Japanske kunstnere - fra antikken til i dag. School Encyclopedia Art Japan

Artelino

« En stor bølge i Kanagawa" av Katsushika Hokusai (1760-1849) er en av de mest kjente graveringene og det første arket i Thirty-six Views of Fuji-serien. På begynnelsen av 1830-tallet begynte Katsushika Hokusai, på oppdrag fra Eijudo forlag, å lage en serie på 46 ark (36 hovedark og 10 ekstra), og Den store bølgen utenfor Kanagawa var en gravering som åpner hele serien.

Slike samlinger av graveringer tjente for datidens byfolk som en slags " virtuell reise”, en måte å tilfredsstille nysgjerrighet - praktisk og rimelig. Fuji-lignende utskrifter koster omtrent 20 måneder - omtrent det samme som en dobbel porsjon nudler på et datidens japansk spisested. Suksessen var imidlertid så stor at i 1838 hadde kostnadene for Hokusais ark vokst til nesten 50 måneder, og etter mesterens død ble Wave alene trykt på nytt fra nye tavler mer enn 1000 ganger.

Det er overraskende at, til tross for det uttalte temaet for hele serien, spiller Fuji i The Wave som mindre rolle. Sjef " skuespiller«På denne graveringen er det en bølge, og i forgrunnen utspiller det seg en dramatisk scene av en manns kamp med elementene. Kantene på skumkammen ser ut som de vridde fingrene til en fantastisk sint demon, og ansiktsløsheten og inaktiviteten til menneskefigurene i båtene etterlater ingen tvil om hvem som blir vinneren i denne kampen. Det er imidlertid ikke denne konfrontasjonen som er konflikten som skaper plottet til graveringen.
Ved å stoppe øyeblikket etter at båtene krasjer, lar Hokusai betrakteren se Fuji et øyeblikk mot den grå himmelen, mørkere mot horisonten. Selv om japanske gravører allerede var kjent med prinsippene for europeisk lineært og luftperspektiv på den tiden, følte de ikke behovet for denne teknikken. Den mørke bakgrunnen, samt øyets lange reise fra forgrunnen med båter gjennom bølgens bevegelse til Fuji, overbeviser øyet om at hellig fjell skilt fra oss av havet.

Fuji reiser seg langt fra kysten som et symbol på stabilitet og bestandighet, i motsetning til de stormfulle elementene. Motsetningenes enhet og gjensidige avhengighet ligger til grunn for ideen om kosmisk orden og absolutt harmoni i verdensbildet til Fjernøsten, og det var de som ble hovedtemaet for graveringen "The Great Wave off Kanagawa", som åpnet serien av Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" av Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Art Institute of Chicago

Kitagawa Utamaro (1753-1806) kan med rette kalles en sanger kvinnelig skjønnhet på japansk trykk ukiyo-e: han skapte en rekke kanoniske bilder av japanske skjønnheter ( bijinga) - innbyggerne i tehus og det berømte underholdningskvarteret Yoshiwara i hovedstaden i Japan, Edo edo — navnet på Tokyo til 1868..

I bijinga-gravering er ikke alt helt som det ser ut til for den moderne betrakteren. Rikt kledde adelige damer var som regel engasjert i et skammelig håndverk og tilhørte underklassen, og graveringer med portretter av skjønnheter hadde en åpent reklamefunksjon. Samtidig ga graveringen ikke en ide om utseendet til jenta, og selv om Okita fra Nanivaya tehus nær Asakusa-tempelet ble ansett som den første skjønnheten til Edo, er ansiktet hennes i graveringen fullstendig blottet for individualitet.

Siden 900-tallet har kvinnelige bilder i japansk kunst vært underlagt minimalismens kanon. "Linje-øye, krok-nese" - teknikk hikime-kagihana tillot kunstneren bare å indikere at en viss kvinne var avbildet: i japansk tradisjonell kultur ble spørsmålet om fysisk skjønnhet ofte utelatt. Hos kvinner av edel fødsel ble "hjertets skjønnhet" og utdanning mye mer verdsatt, og innbyggerne i de muntre kvartalene forsøkte å etterligne de høyeste eksemplene i alt. I følge Utamaro var Okita virkelig vakker.

Arket "Beauty Nanivaya Okita" ble trykt i 1795-1796 i serien "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets", der en av forfatterne på 900-tallet tilsvarte hver skjønnhet. På arket med et portrett av Okita i øvre venstre hjørne er det et bilde av Arivara no Narihira (825-880), en av de mest ærede poetene i Japan, som romanen Ise Monogatari tradisjonelt tilskrives. Denne edle adelsmannen og briljante poeten ble også berømt for sine kjærlighetsforhold, hvorav noen dannet grunnlaget for romanen.

Dette arket er en særegen bruk av teknikken mitate(sammenligninger) i japansk gravering. Kvalitetene til en autoritativ "prototype" overføres til den avbildede skjønnheten, og den elegante kurtisanen, med et rolig ansikt som serverer gjesten en kopp te, blir allerede lest av betrakteren som en dame som er dyktig i poesi og kjærlighetsgjerninger. Sammenligningen med Arivara no Narihira var virkelig en anerkjennelse av hennes overlegenhet blant Edo-skjønnhetene.

Samtidig skaper Utamaro et overraskende lyrisk bilde. Han balanserer mørke og lyse flekker på bladet og skisserer formen med melodiøse, elegante linjer, og skaper et virkelig perfekt bilde av ynde og harmoni. "Reklame" avtar, og skjønnheten fanget av Utamaro forblir tidløs.

Skjerm "Irises" av Ogata Korin, 1710-tallet

Wikimedia Commons / Nezu-museet, Tokyo

Et par irisskjermer med seks paneler - nå en nasjonal skatt i Japan - ble skapt av Ogata Korin (1658-1716) rundt 1710 for Nishi Hongan-ji-tempelet i Kyoto.

Siden 1500-tallet har maling på veggpaneler og papirskjermer blitt en av de ledende sjangrene innen dekorativ kunst i Japan, og Ogata Korin, grunnleggeren av Rinpa kunstskole, var en av dens største mestere.

Skjermer i det japanske interiøret spilte en viktig rolle. De romslige palasslokalene var strukturelt ikke forskjellig fra boligene til en enkel japaner: de hadde nesten ingen innvendige vegger, og plassen var sonet med foldeskjermer. Bare litt over halvannen meter høye, ble skjermene designet for den vanlige japanske tradisjonen for alle klasser å leve på gulvet. I Japan ble høye stoler og bord ikke brukt før på 1800-tallet, og høyden på skjermen, så vel som sammensetningen av maleriet, er designet for å se en person som sitter på knærne. Det er med dette synspunktet at en fantastisk effekt oppstår: irisene ser ut til å omringe den sittende personen - og en person kan føle seg på bredden av elven, omgitt av blomster.

Iris er malt på en ikke-kontur måte - nesten impresjonistisk, brede strøk av mørkeblått, lilla og lilla tempera formidler den frodige storheten til denne blomsten. Den pittoreske effekten forsterkes av den matte shimmeren av gull, mot hvilken iris er avbildet. Skjermene viser ikke annet enn blomster, men deres kantete vekstlinje antyder at blomstene bøyer seg rundt elvens svingete løp eller sikksakkene til trebroer. Det ville være naturlig for japanerne å se en bro mangler på skjermen, en spesiell "bro med åtte planker" ( yatsuhashi lytt)), assosiert med iris i klassisk japansk litteratur. Romanen Ise Monogatari (9. århundre) beskriver den triste reisen til en helt som ble utvist fra hovedstaden. Etter å ha slått seg ned med følget sitt for å hvile på elvebredden nær Yatsuhashi-broen, husker helten sin elskede og komponerer dikt, som ser iriser:

min elskede i klær
Grasiøst der, i hovedstaden,
Kjærlighet igjen...
Og jeg tenker med lengsel hvor mye
Jeg er langt fra henne... Oversettelse av N.I. Konrad.

"Så han foldet seg, og alle felte tårer på den tørkede risen sin, slik at den svulmet opp av fuktighet," legger forfatteren og lyrikkhelten til historien, Arivara no Narihira.

For en utdannet japaner var sammenhengen mellom iris ved broen og Ise monogatari, iris og temaet skilt kjærlighet tydelig, og Ogata Korin unngår ordlyd og illustrativitet. Ved hjelp av dekorativt maleri skaper han bare et ideelt rom fylt med lys, farger og litterære konnotasjoner.

Kinkakuji Golden Pavilion, Kyoto, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Det gylne tempel er et av symbolene til Japan, som ironisk nok ble glorifisert mer av sin ødeleggelse enn av sin konstruksjon. I 1950 satte en mentalt ustabil munk fra Rokuonji-klosteret, som denne bygningen tilhører, fyr på en dam som sto på overflaten av
paviljong Under en brann i 1950 ble tempelet nesten ødelagt. Restaureringsarbeidet i Kinkaku-ji begynte i 1955, i 1987 var gjenoppbyggingen som helhet fullført, men erstatningen av den fullstendig tapte interiør dekorasjon fortsatte til 2003.. De sanne motivene for handlingen hans forble uklare, men i tolkningen av forfatteren Yukio Mishima var den uoppnåelige, nesten mystiske skjønnheten til dette tempelet skylden. Faktisk, i flere århundrer ble Kinkakuji ansett som et symbol på japansk skjønnhet.

