hjem › Kropp › Hvor ble født Sergei Prokofiev dirigent og komponist. Sergei Prokofiev biografi kort

Hvor ble født Sergei Prokofiev dirigent og komponist. Sergei Prokofiev biografi kort

Sergei Prokofiev er en fremragende russisk komponist og en personlighet med unik skjebne. En mann med fantastiske evner som kom inn på St. Petersburg-konservatoriet da han var bare 13. En mann som dro til utlandet etter revolusjonen, men returnerte til USSR – med ære og uten stigmatisering av «avhopper». En person med urokkelig aspirasjon, som ikke ble knust av livets vanskeligheter. Han ble begunstiget av myndighetene, hadde de høyeste statlige utmerkelsene, og så, i løpet av livet, ble han glemt og vanæret. Mannen som kalles det "eneste geni" i det tjuende århundre og hvis fantastiske verk gleder lyttere over hele verden.

En kort biografi om Sergei Prokofiev og mange interessante fakta les om komponisten på siden vår.

Kort biografi om Prokofiev

Sergey Sergeevich Prokofiev kommer fra den ukrainske landsbyen Sontsovka. Det er forskjellige versjoner av fødselsdatoen hans, men det er tilrådelig å angi den som han selv indikerte i sin "Selvbiografi" - 11. april (23), 1891. Det ser ut til at han allerede var født som komponist, for takket være moren, Maria Grigoryevna, som spilte piano utmerket, var Prokofievs' hus fullt av musikk. Interessen for instrumentet fikk lille Serezha til å begynne å lære å spille. Siden 1902 begynte Sergei Prokofiev å undervise i musikk R.M. glier.

Prokofiev ble student ved Moskva-konservatoriet i 1904. Fem år senere ble han uteksaminert fra komposisjonsavdelingen, og fem år senere - fra pianoavdelingen, og ble den beste kandidaten. Han begynte å gi konserter i 1908. Debuten ble svært gunstig vurdert av kritikere, både utøvende talent og komponist originalitet ble notert. Siden 1911 har notater om verkene hans blitt publisert. Vendepunktet i skjebnen til den unge Prokofiev var hans bekjentskap med S.P. Diaghilev i 1914. Takket være foreningen av gründeren og komponisten ble fire balletter født. I 1915 organiserte Diaghilev Prokofievs første utenlandske forestilling med et program bestående av komposisjonene hans.

Prokofjev oppfattet revolusjonen som ødeleggelse, «massakre og spill». Derfor dro han allerede neste år til Tokyo, og derfra til New York. Han bodde lenge i Frankrike, og turnerte i den gamle og nye verdenen som pianist. I 1923 giftet han seg med den spanske sangeren Lina Codina, de hadde to sønner. Kommer på forestillinger Sovjetunionen, ser Prokofiev en usedvanlig hjertelig, til og med luksuriøs, mottakelse av myndighetene, en storslått, enestående suksess med publikum, og han mottar også et tilbud om å returnere og et løfte om status som "den første komponisten." Og i 1936 flyttet Prokofiev for å bo i Moskva med sin familie og eiendom. Myndighetene lurte ham ikke - en luksuriøs leilighet, veltrente tjenere, ordre strømmet inn som fra et overflødighetshorn. I 1941 forlot Prokofiev familien for Mira Mendelssohn.

uventet dramatiske hendelser 1948 begynte. Etternavnet til Prokofiev ble nevnt i resolusjonen til partiet "On the opera" Great Friendship "av V. Muradeli." Komponisten ble rangert blant "formalistene". Som et resultat ble noen av komposisjonene hans, spesielt den sjette symfonien, forbudt, resten ble nesten aldri fremført. Men allerede i 1949 ble disse restriksjonene opphevet av Stalins personlige ordre. Det viste seg at selv den "første komponisten" i landet ikke tilhører den urørlige kasten. Mindre enn ti dager etter publiseringen av det ødeleggende dekretet ble komponistens første kone, Lina Ivanovna, arrestert. Hun ble dømt til 20 år i leirene for spionasje og forræderi, hun ville bli løslatt først i 1956. Prokofjevs helse ble merkbart dårligere, legene rådet ham til nesten ikke å jobbe. Ikke desto mindre deltok han i 1952 personlig på den første fremføringen av sin syvende symfoni, og skrev musikk selv på den siste dagen av sitt liv. Om kvelden 5. mars 1953 stoppet Sergei Prokofjevs hjerte ...

Prokofiev - komponist

Fra biografien til Prokofiev vet vi at i en alder av fem oppfant og spilte Seryozha sitt første stykke på piano (Maria Grigoryevna skrev ned notene). Etter å ha besøkt i 1900 Moskva-produksjoner av " Faust"Og" Tornerose”, ble barnet så inspirert av det han hørte at bare seks måneder senere ble hans første opera “The Giant” født. Allerede ved inngangen til vinterhagen hadde flere mapper med komposisjoner samlet seg.

Ideen om hans første store opera basert på handlingen til romanen av F.M. Dostojevskij" Spiller”, som Prokofiev i sin ungdom planla å overføre til opera scene, ble diskutert av komponisten først og fremst med S. Diaghilev. Som imidlertid ikke var interessert i ideen. I motsetning til sjefdirigenten for Mariinsky Theatre A. Coates, som støttet henne. Operaen sto ferdig i 1916, utdelingen av deler ble foretatt, øvingene begynte, men på grunn av en uheldig rekke av hindringer fant premieren aldri sted. Etter en stund laget Prokofiev den andre utgaven av operaen, men henne Grand Theatre satt først i 1974. I løpet av komponistens levetid ble bare produksjonen av den andre utgaven av Brussel-teatret La Monnaie i 1929 realisert, hvor operaen ble fremført på fransk. Det siste verket skrevet og fremført i førrevolusjonære St. Petersburg var den første symfonien. I løpet av livet i utlandet ble det opprettet: operaer " Kjærlighet til tre appelsiner"and" Fiery Angel", tre symfonier, mange sonater og stykker, musikk til filmen "Lieutenant Kizhe", konserter for celloer, piano, fioliner med et orkester.

Returen til USSR er en rask tid kreativ start Prokofiev, da verkene som ble hans " telefonkort» selv for de som ikke er kjent med klassisk musikk - ballett "Romeo og Julie" og det symfoniske eventyret «Peter og ulven». I 1940, Operahuset. K.S. Stanislavsky gir premiere på Seeds of Kotko. Samtidig ble arbeidet fullført med operaen Trolovelse i et kloster, hvor M. Mendelssohn opptrådte som medforfatter av librettoen.

I 1938 ble S. Eisensteins film «Alexander Nevsky» sluppet, som i løpet av få år var skjebnebestemt til å bli et symbol på kampen mot de nazistiske inntrengerne. Musikken til denne filmen, så vel som den andre monumentale filmen til regissøren "Ivan the Terrible", ble skrevet av Sergei Prokofiev. Krigsårene var preget av evakuering til Kaukasus, samt arbeid med tre store arbeider: Femte symfoni, ballett "Askepott", opera" Krig og fred". Forfatteren av librettoen til denne operaen og påfølgende verk av komponisten var hans andre kone. Etterkrigstiden er først og fremst kjent for to symfonier - den sjette, som regnes som et slags rekviem for krigens ofre, og den syvende, dedikert til ungdom og håp.

