Rapport om den nye middelalderens musikalske stiler. Tidlig musikk og middelalder

Musikk middelaldertid - utviklingsperiodemusikalsk kultur, som spenner over en tidsperiode fra ca 5. til 14. århundre e.Kr .
Under middelalderen i Europa en ny type musikalsk kultur vokser frem - føydal som kombinerer profesjonell kunst, amatørmusikk og folklore. Siden kirken dominerer på alle områder av åndelig liv, er grunnlaget for profesjonell musikkkunst aktiviteten til musikere i templer og klostre . Sekulær profesjonell kunst ble opprinnelig bare representert av sangere som skapte og fremførte episke historier ved hoffet, i adelens hus, blant krigere, etc. ( barder, skalder og så videre.). Over tid utvikles amatører og semi-profesjonelle former for musikkskaping. ridderlighet: i Frankrike - kunsten til trubadurer og truvører (Adam de la Halle, XIII århundre), i Tyskland - minnesinger ( Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, XII - XIII århundrer ), så vel som urbane håndverkere. I føydale slott og i byene dyrkes alle slags slekter, sjangere og former for sanger (episke, "daggry", rondo, le, virele, ballader, canzones, laudaer, etc.).
Nye mennesker kommer inn i livetmusikkinstrumenter, inkludert de som kom fraØst (bratsj, lut etc.), oppstår ensembler (av ustabile komposisjoner). Folklore blomstrer blant bondestanden. Det er også "folkefagfolk": historiefortellere , omreisende syntetiske artister ( sjonglører, mimere, minstreler, shpilmans, buffoons ). Musikk utfører igjen hovedsakelig anvendte og åndelig-praktiske funksjoner. Kreativitet opptrer i enhet medopptreden(vanligvis i én person).
Og i musikkens innhold, og i dens form dominerer kollektivitet ; den individuelle begynnelsen adlyder det generelle, uten å skille seg ut fra det (musiker-mesteren er den beste representanten samfunn ). Strenge styre i alt tradisjon og kanonitet . Konsolidering, bevaring og formidling tradisjoner og standarder.
Gradvis, om enn sakte, blir musikkens innhold, dets sjangere, former , uttrykksmidler. I Vest-Europa fra det 6. - 7. århundre . et strengt regulert system monofonisk (monodisk ) kirkemusikk basert diatoniske moduser ( gregoriansk sang), som kombinerer resitasjon (salmodi) og sang (salmer ). Ved overgangen til 1. og 2. årtusen ble polyfoni . Ny vokal (kor ) og vokal-instrumental (kor og orgel) sjangere: organum, motett, oppførsel, deretter messe. Frankrike på 1100-tallet den første komponist (kreativ) skole kl Notre Dame Katedral(Leonin, Perotin). Ved begynnelsen av renessansen (ars nova-stil i Frankrike og Italia, XIV århundre) i profesjonell musikkmonofoni blir tvunget ut polyfoni , musikk begynner gradvis å frigjøre seg fra rent praktiske funksjoner (tjenende kirke riter ), øker det verdien sekulære sjangere, inkludert sang Guillaume de Machaux).

Renessanse.

Musikk i perioden XV-XVII århundrer.
I middelalderen var musikk kirkens privilegium, så de fleste musikkverk var hellige, de var basert på kirkesalmer(Gregoriansk sang), som har vært en del av trosbekjennelsen siden begynnelsen av kristendommen. På begynnelsen av 1600-tallet ble kultmelodier, med direkte deltagelse av pave Gregor I, endelig kanonisert. Gregoriansk sang ble fremført av profesjonelle sangere. Etter at kirkemusikken mestret polyfoni, forble gregoriansk sang det tematiske grunnlaget for polyfone kultverk (messer, motetter, etc.).

Middelalderen ble fulgt av renessansen, som for musikere var en epoke med oppdagelser, innovasjon og utforskning, en renessanse av alle lag av kulturelle og vitenskapelige uttrykk for livet fra musikk og maleri til astronomi og matematikk.
Selv om musikk i stor grad forble religiøs, åpnet svekkelsen av kirkens kontroll over samfunnet større frihet for komponister og utøvere til å vise sine talenter.
Med oppfinnelsen av trykkepressen ble det mulig å trykke og distribuere noter, og fra det øyeblikket starter det vi kaller klassisk musikk.
I løpet av denne perioden dukket det opp nye musikkinstrumenter. De mest populære var instrumentene som musikkelskere kunne spille enkelt og enkelt på, uten å kreve spesielle ferdigheter.
Det var på denne tiden bratsjen, forgjengeren til fiolinen, dukket opp. Båndene (trestrimler på tvers av gripebrettet) gjorde det enkelt å spille, og lyden var rolig, mild og spilte bra på små lokaler.
Blåseinstrumenter var også populære – blokkfløyte, fløyte og horn. Den mest komplekse musikken ble skrevet for det nyopprettede cembaloet, virginal (engelsk cembalo, preget av liten størrelse) og orgel. Samtidig glemte ikke musikerne å komponere enklere musikk, som ikke krevde høye utøvende ferdigheter. Samtidig skjedde det endringer i musikalsk skriving: tunge tretrykkblokker ble erstattet av mobile metallbokstaver oppfunnet av italieneren Ottaviano Petrucci. Publiserte musikkverk ble raskt utsolgt, flere og flere begynte å bli med på musikken.
Slutten på renessansen ble preget av den viktigste begivenheten i musikalsk historie- operaens fødsel. En gruppe humanister, musikere og poeter samlet seg i Firenze i regi av deres leder, grev Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Gruppen ble kalt "kamerata", hovedmedlemmene var Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (far til astronomen Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri og Ottavio Rinuccini i deres yngre år.
Det første dokumenterte møtet med gruppen fant sted i 1573, og de mest aktive årene med arbeid "Florentinsk kamera "var 1577 - 1582. De mente at musikken var "bortskjemt" og søkte å vende tilbake til form og stil antikkens Hellas, i troen på at musikkkunsten kan forbedres, og følgelig vil samfunnet også bli bedre. Camerata kritiserte den eksisterende musikken for dens overdrevne bruk av polyfoni på bekostning av tekstens forståelighet og tapet av den poetiske komponenten i verket, og foreslo opprettelsen av en ny musikalsk stil der teksten i monodisk stil ble akkompagnert av instrumental musikk. Eksperimentene deres førte til opprettelsen av en ny vokal-musikalsk form - resitativ, først brukt av Emilio de Cavalieri, deretter direkte relatert til utviklingen av opera.
Den første offisielt anerkjentopera , tilsvarende moderne standarder, var operaen "Daphne" (Daphne), først presentert i 1598. Forfatterne av "Daphne" var Jacopo Peri og Jacopo Corsi, libretto av Ottavio Rinuccini. Denne operaen har ikke overlevd. Den første bevarte operaen er "Eurydice" (1600) av de samme forfatterne - Jacopo Peri og Ottavio Rinuccini. Denne kreative foreningen skapte fortsatt mange verk, hvorav de fleste har gått tapt.