I 1394 trakk Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), som underkastet nesten hele Japan sitt testament, seg formelt og slo seg ned i en spesialbygd villa i det nordlige Kyoto. Den tre-etasjes bygningen på den kunstige innsjøen Kyokoti ("innsjø-speil") spilte rollen som en slags eremitage, en bortgjemt paviljong for avslapning, lesing og bønn. Den inneholdt en samling malerier av shogunen, et bibliotek og en samling buddhistiske relikvier. Kinkakuji, som ligger på vannet nær kysten, hadde bare båtkommunikasjon med kysten og var den samme øya som de kunstige øyene med steiner og furutrær spredt rundt Kyokoti. Ideen om "de himmelske øya" ble lånt fra kinesisk mytologi, der øya Penglai, øya til de udødelige, fungerte som bildet av den himmelske boligen. Refleksjonen av paviljongen i vannet fremkaller allerede buddhistiske assosiasjoner til ideer om den dødelige verdens illusoriske natur, som bare er en blek refleksjon av prakten til den buddhistiske sannhetens verden.

Selv om alle disse mytologiske overtonene er spekulative, gir plasseringen av paviljongen den en fantastisk harmoni og harmoni. Refleksjon skjuler bygningens huk, noe som gjør den høyere og slankere; samtidig er det høyden på paviljongen som gjør det mulig å se den fra en hvilken som helst bredde av dammen, alltid mot en mørk bakgrunn av grønt.

Det er imidlertid fortsatt ikke helt klart hvor gylden denne paviljongen var i opprinnelig form. Sannsynligvis, under Ashikaga Yoshimitsu, var den faktisk dekket med bladgull og et beskyttende lag med lakk. Men hvis du tror på fotografiene fra 1800- og begynnelsen av 1900-tallet og Yukio Mishima, så ved midten av 1900-tallet hadde forgyllingen nesten flettet av og restene var synlige bare på det øvre nivået av bygningen. På dette tidspunktet berørte han heller sjelen med sjarmen til øde, sporene av tid, ubønnhørlig selv til de vakreste ting. Denne melankolske sjarmen tilsvarte det estetiske prinsippet sabi høyt aktet i japansk kultur.

På en eller annen måte var prakten til denne bygningen slett ikke i gull. Den utsøkte strengheten til Kinkakujis former og dens upåklagelige harmoni med landskapet gjør det til et av mesterverkene i japansk arkitektur.

Skål "Iris" i stil med karatsu, XVI-XVII århundrer

Diane Martineau /pinterest.com/Metropolitan Museum of Art, New York

Ordet meibutsu- en ting med et navn. Bare navnet på denne koppen overlevde, siden verken det nøyaktige tidspunktet og stedet for opprettelsen eller navnet på mesteren er bevart. Likevel er den klassifisert som en nasjonal skatt i Japan og er en av klare eksempler keramikk i nasjonal stil.

På slutten av 1500-tallet, teseremonien cha-no-yu forlatt det sofistikerte kinesisk porselen og keramikk med glasurer som minner om edle materialer. Deres spektakulære skjønnhet virket for kunstig og ærlig for temestrene. Perfekte og dyre gjenstander - boller, vannbeholdere og tebeholdere - samsvarte ikke med de nesten asketiske åndelige kanonene til Zen-buddhismen, i ånden som teseremonien utviklet seg til. En reell revolusjon innen tehandling var appellen til japansk keramikk, mye enklere og kunstløs i en tid da verkstedene i Japan nettopp hadde begynt å mestre teknologiene til kontinental keramikk.

Formen på Iris-bollen er enkel og uregelmessig. Den lette krumningen av veggene, pottemakerbulkene synlig over hele kroppen gir bollen en nesten naiv letthet. Leireskåren er dekket med lys glasur med et nettverk av sprekker - craquelure. På forsiden, som henvender seg til gjesten under teseremonien, er et bilde av en iris påført under glasuren: tegningen er naiv, men utført med en energisk pensel, nøyaktig, som i én bevegelse, i zens ånd kalligrafi. Det ser ut til at både formen og dekoren kunne vært laget spontant og uten bruk av spesialstyrker.

Denne spontaniteten reflekterer idealet wabi- enkelhet og kunstløshet, som gir opphav til en følelse av åndelig frihet og harmoni. Enhver person eller til og med et livløst objekt i synspunktene til japanske tilhengere av Zen-buddhismen har Buddhas opplyste natur, og adeptens innsats er rettet mot å oppdage denne naturen i seg selv og verden rundt ham. Tingene som ble brukt i teseremonien, på tross av all deres klønetehet, burde ha fremkalt en dyp opplevelse av sannheten, relevansen av hvert øyeblikk, tvunget til å se inn i de mest vanlige former og se ekte skjønnhet i dem.

Kontrasten til bollens grove tekstur og dens enkelhet er restaureringen med en liten oppskåret gulllakk (denne teknikken kalles kintsugi). Restaureringen ble utført på 1700-tallet og demonstrerer den ærbødighet som japanske temestere behandlet redskaper med til teseremonien. Så te-seremonien gir deltakerne en "måte" til å oppdage den sanne skjønnheten til ting, for eksempel Iris-bollen. Implisitt, hemmelighold har blitt grunnlaget for det estetiske konseptet wabi og en viktig del av det japanske verdensbildet.

Portrett av munken Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

På 800-tallet ble skulptur den viktigste formen for kunstnerisk uttrykk for epoken, Nara-tiden (710-794), assosiert med dannelsen av japansk stat og styrkingen av buddhismen. Japanske mestere har allerede bestått læretid og blind imitasjon av kontinentale teknikker og bilder og begynte fritt og levende å uttrykke sin tidsånd i skulptur. Spredningen og veksten av buddhismens autoritet forårsaket utseendet til et buddhistisk skulpturelt portrett.

Et av mesterverkene i denne sjangeren er portrettet av Gandzin, laget i 763. Laget i teknikken med tørr lakk (ved å bygge opp lag med lakk på en treramme dekket med stoff), er skulpturen nesten livsstørrelse var realistisk malt, og i templets halvmørke satt Ganjin i en meditasjonsstilling «som om han levde». Denne naturtro var hovedkultfunksjonen til slike portretter: læreren måtte alltid være innenfor murene til Todaiji-klosteret i byen Nara og være til stede ved de viktigste gudstjenestene.

Senere, på 1000- og 1200-tallet, nådde skulpturelle portretter en nesten nådeløs illusjonisme, og skildret den senile svakheten til ærverdige lærere, deres sunkne munn, slapp kinn og dype rynker. Disse portrettene ser på buddhismens tilhengere med levende øyne, innlagt med bergkrystall og tre. Men ansiktet til Gandzin virker uskarpt, det er ingen klare konturer og klare former i det. Øyelokkene til halvt lukkede og ukruste øyne virker hovne; den spente munnen og de dype nasolabialfoldene uttrykker vanemessig forsiktighet snarere enn konsentrasjonen av meditasjon.

Alle disse funksjonene avslører den dramatiske biografien til denne munken, historien om utrolig askese og tragedier. Ganjin, en kinesisk buddhistmunk, ble invitert til Japan for innvielsesseremonien til Naras største kloster, Todaiji. Skipet ble tatt til fange av pirater, uvurderlige ruller og buddhistiske skulpturer som var ment for et fjernt japansk tempel gikk tapt i brannen, Ganjin brant ansiktet og mistet synet. Men han forlot ikke ønsket om å forkynne i den ytterste utkanten av sivilisasjonen – nemlig hvordan Japan ble oppfattet av kontinentet på den tiden.

Flere forsøk på å krysse havet endte på samme mislykkede måte, og først på det femte forsøket når den allerede middelaldrende, blinde og sykelige Ganjin den japanske hovedstaden Nara.

I Japan underviste Ganjin ikke lenge i buddhistisk lov: de dramatiske hendelsene i livet hans undergravde helsen hans. Men hans autoritet var så høy at det sannsynligvis allerede før hans død ble besluttet å lage skulpturen hans. Kunstnermunkene søkte utvilsomt å gi skulpturen mest mulig likhet med modellen. Men dette ble ikke gjort for å redde utseende av en person, men for å fange hans individuelle åndelige opplevelse, den vanskelige veien som Ganjin gikk gjennom og som den buddhistiske lære kalte.