Interessante fakta:

Versjonen av operaen The Gambler, skrevet for Mariinsky Theatre i 1916, ble aldri satt opp der. Premieren på den andre utgaven fant sted først i 1991.
I løpet av Prokofievs liv ble bare 4 av operaene hans iscenesatt i USSR. Samtidig - ikke en eneste på Bolshoi Theatre.
Sergei Prokofiev etterlot seg to juridiske enker. En måned før arrestasjonen av L. Prokofieva, som ikke ga ham skilsmisse, enten av hensyn til hennes egen sikkerhet, eller fordi hun oppriktig ikke ønsket å la sin elskede gå, giftet komponisten seg på nytt. Han ble rådet til å bruke lovbestemmelsene i dekretet om forbud mot ekteskap med utlendinger, som anerkjente kirkelig ekteskap med Lina Ivanovna, inngått i Tyskland, som ugyldig. Prokofiev skyndte seg å legalisere forholdet til M. Mendelssohn, og erstattet dermed ekskone under slaget fra den sovjetiske undertrykkende maskinen. Tross alt, med et pennestrøk og mot sin vilje, forvandlet hun seg fra Prokofievs kone til en ensom utlending, og opprettholdt forholdet til andre utlendinger i Moskva. Da han kom tilbake fra leiren, gjenopprettet komponistens første kone alle hennes ekteskapelige rettigheter i retten, inkludert en betydelig del av arven.
Komponisten var en strålende sjakkspiller . "Sjakk er tankens musikk" er en av hans mest kjente aforismer. En gang klarte han til og med å vinne et parti mot verdensmesteren i sjakk H.-R. Capablanca.

Fra 1916 til 1921 samlet Prokofiev et album med autografer fra vennene sine som svarte på spørsmålet: "Hva synes du om solen?". Blant de som svarte var K. Petrov-Vodkin, A. Dostoevskaya, F. Chaliapin, A. Rubinshtein, V. Burliuk, V. Mayakovsky, K. Balmont. Prokofievs arbeid kalles ofte solfylt, optimistisk, muntert. Selv fødestedet hans i noen kilder kalles Solntsevka.
Prokofievs biografi bemerker at i de første årene av komponistens opptredener i USA, ble han kalt en "musikalsk bolsjevik" der. Den amerikanske offentligheten viste seg å være for konservativ til å forstå musikken hans. I tillegg hadde hun allerede sitt eget russiske idol - Sergei Rachmaninov.
Da han kom tilbake til USSR, fikk Prokofiev en romslig leilighet i et hus på 14, Zemlyanoy Val, hvor spesielt bodde: pilot V. Chkalov, poet S. Marshak, skuespiller B. Chirkov, kunstner K. Yuon. De lot meg også ta med meg en blå Ford kjøpt i utlandet, og til og med få en personlig sjåfør.
Samtidige bemerket Sergei Sergeevichs evne til å kle seg med smak. Han var ikke flau av verken lyse farger eller dristige kombinasjoner i klær. Han elsket franske parfymer og kostbart tilbehør som slips, fine viner og gourmetmat.
Sergei Prokofiev førte en detaljert personlig dagbok i 26 år. Men etter å ha flyttet til Sovjetunionen bestemte han seg for at det var klokere å ikke gjøre dette lenger.

Etter krigen bodde Prokofiev for det meste i en hytte i landsbyen Nikolina Gora nær Moskva, som han kjøpte for pengene fra den femte Stalinprisen. I Moskva var hjemmet hans tre rom i en fellesleilighet, der i tillegg til komponisten og hans kone, også Mira Abramovnas stefar bodde.
Komponisten inkluderte ofte fragmenter og melodier av tidligere verk i verkene sine. Eksempler inkluderer:
- musikken til balletten "Ala and Lolly", som S. Diaghilev nektet å sette opp, ble omarbeidet av Prokofiev til den skytiske suiten;
- musikken til den tredje symfonien er hentet fra operaen "Fiery Angel";
- Den fjerde symfonien ble født fra musikken til balletten "Prodigal Son";
- Temaet "Tatar Steppe" fra maleriet "Ivan the Terrible" dannet grunnlaget for Kutuzovs arie i operaen "Krig og fred".
"Steel lope" for første gang jeg så Russisk scene først i 2015, 90 år etter opprettelsen.
Komponisten avsluttet arbeidet med duetten til Katerina og Danila fra balletten "The Tale of the Stone Flower" noen timer før hans død.
Livet til S.S. Prokofiev og I.V. Stalin ble avskåret på en dag, på grunn av dette ble komponistens død kunngjort på radioen med en forsinkelse, og organiseringen av begravelsen var mye vanskeligere.

Sergei Prokofiev og kino

Opprettelsen av musikk til filmer av en komponist av dette kaliberet er uten sidestykke i kunsten. I 1930-40 skrev Sergei Prokofiev musikk til åtte filmer. En av dem, The Queen of Spades (1936), så aldri dagens lys på grunn av en brann på Mosfilm som ødela filmene. Prokofievs musikk til den aller første filmen, løytnant Kizhe, ble utrolig populær. Basert på den skapte komponisten en symfonisk suite, som ble fremført av orkestre over hele verden. To balletter ble deretter laget til denne musikken. Prokofiev godtok imidlertid ikke umiddelbart forslaget fra filmskaperne - hans første reaksjon var et avslag. Men etter å ha lest manuset og en detaljert diskusjon om regissørens intensjon, ble han interessert i ideen, og som han bemerket i sin selvbiografi, jobbet han raskt og med glede med musikken til løytnant Kizhe. Opprettelsen av suiten krevde mer tid, re-orkestrering og til og med omarbeiding av noen temaer.

I motsetning til "løytnant Kizhe", forslaget om å skrive musikk til filmen " Alexander Nevskiy Prokofiev aksepterte uten å nøle. De hadde kjent Sergei Eisenstein i lang tid; Prokofiev betraktet seg selv som en fan av regissøren. Arbeidet med bildet var en feiring av ekte samskaping: noen ganger skrev komponisten en musikalsk tekst, og regissøren bygde opptaket og redigeringen av episoden på grunnlag av det, noen ganger så Prokofiev på det ferdige materialet, og banket rytmer på tre med fingrene og bringe den ferdige scoringen etter en stund. Musikken til "Alexander Nevsky" legemliggjorde alle hovedtrekkene i Prokofievs talent og gikk fortjent inn i verdenskulturens gyldne fond. I løpet av krigsårene skapte Prokofiev musikk for tre patriotiske filmer: "Partisans in the steppes of Ukraine", "Kotovsky", "Tonya" (fra filmsamlingen "Our Girls"), samt for den biografiske filmen "Lermontov" (sammen med V. Pushkov).

Sist men ikke minst var Prokofievs arbeid med S. Eisensteins film Ivan the Terrible, som begynte i Alma-Ata. Musikken til "Ivan the Terrible" med sin folkeepiske kraft fortsetter temaene til "Alexander Nevsky". Men det andre fellesbildet av de to geniene består ikke bare av heroiske scener, men forteller også om historien til boyar-konspirasjonen og diplomatiske intriger, som krevde et mer mangfoldig musikalsk lerret. Dette verket til komponisten ble tildelt Stalin-prisen. Selv etter Prokofievs død tjente musikken til Ivan the Terrible som grunnlaget for opprettelsen av oratoriet og ballett.

Til tross for at den fantastiske skjebnen til Sergei Prokofiev kunne danne grunnlaget for et interessant filmmanus, er det fortsatt ingen spillefilmer om komponistens liv. For ulike merkedager - fra fødselsdato eller død - ble det kun laget TV-filmer og -programmer. Kanskje dette skyldes det faktum at ingen forplikter seg til entydig å tolke de tvetydige handlingene til Sergei Sergeyevich. Av hvilke grunner kom han tilbake til USSR? Var den sovjetiske perioden for hans arbeid konformisme eller innovasjon? Hvorfor mislyktes hans første ekteskap? Hvorfor lot han Lina Ivanovna hensynsløst nekte å bli evakuert fra militæret Moskva, for ikke å ta ut i det minste barna? Og brydde han seg om noe i det hele tatt, bortsett fra sin egen forfengelighet og kreative erkjennelse - skjebnen til den arresterte første kona og hans egne sønner, for eksempel? Det finnes ingen svar på disse og mange andre brennende spørsmål. Det er meninger og formodninger som kanskje ikke er rettferdige for den store komponisten.

Den store russiske komponisten som skrev sin første opera i en alder av 9. Herre store former, som klarte å oversette til musikkens språk både de Shakespeareske lidenskapene til Romeo og Julie, og møtet til pioneren Petya med ulven.

