Varför ska jag rita från naturen, och inte från fotografier. Alltför uppriktiga klassiska målningar som kan förvirra vem som helst Naken i världsmålning

Vi är vana vid att skylla modern konst i brist på idéer och en förkärlek för pornografi. Men är de oskyldiga gamla klassiska målningar, kära i hjärtat av esteter och kyskhetskännare? Vid närmare granskning bland dukarna kända genier målning kan du hitta mästerverk med uppriktiga intriger som kan få moderna, världsliga kännare av "jordgubbar" att rodna. (Varning! Naken).

"Leda och svanen"

Om vi ​​pratar om den mest obetydliga klassiska handlingen, kommer den välförtjänta palmen att ges till den antika berättelsen om närheten till guden Zeus och den vackra Leda. Enligt legenden visade sig en invånare i Olympus för flickan inkognito, i skepnad av en svan, men lyckades ändå ingå ett förhållande med henne och till och med få avkommor.

Under det senaste årtusendet var det bara de lata som inte åtog sig att skildra scenen för samlaget mellan en skönhet och en fågel. Detta öde passerade inte och de stora - handlingen som satte tänderna på kant utnyttjades av Boucher, Michelangelo och till och med Leonardo. François Boucher erbjöd 1740 den mest oanständiga tolkningen av historien, och visade på anatomiska drag som är vanliga att drapera skamfullt.

Tidigare erbjöd den store Michelangelo sin vision av situationen, som, även om han undvek överdrivna detaljer, fortfarande inte kunde motstå och porträtterade paret rätt under onaturligt samlag mellan arter.

Mot bakgrund av allt detta verkar målningen av Leonardo da Vinci bara vara en illustration av Pusjkins sagor för skolbarn. lägre betyg. På hans duk har allt redan hänt och Leda ser med uttråkad min hur helt friska ettåriga bebisar kläcks från äggen hon lagt.

För oss verkar denna idylliska scen ganska anständig, men det var det inte alltid. Renässansmästarnas målningar förstördes i början av 1700-talet av Ludvig XIV:s åldrade älskarinna, Marquise de Maintenon, som oanständiga. Idag kan vi se allt detta utsvävningar bara tack vare senare kopior.

"Övergiven docka"

Den franska konstnären Suzanne Valadon verkade i början av 1900-talet. Hon är känd som författare till många underbara bilder, mest förhärligande av skönheten kvinnlig kropp i det mest vanliga livssituationer. Trots överflöd av nakna kroppar på konstnärens dukar, orsakar bara en av Valadons skapelser allvarliga kontroverser bland moralister.

Målningen "Abandoned Doll" idag skulle kunna ge författaren allvarliga problem med pedofiler, men Valadon hade turen att dö 1938, tack vare vilket vi kan betrakta hennes skapelse som en klassiker. Bilden föreställer en mycket ung kvinna naken med bröst som har börjat bildas och en barnslig frisyr med rosett.

Historien har inte bevarat en beskrivning av denna duk för eftervärlden, men det är allmänt accepterat att den skildrar avsked till barndomen. En kvinna med en handduk är med största sannolikhet en bordellägare, och ett barn förbereds för ett möte med den första klienten i hennes liv. Namnet på bilden gavs av en docka som låg på golvet, vilket uppenbarligen symboliserar ett brutet öde. Det finns dock godmodiga människor som hävdar att en mamma är avbildad som torkar sin tonårsdotter efter att ha badat.

"Våldtekten av Leucippus döttrar"

Den store holländaren Peter Paul Rubens, känd för sina vackra dukar med tunga skönheter, presenterade 1618 sin "Våldtekten av Leucippus döttrar" för publiken. Vid första anblicken, mellan bildens hjältar finns det ett avlägset bråk utan några sexuella övertoner.

Men för de som är bekanta med grekisk myt om bröderna Dioscuri är det ganska uppenbart att nakna blondiner inte alls är sugna på skämt. Den andra titeln på mästerverket "The Rape of the Daughters of Leucippus" återspeglar mer exakt handlingen i bilden.

I forntida historia kidnappade sönerna till Zeus och Leda (se berättelsen om deras märkliga födelse ovan), Castor och Pollux, döttrarna till kung Leucippus Gilaira och Phoebe och misshandlade dem, enligt den gamla goda traditionen som deras far testamenterade. Det hela slutade illa – alla dog.

"Munk i majsfältet"

Om du kan förvänta dig något av Rubens och Boucher, då blev Rembrandt, återhållsam och benägen till religiösa ämnen, förvånad. Även om i princip hans lilla men mästerligt utförda teckning "En munk på ett majsfält" fortfarande ekar det andliga temat.

