O significado de Ostrovsky na literatura russa. A importância da criatividade de Ostrovsky para o desenvolvimento ideológico e estético da literatura

Qual é o mérito de A.N. Ostrovsky? Por que, segundo IA Goncharov, só depois de Ostrovsky poderíamos dizer que temos nosso próprio teatro nacional russo? (Consulte a epígrafe da lição)

Sim, houve “O Menor”, ​​​​“Ai do Espírito”, “O Inspetor Geral”, houve peças de Turgenev, A. K. Tolstoi, Sukhovo-Kobylin, mas não foram suficientes! A maior parte do repertório dos teatros consistia em vaudevilles vazios e melodramas traduzidos. Com o advento de Alexander Nikolaevich Ostrovsky, que dedicou todo o seu talento exclusivamente ao drama, o repertório dos teatros mudou qualitativamente. Só ele escreveu tantas peças quanto todos os clássicos russos juntos: cerca de cinquenta! A cada temporada, durante mais de trinta anos, os cinemas receberam nova peça, ou até dois! Agora havia algo para brincar!

Surgiu nova escola atuação, surgiu uma nova estética teatral, surgiu o Teatro Ostrovsky, que se tornou propriedade de toda a cultura russa!

O que determinou a atenção de Ostrovsky ao teatro? O próprio dramaturgo respondeu a esta pergunta da seguinte forma: “A poesia dramática está mais próxima do povo do que todos os outros ramos da literatura. Todas as outras obras são escritas para pessoas instruídas, mas dramas e comédias são escritos para todo o povo...” Escrever para o povo, despertar sua consciência, moldar seu gosto é uma tarefa de responsabilidade. E Ostrovsky a levou a sério. Se não houver um teatro exemplar, o público comum pode confundir operetas e melodramas, que irritam a curiosidade e a sensibilidade, com arte verdadeira.”

Assim, observemos os principais serviços de A.N Ostrovsky ao teatro russo.

1) Ostrovsky criou o repertório teatral. Escreveu 47 peças originais e 7 peças em colaboração com jovens autores. Vinte peças foram traduzidas por Ostrovsky do italiano, inglês e francês.

2) Não menos importante é a diversidade de gêneros de sua dramaturgia: são “cenas e imagens” da vida de Moscou, crônicas dramáticas, dramas, comédias, o conto de fadas da primavera “A Donzela da Neve”.

3) Em suas peças, o dramaturgo retratou diversas classes, personagens, profissões, criou 547 personagens, do rei ao criado da taberna, com seus personagens, hábitos e fala únicos inerentes.

4) As peças de Ostrovsky cobrem uma enorme período histórico: do século XVII ao século XΙX.

5) As peças acontecem em propriedades dos proprietários de terras, em pousadas e nas margens do Volga. Nas avenidas e nas ruas das cidades do condado.

6) Os heróis de Ostrovsky - e isso é o principal - são personagens vivos com características próprias, modos, com destino próprio, com uma linguagem viva única deste herói.

Um século e meio se passou desde que a primeira apresentação foi encenada (janeiro de 1853; “Don’t Get in Your Own Sleigh”), e o nome do dramaturgo permanece em cartazes de teatro; as apresentações são realizadas em muitos palcos ao redor do mundo.

O interesse por Ostrovsky é especialmente agudo em tempos difíceis, quando uma pessoa busca respostas para as questões mais importantes da vida: o que está acontecendo conosco? Por que? como somos? Talvez seja precisamente nesses momentos que faltam emoções, paixões e uma sensação de plenitude de vida. E ainda precisamos do que Ostrovsky escreveu: “E um suspiro profundo para todo o teatro, e lágrimas quentes e sinceras, discursos quentes que derramariam direto na alma”.

Qual é o significado da obra de A. N. Ostrovsky no drama mundial.

1. A importância de A. N. Ostrovsky para o desenvolvimento do drama e do palco russo, seu papel nas conquistas de toda a cultura russa são inegáveis ​​​​e enormes. Ele fez pela Rússia tanto quanto Shakespeare fez pela Inglaterra ou Molière pela França.
   Ostrovsky escreveu 47 peças originais (sem contar as segundas edições de Kozma Minin e Voevoda e sete peças em colaboração com S. A. Gedeonov (Vasilisa Melentyeva), N. Ya. Solovyov (Feliz Dia, O Casamento de Belugin, Selvagem, Brilha, mas Não 't Warm) e P. M. Nevezhin (Blazh, Old in a new way)... Nas palavras do próprio Ostrovsky, este é um teatro folclórico completo.
   Mas a dramaturgia de Ostrovsky é pura Fenômeno russo, embora seu trabalho,
   certamente influenciou o drama e o teatro dos povos irmãos,
   incluído na URSS. Suas peças foram traduzidas e encenadas
   cenas da Ucrânia, Bielorrússia, Arménia, Geórgia, etc.

   As peças de Ostrovsky conquistaram fãs no exterior. Suas peças são encenadas
   em teatros de antigas democracias populares, especialmente em palcos
   Estados eslavos(Bulgária, Checoslováquia).
   Após a Segunda Guerra Mundial, as peças do dramaturgo atraíram cada vez mais a atenção de editoras e teatros dos países capitalistas.
   Aqui eles estavam interessados ​​​​principalmente nas peças A Tempestade, Há Simplicidade Suficiente para Todo Homem Sábio, A Floresta, A Donzela da Neve, Lobos e Ovelhas, O Dote.
   Mas tanta popularidade e reconhecimento como Shakespeare ou Molière, russo
   o dramaturgo não ganhou nenhum elogio na cultura mundial.

2. Tudo o que o grande dramaturgo descreveu não foi erradicado até hoje.

Todos vida criativa UM. Ostrovsky estava intimamente ligado ao teatro russo e seu serviço ao palco russo é verdadeiramente imensurável. Ele tinha todos os motivos para dizer no final de sua vida: "... o teatro russo tem apenas um eu. Eu sou tudo: a academia, o filantropo e a defesa. Além disso, ... tornei-me o chefe Artes performáticas".

Ostrovsky participou ativamente na produção de suas peças, trabalhou com atores, foi amigo de muitos deles e se correspondeu. Ele se esforçou muito para defender a moral dos atores, buscando a criação de uma escola de teatro e de seu próprio repertório na Rússia.

Em 1865, Ostrovsky organizou um Círculo Artístico em Moscou, cujo objetivo era proteger os interesses dos artistas, especialmente os provinciais, e promover a sua educação. Em 1874 ele criou a Sociedade de Escritores Dramáticos e Compositores de Ópera. Ele escreveu memorandos ao governo sobre o desenvolvimento das artes cênicas (1881), dirigiu o Teatro Maly em Moscou e o Teatro Alexandria em São Petersburgo, serviu como chefe do departamento de repertório dos teatros de Moscou (1886) e foi o chefe do a escola de teatro (1886). Ele “construiu” todo um “edifício de teatro russo” composto por 47 peças originais. "Você trouxe uma biblioteca inteira de obras de arte como um presente para a literatura", escreveu I. A. Goncharov a Ostrovsky, "você criou seu próprio mundo especial para o palco. Só você completou o edifício, cuja fundação foi lançada por Fonvizin, Griboyedov , Gogol. Mas só depois de você Nós, russos, podemos dizer com orgulho: temos nosso próprio teatro nacional russo."

A obra de Ostrovsky constituiu uma época inteira na história do teatro russo. Durante sua vida, quase todas as suas peças foram encenadas no palco do Teatro Maly, onde foram criadas várias gerações de artistas, que se tornaram mestres notáveis ​​​​do palco russo. As peças de Ostrovsky desempenharam um papel tão significativo na história do Teatro Maly que é orgulhosamente chamado de Casa Ostrovsky.

Ostrovsky geralmente encenava ele mesmo suas peças. Ele conhecia bem a vida interior, nos bastidores do teatro, escondida dos olhos do público. Conhecimento do dramaturgo vida de ator claramente manifestado nas peças “A Floresta” (1871), “Comediante do Século XVII” (1873), “Talentos e Admiradores” (1881), “Culpado Sem Culpa” (1883).

Nessas obras vemos tipos vivos de atores provinciais com diversos papéis. São trágicos, comediantes, “primeiros amantes”. Mas independentemente do seu papel, a vida dos atores geralmente não é fácil. Retratando seus destinos em suas peças, Ostrovsky procurou mostrar como é difícil para uma pessoa com alma sutil e talento viver em um mundo injusto de insensibilidade e ignorância. Ao mesmo tempo, os atores que interpretam Ostrovsky podem acabar sendo quase mendigos, como Neschastlivtsev e Schastlivtsev em “A Floresta”; humilhados e perdendo a aparência humana por causa da embriaguez, como Robinson em "Dowry", como Shmaga em "Guilty Without Guilt", como Erast Gromilov em "Talents and Admirers".

Na comédia "A Floresta" Ostrovsky revelou o talento dos atores do teatro provincial russo e ao mesmo tempo mostrou sua posição humilhante, condenados à vadiagem e vagando em busca do pão de cada dia. Quando se encontram, Schastlivtsev e Neschastlivtsev não têm um centavo de dinheiro nem uma pitada de tabaco. Neschastlivtsev, porém, tem algumas roupas em sua mochila feita em casa. Ele até tinha fraque, mas para interpretar o papel teve que trocá-lo em Chisinau “por uma fantasia de Hamlet”. O figurino era muito importante para o ator, mas para ter o guarda-roupa necessário era preciso muito dinheiro...

Ostrovsky mostra que o ator provinciano está num degrau inferior da escala social. Existe preconceito na sociedade em relação à profissão de ator. Gurmyzhskaya, ao saber que seu sobrinho Neschastlivtsev e seu camarada Schastlivtsev são atores, declara arrogantemente: "Eles não estarão aqui amanhã de manhã. Não tenho hotel ou taverna para esses cavalheiros". Caso o comportamento do ator não seja apreciado pelas autoridades locais ou ele não possua documentos, ele é perseguido e pode até ser expulso da cidade. Arkady Schastlivtsev foi “expulso da cidade três vezes... os cossacos o levaram com chicotes por seis quilômetros”. Devido à instabilidade e às constantes andanças, os atores bebem. Visitar tabernas é a única maneira de escapar da realidade, de esquecer os problemas pelo menos por um tempo. Schastlivtsev diz: “...Somos iguais, ambos somos atores, ele é Neschastlivtsev, eu sou Schastlivtsev, e nós dois somos bêbados”, e então com bravata ele declara: “Somos um povo livre, festeiro, a taverna é mais caro para nós do que qualquer outra coisa.” Mas esta bufonaria de Arkashka Schastlivtsev é apenas uma máscara que esconde a dor insuportável da humilhação social.

Apesar da vida difícil, das adversidades e dos insultos, muitos dos servos de Melpomene mantêm a bondade e a nobreza em suas almas. Em "A Floresta" Ostrovsky criou a imagem mais marcante de um nobre ator - o trágico Neschastlivtsev. Ele retratou uma pessoa “viva”, com um destino difícil, com uma tristeza história de vida. O ator bebe muito, mas ao longo da peça ele muda, se abre Melhores características sua natureza. Forçando Vosmibratov a devolver o dinheiro de Gurmyzhskaya, Neschastlivtsev faz uma apresentação e coloca medalhas falsas. Nesse momento, ele joga com tanta força, com tanta fé de que o mal pode ser punido, que alcança o sucesso real na vida: Vosmibratov dá o dinheiro. Então, dando seu último dinheiro a Aksyusha, arranjando sua felicidade, Neschastlivtsev não joga mais. Suas ações não são um gesto teatral, mas verdadeiramente Ato nobre. E quando, no final da peça, ele pronuncia o famoso monólogo de Karl More de “Os Ladrões” de F. Schiller, as palavras do herói de Schiller tornam-se, em essência, uma continuação de seu próprio discurso irado. O significado da observação que Neschastlivtsev lança a Gurmyzhskaya e toda a sua companhia: “Somos artistas, nobres artistas, e vocês são os comediantes”, é que, em sua opinião, a arte e a vida estão inextricavelmente ligadas, e o ator não é um pretendente , não um performer, sua arte é baseada em sentimentos e experiências genuínas.

Na comédia poética “Comediante do Século XVII”, o dramaturgo voltou-se para as primeiras páginas da história do palco russo. O talentoso comediante Yakov Kochetov tem medo de se tornar um artista. Não só ele, mas também seu pai têm certeza de que esta é uma atividade repreensível, que a bufonaria é um pecado, pior do que nada pode ser, porque tais eram as ideias Domostroevsky do povo de Moscou no século XVII. Mas Ostrovsky comparou os perseguidores dos bufões e seus “atos” com os amantes e fanáticos do teatro na era pré-petrina. O dramaturgo mostrou o papel especial das performances teatrais no desenvolvimento da literatura russa e formulou o propósito da comédia como "... tornar engraçado o perverso e o mal, fazer as pessoas rirem... Ensinar as pessoas retratando a moral".

No drama “Talentos e Admiradores”, Ostrovsky mostrou como é difícil o destino de uma atriz dotada de um enorme dom de palco, que se dedica apaixonadamente ao teatro. A posição do ator no teatro, seu sucesso depende de ele ser apreciado pelos espectadores ricos que têm a cidade inteira nas mãos. Afinal, os teatros provinciais existiam principalmente com doações de mecenas locais, que se sentiam mestres do teatro e ditavam seus termos aos atores. Alexandra Negina de “Talentos e Admiradores” recusa-se a participar em intrigas de bastidores ou a responder aos caprichos dos seus admiradores ricos: o Príncipe Dulebov, o oficial Bakin e outros. Negina não pode e não quer se contentar com o sucesso fácil da pouco exigente Nina Smelskaya, que aceita de bom grado o patrocínio de fãs ricos, transformando-se, em essência, em uma mulher mantida. O príncipe Dulebov, ofendido pela recusa de Negina, decidiu destruí-la, interrompendo a apresentação beneficente e literalmente sobrevivendo do teatro. Para Negina, abandonar o teatro, sem o qual não consegue imaginar a sua existência, significa contentar-se com uma vida miserável com um doce mas pobre estudante Petya Meluzov. Ela só tem uma opção: apoiar outro admirador, o rico proprietário de terras Velikatov, que promete seus papéis e sucesso retumbante no teatro de sua propriedade. Ele chama sua reivindicação ao talento e à alma de Alexandra de amor ardente, mas em essência é um acordo aberto entre um grande predador e uma vítima indefesa. O que Knurov não teve que realizar em “Dowry” foi feito por Velikatov. Larisa Ogudalova conseguiu se libertar das correntes de ouro à custa da morte, Negina colocou essas correntes em si mesma porque não consegue imaginar a vida sem arte.