Den berømte komponisten ble født i Yekaterinoslav-provinsen i familien til en agronom. Gutten fra barndommen viste musikalsk evne, hans første lærer var hans mor - en god pianist. I 1902-1903 tok Prokofiev privattimer fra komponisten Reinhold Gliere. I 1904 gikk han inn på St. Petersburg-konservatoriet. I 1909 ble Prokofiev uteksaminert fra det som komponist, fem år senere - som pianist, og fortsatte å studere i det til 1917 i orgelklassen.

Prokofiev begynte å opptre som solist og fremførte sine egne verk fra 1908. En elev av Rimsky-Korsakov, komponisten Prokofiev begynte med pianostykker og sonater, men premieren i Chicago ga ham berømmelse - den muntreste operaen i verden, The Love for Three Oranges. Uten musikken til Prokofiev i dag er det umulig å forestille seg anerkjent mesterverk førkrigskino - filmen "Alexander Nevsky". Og det musikalske akkompagnementet til "Ivan the Terrible" av Sergei Eisenstein mottok eget liv som et eget verk.

I 1918 forlot han sovjetstaten og nådde USA gjennom Tokyo. I de følgende tiårene bodde og turnerte Prokofiev i Amerika og Europa, og opptrådte også flere ganger i USSR. Han returnerte til hjemlandet i 1936 med sin spanske kone Lina Codina og sønner. Det var etter hjemkomsten at det berømte eventyret "Peter og ulven", samt operaen "Krig og fred" ble opprettet. Prokofiev jobbet med eposet i 12 år.

I 1948 ble Lina Kodina, som på det tidspunktet var hans ekskone, arrestert og forvist (løslatt i 1956, hun forlot senere USSR). Samme år begynte Prokofiev å bli knust for formalisme, verkene hans ble skarpt kritisert som upassende for sosialistisk realisme.

Prokofiev døde av en hypertensiv krise i en alder av 61.

Fragmenter fra selvbiografien til S.S. Prokofiev.

<...>Mor elsket musikk, far respekterte musikk. Sannsynligvis elsket han henne også, men i filosofiske termer, som en manifestasjon av kultur, som en flukt for den menneskelige ånd. En gang, da jeg satt ved pianoet som gutt, stoppet faren min, lyttet og sa:
- Edle lyder.
Dette er nøkkelen til hans holdning til musikk.
<...>Mors holdning til musikk var mer praktisk. Hun spilte piano ikke dårlig, og fritiden på landet tillot henne å vie så mye tid til denne saken som hun ville. Det hadde hun knapt musikalske talenter; teknikken var vanskelig, og fingrene ble fratatt puter foran neglene. Hun var redd for å spille foran folk. Men hun hadde tre dyder: utholdenhet, kjærlighet og smak. Mor søkte best mulig fremføring av tingene som ble lært, behandlet arbeidet hennes med kjærlighet og var utelukkende interessert i seriøs musikk. Sistnevnte spilte en enorm rolle i å dyrke min musikalske smak: Helt fra fødselen hørte jeg Beethoven og Chopin, og i en alder av tolv husker jeg at jeg bevisst foraktet lett musikk. Da moren min ventet på min fødsel, spilte hun opptil seks timer om dagen: den fremtidige lille mannen ble formet til musikken.

<...>]Musikalske tilbøyeligheter begynte å dukke opp tidlig, sannsynligvis i en alder av fire. Jeg har hørt musikk i huset siden jeg ble født. Da de la meg om kvelden, men jeg ikke hadde lyst til å sove, lå jeg og hørte på hvordan Beethovens sonate lød et sted i det fjerne, flere rom unna. Mor spilte mest av alt sonatene fra første bind; deretter Chopins preludier, mazurkaer og valser. Noen ganger noe fra Liszt, som ikke er så vanskelig. Fra russiske forfattere - Tsjaikovskij og Rubinstein. Anton Rubinstein var på høyden av sin berømmelse, og moren var sikker på at han var et større fenomen enn Tsjaikovskij. Rubinsteins portrett hang over pianoet.

<...>Moren begynte undervisningen på piano med øvelser av Ganon og etuder av Czerny. Det var her jeg prøvde å nøste på tastaturet. Mor, opptatt med øvelser i mellomregisteret, satte noen ganger til side for min bruk de to øvre oktavene, som jeg tappet ut mine barndomseksperimenter på. Et ganske barbarisk ensemble ved første øyekast, men morens beregning viste seg å være riktig, og snart begynte barnet å sette seg ved pianoet på egen hånd og prøve å plukke opp noe. Mor hadde en pedagogisk strek. Umerkelig prøvde hun å veilede meg og forklare hvordan instrumentet skulle brukes. Det faktum at hun spilte, var jeg nysgjerrig og kritisk, og sa noen ganger:
– Jeg liker denne sangen (jeg sa «I like it»). La henne være min.
Det var også uenigheter med min bestemor: hva slags lek var det moren lekte. Jeg hadde vanligvis rett.
Å lytte til musikk og improvisere ved keyboardet førte til at jeg plukket opp uavhengige stykker.

<...>I løpet av våren og sommeren 1897 spilte jeg inn tre stykker: Waltz, March og Rondo. Det var ikke noe musikkpapir i huset, kontoristen Vanka stilte det for meg. Alle tre stykkene var i C-dur<...>Den fjerde viste seg å være litt vanskeligere – en marsj i h-moll. Så ankom Ekaterina Ippokratovna Sontsovka, kona til den Lyashchenko, som jeg ikke brydde meg om hans skallethet. Hun spilte piano godt og studerte til og med litt sammen med moren. Sammen spilte de fire hender, noe jeg likte veldig godt: de spiller forskjellige ting, men sammen kommer det ganske bra ut!
– Mamma, jeg skal skrive en firehåndsmarsj.
- Det er vanskelig, Sergushechka. Du kan ikke velge musikk for én person og en annen.
Likevel satte jeg meg ned for å plukke opp, og marsjen gikk ut. Det var fint å spille det i fire hender og høre hvordan det høres sammen plukket opp hver for seg. Det var tross alt den første scoringen!

<...>Til min musikalsk utvikling mor behandlet med stor oppmerksomhet og forsiktighet. Det viktigste er å holde barnet interessert i musikk og, gud forby, ikke skyve det vekk med kjedelig propp. Derfor: så lite tid som mulig til øvelser og mest mulig til litteraturkjennskap. Synspunktet er fantastisk, som mødre bør huske.

S.S. Prokofiev. Selvbiografi. M., "sovjetisk komponist", 1973.

I den tidlige perioden av Prokofievs verk er det pianomusikk av ulike former som er i spissen - fra miniatyrer til små sykluser, konserter og sonater. Det er i små programmerte pianostykker at den originale stilen til komponisten modnes. Den andre bølgen av fremveksten av Prokofievskaya pianomusikk- slutten av 30-tallet - begynnelsen av 40-tallet, da triaden av sonater (nr. 6, 7, 8) ble født, som i form av episk kraft og dybde i dramatiske konflikter er nesten like god som symfoniene av samme tid - den femte og sjette.

Prokofjevs bidrag til pianolitteraturen på 1900-tallet kan bare sammenlignes med Debussy, Skrjabin og Rachmaninov. I likhet med sistnevnte, skaper han en rekke monumentale piano "konsert-symfonier", og fortsetter i denne forstand tradisjonen testamentert av Tsjaikovskij.

Prokofievs pianisme er grafisk, muskuløs, pedalløs, noe som er det motsatte av Rachmaninovs romantiske stil og Debussys impresjonistiske svingning. B. Asafiev: "Alvorlig konstruktivisme er kombinert med psykologisk uttrykksevne." Egenskaper: kraft, toccato, konstant dynamikk, instrumental melodi, transparent tekstur, tilbøyelighet til psykologisme, dristige klangkombinasjoner, klare former, spill i ekstreme registre (Debussy). Skarpe figurative kontraster: primitivitet og eleganse, barbarisk fauvisme og raffinement, prosapassasjer og eventyrepisoder, sarkasme og tekster.