Daibutsu - Big Buddha of Todaiji Temple, Nara, midten av 800-tallet

Todd/flickr.com

På midten av 800-tallet led Japan av naturkatastrofer og epidemier, og intrigene til den innflytelsesrike Fujiwara-familien og opprøret de reiste tvang keiser Shomu til å flykte fra hovedstaden, byen Nara. I eksil sverget han å følge veien til buddhistisk lære og beordret i 743 bygging av landets hovedtempel og støping av en kolossal bronsestatue av Buddha Vairochana (Buddha Great Sun or All Illuminating Light). Denne guddomen ble ansett som den universelle inkarnasjonen av Buddha Shakyamuni, grunnleggeren av buddhistiske læresetninger, og var ment å bli garantisten for beskyttelsen av keiseren og hele landet i perioden med uro og opprør.

Arbeidet startet i 745 og ble modellert etter den gigantiske Buddha-statuen i Longmen-huletemplene nær den kinesiske hovedstaden Luoyang. Statuen i Nara, som ethvert bilde av Buddha, skulle vise «store og små tegn på Buddha». Denne ikonografiske kanonen inkluderte langstrakte øreflipper, som minner om det faktum at Buddha Shakyamuni kom fra en fyrstefamilie og fra barndommen hadde tunge øredobber, en forhøyning på toppen av hodet (ushnisha), en prikk på pannen (urne).

Høyden på statuen var 16 meter, bredden på ansiktet var 5 meter, lengden på den utstrakte håndflaten var 3,7 meter, og urnen var større enn et menneskehode. Konstruksjonen tok 444 tonn kobber, 82 tonn tinn og en enorm mengde gull, søket etter dette ble spesielt utført nord i landet. En hall, Daibutsuden, ble reist rundt statuen for å beskytte helligdommen. På det lille rommet fyller en lett bøyd sittende Buddha-figur hele rommet, og illustrerer et av buddhismens hovedpostulater - ideen om at guddommen er allestedsnærværende og altgjennomtrengende, den omfavner og fyller alt. Den transcendentale roen i ansiktet og gesten til guddommens hånd (mudra, gesten for å gi beskyttelse) utfyller følelsen av Buddhas rolige storhet og kraft.

Imidlertid gjenstår bare noen få fragmenter av den opprinnelige statuen i dag: branner og kriger forårsaket enorme skader på statuen på 1100- og 1500-tallet, og den moderne statuen er hovedsakelig en avstøpning fra 1700-tallet. Under restaureringen av 1700-tallet var bronsefiguren ikke lenger dekket med gull. Den buddhistiske iveren til keiser Shomu på 800-tallet tømte praktisk talt statskassen og forblødte det allerede sjokkerte landet, og de senere herskerne hadde ikke lenger råd til slike umådelige utgifter.

Ikke desto mindre ligger betydningen av Daibutsu ikke i gull og ikke engang i pålitelig autentisitet - selve ideen om en slik storslått utførelse av buddhistisk lære er et monument over en epoke da japansk monumentalkunst opplevde en ekte blomstring, frigjorde seg fra blindkopiering av kontinentale prøver og oppnådd integritet og uttrykksevne, som senere gikk tapt.

Japanerne oppdaget skjønnheten skjult i ting på 900-1200-tallet, i Heian-tiden (794-1185) og utpekte den til og med med et spesielt konsept " mono ingen avare"(japansk: 物の哀れ (もののあわれ)), som betyr "tingenes triste sjarm." "Tingenes sjarm" er en av de tidligste definisjonene av skjønnhet i japansk litteratur, den er assosiert med Shinto-troen på at hver ting har sin egen guddom - kami - og sin egen unike sjarm. Avare er den indre essensen av ting, det som forårsaker glede, spenning.

- Washi (wasi) eller wagami (wagami).
Manuell papirfremstilling. Middelalderjapanere verdsatte washi ikke bare for sine praktiske egenskaper, men også for sin skjønnhet. Hun var kjent for sin subtilitet, nesten gjennomsiktighet, som imidlertid ikke fratok henne styrke. Washi er laget av barken til kozo-treet (morbær) og noen andre trær.
Washi-papir har blitt bevart i århundrer, bevis på dette er albumene og bindene med gammel japansk kalligrafi, malerier, skjermer, graveringer som har kommet ned gjennom århundrene til i dag.
Vasyas papir er fibrøst, hvis du ser gjennom et mikroskop, vil du se sprekker som luft og sollys trenger gjennom. Denne kvaliteten brukes i produksjon av skjermer og tradisjonelle japanske lykter.
Washi-suvenirer er veldig populære blant europeere. Mange små og nyttige gjenstander er laget av dette papiret: lommebøker, konvolutter, vifter. De er ganske holdbare, men likevel lette.

- Gohei.
Maskot fra papirstrimler. Gohei - en rituell stab av en shintoprest, som papirsikksakkstrimler er festet til. De samme papirstrimlene henges ved inngangen til en Shinto-helligdom. Papirets rolle i Shinto har tradisjonelt vært veldig stor, og produkter laget av det har alltid vært knyttet esoterisk mening. Og troen på at hver ting, hvert fenomen, til og med ord, inneholder en kami - en guddom - forklarer utseendet av denne typen brukskunst som gohei. Shintoismen ligner litt på vår hedenskap. For shintoister er kami spesielt villig til å ta bolig i alt som er utenom det vanlige. For eksempel på papir. Og enda mer i en gohei vridd til en intrikat sikksakk, som i dag henger foran inngangen til Shinto-helligdommene og indikerer tilstedeværelsen av en guddom i templet. Det er 20 måter å brette goheien på, og de som er spesielt uvanlig foldet tiltrekker seg kamien. Gohei er overveiende hvit i fargen, men gull, sølv og mange andre nyanser finnes også. Siden 900-tallet har det vært en skikk i Japan å styrke goheiene på beltene til sumobrytere før kampen starter.

- Anesama.
Dette er produksjon av papirdukker. På 1800-tallet laget samurai-koner papirdukker som barn lekte med, og kledde dem i forskjellige klær. I tider da det ikke var noen leker, var anesama den eneste samtalepartneren for barn, og "utførte" rollen som mor, storesøster, barn og venn.
Dukken er brettet av japansk washi-papir, håret er laget av krøllet papir, farget med blekk og dekket med lim, som gir den en glans. Særpreget trekk er en fin liten nese på et langstrakt ansikt. I dag fortsetter denne enkle leken, som ikke krever annet enn dyktige hender, tradisjonell i form, å bli laget på samme måte som før.

- Origami.
Den eldgamle kunsten å brette papir (折り紙, lit.: "foldet papir"). Kunsten å origami har sine røtter i Det gamle Kina der papiret ble oppfunnet. Opprinnelig ble origami brukt i religiøse seremonier. I lang tid var denne typen kunst bare tilgjengelig for representanter for overklassen, der et tegn på god smak var besittelsen av papirbrettingsteknikker. Først etter andre verdenskrig gikk origami utover østen og kom til Amerika og Europa, hvor den umiddelbart fant fansen. Klassisk origami er brettet fra et firkantet ark papir.
Det er et visst sett med konvensjonelle symboler som er nødvendige for å skissere foldeskjemaet til selv det mest komplekse produktet. De fleste av de konvensjonelle skiltene ble tatt i bruk på midten av 1900-tallet av den berømte japanske mesteren Akira Yoshizawa.
Klassisk origami foreskriver bruk av ett firkantet jevnt farget ark uten lim og saks. Samtidskunstformer avviker noen ganger fra denne kanonen.

- Kirigami.
Kirigami er kunsten å kutte ulike former fra et ark papir brettet flere ganger ved hjelp av saks. En type origami som tillater bruk av saks og papirklipp i prosessen med å lage modellen. Dette er hovedforskjellen mellom kirigami og andre papirbrettingsteknikker, som fremheves i navnet: 切る (kiru) - klipp, 紙 (gami) - papir. Vi elsket alle å kutte snøfnugg i barndommen - en variant av kirigami, du kan kutte ikke bare snøfnugg, men også forskjellige figurer, blomster, kranser og andre søte papirting ved å bruke denne teknikken. Disse produktene kan brukes som sjablonger for utskrifter, albumdekorasjoner, postkort, fotorammer, motedesign, interiørdesign og andre forskjellige dekorasjoner.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 eller いけばな) oversatt fra japansk språk- ike" - liv, "bana" - blomster, eller "blomster som lever". Den japanske kunsten å arrangere blomster er en av de vakreste tradisjonene til det japanske folket. Ved kompilering av ikebana, sammen med blomster, brukes avskårne grener, blader og skudd.Det grunnleggende prinsippet er utsøkt enkelhet, for å oppnå som de prøver å understreke naturlig skjønnhet planter. Ikebana er etableringen av en ny naturlig form, der skjønnheten til en blomst og skjønnheten i sjelen til mesteren som skaper komposisjonen er harmonisk kombinert.
I dag er det 4 store ikebana-skoler i Japan: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). I tillegg til dem er det rundt tusen forskjellige retninger og trender som holder seg til en av disse skolene.