Ostrovsky repreende esta heroína, que tinha menos dote espiritual do que Larisa. Mas ao mesmo tempo, com dor mental, ele nos contou sobre destino dramático uma atriz que evoca sua simpatia e simpatia. Não é de admirar, como observou E. Kholodov, que o nome dela seja igual ao do próprio Ostrovsky - Alexandra Nikolaevna.

No drama “Guilty Without Guilt”, Ostrovsky volta-se novamente para o tema do teatro, embora seus problemas sejam muito mais amplos: fala sobre o destino das pessoas desfavorecidas pela vida. No centro do drama está a notável atriz Kruchinina, após cujas apresentações o teatro literalmente “desmorona em aplausos”. Sua imagem dá motivos para pensar sobre o que determina o significado e a grandeza da arte. Em primeiro lugar, acredita Ostrovsky, este é um enorme experiência de vida, a escola de privação, tormento e sofrimento que sua heroína teve que passar.

Toda a vida de Kruchinina fora do palco é “tristeza e lágrimas”. Esta mulher conheceu tudo: o trabalho árduo de uma professora, a traição e a partida de um ente querido, a perda de um filho, doença grave, solidão. Em segundo lugar, esta é a nobreza espiritual, um coração solidário, fé na bondade e respeito pelo homem e, em terceiro lugar, uma consciência dos elevados objetivos da arte: Kruchinina traz ao espectador uma grande verdade, ideias de justiça e liberdade. Com suas palavras no palco, ela se esforça para “queimar o coração das pessoas”. E junto com o raro talento natural e a cultura geral, tudo isso torna possível tornar-se o que a heroína da peça se tornou - um ídolo universal cuja “fama troveja”. Kruchinina proporciona aos seus espectadores a felicidade do contato com a beleza. E é por isso que o próprio dramaturgo no final também lhe dá felicidade pessoal: encontrar seu filho perdido, o ator indigente Neznamov.

O mérito de A. N. Ostrovsky no palco russo é verdadeiramente imensurável. Suas peças sobre teatro e atores, que refletem com precisão as circunstâncias da realidade russa nas décadas de 70 e 80 do século XIX, contêm reflexões sobre a arte que ainda hoje são relevantes. Estes são pensamentos sobre coisas difíceis, às vezes destino trágico pessoa talentosa que, sendo realizados no palco, se esgotam completamente; pensamentos sobre a felicidade da criatividade, da dedicação total, sobre a elevada missão da arte que afirma o bem e a humanidade.

O próprio dramaturgo se expressou, revelou sua alma nas peças que criou, talvez especialmente abertamente em peças sobre teatro e atores, nas quais mostrou de forma muito convincente que mesmo nas profundezas da Rússia, nas províncias, é possível conhecer pessoas talentosas e altruístas. , capaz de viver de acordo com os interesses mais elevados . Muito nessas peças está em consonância com o que B. Pasternak escreveu em seu maravilhoso poema “Oh, se eu soubesse que isso acontece...”:

Quando a linha dita o sentimento,

Envia um escravo para o palco,

E é aqui que a arte termina,

E o solo e o destino respiram.

Alexander Nikolaevich Ostrovsky (1823-1886) ocupa legitimamente um lugar digno entre maiores representantes drama mundial.

O significado das atividades de Ostrovsky, que por mais de quarenta anos publicou anualmente nas melhores revistas da Rússia e encenou peças nos palcos dos teatros imperiais de São Petersburgo e Moscou, muitos dos quais foram eventos literários e vida teatral era, descrita de forma breve mas precisa na famosa carta de I. A. Goncharov, dirigida ao próprio dramaturgo.

“Você doou uma biblioteca inteira de obras de arte para a literatura e criou seu próprio mundo especial para o palco. Só você completou o edifício, cuja fundação foi lançada por Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Mas só depois de você, nós, russos, podemos dizer com orgulho: “Temos nosso próprio teatro nacional russo”. Para ser justo, deveria ser chamado de Teatro Ostrovsky.”

Ostrovsky começou seu caminho criativo na década de 40, durante a vida de Gogol e Belinsky, e concluiu-o na segunda metade da década de 80, numa época em que A.P. Chekhov já estava firmemente estabelecido na literatura.

A convicção de que o trabalho de um dramaturgo criando um repertório teatral é um alto serviço público permeou e dirigiu as atividades de Ostrovsky. Ele estava organicamente conectado com a vida da literatura.

Em sua juventude, o dramaturgo escreveu artigos críticos e participou dos assuntos editoriais de Moskvityanin, tentando mudar os rumos desta revista conservadora, depois, publicando em Sovremennik e Otechestvennye Zapiski, tornou-se amigo de N. A. Nekrasov e L. N. Tolstoy, I. S. Turgenev, I. A. Goncharov e outros escritores. Ele acompanhou o trabalho deles, discutiu suas obras com eles e ouviu suas opiniões sobre suas peças.

Numa época em que teatros estaduais eram oficialmente considerados “imperiais” e estavam sob o controle do Ministério da Corte, e as instituições provinciais de entretenimento foram colocadas à disposição de empresários e empresários, Ostrovsky apresentou a ideia de uma reestruturação completa do negócio teatral na Rússia. Ele defendeu a necessidade de substituir o teatro comercial e de corte por um teatro folclórico.

Não se limitando ao desenvolvimento teórico dessa ideia em artigos e notas especiais, o dramaturgo praticamente lutou durante muitos anos pela sua implementação. As principais áreas em que concretizou a sua visão sobre o teatro foram a criatividade e o trabalho com atores.

Drama, base literária Ostrovsky considerou a performance seu elemento definidor. O repertório do teatro, que dá ao espectador a oportunidade de “ver a vida russa e a história russa no palco”, segundo seus conceitos, era dirigido principalmente ao público democrático, “para quem os escritores populares querem escrever e são obrigados a escrever”. Ostrovsky defendeu os princípios do teatro de autor.

Ele considerava os teatros de Shakespeare, Molière e Goethe experimentos exemplares desse tipo. A combinação em uma só pessoa do autor de obras dramáticas e seu intérprete no palco - um professor de atores, um diretor - parecia a Ostrovsky uma garantia da integridade artística e da atividade orgânica do teatro.

Esta ideia, na ausência de direção, com o foco tradicional da performance teatral na atuação de atores individuais “solo”, foi inovadora e frutífera. Seu significado não se esgota até hoje, quando o diretor se tornou a figura principal do teatro. Basta lembrar o teatro “Berliner Ensemble” de B. Brecht para se convencer disso.

Superando a inércia da administração burocrática, das intrigas literárias e teatrais, Ostrovsky trabalhou com atores, dirigindo constantemente as produções de suas novas peças nos teatros Maly Moscou e Alexandrinsky de São Petersburgo.

A essência de sua ideia era concretizar e consolidar a influência da literatura no teatro. Ele condenou com princípio e categoricamente o que se tornava cada vez mais evidente desde os anos 70. a subordinação dos escritores dramáticos aos gostos dos atores - favoritos do palco, seus preconceitos e caprichos. Ao mesmo tempo, Ostrovsky não conseguia imaginar drama sem teatro.

Suas peças foram escritas tendo em mente intérpretes e artistas reais. Ele enfatizou: para escrever boa jogada, o autor deve ter pleno conhecimento das leis do palco, do lado puramente plástico do teatro.

Ele não estava pronto para dar poder sobre os artistas de palco nem a todos os dramaturgos. Ele tinha certeza de que só um escritor que criou sua dramaturgia única, seu mundo especial no palco, tem algo a dizer aos artistas, tem algo a lhes ensinar. A atitude de Ostrovsky em relação ao teatro moderno foi determinada por sua sistema artístico. O herói da dramaturgia de Ostrovsky foi o povo.

Toda a sociedade e, além disso, a vida sócio-histórica do povo estavam representadas em suas peças. Não foi sem razão que os críticos N. Dobrolyubov e A. Grigoriev, que abordaram a obra de Ostrovsky a partir de posições mutuamente opostas, viram em suas obras uma imagem holística da existência do povo, embora avaliassem a vida retratada pelo escritor de forma diferente.

A orientação deste escritor para os fenómenos de massa da vida correspondia ao princípio da actuação em conjunto, que defendia, à consciência inerente ao dramaturgo da importância da unidade, à integridade das aspirações criativas do grupo de actores participantes na peça.

Em suas peças, Ostrovsky retratou fenômenos sociais que têm raízes profundas - conflitos, cujas origens e causas muitas vezes remontam a épocas históricas distantes.

Ele viu e mostrou as aspirações frutíferas que surgem na sociedade e o novo mal que surge nela. Os portadores de novas aspirações e ideias em suas peças são forçados a travar uma difícil luta com velhos costumes e pontos de vista conservadores, santificados pela tradição, e o novo mal neles colide com o ideal ético do povo que evoluiu ao longo dos séculos, com fortes tradições de resistência injustiça social e inverdade moral.

Cada personagem das peças de Ostrovsky está organicamente conectado com seu ambiente, sua época, a história de seu povo. Ao mesmo tempo, uma pessoa comum, em cujos conceitos, hábitos e muito discurso seu parentesco com o social e paz nacional, é o foco de interesse nas peças de Ostrovsky.

O destino individual do indivíduo, a felicidade e o infortúnio do indivíduo, da pessoa comum, das suas necessidades, da sua luta pelo seu bem-estar pessoal emocionam o espectador dos dramas e comédias deste dramaturgo. A posição de uma pessoa serve para eles como uma medida do estado da sociedade.

Além disso, a tipicidade da personalidade, a energia com que as características individuais de uma pessoa “afetam” a vida das pessoas, na dramaturgia de Ostrovsky tem importante significado ético e estético. O personagem é maravilhoso.

Assim como no drama de Shakespeare herói trágico, seja belo ou terrível em termos de avaliação ética, pertence à esfera da beleza; nas peças de Ostrovsky, o herói característico, na medida de sua tipicidade, é a personificação da estética e, em vários casos, do espiritual riqueza, vida histórica e cultura do povo.

Essa característica da dramaturgia de Ostrovsky predeterminou sua atenção à atuação de cada ator, à capacidade do performer de apresentar um tipo no palco, de recriar de forma vívida e cativante um personagem social individual e original.

Ostrovsky valorizou especialmente essa habilidade em melhores artistas do seu tempo, incentivando e ajudando a desenvolvê-lo. Dirigindo-se a A.E. Martynov, ele disse: “... a partir de vários traços esboçados por uma mão inexperiente, você criou tipos finais cheios de verdade artística. É isso que o torna tão querido pelos autores.”

Ostrovsky encerrou sua discussão sobre a nacionalidade do teatro, sobre o fato de que dramas e comédias são escritos para todo o povo com as palavras: “...os escritores dramáticos devem sempre se lembrar disso, devem ser claros e fortes”.

A clareza e a força da criatividade do autor, além dos tipos criados em suas peças, encontram expressão nos conflitos de suas obras, construídas sobre simples incidentes da vida, que, no entanto, refletem os principais conflitos da existência social moderna.

Em seu primeiro artigo, avaliando positivamente a história “O Colchão” de A.F. Pisemsky, Ostrovsky escreveu: “A intriga da história é simples e instrutiva, como a vida. Por causa dos personagens originais, por causa do curso natural e altamente dramático dos acontecimentos, surge um pensamento nobre, adquirido na experiência cotidiana.

Essa história é verdadeira peça de arte" O curso dramático natural dos acontecimentos, os personagens originais, a representação da vida das pessoas comuns - ao listar esses sinais de verdadeira arte na história de Pisemsky, o jovem Ostrovsky, sem dúvida, veio de suas reflexões sobre as tarefas da dramaturgia como arte.

É característico que Ostrovsky atribua grande importância à instrutividade trabalho literário. A instrutividade da arte dá-lhe a base para comparar e aproximar a arte da vida.

Ostrovsky acreditava que o teatro, reunindo dentro de suas paredes um grande e diversificado público, unindo-o a um sentimento de prazer estético, deveria educar a sociedade, ajudar espectadores simples e despreparados a “compreender a vida pela primeira vez” e dar aos educados “um todo perspectiva de pensamentos dos quais não se pode escapar.” (ibid.).

Ao mesmo tempo, a didática abstrata era estranha a Ostrovsky. "Ter bons pensamentos Qualquer um pode, mas apenas alguns poucos conseguem controlar mentes e corações”, lembrou, ironizando os escritores que substituem questões artísticas sérias por tiradas edificantes e tendências nuas. O conhecimento da vida, a sua representação verdadeira e realista, a reflexão sobre as questões mais urgentes e complexas para a sociedade - é isso que o teatro deve apresentar ao público, é isso que faz do palco uma escola de vida.

O artista ensina o espectador a pensar e sentir, mas não lhe dá soluções prontas. A dramaturgia didática, que não revela a sabedoria e a instrutividade da vida, mas a substitui por truísmos expressos declarativamente, é desonesta, pois não é artística, ao passo que é justamente por uma questão de impressões estéticas que as pessoas vão ao teatro.

Essas ideias de Ostrovsky encontraram uma refração peculiar em sua atitude em relação ao drama histórico. O dramaturgo argumentou que “dramas e crônicas históricas<...>desenvolver o autoconhecimento das pessoas e cultivar o amor consciente pela pátria.”

Ao mesmo tempo, ele enfatizou que não se trata da distorção do passado em prol de uma ou outra ideia tendenciosa, nem do efeito de palco externo do melodrama sobre assuntos históricos, nem da transposição de monografias acadêmicas para uma forma dialógica, mas sim da transposição de monografias acadêmicas para uma forma dialógica. uma recriação verdadeiramente artística da realidade viva de séculos passados ​​​​no palco pode ser a base performance patriótica.

Tal atuação ajuda a sociedade a se compreender, estimula a reflexão, conferindo caráter consciente ao sentimento imediato de amor à pátria. Ostrovsky entendeu que as peças que ele criava anualmente formavam a base teatro moderno repertório de linha.

Definindo os tipos de obras dramáticas, sem as quais não pode existir um repertório exemplar, ele, além de dramas e comédias que retratam a vida russa moderna, e crônicas históricas, denominadas extravagâncias, peças de contos de fadas para apresentações festivas, acompanhadas de música e dança, concebidas como um espetáculo folclórico colorido.

O dramaturgo criou uma obra-prima desse tipo - o conto de fadas da primavera "A Donzela da Neve", em que a fantasia poética e um cenário pitoresco se combinam com um profundo conteúdo lírico e filosófico.

História da literatura russa: em 4 volumes / Editado por N.I. Prutskov e outros - L., 1980-1983.