Prokofievs pianoarbeid er mangfoldig i sjanger ( piano sykluser, miniatyrer, transkripsjoner av ballettkomposisjoner, konsertsonater). Prokofiev regnes med rette som en representant for den antiromantiske tradisjonen fra første halvdel av 1900-tallet, sammen med Stravinsky, Bartok, Hindemith.

Å overvinne den romantiske tolkningen av pianoet skyldes flere faktorer:

Avslag på sensuell tolkning av lyd (tørr, hard, glassaktig). Den spesielle betydningen av vekt, ikke legato stil;

lyd avlastet. Hyppig bruk av ekstreme registre. Ingen følelse av metthet;

perkusjonstolkning av piano. Prokofiev fortsetter tradisjonene fra den tidlige klassiske kunsten til Scarlatti, Haydn, franske klavisinister, Debussys klaverklassisisme og i den russiske tradisjonen Mussorgsky.

Til tross for overvekt av antiromantiske tradisjoner, har Prokofievs pianostil også trekk fra romantisk pianomusikk. Dette gjelder spesielt i forhold til øyeblikkene med cantilena-temaer. Som oftest piano kreativitet Prokofiev er delt inn i tre perioder:

1) Tidlig . Før avreise til utlandet (1908 - 1918). I løpet av denne perioden ble det skrevet fire sonater, to konserter, etuder (op. 2), skuespill (op. 3,4), Toccata (op. 11), Sarcasm (op. 17), Transience (op. 22);

2) Fremmed (1918 - 1933). I kreativiteten er det en utdyping av den lyriske sfæren. Skrevet 3., 4., 5. konsert, 5. sonate, "Tales" (op. 31), fire stykker (op. 32);

3) sovjetisk (midten av 1930-tallet). I følge Prokofiev selv, i løpet av denne perioden med kreativitet, finner en "overgang til en ny enkelhet" sted. Skrevet "Barnemusikk" (op. 65), transkripsjoner, sonater 6-9.

Emne: N.Ja. Myaskovsky. Opprettelse. Stilfunksjoner.

Introduksjon.

Han kom inn i den sovjetiske musikkens historie som en stor symfonist og en fremragende lærer. Han sto ved opprinnelsen til dannelsen av sovjetisk symfoni. Ekstern showiness, konsertglans er fremmed for stilen hans, det er ingen spor av lidenskap for fargerikt lydmaleri eller superrasjonalisme. Verket til Myaskovsky er en uavhengig gren av russisk filosofisk symfonisme, der tradisjonene til Liszt, Wagner, Tsjaikovskij og "Kuchkistene" opprinnelig ble utviklet og omarbeidet i ekspresjonismens ånd.

Tidlig periode kreativitet.

Utviklingen av Myaskovsky, som mange andre komponister på 1900-tallet, var rettet mot å snakke enkelt om komplekset, uten å miste dybden. Hans tidlige verk er preget av: tett musikalsk stoff, komplisert harmoni. Den 5. symfonien åpner den sentrale perioden i Myaskovskys verk.

E år.

En av de vanskeligste kreative perioder. Fangsten av dypt personlige følelser og subjektive tragiske følelser i disse årene råder merkbart over den objektive sfæren (symfoniene nr. 6, 7, 9, 10, 12, sonater nr. 3, 4, "Fads", "Gule sider"). Symfoni nr. 5 og 8 inneholder folkemessebilder.

E år.

Folkebildenes rolle, det heroiske, modige og viljesterke prinsippet, vokser. Lyrisk tematikk, melodiøsitet, melodisk bredde og glatthet (symfonier nr. 15, 17, 18, 19, 21), sitater fra populære sanger.

E år.

Den etablerte stilen til komponisten fikk trekk av akademisk strenghet. Lyrisk-episk-dramatisk symfonisme fra krigsårene og suitelignende verk (Symfoni nr. 23). Sjanger sameksisterer med urovekkende temaer, narrative episoder, lyriske monologer. Det musikalske stoffet er klart og gjennomsiktig.

Som et resultat utkrystalliserte to linjer av Myaskovskys kreativitet: lyrisk-psykologisk og episk-sjanger. Av de viktigste stilartene på 1900-tallet ble senromantikken og ekspresjonismen reflektert i komponistens verk.

Emne: S.S. Prokofiev. Kantate "Alexander Nevsky".

Introduksjon.

Musikk til filmen av S. Eisenstein «A. Nevsky "- en av de anerkjente toppene kreativt liv Prokofiev. I dette arbeidet henvendte han seg først til russiske heroisk-episke temaer. Videre ble denne linjen videreført i operaen "Krig og fred", symfoni nr. 5, den første sonaten for fiolin og piano, og musikken til filmen "Ivan den grusomme". I mai 1939 fant urfremføringen av kantaten sted.

Dramaturgi.

På mange måter er kantatens sjanger original. Komponisten oppnådde en dristig kombinasjon av pittoreske og billedlige orkestrale episoder med sang- og korscener. Dermed oppsto en ny sjangersammensmeltning av programmatisk symfoni med en spesifikk opera- og korhandling.

Kantatens dramaturgi er basert på en skarp kontrast mellom to motstridende intasjonale sfærer: den russiske patriotiske hæren og de teutoniske korsfarernes frastøtende ansikt. De første er preget av sanger fra et episk varehus, triste lignelser, morsomme tosser. Den andre er avbildet med oppblåst militærfanfare, katolsk sang og en automatisert marsj. Prokofiev la som alltid vekt på kontrasten mellom dem ved hjelp av harmoniske og orkestrale virkemidler. I "russisk" musikk dominerer lett diatonisme, mykhet av klangfarger, melodiøs klang av strenger, sjelfulle klangfarger av stemmer. «German» er preget av harde polytonale lyder, «mekaniske» rytmer, tung messingbane og perkusjon. En spesiell plass er okkupert av metodene for kontrapunktiske kombinasjoner av forskjellige temaer ("Battle on the Ice").

Verkets komposisjonsskjema tiltrekker seg med sin forsiktige omtanke. Syv deler - svært forskjellige i innhold - er bygget på en kontrasterende veksling av billedlige og visuelle episoder ("Russland under det mongolske åket", "Crusaders in Pskov", "Battle on the Ice") med relativt komprimerte sang- og kornumre. Og det var på Neva -elven", "Reis up, Russian people", "Dead field"). Komposisjonen viser tydelig egenskapene til sonate-symfoni-syklusen:

De første 4 delene er introduksjon og eksposisjon;

5. - utvikling;

6. - lyrisk intermezzo;

7. - syntetiseringsfinale.

Analyse av kantaten.

Første del "Rus under det mongolske åket" er en symfonisk prolog til syklusen. Følelsen av tomhet oppnås av en spesiell lydeffekt, ofte funnet i Prokofiev: høye og lave klangfarger beveger seg i samklang med en ufylt midterste. Dermed oppstår et landskap fullt av angst og sorg.

Den andre delen er episk Sang om Alexander Nevsky". Gjennomsnittlig rekkevidde, rolig utplassering, klarhet i bevegelsen. Den harde fargeleggingen understrekes av overvekten av lave klangfarger i orkester og kor. Det kampbildeelementet er forsterket i midtseksjonen.

Funksjonene til dramatisk konflikt blir fullt ut avslørt i den tredje delen - "Korsfarere i Pskov". For første gang kolliderer polare bilder i den: den grusomme germanske invasjonen (ekstrem seksjoner) og lidelsene til de beseirede (midten). Korsfarerne er avbildet ved hjelp av tre temaer: en katolsk sang, et bassmotiv og en militær fanfare. I midten er det en sørgelig melodi: en trist klagemelodi, et rikt subvokalt stoff.

Fjerde del - "Stå opp, russiske folk"- som den andre er den bygget i form av en korscene av et sanglager. Hovedtemaet er fylt med kampmot og dyktighet. Midtseksjonen ("Native in Rus'") fengsler med lett poesi.

