trijose pirmojo posmo eilutėse ir 7-7 dviejose antrojo posmo eilutėse. Kalbant apie turinį, tankoje naudojama tokia schema: pirmasis posmas atspindi konkretų natūralų vaizdą, o antrasis atspindi žmogaus jausmą, kuris atkartoja šį vaizdą:

• Tolimuose kalnuose
  Ilgauodegių fazanų snūduriavimas -
  Šią ilgą, ilgą naktį
  Ar galiu miegoti vienas? ( Kakinomoto no Hitovaro, VIII amžiaus pradžia, išvertė Sanovičius.)

Japonų dramaturgija

Daugelis teigia, kad Kinijos ir Japonijos meninė kultūra užburia. Ar tau patinka scenos menai? Tradicinė Tekančios saulės šalies dramaturgija skirstoma į joruri (lėlių teatras), Noh teatro dramaturgiją (kyogen ir yokyoku), kabuki teatrą ir shingeki. Šio meno papročiai apima penkis pagrindinius teatro žanrus: kyogen no, bugaku, kabuki ir bunraku. Visos šios penkios tradicijos gyvuoja ir šiandien. Nepaisant didžiulių skirtumų, juos sieja bendri estetiniai principai, kuriais grindžiamas japonų menas. Beje, Japonijos dramaturgija atsirado scenoje Nr.

Kabuki teatras pasirodė XVII amžiuje ir pasiekė savo apogėjų XVIII amžiaus pabaigoje. Šiuolaikinėje Kabuki scenoje išsaugoma per nurodytą laikotarpį susiformavusi spektaklių forma. Šio teatro pastatymai, priešingai nei No scenos, orientuotos į siaurą antikinio meno gerbėjų ratą, yra skirti masinei publikai. Kabuki įgūdžių šaknys kyla iš komikų pasirodymų – mažų farsų atlikėjų, scenų, kurias sudarė šokiai ir dainavimas. Teatriniai Kabuki įgūdžiai absorbavo joruri elementus ir Nr.

Kabuki teatro atsiradimas siejamas su budistų šventovės O-Kuni darbuotojo Kiote (1603 m.) vardu. O-Kuni scenoje koncertavo su religiniais šokiais, tarp kurių buvo ir Nembutsu-odori liaudies šokių judesiai. Jos pasirodymai buvo įsiterpę į komiškas pjeses. Šiame etape kūriniai buvo vadinami yujo-kabuki (kurtizanių kabuki), o-kuni-kabuki arba onna-kabuki (damų kabuki).

graviūros

Praėjusiame amžiuje europiečiai, o vėliau ir rusai, susidūrė su japonų meno reiškiniu per graviūrą. Tuo tarpu Tekančios saulės šalyje piešti ant medžio iš pradžių apskritai nebuvo laikomas įgūdžiu, nors turėjo visas masinės kultūros savybes – pigumą, prieinamumą, tiražą. Ukiyo-e žinovai sugebėjo pasiekti aukščiausią suprantamumą ir paprastumą tiek įkūnydami siužetus, tiek pasirinkdami.

Ukiyo-e buvo speciali meno mokykla, todėl ji sugebėjo iškelti daugybę puikių meistrų. Taigi Hisikawa Moronobu (1618-1694) vardas siejamas su pradine siužetinės graviūros raidos faze. XVIII amžiaus viduryje sukūrė Suzuki Harunobu, pirmasis daugiaspalvės graviūros žinovas. Pagrindiniai jo kūrybos motyvai buvo lyrinės scenos, kuriose dėmesys buvo skiriamas ne veiksmui, o nuotaikų ir jausmų perteikimui: meilei, švelnumui, liūdesiui. Kaip ir išskirtinis senovinis Heiano eros menas, ukiyo-e virtuozai atnaujintoje miesto aplinkoje atgaivino nepaprastą išskirtinio moterų grožio kultą.

Skirtumas tik tas, kad vietoj išdidžių Heiano aristokratų spaudiniuose buvo pavaizduotos grakščios geišos iš Edo pramogų rajonų. Dailininkas Utamaro (1753-1806) – ko gero, unikalus tapybos istorijoje profesionalo pavyzdys, savo kūrybą visiškai atsidavęs damų vaizdavimui įvairiomis pozomis ir suknelėmis, įvairiomis gyvenimo aplinkybėmis. Vienas geriausių jo darbų – graviūra „Geiša Osama“, saugoma Maskvoje, Puškino tapybos muziejuje. Menininkė neįprastai subtiliai perteikė gesto ir nuotaikos vienovę, veido išraiškas.

Manga ir anime

Daugelis menininkų bando studijuoti Japonijos tapybą. Kas yra anime (japoniška animacija)? Ji skiriasi nuo kitų animacijos žanrų tuo, kad yra labiau pritaikyta suaugusiam žiūrovui. Čia yra dvigubas skirstymas į stilius, kad būtų galima vienareikšmiškai tikslinė auditorija. Sugniuždymo matas yra filmo žiūrovo lytis, amžius ar psichologinis portretas. Labai dažnai anime yra japoniškų manga komiksų ekranizacija, kuri taip pat sulaukė didžiulės šlovės.

Pagrindinė mangos dalis skirta suaugusiam žiūrovui. 2002 metų duomenimis, apie 20% visos Japonijos knygų rinkos buvo užėmę manga komiksai.

Japonija mums artima geografiškai, tačiau, nepaisant to, ilgą laiką išliko nesuprantama ir neprieinama visam pasauliui. Šiandien apie šią šalį žinome daug. Ilga savanoriška izoliacija lėmė tai, kad jos kultūra visiškai skiriasi nuo kitų valstybių kultūrų.

Japonija yra mažiausia šalis Tolimuosiuose Rytuose – 372 tūkstančiai kvadratinių kilometrų. Tačiau Japonijos indėlis į pasaulio kultūros istoriją yra ne mažesnis nei didžiųjų senovės valstybių indėlis.

Šios senovės šalies meno ištakos siekia VIII tūkstantmetį prieš Kristų. Tačiau pats reikšmingiausias etapas visose jo srityse meninis gyvenimas buvo laikotarpis, prasidėjęs VI-VII amžiais nuo R.Kh. ir tęsėsi iki XIX amžiaus vidurio. Japonijos meno raida vyko netolygiai, tačiau jame nebuvo per daug staigių pokyčių ar staigių nuosmukių.

Japonijos menas vystėsi ypatingomis gamtinėmis ir istorinėmis sąlygomis. Japonija yra keturiose didelėse salose (Honshu, Hokkaido, Kyushu ir Shioku) ir daugelyje mažesnių. Ilgam laikui ji buvo neįveikiama ir nepažino išorinių karų. Japonijos artumas žemynui senovėje turėjo įtakos ryšių su Kinija ir Korėja užmezgimui. Tai paspartino japonų meno raidą.

Japonijos viduramžių menas išaugo Korėjos ir Kinijos kultūrų įtakoje. Japonija perėmė kinų raštą ir kinų pasaulėžiūros bruožus. Budizmas tapo valstybine Japonijos religija. Tačiau japonai lūžo savaip kinų idėjos ir pritaikė juos prie savo gyvenimo būdo.