Tidlig barokkmusikk (1600-1654)

Skapelsen av hans resitative stil av den italienske komponisten Claudio Monteverdi (1567-1643) og den konsekvente utviklingen av italiensk opera kan betraktes som et betinget overgangspunkt mellom barokken og renessansen. Begynnelsen på operaforestillinger i Roma og spesielt i Venezia betydde allerede anerkjennelse og spredning av den nye sjangeren over hele landet. Alt dette var bare en del av en større prosess som fanget alle kunstarter, og spesielt tydelig manifesterte seg i arkitektur og maleri.
Renessansekomponister ga oppmerksomhet til utdypingen av hver del av et musikalsk verk, og la lite eller ingen oppmerksomhet til sammenstillingen av disse delene. Hver for seg kunne hver del høres utmerket ut, men det harmoniske resultatet av tillegget var mer et spørsmål om tilfeldigheter enn regelmessighet. Utseendet til den figurerte bassen indikerte en betydelig endring i musikalsk tenkning - nemlig at harmoni, som er "tilføyelse av deler til en helhet", er like viktig som de melodiske partiene (polyfonien) i seg selv. Mer og mer så polyfoni og harmoni ut som to sider av den samme ideen om å komponere euphonious musikk: når du komponerte harmoniske sekvenser, ble den samme oppmerksomheten viet til tritoner når du skapte dissonans. Harmonisk tenkning eksisterte også blant noen komponister fra forrige tid, som Carlo Gesualdo, men i barokktiden ble det allment akseptert.
De delene av verkene hvor det er umulig å tydelig skille modalitet fra tonalitet, markerte han som blandet dur, eller blandet moll (senere for disse konseptene introduserte han henholdsvis begrepene "monal dur" og "monal moll"). Tabellen viser hvordan tonal harmoni allerede i tidlig barokk nesten erstatter harmonien fra forrige epoke.
Italia blir sentrum for en ny stil. Selv om pavedømmet ble tatt til fange av kampen mot reformasjonen, men likevel hadde enorme økonomiske ressurser fylt opp av de militære kampanjene til habsburgerne, lette etter måter å spre den katolske troen gjennom utvidelse av kulturell innflytelse. Med prakten, storheten og kompleksiteten til arkitektur, kunst og musikk argumenterte katolisismen så å si med asketisk protestantisme. De velstående italienske republikkene og fyrstedømmene konkurrerte også kraftig i kunsten. En av viktige sentre musikalsk kunst var Venezia, som på den tiden var under både sekulær og kirkelig beskyttelse.
Giovanni Gabrieli var en betydelig skikkelse i den tidlige barokkperioden, hvis posisjon var på siden av katolisismen, som motarbeidet protestantismens økende ideologiske, kulturelle og sosiale innflytelse. Verkene hans tilhører stilen til "høyrenessansen" (renessansens storhetstid). Noen av hans nyvinninger innen instrumentering (tildeling av spesifikke oppgaver til et bestemt instrument) indikerer imidlertid klart at han var en av komponistene som påvirket fremveksten av en ny stil.
Et av kravene kirken stilte til komposisjonen av hellig musikk var at tekstene i verk med vokal var leselige. Dette krevde en overgang fra polyfoni til musikalske teknikker, der ordene kom ut på forgrunnen. Vokalen ble mer kompleks, utsmykket sammenlignet med akkompagnementet. Slik utviklet homofonien seg.
Monteverde Claudio(1567-1643), italiensk komponist. Ingenting tiltrakk ham som eksponeringen av det indre, rolig til sinns en person i sine dramatiske kollisjoner og konflikter med omverdenen. Monteverdi er den sanne grunnleggeren av konfliktdramaturgien til den tragiske planen. Han er en sann sanger av menneskelige sjeler. Han strebet konstant etter musikkens naturlige uttrykksevne. "Menneskelig tale er harmoniens elskerinne, og ikke dens tjener."
"Orpheus" (1607) - Musikken til operaen er fokusert på å avsløre indre fred tragisk helt. Hans del er usedvanlig mangefasettert; ulike emosjonelle og uttrykksfulle strømninger og sjangerlinjer smelter sammen i den. Han roper entusiastisk til sine hjemlige skoger og kyster eller sørger over tapet av Eurydike i kunstløse folkesanger.

Musikk fra den modne barokken (1654-1707)