I den mest utvidede femte delen - "Slaget på isen"- hovedbegivenhetene i hele det symfoniske dramaet er konsentrert. Her er nærheten til kinoens natur mest merkbar: prinsippet om "montasje", kontrapunktteknikker, gjennomutvikling av bildetemaer. Introduksjon, konklusjon, trekk ved rondalitet. Det skremmende temaet om korsfarerne motarbeides av den russiske bøffelmelodien. Temaene i de foregående delene - den tredje og fjerde - lyder. Etter det grandiose klimaks (tutti, fff) og tyskernes fiasko under isen, er det en ro og en poetisk avslutning.

Sjette del "Dødt felt"- lyrisk-episk utladning etter en anspent kamp. Den eneste arien i hele kantaten, som for første gang introduserer et element av personlig følelse i musikken. Dempede strenger, sørgelige intonasjoner, naturlig moll, variasjon av modus, sang - et godt eksempel Slaviske meloer.

Den syvende delen - "Alexanders inntreden i Pskov" . Den seirende-patriotiske finalen i kantaten er nesten utelukkende basert på russiske temaer fra 2., 4. og 5. sats. Hovedstemningen er populær jubel, gleden til det russiske folket.

D.D. Sjostakovitsj. (1906-1975).

Barndom. Sergei Sergeevich Prokofiev (fig. 1) ble født 23. april 1891 i Sontsovka, Jekaterinoslav-provinsen (nå landsbyen Krasnoye, Krasnoarmeisky-distriktet, Donetsk-regionen). Faren hans - Sergei Alekseevich - var en lærd agronom, leder av eiendommen til grunneieren Sontsov. Han ga sønnen sin kjærlighet til naturen. Blant barnemanuskriptene til Seryozha Prokofiev er det bevart en notatbok der gutten noterte når hvilke blomster som blomstrer i Sontsovka.

Han hørte musikk i huset fra fødselen. Mor Maria Grigoryevna spilte Beethovens sonater, Chopins mazurkaer og natturner, og Tsjaikovskijs skuespill. Mer enn fem år gammel hadde Seryozha allerede komponert et pianostykke kalt "Indian Gallop". Andre skrifter fulgte snart.

Gutten var ni år gammel da han ble brakt til Moskva, og han dro først til operahuset (han hørte operaene Faust av Gounod og Prins Igor av Borodin, besøkte balletten Tornerose). Da han kom tilbake til Sontsovka, begynte han å skrive operaen "The Giant" på sin egen tomt.

Heltene i operaen var seg selv under navnet Sergeev, hans venn Yegorka (i operaen Egorov), datteren til husholdersken Stenya (i operaen Ustinya) og Giant. Handlingen var at giganten ønsket å fange jenta Ustinya, og Sergeyev og Yegorov forsvarte henne. I det andre bildet av første akt dukker kjempen opp i Ustinyas hus og synger en formidabel arie til følgende ord:

Hvor er hun? Jeg vil spise deg.

Nei? spiller ingen rolle,

Jeg skal spise lunsjen hennes!

Sommeren 1901 ble operaen Kjempen presentert med stor suksess i onkel Prokofjevs hus, forfatteren sang rollen som Sergeev.

Serezha ble først utdannet av foreldrene sine, som var opplyste, intelligente mennesker, smarte og strenge lærere. De vant ham til konsentrert og systematisk arbeid. Faren lærte sønnen russisk språk, aritmetikk, geografi, historie og botanikk. Mor - fremmedspråk (siden barndommen kjente Sergei Sergeevich to språk - fransk og tysk, senere engelsk). Maria Grigorievna var også hans første musikklærer. Da hun så suksessen til sønnen, bestemte hun seg for å vise ham til en stor musiker.

Vinteren 1902 ble han brakt til Moskva til Sergei Ivanovich Taneyev, en fremragende komponist og professor ved Moskva-konservatoriet. Taneyev la merke til guttens talent og rådet ham til å starte seriøse leksjoner i harmoni og systematisk kjennskap til musikklitteratur. Etter anbefaling fra Taneyev ankom en ung musiker til Sontsovka for sommeren, etter å ha uteksaminert fra Moskva-konservatoriet med en gullmedalje. Det var Reinhold Moritsevich Gliere, senere en kjent sovjetisk komponist, forfatter av ballettene Den røde valmue, Bronse Rytter”, en konsert for stemme og orkester og andre komposisjoner.

Livlige, interessante klasser med Gliere hadde en gunstig effekt på utviklingen av Prokofievs talent. Under veiledning av en lærer begynte han snart å skrive en symfoni og en opera "Feast under the Plague" basert på Pushkin. Gliere ble slått i studenten sin av en fantastisk kombinasjon av en voksen faglig seriøs holdning til musikk, uavhengighet av dømmekraft og helt barnslige trekk. Så på notestativet til den tolv år gamle Seryozha Prokofiev, som komponerte en opera eller en symfoni, var det en gummidukke ved navn Mister, som skulle lytte til en ny komposisjon.

Den sterkeste hobbyen til den fremtidige forfatteren av kjente operaer og balletter var teatret. Sammen med vennene sine - Sontsovka-gutter og -jenter - oppfant og spilte han hele tiden forestillinger, som ble deltatt av innbyggerne i huset i Sontsovka.

Allerede i barndommen oppdaget Prokofiev en sjelden observasjon og en rekke interesser (litteratur, teater, sjakk). Nysgjerrig er hans gutteaktige lidenskap for jernbanen, raske og nøyaktige bevegelser (som han selv forteller i den selvbiografiske historien «Childhood»). En av de fantastiske egenskapene til arbeidet til den voksne komponisten Prokofiev vil være hurtighet, dynamikk, som han vil formidle sin nye følelse av livet, dets ungdom, dets bevegelse gjennom.

Vinterhage. I 1904, etter råd fra Glazunov, gikk Prokofjev inn i St. Petersburg-konservatoriet. Opptaksprøven var utmerket. Utvalgskomiteen (den inkluderte A. K. Glazunov og N. A. Rimsky-Korsakov) var fornøyd med absolutt tonehøyde, evnen til å lese fra et ark, så vel som den "solide" mengden av komposisjoner som den tretten år gamle komponisten tok med seg.

«Jeg kom inn», sier Prokofjev, «bøyd under vekten av to mapper, som inneholdt fire operaer, to sonater, en symfoni og ganske mange pianostykker. "Jeg liker det!" - sa Rimsky-Korsakov, som ledet eksamen.

Prokofiev studerte ved konservatoriet med bemerkelsesverdige russiske musikere: Anatoly Konstantinovich Lyadov (harmoni, kontrapunkt), Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (instrumentering).

I løpet av konservatorieårene hans ble hans musikalske smak beriket og utviklet. Grieg, Wagner, Rimsky-Korsakov, Skrjabin, Rachmaninov (spesielt hans andre konsert for piano og orkester) har blitt lagt til Beethoven og Tsjaikovskij, elsket siden barndommen. Han ble kjent med verkene til moderne vesteuropeiske komponister - Richard Strauss, Debussy, senere Ravel og andre.

interesse for studiet av klassisk og samtidsmusikk, og brakte også Prokofiev nærmere hverandres arbeid med Nikolai Yakovlevich Myaskovsky. Vennskapet som begynte i årene med felles studier ved St. Petersburg-konservatoriet fortsatte gjennom hele livet.

I 1909 ble Prokofiev uteksaminert fra konservatoriet i komposisjon, og fem år senere - som pianist i klassen til den berømte russiske pianisten A. N. Esipova. Han ble premiert gullmedalje og A. Rubinstein-prisen - et praktfullt piano. I de påfølgende årene ga Prokofiev mange konserter, han var en fremragende pianist.

Ved konservatoriet studerte han også i dirigentklassen under veiledning av N. Cherepnin, en strålende musiker som satte pris på talentet til den unge komponisten. Deretter fungerte Prokofiev også som dirigent med fremføringen av verkene hans.

Tidlige skrifter. Allerede de tidlige verkene til Prokofiev - pianostykker, skrevet av ham i 1906-1909, forbløffe med den uvanlige lysstyrken til bilder og uttrykksfulle midler.