I mitten av kompositionen avbildas en katolsk munk och en viss dam som hänger sig åt synd i en missionärsställning någonstans bland jordbruksmarker. Handlingens pikantitet ligger inte ens i det faktum att munken bryter mot sitt kyskhetslöfte, utan i mannen som närmar sig från vänster med en skära, tack vare vilken kvällen är på väg att upphöra att vara trög.

"Kandavlus oförsiktighet"

En målning av William Etty med en blygsamt neutral titel, The Indiscretion of Candaules, skildrar en helt oanständig historia från Herodotos historia. Den fullständiga titeln på denna duk, målad 1830, avslöjar all tvetydighet i scenen som avbildas på den: "Kandavl, kung av Lydia, visar i smyg sin hustru Giga för en av hans tjänare när hon lägger sig i sängen."

Det är svårt att säga varför "historiens fader" bestämde sig för att beskriva denna semipornografiska berättelse i sitt arbete, men tack vare henne fick vi termen candaulism, som är svår att uttala även av erfarna sexologer. Kärnan i denna sexuella avvikelse är behovet av att visa din nakna partner för främlingar.

Det är ett sådant ögonblick som Etty avbildas på bilden. Kung Kandavl bestämde sig för att i hemlighet visa sin fru Nisa för livvakten Giga, men hans plan avslöjades av en kvinna. Nisa krävde att Giga skulle döda antingen henne eller hennes perversa make, varefter Kandavl slaktades cyniskt precis i hans sovrum.

"Avignon Girls"

Från duk "Avignon flickor"» lysande konstnär Pablo Picasso börjar sin övergång till kubismen. Det är känt att skapandet av konstnärens målning inspirerades av Paul Cezanne med hans verk "Bathers". Till en början kallade Picasso målningen för "Filosofisk bordell" och många tror att maestro avbildade en scen från bordell i Barcelonas gotiska kvarter.

Målningen föreställer fem nakna damer som väntar på sina kunder i fräcka poser. Vi funderade länge på om vi skulle ta med detta verk i listan över kryddiga målningar. Enkelt uttryckt, om de geometriska hororna som avbildas på duken väcker obetydliga fantasier i dig, så har vi dåliga nyheter för dig. Men du kan inte kasta bort orden från sången, och handlingen i bilden, för 1907, är fortfarande mycket trotsig.

"Arabiska konkubiner marknad"

En utmärkt målning av den franska klassikern Jean-Leon Gerome, målad 1866, skildrar en scen på en österländsk slavmarknad. En grupp män i rika kläder frågar priset på en naken slav och kontrollerar tydligen riktigheten av hennes bett.

Jerome själv visste utan tvekan mycket om slavmarknaderna och deras stamgäster, eftersom han avgudade östern och reste mer än en gång i dessa delar på jakt efter inspiration. Samtida hittade "Arabisk slavmarknad""Ett mycket trotsigt verk och kallade bilden en hymn till en mans lustfyllda dominans över en kvinna.

"Stor onani"

Den store surrealisten Salvador Dali avgudade oanständiga målningar, och bara sättet att skriva hans målningar, vilket särskilt förvränger handlingen, räddar oss från hans erotomanism. Här med jobb "Stor onani"Allt är inte så tydligt. Dessutom, om inte titeln hade funnits, skulle ingen ha förstått vad denna vackra bild handlar om.

Men hur som helst, det finns en tydligt uttryckt sexuell konnotation i denna duk. Kvinnans ansikte på höger sida av bilden, nästan vilande på den manliga torskbiten, irriterade Dalis samtida och orsakade till och med fördömande. Nåväl, ingen vet vad surrealismens mästare avbildade i mitten av duken - det kanske mest ohämmade utsvävandet pågår där.

"Världens ursprung"

Skapat 1866 av Gustave Courbet, bilden med en enkel vardaglig handling har inte visats på mer än 130 år på grund av överdriven anatomisk noggrannhet. Dessutom, även nu, när det i princip är svårt att överraska besökare på museet, tilldelas en separat vakt till denna bild.

2013 dök goda nyheter upp i media - den andra delen av bilden hittades, där modellens ansikte är synligt. En grundlig studie av författarens biografi och hans inre krets gjorde det möjligt att ta reda på damens identitet. Så det orakade grenen visade sig vara Joanna Hiffernans egendom, älskarinna till en av Courbets bästa elever, James Whistler. Här är en sådan Rörande berättelseåterföreningar.

Dessa är långt ifrån de enda i måleriets historia – i alla tider älskade klassikerna att slå in något sådant, helt i vår befriade tids anda.