Perioden med sentralisering av den øverste makten i Europa kalles ofte absolutisme. Absolutismen nådde sitt høydepunkt under den franske kongen Ludvig XIV. For hele Europa var hoffet til Louis et forbilde. Inkludert musikken fremført ved hoffet. Den økte tilgjengeligheten av musikkinstrumenter (spesielt keyboards) ga drivkraft til utviklingen av kammermusikk.
Den modne barokken skiller seg fra den tidlige barokken i den nye stilens allestedsnærværende og i økt separasjon av musikalske former, spesielt i opera. Som i litteraturen førte fremveksten av strømmetrykk av musikkverk til en utvidelse av publikum; utvekslingen mellom musikkkulturens sentre intensiverte.
En fremragende representant for hoffkomponistene ved hoffet til Ludvig XIV var Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Allerede som 21-åring fikk han tittelen «hoffkomponist av instrumentalmusikk». kreativt arbeid Lully var sterkt knyttet til teatret helt fra begynnelsen. Etter organiseringen av hoffkammermusikk og komposisjonen av "airs de cour", begynte han å skrive ballettmusikk. Ludvig XIV selv danset i balletter, som da var favorittunderholdningen til hoffadelen. Lully var en utmerket danser. Han deltok tilfeldigvis i produksjoner og danset med kongen. Han er kjent for samarbeidet med Molière, hvis skuespill han skrev musikk til. Men hovedsaken i arbeidet til Lully var fortsatt å skrive operaer. Overraskende nok skapte Lully en komplett type fransk opera; den såkalte lyriske tragedien i Frankrike (fr. tragedie lyrique), og nådde utvilsomt kreativ modenhet i de aller første årene av sitt virke i operahus. Lully brukte ofte kontrasten mellom den majestetiske klangen i orkesterdelen og de enkle resitativene og ariene. musikalsk språk Lully er ikke veldig kompleks, men absolutt ny: klarheten av harmoni, rytmisk energi, klarheten i artikulasjonen av form, renheten i teksturen snakker om seier av prinsippene for homofonisk tenkning. I stor grad ble hans suksess også lettet av hans evne til å velge musikere til orkesteret, og hans arbeid med dem (han ledet selv prøver). Et integrert element i arbeidet hans var oppmerksomhet på harmoni og soloinstrumentet.
I England ble den modne barokken preget av det strålende geniet til Henry Purcell (1659-1695). Han døde ung, 36 år gammel, etter å ha skrevet et stort antall verk og blitt viden kjent i løpet av livet. Purcell var kjent med arbeidet til Corelli og andre italienske barokkkomponister. Imidlertid var lånetakerne og kundene hans av en annen type enn den italienske og franske sekulære og kirkelige adelen, så Purcells skrifter er veldig forskjellige fra den italienske skolen. Purcell jobbet i et bredt spekter av sjangere; fra enkle religiøse salmer til marsjmusikk, fra vokalkomposisjoner i storformat til iscenesatt musikk. Katalogen hans inneholder over 800 verk. Purcell ble en av de første komponistene av keyboardmusikk, hvis innflytelse strekker seg til i dag.
I motsetning til de ovennevnte komponistene, Dietrich Buxtehude (1637-1707) var ikke hoffkomponist. Buxtehude arbeidet som organist, først i Helsingborg (1657-1658), deretter i Helsingør (1660-1668), og deretter fra 1668 ved St. Mary i Lübeck. Han tjente ikke penger på å gi ut verkene sine, men ved å fremføre dem, og han foretrakk å komponere musikk fremfor kirketekster og fremføre egne orgelverk fremfor adelens beskyttelse. Dessverre er ikke alle verkene til denne komponisten bevart. Buxtehudes musikk er i stor grad bygget på skalaen av ideer, rikdom og fantasifrihet, en forkjærlighet for patos, drama og litt oratorisk intonasjon. Hans arbeid hadde sterk innflytelse på komponister som J. S. Bach og Telemann.

Senbarokkmusikk (1707–1760)

Den nøyaktige linjen mellom moden og senbarokk er et spørsmål om debatt; den ligger et sted mellom 1680 og 1720. Mye av kompleksiteten i definisjonen er det faktum at stiler i forskjellige land endret seg usynkronisert; innovasjoner som allerede er akseptert som regel på ett sted, var nye funn på et annet
Formene som ble oppdaget av forrige periode har nådd modenhet og stor variasjon; konserten, suiten, sonaten, concerto grosso, oratoriet, operaen og balletten hadde ikke lenger skarpt uttrykt nasjonale særtrekk. Generelt aksepterte ordninger med verker har blitt etablert overalt: en repeterende todelt form (AABB), en enkel tredelt form (ABC) og en rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Italiensk komponist, født i Venezia. I 1703 fikk han rang som katolsk prest. Det var til disse, som på den tiden fremdeles utviklet instrumentale sjangere (barokksonate og barokkkonsert), at Vivaldi ga sitt viktigste bidrag. Vivaldi komponerte over 500 konserter. Han ga også programmatiske titler til noen av verkene sine, for eksempel de berømte The Four Seasons.
Domenico Scarlatti (1685–1757) var en av de ledende keyboardkomponistene og utøverne i sin tid. Men kanskje den mest kjente hoffkomponisten var det Georg Friedrich Handel (1685-1759). Han ble født i Tyskland, studerte i Italia i tre år, men forlot London i 1711, hvor han begynte sin strålende og kommersielle karriere. suksessfull karriere en uavhengig operakomponist som utfører oppdrag for adelen. Med utrettelig energi, omarbeidet Handel materialet til andre komponister, og omarbeidet stadig sitt egne komposisjoner. Han er for eksempel kjent for å ha omarbeidet det berømte oratoriet «Messias» så mange ganger at det nå ikke finnes noen versjon som kan kalles «autentisk».
Etter hans død ble han anerkjent som en ledende europeisk komponist, og ble studert av musikere fra den klassiske epoken. Handel blandet i musikken sin de rike tradisjonene med improvisasjon og kontrapunkt. Kunsten til musikalske ornamenter nådde et meget høyt utviklingsnivå i verkene hans. Han reiste over hele Europa for å studere musikken til andre komponister, i forbindelse med dette hadde han en meget bred bekjentskapskrets blant komponister av andre stilarter.
Johann Sebastian Bach Født 21. mars 1685 i Eisenach, Tyskland. I løpet av sin levetid komponerte han over 1000 verk i forskjellige sjangre, bortsett fra opera. Men i løpet av sin levetid oppnådde han ingen betydelig suksess. Bach flyttet mange ganger og endret den ene ikke så høye stillingen etter den andre: i Weimar var han hoffmusiker ved Weimar-hertugen Johann Ernst, og ble deretter vaktmester for orgelet i kirken St. Bonifatius i Arnstadt, noen år senere aksepterte stillingen som organist i kirken St. Vlasia i Mühlhausen, hvor han jobbet i bare et år, hvoretter han returnerte til Weimar, hvor han tok plassen som hofforganist og arrangør av konserter. Han hadde denne stillingen i ni år. I 1717 ansatt Leopold, hertugen av Anhalt-Köthen, Bach som Kapellmeister, og Bach begynte å bo og arbeide i Köthen. I 1723 flyttet Bach til Leipzig, hvor han ble værende til sin død i 1750. I de siste årene av livet hans og etter Bachs død begynte hans berømmelse som komponist å avta: stilen hans ble ansett som gammeldags sammenlignet med den spirende klassisismen. Han var mer kjent og husket som en utøver, lærer og far til Bachs Jr., først og fremst Carl Philipp Emmanuel, hvis musikk var mer kjent.
Bare utførelsen av lidenskapen ifølge Matteus av Mendelssohn, 79 år etter J.S. Bachs død, gjenopplivet interessen for hans arbeid. Nå er J.S. Bach en av de mest populære komponistene
Klassisisme
Klassisisme - stil og retning i kunst XVII - tidlig XIXårhundrer
Dette ordet kommer fra det latinske classicus - eksemplarisk. Klassisismen var basert på troen på rasjonaliteten ved å være, på det faktum at menneskets natur er harmonisk. De så sitt ideal om klassikerne i antikkens kunst, som ble ansett som den høyeste formen for perfeksjon.
På det attende århundre begynner et nytt stadium i utviklingen av sosial bevissthet - opplysningstiden. Den gamle samfunnsordenen blir ødelagt; ideer om respekt for menneskeverd, frihet og lykke er av største betydning; individet oppnår selvstendighet og modenhet, bruker sinnet og kritisk tenking. Idealene fra barokktiden med sin pomp, storslåtthet og høytidelighet blir erstattet av en ny livsstil basert på naturlighet og enkelhet. Tiden kommer for de idealistiske synspunktene til Jean-Jacques Rousseau, som krever en retur til naturen, til naturlig dyd og frihet. Sammen med naturen er antikken idealisert, siden man trodde at det var under antikken at folk klarte å legemliggjøre alle menneskelige ambisjoner. Antikkens kunst kalles klassisk, den er anerkjent som eksemplarisk, den mest sannferdige, perfekte, harmoniske og, i motsetning til kunsten fra barokktiden, anses den som enkel og forståelig. I sentrum av oppmerksomheten, sammen med andre viktige aspekter, er utdanning, posisjonen til vanlige folk i den sosiale strukturen, geni som en egenskap til en person.