Japoniškas namas, japoniškas interjeras
Japoniškas namas yra toks pat aiškus ir paprastas viduje, kaip ir išorėje. Jis buvo nuolat švarus. Grindys, nupoliruotos iki blizgesio, buvo padengtos šviesiais šiaudiniais kilimėliais – tatamiu, padalijančiais patalpą į lygius stačiakampius. Prie slenksčio buvo nuimti batai, daiktai laikomi spintose, virtuvė atskirta nuo gyvenamųjų patalpų. Kambariuose, kaip taisyklė, nebuvo nuolatinių daiktų. Pagal poreikį juos atveždavo ir išveždavo. Tačiau kiekvienas daiktas tuščiame kambaryje, ar tai būtų gėlė vazoje, paveikslas ar lakuotas staliukas, patraukė dėmesį ir įgavo ypatingo išraiškingumo.

Visos meno rūšys yra susijusios su namo, šventyklos, rūmų ar pilies erdvės dizainu viduramžių Japonijoje. Kiekvienas tarnavo kaip kito papildymas. Pavyzdžiui, meistriškai parinkta puokštė papildė ir iškėlė peizažo tapyboje perteikiamą nuotaiką.

Dekoratyvinio meno gaminiuose buvo jaučiamas toks pats nepriekaištingas tikslumas, toks pat medžiagos pojūtis, kaip ir japoniško namo apdailoje. Ne be reikalo arbatos ceremonijose kaip didžiausias brangakmenis buvo naudojami rankų darbo indai. Minkštas ir nelygus indas išlaikė pirštų pėdsakus, lipdančius šlapią molį. Rožinės-perlamutrinės, turkio-alyvinės ar pilkai mėlynos glazūros nebuvo patrauklios, tačiau jautėsi pačios gamtos spindesys, su kurio gyvybe asocijuojasi kiekvienas japonų meno objektas.

Japoniška keramika
Neglazūruoti, rankomis lipdyti ir žemoje temperatūroje išdegti moliniai indai priminė kitų senovės tautų keramiką. Tačiau jie jau turėjo bruožų, būdingų tik japonų kultūrai. Įvairių formų ąsočių ir indų raštai atspindėjo idėjas apie uraganų, jūrų ir ugnimi alsuojančių kalnų stichijas. Šių gaminių fantaziją, regis, paskatino pati gamta.

Masyvūs, beveik metro aukščio ąsočiai su prilipusiu išgaubtų molio ryšulių raštu primena arba vingiuojančius kriaukles, arba išsišakojusius koralinius rifus, arba dumblių raizginius, arba dantytus ugnikalnių kraštus. Šios didingos ir monumentalios vazos bei dubenys tarnavo ne tik buitiniams, bet ir ritualiniams tikslams. Tačiau I tūkstantmečio prieš Kristų viduryje. pradėti naudoti bronziniai dirbiniai, o keraminiai indai prarado ritualinę paskirtį.

Šalia keramikos atsirado nauji meninių amatų gaminiai – ginklai, papuošalai, bronziniai varpai ir veidrodžiai.

Japoniški namų apyvokos daiktai
IX–XII mūsų eros amžiuje Japonijos aristokratijos skoniai atsiskleidė dekoratyviniame mene. Lygūs, drėgmei atsparūs lako dirbiniai, pabarstyti aukso ir sidabro milteliais, lengvi ir elegantiški, tarsi nušviečiantys japoniškų kambarių prieblandą, sudarė didžiulį kasdienių daiktų asortimentą. Lakas buvo naudojamas dubenims ir karstams, skrynioms ir stalams kurti, muzikos instrumentai. Kiekviena šventyklos ir kasdienybės smulkmena – sidabriniai stalo įrankiai maistui, vazos gėlėms, raštuotas popierius raidėms, išsiuvinėti diržai – atskleidė japonų poetišką ir emocingą požiūrį į pasaulį.

Japonijos tapyba
Vystantis monumentaliajai rūmų architektūrai, kur kas suaktyvėjo dvaro mokyklos tapytojų veikla. Menininkams teko nudažyti didelius ne tik sienų paviršius, bet ir daugkartinio popieriaus lankstymo ekranus, kurie atliko ir paveikslų, ir nešiojamų pertvarų patalpoje vaidmenį. Talentingų meistrų kūrybinio būdo bruožas buvo didelės, įvairiaspalvės kraštovaizdžio detalės parinkimas didžiulėje sieninės plokštės ar ekrano plokštumoje.

Gėlių, žolelių, medžių ir paukščių kompozicijos, atliekamos Kano Eitoku auksu spindinčiame fone su storomis ir sultingomis dėmėmis, apibendrino idėjas apie visatos galią ir spindesį. Kano mokyklos atstovai kartu su gamtos motyvais įtraukė į paveikslus ir naujus dalykus, atspindinčius XVI amžiaus Japonijos miesto gyvenimą ir gyvenimą.

Rūmų ekranuose buvo ir vienspalvių peizažų. Tačiau jie turi puikų dekoratyvinį efektą. Tokį ekraną nutapė Sesshu pasekėjas Hasegawa Tohaku (1539-1610). Baltą matinį jo paviršių tapytojas interpretuoja kaip tirštą rūko šydą, iš kurio tarsi vizijos staiga išnyra senų pušų siluetai. Vos keliomis ryškiomis rašalo dėmėmis Tohaku sukuria poetišką rudens miško paveikslą.

Vienspalviai kraštovaizdžio ritiniai savo švelniu grožiu neprilygo rūmų kamerų stiliui. Tačiau jie išlaikė savo reikšmę kaip nepakeičiama chashitsu arbatos paviljono dalis, skirta dvasiniam susikaupimui ir ramybei.

Japonijos meistrų meno kūriniai ne tik išlieka ištikimi senoviniams stiliams, bet ir visada savyje turi kažką naujo, ko neturi joks kitas meno kūrinys. Japonų mene nėra vietos klišėms ir šablonams. Jame, kaip ir gamtoje, nėra dviejų visiškai vienodų kūrinių. Ir net dabar Japonijos meistrų meno kūriniai negali būti supainioti su kitų šalių meno kūriniais. Japonų mene laikas sulėtėjo, bet nesustojo. Japonijos mene senovės laikų tradicijos išliko iki šių dienų.

« Didelė banga Kanagavoje“ Katsushika Hokusai (1760–1849) yra viena garsiausių graviūrų ir pirmasis serijos „Trisdešimt šeši Fuji vaizdai“ lapas. 1830-ųjų pradžioje Katsushika Hokusai, užsakytas Eijudo leidyklos, pradėjo kurti 46 lapų seriją (36 pagrindiniai ir 10 papildomų), o Didžioji banga prie Kanagavos buvo graviūra, kuri atidaro visą seriją.

Tokios graviūrų kolekcijos to meto miestiečiams pasitarnavo kaip savotiška „virtuali kelionė“, patogus ir nebrangus būdas patenkinti smalsumą. „Fuji“ tipo spaudiniai kainuoja apie 20 mėnesių – maždaug tiek pat, kiek dviguba porcija makaronų to meto japonų užkandinėje. Tačiau pasisekimas buvo toks didelis, kad iki 1838 metų Hokusų lakštų kaina išaugo iki beveik 50 mėn., o po meistro mirties tik „Banga“ iš naujų lentų buvo perspausdinta daugiau nei 1000 kartų.

Keista, bet nepaisant nurodytos visos serijos temos, Fuji filme „Bangoje“ atrodo antraeilis vaidmuo. Pagrindinis „personažas“ šioje graviūroje – banga, o pirmame plane skleidžiasi dramatiška vyro kovos su stichijomis scena. Putplasčio keteros kraštai atrodo kaip susukti fantastiško pikto demono pirštai, o žmonių figūrų beveidiškumas ir neveiklumas valtyse neleidžia abejoti, kas bus šios kovos nugalėtojas. Tačiau ne ši akistata yra konfliktas, kuris sukuria graviūros siužetą.
Sustabdęs akimirką, po kurios trenkiasi laivai, Hokusai leidžia žiūrovui akimirkai pamatyti Fudži pilko dangaus fone, tamsėjantį horizonto link. Nors tuo metu japonų gravieriai jau buvo susipažinę su Europos linijinės ir oro perspektyvos principais, jie nepajuto šios technikos poreikio. Tamsus fonas, taip pat ilga akies kelionė iš priekinio plano su valtimis per bangos judėjimą į Fuji įtikina akį, kad šventąjį kalną nuo mūsų skiria jūros platybės.