- Oribana.
På midten av 1600-tallet gikk to skoler av ohara (hovedformen for ikebana - oribana) og koryu (hovedformen - sek) fra ikenobo. Forresten, ohara-skolen studerer fortsatt bare oribanu. Som japanerne sier, er det veldig viktig at origami ikke blir til origami. Gomi betyr søppel på japansk. Tross alt, som det skjer, brettet du et stykke papir, og hva skal du gjøre med det? Oribana tilbyr mange ideer til buketter for å dekorere interiøret. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Feil.
En type kunst som er født av blomsterbruk. Blomsterhandel dukket opp i landet vårt for åtte år siden, selv om det har eksistert i Japan i mer enn seks hundre år. En gang i middelalderen forsto samurai veien til en kriger. Og oshibana var en del av den veien, akkurat som å skrive hieroglyfer og bruke et sverd. Betydningen av feilen var at i tilstanden av total tilstedeværelse i øyeblikket (satori), skapte mesteren et bilde av tørkede blomster (pressede blomster). Da kunne dette bildet fungere som en nøkkel, en guide for de som var klare til å gå inn i stillheten og oppleve den samme satorien.
Essensen av kunsten "oshibana" er at ved å samle og tørke blomster, urter, blader, bark under press og feste dem på basen, skaper forfatteren ved hjelp av planter et virkelig "maleri". Det er med andre ord feil å male med planter.
Kunstnerisk kreativitet blomsterhandlere er basert på bevaring av form, farge og tekstur til tørket plantemateriale. Japanerne har utviklet en teknikk for å beskytte "oshibana"-malerier fra å falme og mørkne. Essensen er at luft pumpes ut mellom glasset og bildet og det skapes et vakuum som hindrer plantene i å bli ødelagt.
Det tiltrekker seg ikke bare ukonvensjonaliteten til denne kunsten, men også muligheten til å vise fantasi, smak, kunnskap om plantenes egenskaper. Blomsterhandlere lager ornamenter, landskap, stilleben, portretter og historiemalerier.

- Bonsai.
Bonsai, som et fenomen, dukket opp for mer enn tusen år siden i Kina, men denne kulturen nådde toppen av utviklingen bare i Japan. (bonsai - japansk 盆栽 lit. "plante i en pott") - kunsten å dyrke en eksakt kopi av et ekte tre i miniatyr. Disse plantene ble dyrket av buddhistiske munker flere århundrer før vår tidsregning og ble deretter en av aktivitetene til den lokale adelen.
Bonsai prydet japanske hjem og hager. I Tokugawa-tiden fikk parkdesign en ny drivkraft: dyrking av asalea og lønn ble et tidsfordriv for de velstående. Dvergvekstproduksjon (hachi-no-ki - "tre i en pott") utviklet seg også, men bonsaiene på den tiden var veldig store.
Nå brukes vanlige trær til bonsai, de blir små på grunn av konstant beskjæring og diverse andre metoder. Samtidig tilsvarer forholdet mellom størrelsene på rotsystemet, begrenset av bollens volum, og den bakkede delen av bonsai proporsjonene til et voksent tre i naturen.

- Mizuhiki.
Macrame analog. Dette er en gammel japansk brukskunst for å knytte forskjellige knuter fra spesielle snorer og lage mønstre fra dem. Slike kunstverk hadde et ekstremt bredt spekter – fra gavekort og brev til frisyrer og håndvesker. For tiden er mizuhiki ekstremt mye brukt i gaveindustrien - for hver begivenhet i livet skal en gave pakkes inn og knyttes på en veldig spesifikk måte. Det er ekstremt mange knuter og komposisjoner i mizuhiki-kunsten, og ikke alle japanere kan dem alle utenat. Selvfølgelig er det de vanligste og enkle knutene som brukes oftest: for gratulasjoner med fødselen av et barn, for et bryllup eller en minnesmerke, en bursdag eller universitetsopptak.

- Kumihimo.
Kumihimo er en japansk flettet ledning. Ved veving av tråder oppnås bånd og blonder. Disse lissene er vevd på spesielle maskiner - Marudai og Takadai. Marudai-maskinen brukes til å veve runde lisser, og Takadai til flate. Kumihimo på japansk betyr "veving av tau" (kumi - veving, bretting sammen, himo - tau, blonder). Til tross for at historikere hardnakket insisterer på at lignende veving kan finnes blant skandinavene og innbyggerne i Andesfjellene, er den japanske kunsten kumihimo faktisk en av de eldste vevingstypene. Den første omtalen av det går tilbake til 550, da buddhismen spredte seg over hele Japan og spesielle seremonier krevde spesielle dekorasjoner. Senere begynte kumihimo-lisser å bli brukt som festemiddel for obi-beltet på en kimono for kvinner, som tau for å "pakke" hele samurai-arsenalet av våpen (samuraier brukte kumihimo til dekorative og funksjonelle formål for å knytte rustningene og hesterustningene deres) og også for å binde tunge gjenstander.
En rekke mønstre av moderne kumihimo veves veldig enkelt på hjemmelagde pappvevstoler.

- Komono.
Hva er det igjen av en kimono etter at den har uttjent sin tid? Tror du det blir kastet? Ingenting som dette! Japanerne vil aldri gjøre det. Kimonoer er dyre. Det er utenkelig og umulig å bare kaste det sånn... Sammen med andre typer kimono-resirkulering laget håndverker små suvenirer av små filler. Dette er små leker for barn, dukker, brosjer, girlandere, damesmykker og andre produkter, den gamle kimonoen brukes til fremstilling av små søte ting, som samlet kalles "komono". Små ting som vil få sitt eget liv, fortsetter veien til kimonoen. Dette er hva ordet "komono" betyr.

- Kanzashi.
Kunsten å dekorere hårspenner (oftest dekorert med blomster (sommerfugler osv.) laget av stoff (hovedsakelig silke). Japansk kanzashi (kanzashi) er en lang hårnål for en tradisjonell japansk kvinnefrisyre. De var laget av tre, lakk, sølv, skilpaddeskall brukt i tradisjonelle kinesiske og japanske frisyrer.For ca. 400 år siden, i Japan, endret stilen til kvinners frisyrer: kvinner sluttet å gre håret i den tradisjonelle formen - taregami (langt rett hår) og begynte å style det i intrikate og bisarre former - nihongami. brukte forskjellige gjenstander - hårnåler, pinner, kammer.Det var da at selv en enkel kushi-kam blir til et elegant tilbehør av ekstraordinær skjønnhet, som blir et ekte kunstverk.Japanske kvinners tradisjonelle kostyme tillot ikke håndledd smykker og halskjeder, så frisyrer var viktigste skjønnhet og et felt for selvuttrykk - samt demonstrere smaken og tykkelsen på eierens lommebok. På graveringene kan du se - hvis du ser nøye etter - hvordan japanske kvinner lett hengte opp til tjue dyre kanzashi i frisyrene sine.
Det er nå en gjenoppblomstring av tradisjonen med å bruke kanzashi blant unge japanske kvinner som ønsker å legge raffinement og eleganse til frisyrene sine, moderne hårspenner kan utsmykkes med bare en eller to lekre håndlagde blomster.

- Kinusaiga.
En fantastisk type håndarbeid fra Japan. Kinusaiga (絹彩画) er en krysning mellom batikk og lappeteppe. Hovedideen er at nye malerier samles fra gamle silkekimonoer bit for bit - sanne verk Kunst.
Først lager kunstneren en skisse på papir. Deretter overføres denne tegningen til en treplate. Konturen av mønsteret skjæres gjennom med riller, eller riller, og deretter kuttes små strimler, matchende i farge og tone, fra den gamle silkekimonoen, og kantene på disse strimlene fyller sporene. Når du ser på et slikt bilde, får du følelsen av at du ser på et fotografi, eller til og med bare ser på landskapet utenfor vinduet, de er så realistiske.

- Temari.
Dette er tradisjonelle japanske geometriske broderte baller laget med enkle sømmer som en gang var et barneleke og nå har blitt en kunstform med mange fans, ikke bare i Japan, men over hele verden. Det antas at for lenge siden ble disse produktene laget av samurai-koner for underholdning. Helt i begynnelsen ble de virkelig brukt som en ball for et ballspill, men gradvis begynte de å tilegne seg kunstneriske elementer, og ble senere til dekorative ornamenter. Den delikate skjønnheten til disse ballene er kjent over hele Japan. Og i dag er fargerike, nøye utformede produkter en av typene folkehåndverk i Japan.

- Yubinuki.
Japanske fingerbøl, når man syr eller broderer for hånd, settes de på den midterste falanxen av langfingeren på den arbeidende hånden, ved hjelp av fingertuppene får nålen ønsket retning, og nålen skyves gjennom ringen på midten fingeren i jobb. Til å begynne med ble japanske yubinuki fingerbøl laget ganske enkelt - en stripe av tett stoff eller lær ca. 1 cm bred i flere lag ble viklet tett rundt fingeren og festet sammen med noen enkle dekorative sømmer. Siden yubinuki var en nødvendig gjenstand i hvert hjem, begynte de å bli dekorert med geometriske broderier med silketråder. Fra sammenfletting av masker, fargerike og intrikate mønstre. Yubinuki fra en enkel husholdningsgjenstand har også blitt til et objekt for "beundre", dekorasjon av hverdagen.
Yubinuki brukes fortsatt til sying og broderi, men de kan også enkelt brukes på hendene på hvilken som helst finger, som dekorative ringer. Yubinuki-broderi brukes til å dekorere forskjellige gjenstander i form av en ring - serviettringer, armbånd, temari-stativ, dekorert med yubinuki-broderi, og det er også broderte nålesenger i samme stil. Yubinuki-mønstre kan være en stor inspirasjon for temai obi-broderi.

