Hem › Bränslesystem › "Nokturner. Debussy

"Nokturner. Debussy

Debussy. "Nocturnes"

"Moln"

Orkesterkomposition: 2 flöjter, 2 oboer, kor anglais, 2 klarinetter, 2 fagotter, 4 horn, timpani, harpa, stråkar.

"firande"

Orkesterkomposition: 3 flöjter, piccolo, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 3 fagotter, 4 horn, 3 trumpeter, 3 tromboner, tuba, 2 harpor, timpani, virveltrumma (avlägsen), cymbaler, stråkar.

"Sirener"

Orkesterkomposition: 3 flöjter, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 3 fagotter, 4 horn, 3 trumpeter, 2 harpor, stråkar; kvinnlig kör (8 sopraner och 8 mezzosopraner).

skapelsehistoria

Ännu inte färdig med sitt första mogna symfoniska verk" En fauns eftermiddag”, skapade Debussy 1894 ”Nocturnes”. Den 22 september skrev han i ett brev: ”Jag arbetar med tre Nocturnes för soloviolin och orkester; den förstas orkester representeras av stråkar, den andra - av flöjter, fyra horn, tre trumpeter och två harpor; den tredjes orkester kombinerar båda. Generellt handlar det om ett sökande efter olika kombinationer som samma färg kan ge, som till exempel när man målar ett arbetsrum i gråtoner. Detta brev är adresserat till Eugène Ysaye, den berömda belgiske violinisten, grundare av stråkkvartetten, som var den första som spelade Debussy-kvartetten föregående år. 1896 hävdade kompositören att "Nocturnes" skapades specifikt för Izaya - "personen som jag älskar och beundrar ... Bara han kan framföra dem. Om Apollo själv bad mig om dem, skulle jag vägra honom! Dock redan i nästa år idén förändras, och i tre år har Debussy arbetat med tre "Nocturnes" för symfoni orkester.

Han rapporterar om deras fullbordande i ett brev daterat den 5 januari 1900 och skriver på samma plats: ”Mademoiselle Lily Texier bytte sitt dissonanta namn till den mycket mer harmoniska Lily Debussy ... Hon är otroligt blond, vacker, som i legender, och lägger till dessa gåvor att hon inte på något sätt är i den "moderna stilen". Hon älskar musik ... bara enligt hennes fantasi, hennes favoritlåt är en runddans, där vi pratar om en liten grenadjär med ett rött ansikte och en hatt på ena sidan. Kompositörens fru var en fotomodell, dotter till en minderårig anställd från provinserna, för vilken han väckte en passion 1898 som nästan drev honom till självmord året därpå, när Rosalie bestämde sig för att skiljas från honom.

Premiären av "Nocturnes", som ägde rum i Paris vid Lamoureux-konserterna den 9 december 1900, var inte fullbordad: då framfördes bara "Moln" och "Festival" under ledning av Camille Chevillard, och "Sirens" anslöt sig till dem. ett år senare, den 27 december 1901 . Denna praxis med separat framförande bevarades ett sekel senare - den sista "Nocturne" (med en kör) låter mycket mindre ofta.

Nocturnes-programmet är känt från Debussy själv:

Titeln "Nocturnes" har en mer allmän betydelse, och särskilt en mer dekorativ. Här är poängen inte i den vanliga formen av nocturne, utan i allt som detta ord innehåller av intryck och känsla av ljus.

"Moln" är en orörlig bild av himlen med gråa moln långsamt och melankoliskt flytande och smältande; vikande går de ut, försiktigt färgade av vitt ljus.

"Celebrations" är en rörelse, en dansande rytm av atmosfären med explosioner av plötsligt ljus, det är också en episod av en procession (bländande och chimär vision) som passerar genom högtiden och smälter samman med den; men bakgrunden finns kvar hela tiden - det här är en semester, det här är en blandning av musik med lysande damm, som är en del av den övergripande rytmen.

"Sirener" är havet och dess oändligt varierande rytm; bland vågorna försilvrade av månen uppstår, faller sönder av skratt och sirenernas mystiska sång tas bort.

Samtidigt har andra författares förklaringar bevarats. Angående moln berättade Debussy för sina vänner att det var "en blick från en bro på moln som drivs av ett åskväder; rörelsen av en ångbåt längs Seine, vars visselpipa återskapas av ett kort kromatiskt tema av ett engelskt horn. "Festerna" återuppväcker "minnet av de tidigare nöjena av folket i Bois de Boulogne, upplysta och översvämmade med en folkmassa; trumpetstrion är musiken från det republikanska gardet som spelar gryningen." Enligt en annan version återspeglas här intrycken från mötet med den ryske kejsaren Nicholas II 1896 av parisare.