Fudžis kyla toli nuo kranto kaip stabilumo ir pastovumo simbolis, priešingai nei audringi elementai. Priešybių vienybė ir tarpusavio priklausomybė grindžia kosminės tvarkos ir absoliučios harmonijos idėją Tolimųjų Rytų pasaulėžiūroje, ir būtent jos tapo pagrindine graviūros „Didžioji banga prie Kanagavos“, kuri pradėjo seriją, tema. Katsushika Hokusai.

Kitagawa Utamaro „Grožis Nanivaya Okita“, 1795–1796 m.

Kitagawa Utamaro (1753-1806) pagrįstai gali būti vadinamas dainininku moteriškas grožis japonų spaudoje ukiyo-e: jis sukūrė daugybę kanoninių japonų grožybių vaizdų ( bijinga) – arbatos namų ir garsiojo pramogų kvartalo Yoshiwara gyventojai Japonijos sostinėje Edo Edo — Tokijo pavadinimas iki 1868 m..

„Bijinga“ graviūroje viskas ne visai taip, kaip atrodo šiuolaikiniam žiūrovui. Gausiai apsirengusios kilmingos damos, kaip taisyklė, vertėsi gėdingu amatu ir priklausė žemesniajai klasei, o graviūros su gražuolių portretais turėjo atvirai reklaminę funkciją. Tuo pačiu metu graviūra nesuteikė supratimo apie mergaitės išvaizdą, ir nors Okita iš Nanivaya arbatos namų prie Asakusa šventyklos buvo laikoma pirmąja Edo gražuole, jos veidas graviūroje yra visiškai neturintis individualumo.

Nuo 10 amžiaus moterų įvaizdžiai Japonijos mene buvo pavaldūs minimalizmo kanonui. „Linijos akis, kabliukas-nosis“ – technika hikime-kagihana leido menininkui tik nurodyti, kad pavaizduota tam tikra moteris: tradicinėje japonų kultūroje fizinio grožio klausimas dažnai buvo nutylėtas. Moterims kilmingas gimimas„širdies grožis“ ir išsilavinimas buvo daug labiau vertinami, o linksmų kvartalų gyventojai stengėsi visame kame mėgdžioti aukščiausius standartus. Pasak Utamaro, Okita buvo tikrai graži.

Lapas „Gražuolė Nanivaya Okita“ buvo išspausdintas 1795–1796 metais serijoje „Įžymios gražuolės, panašios į šešis nemirtingus poetus“, kurioje kiekvieną gražuolę atitiko vienas iš IX amžiaus rašytojų. Ant lapo su Okitos portretu viršutiniame kairiajame kampe yra Arivaros no Narihiros (825-880), vieno labiausiai gerbiamų Japonijos poetų, kuriam tradiciškai priskiriamas romanas Ise Monogatari, atvaizdas. Šis kilnus didikas ir genialus poetas taip pat išgarsėjo savo meilės reikalais, kai kurie iš jų ir buvo romano pagrindas.

Šis lapas yra savotiškas šios technikos panaudojimas mitate(palyginimai) japoniška graviūra. Autoritetingo „prototipo“ savybės perkeliamos į vaizduojamą gražuolę, o elegantiška kurtizanė, giedru veidu svečią vaišinanti arbatos puodelį, žiūrovo jau skaitoma kaip poezijoje ir meilės poelgiuose išmananti dama. Palyginimas su Arivara no Narihira tikrai buvo jos pranašumo tarp Edo gražuolių pripažinimas.

Tuo pačiu metu Utamaro sukuria stebėtinai lyrišką įvaizdį. Subalansuodamas tamsias ir šviesias lapo dėmes ir melodingomis, elegantiškomis linijomis išryškindamas formą, jis sukuria tikrai tobulą grakštumo ir harmonijos įvaizdį. „Reklama“ atsitraukia, o Utamaro užfiksuotas grožis išlieka nesenstantis.

Ogatos Korin ekranas „Irises“, 1710 m

Porą šešių skydelių rainelės ekranų – dabar nacionalinis Japonijos lobis – sukūrė Ogata Korin (1658–1716) apie 1710 m. Nishi Hongan-ji šventyklai Kiote.

Nuo XVI amžiaus tapyba ant sienų plokščių ir popierinių ekranų Japonijoje tapo vienu iš pirmaujančių dekoratyvinio meno žanrų, o Rinpa meno mokyklos įkūrėja Ogata Korin buvo viena didžiausių jos meistrų.

Japoniško interjero ekranai vaidino svarbų vaidmenį. Erdvios rūmų patalpos struktūriškai niekuo nesiskyrė nuo paprasto japono būstų: jose beveik nebuvo vidinių sienų, erdvė buvo zonuota sulankstomais ekranais. Šiek tiek daugiau nei pusantro metro aukščio ekranai buvo sukurti taip, kad japonų tradicijos visose klasėse gyventų ant grindų. Japonijoje aukštos kėdės ir stalai nebuvo naudojami iki XIX amžiaus, o ekrano aukštis, taip pat jo paveikslo kompozicija yra skirti sėdinčio ant kelių vaizdui. Būtent šiuo požiūriu atsiranda nuostabus efektas: vilkdalgiai tarsi supa sėdintį žmogų – ir žmogus gali jaustis ant upės kranto, gėlių apsuptyje.

Irisai nudažyti nekontūrine maniera – beveik impresionistiniai, platūs tamsiai mėlynos, alyvinės ir violetinės temperos potėpiai perteikia sodrų šios gėlės didingumą. Vaizdingą efektą sustiprina blankus aukso blizgesys, prieš kurį pavaizduoti vilkdalgiai. Širmose pavaizduotos tik gėlės, tačiau jų kampinė augimo linija leidžia manyti, kad gėlės vingiuoja upės vaga arba medinių tiltelių zigzagais. Japonams būtų natūralu matyti ekrane trūkstamą tiltą, specialų „tiltą iš aštuonių lentų“ ( yatsuhashi), klasikinėje kalboje siejamas su vilkdalgiais Japonų literatūra. Romane „Ise Monogatari“ (IX a.) aprašoma liūdna iš sostinės išvaryto herojaus kelionė. Su palyda apsigyvenęs pailsėti ant upės kranto prie Yatsuhashi tilto, herojus, matydamas vilkdalgius, prisimena savo mylimąją ir kuria eilėraščius:

mano mylimasis drabužiais
Gražu ten, sostinėje,
Meilė liko...
Ir galvoju su ilgesiu kiek
Aš toli nuo jos... Vertė N.I. Konradas.

„Taigi jis susilankstė ir visi liejo ašaras ant džiovintų ryžių, kad jie išsipūtė nuo drėgmės“, – priduria autorius ir lyrinis herojus pasakojimas, Arivara no Narihira.

Išsilavinusiam japonui ryšys tarp vilkdalgių prie tilto ir Ise monogatari, vilkdalgių ir išsiskyrusios meilės temos buvo aiškus, o Ogata Korin vengia daugiažodiškumo ir iliustratyvumo. Dekoratyvinės tapybos pagalba jis sukuria tik idealią erdvę, pripildytą šviesos, spalvų ir literatūrinių konotacijų.