- Suibokuga eller sumie.
Japansk blekkmaleri. Dette kinesisk stil maleriet ble lånt av japanske kunstnere på 1300-tallet og på slutten av 1400-tallet. ble hovedstrømmen av maleri i Japan. Suibokuga er monokrom. Det er preget av bruken av svart blekk (sumi), en solid form kull eller laget av sot av kinesisk blekk, som males i en blekkpotte, fortynnes med vann og påføres med en pensel på papir eller silke. Monokrom gir mesteren et uendelig utvalg av tonale alternativer, som kineserne for lenge siden anerkjente som "fargene" på blekk. Suibokuga tillater noen ganger bruk av ekte farger, men begrenser det til tynne, gjennomsiktige strøk som alltid forblir underordnet blekklinjen. Blekkmaleri deler med kalligrafikunsten slike essensielle egenskaper som tett kontrollert uttrykk og teknisk formbeherskelse. Kvaliteten på blekkmaleri kommer ned, som i kalligrafi, til integriteten og motstanden mot riving av linjen tegnet med blekk, som så å si holder kunstverket på seg selv, akkurat som bein holder vev på seg selv.

- Etegami.
Tegnede postkort (e - bilde, tagget - brev). Gjør-det-selv postkort er generelt en veldig populær aktivitet i Japan, og før ferien øker populariteten enda mer. Japanerne elsker å sende postkort til vennene sine, og de elsker å motta dem også. Dette er en type hurtigbrev på spesielle emner, det kan sendes med post uten konvolutt. Ikke i etegami spesielle regler eller en tekniker, det kan være enhver person uten spesiell opplæring. Etagami hjelper til med å uttrykke stemningen, inntrykkene nøyaktig, dette er et håndlaget postkort som består av et bilde og et kort brev, som formidler følelsene til avsenderen, for eksempel varme, lidenskap, omsorg, kjærlighet, etc. De sender disse postkortene for høytidene og bare sånn, som viser årstider, aktiviteter, grønnsaker og frukt, mennesker og dyr. Jo enklere dette bildet er tegnet, jo mer interessant ser det ut.

- Furoshiki.
Japansk innpakningsteknikk eller kunsten å brette tøy. Furoshiki kom inn i japanernes liv i lang tid. Gamle ruller fra Kamakura-Muromachi-perioden (1185 - 1573) er bevart med bilder av kvinner som bærer bunter med klær pakket inn i tøy på hodet. Denne interessante teknikken oppsto så tidlig som 710 - 794 e.Kr. i Japan. Ordet "furoshiki" betyr bokstavelig talt "badeteppe" og er et firkantet stykke tøy som ble brukt til å pakke inn og bære gjenstander i alle former og størrelser.
I gamle dager var det vanlig å gå i japanske bad (furo) i lette bomullskimonoer, som besøkende hadde med seg hjemmefra. Badegjesten hadde også med seg et spesielt teppe (shiki) som han sto på mens han kledde av seg. Etter å ha skiftet til en "badende" kimono, pakket den besøkende klærne inn i et teppe, og etter badet pakket den inn en våt kimono i et teppe for å bringe den hjem. Dermed har badematten blitt en multifunksjonell veske.
Furoshiki er veldig enkel å bruke: stoffet tar form av gjenstanden du pakker inn, og håndtakene gjør det enkelt å bære lasten. I tillegg får en gave pakket inn i hardt papir, men i et mykt, flerlags stoff en spesiell uttrykksevne. Det er mange ordninger for å brette furoshiki for enhver anledning, hverdagslig eller festlig.

- Amigurumi.
Den japanske kunsten å strikke eller hekle små kosedyr og humanoide skapninger. Amigurumi (編み包み, lett.: «strikket-innpakket») er oftest søte dyr (som bjørner, kaniner, katter, hunder osv.), små menn, men de kan også være livløse gjenstander utstyrt med menneskelige egenskaper. For eksempel cupcakes, hatter, håndvesker og andre. Amigurumi er strikket eller strikket eller heklet. Nylig har heklet amigurumi blitt mer populært og mer vanlig.
strikket av garn i en enkel strikkemetode - i en spiral og, i motsetning til den europeiske strikkemetoden, er sirklene vanligvis ikke koblet sammen. De er også heklet på en mindre størrelse i forhold til garntykkelsen for å lage et veldig tett stoff uten hull for at fyllet skal komme ut. Amigurumi er ofte laget av deler og deretter satt sammen, med unntak av noen amigurumi, som ikke har lemmer, men bare har hode og overkropp, som er en helhet. Lemmene er noen ganger fylt med plastbiter for å gi dem levende vekt, mens resten av kroppen er fylt med fiberfyll.
Spredningen av amigurumi-estetikk lettes av deres søthet ("kawaii").

Han skapte maleriene sine i Taise-perioden (1912-26) og tidlig Showa. Han ble født i 1891
år i Tokyo, var sønn av journalisten Kishida Ginko. I 1908 ble han uteksaminert fra skolen, i en alder av
I en alder av 15 ble han kristen og viet seg til kirkelige aktiviteter, deretter Kishida
Ryūsei studerte vestlige kunststiler ved Hakubakai-studioet under
Seiki Kuroda (1866-1924), som var en av grunnleggerne av Kunstakademiet i Japan.
Allerede i 1910 begynte den unge kunstneren å stille ut verkene sine på det årlige
Banten statsutstilling. Hans tidlige arbeider, spesielt landskap, ble malt
sterkt påvirket og gjenspeiler stilen til læreren hans Kuroda Seiki.

Reiko-portrett

Senere møtte artisten og ble venn med Musanoka Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
som introduserte kunstneren til Sirakaba (White Birch) samfunnet og introduserte ham for europeiske
Fauvisme og kubisme. Dannelsen av Kishida Ryūsei som kunstner skjedde i den første
tiåret av det tjuende århundre, da mange japanske unge kunstnere dro for å studere
maling i utlandet, først og fremst til Paris. Kishida Ryūsei har aldri vært i Europa og
studerte ikke med europeiske mestere, men innflytelsen fra europeisk postimpresjonisme på ham
var enorm, spesielt arbeidet til Van Gogh og Cezanne. Fra slutten av 1911 til begynnelsen
1912 ble han inspirert av arbeidet til moderne franske kunstnere, med hvis arbeid
Han møttes i Shirakaba magazine og gjennom illustrerte bøker. Hans tidlige arbeid er tydelig
opprettet under påvirkning av Henri Matisse og fauvistene.

Selvportrett med hatt, 1912
stil: fauvisme

I 1912, i en alder av tjueen, debuterte Kishida Ryūsei som
profesjonell kunstner, fant hans første separatutstilling sted i
Rokando kunstgalleri. Samme år organiserte artisten sin
Fyizankai Art Circle for å studere og fremme
postimpresjonisme.

Hage til presidenten for South Manchurian Railway Company 1929

Kretsen ble snart oppløst pga indre konflikter etter to utstillinger.
Fra omtrent 1914 forlot kunstneren fauvismen, hans tidlige stil. I 1915
år, opprettet Kishida Reisai Shodosa-gruppen, der hans hovedkamerat, student
og kunstneren Michisai Kono var en tilhenger.

Sti på forsommeren 1917
stil: yoga-ka

Siden den gang har han utviklet sin egen unike stil av en stor mester, på japansk
på språket kalles det "shajitsu" eller "shasei", vanligvis oversatt til russisk som realisme.
Kunstneren forenkler former, finner en unik farge, alt dette kommer fra kunst
Cezanne. Selv om Kishida Reisai satte stor pris på Frankrikes kunst, men i den senere perioden
ansett som orientalsk kunst langt overlegen vestlig kunst.

Road Cut Through a Hill, 1915
stil: yoga-ka

Portrett av Bernard Leach, 1913
stil: fauvisme

Selvportrett, 1915,
stil: yoga-ka

Selvportrett, 1913,
stil: yoga-ka

Selvportrett, 1917,
stil: yoga-ka

Portrett av en mann
stil: yoga-ka

Fra rundt 1917 flyttet kunstneren til Kugenuma Fujisawa i Kanagawa-området. Han startet
studere stilene og teknikkene til nordeuropeiske renessansekunstnere som f.eks
Dürer og Van Dyck. I løpet av denne perioden malte han sin berømte serie med malerier av Reikos datter,
som kombinerer nærmest fotografisk realisme med surrealistisk
dekorative elementer. På begynnelsen av 1920-tallet interesserte Kishida Ryūsei seg for
elementer av orientalsk kunst, spesielt til de kinesiske maleriene "Sanger" og
"Yuan-dynastiet".