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich “Ostrovsky é um “gigante da literatura teatral” (Lunacharsky), ele criou o teatro russo, todo um repertório no qual foram criadas muitas gerações de atores, as tradições da arte cênica foram fortalecidas e desenvolvidas. Seu papel na história O desenvolvimento do drama russo e de toda a cultura nacional dificilmente pode ser superestimado.Ele fez pelo desenvolvimento do drama russo tanto quanto Shakespeare na Inglaterra, Lope de Vega na Espanha, Molière na França, Goldoni na Itália e Schiller na Alemanha.

“A história reservou o título de grande e brilhante apenas para aqueles escritores que souberam escrever para todo o povo, e apenas aquelas obras que sobreviveram aos séculos foram verdadeiramente populares em casa; tais obras, com o tempo, tornam-se compreensíveis e valiosas para outros povos. , e finalmente, e para o mundo inteiro." Estas palavras do grande dramaturgo Alexander Nikolaevich Ostrovsky podem ser atribuídas à sua própria obra.

Apesar da opressão infligida pela censura, pelo comité teatral e literário e pela gestão dos teatros imperiais, apesar das críticas dos círculos reacionários, a dramaturgia de Ostrovsky ganhava cada vez mais simpatia a cada ano entre os espectadores democráticos e entre os artistas.

Desenvolvendo as melhores tradições da arte dramática russa, usando a experiência do drama estrangeiro progressivo, aprendendo incansavelmente sobre a vida país natal, comunicando-se constantemente com o povo, conectando-se estreitamente com o público contemporâneo mais progressista, Ostrovsky tornou-se um notável retratador da vida de seu tempo, encarnando os sonhos de Gogol, Belinsky e outras figuras literárias progressistas sobre o aparecimento e triunfo de personagens russos no palco doméstico.

A atividade criativa de Ostrovsky teve uma grande influência em todo o desenvolvimento do drama russo progressista. Foi dele que vieram nossos melhores dramaturgos e aprenderam com ele. Foi para ele que gravitaram os aspirantes a escritores dramáticos de sua época.

O poder da influência de Ostrovsky sobre os jovens escritores de sua época pode ser evidenciado por uma carta ao dramaturgo da poetisa A.D. Mysovskaya. “Você sabe o quão grande foi sua influência sobre mim? Não foi o amor pela arte que me fez compreender e apreciar você: pelo contrário, você me ensinou a amar e a respeitar a arte. Devo somente a você que resisti à tentação de cair na arena da patética mediocridade literária e não persegui louros baratos jogados pelas mãos de pessoas agridoces e sem instrução. Você e Nekrasov me fizeram apaixonar pelo pensamento e pelo trabalho, mas Nekrasov me deu apenas o primeiro impulso, enquanto você me deu a direção. Lendo suas obras, percebi que rimar não é poesia, e conjunto de frases não é literatura, e que somente cultivando a inteligência e a técnica um artista será um verdadeiro artista.”

Ostrovsky teve um impacto poderoso não apenas no desenvolvimento do drama russo, mas também no desenvolvimento do teatro russo. A colossal importância de Ostrovsky no desenvolvimento do teatro russo é bem enfatizada em um poema dedicado a Ostrovsky e lido em 1903 por M. N. Ermolova no palco do Teatro Maly:

No palco a própria vida, do palco a verdade sopra,

E o sol brilhante nos acaricia e nos aquece...

A fala viva de pessoas comuns e vivas soa,

No palco não há “herói”, nem anjo, nem vilão,

Mas apenas um homem... Um ator feliz

Apressa-se para quebrar rapidamente as pesadas algemas

Convenções e mentiras. Palavras e sentimentos são novos,

Mas nos recônditos da alma há uma resposta para eles, -

E todos os lábios sussurram: bem-aventurado o poeta,

Arrancou as capas de ouropel surradas

E lançar uma luz brilhante no reino escuro

A famosa artista escreveu sobre a mesma coisa em 1924 em suas memórias: “Juntamente com Ostrovsky, a própria verdade e a própria vida apareceram no palco... Começou o crescimento do drama original, cheio de respostas à modernidade... Eles começaram a falar sobre os pobres, os humilhados e os insultados”.

A direção realista, silenciada pela política teatral da autocracia, continuada e aprofundada por Ostrovsky, colocou o teatro no caminho da estreita ligação com a realidade. Só que deu vida ao teatro como um teatro folclórico nacional, russo.

“Você doou uma biblioteca inteira de obras de arte para a literatura e criou seu próprio mundo especial para o palco. Só você completou o edifício, na base do qual Fonvizin, Griboyedov, Gogol lançaram as pedras fundamentais.” Esta maravilhosa carta foi recebida, entre outras felicitações, no ano do trigésimo quinto aniversário da atividade literária e teatral de Alexander Nikolaevich Ostrovsky de outro grande escritor russo, Goncharov.

Mas muito antes, sobre o primeiro trabalho do ainda jovem Ostrovsky, publicado em “Moskvityanin”, um sutil conhecedor do elegante e sensível observador V. F. Odoevsky escreveu: “Se este não for um flash momentâneo, não um cogumelo espremido do moído por si só, cortado por todo tipo de podridão, então este homem tem um talento enorme. Acho que existem três tragédias na Rússia: “O Menor”, ​​​​“Ai do Espírito”, “O Inspetor Geral”. Em “Bankrupt” coloquei o número quatro.”

Desde uma primeira avaliação tão promissora até à carta de aniversário de Goncharov - uma vida plena, rica em trabalho; trabalho, e que levou a uma relação de avaliações tão lógica, porque o talento exige, antes de tudo, um grande trabalho sobre si mesmo, e o dramaturgo não pecou diante de Deus - ele não enterrou seu talento na terra. Tendo publicado a sua primeira obra em 1847, Ostrovsky escreveu desde então 47 peças e traduziu mais de vinte peças de Línguas europeias. E tudo que ele criou teatro folclórico– cerca de mil caracteres.

Pouco antes de sua morte, em 1886, Alexander Nikolaevich recebeu uma carta de LN Tolstoy, na qual o brilhante prosaico admitia: “Sei por experiência própria como as pessoas lêem, ouvem e lembram de suas obras e, portanto, gostaria de ajudar a garantir que Você rapidamente se tornou na realidade o que sem dúvida é: um escritor de todo o povo no sentido mais amplo.”

Mesmo antes de Ostrovsky, o drama russo progressista tinha peças magníficas. Lembremo-nos de “O Menor” de Fonvizin, “Ai do Espírito” de Griboyedov, “Boris Godunov” de Pushkin, “O Inspetor Geral” de Gogol e “Máscara” de Lermontov. Cada uma dessas peças poderia enriquecer e decorar, como escreveu Belinsky com razão, a literatura de qualquer país da Europa Ocidental.

Mas essas peças eram muito poucas. E não determinaram o estado do repertório teatral. Falando figurativamente, eles se elevaram acima do nível do drama de massa, como montanhas raras e solitárias em uma planície desértica sem fim. A esmagadora maioria das peças que enchiam o palco do teatro daquela época eram traduções de vaudevilles vazios e frívolos e melodramas comoventes tecidos de horrores e crimes. Tanto o vaudeville quanto o melodrama, terrivelmente distantes da vida, não eram sequer sua sombra.

No desenvolvimento do drama russo e do teatro doméstico, o aparecimento das peças de A. N. Ostrovsky constituiu uma era inteira. Eles direcionaram bruscamente o drama e o teatro para a vida, para a sua verdade, para o que realmente tocou e preocupou as pessoas do segmento desprivilegiado da população, os trabalhadores. Ao criar “peças da vida”, como Dobrolyubov as chamava, Ostrovsky agiu como um destemido cavaleiro da verdade, um lutador incansável contra o reino sombrio da autocracia, um denunciador impiedoso das classes dominantes - a nobreza, a burguesia e os burocratas que fielmente os serviu.

Mas Ostrovsky não se limitou ao papel de expositor satírico. Ele retratou de forma vívida e simpática vítimas do despotismo sócio-político e familiar-doméstico, trabalhadores, amantes da verdade, educadores, protestantes calorosos contra a tirania e a violência.

O dramaturgo não apenas fez heróis positivos suas peças eram pessoas do trabalho e do progresso, portadoras da verdade e da sabedoria do povo, mas ele também escreveu em nome do povo e para o povo.

Ostrovsky retratou em suas peças a prosa da vida, pessoas comuns em circunstâncias cotidianas. Tomando os problemas humanos universais do mal e do bem, da verdade e da injustiça, da beleza e da feiura como conteúdo de suas peças, Ostrovsky sobreviveu ao seu tempo e entrou em nossa era como seu contemporâneo.

A trajetória criativa de A. N. Ostrovsky durou quatro décadas. Ele escreveu suas primeiras obras em 1846 e a última em 1886.

Durante este tempo, escreveu 47 peças originais e várias peças em colaboração com Solovyov (“O Casamento de Balzaminov”, “Selvagem”, “Brilha mas não aquece”, etc.); fez diversas traduções do italiano, espanhol, francês, inglês, indiano (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 peças). Suas peças têm 728 papéis, 180 atos; toda a Rus' está representada. Uma variedade de gêneros: comédias, dramas, crônicas dramáticas, cenas familiares, tragédias, esquetes dramáticos são apresentados em sua dramaturgia. Ele atua em sua obra como escritor romântico, cotidiano, trágico e comediante.

É claro que qualquer periodização é até certo ponto condicional, mas para melhor navegar por toda a diversidade da obra de Ostrovsky, dividiremos sua obra em várias etapas.

1846 – 1852 – o estágio inicial da criatividade. As obras mais importantes escritas neste período: “Notas de um residente de Zamoskvoretsky”, as peças “Imagem de felicidade familiar”, “Nosso povo – vamos ser numerados”, “Pobre Noiva”.

1853 – 1856 - o chamado período “eslavófilo”: “Não entre no seu próprio trenó”. “A pobreza não é um vício”, “Não viva do jeito que você quer”.

1856 – 1859 - reaproximação com o círculo Sovremennik, retorno a posições realistas. As peças mais importantes deste período: “Um Lugar Lucrativo”, “O Aluno”, “Na Festa de Outra Pessoa há Ressaca”, “A Trilogia Balzaminov” e, finalmente, criada durante a situação revolucionária, “A Tempestade” .

1861 – 1867 – aprofundando o estudo da história nacional, o resultado são as crônicas dramáticas Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, “Dmitry, o Pretendente” e “Vasily Shuisky”, “Tushino”, o drama “Vasilisa Melentyevna”, a comédia “O Voivode ou o Sonho no Volga”.

1869 – 1884 – as peças criadas durante este período de criatividade são dedicadas às relações sociais e cotidianas que se desenvolveram na vida russa após a reforma de 1861. As peças mais importantes deste período: “Todo Homem Sábio Tem Simplicidade Suficiente”, “Coração Quente”, “Dinheiro Louco”, “Floresta”, “Lobos e Ovelhas”, “O Último Sacrifício”, “Amor Tardio”, “Talentos e Admiradores”, “Culpado sem culpa”.

As peças de Ostrovsky não surgiram do nada. Sua aparição está diretamente relacionada às peças de Griboedov e Gogol, que absorveram tudo de valioso que a comédia russa que os precedeu alcançou. Ostrovsky conhecia bem a antiga comédia russa do século XVIII e estudou especialmente as obras de Kapnist, Fonvizin e Plavilshchikov. Por outro lado, há a influência da prosa da “escola natural”.

Ostrovsky chegou à literatura no final dos anos 40, quando a dramaturgia de Gogol foi reconhecida como o maior fenômeno literário e social. Turgenev escreveu: “Gogol mostrou como nossa literatura dramática irá evoluir ao longo do tempo”. Desde os primeiros passos da sua atividade, Ostrovsky reconheceu-se como um continuador das tradições de Gogol, a “escola natural”, considerava-se um dos autores da “nova direção da nossa literatura”.

Os anos de 1846 a 1859, quando Ostrovsky trabalhou em sua primeira grande comédia, “Seremos numerados como nosso próprio povo”, foram os anos de sua formação como escritor realista.

O programa ideológico e artístico do dramaturgo Ostrovsky está claramente exposto em seus artigos críticos e resenhas. Artigo “Erro”, a história da Sra. Tour” (“Moskvityanin”, 1850), artigo inacabado sobre o romance “Dombey and Son” de Dickens (1848), resenha da comédia de Menshikov “Whims” (“Moskvityanin” 1850), “Nota sobre o situação da arte dramática na Rússia atualmente" (1881), "Table talk about Pushkin" (1880).

As visões sociais e literárias de Ostrovsky são caracterizadas pelos seguintes princípios básicos:

Em primeiro lugar, ele acredita que o drama deve ser um reflexo da vida das pessoas, da consciência das pessoas.

Para Ostrovsky, o povo é, antes de tudo, as massas democráticas, as classes mais baixas, as pessoas comuns.

Ostrovsky exigiu que o escritor estudasse a vida das pessoas, os problemas que preocupam as pessoas.

“Para ser um escritor do povo”, escreve ele, “não basta o amor à pátria... é preciso conhecer bem o seu povo, conviver com ele, tornar-se semelhante a ele”. A melhor escola para o talento é o estudo da nacionalidade.”

Em segundo lugar, Ostrovsky fala sobre a necessidade de identidade nacional para o drama.

A nacionalidade da literatura e da arte é entendida por Ostrovsky como uma consequência integral da sua nacionalidade e democracia. “Só a arte que é nacional é nacional, pois o verdadeiro portador da nacionalidade é a massa popular e democrática.”

Em “The Table Word about Pushkin” - um exemplo de tal poeta é Pushkin. Pushkin é um poeta nacional, Pushkin é um poeta nacional. Pushkin desempenhou um papel importante no desenvolvimento da literatura russa porque “deu ao escritor russo a coragem de ser russo”.

E, finalmente, o terceiro ponto diz respeito à natureza socialmente acusatória da literatura. “Quanto mais popular a obra, mais elemento acusatório ela contém, porque a “característica distintiva do povo russo” é a “aversão a tudo o que foi claramente definido”, uma relutância em retornar às “velhas formas de vida já condenadas” , o desejo de “procurar o melhor”.

O público espera que a arte exponha os vícios e deficiências da sociedade, para julgar a vida.

Condenando esses vícios em nosso imagens artísticas o escritor desperta nojo deles no público, obriga-os a serem melhores, mais morais. Portanto, “a direção social e acusatória pode ser chamada de moral e pública”, enfatiza Ostrovsky. Falando sobre a direção socialmente acusatória ou moral-social, ele quer dizer:

crítica acusatória ao modo de vida dominante; proteção de princípios morais positivos, ou seja, proteger as aspirações das pessoas comuns e o seu desejo de justiça social.