Fornuften råder også i kunsten. Den franske filosofen og pedagogen Denis Diderot ønsket å understreke kunstens høye formål, dens sosiale og samfunnsrolle: "Hvert verk med skulptur eller maleri skulle uttrykke en eller annen stor livsregel, bør undervise."

Teateret var på samme tid en lærebok om livet, og livet selv. I tillegg er handlingen i teatret høyst ordnet, målt; den er delt inn i handlinger og scener, som igjen er delt inn i separate replikaer av karakterer, og skaper et kunstideal som er så kjært til 1700-tallet, hvor alt er på sin plass og er underlagt logiske lover.
Klassisismens musikk er ekstremt teatralsk; den ser ut til å kopiere teatrets kunst og imitere den.
Inndelingen av en klassisk sonate og en symfoni i store seksjoner - deler, i hver av dem er det mange musikalske "begivenheter", er som å dele et skuespill inn i handlinger og scener.
I musikken i den klassiske tidsalder antydes ofte et plot, en bestemt handling som utspiller seg foran publikum på samme måte som den teatralske handlingen utspiller seg foran publikum.
Lytteren trenger bare å skru på fantasien og gjenkjenne karakterene til en klassisk komedie eller tragedie i "musikalsk klær".
Teaterkunsten er med på å forklare de store endringene i fremføringen av musikk som fant sted på 1700-tallet. Tidligere var hovedstedet der musikk hørtes, templet: i det var en person under, i et stort rom, hvor musikken så ut til å hjelpe ham med å se opp og vie tankene sine til Gud. Nå, på 1700-tallet, høres musikk i en aristokratisk salong, i ballsalen på en adelig eiendom eller på et torg i byen. Lytteren fra opplysningstiden ser ut til å behandle musikk «til deg» og opplever ikke lenger gleden og frykten som hun inspirerte ham da hun lød i templet.
Den kraftige, høytidelige klangen til orgelet er ikke lenger i musikken, korets rolle har blitt mindre. Musikk klassisk stil det høres lett ut, det har mye mindre lyder, som om det «veier mindre» enn fortidens tunge, lagdelte musikk. Lyden av orgel og kor ble erstattet av lyden av et symfoniorkester; sublime arier ga plass for lys, rytmisk og dansemusikk.
Takket være den grenseløse troen på menneskesinnets muligheter og kunnskapens kraft, begynte 1700-tallet å bli kalt fornuftens tidsalder eller opplysningstiden.
Klassisismens storhetstid kommer på 80-tallet av det attende århundre. I 1781 skapte J. Haydn flere nyskapende verk, inkludert hans strykekvartett op. 33; premieren på operaen av V.A. Mozarts "Bortføring fra Seraglio"; F. Schillers drama «Røvere» og «Kritikk rent sinn» I. Kant.

De lyseste representantene for den klassiske perioden er komponistene fra Wiens klassiske skole Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart og Ludwig van Beethoven. Kunsten deres gleder seg over perfeksjonen av komposisjonsteknikk, den humanistiske orienteringen av kreativitet og ønsket, spesielt merkbart i musikken til W. A. ​​Mozart, om å vise perfekt skjønnhet ved hjelp av musikk.

Selve konseptet med Wien klassisk skole oppsto kort tid etter L. Beethovens død. Klassisk kunst kjennetegnes ved en hårfin balanse mellom følelser og fornuft, form og innhold. Musikken fra renessansen reflekterte ånden og pusten fra dens tidsalder; i barokktiden ble menneskelige tilstander gjenstand for refleksjon i musikken; musikken fra klassisismens epoke synger om handlingene og gjerningene til en person, følelsene og følelsene han opplever, det oppmerksomme og helhetlige menneskesinnet.

Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Tysk komponist, ofte ansett som tidenes største komponist.
Arbeidene hans tilskrives både klassisisme og romantikk.
I motsetning til forgjengeren Mozart komponerte Beethoven med vanskeligheter. Beethovens notatbøker viser hvordan det gradvis, trinn for trinn, oppstår en grandiose komposisjon fra usikre skisser, preget av overbevisende konstruksjonslogikk og sjelden skjønnhet. Det er logikken hovedkilde Beethovens storhet, hans uforlignelige evne til å organisere kontrasterende elementer til en monolitisk helhet. Beethoven sletter tradisjonelle cesurer mellom seksjoner av formen, unngår symmetri, slår sammen deler av syklusen, utvikler utvidede konstruksjoner fra tematiske og rytmiske motiver, som ved første øyekast ikke inneholder noe interessant. Med andre ord, Beethoven skaper musikalsk rom ved kraften i sitt sinn, av sin egen vilje. Han forutså og skapte de kunstneriske trendene som ble avgjørende for musikkkunsten på 1800-tallet.

Romantikk.
dekker betinget 1800-1910
Romantiske komponister prøvde å uttrykke dybden og rikdommen i en persons indre verden ved hjelp av musikalske midler. Musikken blir mer preget, individuell. Sangsjangre er i utvikling, inkludert balladen.
De viktigste representantene for romantikk i musikk er: inØsterrike - Franz Schubert ; i Tyskland - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner , Felix Mendelssohn, Robert Schumann , Ludwig Spohr ; V
etc.................

Den profesjonelle musikalske kulturen i middelalderen i Europa er først og fremst knyttet til kirken, det vil si med området kultmusikk. Full av religiøsitet er kunsten kanonisk og dogmatisk, men likevel har den ikke frosset, den er snudd fra verdslig oppstyr til den løsrevne verden av å tjene Herren. Men sammen med slik "høyere" musikk var det også folklore, og arbeidet til omreisende musikere, samt en edel ridderkultur.