"Portrett av Sanada Hisakichi"

Under det store Kanto-jordskjelvet i 1923 var kunstnerens hjem i Kugenum
ødelagt, flyttet Kishida Ryūsei til Kyoto for en kort periode, deretter i februar
1926 kom tilbake for å bo i Kamakura. På 1920-tallet malte kunstneren mange
artikler om japansk maleris estetikk og historie.

Tekopp Tebolle og tre grønne epler, 1917
stil: sezannisme

Stilleben, 1918,
stil: sezannisme

To røde epler, tekopp, teskål og en flaske, 1918
stil: sezannisme

I 1929, med bistand fra South Manchurian Railway, laget Kishida Ryūsei
den eneste utenlandsreisen i mitt liv, besøker Dalian, Harbin og Fengtian
i Manchuria. På vei hjem tok han et stopp i byen Tokuyama, et distrikt
Yamaguchi, hvor han plutselig døde av akutt selvforgiftning av kroppen. Kishida Ryusei
skapte sine portretter, landskap og stilleben frem til sin tidlige død i en alder av
38 år. Kunstnerens grav ligger på Tama Reien-kirkegården i Tokyo. Etter døden
Kishida Ryūsei til to av maleriene hans Japanese Government Agency for Cultural Affairs
tildelt tittelen "Nasjonal kulturell verdi". I desember 2000 ble en av
hans portrett av datteren Reiko med et lommetørkle på skuldrene ble solgt for 360 millioner yen, som
ble den høyeste prisen på japanske maleriauksjoner.

Den enorme regionen, konvensjonelt referert til som Fjernøsten, inkluderer Kina, Japan, Korea, Mongolia og Tibet – land som har en rekke likheter, men samtidig betydelige forskjeller i kultur.

Alle landene i Fjernøsten ble påvirket av de gamle sivilisasjonene i Kina og India, hvor det allerede i det 1. årtusen f.Kr. oppsto filosofiske og religiøse læresetninger som la grunnlaget for begrepet natur som et omfattende kosmos – et levende og åndeliggjort. organisme som lever i henhold til sine egne lover. Naturen var i sentrum for de filosofiske og kunstneriske søkene i hele middelalderen, og dens lover ble ansett som universelle, og bestemte livet og forholdet til mennesker. Menneskets indre verden ble sammenlignet med naturens mangfoldige manifestasjoner. Dette påvirket utviklingen av den symbolske metoden i billedkunsten, og definerte dens allegoriske poetiske språk. I Kina, Japan og Korea, under påvirkning av en slik holdning til naturen, ble det dannet typer og sjangere av kunst, arkitektoniske ensembler ble bygget, nært knyttet til det omkringliggende landskapet, hagekunst og til slutt var det begynnelsen av landskapsmaleriet. Under påvirkning av gammel indisk sivilisasjon begynte buddhismen å spre seg, og hinduismen begynte også å spre seg i Mongolia og Tibet. Disse religiøse systemene brakte ikke bare nye ideer til landene i Fjernøsten, men hadde også en direkte innvirkning på utviklingen av kunst. Takket være buddhismen dukket et tidligere ukjent nytt kunstnerisk språk for skulptur og maleri opp i alle land i regionen, ensembler ble opprettet, det karakteristiske trekk var samspillet mellom arkitektur og kunst.

Funksjoner ved bildet av buddhistiske guddommer i skulptur og maleri utviklet seg over mange århundrer som et spesielt symbolspråk som uttrykte ideer om universet, moralske lover og menneskets skjebne. Dermed ble den kulturelle opplevelsen og åndelige tradisjonene til mange folkeslag konsolidert og bevart. Bildene av buddhistisk kunst legemliggjorde ideene om konfrontasjonen mellom godt og ondt, barmhjertighet, kjærlighet og håp. Alle disse egenskapene bestemte originaliteten og den universelle betydningen av de enestående kreasjonene til den kunstneriske kulturen i Fjernøsten.

Japan ligger på øyene i Stillehavet, og strekker seg langs østkysten av det asiatiske fastlandet fra nord til sør. japanske øyer ligger i et område utsatt for hyppige jordskjelv og tyfoner. Innbyggerne på øyene er vant til hele tiden å være på vakt, være fornøyd med et beskjedent liv, raskt gjenopprette hjemmene og husholdningene sine etter naturkatastrofer. Til tross for de naturlige elementene som stadig truer menneskers velvære, gjenspeiler japansk kultur ønsket om harmoni med omverdenen, evnen til å se naturens skjønnhet i stort og smått.

I japansk mytologi ble de guddommelige ektefellene, Izanagi og Izanami, ansett som forfedrene til alt i verden. Fra dem kom en triade av store guder: Amaterasu - solens gudinne, Tsukiyomi - månens gudinne og Susanoo - stormens og vindens gud. I følge ideene til de gamle japanerne hadde ikke gudene et synlig utseende, men ble legemliggjort i naturen selv - ikke bare i solen og månen, men også i fjell og steiner, elver og fosser, trær og gress, som ble æret som ånder-kami (slovaker i oversettelse fra japansk betyr guddommelig vind). Denne guddommeliggjøringen av naturen vedvarte gjennom hele middelalderen og ble kalt Shinto - gudenes vei, og ble den japanske nasjonale religionen; Europeerne kaller det shinto. Opprinnelsen til japansk kultur er forankret i antikken. De tidligste kunstverkene dateres tilbake til det 4. ... 2. årtusen f.Kr. Den lengste og mest fruktbare for japansk kunst var perioden i middelalderen (6...1800-tallet).

Designet til et tradisjonelt japansk hus utviklet på 1600- og 1700-tallet. Det er en treramme med tre flyttbare vegger og en fast. Veggene har ikke funksjonene til en støtte, så de kan flyttes fra hverandre eller til og med fjernes, og fungerer som et vindu samtidig. I den varme årstiden var veggene en gitterstruktur, klistret over med gjennomskinnelig papir som slapp gjennom lyset, og i den kalde og regntunge årstiden ble de dekket eller erstattet med trepaneler. Med høy luftfuktighet i det japanske klimaet må huset ventileres nedenfra. Derfor er den hevet over bakkenivå med 60 cm For å beskytte støttesøylene mot forfall ble de installert på steinfundamenter.

Den lette trerammen hadde den nødvendige fleksibiliteten, noe som reduserte den destruktive kraften til skyvet under hyppige jordskjelv i landet. Taket, tegl eller siv, hadde store baldakiner som beskyttet husets papirvegger mot regn og stekende sommersol, men som ikke holdt tilbake lavt sollys om vinteren, tidlig på våren og sen høst. Under kalesjen på taket var det en veranda.

Gulvet i stuene var dekket med matter - tatami-matter, som de stort sett satt på, sto ikke. Derfor var alle proporsjonene i huset fokusert på en sittende person. Siden det ikke var faste møbler i huset, sov de på gulvet, på spesielle tykke madrasser, som ble satt bort i skapene på dagtid. De spiste, sittende på matter, ved lave bord, serverte de også til ulike yrker. Glidende innvendige skillevegger, dekket med papir eller silke, kunne dele de innvendige lokalene avhengig av behovene, noe som gjorde det mulig å bruke det mer mangfoldig, men det var umulig for hver av innbyggerne å trekke seg helt tilbake inne i huset, noe som påvirket intra -familieforhold i den japanske familien, og i en mer generell forstand - på egenskapene til den japanske nasjonale karakteren. Viktig detalj hjemme - en nisje som ligger nær en fast vegg - tokonama, hvor et bilde kunne henge eller en komposisjon av blomster - ikebana kunne stå. Det var husets åndelige sentrum. I dekorasjonen av nisjen ble de individuelle kvalitetene til innbyggerne i huset, deres smak og kunstneriske tilbøyeligheter manifestert.

En fortsettelse av det tradisjonelle japanske huset var en hage. Han spilte rollen som et gjerde og koblet samtidig huset med miljø. Da husets yttervegger ble flyttet fra hverandre, forsvant grensen mellom husets indre rom og hagen og en følelse av nærhet til naturen ble det skapt direkte kommunikasjon med den. Det var viktig funksjon nasjonalfølelse. Imidlertid vokste de japanske byene, størrelsen på hagen ble redusert, ofte ble den erstattet av en liten symbolsk sammensetning av blomster og planter, som tjente den samme rollen som kontakt mellom boligen og den naturlige verden. japansk mytologi hus ikebana netsuke

Kunsten å arrangere blomster i vaser – ikebbna (blomsters liv) – går tilbake til den eldgamle skikken med å plassere blomster på alteret til en guddom, som spredte seg til Japan med buddhismen på 600-tallet. Oftest besto komposisjonen i den tidens stil - rikka (plantede blomster) - av en furu- eller sypressgren og lotus, roser, påskeliljer, installert i eldgamle bronsekar.