Kinkakuji auksinis paviljonas, Kiotas, 1397 m

Auksinė šventykla yra vienas iš Japonijos simbolių, kuri, kaip ironiška, buvo šlovinama labiau dėl sunaikinimo, o ne dėl pastatymo. 1950 m. psichiškai nestabilus Rokuonji vienuolyno, kuriam priklauso šis pastatas, vienuolis padegė tvenkinį, stovėjusį ant jo paviršiaus.
paviljonas Per gaisrą 1950 m. šventykla buvo beveik sunaikinta. Restauravimo darbai Kinkaku-ji buvo pradėti 1955 m., iki 1987 m. buvo baigta rekonstrukcija, tačiau visiškai prarastos vidaus apdailos restauravimas tęsėsi iki 2003 m.. Tikrieji jo poelgio motyvai liko neaiškūs, tačiau rašytojo Yukio Mishimos interpretacijoje kaltas nepasiekiamas, kone mistiškas šios šventyklos grožis. Iš tiesų, kelis šimtmečius Kinkakuji buvo laikomas Japonijos grožio įsikūnijimu.

1394 m. Šogunas Ashikaga Yoshimitsu (1358–1408), savo valiai pajungęs beveik visą Japoniją, oficialiai išėjo į pensiją ir apsigyveno specialiai pastatytoje viloje Kioto šiaurėje. Trijų aukštų pastatas ant dirbtinio Kyokoti ežero („ežeras-veidrodis“) atliko savotiško atsiskyrėlio, nuošalaus poilsio, skaitymo ir maldos paviljono, vaidmenį. Jame buvo šoguno paveikslų kolekcija, biblioteka ir budistų relikvijų kolekcija. Įsikūręs ant vandens netoli kranto, Kinkakuji su krantu susisiekė tik valtimis ir buvo tokia pati sala kaip dirbtinės salos su akmenimis ir pušimis, išsibarsčiusiomis aplink Kyokoti. „Dangaus salos“ idėja buvo pasiskolinta iš kinų mitologijos, kurioje dangaus buveinė tarnavo kaip Penglai sala, nemirtingųjų sala. Paviljono atspindys vandenyje jau kelia budistines asociacijas su idėjomis apie mirtingojo pasaulio iliuziškumą, o tai tik blyškus budistinės tiesos pasaulio spindesio atspindys.

Nors visi šie mitologiniai atspalviai yra spekuliatyvūs, paviljono vieta suteikia jam nuostabią harmoniją ir harmoniją. Atspindys paslepia pastato pritūpimą, todėl jis aukštesnis ir lieknesnis; tuo pačiu paviljono aukštis leidžia jį matyti iš bet kurio tvenkinio kranto, visada tamsiame žalumos fone.

Tačiau iki galo neaišku, koks auksinis šis paviljonas buvo pradinėje formoje. Tikriausiai po Ashikaga Yoshimitsu jis tikrai buvo padengtas aukso lapais ir apsauginiu lako sluoksniu. Bet jei tikėti XIX amžiaus – XX amžiaus pradžios ir Yukio Mishima nuotraukomis, tai iki XX amžiaus vidurio auksas buvo beveik nulukštentas ir jo liekanos buvo matomos tik viršutinėje pastato pakopoje. Šiuo metu jis labiau palietė sielą nykimo žavesiu, laiko pėdsakais, nenumaldomais net iki gražiausių dalykų. Šis melancholiškas žavesys atitiko estetinį principą sabi labai gerbiamas japonų kultūroje.

Vienaip ar kitaip, šio pastato spindesys buvo visai ne auksinis. Išskirtinis Kinkakuji formų griežtumas ir nepriekaištinga harmonija su kraštovaizdžiu daro jį vienu iš Japonijos architektūros šedevrų.

Karatsu stiliaus dubuo „Iris“, XVI-XVII a

Žodis meibutsu- daiktas su pavadinimu. Šis dubuo tikrai turi tik pavadinimą, nes nė vienas tikslus laikas ir jo sukūrimo vieta, nei meistro vardas neišliko. Nepaisant to, jis įtrauktas į Japonijos nacionalinių lobių sąrašą ir yra vienas ryškiausių nacionalinio stiliaus keramikos pavyzdžių.

XVI amžiaus pabaigoje arbatos ceremonija cha-no-yu atsisakė dailaus kiniško porceliano ir keramikos su brangias medžiagas primenančiomis glazūromis. Jų įspūdingas grožis arbatos meistrams atrodė pernelyg dirbtinis ir atviras. Tobuli ir brangūs daiktai – dubenys, vandens indai ir arbatos puodeliai – neatitiko beveik asketiškų dzenbudizmo dvasinių kanonų, kurių dvasia vystėsi arbatos ceremonija. Tikra arbatos veiksmo revoliucija buvo kreipimasis į japonų keramiką, daug paprastesnę ir menkesnę tuo metu, kai Japonijos dirbtuvėse dar tik buvo pradėtos įvaldyti žemyninės keramikos technologijos.

Iris dubenėlio forma yra paprasta ir netaisyklinga. Nedidelis sienų išlinkimas, visame kūne matomi puodžiaus įdubimai suteikia dubeniui kone naivaus lengvumo. Molio skeveldra padengta šviesia glazūra su plyšių tinklu – craquelure. Priekinėje pusėje, kuri kreipiasi į svečią arbatos ceremonijos metu, po glazūra pritaikytas rainelės vaizdas: piešinys naivus, bet atliktas energingu teptuku, tiksliai, tarsi vienu judesiu, dzen dvasia. kaligrafija. Atrodo, kad ir forma, ir dekoras galėjo būti pagaminti spontaniškai ir nenaudojant specialių jėgų.

Šis spontaniškumas atspindi idealą wabi- paprastumas ir meniškumas, sukeliantis dvasinės laisvės ir harmonijos jausmą. Bet kuris asmuo ar net negyvas objektas japonų dzenbudizmo pasekėjų požiūriu turi nušvitusią Budos prigimtį, o adepto pastangos yra nukreiptos į šią prigimtį savyje ir jį supančiame pasaulyje. Arbatos ceremonijoje naudojami daiktai, nepaisant visų savo nerangumo, turėjo sukelti gilų tiesos išgyvenimą, kiekvienos akimirkos aktualumą, priversti pažvelgti į pačias įprasčiausias formas ir pamatyti jose tikrąjį grožį.

Kontrastas grubiai dubenėlio tekstūrai ir jo paprastumas yra restauravimas smulkiu nuskeltu aukso laku (ši technika vadinama kintsugi). Restauravimas buvo atliktas XVIII amžiuje ir parodo, su kokia pagarba japonų arbatos meistrai elgėsi su arbatos ceremonijos indais. Taigi arbatos ceremonija suteikia dalyviams „būdą“ atrasti tikrąjį daiktų grožį, pavyzdžiui, Iris dubenį. Neakivaizdiškumas, slaptumas tapo estetinės wabi sampratos pagrindu ir svarbia japonų pasaulėžiūros dalimi.

Vienuolio Gandzino portretas, Nara, 763 m

VIII amžiuje skulptūra tapo pagrindine epochos – Naros eros (710-794) meninės raiškos forma, siejama su Japonijos valstybingumo formavimu ir budizmo stiprėjimu. Japonijos meistrai jau įveikė pameistrystės ir aklo kontinentinių technikų bei įvaizdžių imitavimo etapą ir pradėjo laisvai bei ryškiai reikšti savo laikmečio dvasią skulptūroje. Budizmo autoriteto plitimas ir augimas lėmė budizmo skulptūrinio portreto atsiradimą.