Assim, o termo “direção moral-acusatória” em seu sentido objetivo aproxima-se do conceito de realismo crítico.

As obras de Ostrovsky, escritas por ele no final dos anos 40 e início dos anos 50, “Imagem da Felicidade da Família”, “Notas de um Residente de Zamoskvoretsky”, “Nosso Povo - Seremos Numerados”, “Pobre Noiva” estão organicamente ligadas à literatura de a escola natural.

“A Imagem da Felicidade da Família” tem em grande parte a natureza de um ensaio dramatizado: não está dividido em fenômenos, não há conclusão da trama. Ostrovsky se propôs a retratar a vida dos mercadores. O herói está interessado em Ostrovsky apenas como representante de sua classe, seu modo de vida, seu modo de pensar. Vai além da escola natural. Ostrovsky revela a estreita ligação entre a moralidade de seus heróis e sua existência social.

Ele coloca a vida familiar dos comerciantes em ligação direta com as relações monetárias e materiais deste ambiente.

Ostrovsky condena completamente seus heróis. Seus heróis expressam suas opiniões sobre família, casamento, educação, como se demonstrassem a selvageria dessas visões.

Essa técnica era comum na literatura satírica dos anos 40 - a técnica da autoexposição.

A obra mais significativa de Ostrovsky na década de 40. - apareceu a comédia “Nosso povo - vamos ser numerados” (1849), que foi percebida pelos contemporâneos como uma grande conquista da escola natural do drama.

“Ele começou de uma maneira extraordinária”, escreve Turgenev sobre Ostrovsky.

A comédia atraiu imediatamente a atenção das autoridades. Quando a censura submeteu a peça à consideração do czar, Nicolau I escreveu: “Foi impressa em vão! É proibido jogar, em qualquer caso.”

O nome de Ostrovsky foi incluído na lista de pessoas não confiáveis, e o dramaturgo foi colocado sob vigilância da polícia secreta por cinco anos. O “Caso do escritor Ostrovsky” foi aberto.

Ostrovsky, como Gogol, critica os próprios fundamentos das relações que dominam a sociedade. Ele é crítico da vida social contemporânea e nesse sentido é um seguidor de Gogol. E, ao mesmo tempo, Ostrovsky imediatamente se identificou como escritor e inovador. Comparando as obras do estágio inicial de sua criatividade (1846-1852) com as tradições de Gogol, traçaremos as novidades que Ostrovsky trouxe para a literatura.

A ação da “alta comédia” de Gogol se passa como se estivesse no mundo da realidade irracional - “O Inspetor Geral”.

Gogol testou uma pessoa em sua atitude para com a sociedade, para com o dever cívico - e mostrou - é assim que essas pessoas são. Este é o centro dos vícios. Eles não pensam na sociedade de forma alguma. Eles são guiados em seu comportamento por cálculos estritamente egoístas e interesses egoístas.

Gogol não se concentra na vida cotidiana - risos em meio às lágrimas. Para ele, a burocracia atua não como uma camada social, mas como uma força política que determina a vida da sociedade como um todo.

Ostrovsky tem algo completamente diferente - uma análise minuciosa da vida social.

Como os heróis dos ensaios da escola natural, os heróis de Ostrovsky são pessoas comuns, representantes típicos seu ambiente social, que é compartilhado por seus familiares habituais vida cotidiana, todos os seus preconceitos.

a) Na peça “Nosso Povo – Seremos Numerados”, Ostrovsky cria uma biografia típica de um comerciante, fala sobre como o capital é feito.

Bolshov vendia tortas em uma barraca quando criança e depois se tornou uma das primeiras pessoas ricas em Zamoskvorechye.

Podkhalyuzin fez capital roubando o dono e, por fim, Tishka é um mensageiro, mas, no entanto, já sabe como agradar o novo dono.

Aqui são apresentados, por assim dizer, três estágios da carreira de um comerciante. Através do seu destino, Ostrovsky mostrou como o capital é composto.

b) A peculiaridade da dramaturgia de Ostrovsky foi que ele mostrou esta questão – como o capital é composto num ambiente mercantil – através da consideração das relações intrafamiliares, diárias e ordinárias.

Foi Ostrovsky o primeiro no drama russo a examinar, fio por fio, a teia das relações cotidianas e cotidianas. Ele foi o primeiro a introduzir na esfera da arte todas essas pequenas coisas da vida, segredos de família, pequenos assuntos domésticos. Uma enorme quantidade de espaço é ocupada por cenas cotidianas aparentemente sem sentido. Muita atenção é dada às poses, aos gestos dos personagens, à sua maneira de falar e à própria fala.

As primeiras peças de Ostrovsky pareciam incomuns para o leitor, não parecidas com um palco, mais como narrativas do que como obras dramáticas.

O círculo das obras de Ostrovsky, diretamente relacionadas com a escola natural dos anos 40, é fechado com a peça “A Pobre Noiva” (1852).

Nele, Ostrovsky mostra a mesma dependência de uma pessoa nas relações econômicas e monetárias. Vários pretendentes buscam a mão de Marya Andreevna, mas quem a consegue não precisa fazer nenhum esforço para atingir o objetivo. Para ele funciona a conhecida lei econômica de uma sociedade capitalista, onde o dinheiro decide tudo. A imagem de Marya Andreevna inicia na obra de Ostrovsky um novo tema para ele sobre a posição de uma menina pobre em uma sociedade onde tudo é determinado pelo cálculo comercial. (“Floresta”, “Enfermeira”, “Dote”).

Assim, pela primeira vez em Ostrovsky (ao contrário de Gogol) aparece não apenas um vício, mas também uma vítima do vício. Além dos senhores da sociedade moderna, aparecem aqueles que se opõem a eles - aspirações cujas necessidades estão em conflito com as leis e costumes deste ambiente. Isso implicou novas cores. Ostrovsky descobriu novos lados de seu talento - o satirismo dramático. “Seremos nosso próprio povo” - satírico.

O estilo artístico de Ostrovsky nesta peça é ainda mais diferente da dramaturgia de Gogol. A trama perde toda a sua vantagem aqui. É baseado em um caso comum. O tema que foi ouvido em “Casamento” de Gogol e recebeu cobertura satírica - a transformação do casamento em compra e venda, aqui adquiriu um tom trágico.

Mas, ao mesmo tempo, é uma comédia em termos de personagens e situações. Mas se os heróis de Gogol evocam risos e condenação do público, então em Ostrovsky o espectador viu sua vida cotidiana, sentiu profunda simpatia por alguns e condenou outros.

A segunda fase da atividade de Ostrovsky (1853 – 1855) foi marcada por influências eslavófilas.

Em primeiro lugar, esta transição de Ostrovsky para posições eslavófilas deve ser explicada pelo fortalecimento da atmosfera, pela reação que se estabeleceu nos “sete anos sombrios” de 1848-1855.

Onde exatamente apareceu essa influência, que ideias dos eslavófilos se revelaram próximas de Ostrovsky? Em primeiro lugar, a reaproximação de Ostrovsky com a chamada “jovem redação” de Moskvityanin, cujo comportamento deve ser explicado pelo seu interesse característico pela vida nacional russa, pela arte popular e pelo passado histórico do povo, que era muito próximo de Ostrovsky .

Mas Ostrovsky não conseguiu discernir neste interesse o principal princípio conservador, que se manifestou nas contradições sociais existentes, numa atitude hostil ao conceito de progresso histórico, na admiração por tudo o que é patriarcal.

Na verdade, os eslavófilos agiram como ideólogos dos elementos socialmente atrasados ​​da pequena e média burguesia.

Um dos mais proeminentes ideólogos do “Conselho Editorial Jovem” de “Moskvityanin”, Apollon Grigoriev, argumentou que existe um único “espírito nacional” que forma a base orgânica da vida das pessoas. Capturar esse espírito nacional é o mais importante para um escritor.

As contradições sociais, a luta de classes são camadas históricas que serão superadas e que não violam a unidade da nação.

O escritor deve mostrar os eternos princípios morais do caráter do povo. O portador desses princípios morais eternos, o espírito do povo, é a classe “média, industrial, mercantil”, porque foi esta classe que preservou o patriarcado das tradições da antiga Rus', preservou a fé, a moral e a língua de seus pais. Esta classe não foi afetada pela falsidade da civilização.

O reconhecimento oficial desta doutrina de Ostrovsky é sua carta de setembro de 1853 a Pogodin (editor de Moskvityanin), na qual Ostrovsky escreve que agora se tornou um defensor da “nova direção”, cuja essência é apelar para o positivo princípios da vida cotidiana e caráter nacional.

A velha visão das coisas agora lhe parece “jovem e cruel demais”. Expor os vícios sociais não parece ser a tarefa principal.

“Haverá corretores mesmo sem nós. Para ter o direito de corrigir as pessoas sem ofendê-las, você precisa mostrar-lhes que conhece o que há de bom nelas” (setembro de 1853), escreve Ostrovsky.

Uma característica distintiva do povo russo de Ostrovsky nesta fase parece não ser a sua vontade de renunciar a padrões de vida ultrapassados, mas sim o patriarcado, o compromisso com condições de vida fundamentais e imutáveis. Ostrovsky agora quer combinar “o sublime com o cômico” em suas peças, entendendo por sublime os traços positivos da vida mercantil, e por “cômico” - tudo o que está fora do círculo mercantil, mas exerce sua influência sobre ele.

Essas novas visões de Ostrovsky encontraram expressão em três peças chamadas “eslavófilas” de Ostrovsky: “Não suba no seu próprio trenó”, “A pobreza não é um vício”, “Não viva do jeito que você quer”.

Todas as três peças eslavófilas de Ostrovsky têm um começo definidor - uma tentativa de idealizar os fundamentos patriarcais da vida e da moralidade familiar dos mercadores.

E nessas peças Ostrovsky volta-se para assuntos familiares e cotidianos. Mas por trás deles já não existem relações económicas e sociais.

As relações familiares e cotidianas são interpretadas num sentido puramente moral - tudo depende das qualidades morais das pessoas, não há interesses materiais ou monetários por trás disso. Ostrovsky tenta encontrar a possibilidade de resolver as contradições em termos morais, na regeneração moral dos heróis. (A iluminação moral de Gordey Tortsov, a nobreza da alma de Borodkin e Rusakov). A tirania é justificada não tanto pela existência de capital, de relações econômicas, mas pelas características pessoais de uma pessoa.

Ostrovsky retrata aqueles aspectos da vida mercantil em que, ao que lhe parece, se concentra o nacional, o chamado “espírito nacional”. Portanto, ele se concentra nos lados poéticos e positivos da vida mercantil, introduz motivos rituais e folclóricos, mostrando o início “épico folclórico” da vida dos heróis em detrimento de sua certeza social.

Ostrovsky enfatizou nas peças desse período a proximidade de seus heróis mercantis com o povo, seus laços sociais e cotidianos com o campesinato. Dizem de si mesmos que são pessoas “simples”, “mal-educadas”, que seus pais eram camponeses.

Do ponto de vista artístico, estas peças são claramente mais fracas que as anteriores. Sua composição é deliberadamente simplificada, os personagens são menos claros e os finais são menos justificados.

As peças desse período são caracterizadas pelo didatismo; elas contrastam abertamente os princípios claros e sombrios, os personagens são nitidamente divididos em “bons” e “maus”, e o vício é punido no desfecho. As peças do “período eslavófilo” são caracterizadas por moralização aberta, sentimentalismo e edificação.

Ao mesmo tempo, deve-se dizer que durante este período Ostrovsky, em geral, permaneceu numa posição realista. De acordo com Dobrolyubov, “o poder do sentimento artístico direto não poderia abandonar o autor aqui e, portanto, situações particulares e personagens individuais são distinguidos pela verdade genuína”.

O significado das peças de Ostrovsky escritas durante este período reside principalmente no fato de que elas continuam a ridicularizar e condenar a tirania em quaisquer formas em que ela se manifeste / Nós amamos Tortsov /. (Se Bolshov é um tipo de tirano rude e direto, então Rusakov é amolecido e manso).

Dobrolyubov: “Em Bolshov vimos uma natureza vigorosa, sujeita à influência da vida mercantil, em Rusakov nos parece: mas é assim que até as naturezas honestas e gentis acabam com ele.”

Bolshov: “Para que servimos eu e meu pai se não dou ordens?”

Rusakov: “Não vou desistir por quem ela ama, mas por quem eu amo.”

O elogio à vida patriarcal combina-se contraditoriamente nestas peças com a formulação de questões sociais prementes e o desejo de criar imagens que incorporem os ideais nacionais (Rusakov, Borodkin), com simpatia pelos jovens que trazem novas aspirações, oposição a tudo o que é patriarcal. e velho. (Mitya, Lyubov Gordeevna).

Essas peças expressavam o desejo de Ostrovsky de encontrar um começo brilhante e positivo nas pessoas comuns.

É assim que surge o tema do humanismo popular, a amplitude da natureza do homem comum, que se expressa na capacidade de olhar o meio ambiente com ousadia e independência e na capacidade de às vezes sacrificar os próprios interesses pelo bem dos outros.

Este tema foi então ouvido em peças centrais de Ostrovsky como “A Tempestade”, “Floresta”, “Dote”.

A ideia de criar uma performance folclórica - uma performance didática - não era estranha a Ostrovsky quando ele criou “A pobreza não é um vício” e “Não viva do jeito que você quer”.

Ostrovsky procurou transmitir os princípios éticos do povo, a base estética de sua vida e evocar uma resposta de um espectador democrático à poesia de sua vida nativa e da antiguidade nacional.

Ostrovsky foi guiado pelo nobre desejo de “dar ao espectador democrático uma inoculação cultural inicial”. Outra coisa é a idealização da humildade, da obediência e do conservadorismo.

A avaliação de Slavophil é interessante nos artigos de Chernyshevsky “A pobreza não é um vício” e de Dobrolyubov “O Reino das Trevas”.

Chernyshevsky publicou seu artigo em 1854, quando Ostrovsky estava próximo dos eslavófilos e havia o perigo de Ostrovsky se afastar de posições realistas. Chernyshevsky chama as peças de Ostrovsky de “A pobreza não é um vício” e “Não se sente em seu próprio trenó” de “falsas”, mas continua: “Ostrovsky ainda não arruinou seu maravilhoso talento, ele precisa retornar à direção realista”. “Na verdade, o poder do talento, a direção errada destrói até o talento mais forte”, conclui Chernyshevsky.