Med utvikling sekulær kultur i det 10. ... 12. århundre ble blomsterarrangementer installert i palasser og boligkvarter for representanter for den aristokratiske klassen. Ved det keiserlige hoff ble spesielle konkurranser i å arrangere buketter populære. I andre halvdel av 1400-tallet dukket det opp en ny retning i kunsten å ikebana, hvis grunnlegger var mesteren Ikenobo Sen'ei. Verkene til Ikenobo-skolen ble preget av sin spesielle skjønnhet og raffinement, de ble installert på hjemmealtere og presentert som gaver. På 1500-tallet, med spredningen av teseremonier, ble det dannet en spesiell type ikebana for å dekorere tokonoma-nisjen i tepaviljongen. Kravet om enkelhet, harmoni, beherskede farger, presentert for alle objekter av te-kulten, utvidet til utformingen av blomster - tyabana (ikebana for te-seremonien). Den berømte temesteren Senno Rikyu skapte en ny, friere stil - nageire (uforsiktig plasserte blomster), selv om det var i den tilsynelatende uorden den spesielle kompleksiteten og skjønnheten til bildene av denne stilen besto. En av typene nageire var den såkalte tsuribana, da plantene ble plassert i et opphengt kar i form av en båt. Slike komposisjoner ble tilbudt til en person som tiltrådte eller ble uteksaminert fra skolen, da de symboliserte "å gå ut i livets åpne hav". På 1600-...1800-tallet ble kunsten å ikebana utbredt, og det oppsto en skikk for obligatorisk opplæring av jenter i kunsten å lage buketter. På grunn av populariteten til ikebana ble komposisjonene imidlertid forenklet, og de strenge reglene for stylerikka måtte forlates til fordel for nageire, hvorfra en annen ny stil av seika eller shoka (levende blomster) dukket opp. På slutten av 1800-tallet skapte mester Ohara Usin moribana-stilen, hvor hovedinnovasjonen var at blomstene ble plassert i brede kar.

I sammensetningen av ikebana er det som regel tre obligatoriske elementer, som betegner de tre prinsippene: himmel, jord og menneske. De kan legemliggjøres som en blomst, gren og gress. Deres forhold til hverandre og tilleggselementer skaper verk med forskjellig stil og innhold. Kunstnerens oppgave er ikke bare å lage en vakker komposisjon, men også å formidle sine egne tanker om en persons liv og hans plass i verden mest mulig i den. Verkene til fremragende ikebana-mestere kan uttrykke håp og tristhet, åndelig harmoni og tristhet.

I følge tradisjonen i ikebana er sesongen nødvendigvis gjengitt, og kombinasjonen av planter danner symbolske gode ønsker velkjent i Japan: furu og rose - lang levetid; peon og bambus - velstand og fred; krysantemum og orkide - glede; magnolia - åndelig renhet, etc.

Miniatyrskulptur - netsuke ble utbredt på 18-19 århundrer som en av typene kunst og håndverk. Utseendet skyldes det faktum at den nasjonale japanske kostymen - kimono - ikke har noen lommer, og alle nødvendige små gjenstander (rør, pose, medisinboks) er festet til beltet ved hjelp av en motvektsnøkkelring. Netsuke har derfor nødvendigvis et hull for blonder, ved hjelp av hvilken den ønskede gjenstanden festes til den. Nøkkelringer i form av pinner og knapper ble brukt før, men siden slutten av 1700-tallet har kjente mestere allerede jobbet med å lage netsuke, og satt sin signatur på verkene.

Netsuke er byklassens kunst, masse og demokratisk. I henhold til netsukes plot kan man bedømme byfolks åndelige behov, hverdagsinteresser, skikker og skikker. De trodde på ånder og demoner, som ofte ble avbildet i miniatyrskulpturer. De elsket figurene til de "syv lykkegudene", blant hvilke de mest populære var rikdomsguden Daikoku og lykkeguden Fukuroku. De konstante plottene til netsuke var følgende: en sprukket aubergine med mange frø inni - et ønske om et stort mannlig avkom, to ender - et symbol familielykke. Et stort antall netsuke er dedikert til hverdagslige emner og dagliglivet i byen. Dette er vandrende skuespillere og tryllekunstnere, gateselgere, kvinner som driver med ulike aktiviteter, vandrende munker, brytere, til og med nederlendere i sitt eksotiske, sett fra japanernes synspunkt, klær - bredbremmede hatter, camisoles og bukser. Utmerket av tematisk mangfold, beholdt netsuke sin opprinnelige funksjon som en nøkkelring, og dette formålet dikterte håndverkerne en kompakt form uten skjøre utstikkende detaljer, avrundet, behagelig å ta på. Materialvalget henger også sammen med dette: ikke veldig tung, slitesterk, bestående av ett stykke. De vanligste materialene var ulike typer tre, elfenben, keramikk, lakk og metall.

Japansk maleri er svært mangfoldig, ikke bare i innhold, men også i form: dette er veggmalerier, skjermmalerier, vertikale og horisontale ruller, utført på silke og papir, albumark og vifter.

OM eldgammelt maleri kan kun bedømmes etter referanser i skriftlige dokumenter. De tidligste bevarte fremragende verkene dateres tilbake til Heian-perioden (794-1185). Dette er illustrasjoner av den berømte "The Tale of Prince Genji" av forfatteren Murasaki Shikibu. Illustrasjonene er laget på flere horisontale ruller og supplert med tekst. De tilskrives børsten til kunstneren Fujiwara Takayoshi (første halvdel av 1100-tallet).

Et karakteristisk trekk ved kulturen i den tiden, skapt av en ganske smal krets av den aristokratiske klassen, var skjønnhetskulten, ønsket om å finne i alle manifestasjoner av materiell og åndelig liv deres iboende sjarm, noen ganger unnvikende og unnvikende. Maleriet fra den tiden, senere kalt yamato-e (bokstavelig talt japansk maleri), formidlet ikke en handling, men en sinnstilstand. Da de harde og modige representantene for militærklassen kom til makten, begynte kulturen i Heian-tiden å avta. I maleriet på rullene ble det narrative prinsippet etablert: dette er legender om mirakler fulle av dramatiske episoder, biografier om forkynnere av den buddhistiske troen, scener med krigerslag. I løpet av 14-15 århundrer, under påvirkning av læren til Zen-sekten, med sin spesielle oppmerksomhet på naturen, begynte landskapsmaleriet å utvikle seg (opprinnelig under påvirkning av kinesiske modeller).

I halvannet århundre mestret japanske kunstnere det kinesiske kunstsystemet, og gjorde monokromt landskapsmaling til nasjonal kunsts eiendom. Dens høyeste blomstring er assosiert med navnet til den fremragende mesteren Toyo Oda (1420...1506), bedre kjent under pseudonymet Sesshu. I landskapene sine, med bare de fineste nyanser av svart blekk, klarte han å gjenspeile all den flerfargede naturen og dens utallige tilstander: den fuktighetsmettede atmosfæren fra tidlig vår, den usynlige, men følte vinden og kaldt høstregn, det ubevegelige. vinterens stillhet.

Det 16. århundre åpner æraen for den såkalte senmiddelalder varer i tre og et halvt århundre. På denne tiden ble veggmalerier utbredt og dekorerte palassene til herskerne i landet og store føydale herrer. En av grunnleggerne av den nye retningen innen maleri var den berømte mesteren Kano Eitoku, som levde i andre halvdel av 1500-tallet. Tregravering (xylografi), som blomstret på 18-19 århundrer, ble en annen type kunst i middelalderen. Gravering, som sjangermaleri, ble kalt ukiyo-e (bilder av hverdagens verden). I tillegg til kunstneren som laget tegningen og skrev navnet sitt på det ferdige arket, ble graveringen laget av en skjærer og en trykker. Først var graveringen monofonisk, den ble malt for hånd av kunstneren selv eller av kjøperen. Så ble trykk i to farger oppfunnet, og i 1765 brukte kunstneren Suzuki Harunobu (1725-1770) først flerfargetrykk. For å gjøre dette plasserte skjæreren et kalkerpapir med et mønster på et spesiallaget langsgående sagbrett (fra pære, kirsebær eller japansk buksbom) og kuttet ut det nødvendige antallet trykte brett, avhengig av fargeskjemaet til graveringen. Noen ganger var det mer enn 30 av dem. Etter det laget skriveren, ved å velge de riktige nyanser, utskrifter på spesialpapir. Hans ferdighet var å oppnå en nøyaktig match av konturene til hver farge, hentet fra forskjellige treplater. Alle graveringene ble delt inn i to grupper: teatralske, som avbildet japanske skuespillere. klassisk teater Kabuki i ulike roller, og hverdagslivet, dedikert til bildet av skjønnheter og scener fra deres liv. Den mest kjente mesteren av teatertrykk var Toshushai Syaraku, som nærbilde portretterte ansiktene til skuespillerne, og understreket egenskapene til rollen de spilte, karaktertrekk en person reinkarnert som en karakter i et skuespill: sinne, frykt, grusomhet, bedrag.