Gillade? Vill du vara medveten om uppdateringar? Prenumerera på vår

Naken genom hela tillvaron visuella konsterna intog en speciell plats i den. Detta händer av flera skäl, som vi kommer att ange i artikeln nedan. Det är omedelbart värt att betona att målningar av kända konstnärer presenteras och beskrivs här. sovjetiska konstnärer. Vissa av namnen på artisterna kan vara bekanta för dig, medan andra kan vara en riktig upptäckt för dig, och du kommer att vilja lära känna deras verk bättre.

Yuri Raksha - Dröm

Nakenmåleri, liksom skulptur, har funnits i alla tider och i nästan alla länder. Detta beror på det faktum att denna typ av bild är praktiskt taget grundläggande. Vilken konstnär som helst vet mycket väl att bilden nakenhetär grunden för grunderna i studiet av den mänskliga strukturen. Innan du lär dig hur man korrekt porträtterar en person i kläder, i någon form, ställning och miljö, måste du lära dig att rita honom helt naken. Bakom denna process lär sig nybörjarkonstnären att skildra de korrekta proportionerna av människokroppen, såväl som dess olika delar och nyanser.

Zinaida Serebryakova - Badare

Tvärtemot dom som de som målar bara är till för vackra bilder, den nakna naturen är inte alls skapad för att väcka människans lägre begär. Sådan målning representerar eller till och med sjunger om människokroppens skönhet, dess perfektion, naturens extraordinära skapelse eller högre makter. Ofta gestaltar konstnärer sina karaktärer exakt nakna för att visa sin naturlighet och naturlighet, sin tillhörighet till naturen eller till och med den gudomliga världen. En helt annan effekt, mindre betydande, kommer att observeras om samma karaktärer är klädda i vackra kläder, eftersom föremål som skapas av mänskliga händer sliter karaktären bort från naturlighet.

Alexander Deineka - Badgäster

Naken natur var också inneboende i konstnärer Sovjetperioden. Under Sovjetunionens dagar skapade konstnärer också målningar med nakna kvinnor, och detta ansågs aldrig vara vulgärt, för i en professionell, seriös och hög konst detta är knappast acceptabelt. Genom att skapa en bild får konstnären mer rena och djupa idéer än att bara roa betraktarens önskan att se något förbjudet. Här kan du se en serie verk av sovjetiska konstnärer för att uppskatta talangen och professionaliteten hos målare från det senaste förflutna.

Alexander Gerasimov - sovjetiskt offentligt bad A. Zavyalov - Modeller på bakgrund av draperier
A. Olkhovich - Naken Alexander Samokhvalov - Naken

Alexander Deineka - Modell V. Arakcheev - Sittande kvinna Vladimir Stozharov - Bath. Tvättande kvinna Michael of God - Naken Ilya Mashkov - Naken

Tvärtemot vissa stereotyper, Sovjetisk konst aldrig utmärkt sig genom speciell puritanism, inte ens mot majoritetens bakgrund västländer. En flicka var inte för lat för att samla in typiska prover av sovjetisk naken i målning och grafik från perioden 1918 till 1969 i sin tidning. Ungefär sådana urval kan göras på sovjetisk fotografi, film, skulptur, monumental konst.

Original taget från catrina_burana i naken natur i den sovjetiska konsten. Del III. 1950-1969

På 1950- och 60-talen förblev socialistisk realism den främsta trenden i den sovjetiska konsten. Och precis som på 30- och 40-talen måste avbildningen av nakenhet överensstämma med dess kanoner. Uppsättningen av situationer där en sådan natur kunde lysa var begränsad: en flod- eller havsbank, ett badhus, en dusch, ett bad och, naturligtvis, en konstnärsverkstad. Men redan på 40-talet började en viss variation av ämnen dyka upp i nakentemat, ännu mer märkbar i 50-talets och speciellt 1960-talets målning och grafik. Här är till exempel temat "morgon". Tydligen trodde man att en sovjetisk flicka eller kvinna kunde göra bra ifrån sig att vakna på morgonen, visa upp topless, eller till och med vad hennes mamma födde.

1950. N. Sergeeva. God morgon

1950. En Zavyalov. Modeller mot bakgrund av draperier

1950. I Arakcheev. Sittande kvinna.

1950. Vl Lebedev. naken modell

1950-talet hos Dmitrievsky. Naken

1953. Vsevolod Solodov. Modell

Och nu - vattenprocedurer! Strand, bastu, simmare, badgäster.
1950. N Eremenko. På sanden

1950-talet B Sholokhov. Bad

1950-talet T Eremina. Simmare
konstig bild Eller snarare, dess namn. Jo, till höger, visst, simmare. Det finns tvivel om vem som är i mitten: det verkar fortfarande för mig att det här är en simmare. Tja, och till vänster i stringtrosor och med bar botten - ja, definitivt inte en simmare ...