Åndelig musikalsk kultur fra tidlig middelalder

I tiden tidlig middelalder profesjonell musikk lød bare i katedralene og sangskolene som var knyttet til dem. Sentrum for middelalderens musikalske kultur i Vest-Europa var hovedstaden i Italia – Roma – selve byen der «de øverste kirkemyndigheter» holdt til.

I årene 590-604 gjennomførte pave Gregor I en reform av kultsangen. Han bestilte og samlet forskjellige sang i samlingen "Gregorian Antiphonary". Takket være Gregory I, dannes en retning kalt gregoriansk sang i vesteuropeisk hellig musikk.

kor- dette er som regel en monofonisk sang, som gjenspeiler de hundre år gamle tradisjonene til europeiske og Midtøsten-folk. Det var denne glatte monofoniske melodien som var ment å veilede sognebarnene til å forstå grunnlaget for katolisismen og akseptere et enkelt testamente. I utgangspunktet ble koralen fremført av koret, og bare noen deler av solister.

Grunnlaget for den gregorianske sangen var en gradvis bevegelse langs lydene av diatoniske moduser, men noen ganger i samme sang var det også langsomme, alvorlige salmodier og melismatisk sang av individuelle stavelser.

Fremføringen av slike melodier ble ikke klarert for hvem som helst, da det krevde profesjonelle vokale ferdigheter fra sangerne. Akkurat som musikk, fremkaller teksten til salmene på det latinske språket, som er uforståelig for mange menighetsmedlemmer, ydmykhet, løsrivelse fra virkeligheten og kontemplasjon. Ofte var også den rytmiske utformingen av musikken avhengig av å følge teksten. Gregoriansk sang kan ikke tas som ideell musikk, det er snarere en sang av en bønntekst.

Masse – hovedsjanger komponistmusikk fra middelalderen

katolsk messe er kirkens hovedliturgi. Hun kombinerte slike typer gregoriansk sang som:

• antifonal (når to kor synger etter tur);
• responsorial (vekselvis syngende solister og kor).

Samfunnet deltok bare i å synge felles bønner.
Senere, i XII århundre. salmer (salmer), sekvenser og troper dukket opp i messen. De var tilleggstekster som hadde et rim (i motsetning til hovedkoralen) og en spesiell melodi. Disse religiøse rimtekstene ble mye bedre husket av sognebarn. De sang sammen med munkene og varierte melodien, og elementer av folk begynte å sive inn i hellig musikk og fungerte som en anledning til forfatterskap (Notker Zaika og Tokelon-munken - klosteret St. Golene). Senere erstattet disse melodiene generelt de psalmodiske delene og beriket lyden av den gregorianske sangen betydelig.

De første prøvene av polyfoni kommer fra klostre, for eksempel organum - bevegelse i parallelle terts eller kvinter, gimel, foburdon - bevegelse i sjette akkorder, oppførsel. Representanter for slik musikk er komponistene Leonin og Perotin (katedralen Notre Dame i Paris- XII-XIII århundrer).

Sekulær musikkkultur i middelalderen

Den sekulære siden av middelalderens musikalske kultur ble representert av: i Frankrike - sjonglører, mimere, minstreler , i Tyskland - shpilmans, i Spania - hoglars, i Russland' - bøffer. Alle av dem var omreisende artister og kombinerte i sitt arbeid med å spille instrumenter, synge, danse, magi, dukketeater, sirkuskunst.

En annen komponent i sekulær musikk var ridderlig, den såkalte høvisk kultur . En spesiell ridderkode ble dannet, som sa at hver av ridderne ikke bare måtte ha mot og tapperhet, men også raffinerte oppførsel, utdanning og være viet til den vakre dame. Alle disse aspektene av livet til riddere gjenspeiles i verket trubadurer(Sør-Frankrike - Provence), Trouvers(nord-Frankrike), minnesangere(Tyskland).

Arbeidene deres presenteres hovedsakelig i kjærlighetstekster, den vanligste sjangeren var canzona (albs - "Morning Songs" blant minnesangere). Ved å bruke trubadurenes erfaringer bredt, skapte truvørene sine egne sjangere: «Mai-sanger», «vevesanger».

Det viktigste området for musikalske sjangere for representanter for den høviske kulturen var sang- og dansesjangre, som rondo, virele, ballade, heroisk epos. Instrumentenes rolle var svært ubetydelig, den ble redusert til å ramme inn vokalmelodiene med en introduksjon, mellomspill, postludium.

Moden middelalder XI-XIII århundrer.

Et karakteristisk trekk ved den modne middelalderen er utviklingen borgerkultur . Fokuset var anti-kirkelig, fritenking, forbindelse med tegneserier og karnevalsfolklore. Nye sjangre av polyfoni dukker opp: motett, som er preget av melodisk ulikhet mellom stemmer, dessuten synger de samtidig i en motett forskjellige tekster og til og med på forskjellige språk; madrigal - sang morsmål(italiensk), caccia er et vokalstykke med tekster som beskriver en jakt.

Fra 1100-tallet til folkekunst vagantene og goliardene sluttet seg til, som i motsetning til resten var lesekyndige. Universitetene ble bærere av middelalderens musikalske kultur. Siden middelalderens modale system ble utviklet av representanter for hellig musikk, begynte de å bli kalt kirkemodus (ionisk modus, eolisk modus).

Læren om heksakorder ble også fremmet - bare 6 trinn ble brukt i bånd. Munken Guido Aretinsky laget et mer perfekt system for å registrere notater, som besto i nærvær av 4 linjer, mellom hvilke det var et tertiansk forhold og nøkkeltegn eller linjefarging. Han introduserte også stavelsesnavnet på trinnene, det vil si at høyden på trinnene begynte å bli indikert med bokstaver.

Ars Nova XIII-XV århundrer

Overgangsperioden mellom middelalderen og renessansen var XIV århundre. Denne perioden i Frankrike og Italia ble kalt Ars Nova, det vil si «ny kunst». Tiden er inne for nye eksperimenter innen kunst. Komponister begynte å komponere verk, hvis rytme ble mye mer komplisert enn de forrige (Philippe de Vitry).