O artigo de Dobrolyubov foi escrito em 1859, quando Ostrovsky se libertou das influências eslavófilas. Era inútil relembrar equívocos anteriores, e Dobrolyubov, limitando-se a uma vaga alusão a esse respeito, concentra-se em revelar o início realista dessas mesmas peças.

As avaliações de Chernyshevsky e Dobrolyubov complementam-se mutuamente e são um exemplo dos princípios da crítica democrática revolucionária.

No início de 1856, iniciou-se uma nova etapa na obra de Ostrovsky.

O dramaturgo se aproxima dos editores do Sovremennik. Esta aproximação coincide com o período de ascensão das forças sociais progressistas, com o amadurecimento de uma situação revolucionária.

Ele, como se seguisse o conselho de Nekrasov, retorna ao caminho do estudo da realidade social, ao caminho da criação de peças analíticas que retratam a vida moderna.

(Em uma resenha da peça “Não viva do jeito que você quer”, Nekrasov o aconselhou, abandonando todas as ideias preconcebidas, a seguir o caminho que seu próprio talento levaria: “dar livre desenvolvimento ao seu talento” - o caminho de retratar a vida real).

Chernyshevsky enfatiza “o talento maravilhoso, o talento forte de Ostrovsky. Dobrolyubov - “o poder do talento artístico” do dramaturgo.

Durante este período, Ostrovsky criou peças tão significativas como “O Aluno”, “Lugar Lucrativo”, a trilogia sobre Balzaminov e, finalmente, durante a situação revolucionária - “A Tempestade”.

Este período da obra de Ostrovsky é caracterizado, em primeiro lugar, por uma expansão do âmbito dos fenómenos da vida e uma expansão dos temas.

Em primeiro lugar, no campo da sua investigação, que incluía o proprietário de terras, o ambiente servo, Ostrovsky mostrou que o proprietário de terras Ulanbekova (“O Aluno”) zomba das suas vítimas tão cruelmente como os comerciantes analfabetos e obscuros.

Ostrovsky mostra que no ambiente nobre-proprietário, assim como no ambiente mercantil, a mesma luta ocorre entre ricos e pobres, mais velhos e mais jovens.

Além disso, durante o mesmo período, Ostrovsky levantou o tema do filistinismo. Ostrovsky foi o primeiro escritor russo a perceber e descobrir artisticamente o filistinismo como grupo social.

O dramaturgo descobriu no filistinismo um interesse predominante e eclipsador de todos os outros interesses pelas coisas materiais, o que Gorky mais tarde definiu como “um senso de propriedade monstruosamente desenvolvido”.

Na trilogia sobre Balzaminov (“Sono de férias - antes do almoço”, “Seus próprios cães estão mordendo, não incomode os de outra pessoa”, “O que você procura é o que você encontrará”) /1857-1861/, Ostrovsky denuncia o modo de existência burguês, com sua mentalidade e limitações, vulgaridade, sede de lucro, sonhos absurdos.

A trilogia sobre Balzaminov revela não apenas ignorância ou estreiteza de espírito, mas também uma espécie de miséria intelectual, a inferioridade da burguesia. A imagem é construída sobre a oposição dessa inferioridade mental, insignificância moral - e complacência, confiança no próprio direito.

Esta trilogia contém elementos de vaudeville, bufonaria e características de comédia externa. Mas nele predomina a comédia interna, já que a figura de Balzaminov é internamente cômica.

Ostrovsky mostrou que o reino dos filisteus é o mesmo reino sombrio de vulgaridade impenetrável, selvageria, que visa um objetivo - o lucro.

A peça seguinte, “Lugar Lucrativo”, indica o retorno de Ostrovsky ao caminho da dramaturgia “moral e acusatória”. Durante o mesmo período, Ostrovsky foi o descobridor de outro reino sombrio - o reino dos funcionários, a burocracia real.

Durante os anos da abolição da servidão, a denúncia das ordens burocráticas teve um significado político especial. A burocracia era a expressão mais completa do sistema autocrático-servo. Ele incorporou a essência exploradora e predatória da autocracia. Isto já não era apenas uma arbitrariedade quotidiana, mas uma violação de interesses comuns em nome da lei. É em conexão com esta peça que Dobrolyubov expande o conceito de “tirania”, entendendo por ele a autocracia em geral.

“A Profitable Place” lembra a comédia de N. Gogol “O Inspetor Geral” em termos de temas. Mas se no Inspector Geral os funcionários que cometem ilegalidade se sentem culpados e temem represálias, então os funcionários de Ostrovsky estão imbuídos da consciência da sua retidão e impunidade. O suborno e o abuso parecem ser a norma para eles e para aqueles que os rodeiam.

Ostrovsky enfatizou que a distorção de todas as normas morais na sociedade é uma lei, e a própria lei é algo ilusório. Tanto os funcionários como as pessoas que deles dependem sabem que as leis estão sempre do lado de quem detém o poder.

Assim, pela primeira vez na literatura, Ostrovsky mostra os funcionários como uma espécie de mercadores da lei. (O funcionário pode virar a lei do jeito que quiser).

Um novo herói também entrou na peça de Ostrovsky – um jovem oficial, Zhadov, que acabara de se formar na universidade. O conflito entre representantes da antiga formação e Zhadov adquire a força de uma contradição irreconciliável:

a/ Ostrovsky foi capaz de mostrar a inconsistência das ilusões sobre um funcionário honesto como uma força capaz de impedir os abusos da administração.

b/ luta contra o “Yusovismo” ou compromisso, traição de ideais - Zhadov não teve outra escolha.

Ostrovsky denunciou o sistema, as condições de vida que dão origem aos aceitadores de suborno. O significado progressivo da comédia reside no fato de que nela a negação irreconciliável do velho mundo e do “Yusovismo” se fundiu com a busca de uma nova moralidade.

Zhadov é uma pessoa fraca, ele não aguenta a luta, ele também vai perguntar " lugar lucrativo».

Chernyshevsky acreditava que a peça teria sido ainda mais forte se tivesse terminado no quarto ato, ou seja, com o grito de desespero de Zhadov: “Vamos ao tio pedir uma posição lucrativa!” Na quinta, Zhadov enfrenta o abismo que quase o destruiu moralmente. E, embora o fim de Vyshimirsky não seja típico, há um elemento de acaso na salvação de Zhadov, em suas palavras, em sua crença de que “em algum lugar existem outras pessoas mais persistentes e dignas” que não se comprometerão, não se reconciliarão, não cederão , falam sobre a perspectiva de maior desenvolvimento de novas relações sociais. Ostrovsky previu a ascensão social que se aproximava.

O rápido desenvolvimento do realismo psicológico, que observamos na segunda metade do século XIX, também se manifestou no drama. O segredo da escrita dramática de Ostrovsky não reside nas características unidimensionais dos tipos humanos, mas no desejo de criar personagens humanos de sangue puro, cujas contradições e lutas internas servem como um impulso poderoso para o movimento dramático. GA Tovstonogov falou bem sobre essa característica do estilo criativo de Ostrovsky, referindo-se em particular a Glumov da comédia “Simplicidade é suficiente para todo homem sábio”, um personagem longe de ser ideal: “Por que Glumov é encantador, embora cometa uma série de atos vis Afinal, se "Ele não tem simpatia por nós, então não há desempenho. O que o torna encantador é seu ódio por este mundo, e nós justificamos internamente sua forma de pagar isso."

O interesse pela personalidade humana em todos os seus estados forçou os escritores a buscar meios para sua expressão. No drama, o principal meio foi a individualização estilística da linguagem dos personagens, e o papel principal no desenvolvimento desse método pertenceu a Ostrovsky. Além disso, Ostrovsky tentou ir mais longe no psicologismo, no caminho de proporcionar aos seus personagens a máxima liberdade possível no âmbito do plano do autor - o resultado de tal experiência foi a imagem de Katerina em “A Tempestade”.

Em A Tempestade, Ostrovsky atingiu o nível de retratar a trágica colisão de sentimentos humanos vivos com a vida mortal de Domostroevsky.

Apesar da variedade de tipos de conflitos dramáticos apresentados nas primeiras obras de Ostrovsky, sua poética e sua atmosfera geral foram determinadas, em primeiro lugar, pelo fato de que a tirania era apresentada neles como um fenômeno natural e inevitável da vida. Mesmo as chamadas peças “eslavófilas”, com a sua busca por princípios bons e brilhantes, não destruíram nem perturbaram a atmosfera opressiva da tirania. A peça “A Tempestade” também é caracterizada por esse colorido geral. E, ao mesmo tempo, há nela uma força que resiste resolutamente à rotina terrível e mortal - este é o elemento do povo, expresso tanto em personagens folclóricos (Katerina, antes de tudo, Kuligin e até Kudryash), quanto em russo natureza, que se torna um elemento essencial da ação dramática.

A peça “A Tempestade”, que colocava questões complexas da vida moderna e apareceu impressa e no palco pouco antes da chamada “libertação” dos camponeses, testemunhou que Ostrovsky estava livre de quaisquer ilusões sobre os caminhos do desenvolvimento social na Rússia .

Mesmo antes da publicação, "The Thunderstorm" apareceu no palco russo. A estreia aconteceu em 16 de novembro de 1859 no Teatro Maly. A peça contou com a participação de atores magníficos: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Dikoy), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) e outros. A produção foi dirigida pelo próprio N. Ostrovsky. A estreia foi um grande sucesso e as apresentações subsequentes foram um triunfo. Um ano após a brilhante estreia de "The Thunderstorm", a peça recebeu o maior prêmio acadêmico - o Grande Prêmio Uvarov.

Em "A Tempestade", o sistema social da Rússia é fortemente exposto e a morte personagem principal mostrado pela dramaturga como consequência direta de sua situação desesperadora no “reino das trevas”. O conflito em “A Tempestade” baseia-se na colisão irreconciliável da amante da liberdade Katerina com o terrível mundo dos javalis e javalis, com leis animais baseadas na “crueldade, mentiras, zombaria e humilhação da pessoa humana. Katerina foi contra a tirania e o obscurantismo, armada apenas com o poder de seus sentimentos, consciência do direito à vida, à felicidade e ao amor. Segundo a justa observação de Dobrolyubov, ela “sente a oportunidade de saciar a sede natural de sua alma e não pode continuar imóvel : ela luta por uma nova vida, mesmo que tenha que morrer nesse impulso.”

Desde a infância, Katerina foi criada em um ambiente único, que se desenvolveu em seu devaneio romântico, religiosidade e sede de liberdade. Esses traços de caráter determinaram mais tarde a tragédia de sua situação. Educada com espírito religioso, ela entende a “pecaminosidade” de seus sentimentos por Boris, mas não resiste à atração natural e se entrega inteiramente a esse impulso.

Katerina fala não apenas contra “os conceitos de moralidade de Kabanov”. Ela protesta abertamente contra dogmas religiosos imutáveis ​​que afirmam a inviolabilidade categórica do casamento na igreja e condenam o suicídio como contrário ao ensinamento cristão. Tendo em mente esta plenitude do protesto de Katerina, Dobrolyubov escreveu: “Aqui verdadeira força personagem em que você pode confiar em qualquer caso! Esta é a altura a que a nossa vida nacional atinge no seu desenvolvimento, mas a que muito poucos na nossa literatura foram capazes de subir, e ninguém soube como permanecer nisso tão bem como Ostrovsky.”

Katerina não quer tolerar o ambiente mortal ao seu redor. “Eu não quero morar aqui, não vou, mesmo que você me corte!” ela diz a Varvara. E ela comete suicídio. “Triste, amarga é essa libertação”, observou Dobrolyubov, “mas o que fazer quando não há outra saída" A personagem de Katerina é complexa e multifacetada. Essa complexidade é mais eloquentemente evidenciada, talvez, pelo fato de que muitos artistas notáveis, partindo de traços de caráter dominantes aparentemente completamente opostos do personagem principal, nunca foram capazes de esgotá-lo completamente. Tudo isso várias interpretações não revelou totalmente o principal da personagem de Katerina: o seu amor, ao qual ela se entrega com toda a espontaneidade da sua natureza jovem. Sua experiência de vida é insignificante, acima de tudo, sua natureza possui um senso de beleza desenvolvido, uma percepção poética da natureza. Porém, seu caráter se dá no movimento, no desenvolvimento. Só a contemplação da natureza, como sabemos pela peça, não é suficiente para ela. São necessárias outras áreas de aplicação de forças espirituais. A oração, o serviço, os mitos também são meios de satisfazer o sentimento poético do personagem principal.

Dobrolyubov escreveu: “Não são os rituais que a ocupam na igreja: ela nem ouve o que cantam e lêem lá; ela tem músicas diferentes na alma, visões diferentes, para ela o serviço termina imperceptivelmente, como se fosse um segundo. Ela está ocupada por árvores, estranhamente desenhadas em imagens, e imagina todo um país de jardins, onde todas as árvores são assim, e tudo floresce, perfumado, tudo cheio de cantos celestiais. Caso contrário, em um dia ensolarado, ela verá como “um pilar tão brilhante desce da cúpula, e a fumaça se move neste pilar, como nuvens”, e agora ela vê, “como se anjos estivessem voando e cantando neste pilar." Às vezes ela se apresentará - por que ela não deveria voar? E quando ela está em uma montanha, ela é atraída para voar: sem mais nem menos, ela corre, levanta os braços e voa...”

Uma nova e inexplorada esfera de manifestação de seus poderes espirituais foi seu amor por Boris, que acabou se tornando a causa de sua tragédia. “A paixão de uma mulher nervosa e apaixonada e a luta contra as dívidas, a queda, o arrependimento e a difícil expiação da culpa - tudo isso é repleto do mais vivo interesse dramático e é conduzido com extraordinária arte e conhecimento do coração”, I. A. Goncharov corretamente anotado.

Quantas vezes a paixão e a espontaneidade da natureza de Katerina são condenadas, e a sua profunda luta espiritual é percebida como uma manifestação de fraqueza. Enquanto isso, nas memórias do artista E. B. Piunova-Schmidthof encontramos a curiosa história de Ostrovsky sobre sua heroína: “Katerina”, disse-me Alexander Nikolaevich, “é uma mulher com uma natureza apaixonada e um caráter forte. Ela provou isso com seu amor por Boris e pelo suicídio. Katerina, embora oprimida pelo ambiente, na primeira oportunidade se entrega à sua paixão, dizendo antes: “Aconteça o que acontecer, verei Boris!” Diante da imagem do inferno, Katerina não se enfurece e grita, mas apenas com seu rosto e figura inteira deve retratar o medo mortal. Na cena de despedida de Boris, Katerina fala baixinho, como uma paciente, e só últimas palavras: "Meu amigo! Minha alegria! Adeus!" - pronuncia o mais alto possível. A situação de Katerina tornou-se desesperadora. Você não pode morar na casa do seu marido... Não tem para onde ir. Para os pais? Sim, naquela época eles a teriam amarrado e levado para o marido. Katerina chegou à conclusão de que era impossível viver como vivia antes e, com muita vontade, afogou-se...”