Och här är Alexander Deineka, med sina vågade modeller, var skulle vi vara utan dem!
1951. A. Deineka. Skiss till målningen "Bather"

1952. A. Deineka. badgäster

1951. A. Deineka. Modell

1952. A. Deineka. Modell

1953. Deineka. liggmodell

1953. Deineka. Ligger med en boll
De två sista, speciellt den utan boll – inte så imponerande lättnad. Och den lille mannen är ingenting, bara lite kortbent.
1955. Deineka. Nakensittare
Flera målningar av konstnären Andrei Goncharov.
1952. Andrej Goncharov. Naken på en lila bakgrund

1952. Andrej Goncharov. Sittande naken

1954. A. Goncharov. Liggande naken med tulpaner

1955. A. Goncharov naken liggande på rött

1956. A. Goncharov naken på en randig

1958. A. Goncharov. naken modell
Och nu finns det redan en mängd olika tomter. Pimenovs handling, även om den är kopplad till bad, är inte riktigt standard, medan Glazunovs handling är full av erotik.
1955. Jurij Pimenov. Vinterdag

1956. Ilja Glazunov. Morgon
Några fler studiomodeller från 1957-58. Den första och tredje - till Deinekas avundsjuka!
1957. A. Olkhovich. Naken

1957. Mikael av Gud. Naken

1958. A. Samokhvalov. Naken

1958. R. Podobedov. sittande modell
Här ger A. Sukhorukih ännu mer variation till nakenscenerna. Både "Middagssol" och "Morgon" är fyllda av romantik...
1958. A. Sukhorukikh. middagssol

1960. A. Sukhorukikh. Morgon
Badscenen är inte heller helt typisk. I mitten av kompositionen - en kvinna eller en tjej - du kan inte se det bakom lakanet - av någon anledning blockerar just detta lakan flickan som sträcker ut sin hand, tydligen efter kläder. Som, jag blockerar dig medan du klär på dig. Men här är mysteriet: från vem? Från stranden kan du se allt, konstnären spanade på det! Och från sidan av sjön - uppenbarligen finns det ingen, och andra är inte särskilt blyga, den till höger sitter i en fullständig negligé ... Mystisk bild.
1958. Chernyshev. Bada på sjön
Morgon igen. Tja, ja, det är omöjligt att kalla en sådan bild en "lignande modell", det är för smärtsamt i en oseriös pose, och så - ja, damen vaknade, ja, sträckt ut - vad är det för fel?
1959. L. Astafiev. Morgon

Ännu ett nautiskt tema. Inte alls Deinekin-former kommer på modet ...
Två teckningar av konstnären Grigory Gordon. Läsflickan är också en populär handling under de åren. Jo, du kan läsa i det här formuläret, om det är varmt, till exempel.
1960. G. Gordon. flicka med en bok

1959. G. Gordon. sittande tjej
Ytterligare tre målningar med vattentema.
1960. Vladimir Stozharov. Bad. Tvättande kvinna

1960-talet Fedor Samusev. Efter badet
Flera nakenbilder i studio. Urusevsky och Reznikovas modeller är redan ganska tunna ...
1960. Gennadij Trosjkin. Naken

1960. R. Podobedov. ung modell

1960. S.P. Urusevsky. naken modell

1961. Evgenia Reznikova. Modell Lisa
Hjältarna i V. Kholuyevs målningar är lätta att känna igen. Det är något marionett över dem. Uppsättningen av ämnen är standard: naken i studion, havet, morgonen.
1960-talet V. Kholuev. Liggande naken

1960-talet V. Kholuev. Naken

1960-talet V. Kholuev. född ur havet

1960-talet V. Kholuev. Morgon

1962. V. Kholuev. Naken
"Spring Morning" av A. Sukhorukikh, även om den kombinerar två typiska tomter - morgon och bad, men här är hjältinnans nakenhet sekundär; denna "naken" är inte för "nakens skull", utan en ganska genrebild.
1962. A. Sukhorukikh. vårmorgon
Sedan tittar vi: och studior, och stränder, och en annan tjej med en bok ... 60-talet bar ett eko av frihet, borttagandet av många förbud, och ju längre, desto mer frihet känns både i intrig och prestation. Dessutom är det lätt att se att imponerande former nästan aldrig hittas.
1962. Vladimir Lapovok. I en verkstad