Vienas iš šio žanro šedevrų – Gandzino portretas, sukurtas 763 m. Pagaminta sauso lako technika (lako sluoksnius uždėjus ant medinio karkaso, padengto audiniu), skulptūra beveik gyvenimo dydis buvo nutapytas tikroviškai, o pusiau tamsoje šventykloje Ganjinas sėdėjo meditacijos poza „tarsi gyvas“. Šis gyvenimiškumas buvo pagrindinė tokių portretų kultinė funkcija: mokytojas visada turėjo būti tarp Naros miesto Todaiji vienuolyno sienų ir dalyvauti svarbiausiose dieviškosiose pamaldose.

Vėliau, XI–XIII a., skulptūriniai portretai pasiekė beveik negailestingą iliuzionizmą, vaizduojantį garbingų mokytojų senatvinę negalią, įdubusias burnas, suglebusius skruostus ir gilias raukšles. Šiuose portretuose į budizmo šalininkus žvelgiama gyvomis akimis, inkrustuotais kalnų krištolu ir medžiu. Bet Gandzino veidas atrodo neryškus, jame nėra aiškių kontūrų ir aiškių formų. Pusiau užmerktų ir neinkrustuotų akių vokai atrodo patinę; įtempta burna ir gilios nosies-labso raukšlės išreiškia įprastą atsargumą, o ne meditacijos susikaupimą.

Visi šie bruožai atskleidžia dramatišką šio vienuolio biografiją, nuostabaus asketizmo ir tragedijų istoriją. Ganjinas, Kinijos budistų vienuolis, buvo pakviestas į Japoniją didžiausio Naros vienuolyno Todaiji pašventinimo ceremonijai. Laivą užgrobė piratai, ugnyje dingo neįkainojamos ritinėliai ir budistų skulptūros, skirtos tolimai Japonijos šventyklai, Ganjinas apdegė veidą ir prarado regėjimą. Tačiau jis nepaliko noro pamokslauti tolimuose civilizacijos pakraščiuose – būtent kaip Japoniją tuo metu suvokė žemynas.

Dar keli bandymai perplaukti jūrą baigėsi taip pat nesėkmingai ir tik penktuoju bandymu jau vidutinio amžiaus, aklas ir liguistas Ganjinas pasiekia Japonijos sostinę Narą.

Japonijoje Ganjinas neilgai dėstė budizmo įstatymus: dramatiški jo gyvenimo įvykiai pakenkė jo sveikatai. Tačiau jo autoritetas buvo toks didelis, kad tikriausiai dar prieš mirtį buvo nuspręsta sukurti jo skulptūrą. Be jokios abejonės, menininkai-vienuoliai siekė, kad skulptūra būtų kuo labiau panaši į modelį. Bet tai buvo daroma ne siekiant išsaugoti išorinę žmogaus išvaizdą, o užfiksuoti jo individualią dvasinę patirtį, sunkų kelią, kurį nuėjo Ganjinas ir į kurį kvietė budizmo mokymas.

Daibutsu – Didysis Buda Todaiji šventykloje, Nara, VIII amžiaus vidurys

8-ojo amžiaus viduryje Japonija kentėjo nuo stichinių nelaimių ir epidemijų, o įtakingos Fujiwara šeimos intrigos ir jų keliamas maištas privertė imperatorių Šomą bėgti iš sostinės – Naros miesto. Tremtyje jis prisiekė eiti budizmo mokymų keliu ir 743 m. įsakė pradėti statyti pagrindinę šalies šventyklą ir išlieti kolosalų. bronzinė statula Buda Vairochana (Buddha Great Sun arba All Illuminating Light). Ši dievybė buvo laikoma visuotiniu budizmo mokymo pradininko Budos Šakjamunio įsikūnijimu ir turėjo tapti imperatoriaus bei visos šalies apsaugos garantu neramumų ir maišto laikotarpiu.

Darbai pradėti 745 m. ir buvo sukurti pagal milžinišką Budos statulą Longmeno urvo šventyklose netoli Kinijos sostinės Luojango. Naroje esanti statula, kaip ir bet kuris Budos atvaizdas, turėjo rodyti „didžiuosius ir mažus Budos ženklus“. Šis ikonografinis kanonas apėmė pailgas ausų spenelius, primenančias tai, kad Buda Šakjamunis buvo kilęs iš kunigaikščių šeimos ir nuo vaikystės nešiojo sunkius auskarus, paaukštintą viršugalvį (ushnisha), tašką kaktoje (urną).

Statulos aukštis – 16 metrų, veido plotis – 5 metrai, ištiesto delno ilgis – 3,7 metro, urna – didesnė už žmogaus galvą. Statyboms prireikė 444 tonų vario, 82 tonų alavo ir didžiulio kiekio aukso, kurio paieškos buvo specialiai imtasi šalies šiaurėje. Aplink statulą buvo pastatyta salė Daibutsuden, skirta apsaugoti šventovę. Savo mažoje erdvėje visą erdvę užpildo šiek tiek pasilenkusi sėdinti Budos figūra, iliustruojanti vieną pagrindinių budizmo postulatų – idėją, kad dievybė yra visur esanti ir viską persmelkianti, ji apkabina ir užpildo viską. Transcendentinė veido ramybė ir dievybės rankos gestas (mudra, apsaugos suteikimo gestas) papildo ramios Budos didybės ir galios jausmą.

Tačiau šiandien išlikę tik keli originalios statulos fragmentai: gaisrai ir karai statulą padarė milžinišką žalą XII–XVI a., o šiuolaikinė statula daugiausia yra XVIII a. Restauruojant XVIII a., bronzinė figūra nebebuvo dengta auksu. Imperatoriaus Šomu budistinis uolumas VIII amžiuje praktiškai ištuštino iždą ir nukraujavo jau taip sukrėstą šalį, o vėlesni valdovai nebegalėjo sau leisti tokių besaikių išlaidų.

Nepaisant to, Daibutsu reikšmė slypi ne aukse ir net ne patikimoje autentikoje – pati tokio grandiozinio budizmo mokymo įkūnijimo idėja yra paminklas erai, kai Japonijos monumentalus menas patyrė tikrą suklestėjimą, išsivadavo nuo aklas žemyninių pavyzdžių kopijavimas ir pasiektas vientisumas bei išraiškingumas, kurie vėliau buvo prarasti.

Daiktuose slypintį grožį japonai atrado IX–XII amžiuje, Heiano eroje (794–1185) ir netgi pavadino jį specialia sąvoka „mono no aware“ (物の哀れ (もののあわれ)), o tai reiškia " liūdnas dalykų žavesys. „Daiktų žavesys“ yra vienas iš ankstyviausių grožio apibrėžimų japonų literatūroje, jis siejamas su šintoizmo tikėjimu, kad kiekvienas daiktas turi savo dievybę – kami – ir savo unikalų žavesį. Avare yra vidinė dalykų esmė, tai, kas sukelia malonumą, susijaudinimą.