Også i motsetning til hellig musikk, ble halvtoner introdusert her, som et resultat av at tilfeldige stigninger og fall av toner begynte å forekomme, men dette er ennå ikke modulasjon. Som et resultat av slike eksperimenter ble det oppnådd arbeider som var interessante, men langt fra alltid vellydende. Solage var den tidens flinkeste eksperimenter-musiker. musikalsk kultur Middelalderen er mer utviklet i forhold til kulturen eldgamle verden, til tross for begrensninger i midler og inneholder forutsetningene for blomstringen av musikk i renessansen.

middelaldermusikere. Manuskript fra 1200-tallets musikk fra middelalderen Perioden med utvikling av musikalsk kultur, som dekker en periode fra ca. 500- til 1300-tallet e.Kr. ... Wikipedia

Inkluderer en rekke levende og historiske sjangre av folkemusikk, populærmusikk, pop og klassisk musikk. indisk klassisk musikk, representert ved tradisjonene til Karnataka og Hindustani, går tilbake til Sama Veda og beskrives som kompleks og mangfoldig ... Wikipedia

En gruppe musikere i Montmartre Fransk musikk er en av de mest interessante og innflytelsesrike europeiske musikkkulturene, som henter sin opprinnelse fra ... Wikipedia

Innhold 1 Folkemusikk 2 Klassisk musikk, opera og ballett 3 Populærmusikk ... Wikipedia

Denne artikkelen handler om den musikalske stilen. For en gruppe filosofiske synspunkter, se artikkelen New Age Se også kategorien: New Age Music New Age (new age) Retning: Elektronisk musikk Opprinnelse: jazz, etnisk, minimalisme, klassisk musikk, konkret musikk ... Wikipedia

I Music (fra gresk musike, bokstavelig talt musenes kunst) er en type kunst som reflekterer virkeligheten og påvirker en person gjennom meningsfulle og spesielt organiserte lydsekvenser, hovedsakelig bestående av toner ... ... Stor sovjetisk leksikon

- (gresk moysikn, fra mousa muse) en type dress som reflekterer virkeligheten og påvirker en person gjennom lydsekvenser som er meningsfulle og spesielt organisert i høyde og tid, hovedsakelig bestående av toner ... ... Musikkleksikon

En serie artikler om kroater ... Wikipedia

Belgisk musikk henter sin opprinnelse fra musikalske tradisjoner flamingene, som bebodde nord i landet, og tradisjonene til vallonene, som bodde i sør og var påvirket av franske tradisjoner. Dannelsen av belgisk musikk fortsatte i komplekse historiske ... ... Wikipedia

Bøker

• Illustrert kunsthistorie. Arkitektur, skulptur, maleri, musikk, Lyubke V. Lifetime-utgave. St. Petersburg, 1884. Utgave av A. S. Suvorin. Utgave med 134 tegninger. Eierbind med skinnrygg og hjørner. Bandasje ryggraden. Sikkerheten er god.…
• Illustrert kunsthistorie. Arkitektur, skulptur, maleri, musikk (for skoler, selvstudium og informasjon), Lübke. Life-utgave. St. Petersburg, 1884. Utgave av A. S. Suvorin. Bok med 134 tegninger. Typografisk omslag. Sikkerheten er god. Små rifter på omslaget. Rikt illustrert…

I forholdene i tidlig middelalder er hele musikkkulturen redusert til to hovedbegreper. På en av polene står profesjonell liturgisk musikk legalisert av kirken, som i prinsippet er lik for alle folkeslag som har adoptert kristendommen (språkets enhet er latin, sangens enhet er den gregorianske sang). På den andre siden - folkemusikk forfulgt av kirken på forskjellige lokale språk, knyttet til folkelivet, med aktiviteter til vandrende musikere.

Til tross for den absolutte ulikheten mellom kreftene (når det gjelder støtte fra staten, materielle forhold osv.), utviklet folkemusikken seg intensivt og penetrerte til og med delvis kirken i form av ulike innlegg i den kanoniserte gregorianske sang. Blant dem for eksempel troper og sekvenser laget av begavede musikere.

stier - dette er tekst og musikalske tillegg satt inn i midten av koralen. En slags sti er en sekvens. Middelaldersekvenser Dette er undertekster til komplekse vokaliseringer. En av årsakene til at de oppsto, var de betydelige vanskelighetene med å huske lange melodier sunget med én vokal. Over tid begynte sekvensene å være basert på melodiene til folkelageret.

En munk er navngitt blant forfatterne av de første sekvensene.Notker kallenavnet Zaika fra klosteret St. Gallen (i Sveits, nær Bodensjøen). Notker (840-912) varkomponist, poet, musikkteoretiker, historiker, teolog. Han underviste på klosterskolen og var, til tross for stammen, kjent som en utmerket lærer. For sine sekvenser brukte Notker delvis kjente låter, delvis komponert av ham selv.

Ved dekret fra konsilet i Trent (1545-63) ble nesten alle sekvenser utvist fra gudstjenesten, med unntak av fire. Blant dem var den mest kjente sekvensenDør irae ("Vredens dag"), forteller om dommens dag . Senere ble den femte sekvensen tatt opp i katolsk kirkebruk,Stabat mater ("Det var en sørgende mor").

Den verdslige kunstens ånd ble brakt inn i kirkelivet ogsalmer - åndelige sang, lukk folkesanger til den poetiske teksten.

Fra slutten XIårhundre i musikkliv Vest-Europa inkluderer nye typer kreativitet og musikkskaping knyttet til ridderkulturen. Singers-knights markerte i hovedsak begynnelsen på sekulær musikk. Kunsten deres var i kontakt med den folkelige hverdagsmusikalske tradisjonen (bruken av folkesangintonasjoner, praksisen med samarbeid med folkemusikere). I en rekke tilfeller valgte trubadurene trolig vanlige folkemelodier til sine tekster.

Den største prestasjonen til middelalderens musikalske kultur var fødselen til en profesjonell europeerpolyfoni . Begynnelsen refererer tilIXårhundre, da den unisone fremføringen av gregoriansk sang noen ganger ble erstattet av en tostemmig. Den tidligste typen tostemme var parallellorganum , der den gregorianske sangen ble dubbet til en oktav, quart eller kvint. Så dukket det opp et ikke-parallelt organum med indirekte (når bare én stemme beveget seg) og motsatt bevegelse. Gradvis ble stemmen som fulgte med den gregorianske sangen mer og mer uavhengig. Denne stilen med dobbeltstemme kallesdiskant (i oversettelse - "pe-nie apart").

For første gang begynte slike organum å bli skrevetLeonin , den første kjente komponist-polyfonisten (XIIårhundre). Han tjente som regent i den berømte katedralen Notre Dame, hvor en stor polyfonisk skole utviklet seg.

Leonins arbeid var assosiert medars antikva (ars antiqua, som betyr " gammel kunst"). Dette navnet ble gitt til kultpolyfonienXII- XIIIårhundrers musikere tidlig renessanse, som motsatte seg detars nova ("ny kunst").

Først XIIIårhundrer fortsatte Leonins tradisjonPerotin , ifølge kallenavnet Great. Han komponerte ikke lenger to-stemmer, men 3 x og 4 x - vokale organer. Perotins øvre stemmer danner noen ganger en kontrasterende to-stemme, noen ganger bruker han dyktig imitasjon.