“Sem medo de ser acusado de exagero”, escreveu I. A. Goncharov, “posso dizer com toda a consciência que não existia tal obra como drama na nossa literatura. Ela sem dúvida ocupa e provavelmente ocupará por muito tempo o primeiro lugar nas belezas clássicas. De qualquer lado que seja tomado, seja do plano de criação, seja do movimento dramático, ou, finalmente, dos personagens, é em todos os lugares capturado pelo poder da criatividade, pela sutileza da observação e pela graça da decoração.” Em “A Tempestade”, segundo Goncharov, “estabeleceu-se um quadro amplo da vida e da moral nacionais”.

Ostrovsky concebeu The Thunderstorm como uma comédia e depois chamou-a de drama. N. A. Dobrolyubov falou com muito cuidado sobre a natureza do gênero de “The Thunderstorm”. Ele escreveu que “as relações mútuas de tirania e falta de voz levam às consequências mais trágicas”.

Em meados do século XIX, a definição de Dobrolyubov de “jogo da vida” revelou-se mais ampla do que a divisão tradicional da arte dramática, que ainda sofria o peso das normas classicistas. Na dramaturgia russa, houve um processo de aproximação da poesia dramática com a realidade cotidiana, o que naturalmente afetou sua natureza de gênero. Ostrovsky, por exemplo, escreveu: “A história da literatura russa tem dois ramos que finalmente se fundiram: um ramo é enxertado e é fruto de uma semente estrangeira, mas bem enraizada; vai de Lomonosov a Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky e outros. para Pushkin, onde começa a convergir com outro; o outro - de Kantemir, passando pelas comédias do mesmo Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboyedov até Gogol; ambos estavam completamente fundidos nele; o dualismo acabou. Por um lado: odes louváveis, tragédias francesas, imitações dos antigos, a sensibilidade do final do século XVIII, o romantismo alemão, a literatura juvenil frenética; e por outro: sátiras, comédias, comédias e “ Almas Mortas“A Rússia parecia estar ao mesmo tempo, na pessoa dos seus melhores escritores, vivendo, período após período, a vida das literaturas estrangeiras e elevando a sua própria ao significado universal.”

A comédia, portanto, revelou-se mais próxima dos fenômenos cotidianos da vida russa, respondeu com sensibilidade a tudo o que preocupava o público russo e reproduziu a vida em suas manifestações dramáticas e trágicas. É por isso que Dobrolyubov se apegou tão obstinadamente à definição de “jogo da vida”, vendo nela não tanto um significado de gênero convencional, mas o próprio princípio de reproduzir a vida moderna no drama. Na verdade, Ostrovsky também falou sobre o mesmo princípio: “Muitas regras convencionais desapareceram e algumas mais irão desaparecer. Agora, as obras dramáticas nada mais são do que vida dramatizada." Este princípio determinou o desenvolvimento dos gêneros dramáticos ao longo das décadas subsequentes do século XIX. Em termos de gênero, “A Tempestade” é uma tragédia social e cotidiana.

A. I. Revyakin observa com razão que a principal característica da tragédia - “a representação de contradições irreconciliáveis ​​​​da vida que determinam a morte do personagem principal, que é uma pessoa notável” - é evidente em “A Tempestade”. A representação de uma tragédia nacional, é claro, implicou formas construtivas novas e originais de sua implementação. Ostrovsky falou repetidamente contra a maneira tradicional e inerte de construir obras dramáticas. “A Tempestade” também foi inovador nesse sentido. Ele falou sobre isso, não sem ironia, em uma carta a Turgenev datada de 14 de junho de 1874, em resposta à proposta de publicar “A Tempestade” traduzida para Francês: “Não custa nada imprimir “A Tempestade” numa boa tradução francesa; pode impressionar pela sua originalidade; mas se deve ser colocado no palco é algo para se pensar. Valorizo ​​muito a capacidade dos franceses de fazer jogadas e tenho medo de ofender o seu gosto delicado com a minha terrível inépcia. Do ponto de vista francês, a construção da “Tempestade” é feia, e devo admitir que não é nada coerente. Quando escrevi “The Thunderstorm”, fiquei entusiasmado com a finalização dos papéis principais e “tratei a forma com uma frivolidade imperdoável, e ao mesmo tempo tinha pressa para chegar a tempo para a apresentação beneficente do falecido Vasiliev .”

O raciocínio de A. I. Zhuravleva sobre a singularidade do gênero de “A Tempestade” é interessante: “O problema da interpretação do gênero é o mais importante na análise desta peça. Se nos voltarmos para as tradições científico-críticas e teatrais de interpretação desta peça, podemos identificar duas tendências predominantes. Uma delas é ditada pela compreensão de “A Tempestade” como um drama social e cotidiano, que atribui especial importância à vida cotidiana. A atenção dos diretores e, consequentemente, do público é distribuída igualmente entre todos os participantes da ação, cada pessoa recebe igual importância.”

Outra interpretação é determinada pela compreensão de “A Tempestade” como uma tragédia. Zhuravleva acredita que tal interpretação é mais profunda e tem “maior apoio no texto”, apesar de a interpretação de “A Tempestade” como drama se basear na definição de gênero do próprio Ostrovsky. O pesquisador observa com razão que “esta definição é uma homenagem à tradição”. Na verdade, toda a história anterior do drama russo não forneceu exemplos de tragédias em que os heróis fossem indivíduos particulares, e não figuras históricas, mesmo lendárias. A “tempestade” continuou a ser um fenómeno único neste aspecto. A chave para entender o gênero trabalho dramático neste caso, não é o “status social” dos heróis, mas, antes de tudo, a natureza do conflito. Se entendermos a morte de Katerina como resultado de uma colisão com a sogra e a considerarmos uma vítima da opressão familiar, então a escala dos heróis realmente parece pequena demais para uma tragédia. Mas se você perceber que o destino de Katerina foi determinado pela colisão de duas épocas históricas, então a natureza trágica do conflito parece bastante natural.

Uma característica típica de uma estrutura trágica é o sentimento de catarse vivenciado pelo público durante o desenlace. Com a morte, a heroína é libertada da opressão e das contradições internas que a atormentam.

Assim, o drama social e cotidiano da vida da classe mercantil se transforma em tragédia. Através do amor e do conflito cotidiano, Ostrovsky foi capaz de mostrar a mudança histórica que estava ocorrendo na consciência popular. O despertar do senso de personalidade e uma nova atitude em relação ao mundo, baseada não na expressão individual da vontade, revelaram-se em antagonismo irreconciliável não apenas com o estado real e cotidiano confiável do modo de vida patriarcal contemporâneo de Ostrovsky, mas também com o ideal ideia de moralidade inerente à alta heroína.

Esta transformação do drama em tragédia também ocorreu graças ao triunfo do elemento lírico em “A Tempestade”.

O simbolismo do título da peça é importante. Em primeiro lugar, a palavra “trovoada” tem um significado direto em seu texto. O personagem-título é incluído pelo dramaturgo no desenvolvimento da ação e dela participa diretamente como fenômeno natural. O motivo da tempestade se desenvolve na peça do primeiro ao quarto ato. Ao mesmo tempo, Ostrovsky também recriou a imagem de uma tempestade como uma paisagem: nuvens escuras cheias de umidade (“como se uma nuvem estivesse se enrolando em uma bola”), sentimos o entupimento do ar, ouvimos o estrondo do trovão , congelamos diante da luz do relâmpago.

O título da peça é sentido figurado. Uma tempestade assola a alma de Katerina, manifesta-se na luta entre princípios criativos e destrutivos, na colisão de pressentimentos claros e sombrios, sentimentos bons e pecaminosos. As cenas com Grokha parecem impulsionar a ação dramática da peça.

A tempestade na peça adquire e significado simbólico, expressando a ideia de toda a obra como um todo. O aparecimento de pessoas como Katerina e Kuligin no reino das trevas é uma tempestade sobre Kalinov. A tempestade da peça transmite a natureza catastrófica da existência, o estado de um mundo dividido em dois. A diversidade e versatilidade do título da peça tornam-se uma espécie de chave para uma compreensão mais profunda da sua essência.

“Na peça do Sr. Ostrovsky, que leva o nome de “A Tempestade”, escreveu A. D. Galakhov, “a ação e a atmosfera são trágicas, embora muitos lugares provoquem risos”. “A Tempestade” combina não apenas o trágico e o cômico, mas, o que é especialmente importante, o épico e o lírico. Tudo isso determina a originalidade da composição da peça. VE Meyerhold escreveu sobre isso de forma excelente: “A singularidade da construção da “Tempestade” é que Ponto mais alto Ostrovsky dá tensão no quarto ato (e não na segunda cena do segundo ato), e o aumento do roteiro não é gradual (do segundo ato ao terceiro ao quarto), mas com um empurrão, ou melhor, dois empurrões; a primeira subida é indicada no segundo ato, na cena da despedida de Katerina a Tikhon (a subida é forte, mas ainda não muito forte), e a segunda subida (muito forte - este é o choque mais sensível) no quarto ato , no momento do arrependimento de Katerina.

Entre estes dois actos (encenados como se estivessem no topo de duas colinas desiguais, mas em subida acentuada), o terceiro acto (com ambas as cenas) situa-se, por assim dizer, num vale.”

Não é difícil perceber que o esquema interno de construção de “A Tempestade”, sutilmente revelado pelo diretor, é determinado pelos estágios de desenvolvimento da personagem de Katerina, pelos estágios de desenvolvimento de seus sentimentos por Boris.

A. Anastasyev observa que a peça de Ostrovsky tem seu próprio destino especial. Por muitas décadas, “The Thunderstorm” não saiu do palco dos teatros russos; N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasiliev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova tornaram-se famosos por interpretar os papéis principais. P. A. Strepetova, O. O. Sadovskaya, A. Koonen , V. N. Pashennaya. E, ao mesmo tempo, “os historiadores do teatro não testemunharam performances completas, harmoniosas e notáveis”. O mistério não resolvido desta grande tragédia reside, segundo o investigador, “na sua natureza multiideacional, na fusão mais forte de verdade histórica inegável, incondicional, concreta e simbolismo poético, na combinação orgânica de ação real e princípios líricos profundamente ocultos .”

Normalmente, quando falam do lirismo de “A Tempestade”, referem-se, antes de tudo, ao sistema de visão de mundo do personagem principal da peça, de natureza lírica; falam também do Volga, que em sua forma mais geral a forma se opõe ao modo de vida do “celeiro” e evoca as efusões líricas de Kuligin. Mas o dramaturgo não conseguiu - devido às leis do gênero - incluir o Volga, as belas paisagens do Volga, ou a natureza em geral, no sistema de ação dramática. Ele mostrou apenas o caminho pelo qual a natureza se torna um elemento integrante ação de palco. A natureza aqui não é apenas objeto de admiração e admiração, mas também o principal critério de avaliação de todas as coisas, permitindo ver a irracionalidade e a antinaturalidade da vida moderna. “Ostrovsky escreveu The Thunderstorm? Volga escreveu “Tempestade”!” - exclamou o famoso especialista e crítico de teatro S. A. Yuryev.

“Toda verdadeira pessoa comum é ao mesmo tempo um verdadeiro romântico”, diria mais tarde a famosa figura teatral A. I. Yuzhin-Sumbatov, referindo-se a Ostrovsky. Um romântico no sentido amplo da palavra, surpreso com a correção e severidade das leis da natureza e com a violação dessas leis na vida pública. Isto é exatamente o que Ostrovsky discutiu em um de seus primeiros entradas diárias depois de chegar a Kostroma: “E do outro lado do Volga, bem em frente à cidade, há duas aldeias; “Um é especialmente pitoresco, de onde o bosque mais encaracolado se estende até o Volga; o sol ao pôr do sol de alguma forma subiu milagrosamente nele, desde as raízes, e criou muitos milagres.”

Partindo deste esboço paisagístico, Ostrovsky raciocinou:

“Eu estava exausto olhando para isso. Natureza - você é um amante fiel, apenas terrivelmente lascivo; não importa o quanto eu te ame, você ainda está insatisfeito; a paixão insatisfeita ferve em seu olhar, e por mais que você jure que não consegue satisfazer seus desejos, você não fica com raiva, não se afasta, mas olha tudo com seus olhos apaixonados, e esses olhares cheios de expectativa são execução e tormento para uma pessoa.”

O lirismo de “A Tempestade”, tão específico na forma (Ap. Grigoriev comentou sutilmente sobre isso: “... como se não fosse um poeta, mas um povo inteiro que criou aqui...”), surgiu precisamente no com base na proximidade do mundo do herói e do autor.

A orientação para um começo natural saudável tornou-se, nas décadas de 50 e 60, o princípio social e ético não apenas de Ostrovsky, mas de toda a literatura russa: de Tolstoi e Nekrasov a Tchekhov e Kuprin. Sem esta manifestação peculiar da voz do “autor” nas obras dramáticas, não podemos compreender plenamente o psicologismo de “A Pobre Noiva”, e a natureza do lírico em “A Tempestade” e “Dote”, e a poética do novo drama. final do século XIX século.

No final dos anos 60, o trabalho de Ostrovsky expandiu-se tematicamente extremamente. Ele mostra como o novo se mistura com o antigo: nas imagens familiares de seus mercadores vemos polimento e mundanismo, educação e modos “agradáveis”. Eles não são mais déspotas estúpidos, mas adquirentes predatórios, segurando em suas mãos não apenas uma família ou uma cidade, mas províncias inteiras. Uma grande variedade de pessoas se encontra em conflito com eles; seu círculo é infinitamente amplo. E o pathos acusatório das peças é mais forte. Os melhores deles: “Coração Quente”, “Dinheiro Louco”, “Floresta”, “Lobos e Ovelhas”, “A Última Vítima”, “Dote”, “Talentos e Admiradores”.

As mudanças no trabalho de Ostrovsky durante o seu último período são claramente visíveis se compararmos, por exemplo, “Coração Quente” com “Tempestade”. O comerciante Kuroslepov é um comerciante famoso da cidade, mas não tão formidável quanto Dikoy, ele é um tanto excêntrico, não entende a vida e está ocupado com seus sonhos. Sua segunda esposa, Matryona, está claramente tendo um caso com o balconista Narkis. Ambos roubam o proprietário e Narkis quer se tornar um comerciante. Não, o “reino das trevas” não é mais monolítico. O modo de vida Domostroevsky não salvará mais a obstinação do prefeito Gradoboev. As farras desenfreadas do rico comerciante Khlynov são símbolos de vida desperdiçada, decadência e absurdo: Khlynov ordena que as ruas sejam regadas com champanhe.