- Washi (wasi) arba wagami (wagami).
Rankinis popieriaus gaminimas. Viduramžių japonai washi vertino ne tik dėl praktinių savybių, bet ir dėl grožio. Ji garsėjo savo subtilumu, beveik skaidrumu, tačiau tai neatėmė jėgų. Washi gaminamas iš kozo (šilkmedžio) ir kai kurių kitų medžių žievės.
Washi popierius buvo saugomas šimtmečius, tai liudija senovės japonų kaligrafijos albumai ir tomai, paveikslai, ekranai, graviūros, atėjusios per šimtmečius iki šių dienų.
Vasios popierius yra pluoštinis, pažiūrėjus pro mikroskopą pamatysi įtrūkimus, pro kuriuos prasiskverbia oras ir saulės šviesa. Ši kokybė naudojama ekranų ir tradicinių japoniškų žibintų gamyboje.
Washi suvenyrai yra labai populiarūs tarp europiečių. Iš šio popieriaus pagaminama daug smulkių ir naudingų daiktų: piniginės, vokai, vėduoklės. Jie yra gana patvarūs, tačiau lengvi.

- Gohei.
Talismanas iš popieriaus juostelių. Gohei – ritualinė šintoizmo kunigo lazda, prie kurios tvirtinamos popierinės zigzago juostelės. Tos pačios popieriaus juostelės pakabintos prie įėjimo į šintoizmo šventovę. Popieriaus vaidmuo šintoizme tradiciškai buvo labai didelis, o popieriaus gaminiams visada buvo skiriamas dėmesys ezoterinė prasmė. O tikėjimas, kad kiekviename daikte, kiekviename reiškinyje, net žodžiuose yra kami – dievybė – paaiškina tokios taikomosios dailės rūšies kaip gohei atsiradimą. Šintoizmas kažkuo panašus į mūsų pagonybę. Šintoistams kami ypač nori apsigyventi bet kur, kas neįprasta. Pavyzdžiui, ant popieriaus. Ir juo labiau gohejuje, susuktame į sudėtingą zigzagą, kuris šiandien kabo priešais įėjimą į šintoizmo šventoves ir rodo dievybės buvimą šventykloje. Yra 20 būdų, kaip sulankstyti gohei, o tie, kurie yra ypač neįprastai sulankstyti, pritraukia kami. Gohei vyrauja balta spalva, tačiau randama ir aukso, sidabro ir daug kitų atspalvių. Nuo IX amžiaus Japonijoje buvo paprotys prieš prasidedant kovai sumo imtynininkų diržais sustiprinti gohei.

- Anesama.
Tai popierinių lėlių gamyba. XIX amžiuje samurajų žmonos gamino popierines lėles, su kuriomis vaikai žaisdavo, aprengdavo jas skirtingais drabužiais. Tais laikais, kai nebuvo žaislų, anesama buvo vienintelė vaikams pašnekovė, „atlikdama“ mamos, vyresniosios sesers, vaiko ir draugo vaidmenį.
Lėlė lankstoma iš japoniško washi popieriaus, plaukai iš raukšlėto popieriaus, nudažyti rašalu ir padengti klijais, kurie suteikia blizgesio. Išskirtinis bruožas – graži maža nosytė ant pailgo veido. Šiandien šis paprastas žaislas, kuriam reikia nebent įgudusių rankų, tradicinės formos, ir toliau gaminamas taip pat, kaip ir anksčiau.

- Origami.
Senovinis popieriaus lankstymo menas (折り紙, liet.: „lankstytas popierius“). Origami meno šaknys yra senovės Kinijoje, kur buvo išrastas popierius. Iš pradžių origami buvo naudojamas religinėse ceremonijose. Ilgą laiką ši meno rūšis buvo prieinama tik aukštesniųjų klasių atstovams, kur gero skonio požymis buvo popieriaus lankstymo technikos turėjimas. Tik po Antrojo pasaulinio karo origami išėjo už Rytų ribų ir atkeliavo į Ameriką bei Europą, kur iš karto rado savo gerbėjų. Klasikinis origami yra sulankstytas iš kvadratinio popieriaus lapo.
Yra tam tikras įprastų simbolių rinkinys, būtinas norint nubraižyti net sudėtingiausio gaminio lankstymo schemą. Daugumą sutartinių ženklų XX amžiaus viduryje praktiškai pritaikė garsus japonų meistras Akira Yoshizawa.
Klasikinis origami reikalauja naudoti vieną kvadratinį tolygiai spalvotą popieriaus lapą be klijų ir žirklių. Šiuolaikinės formos menai kartais nukrypsta nuo šio kanono.

- Kirigamis.
Kirigami – tai menas žirklėmis iškirpti įvairias figūras iš kelis kartus perlenkto popieriaus lapo. Origami tipas, leidžiantis modelio kūrimo procese naudoti žirkles ir pjaustyti popierių. Tai ir yra pagrindinis skirtumas tarp kirigami ir kitų popieriaus lankstymo technikų, kuris pabrėžiamas pavadinime: 切る (kiru) – kirpimas, 紙 (gami) – popierius. Visi vaikystėje mėgome karpyti snaiges – kirigami variantą, šia technika galima karpyti ne tik snaiges, bet ir įvairias figūrėles, gėles, girliandas ir kitus mielus popierinius daiktus. Šie gaminiai gali būti naudojami kaip spaudinių, albumų dekoracijų, atvirukų, nuotraukų rėmelių, mados dizaino, interjero dizaino ir kitų įvairių dekoracijų trafaretai.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 arba いけばな) išversta iš japonų kalba- ike" - gyvenimas, "bana" - gėlės arba "gėlės, kurios gyvena". Japoniškas gėlių komponavimo menas yra viena gražiausių japonų tradicijų. Kuriant ikebaną, kartu su gėlėmis naudojamos nupjautos šakos, lapai ir ūgliai.Pagrindinis principas – išskirtinis paprastumas, kurį pasiekti stengiamasi pabrėžti natūralų augalų grožį. Ikebana – tai naujos natūralios formos kūrimas, kuriame darniai dera gėlės grožis ir kompoziciją kuriančio meistro sielos grožis.
Šiandien Japonijoje yra 4 pagrindinės ikebanos mokyklos: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Be jų, yra apie tūkstantis skirtingų krypčių ir tendencijų, kurios laikosi vienos iš šių mokyklų.

- Oribana.
XVII amžiaus viduryje iš ikenobo pasitraukė dvi mokyklos: ohara (pagrindinė ikebanos forma - oribana) ir koryu (pagrindinė forma - sek). Beje, ohara mokykla vis dar mokosi tik oribanu. Kaip sako japonai, labai svarbu, kad origami nevirstų origamiu. Gomi japoniškai reiškia šiukšles. Juk kaip būna, sulankstėte popieriaus lapą, o ką su juo daryti? Oribana siūlo daugybę idėjų puokštėms papuošti interjerą. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Klaida.
Vaizduojamojo meno rūšis, gimusi iš floristikos. Floristika mūsų šalyje atsirado prieš aštuonerius metus, nors Japonijoje gyvuoja daugiau nei šešis šimtus metų. Kažkada viduramžiais samurajus suprato kario kelią. Ošibana buvo šio kelio dalis, kaip ir hieroglifų rašymas ir kardo valdymas. Klaidos prasmė ta, kad visiško buvimo akimirkoje būsenoje (satori) meistras sukūrė džiovintų gėlių (presuotų gėlių) paveikslą. Tada šis paveikslas galėtų pasitarnauti kaip raktas, vadovas tiems, kurie buvo pasiruošę tylėti ir patirti tą patį satori.
„Ošibanos“ meno esmė ta, kad rinkdamas ir džiovindamas gėles, žoleles, lapus, žievę spaudžiamas ir klijuodamas ant pagrindo, autorius augalų pagalba sukuria tikrą „tapymos“ kūrinį. Kitaip tariant, negerai yra dažymas augalais.
Gėlininkų meninė kūryba remiasi džiovintos augalinės medžiagos formos, spalvos ir tekstūros išsaugojimu. Japonai sukūrė techniką, kaip apsaugoti „oshibanos“ paveikslus nuo blukimo ir patamsėjimo. Jo esmė ta, kad tarp stiklo ir paveikslo išpumpuojamas oras ir sukuriamas vakuumas, neleidžiantis augalams gesti.
Tai vilioja ne tik šio meno netradicinumu, bet ir galimybe parodyti vaizduotę, skonį, augalų savybių išmanymą. Floristai kuria ornamentus, peizažus, natiurmortus, portretus ir istorijų paveikslus.