Slike fremragende kunstnere som Suzuki Harunobu og Kitagawa Utamaro ble kjent i hverdagsgravering. Utamaro var skaperen kvinnelige bilder legemliggjør det nasjonale skjønnhetsidealet. Heltinnene hans ser ut til å ha frosset et øyeblikk og vil nå fortsette sin jevne, grasiøse bevegelse. Men denne pausen er det mest uttrykksfulle øyeblikket når hodets vipping, håndens gest, silhuetten av figuren formidler følelsene de lever i.

Den mest kjente gravøren var den strålende kunstneren Katsushika Hokusai (1776-1849). Hokusais arbeid er basert på den hundre år gamle billedkulturen i Japan. Hokusai laget over 30 000 tegninger og illustrerte rundt 500 bøker. Allerede sytti år gammel skapte Hokusai et av de mest betydningsfulle verkene - en serie med "36 Views of Fuji", som lar ham settes på linje med verdens mest fremragende kunstnere. Ved å vise Mount Fuji - det nasjonale symbolet til Japan - fra forskjellige steder, avslører Hokusai for første gang bildet av moderlandet og bildet av folket i deres enhet. Kunstneren så på livet som en enkelt prosess i alle dets mangfold av manifestasjoner, alt fra de enkle følelsene til en person, hans daglige aktiviteter og slutter med omkringliggende natur med sine elementer og skjønnhet. Arbeidet til Hokusai, som absorberte den flere hundre år gamle erfaringen med kunsten til hans folk, er den siste toppen i kunstnerisk kultur middelalderens Japan, dets bemerkelsesverdige resultat.

Japan har alltid vært preget av sin ærbødige holdning til bevaring og reproduksjon av sine gamle tradisjoner, og denne bemerkelsesverdige egenskapen gjør landet stigende sol et unikt sted hvor moderne innovasjoner er harmonisk kombinert med århundregamle kulturelle tradisjoner i livet til vanlige japanere.

Hvis du har vært i Japan før, har du uten tvil kommet over røde og svarte suppeboller, brett, spisepinner og mer. lakkerte gjenstander(deres motstykker av ganske lav kvalitet finnes i vårt land). Lakkkunst er et av de tradisjonelle japanske håndverkene som oppsto i antikken – de første produktene ble oppdaget i Japan allerede i Jomon-perioden (14.000-300 f.Kr.) – og har overlevd til i dag. I moderne tid ble japansk lakk aktivt eksportert og ble en slags "merke" av landet - det er ingen tilfeldighet at ordet "japan" i den vestlige verden fikk en annen betydning - "lakk, lakk, påfør lakk."

Japansk lakk er organisk materiale laget av saften fra urushi-treet (漆), som trekkes ut ved å skrape opp treet. Den resulterende lakken kalles også. Det antas at dette ordet kommer fra to andre japanske ord: uruwashii (麗しい), som betyr "vakker, vakker", og uruosu (潤す), som betyr "fukter". Hieroglyfen urushi selv, i motsetning til andre navn på trær, som er skrevet med nøkkelen "tre" [木] (桜 - sakura, 梅 - plomme, 松 - furu, etc.), har nøkkelen "vann" [氵], som understreker at dette treet er mer verdsatt på grunn av vannet, det vil si saften i det. På japansk kalles lakkvarer shikki (漆器: 漆 "lakk, lakktre" + 器 "verktøy, tilbehør") eller nurimono (塗物: 塗る "påføre, male" + 物 "ting, gjenstand").

Den herdede lakken danner et beskyttende belegg som avviser vann og hindrer gjenstanden i å råtne, samt gjør den mindre utsatt for angrep av syrer, alkalier, salter og alkohol. Som materiale for produkter brukes tre (det vanligste materialet), lær, papir, keramikk, glass, metall og til og med plast. Det er mange måter å lage og dekorere lakk på. La oss snakke litt i dag om de mest kjente typene av dette japanske håndverket.

Ouchi lakk

Ouchi lakkkunst oppsto i Yamaguchi Prefecture (山口県) gjennom innsatsen til krigsherren Ouchi Hiroyo (1325-1380). I et forsøk på å gjøre eiendelene sine om til en slags hovedstad på den tiden, Kyoto (京都), inviterte han aktivt forskjellige mestere og håndverkere, noe som resulterte i en kombinasjon av ferdighetene og ideene til Kyoto-håndverkere med lokale tradisjoner skapte en ny unik kultur.

Kishu lakk

Omtrent på 1300-1500-tallet. Buddhistiske munker i Negoroji-tempelet (i området i den moderne byen Iwade (岩出市), Wakayama Prefecture (和歌山県) begynte produksjonen av utilitaristisk lakk - spisepinner, brett, og religiøse skåler, så vel som kult - gjenstander for bønner og mantraer Siden deres håndverk ikke var perfekt, var det noen steder flekker på de ferdige gjenstandene. spesiell stil produktene fikk navnet Negoro. På 1600-tallet, med støtte fra myndighetene i fyrstedømmet Kishu, ble munkenes lakkvarer kjent, og navnet på dette området ble tildelt dem.

Lakkerte Wakasa Sticks

Disse lakkerte kjøkkenredskapene er laget i Obama City (小浜市), Fukui Prefecture (福井県). Mer enn 80 % av alle lakkerte spisepinner i Japan produseres her. Slike tryllestaver av ekstraordinær skjønnhet og ynde er en populær bryllupsgave i Land of the Rising Sun.

Odawara lakk

Kanagawa Prefecture (神奈川県). Denne typen lakkkunst går tilbake til Kamakura-perioden (1185-1333), da den sterke og innflytelsesrike Hojo-klanen aktivt fremmet utviklingen av håndverket, og gjorde byen Odawara (小田原市) til et senter for produksjon av lakk. I Edo-perioden (1603-1868) ble et stort antall slike produkter eksportert til Edo (dagens Tokyo) - skåler, brett og til og med lakkert rustning.

Kagawa lakk

Kagawa Prefecture (香川県). I 1638 kom Daimyo Yorishige Matsudaira til disse stedene etter utnevnelsen av shogunatet. Han ble preget av sin kjærlighet til lakk og skulpturer, så han begynte å utvikle denne typen kunst og håndverk i sitt domene. To århundrer senere, takket være arbeidet til mester Tsukoku Tamakaji (1807-1869), ble Kagawa-lakk kjent over hele landet. Bruken av spesielle metoder for sliping og polering metter produktene med ekstraordinær glans.

Wajima lakk

Ishikawa Prefecture (石川県). Det eldste gjenlevende eksemplet på denne typen kunst er den lakkerte porten til Shigezo-tempelet i Wajima City (輪島市), bygget rundt 1397. I løpet av Edo-perioden (1603-1868) ble zinoko-pulver oppfunnet, laget av knust bakt leire, noe som gjorde disse lakkvarene utrolig holdbare, noe som i stor grad påvirket etterspørselen deres blant befolkningen.

Aizu lakk

Aizu ware er en av de tradisjonelle kunstene i Fukushima Prefecture (福島県). Utseendet til dette håndverket dateres tilbake til 1590, da den lokale føydalherren Gamo Ujisato begynte å innkalle mestere fra sine tidligere eiendeler, og deretter passerte dem nyeste teknologi datidens håndverk. Som et resultat ble Aizu en av de største produsentene av lakkvarer. Utvidelsen av produksjonen førte til muligheten for å eksportere produkter til Kina og Holland, noe som glorifiserte regionen i andre land.

Tsugaru lakk

Tsugaru er navnet på den vestlige delen av Aomori Prefecture (青森県). Tsugaru lakkkunst oppsto på 1600- og 1700-tallet, da industriell utvikling ble oppmuntret i byene under Edo-perioden. Tsugaru-stilen dukket opp fra dette oppsvinget, ettersom håndverkerne og håndverkerne i området fikk drivkraft og muligheter til å videreutvikle ferdighetene sine. Når man lager produkter, brukes metoden som ble brukt for mer enn 300 år siden fortsatt i dag.

Vi har sett på flere av hovedstilene innen japansk lakkkunst. Det er utvilsomt mange flere av dem, og mange er supplert med nye teknikker og forbedret.

Det japanske håndverket for å lage lakk oppsto i antikken og har overlevd til i dag, og er en av de mest elegante, harmoniske, spektakulære typene kunst og håndverk i verden. Dette er en av de kulturelle tradisjonene, uten å ta i betraktning hvilken vi ikke fullt ut vil kunne oppfatte visjonen om verden, de estetiske prinsippene og karakteren til det japanske folket.

Det kan være vanskelig for en uerfaren person å forstå alle typer lakk til å begynne med. Derfor er det bedre å gå rundt i butikkene der de selges, se på dem live, chatte med selgeren og, hvis du vil kjøpe noe til deg selv og vennene dine i gave, velge en vare du liker.

Hvis du skal besøke Land of the Rising Sun, kan våre kurs komme godt med: følg og meld deg på nå!