På tidspunktet for Perotin dannet og ny type polyfoni -dirigent , hvis grunnlag ikke lenger var gregoriansk sang, men en populær hverdagsmelodi eller fritt komponert melodi.

En enda dristigere polyfonisk form varmotett - en kombinasjon av melodier med ulike rytmer og ulike tekster, ofte også på ulike språk. Motetten var den første musikalsk sjanger, like vanlig i kirken og i rettslivet.

Utviklingen av polyfoni, avviket fra den samtidige uttalen av hver stavelse i teksten i alle stemmer (i motetter), krevde forbedring av notasjon, den nøyaktige betegnelsen på varighetene. Visesmensural notasjon (fra latin mensura - mål; bokstavelig talt - målt notasjon), som gjorde det mulig å fikse både høyden og den relative varigheten av lyder.

Parallelt med utviklingen av polyfoni var det en dannelsesprosessmasser - et polyfonisk syklisk verk om teksten til den katolske kirkens viktigste gudstjeneste. Messeritualet tok form over mange århundrer. Den fikk sin endelige form bare tilXIve-ku. Hvor helhetlig musikalsk komposisjon Messen tok form enda senere, iXIVårhundre, og ble den ledende musikalske sjangeren i renessansen.

Middelalderen er en stor æra av menneskets historie, tiden for dominansen av det føydale systemet.

Periodisering av kultur:

Tidlig middelalder - 5. - 10. århundre

Moden middelalder - XI - XIV århundrer.

I 395 delte Romerriket seg i to deler: vestlige og østlige. I den vestlige delen på ruinene av Roma på 500-900-tallet var det barbariske stater: østgoter, vestgoter, frankere osv. På 900-tallet, som følge av sammenbruddet av keiserriket Karl den Store, ble det dannet tre stater her. : Frankrike, Tyskland, Italia. Hovedstaden i den østlige delen var Konstantinopel, grunnlagt av keiser Konstantin på stedet for den greske kolonien Byzantium - derav navnet på staten.

§ 1. Vesteuropeisk middelalder

Middelalderens materielle grunnlag var føydale forhold. Middelalderkulturen dannes i forholdene landlig eiendom. Lengre sosialt grunnlag kultur blir bymiljø - borgere. Med dannelsen av stater dannes hovedgodsene: presteskapet, adelen, folket.

Middelalderens kunst er nært knyttet til kirke . kristen trosbekjennelse- grunnlaget for filosofi, etikk, estetikk, hele det åndelige livet på denne tiden. Fylt med religiøs symbolikk streber kunsten fra det jordiske, forbigående til det åndelige, evige.

Sammen med offisiell kirke kultur (høy) eksisterte sekulære kultur (grasrot) - folklore(lavere sosiale klasser) og ridderlig(høflig).

Hovedfokus profesjonell musikk fra tidlig middelalder - katedraler, sangskoler knyttet til dem, klostre - de eneste utdanningssentrene på den tiden. De studerte gresk og latin, regning og musikk.

Hovedsenteret for kirkemusikk i Vest-Europa Roma var i middelalderen. På slutten av VI - begynnelsen av VII århundre. hovedvarianten av vesteuropeisk kirkemusikk blir dannet - gregoriansk sang , oppkalt etter pave Gregor I, som gjennomførte reformen av kirkesangen, ved å samle og effektivisere forskjellige kirkesalmer. gregoriansk sang - monofonisk Katolsk sang, der de flere hundre år gamle sangtradisjonene til forskjellige Midtøsten og europeiske folk (syrere, jøder, grekere, romere, etc.) har smeltet sammen. Det var den jevne monofoniske utfoldelsen av en enkelt melodi som var ment å personifisere en enkelt vilje, fokus for oppmerksomheten til sognebarn i samsvar med katolisismens prinsipper. Musikkens natur er streng, upersonlig. Koralen ble fremført av koret (derav navnet), noen seksjoner av solisten. Trinnvis bevegelse basert på diatoniske moduser råder. Gregoriansk sang tillot mange graderinger, alt fra svært sakte korpsalmodi og slutt jubileer(melismatisk sang av en stavelse), som krever virtuose vokalferdigheter for deres fremføring.

Gregoriansk sang fremmedgjør lytteren fra virkeligheten, forårsaker ydmykhet, fører til kontemplasjon, mystisk løsrivelse. Teksten på latin, uforståelig masse sognebarn. Sangrytmen ble bestemt av teksten. Det er vagt, ubestemt, på grunn av arten av aksentene i resitasjonen av teksten.

De forskjellige typene gregoriansk sang ble samlet i hovedgudstjenesten til den katolske kirke - masse, der fem stabile deler ble etablert:

Kyrie eleison(Herre vis nåde)

Gloria(herlighet)

Credo(tro)

Sanctus(hellig)

Guds lam(Guds lam).

Ettersom tiden går, begynner elementer å sive inn i gregoriansk sang. folkemusikk gjennom salmer, sekvenser og troper. Hvis salmen ble fremført av et profesjonelt kor av sangere og prester, ble salmene først fremført av sognebarn. De var innskudd i offisiell tilbedelse (de hadde trekk av folkemusikk). Men snart begynte salmedelene av messen å erstatte de psalmodiske, noe som førte til opptredenen polyfonisk masse.

De første sekvensene var en undertekst til melodien til jubileet slik at en lyd av melodien skulle ha en egen stavelse. Sekvensen blir en vanlig sjanger (den mest populære « Veni, sancte spiritus» , « dør irae», « Stabat mater» ). "Dies irae" ble brukt av Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov (veldig ofte som et symbol på døden).

De første prøvene av polyfoni kommer fra klostre - organum(bevegelse i parallelle kvinter eller fjerdedeler), gimel, foburdon(parallelle sjette akkorder), dirigent. Komponister: Leonin og Perotin (12-13 århundrer - Notre Dame-katedralen).

transportører sekulære folk musikk i middelalderen mimere, gjøglere, minstreler i Frankrike, shpilmans- i land tysk kultur, hoglars - i Spania, bøffer - i russland. Disse omreisende artistene var universelle mestere: de kombinerte sang, dans, spilte ulike verktøy med magi, sirkuskunst, dukketeater.

den andre siden sekulær kultur var ridderlig (høvisk) kultur (kultur av sekulære føydalherrer). Nesten alle adelige mennesker var riddere - fra fattige krigere til konger. En spesiell ridderkode blir dannet, ifølge hvilken en ridder, sammen med mot og tapperhet, måtte ha raffinerte manerer, være utdannet, sjenerøs, storsinnet, trofast tjene den vakre dame. Alle sider ved ridderlivet gjenspeiles i den musikalske og poetiske kunsten trubadurer(Provence - Sør-Frankrike) , truvers(nord-Frankrike), minnesangere(Tyskland). Trubadurkunsten forbindes hovedsakelig med kjærlighetstekster. Den mest populære sjangeren av kjærlighetstekster var kansone(blant minnesangerne - "Morgensanger" - albs).