Hans første betydningsfulle verk var den første konserten for piano og orkester. Den ble skrevet i 1911. Den ble først fremført av forfatteren akkompagnert av et orkester neste sommer på konsertscenen i Sokolniki (i Moskva). Konserten overveldet publikum. Folk som var vant til den raffinerte skjøre musikken til Skrjabin, det melodiske overløpet av Rachmaninovs konserter, ynden og ømheten i Chopins musikk, var det vanskelig å umiddelbart forstå og sette pris på Prokofjevs verk. Det var en ny skjønnhet i det - skjønnheten i et dristig sportsspill, en vågal prosesjon av ungdom, en sterk rytme av stål, men også skjønnheten i en romantisk lyrisk følelse. Konserten begynner med et gjentatte ganger gjentatt kort imperativt motiv, hvis utvikling er ekstremt målrettet og energisk:

Følsom for de nye lytterne, blant dem Asafiev og Myaskovsky, beundret konserten. Fiendtlige kritikere kalte det foraktelig "fotball", "barbarisk" og foreslo å sette en "tvangstrøye" på forfatteren.

Prokofiev var klar over at han oppdaget «nye kyster» innen musikk. Han var trygg på riktigheten av den valgte veien. Selvtillit, så vel som en sans for humor, hjalp ham til å tåle latterliggjøring og misbruk av andre kritikere. Samtidig var han oppmerksom, tålmodig med alle de som ønsket å forstå musikken hans, spilte villig et arbeid to eller tre ganger, lyttet til fornuftig, velvillig kritikk.

Fra tidspunktet for fremføringen av den første konserten begynner Prokofievs høylytte berømmelse. Han opptrer systematisk offentlig, spiller nye komposisjoner, og skaper nesten alltid heftig debatt. Slik passerer fremføringen av den andre konserten og den symfoniske "Scythian Suite", i den siste delen av en blendende og dynamisk bilde soloppgang.

I 1917 møtte Prokofiev Mayakovsky i Petrograd. Forestillingene til dikteren gjorde et sterkt inntrykk på komponisten. På sin side var Mayakovsky fornøyd med Prokofievs musikk, spesielt hans raske marsjer.

Natur og livsveier Poeten og komponisten er på mange måter forskjellige. Men i arbeidet deres er det noen vanlige trekk født av tiden de levde i. I de vanskelige kritiske førrevolusjonære årene gjorde begge opprør mot kunsten å skjemme bort, avslappet, vanemessig "vakker", travel

sukker om «roser og nattergaler». Begge gikk inn for en aktiv kunst, noen ganger bevisst skarp, sunn og – brennende solrik.

I diktet "A Cloud in Pants", skrevet i samme år som "Scythian Suite"

Prokofiev, Mayakovsky sa:

som var våte av kjærlighet,

hvorfra

tårer har felt i århundrer

solmonokel

Jeg skal sette det i et vidåpent øye."

Mayakovsky skrev dette utdraget fra diktet i et album holdt av Prokofiev kalt "Hva synes du om solen?"

Til å begynne med så det ut til at Prokofiev la lite oppmerksomhet til tekster. Men i 1914 skapte han musikalsk eventyr«Stygg andung» basert på et eventyr. Andersen. Her viste den unge komponisten mest av alt en slags ømhet, ren lyrikk, blottet for enhver sentimentalitet. Stykket er beregnet for én stemme med pianoakkompagnement. Den forteller om en stakkars stygg andunge som ble ledd av innbyggerne på fjørfegården. Tiden gikk, og den stygge andungen ble til en svane. En vakker lyrisk melodi lyder på slutten av «Eventyret», gjennomsyret av sympati for den stakkars, forsvarsløse skapningen og tro på lykke.

I 1916-1917 komponerte Prokofiev "Klassisk symfoni" - munter og vittig. I symfonien kan man kjenne Prokofievs musikks nærhet til den klare, polerte kunsten til klassikerne fra 1700-tallet.

Samtidig fullførte komponisten den tidligere påbegynte syklusen med tjue bittesmå pianostykker kalt "Milletity". Hver av dem i miniatyr representerer et bilde eller en scene som er karakteristisk for Prokofjevs musikk: lyrisk med et snev av fabelaktighet (nr. 1, 8, 16), humoristisk (nr. 10), voldsomt dramatisk (nr. 14, 19), etc. .

Prokofjevs største verk i de førrevolusjonære årene er den akuttpsykologiske operaen Gambleren (basert på en historie av F. Dostojevskij). I balletten «The Tale of the Jester Who Outwitted Seven Jesters» ble den unge komponistens interesse for russisk avslørt. folkekunst, som skal videreutvikles.

februar 1917 ankom. " februarrevolusjonen hun fant meg i Petrograd», skriver Prokofiev i sin selvbiografi. "Og jeg, og de kretsene jeg kretset i, hilste henne med glede." Om betydningen av det som skjedde videre oktoberrevolusjon han er musiker, langt fra politiske hendelser, hadde ikke en klar idé. Det virket for ham at i Russland, okkupert med revolusjonære transformasjoner, nå "er musikken ikke opp til det." "Det faktum at jeg, som enhver borger, kan være nyttig for henne, har ennå ikke nådd min bevissthet" ("Selvbiografi"). Prokofiev bestemte seg for å gjøre en stor konsertturné. Etter å ha mottatt tillatelse fra People's Commissar of Education AV Lunacharsky, dro han til utlandet i mai 1918. I stedet for flere måneder, som han først trodde, strakte utenlandsoppholdet av ulike årsaker seg over 15 år (1918-1933).

År tilbrakt i utlandet. Prokofiev reiste over hele verden.

Han har vært i Japan og USA, Cuba og mange europeiske land. Han bodde mesteparten av tiden i Frankrike. Overalt opptrådte han med komposisjonene sine. Til å begynne med gjorde konsertene hans et sensasjonelt inntrykk.

I utlandet møtte Prokofiev mange fremragende artister (komponistene Ravel, Stravinsky, Rachmaninov, dirigentene Stokowski og Toscanini, filmskuespilleren Charlie Chaplin og mange andre). Verkene hans har blitt satt opp på forskjellige teatre rundt om i verden. Så i 1921 fant premieren på Prokofievs muntre, strålende opera Kjærligheten til tre appelsiner (basert på et eventyr av den italienske forfatteren Carlo Gozzi) i Chicago. Samme år fullførte komponisten sin tredje pianokonsert. De fleste av temaene hans ble skrevet tilbake i Russland. Konserten – dynamisk, blendende lys – er en av toppene i Prokofjevs kreativitet. I introduksjonen til første del høres et syngende russisk tema - temaet Fosterlandet:

Gjennomtenkte og poetiske pianostykker, som Prokofiev kalte "Tales of the Old Grandmother", er inspirert av minner fra moderlandet.

På midten av 1920-tallet svarte Prokofjev med stor glede på S. P. Diaghilevs forslag om å skrive en ballett med temaet å bygge et nytt liv i Russland. Plottet til balletten, kalt "Steel lope", viste seg å være naivt, "industrielt". I musikken hans er påvirkningene fra konstruktivismen merkbare. Det er lyse figurative sider i den. "Prokofjev reiser rundt i landene våre, men nekter å tenke på vår måte," skrev utenlandske aviser om premieren på balletten som ble arrangert i Paris og London i 1927.

På 1920-tallet skrev Prokofiev også en rekke verk der man i en eller annen grad kan merke påvirkningen fra de siste trendene innen vesteuropeisk kunst. Men han grenser ikke helt til noen av dem, noe hans originale opera The Fiery Angel (basert på romanen med samme navn av V. Bryusov) viser. Gradvis begynner Prokofiev å føle seg mer og mer løsrevet fra sitt hjemland. Selve atmosfæren er febrilsk kunstnerisk liv Paris på 1920-tallet tilfredsstilte ham ikke. Fra kunstverk forventet de først og fremst sensasjon, nyhet, for all del. Og Prokofiev strebet etter en dyp meningsfull kunst. En av komponistens franske venner husker ordene som Prokofiev sa til ham: «Jeg må komme tilbake. Jeg må venne meg til atmosfæren i hjemlandet mitt igjen ... Russisk tale skal lyde i mine ører ... Her mister jeg kreftene.