1962. M. Samsonov. Naken

1963. S. Solovyov. naken tjej

1964. A. Samokhvalov. På stranden

1964. V. Skrjabin. Naken

1965. A. Sukhorukih. flicka med en bok

1966. A. Sukhorukih. I konstnärens ateljé

1965. N. Ovchinnikov. Kvällsmelodi

1966. Antonov. Badhus i byn Titovo. systrar

1966. Teterin. Naken

1967. Kaparusjkin. Sibirisk

1967. A. Sukhanov. I en verkstad
Tja, det här är en ganska oseriös historia. Rak BDSM. Kille fångade titta...
1967. A. Tarasenko. Bestraffning
Inte simma, märk väl, utan bara koppla av. En tjej i hatt gick i bergen, hon var trött. klädde av sig och satte sig på en sten ...
1967. V. Chaus. Resten

1968. Vladimir Lapovok. sovande

1968. May Miturich. Naken
Och den här bilden - i allmänhet på gränsen. Antingen skolbarn eller studenter bara så kom till banken, där, att döma av närvaron av broar, inte bara de går, de helt klädde av sig, tog ut färger med staffli - och, ja, rita varandra!
1969. M. Tolokonnikova. På skisser

1969. Y. Raksha. augusti

1969. Y. Raksha. Dröm
Inte det mesta dålig tid Det verkar som om det här var 1960-talet...

Har en ny med bilder:

En kommentar.
"krok:
* Konstnärerna är uppriktiga och helt hantverkare, papegojor. Men båda kan inte abstrahera från naturen*
här verkar det som om det finns en subtil punkt ... vad anses vara "snällt"?
Jag minns Nabokovs uttalande (jag kommer inte att citera det exakt nu, men den allmänna innebörden) ... föreställ dig att en viss "natur" - låt oss säga ett landsbygdslandskap, observeras av tre personer - en besökande stadsbor som nästan för första gången ser levande gräs och träd, en lokal bonde som växte upp på dessa platser, arbetar på marken, plockar svamp i skogen som han känner, etc.
och en naturvetare, en naturkännare, för vilken en äng eller skog finns i högsta graden differentierade biologiska samhällen, där han också ser många olika specifika växter, insekter, djur, men han ser inte bara dem utan också många de mest komplicerade förbindelserna, okänt för vare sig stadsbor eller bonde ...
det verkar som att vi har samma verklighet, natur, men i själva verket är en sådan "verklighet" en abstraktion ... beroende på graden av nedsänkning, uppmärksamhet, kognition - för varje person är dessa helt olika verkligheter, och deras gemensamma gör det inte förlänga de mest primitiva systemen, som "gräset är grönt", "löv på trädet" ...
och konstnären ser trots allt också "naturen" med helt andra ögon än lekmannen (här skriver jag mig lugnt ner i sådana - mer än en gång fick jag ta itu med personlig erfarenhet hur mycket mer detaljerade och subtila konstnärerna ser) - han lägger märke till och betonar mycket i former och färger, och dessutom redan i den brytningen, konkret och individuell, där hans konst krävs ...
de där. begreppet "natur" förefaller mig väldigt ostadigt i den vanliga bemärkelsen som man lägger in i det ... "

Svar.
I. Bildkonstnärer.
Nabokov-exemplet anser olika alternativ tolkning av naturen, beroende på vilken typ av sammansmältning av observationer och idéer som bildas hos en viss person.
Om vi ​​tar det bredare, så är tolkningen av naturen dess reflektion av konstnären i verken. reflektioner där ledande roll spela konstnärens känslor, observationer och representationer. Men denna roll kan spelas i två rakt motsatta riktningar.
I en, den bästa av dem, finns det känslomässiga svar på någon slags natur eller skarpa observationer av några av dess egenskaper. Och här erhålls levande tolkningar av naturen (impressionister, och förresten duktiga djurmålare).
I den andra, värre, blir tolkningen ett naturligt motivs svar på någon känsla eller på redan existerande idéer i konstnärens huvud. De säger om sådan målning: "de skriver inte live, utan enligt idén" eller de kallar det imitativt, illustrativt, litterärt. Exempel: tyska romantiker, ryska vandrare, franska symbolister, etc. Men i vissa fall kan målning "enligt representation" inte vara illustrativt, utan bära tendensen, helheten av någon form av teknik. Till exempel, pointillisterna (Seurat, Signac), till skillnad från impressionisterna, efter att ha börjat sina experiment med att fixa några levande ögonblick av den optiska uppfattningen av naturen, blev snart gisslan av den utvecklade metoden.