Parasha é uma garota com um “coração caloroso”. Mas se Katerina em “The Thunderstorm” for vítima de um marido não correspondido e de um amante obstinado, então Parasha está ciente de sua poderosa força espiritual. Ela também quer “voar para cima”. Ela ama e amaldiçoa o caráter fraco e a indecisão de seu amante: “Que tipo de cara é esse, que tipo de bebê chorão me forçou... Aparentemente, tenho que pensar na minha própria cabeça”.

O desenvolvimento do amor de Yulia Pavlovna Tugina pelo indigno jovem folião Dulchin em “A Última Vítima” é mostrado com grande tensão. Nos dramas posteriores de Ostrovsky há uma combinação de situações cheias de ação com características psicológicas detalhadas dos personagens principais. Grande ênfase é dada às vicissitudes do tormento que vivenciam, em que a luta do herói ou heroína consigo mesmo, com seus próprios sentimentos, erros e suposições começa a ocupar um lugar de destaque.

A este respeito, "Dowry" é típico. Aqui, talvez pela primeira vez, a atenção do autor está voltada para o próprio sentimento da heroína, que escapou dos cuidados da mãe e do antigo modo de vida. Nesta peça não há uma luta entre a luz e as trevas, mas a luta do próprio amor pelos seus direitos e liberdade. A própria Larisa preferia Paratova a Karandysheva. As pessoas ao seu redor violaram cinicamente os sentimentos de Larisa. Ela foi abusada por uma mãe que queria “vender” sua filha “sem dote” para um homem endinheirado que era vaidoso de ser o dono de tal tesouro. Paratov abusou dela, enganando suas melhores esperanças e considerando o amor de Larisa uma das alegrias passageiras. Tanto Knurov quanto Vozhevatov abusaram um do outro, jogando um com o outro.

Aprendemos com a peça “Lobos e Ovelhas” em que cínicos se transformaram os proprietários de terras na Rússia pós-reforma, prontos a recorrer à falsificação, à chantagem e ao suborno para fins egoístas. Os “lobos” são o proprietário de terras Murzavetskaya, o proprietário de terras Berkutov, e as “ovelhas” são a jovem viúva rica Kupavina, o velho cavalheiro de vontade fraca Lynyaev. Murzavetskaya quer casar seu sobrinho dissoluto com Kupavina, “assustando-a” com as contas antigas de seu falecido marido. Na verdade, os projetos de lei foram forjados pelo advogado de confiança Chugunov, que também atua como Kupavina. Berkutov, proprietário de terras e empresário, chegou de São Petersburgo, mais vil que os canalhas locais. Ele imediatamente percebeu o que estava acontecendo. Ele tomou Kupavina com seu enorme capital em suas mãos, sem falar sobre seus sentimentos. Tendo habilmente “assustado” Murzavetskaya ao expor a falsificação, ele imediatamente concluiu uma aliança com ela: era importante para ele vencer a eleição para líder da nobreza. Ele é o verdadeiro “lobo”, todos os outros próximos a ele são “ovelhas”. Ao mesmo tempo, na peça não há divisão nítida entre canalhas e inocentes. Parece haver algum tipo de conspiração vil entre os “lobos” e as “ovelhas”. Todos fazem guerra uns com os outros e ao mesmo tempo facilmente fazem as pazes e encontram benefícios comuns.

Uma das melhores peças de todo o repertório de Ostrovsky, aparentemente, é a peça “Guilty Without Guilt”. Combina os motivos de muitos trabalhos anteriores. A atriz Kruchinina, personagem principal, mulher de alta cultura espiritual, viveu uma grande tragédia em sua vida. Ela é gentil e generosa, calorosa e sábia. No auge da bondade e do sofrimento está Kruchinina. Se você quiser, ela é um “raio de luz” no “reino das trevas”, ela é a “última vítima”, ela é um “coração caloroso”, ela é um “dote”, há “fãs” ao seu redor, isto é, “lobos” predadores, gananciosos e cínicos. Kruchinina, ainda sem assumir que Neznamov é seu filho, o instrui na vida, revela seu coração insensível: “Sou mais experiente que você e vivi mais no mundo; Eu sei que existe muita nobreza nas pessoas, muito amor, abnegação, principalmente nas mulheres.”

Esta peça é um panegírico à mulher russa, a apoteose de sua nobreza e auto-sacrifício. Esta é também a apoteose do ator russo, cuja verdadeira alma Ostrovsky conhecia bem.

Ostrovsky escreveu para o teatro. Essa é a peculiaridade de seu talento. As imagens e imagens da vida que ele criou são destinadas ao palco. É por isso que o discurso dos heróis de Ostrovsky é tão importante, é por isso que suas obras soam tão vívidas. Não admira que Innokenty Annensky o tenha chamado de “realista auditivo”. Sem encenar suas obras no palco, era como se suas obras não tivessem sido concluídas, razão pela qual Ostrovsky sofreu tanto com a proibição de suas peças pela censura teatral. (A comédia “Seremos numerados como nosso próprio povo” foi autorizada a ser encenada no teatro apenas dez anos depois que Pogodin conseguiu publicá-la na revista.)

Com um sentimento de indisfarçável satisfação, A. N. Ostrovsky escreveu em 3 de novembro de 1878 ao seu amigo, artista do Teatro de Alexandria A. F. Burdin: “Já li minha peça cinco vezes em Moscou, entre os ouvintes havia pessoas hostis a mim, e isso é tudo." reconheceu por unanimidade "The Dowry" como o melhor de todos os meus trabalhos."

Ostrovsky vivia com o “Dote”, às vezes apenas sobre ele, seu quadragésimo consecutivo, direcionava “sua atenção e força”, querendo “terminar” da maneira mais cuidadosa. Em setembro de 1878, ele escreveu a um de seus conhecidos: “Estou trabalhando com todas as minhas forças na minha peça; parece que não vai acabar mal”.

Já um dia depois da estreia, em 12 de novembro, Ostrovsky pôde, e sem dúvida o fez, aprender com Russkiye Vedomosti como ele conseguiu “cansar todo o público, até os espectadores mais ingênuos”. Pois ela – o público – claramente “superou” os espetáculos que ele lhe oferece.

Na década de setenta, a relação de Ostrovsky com a crítica, os teatros e o público tornou-se cada vez mais complexa. O período em que gozou de reconhecimento universal, que conquistou no final dos anos cinquenta e início dos anos sessenta, foi substituído por outro, crescendo cada vez mais em diferentes círculos de esfriamento em relação ao dramaturgo.

A censura teatral era mais rigorosa do que a censura literária. Isto não é coincidência. Na sua essência, a arte teatral é democrática; dirige-se ao público em geral mais diretamente do que a literatura. Ostrovsky, em sua "Nota sobre o estado da arte dramática na Rússia na atualidade" (1881), escreveu que "a poesia dramática está mais próxima do povo do que outros ramos da literatura. Todas as outras obras são escritas para pessoas educadas, e dramas e as comédias são escritas para todo o povo; obras dramáticas "Os escritores devem sempre lembrar disso, devem ser claros e fortes. Esta proximidade com o povo não degrada em nada a poesia dramática, mas, pelo contrário, duplica a sua força e faz não permita que se torne vulgar e esmagado." Ostrovsky fala em sua “Nota” sobre como o público teatral na Rússia se expandiu depois de 1861. Ostrovsky escreve sobre um novo espectador, não experiente em arte: “A boa literatura ainda é chata e incompreensível para ele, a música também, só o teatro lhe dá prazer total, lá ele vivencia tudo o que acontece no palco como uma criança, simpatiza com o bem e reconhece o mal, claramente apresentado." Para um “público novo”, escreveu Ostrovsky, “é necessário um drama forte, uma grande comédia, risadas desafiadoras, francas e altas, sentimentos quentes e sinceros”. É o teatro, segundo Ostrovsky, que tem suas raízes na farsa folclórica, que tem a capacidade de influenciar direta e fortemente a alma das pessoas. Duas décadas e meia depois, Alexander Blok, falando de poesia, escreverá que sua essência está nas verdades principais, “ambulantes”, na capacidade de transmiti-las ao coração do leitor.

Cavalguem, chatos de luto!

Atores, dominem seu ofício,

Então, a partir da verdade ambulante

Todos sentiram dor e luz!

("Balagan"; 1906)

A enorme importância que Ostrovsky atribuiu ao teatro, seus pensamentos sobre a arte teatral, sobre a posição do teatro na Rússia, sobre o destino dos atores - tudo isso se refletiu em suas peças.

Na vida do próprio Ostrovsky, o teatro desempenhou um papel importante. Participou da produção de suas peças, trabalhou com os atores, foi amigo de muitos deles e se correspondeu com eles. Ele se esforçou muito para defender os direitos dos atores, buscando a criação de uma escola de teatro e de seu próprio repertório na Rússia.

Ostrovsky conhecia bem a vida interior, nos bastidores do teatro, escondida dos olhos do público. Começando com "A Floresta" (1871), Ostrovsky desenvolve o tema do teatro, cria imagens de atores, retrata seus destinos - esta peça é seguida por "Comediante do Século XVII" (1873), "Talentos e Admiradores" (1881 ), "Culpado sem culpa" (1883).

O teatro retratado por Ostrovsky vive de acordo com as leis do mundo que são familiares ao leitor e ao espectador em suas outras peças. A forma como os destinos dos artistas se desenvolvem é determinada pela moral, pelos relacionamentos e pelas circunstâncias da vida “geral”. A capacidade de Ostrovsky de recriar uma imagem precisa e vívida do tempo se manifesta plenamente em peças sobre atores. Esta é Moscou na era do czar Alexei Mikhailovich ("Comediante do século 17"), uma cidade provinciana contemporânea de Ostrovsky ("Talentos e admiradores", "Culpado sem culpa"), uma propriedade nobre ("Floresta").

Na vida do teatro russo, que Ostrovsky conhecia tão bem, o ator era uma pessoa forçada, repetidamente dependente. “Então chegou a hora dos favoritos, e todas as ordens gerenciais do fiscal de repertório consistiam em instruções ao diretor-chefe para tomar todos os cuidados possíveis na compilação do repertório para que os favoritos, que recebem grandes pagamentos pela apresentação, tocassem todos os dias e, se possível, em dois teatros”, escreveu Ostrovsky em “Nota sobre o projeto de regras para teatros imperiais para obras dramáticas” (1883).

Na interpretação de Ostrovsky, os atores podem acabar sendo quase mendigos, como Neschastlivtsev e Schastlivtsev em "A Floresta", humilhados, perdendo a aparência humana devido à embriaguez, como Robinson em "Dowry", como Shmaga em "Guilty Without Guilt", como Erast Gromilov em “Talentos” e fãs”, “Nós, artistas, nosso lugar é no bufê”, diz Shmaga com desafio e ironia maligna.

O teatro, a vida das atrizes provinciais no final dos anos 70, na época em que Ostrovsky escreveu peças sobre atores, também mostrou M.E. Saltykov-Shchedrin no romance "Os Golovlevs". As sobrinhas de Judushka, Lyubinka e Anninka, tornam-se atrizes, escapando da vida de Golovlev, mas acabam em uma toca. Não tinham talento nem formação, não tinham formação em atuação, mas tudo isso não era exigido no cenário provincial. A vida dos atores aparece nas memórias de Anninka como um inferno, como um pesadelo: “Aqui está uma cena com cenário esfumaçado, capturado e escorregadio por causa da umidade; aqui ela mesma está girando no palco, apenas girando, imaginando que está atuando... Noites de bebedeira e de luta; proprietários de terras que passavam tirando apressadamente moedas verdes de carteiras magras; comerciantes de mãos dadas, encorajando os “atores” quase com um chicote nas mãos.” E a vida nos bastidores é feia, e o que se passa no palco é feio: “...E a Duquesa de Gerolstein, deslumbrante com boné de hussardo, e Cleretta Ango, em vestido de noiva, com fenda na frente até até a cintura, e a Linda Helena, com fenda na frente, atrás e por todos os lados... Nada além de descaramento e nudez... assim se passava a vida!” Esta vida leva Lyubinka ao suicídio.

As semelhanças entre Shchedrin e Ostrovsky na representação do teatro provincial são naturais - ambos escrevem sobre o que sabiam bem, escrevem a verdade. Mas Shchedrin é um satírico impiedoso, engrossa tanto as cores que a imagem se torna grotesca, enquanto Ostrovsky dá uma imagem objetiva da vida, sua " reino sombrio“não é desesperador - não foi em vão que N. Dobrolyubov escreveu sobre o “raio de luz”.

Essa característica de Ostrovsky foi notada pelos críticos mesmo quando suas primeiras peças apareceram. “...A capacidade de retratar a realidade como ela é - “fidelidade matemática à realidade”, a ausência de qualquer exagero... Tudo isto não são os traços distintivos da poesia de Gogol; todos estes são os traços distintivos do novo comédia”, escreveu B. Almazov no artigo “Um sonho segundo a ocasião de uma comédia”. Já em nosso tempo, o crítico literário A. Skaftymov em sua obra “Belinsky e o drama de AN Ostrovsky” observou que “a diferença mais marcante entre as peças de Gogol e Ostrovsky é que Gogol não tem vítima do vício, enquanto em Ostrovsky há sempre uma vítima sofredora vício... Ao retratar o vício, Ostrovsky protege algo dele, protege alguém... Assim, todo o conteúdo da peça muda. A peça é colorida com lirismo sofrido, entra no desenvolvimento de fresco, sentimentos moralmente puros ou poéticos; os esforços do autor são direcionados para "destacar nitidamente a legalidade, a verdade e a poesia internas da verdadeira humanidade, oprimida e expulsa em um ambiente de interesse próprio e engano predominantes". A abordagem de Ostrovsky para retratar a realidade, diferente da de Gogol, é explicada, é claro, pela originalidade de seu talento, pelas propriedades “naturais” do artista, mas também (isso também não deve ser esquecido) pela mudança dos tempos: maior atenção ao indivíduo, aos seus direitos, reconhecimento do seu valor.

DENTRO E. Nemirovich-Danchenko no livro “O Nascimento do Teatro” escreve sobre o que torna as peças de Ostrovsky especialmente cênicas: “uma atmosfera de bondade”, “simpatia clara e firme por parte dos ofendidos, à qual a sala do teatro é sempre extremamente sensível .”