Frem til den endelige returen kom komponisten til Sovjetunionen med konserter. Han ble entusiastisk mottatt av lyttere i Moskva og Leningrad. "Vi husker alle," skrev Heinrich Gustavovich Neuhaus, "hvordan hele publikum, som én person, reiste seg ved sin første opptreden på scenen Storhall vinterhagen og hilste ham stående, og han bukket og bukket, bøyd i to i rett vinkel, som en pennekniv.

Hjemkomst. Og her er Prokofiev i Moskva. Han møter igjen vennene Myaskovsky og Asafiev. Begynner å jobbe sammen med sovjetiske regissører, koreografer, forfattere. Han er fascinert av oppgaven med å legemliggjøre høye ideer, menneskelighet, muligheten til å appellere ikke til en smal krets av "kjennere", men til de store massene av folket.

I en av artiklene hans som ble publisert i disse årene, skrev Prokofiev om handlingen, som nå tiltrakk ham: "... Plottet skulle være heroisk og konstruktivt (kreativt), fordi dette er de trekkene som tydeligst karakteriserer denne epoken."

Verk fra 30-tallet. I den sovjetiske perioden med kreativitet dukket nye hovedverk opp etter hverandre. De er forskjellige i temaer, handlingstid, karakterene til karakterene. Men de har alle noe til felles. Overalt konfronterer komponisten lyse bilder og bilder av grusomhet og vold ansikt til ansikt. Og bekrefter alltid seieren til høye menneskelige idealer. Motet som ligger i Prokofiev som komponist er slående i alle disse komposisjonene.

I 1935 ble balletten "Romeo og Julie" (basert på Shakespeares tragedie) laget. Heltene forsvarer sin kjærlighet i kampen mot de blodige middelalderske fordommene som befaler dem å hate hverandre. Romeo og Julies tragiske død tvinger familiene Montague og Capuleti, som har vært i krig i lang tid, til å forsone seg.

Før Prokofiev turte ikke store musikere som skrev ballettmusikk å vende seg til Shakespeare-tragedier, og mente at de var for vanskelige for ballett. Og Prokofiev skapte et verk gjennomsyret av Shakespeares ånd. Poetisk, dyp, inneholder realistiske, psykologisk nøyaktige portretter skuespillere musikken til "Romeo og Julie" gjorde det mulig for koreografen L. Lavrovsky å iscenesette en ballett som fikk verdensomspennende berømmelse (premieren på balletten fant sted i 1940 i Leningrad-staten akademisk teater opera og ballett oppkalt etter S. M. Kirov).

I 1938 ble musikken til filmen "Alexander Nevsky" komponert. Sammen med filmregissøren Sergei Eisenstein synger Prokofiev om den edle patriotiske bragden til Alexander Nevskys tropp, som forsvarte hjemlandet sitt fra de teutoniske ridderne. Handlingen er historisk, men musikken høres moderne ut, som om den forutså det skarpe dramaet og det seirende utfallet av det sovjetiske folkets kamp mot fascismen.

I 1939 ble operaen "Semyon Kotko" skrevet (basert på historien "Jeg er sønnen til det arbeidende folket" av V. Kataev). Handlingen finner sted i Ukraina i 1918. Prokofievs musikk skildrer bilder av bønder, soldater, bolsjeviker som kjemper for etableringen av sovjetmakt i Ukraina med utrolig sannhet. De unge heltene i operaen - Semyon og Sofya - er en slags moderne Romeo og Julie. Kjærligheten deres motsetter seg den onde viljen til Sophias far, Tkachenkos knyttneve, som ikke vil utgi datteren sin som en fattig soldat.

Opprettelsen av en opera i moderne Sovjetisk tema- en veldig vanskelig oppgave. Og Prokofiev fremførte det med ære i operaen Semyon Kotko.

En av hans mest vågale ideer er den fantastiske kantaten for 20-årsjubileet i oktober, skrevet på politiske tekster.

Man skulle ikke tro at alle disse nye verkene til Prokofiev lett ble akseptert av utøvere og lyttere. Så musikken til "Romeo og Julie" virket til å begynne med uforståelig og ubeleilig for dans selv til Galina Ulanova, som senere ble en uovertruffen utøver av rollen som Juliet. Det tok tid å venne seg til denne musikken. "Men jo mer vi lyttet til det ... - sier G. S. Ulanova, - jo lysere ble bildene som ble født fra musikk, steg foran oss."

I sine verk fra den sovjetiske perioden strebet komponisten spesielt etter klarhet, tilgjengelighet og enkelhet. Imidlertid var han en fiende av forenklet, imiterende og "søt" musikk. Han var ute etter en ny enkelhet, nye melodier, å lytte til moderne liv ser på moderne mennesker. Og han klarte det vanskeligste - å lage originale lyriske melodier, der komponistens håndskrift er umiddelbart gjenkjennelig. En spesiell oppblomstring av tekster og den brede melodiske melodien knyttet til den begynner i Prokofjevs verk med Romeo og Julie.

På 1930-tallet skrev Prokofiev en rekke utmerkede komposisjoner for barn: pianostykker for nybegynnerpianister "Children's Music", sanger til ord av L. Kvitko og A. Barto, et symfonisk eventyr "Petya og Volk" til hans egen tekst.

Med sine to sønner kom Sergei Sergeevich mer enn en gang til forestillingene til Central barneteater. Den kunstneriske lederen for teatret, N. I. Sats, foreslo at komponisten skulle skrive et symfonisk eventyr som kunne hjelpe barn å bli kjent med karakteren til orkesterets hovedinstrumenter.

Her er hvordan Natalya Ilyinichna Sats beskriver Prokofievs uvanlige utseende og hans oppførsel i disse årene:

«Han var oppriktig og ærlig. Mitt første inntrykk av at Sergei Sergeevich var stiv og arrogant var feil. Han hadde på seg denne togaen da han var ute av form og ønsket å bli alene.

Den unike uvanligheten til Sergei Sergeevich ble manifestert selv i utseendet hans, måten å bære seg på. Noen få rødrøde hår, et glatt, rødmosset ansikt, «is og ild» i øynene bak brillene med innfatningsløse briller, et sjeldent smil, en sandrød dress. "Han ser ut som den fjerde av sine tre appelsiner," sa en av våre rampete skuespillerinner. Til min gru var det noen som ga dette videre til Sergei Sergeyevich, men han hadde så mye humor at han bare lo høyt.

Prokofjevs prestasjon er fantastisk. Han skrev fantastisk fort og kunne jobbe med flere komposisjoner samtidig. Han fremførte musikken sin som pianist og dirigent. Deltok i komponistforeningen. Interessert i litteratur. På slutten av 1930-tallet begynte han å skrive en livlig og vittig selvbiografi. Han var en utmerket sjakkspiller. Jeg kjørte med lidenskap. Han elsket å danse, å være blant mennesker.

Alt dette kunne Prokofiev klare ikke bare takket være den geniale begavelsen i hans natur, men også takket være organisasjon og disiplin. Legender fortalte om nøyaktigheten. Hvis han lovet å skrive musikk innen klokken 12 dagen etter, kunne regissøren eller koreografen som ventet det være rolig.