Det är intressant att notera att illustrativitet kan vara helt lämpligt och motiverat inom illustrationsgenren - vilket vi har haft nöjet att se i ett antal inlägg från barnkammaren bokens grafik. Men en del konstnärer som tenderar att förvärra de dekorativa egenskaperna i en illustrativ komposition skakar genrens gränser och tar delvis kompositionen in i riket av abstrakta bildmässiga och plastiska uppgifter, det vill säga bortom gränserna för någon tolkning av naturen.
Två exempel på detta:

Tatyana Mavrina. Rostov. 1965
(reproduktion från livejournal av O. Bukharov)

Lev Bakst. Porträtt av Vaslav Nijinsky som en faun (i den koreografiska målningen " eftermiddagsvila Faun" till musik av Claude Debussy). 1912.
Wadsworth Atheneum, Hartford

Även om strängt taget varken Mavrina eller Bakst någonsin rörde sig in på området för stafflimåleri som sådant: denna övergång motsvarade förmodligen inte deras gåva för brukskonst.

II.
Men tillbaka till början. Konstnärer kan inte bara vara "bilder". Inte bara spegla (tolka) naturen på ett eller annat sätt. En del av dem kan hantera det helt fritt och göra verkets tema till inte natur, utan något mer substantiellt. Genom deformation och transformation av den visuellt-naturliga objektformen.

Deformation av en objektiv form är inte ett sätt att tolka den eller en skarpare konkretisering, utan ett verktyg för att uttrycka något utomnaturligt innehåll genom naturen, något som i allmänhet är omöjligt att förmedla med naturliga medel. Detta innehåll är i själva verket saker av filosofisk karaktär: natur och handlingar mänskligt medvetande, ett ovanligt livsförlopp, som kallas att vara ... Alla dessa saker illustreras mycket "framgångsrikt" av konstnärer ensamma i det objektiva formspråket. Andra konstnärer försöker, med mycket större svårighet, skapa dessa saker på nytt varje gång med nästan samma objektiva formspråk.

Berättelse Europeisk målning har, kan man säga, klassisk skola sådan filosofisk skapelse i konstnärlig kreativitet: konstikoner. Denna skola utvecklade många kanoner för kompositioner av scener i Nya testamentet och Gamla testamentet, i vilka i allmänhet objektiva former, som genomgår vissa (långt ifrån lika påtvingade som hos kubisterna) deformationer och transformationer, blir ett uttryck för både det synliga och osynliga. , symbolisk värld. Men inte ens denna underbara skola undkom "illustrationens synd". Ju fastare kanonen introducerades i praktiken, desto mer tenderade denna praxis att externt imitera specifika exempel på utförandet av denna kanon (detta är samma sak som om musiker beordrades att spela, till exempel, Bach uteslutande i tolkningarna av Gould, och Chopin i tolkningarna av Horowitz, även om det är förståeligt att kanonen bara är toner, och musiken är någonstans "mellan tonerna"). Dessutom kan varje plot av en ikon i vanligt medvetande uppfattas som en illustration av den heliga skrift, och inte ens prästerskapet själva var emot att kalla ikoner för "böcker för analfabeter". Så målningen av bilder "under Rublev" eller "under Dionysius" förvärrade bara den illustrativa inställningen till kanoniska former och bidrog till försämringen av ikonmålarkonsten.

Det finns dock en välkänd synpunkt att ikonen inte alls är konst. Tänk därför på exempel kreativt arbete målare med ämnesformen, vi börjar trots allt inte med en ikon, utan med ett verk av en mästare nära denna konst, El Greco.

El Greco. Johannes Döparen. OK. 1600
Pushkin museum

När jag redan på något sätt beskrev detta arbete, uppmärksammade jag benen på Johannes Döparen: om du tittar på dem kan du se att de tydligt "faller omkull" till höger. Och samtidigt är bålen stabil, monumental - placerad längs bildfältets centrala axel och inskriven i himlens cirkel som öppnar sig från molnen (till vänster - nästan geometriskt korrekt). En kolumn av sammanpressade moln som stiger till höger och som så att säga "stödjer" Johns torso, balanserar kompositionsmässigt "blockeringen" av figuren till höger, den "stöter bort" Johns axel och böjer sig elastiskt uppåt till vänster , slutför denna ersättning. Och denna elastiska, kraftfulla rörelse av molnen är ett lätt och på något sätt förvandlat eko av den fria lutningen av Johns huvud åt vänster.