Trouvers, som i stor grad brukte trubadurens erfaring, skapte sine egne originale sjangere: veve sanger», « mai sanger". Et viktig område av musikalske sjangere av trubadurer, truvers og minnesangere var sang- og dansesjangre: rondo, ballade, virele(refrengformer), samt heroisk epos(Fransk epos "Song of Roland", tysk - "Song of the Nibelungs"). Minnesinger var vanlige korsfarer-sanger.

Karakteristiske trekk ved kunsten til trubadurer, truvers og minnesangere:

monofoni- er en konsekvens av den uatskillelige forbindelsen mellom melodien og den poetiske teksten, som følger av selve essensen av musikalsk og poetisk kunst. Monofonien tilsvarte også holdningen til det individualiserte uttrykket av egne erfaringer, til en personlig vurdering av innholdet i utsagnet (ofte ble uttrykket for personlige erfaringer rammet inn av naturbilder).

Hovedsakelig vokal ytelse. Instrumentenes rolle var ikke signifikant: den ble redusert til fremføringen av introduksjoner, mellomspill og postludier som rammer inn vokalmelodien.

Det er fortsatt umulig å snakke om ridderkunst som profesjonell, men for første gang under forhold sekulære musikkskaping ble en kraftfull musikalsk og poetisk retning skapt med et utviklet kompleks av uttrykksfulle virkemidler og relativt perfekt musikalsk skrift.

En av de viktige prestasjonene moden middelalder fra X-XI århundrer, var Urban utvikling(borgerkultur) . Hovedtrekkene i urban kultur var anti-kirkelig, frihetselskende orientering, forbindelse med folklore, dens komiske og karnevalskarakter. Den gotiske arkitektoniske stilen utvikler seg. Nye polyfone sjangre blir dannet: fra 1200-1400 til 1500-tallet. - motett(fra fransk - "ord". For en motett er en melodisk ulikhet mellom stemmer typisk, som toner forskjellige tekster samtidig - ofte til og med på forskjellige språk), madrigal(fra italiensk - "sang på morsmålet", dvs. italiensk. Tekster er kjærlighetslyriske, pastorale), caccha(fra italiensk - "jakt" - et vokalstykke basert på en tekst som skildrer jakt).

Folkevandrende musikere beveger seg fra en nomadisk livsstil til en stillesittende livsstil, som befolker hele byblokker og danner en slags «musikerverksteder». Fra XII-tallet ble folkemusikere med vaganter og goliarder- deklassifiserte mennesker fra forskjellige klasser (skoleelever, løpske munker, vandrende geistlige). I motsetning til analfabeter gjøglere - typiske representanter for kunsten å muntlig tradisjon - var vaganter og goliarder litterære: de kjente det latinske språket og reglene for klassisk versifisering, komponert musikk - sanger (bildeutvalget er assosiert med skolevitenskap og studentliv) og til og med komplekse komposisjoner som dirigeringer og motetter.

Et betydelig sentrum for musikalsk kultur har blitt universiteter. Musikk, mer presist - musikalsk akustikk - sammen med astronomi, matematikk, fysikk var en del av kvadriumet, d.v.s. en syklus med fire disipliner studert ved universiteter.

Således var det i middelalderbyen sentre for musikalsk kultur, forskjellige i karakter og sosial orientering: foreninger av folkemusikere, hoffmusikk, musikk fra klostre og katedraler, universitetsmusikalsk praksis.

Musikalsk teori fra middelalderen var nært knyttet til teologi. I de få musikkteoretiske avhandlingene som har kommet ned til oss, ble musikken ansett som en «kirkens tjener». Blant de fremtredende avhandlingene fra tidlig middelalder utmerker seg 6 bøker «Om musikk» av Augustine, 5 bøker av Boethius «Om musikkens etablering» etc. En stor plass i disse avhandlingene ble gitt til abstrakte skolastiske problemstillinger, bl.a. læren om musikkens kosmiske rolle osv.

Det middelalderske modale systemet ble utviklet av representanter for kirkens fagperson musikalsk kunst- derfor ble navnet "kirkelige moduser" tildelt middelalderbåndene. Jonisk og eolisk ble etablert som hovedmodusene.

Den musikalske teorien fra middelalderen fremmet læren om heksakorder. I hver fret ble det brukt 6 trinn i praksis (for eksempel: do, re, mi, fa, salt, la). Xi ble da unngått, fordi. dannet sammen med F en overgang til en forstørret kvart, som ble ansett som svært dissonant og i overført betydning ble kalt «djevelen i musikk».

Ikke-obligatorisk notasjon ble mye brukt. Guido Aretinsky forbedret systemet med musikalsk notasjon. Essensen av reformen hans var som følger: tilstedeværelsen av fire linjer, et tertiært forhold mellom individuelle linjer, et nøkkeltegn (opprinnelig bokstavelig) eller fargelegging av linjer. Han introduserte også stavelsesnotasjon for de første seks trinnene i modusen: ut, re, mi, fa, salt, la.

Introdusert mensural notasjon, hvor en viss rytmisk takt ble tildelt hver tone (latin mensura - takt, måling). Navn på varighet: maxim, longa, brevis, etc.

XIVårhundre - overgangsperioden mellom middelalderen og renessansen. Kunsten til Frankrike og Italia på 1400-tallet ble kalt " Ars nova"(fra latin - ny kunst), og i Italia hadde den alle egenskapene til den tidlige renessansen. Hovedtrekk: nektet å bruke utelukkende kirkemusikksjangre og vending til sekulære vokal- og instrumentalkammersjangre (ballade, kachcha, madrigal), tilnærming til hverdagssang, bruk av ulike musikkinstrumenter. Ars nova er det motsatte av den såkalte. ars antiqua (lat. ars antiqua - gammel kunst), som antyder musikkkunsten før begynnelsen av XIV århundre. De største representantene ars nova var Guillaume de Macho (1300-tallet, Frankrike) og Francesco Landino (1300-tallet, Italia).

Dermed representerer middelalderens musikkkultur, til tross for de relativt begrensede midlene, et høyere nivå sammenlignet med musikken i den antikke verden og inneholder forutsetningene for blomstringen av musikkkunsten i renessansen.