Krigsår. Opera "Krig og fred". Hovedverket til komponisten under den store patriotiske krigen var den grandiose patriotiske operaen Krig og fred. Prokofiev hadde tidligere tenkt på hvordan man i musikk kunne legemliggjøre bildene av det store verket til Leo Tolstoj. I krigen mot fascismen ble denne planen realisert. Nok en gang satte komponisten seg en oppgave av sjelden kompleksitet. Fra en enorm literært arbeid de viktigste scenene måtte velges ut. Operaen inkluderer på den ene siden subtile psykologiske «fredelige» scener der Natasha Rostova, Sonya, Prins Andrei, Pierre Bezukhov deltar; på den annen side monumentale malerier som skildrer folkets kamp mot de napoleonske inntrengerne. Operaen viste seg å være uvanlig i sin sjanger. Den kombinerer lyrisk-psykologisk drama og nasjonalt epos. Innovativ i musikk og koi-posisjon, utvikler operaen samtidig tradisjonene til de russiske klassene - Mussorgsky og Borodin. Med Mussorgsky bringes Prokofjev nærmere av spesiell oppmerksomhet til de psykologiske egenskapene til helten, avslørt gjennom sannferdig vokal intonasjon. Interessant nok ble operaen "Krig og fred" skrevet ikke på den betingede poetiske teksten til librettoen, men på den originale teksten til romanen. For Prokofjev var selve intonasjonen i Tolstojs tale, som han klarte å formidle i musikk, viktig. Og dette gir særlig troverdighet til vokaldelene til operaens helter.

«Krig og fred» er Prokofjevs favorittverk. Han perfeksjonerte det til slutten av livet.

I det seirende 1945 ble tre viktige verk av komponisten gitt ut:

femte symfoni, dedikert til "den menneskelige ånds storhet:

den første episoden av filmen "Ivan the Terrible" - et nytt samarbeid med Sergei Eisenstein;

lett eventyrballett "Askepott". Denne forestillingen, post! utgitt i høst, var den første etterkrigspremieren på Bolshoi Theatre.

Verk fra slutten av 40-tallet - tidlig på 50-tallet. I de påfølgende årene dukket det opp flere nye verk. Blant dem: operaer "The Tale of a Real Man", som glorifiserer mot sovjetiske folk under krigsårene; ballett "The Tale of steinblomst"(ifølge P. Bazhov) - om kreativitetens glede, adressert til folket; oratoriet "On Guard for Peace" (til S. Marshaks ord); konsert-symfoni for cello og orkester.

Igjen skriver Prokofiev for barn. Suite "Vinterbål" for resitere, guttekor og Symfoniorkester(til ordene til S. Marshak) er dedikert til de sovjetiske pionerene.

Den syvende symfonien ble opprinnelig tenkt som en symfoni spesielt for barn, men i løpet av arbeidet fikk den en bredere betydning - en klok symfonisk fortelling bekrefter skjønnheten og livsgleden. Dette er Prokofjevs siste fullførte verk.

På slutten av 1940-tallet og begynnelsen av 1950-tallet var Prokofiev alvorlig syk. For å spare krefter til kreativiteten, måtte han gi opp mye, inkludert besøk på teatre og konserter. Mest vanskelig tid kom etter ham da legene forbød ham å komponere musikk eller tillot ham å jobbe ikke mer enn 20 minutter om dagen.

Mesteparten av tiden i løpet av disse årene tilbrakte Prokofiev ved sin dacha, på Nikolina Gora ved bredden av Moskva-elven. Han er veldig

elsket disse stedene, gikk lange turer (hvis helsen tillot). Musikere kom hit for å se ham - beundrere og utøvere av musikken hans: komponist D. Kabalevsky, pianist S. Richter og andre. Noen av dem skrev senere de mest interessante memoarene om den store komponisten. S. S. Prokofiev døde i Moskva 5. mars 1953.

"Jeg er av den overbevisning at komponisten, i likhet med poeten, billedhuggeren, maleren, er oppfordret til å tjene mennesket og folket. Han må dekorere menneskelig liv og beskytte henne. Først av alt må han være en borger i sin kunst, synge om menneskeliv og lede en person til en lysere fremtid."
Så Sergei Prokofiev skrev i sin artikkel "Musikk og liv", og han fulgte denne kunstkoden, forkynt av ham kort før hans død, hele livet.
For Prokofiev betydde å leve å komponere musikk. Og å komponere betydde å alltid finne på noe nytt. "Den kardinale fordelen (eller, om du vil, ulempen) i livet mitt," skrev komponisten, "har alltid vært jakten på en original musikalsk språk. Jeg hater imitasjon, jeg hater klisjeer."
Prokofiev mente at i kunst er det bare det som er verdifullt som oppstår som et resultat av kunstnerens følsomme lytting til rytmer og intonasjoner. livet rundt. Dette er grunnlaget for Prokofievs innovasjon.
En uuttømmelig melodisk gave, en ubegrenset evne til kunstnerisk transformasjon, evnen til å gjenskape selve ånden i det avbildede livet tillot Prokofiev å dekke en stor, kompleks verden vår virkelighet. Det er nok å nevne verk av ham som operaene "Semyon Kotko" (basert på historien av Valentin Kataev) og "The Tale of a Real Man" (basert på verk med samme navn Boris Polevoy), oratoriet "On Guard of the World" og suiten "Winter Bonfire" til versene til S. Ya. Marshak, eller den episke femte symfonien fremført i 1945, ideen og konseptet som Prokofiev selv definerte som " Symfoni om den menneskelige ånds storhet." "Han visste hvordan han skulle lytte til tiden," sa Ilya Ehrenburg om ham. Men selv når komponisten vendte seg til fjern historie, forble han dypt moderne. Derfor Prokofievs patriotiske tekster og den fryktløse kraften til folkescener i musikken til filmen "Ivan the Terrible", maleriet "Borodino" i operaen "War and Peace" basert på romanen av Leo Tolstoy, kallet "Stå opp" , Russian people" høres så spennende ut, som i dag. og den fengslende, Glinka-aktige sangen "In Russia, the enemy will not be native" i kantaten "Alexander Nevsky".
Sergei Sergeevich Prokofiev ble født i landsbyen Sontsovka, Yekaterinoslav-provinsen (nå landsbyen Krasnoe, Donetsk-regionen) i familien til en agronom. I 1914 ble han uteksaminert fra St. Petersburg-konservatoriet, hvor hans lærere var A. Lyadov, N. Rimsky-Korsakov og andre fremragende komponister og musikere. Før dette ble Prokofievs musikalske utdanning ledet av den senere berømte sovjetiske komponisten R. M. Glier. Ifølge Prokofiev selv hørte han musikk hjemme fra fødselen. Komponistens mor spilte piano. I tillegg var hun en født lærer. Hun var den første som introduserte sønnen sin i verden av Beethovens sonater, og vekket en kjærlighet til klassisk musikk i ham.
Prokofievs skarpeste observasjonsevne og kjærlighet til levende natur kombinert med den rikeste kreative fantasien. Han var komponist ikke fordi han komponerte musikk, men fordi han ikke kunne la være å komponere den. Prokofiev reiste over hele Europa og Amerika med sine konserter, spilt for publikum i Kartago. Men en koselig lenestol og et skrivebord, en beskjeden utsikt over Oka i Polenov nær Moskva, hvor musikken til balletten "Romeo og Julie" (en av komponistens beste kreasjoner) ble skapt, eller et stille hjørne av franske Bretagne på Atlanterhavskysten, hvor den tredje klaverkonserten ble skrevet med en fantastisk tekst av russiske temaer, foretrakk han applaus og støy fra konsertsaler.
Han var en fantastisk arbeider. To timer før hans død satt han fortsatt ved skrivebordet sitt og fullførte de siste sidene av balletten sin «Fortellingen om steinblomsten» (iht. Ural historier P. Bazhov), der han, med egne ord, satte som sin oppgave å synge "gleden ved kreativt arbeid til fordel for folket", for å fortelle "om det russiske folks åndelige skjønnhet, om kraften og vår naturs uberegnelige rikdom, som bare avsløres for det arbeidende menneske".
Omfanget og betydningen av Prokofievs arbeid er usedvanlig stor. Han skrev 11 operaer, 7 symfonier, 7 balletter, rundt 30 romanser og mange andre verk.
En oppdager av nye veier innen kunst, Prokofiev gikk inn i historien til russisk og verdensmusikk som en av de mest fremragende artistene på 1900-tallet.