Graden av transformation av Johns ben är maximal för alla andra detaljer i denna bild, och denna transformation är en av de mest betydelsefulla som jag har sett i målning i förhållande till den naturliga objektformen som visas. Det uttrycker tydligt essensen av Johannes Döparen. Och det faktum att bildligt talat inte benen stöder bålen, utan tvärtom, bålen ger stabilitet och monumentalitet till hela Johns gestalt - detta uttrycker idén Denna bilden. Johannes mannen färdas en helt otrolig väg från Gamla till Nya testamentet, en väg som inte kunde vandras på ett jordiskt, naturligt sätt - det vill säga med naturliga fötter. Därför genomgår deras objektiva form en sådan slående, märklig, vid första anblicken, deformation; och därför vilar inte gestalten Johannes Döparen på hans fötter och jorden, utan får en stabilitet av en onaturlig, ojordisk kvalitet, manifesterad mot himlens bakgrund och som utgår från den.
Det här beslutet manifesterade både El Grecos kreativa frihet och hans helt individuella sätt att tänka: ingen skrev så förut eller efter - trots allt är det här på gränsen till fulhet!
För att inte tråka ut dig, bara två exempel till.

Amedeo Modigliani. Porträtt av Leopold Survage. 1918
Hm. 61,5x46. Ateneums museum, Helsingfors

Här är en artist som det är naturligt att flytta till efter El Greco - Modigliani. Också en stor mästare på inte tolkning, utan naturens förvandling. Och liksom sin kretensisk-spanska föregångare gillade han att rita vertikala former. Och vilka långa köer! Detta är inte någon form av begär "till det sublima" uttryckt i en pose, själva ställningen säger ingenting. Men med alla formkrafter utspelar sig ett sug efter det transcendenta här. Och hur intensivt de varma, nästan varma färgerna i ansiktet och halsen låter i den kalla miljön av svart, blått och gråblått, tar bilden av den avbildade konstnären ut ur det yttre fridfulla tillståndet i det sekulära vardagslivet in i känslans rum. form full av kontrasterande spänning.

Här är det bara en detalj som delvis påminner oss om den ytliga illustrativa symbolikens anordningar: motivet av ett öga utan pupill. Modigliani utvecklade hela tiden detta motiv i olika kombinationer, och uppenbarligen var det för hans målning inte ett lånat element, utan någon form av organisk tillhörighet. Det finns dock en målare som i grunden undvek sådana även små möjligheter till tvetydig uppfattning om bildformen. Denna "antiillustrerande" konstnär var Cezanne.

Efter att ha gått i början av hans kreativt sätt ett segment av en viss avvikelse inom området för symboliska tolkningar av den objektiva formen ("Overture to Tannhäuser", se:), i mogna år han koncentrerade sig helt på att avslöja det inre, naturligt liv det vi brukar kalla naturen: ett landskap, en person, ett föremål. Och han avslöjade detta inre liv på det svåraste och mest direkta sättet: sanningsenligt komponera med färger på duk vad hans öga såg i naturen. Men faktum är att Cezannes öga kunde ta bort allt överflödigt från sitt synfält som en vanlig blick för in i naturen. All vardagsuppfattningens tröghet.

Cezanne. Persikor och päron. OK. 1895
Hm. 61x90. Pushkin museum

Vad är naturalism? (Kännetecken)

Vad är skillnaden mellan naturalism och atmosfär?

En annan viktig skillnad är skillnaden mellan naturalism och atmosfär. Landskapsmåleri kan vara extremt stämningsfullt utan att vara naturalistiskt. Det beror oftast på att konstnären har fokuserat på att förmedla stämningen snarare än de visuella detaljerna. goda exempel: Nocturne i blått och silver – Chelsea(1871, Tate Collection, London) av Whistler och intryck, soluppgång(1873, Musee Marmottan, Paris) av Claude Monet. Ingen av dessa målningar har tillräckliga detaljer för att vara naturalistiska. Jämför med bilder: Konstnärens verkstad(1870, Musée d'Orsay) av Frédéric Bazille; Max Schmidt i ena skallen(1871, Metropolitan Museum of Art) av Thomas Eakins; Musiklektion (1877, Konstgalleri Guildhall, London) Frederic Leighton; Tepidarium (1881, Lever Art Gallery, Storbritannien) av Laurence Alma-Tadema; Sjuk flicka (1881, Nationalgalleriet, Oslo) av Christian Krogh: dessa är alla utmärkta exempel på naturalism, helt utan någon atmosfär.

För en beskrivning av fransk impressionism, se Egenskaper för impressionistisk målning 1870–1910.

Vad är skillnaden mellan naturalism och idealism?