Nas peças sobre teatro e atores, Ostrovsky certamente tem a imagem de um verdadeiro artista e pessoa maravilhosa. Na vida real, Ostrovsky conhecia muitas pessoas excelentes em mundo do teatro, os valorizava muito e os respeitava. L. Nikulina-Kositskaya, que interpretou brilhantemente Katerina em “The Thunderstorm”, desempenhou um grande papel em sua vida. Ostrovsky era amigo do artista A. Martynov, tinha uma consideração incomum por N. Rybakov, G. Fedotov e M. Ermolov atuaram em suas peças; P. Strepetova.

Na peça “Guilty Without Guilt”, a atriz Elena Kruchinina afirma: “Sei que as pessoas têm muita nobreza, muito amor, altruísmo”. E a própria Otradina-Kruchinina pertence a pessoas tão maravilhosas e nobres, ela é uma artista maravilhosa, inteligente, significativa, sincera.

"Oh, não chore; eles não valem suas lágrimas. Você é uma pomba branca em um bando preto de gralhas, então eles o bicam. Sua brancura, sua pureza é ofensiva para eles", diz Narokov em "Talentos e Admiradores” para Sasha Negina.

A imagem mais marcante de um nobre ator criada por Ostrovsky é a do trágico Neschastlivtsev em “A Floresta”. Ostrovsky retrata uma pessoa “viva”, com um destino difícil, com uma triste história de vida. Neschastlivtsev, que bebe muito, não pode ser chamado de “pomba branca”. Mas ele muda ao longo da peça: a situação do enredo lhe dá a oportunidade de revelar plenamente as melhores características de sua natureza. Se a princípio o comportamento de Neschastlivtsev revela a postura inerente a um trágico provinciano e sua predileção pela declamação pomposa (nesses momentos ele é ridículo); se, ao bancar o mestre, ele se encontra em situações absurdas, então, tendo percebido o que está acontecendo na propriedade Gurmyzhskaya, que lixo é sua amante, ele participa ardentemente do destino de Aksyusha e mostra excelentes qualidades humanas. Acontece que o papel nobre herói para ele é orgânico, este é verdadeiramente o seu papel - e não só no palco, mas também na vida.

Na sua opinião, a arte e a vida estão inextricavelmente ligadas, o ator não é um ator, não é um pretendente, a sua arte é baseada em sentimentos genuínos, em experiências genuínas, não deve ter nada a ver com fingimentos e mentiras na vida. Este é o significado da observação que Gurmyzhskaya lança sobre ela e toda a sua companhia de Neschastlivtsev: “...Nós somos artistas, nobres artistas, e vocês são os comediantes”.

O principal comediante na performance de vida representada em “The Forest” é Gurmyzhskaya. Ela escolhe para si o papel atraente e simpático de uma mulher com regras morais estritas, uma filantropa generosa que se dedica a boas ações(“Senhores, eu realmente vivo para mim mesma? Tudo o que tenho, todo o meu dinheiro pertence aos pobres. Sou apenas uma escriturária com meu dinheiro, e o dono dele é todo pobre, todo infeliz”, ela inspira aqueles ao seu redor dela). Mas tudo isso é atuação, uma máscara que esconde sua verdadeira face. Gurmyzhskaya engana, finge ser bondosa, nem pensou em fazer nada pelos outros, ajudar alguém: "Por que me emocionei! Você interpreta e desempenha um papel, e depois se deixa levar." Gurmyzhskaya não apenas desempenha um papel que lhe é completamente estranho, mas também força os outros a desempenharem junto com ela, impõe-lhes papéis que deveriam apresentá-la da maneira mais favorável: Neschastlivtsev é designado para desempenhar o papel de um sobrinho agradecido que ama dela. Aksyusha é o papel da noiva, Bulanov é o noivo de Aksyusha. Mas Aksyusha se recusa a fazer uma comédia para ela: “Não vou me casar com ele; então por que esta comédia?” Gurmyzhskaya, não escondendo mais o fato de ser a diretora da peça que está sendo encenada, rudemente coloca Aksyusha em seu lugar: "Comédia! Como você ousa? Mesmo que seja uma comédia, vou alimentá-lo e vesti-lo, e eu' vou fazer você interpretar uma comédia.

O comediante Schastlivtsev, que se revelou mais perspicaz do que o trágico Neschastlivtsev, que primeiro acreditou no desempenho de Gurmyzhskaya, descobriu a real situação diante dele, diz a Neschastlivtsev: “O estudante do ensino médio é aparentemente mais inteligente; ele desempenha o papel aqui melhor que o seu... Ele é o amante que brinca, e você é... um simplório."

O espectador é apresentado ao verdadeiro Gurmyzhskaya, sem a máscara protetora farisaica - uma senhora gananciosa, egoísta, enganosa e depravada. A performance que ela realizou perseguia objetivos baixos, vis e sujos.

Muitas das peças de Ostrovsky apresentam um "teatro" da vida tão enganoso. Podkhalyuzin na primeira peça de Ostrovsky "Nosso povo - vamos ser numerados" desempenha o papel da pessoa mais devotada e fiel ao proprietário e assim atinge seu objetivo - tendo enganado Bolshov, ele próprio se torna o proprietário. Glumov, na comédia “Every Wise Man Has Enough Simplicity”, constrói uma carreira em um jogo complexo, colocando uma máscara ou outra. Só o acaso o impediu de atingir seu objetivo na intriga que iniciou. Em "Dowry", não apenas Robinson, entretendo Vozhevatov e Paratov, se apresenta como um senhor. O engraçado e patético Karandyshev tenta parecer importante. Tendo se tornado noivo de Larisa, ele "... levantou a cabeça tão alto que, eis que esbarraria em alguém. Além disso, ele colocou óculos por algum motivo, mas nunca os usou. Ele se curva e mal acena com a cabeça", diz Vozhevatov . Tudo o que Karandyshev faz é artificial, tudo é para exibição: o lamentável cavalo que ele ganhou, o tapete com armas baratas na parede e o jantar que ele oferece. Paratov é um homem - calculista e sem alma - que desempenha o papel de uma natureza quente e incontrolavelmente ampla.

Teatro na vida, máscaras impressionantes nascem da vontade de disfarçar, de esconder algo imoral, vergonhoso, de se fazer passar pelo preto como branco. Por trás de tal desempenho geralmente há cálculo, hipocrisia e interesse próprio.

Neznamov na peça “Guilty Without Guilt”, sendo vítima da intriga que Korinkina iniciou, e acreditando que Kruchinina estava apenas fingindo ser uma mulher gentil e nobre, diz com amargura: “Atriz! atriz! Apenas jogue no palco. Lá eles pagam dinheiro por um bom fingimento.” “E para brincar na vida com corações simples e crédulos, que não precisam do jogo, que pedem a verdade... devemos ser executados por isso... não precisamos engano! Dê-nos a verdade, a pura verdade!" O herói da peça expressa aqui uma ideia muito importante para Ostrovsky sobre o teatro, sobre seu papel na vida, sobre a natureza e o propósito da atuação. Ostrovsky contrasta a comédia e a hipocrisia da vida com a arte no palco cheia de verdade e sinceridade. O verdadeiro teatro e a performance inspirada de um artista são sempre morais, trazem o bem e iluminam as pessoas.

As peças de Ostrovsky sobre atores e teatro, que refletiam com precisão as circunstâncias da realidade russa nas décadas de 70 e 80 do século passado, contêm reflexões sobre a arte que ainda estão vivas hoje. São pensamentos sobre o destino difícil, por vezes trágico, de um verdadeiro artista, que, ao realizar-se, se esgota e se esgota, sobre a felicidade da criatividade que encontra, sobre a dedicação total, sobre a elevada missão da arte, que afirma o bem e humanidade. O próprio Ostrovsky se expressou, revelou sua alma nas peças que criou, talvez especialmente abertamente em peças sobre teatro e atores. Muito deles está em consonância com o que o poeta do nosso século escreve em versos maravilhosos:

Quando uma linha é ditada por um sentimento,

Envia um escravo para o palco,

E é aqui que a arte termina,

E o solo e o destino respiram.

(B. Pasternak" Ah, eu gostaria de saber

que isso aconteça...").

Gerações inteiras de maravilhosos artistas russos cresceram assistindo a produções das peças de Ostrovsky. Além dos Sadovskys, há também Martynov, Vasilyeva, Strepetova, Ermolova, Massalitinova, Gogoleva. As paredes do Teatro Maly viram o grande dramaturgo vivo, e suas tradições ainda se multiplicam no palco.

O domínio dramático de Ostrovsky é propriedade do teatro moderno e objeto de estudo aprofundado. Não está nada desatualizado, apesar da natureza um tanto antiquada de muitas técnicas. Mas esta antiquação é exactamente igual à do teatro de Shakespeare, de Molière, de Gogol. Estes são diamantes antigos e genuínos. As peças de Ostrovsky contêm possibilidades ilimitadas de atuação no palco e crescimento da atuação.

A principal força do dramaturgo é a verdade que tudo conquista, a profundidade da tipificação. Dobrolyubov também observou que Ostrovsky retrata não apenas tipos de comerciantes e proprietários de terras, mas também tipos universais. Todos os sinais estão diante de nós a arte mais elevada que é imortal.

A originalidade da dramaturgia de Ostrovsky e sua inovação manifestam-se de maneira especialmente clara na tipificação. Se as ideias, os temas e os enredos revelam a originalidade e a inovação do conteúdo da dramaturgia de Ostrovsky, então os princípios da tipificação dos personagens também dizem respeito à sua representação artística e à sua forma.

A. N. Ostrovsky, que deu continuidade e desenvolveu as tradições realistas do drama da Europa Ocidental e da Rússia, foi atraído, via de regra, não por personalidades excepcionais, mas por personagens sociais comuns, comuns, de maior ou menor tipicidade.

Quase todo personagem de Ostrovsky é único. Ao mesmo tempo, o individual em suas peças não contradiz o social.

Ao individualizar seus personagens, o dramaturgo descobre o dom da penetração mais profunda em seu mundo psicológico. Muitos episódios das peças de Ostrovsky são obras-primas de representação realista da psicologia humana.

“Ostrovsky”, escreveu Dobrolyubov com razão, “sabe como olhar nas profundezas da alma de uma pessoa, sabe como distinguir a natureza de todas as deformidades e crescimentos externamente aceitos; É por isso que a opressão externa, o peso de toda a situação que oprime uma pessoa, é sentida em suas obras com muito mais força do que em muitas histórias, de conteúdo terrivelmente ultrajante, mas com o lado externo e oficial da questão ofuscando completamente o interno, humano lado." Na capacidade de “perceber a natureza, penetrar nas profundezas da alma de uma pessoa, capturar seus sentimentos, independentemente da representação de suas relações oficiais externas”, Dobrolyubov reconheceu uma das principais e melhores propriedades do talento de Ostrovsky.

Em seu trabalho com personagens, Ostrovsky aprimorou constantemente as técnicas de seu domínio psicológico, ampliando a gama de cores utilizadas, complicando a coloração das imagens. Em seu primeiro trabalho temos caracteres brilhantes, mas mais ou menos de uma linha dos personagens. Outros trabalhos fornecem exemplos de uma divulgação mais aprofundada e complicada de imagens humanas.

No drama russo, a escola Ostrovsky é naturalmente designada. Inclui I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya. Solovyov, P. M. Nevezhin, I. A. Kupchinsky. Estudando com Ostrovsky, I. F. Gorbunov criou cenas maravilhosas da vida do comerciante e artesão burguês. Seguindo Ostrovsky, A. A. Potekhin revelou em suas peças o empobrecimento da nobreza (“O Mais Novo Oráculo”), a essência predatória da burguesia rica (“O Culpado”), o suborno, o carreirismo da burocracia (“Ouropel”), a beleza espiritual do campesinato (“Um casaco de pele de ovelha - a alma humana”), o surgimento de novas pessoas de tendência democrática (“The Cut Off Chunk”). O primeiro drama de Potekhin, “A Corte Humana Não é Deus”, que apareceu em 1854, lembra as peças de Ostrovsky, escritas sob a influência do eslavofilismo. No final dos anos 50 e início dos anos 60, as peças de I. E. Chernyshev, artista do Teatro Alexandrinsky e colaborador permanente da revista Iskra, eram muito populares em Moscou, São Petersburgo e nas províncias. Estas peças, escritas num espírito liberal-democrático, imitando claramente o estilo artístico de Ostrovsky, impressionaram pela exclusividade dos personagens principais e pela apresentação aguda de questões morais e cotidianas. Por exemplo, na comédia “O Noivo do Ramo da Dívida” (1858), tratava-se de um homem pobre tentando se casar com um rico proprietário de terras, na comédia “O dinheiro não compra a felicidade” (1859), um comerciante predatório sem alma foi retratado; no drama “Pai da Família” (1860), um proprietário de terras tirano, e na comédia “Vida Estragada” (1862), eles retratam um funcionário extraordinariamente honesto e gentil, sua esposa ingênua e um tolo desonestamente traiçoeiro que violou sua felicidade.

Sob a influência de Ostrovsky, dramaturgos como A. I. Sumbatov-Yuzhin, Vl. I. foram formados mais tarde, no final do século XIX e início do século XX. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naydenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich e muitos outros.

A autoridade inquestionável de Ostrovsky como o primeiro dramaturgo do país foi reconhecida por todas as figuras literárias progressistas. Apreciando muito a dramaturgia de Ostrovsky como “nacional”, ouvindo seus conselhos, L. N. Tolstoy enviou-lhe a peça “O Primeiro Destilador” em 1886. Chamando Ostrovsky de “o pai do drama russo”, o autor de “Guerra e Paz” pediu-lhe, numa carta anexa, que lesse a peça e expressasse o seu “veredicto paterno” sobre ela.

As peças de Ostrovsky, as mais progressistas na dramaturgia do segundo metade do século XIX século, constituem um passo em frente no desenvolvimento da arte dramática mundial, um capítulo independente e importante.

A enorme influência de Ostrovsky na dramaturgia dos povos russos, eslavos e outros é inegável. Mas seu trabalho não está ligado apenas ao passado. Ele vive ativamente no presente. Pela sua contribuição para o repertório teatral, expressão da vida atual, o grande dramaturgo é nosso contemporâneo. A atenção ao seu trabalho não diminui, mas aumenta.

Ostrovsky atrairá por muito tempo as mentes e os corações dos telespectadores nacionais e estrangeiros com o pathos humanista e otimista de suas idéias, a generalização profunda e ampla de seus heróis, o bem e o mal, suas propriedades humanas universais e a singularidade de seu original habilidade dramática.