- Bonsai.
Bonsai, kaip reiškinys, atsirado daugiau nei prieš tūkstantį metų Kinijoje, tačiau ši kultūra savo vystymosi viršūnę pasiekė tik Japonijoje. (bonsai – jap. 盆栽 liet. „augalas vazonėlyje“) – menas išauginti tikslią tikro medžio kopiją miniatiūroje. Šiuos augalus budistų vienuoliai augino kelis šimtmečius prieš mūsų erą ir vėliau tapo viena iš vietinės aukštuomenės veiklos rūšių.
Bonsai puošė japonų namus ir sodus. Tokugavos eroje parko projektavimas gavo naują postūmį: azalijų ir klevų auginimas tapo turtingųjų pramoga. Taip pat vystėsi žemaūgė augalininkystė (hachi-no-ki – „medis vazonėlyje“), tačiau to meto bonsai buvo labai dideli.
Dabar bonsams naudojami paprasti medžiai, dėl nuolatinio genėjimo ir įvairių kitų būdų jie tampa smulkūs. Tuo pačiu metu šaknų sistemos, kurią riboja dubens tūris, ir antžeminės bonso dalies dydžių santykis atitinka suaugusio medžio proporcijas gamtoje.

- Mizuhiki.
Makramo analogas. Tai senovinis japonų taikomasis menas iš specialių virvelių rišti įvairius mazgus ir iš jų kurti raštus. Tokie meno kūriniai turėjo itin plačią apimtį – nuo ​​dovanų kortelių ir laiškų iki šukuosenų ir rankinių. Šiuo metu mizuhiki itin plačiai naudojamas dovanų industrijoje – kiekvienam gyvenimo įvykiui dovana turi būti supakuota ir surišta labai specifiniu būdu. Mizuhiki mene yra nepaprastai daug mazgų ir kompozicijų, ir ne kiekvienas japonas juos visus žino mintinai. Žinoma, yra labiausiai paplitusių ir paprasčiausių mazgų, kurie naudojami dažniausiai: sveikinimui gimus vaikeliui, vestuvėms ar minėjimui, gimtadieniui ar stojant į universitetą.

- Kumihimo.
Kumihimo yra japoniška pinta virvelė. Veriant siūlus gaunami kaspinai ir raišteliai. Šie raišteliai audžiami specialiomis mašinomis – Marudai ir Takadai. Mašina „Marudai“ audžia apvalius raištelius, o „Takadai“ – plokščius. Kumihimo japonų kalba reiškia „pynimas virves“ (kumi – pynimas, lankstymas kartu, himo – virvė, nėriniai). Nepaisant to, kad istorikai atkakliai tvirtina, kad panašų audimą galima rasti tarp skandinavų ir Andų gyventojų, japonų kumihimo menas iš tiesų yra vienas iš seniausių audimo tipų. Pirmasis jo paminėjimas datuojamas 550 m., kai budizmas išplito visoje Japonijoje ir specialioms ceremonijoms reikėjo ypatingų dekoracijų. Vėliau kumihimo raišteliai pradėti naudoti kaip obi diržo fiksatorius ant moteriško kimono, kaip virvės visam samurajų ginklų arsenalui „supakuoti“ (samurajus naudojo kumihimo dekoratyviniais ir funkciniais tikslais, kad susirištų savo šarvus ir arklio šarvus) ir taip pat sunkiems daiktams rišti.
Įvairūs šiuolaikinio kumihimo raštai labai lengvai audžiami ant naminių kartoninių staklių.

- Komono.
Kas lieka iš kimono, jam pasibaigus? Ar manote, kad jis išmetamas? Nieko panašaus! Japonai niekada to nepadarys. Kimono brangūs. Taip tiesiog išmesti neįsivaizduojama ir neįmanoma... Be kitų rūšių kimono perdirbimo, amatininkės iš smulkių gabalėlių gamino nedidelius suvenyrus. Tai maži žaislai vaikams, lėlės, sagės, girliandos, moteriški papuošalai ir kiti gaminiai, iš seno kimono gaminami smulkūs mieli daikteliai, kurie bendrai vadinami „komono“. Smulkmenos, kurios įgis savo gyvenimą, tęsdamos kimono kelią. Štai ką reiškia žodis „komono“.

- Kanzashi.
Plaukų segtukų dekoravimo menas (dažniausiai puoštas gėlėmis (drugeliais ir kt.) iš audinio (daugiausia šilko). Japoniški kanzashi (kanzashi) – ilgas segtukas tradicinei japonų moteriškai šukuosenai. Jie buvo gaminami iš medžio, lako, sidabras, vėžlio kiautas naudojamas tradicinėse kinų ir japonų šukuosenose.Maždaug prieš 400 metų Japonijoje pasikeitė moterų šukuosenų stilius: moterys nustojo šukuoti plaukus tradicine forma – taregami (ilgi tiesūs plaukai) ir pradėjo juos įmantriai formuoti. ir keistų formų – nihongami.naudoti įvairūs daiktai – plaukų segtukai, pagaliukai, šukos.Būtent tada net paprastos kuši šukos virsta elegantišku nepaprasto grožio aksesuaru, kuris tampa tikru meno kūriniu.Japonų moterų tradicinis kostiumas nebuvo leisti riešinius papuošalus ir karolius, todėl šukuosenų puošmenos buvo pagrindinis grožis ir saviraiškos laukas – taip pat demonstruojantis savininko piniginės skonį ir storumą. Ant graviūrų matote – atidžiau įsižiūrėjus – kaip japonės lengvai pasikabino iki dvidešimties brangių kanzashi savo šukuosenose.
Dabar tarp jaunų japonų moterų, norinčių savo šukuosenoms suteikti rafinuotumo ir elegancijos, atgimsta kanzashi vartojimo tradicijos. Šiuolaikinės barrettes gali būti papuoštos tik viena ar dviem dailiomis rankų darbo gėlėmis.

- Kinusaiga.
Nuostabus rankdarbių tipas iš Japonijos. Kinusaiga (絹彩画) yra batikos ir kratinio kryžius. Pagrindinė mintis yra ta, kad nauji paveikslai yra pagaminti iš senų šilko kimono – tikrų meno kūrinių.
Pirmiausia menininkas padaro eskizą ant popieriaus. Tada šis piešinys perkeliamas ant medinės lentos. Rašto kontūras perpjaunamas grioveliais, arba grioveliais, o tada iš seno šilko kimono išpjaunamos mažos spalvos ir tono derančios skiautelės, kurių kraštai užpildo griovelius. Žiūrint į tokį paveikslą apima jausmas, kad žiūri į fotografiją ar net tiesiog stebi peizažą už lango, jie tokie tikroviški.