Inom måleri är idealism det begrepp som är mest tillämpligt på figurmålning och syftar på traditionen att skapa en "perfekt" figur - med ett attraktivt ansikte, perfekt hår, bra kroppsform och inga yttre defekter. Sällan, om någonsin, för att rita eller måla från livet, skulle denna typ av idealiserad skildring vara lämplig för altartavlor och andra former av storskalig religiös konst, som stod för de flesta uppdrag som verkstäder och ateljéer fick i gamla Europa. I huvudsak en "konstgjord" målarstil, den liknade ingen likhet med naturalismen hos, säg, Caravaggio, som vanligtvis använde vanliga gatumänniskor som förebilder för sin speciella bibliska konst. Idealism förblev den stil som lärdes ut i de stora konsthögskolorna till åtminstone 1800-talet, då den slutligen ersattes av en mer naturalistisk stil baserad på riktiga modeller och utomhusmålning utomhus.

Två typer av naturalism: landskap och figurativ

Som framgår av exemplen ovan är det inte bara lantliga utomhusscener som exemplifierar naturalism: porträtt och genreteckningar av människor kan också vara utmärkta exempel.

Termen naturalism kommer dock från ordet "natur", och därmed är den vanligaste genren för naturalism landskapsmåleri - en genre som exemplifieras av John Constables verk, som den anglo-schweiziska målaren Henry Fuseli ansåg så realistisk att när han såg henne kände han att han blev kallad på en promenad vid sin kappa och paraply.

Alla landskapsmålningar är dock inte naturalistiska, särskilt där konstnärens subjektivitet tränger sig på. Till exempel skapade den spöklika religiösa konstnären John Martin sina spöklika apokalyptiska landskap för att illustrera Guds kraft. Romantisk tysk konstnär Caspar David Friedrich fyllde sin natursköna vyer symbolik och känsloromantik. Många av Turners landskap är lite mer än expressionistiska experiment i skildringen av ljus, medan Cezanne målade dussintals vyer av Montaigne Sainte-Victoire, och offrade naturlig precision för sina favoriter. geometriska former och fin balans. Ingen av dessa konstnärer tillhör den naturalistiska skolan eftersom de bryr sig mindre om att representera naturen och mer om självuttryck.

Naturalism i teckning

Sedan den klassiska antiken har konsthistorien sett flera stora framsteg inom realistisk teckning och oljemålning. Giotto, en av naturalismens tidiga pionjärer, skapade en uppsättning revolutionärer volymetriska figurer för fresker i Scrovegni-kapellet i Padua. Se till exempel The Betrayal of Christ (The Kiss of Judas) (1305) och Lamentation of Christ (1305). Leonardo da Vinci behärskade konsten att sfumato för att skapa slående realistiska ansikten i verk som Mona Lisa (1506, Louvren, Paris). Michelangelo använde sin unika talang som skulptör för att skapa en massa skulpterade figurer i sina fresker i Sixtinska kapellet (1508-12; och 1536-41). Caravaggio häpnade Rom med sin naturalistiska målning, med bilder som modellerades på människor som rekryterats direkt från gatan. Hans verkliga figurer var idealiska för den katolska konsten från barocktidens motreformation. Under guldåldern av det holländska realistiska genremåleriet ledde konstnärer som Jan Vermeer (inhemsk genremålning, interiör och exteriör), Pieter de Hooch (gårdar), Samuel van Hoogstraten (inhemska interiörer) och Emanuel de Witte (arkitektoniska kyrkinteriörer). stilen exakt naturalism, som inkluderade figurativa, vardagliga och sociala föremål. På senare tid, på 1800-talet, skapade ryska konstnärer många mästerverk av bildlig naturalism i nästan alla genrer. Exempel på dessa verk: "Majors äktenskap" (1848, Tretjakovgalleriet, Moskva) Pavel Fedotov; Reparera järnväg (1874, Tretyakov) Konstantin Savitsky; "Porträtt av prinsessan Sofya Alekseevna i Novodevichy-klostret" (1879, Tretjakov) och "De zaporizjiska kosackernas svar till sultan Mahmud IV" (1891, Ryska museet, St. Petersburg) av Ilja Repin; Skratt ("Hej, judarnas kung!")(1882, Ryska museet) av Ivan Kramskoy; Kristus och syndaren(1887, Ryska museet) Vasilij Polenov.

Naturalismens historia och utveckling (ca 500 f.Kr. - 1800)

Två charmiga exempel på naturalism har skapats av tysk konstnär Dürer: "Ung Hare" (1502) och "Stor stycke torv" (1503), båda i Albertina, Wien.

Ryska vandrare (omkring 1863-90)
Vandrarna grundades 1863 av en grupp unga konstnärer från Imperial Academy of Arts i St. Petersburg och reste runt i Ryssland och målade landskap och genremålningar. Ledande medlemmar var Ivan Kramskoy (1837–1887), Nikolai Ge (1831–1894),