- Temari.
Tai tradiciniai japoniški geometriniais siuvinėtais rutuliukai, pagaminti paprastomis siūlėmis, kurie kažkada buvo vaikų žaislas, o dabar tapo meno forma, kurią mėgsta ne tik Japonija, bet ir visame pasaulyje. Manoma, kad seniai šiuos gaminius samurajų žmonos gamindavo pramogai. Pačioje pradžioje jie tikrai buvo naudojami kaip kamuoliukas žaidimui su kamuoliu, tačiau pamažu pradėjo įgyti meninių elementų, vėliau virto dekoratyviniais ornamentais. Subtilus šių kamuoliukų grožis žinomas visoje Japonijoje. Ir šiandien spalvingi, kruopščiai pagaminti gaminiai yra viena iš liaudies amatų rūšių Japonijoje.

- Yubinuki.
Japoniški antpirščiai, siuvant ar siuvinėjant rankomis, dedami ant dirbančios rankos vidurinio piršto vidurinės falangos, pirštų galiukų pagalba adatai suteikiama norima kryptis, o adata stumiama per žiedą viduryje. pirštas darbe. Iš pradžių japoniški yubinuki antpirščiai buvo gaminami gana paprastai - apie 1 cm pločio tankaus audinio arba odos juosta keliais sluoksniais buvo tvirtai apvyniojama aplink pirštą ir susegta keliomis paprastomis dekoratyvinėmis siūlėmis. Kadangi jubinukai buvo reikalinga tema kiekvienuose namuose jie buvo pradėti puošti geometriniais siuvinėjimais šilko siūlais. Iš siūlių susipynimo buvo sukurti spalvingi ir sudėtingi raštai. Yubinuki iš paprasto namų apyvokos daikto taip pat pavirto į „pasigėrėjimą“ skirtą, kasdienybės puošmeną.
Yubinuki vis dar naudojami siuvimui ir siuvinėjimui, tačiau juos taip pat galima rasti tiesiog nešiojant ant rankų ant bet kurio piršto, pavyzdžiui, dekoratyvinius žiedus. Yubinuki stiliaus siuvinėjimu puošiami įvairūs žiedo pavidalo daiktai – servetėlių žiedai, apyrankės, temari stovai, dekoruoti yubinuki siuvinėjimais, taip pat yra tokio paties stiliaus siuvinėtų adatinių gultų. Yubinuki raštai gali būti puikus įkvėpimas temari obi siuvinėjimui.

- Suibokuga arba sumie.
Japoniška tapyba tušu. Šį kinų tapybos stilių japonų menininkai perėmė XIV amžiuje, o iki XV amžiaus pabaigos. tapo pagrindine tapybos srove Japonijoje. Suibokuga yra vienspalvis. Jai būdingas juodo rašalo (sumi) naudojimas, kieta forma anglis arba pagaminta iš kiniško rašalo suodžių, kurie sumalami rašalo inde, praskiedžiami vandeniu ir teptuku tepami ant popieriaus ar šilko. Monochrome siūlo meistrui begalinį atspalvių pasirinkimą, kurį kinai seniai pripažino rašalo „spalvomis“. „Suibokuga“ kartais leidžia naudoti tikras spalvas, tačiau apsiriboja plonais, skaidriais potėpiais, kurie visada lieka pavaldūs rašalo linijai. Tapyba tušu su kaligrafijos menu dalijasi tokiomis esminėmis savybėmis kaip griežtai valdoma raiška ir techninis formos meistriškumas. Tapybos tušu kokybė, kaip ir kaligrafijoje, priklauso nuo tušu nubrėžtos linijos vientisumo ir atsparumo plyšimui, kuri tarsi laiko kūrinį ant savęs, kaip kaulai laiko audinius ant savęs.

- Etegami.
Nupiešti atvirukai (e – paveikslėlis, pažymėti – raidė). Atvirukų kūrimas „pasidaryk pats“ Japonijoje apskritai yra labai populiarus užsiėmimas, o prieš šventę jos populiarumas dar labiau išauga. Japonai mėgsta siųsti atvirukus savo draugams, taip pat mėgsta juos gauti. Tai greitas laiškas ant specialių ruošinių, gali būti siunčiamas paštu be voko. Ne etegami specialios taisyklės arba technikas, tai gali būti bet kuris asmuo be specialaus išsilavinimo. Etagami padeda tiksliai išreikšti nuotaiką, įspūdžius, tai rankų darbo atvirukas susidedantis iš paveikslėlio ir trumpo laiško, perteikiantis siuntėjo emocijas, tokias kaip šiluma, aistra, rūpestis, meilė ir kt. Šiuos atvirukus jie siunčia šventėms ir kaip tik, vaizduojančius metų laikus, veiklą, daržoves ir vaisius, žmones ir gyvūnus. Kuo paprasčiau nupieštas šis paveikslas, tuo įdomiau jis atrodo.

- Furoshiki.
Japoniška vyniojimo technika arba audinių lankstymo menas. Furoshiki ilgą laiką pateko į japonų gyvenimą. Išlikę senoviniai Kamakura-Muromachi laikotarpio (1185–1573 m.) ritiniai su moterų atvaizdais, ant galvų nešiojančių drabužių ryšulius, suvyniotus į audinį. Ši įdomi technika atsirado dar 710–794 m. po Kr. Japonijoje. Žodis „furoshiki“ pažodžiui verčiamas kaip „vonios kilimėlis“ ir yra kvadratinis audinio gabalas, naudojamas apvynioti ir nešti visų formų ir dydžių daiktus.
Senovėje japoniškose pirtyse (furo) buvo įprasta vaikščioti su šviesiais medvilniniais kimono, kuriuos lankytojai atsinešdavo iš namų. Pirtininkas atsinešė ir specialų kilimėlį (shiki), ant kurio stovėjo nusirengdamas. Persirengęs į „maudymosi“ kimono, lankytojas drabužius suvyniojo į kilimėlį, o po vonios šlapią kimono suvyniojo į kilimėlį, kad parsineštų namo. Taip vonios kilimėlis tapo daugiafunkciu krepšiu.
Furoshiki labai paprasta naudoti: audinys įgauna daikto, kurį apvyniojate, formą, o rankenos leidžia lengvai nešti krovinį. Be to, dovana, supakuota ne į kietą popierių, o į minkštą, daugiasluoksnį audinį, įgauna ypatingo išraiškingumo. Yra daugybė furoshiki lankstymo schemų bet kokiai progai, kasdienai ar šventei.

- Amigurumi.
Japonijos menas megzti arba nerti mažų gyvūnų ir žmogeliukų iškamšas. Amigurumi (編み包み, liet.: „megzti-apvynioti“) dažniausiai yra mieli gyvūnėliai (pavyzdžiui, meškiukai, zuikiai, katės, šunys ir kt.), maži žmogeliukai, tačiau gali būti ir negyvi daiktai, apdovanoti žmogaus savybėmis. Pavyzdžiui, keksiukai, kepurės, rankinės ir kt. Amigurumi yra megztas arba megztas arba nertas. Pastaruoju metu nerti amigurumi tapo populiaresni ir dažnesni.
mezgama iš siūlų paprastu mezgimo būdu - spirale ir, skirtingai nei europietiško mezgimo būdu, apskritimai dažniausiai nejungiami. Jie taip pat neriami mažesniu dydžiu, palyginti su verpalų storiu, kad būtų sukurtas labai tankus audinys be jokių tarpų įdarui išeiti. Amigurumi dažnai gaminami iš dalių ir sujungiami, išskyrus kai kuriuos amigurumi, kurie neturi galūnių, o turi tik galvą ir liemenį, kurie yra viena visuma. Galūnės kartais užpildomos plastiko gabalėliais, kad būtų suteiktas gyvasis svoris, o likusi kūno dalis užpildoma pluošto užpildu.
Amigurumi estetikos sklaidą skatina jų mielumas („kawaii“).