Många paralleller uppstår med målningarna av franska impressionistiska konstnärer som älskade att måla strömmande luft, havsvågornas briljans och den festliga publikens variation. Själva titeln "Nocturnes" härstammar från namnet på landskapen av den engelske prerafaelitiska konstnären James Whistler, som kompositören blev intresserad av under sina yngre år, när han efter examen från konservatoriet med Rompriset bodde i Italien , på Villa Medici (1885-1886). Denna passion fortsatte till slutet av hans liv. Väggarna i hans rum var dekorerade med färgreproduktioner av Whistlers målningar. På andra sidan, franska kritiker skrev att de tre "Nocturnes" av Debussy är en ljudinspelning av tre element: luft, eld och vatten, eller ett uttryck för tre tillstånd - kontemplation, handling och hänryckning.

musik

« Moln” är målade med tunna impressionistiska färger av en liten orkester (endast horn används av koppar). Den ostadiga dystra bakgrunden skapas av träblåsarnas uppmätta svajningar och bildar snygga glidande harmonier. Det engelska hornets säregna klang förstärker det korta huvudmotivets modala ovanlighet. Färgen ljusnar i mittsektionen, där harpan kommer in för första gången. Tillsammans med flöjten leder hon ett pentatoniskt tema in i oktaven, som luftmättad; det upprepas av soloviolin, viola, cello. Sedan återkommer det engelska hornets dystra melodi, ekon av andra motiv uppstår – och allt tycks sväva bort i fjärran, som smältande moln.

« Festligheter» bildar en skarp kontrast - musiken är häftig, full av ljus och rörelse. Det flygande ljudet av sträng- och träinstrument avbryts av klangliga utrop av mässing, tremolo pauker och spektakulära glissandos av harpor. En ny bild: på samma dansande bakgrund av den strängade oboen leder ett brinnande tema, som plockas upp av andra blåsinstrument i en oktav. Plötsligt går allt sönder. En procession närmar sig från fjärran (tre trumpeter med stumma). Den hittills tysta virveltrumman (i fjärran) och låga mässingstrummor kommer in och bygger upp till en öronbedövande klimax av tutti. Sedan återkommer ljusa passager av det första temat, och andra motiv flimrar, tills festivalens ljud försvinner.

I " Sirener"igen, som i "Moln", dominerar långsam takt, men stämningen här är inte skymning, utan upplyst av ljus. Bränningen plaskar tyst, vågor rinner in, och i detta plask kan man urskilja sirenernas lockande röster; upprepade ackord utan små gruppord kvinnlig kör komplettera ljudet av orkestern med en annan bisarr färg. De minsta motiven av två toner varierar, växer, flätas samman polyfoniskt. De återger teman från de tidigare Nocturnes. I mittsektionen blir sirenernas röster mer enträgna, deras melodi mer utsträckt. Varianten vid trumpeterna närmar sig oväntat temat för det engelska hornet från Clouds, och likheten är ännu starkare i dessa instruments upprop. I slutet avtar sirenernas sång, när molnen smälter och festivalens ljud försvinner i fjärran.

A. Koenigsberg

MKOU "Novousmanskaya gymnasieskola nr 4"

Musiklektion

i 7:an

Symfonisk målning "Celebrations" av C. Debussy.

Instrumental konsert.

MKOU "Novousmanskaya gymnasieskola nr 4"

Makukhina Marina Nikolaevna

Med. Ny Usman

år 2014

Lektionens ämne: Symfonisk bild "Celebrations" av C. Debussy.

BILD 1

Syftet med denna lektion:

Berikning av kulturella och andliga världen barn, genom det musikaliska, litterära och konstnärliga arvet från världens folk.

Uppgifter:

Genom att använda informationsteknik avslöja mångfalden och rikedomen i folkens kultur.

Utveckling av mångsidiga intressen inom olika konstområden, utbildning av kärlek och respekt för musikaliska, litterära och konstnärligt arv andra folk, för att lägga grunden för den estetiska uppfattningen av det omgivande livet.

Berikning av barns andliga värld. Utbildning av deras musikaliska, konstnärliga och estetiska smak.

BILD 2

Lektionsplanering:

nr. p/s

Stadier av lektionen

Tid, min.

Att organisera tid

Förberedelse för aktiv och medveten assimilering av nytt material.

Kunskapsbildning. Presentation av nytt material, både musikaliskt och litterärt

Praktiskt arbete

Konsolidering av ny kunskap

Låten "Orange Summer"

Sammanfattande

BILD 3

Lärare: Killar, vad ser ni på skärmen?

Elever: Ram

Lärare: Vad är syftet med denna ram?

Elever: Detta är en tavelram.

Lärare: Hur kan du kalla bilderna annorlunda?

Elever: Målning

Lärare: Vad kan man kalla målning och musik?

Elever: Konst.

Lärare: Ge en definition: vad är konst?

Elever: Konst är processen och resultatet av ett meningsfullt uttryck av känslor i en bild.

Konst är en av formerna för socialt medvetande, en integrerad del av...

Musik kan ses och konst kan höras. Målning kommer att uttrycka det som inte kan sägas i ord, kommer att avslöja de mest subtila nyanserna av den mänskliga själen. Lärare: Så, vår lektion kan kallas, inte bara musik?

BILD 4

Elever: "Pitorisk musik"

BILD 5

Mål och syfte; skapa en atmosfär av engagemang och intresse i klassrummet. Utveckla färdigheter i holistisk musikalisk analys. Be barnen att uttrycka sitt humör från musiken de lyssnade på. Markera intonationer för att avslöja bilden av verket. Väck kreativiteten.

Att hos elever bilda en känslomässigt medveten uppfattning om den musikaliska bilden.

Lärare: Musik har olika riktningar. Vilka MUSIKSTILAR känner du till?

Studenter:

1 folkmusik

2 Helig musik

3 indiska klassisk musik

4 Arabisk klassisk musik

5 Europeisk klassisk musik

6 latinamerikansk musik

7 Blues

8 R&B

9 Jazz

10 Land

12 Elektronisk musik

13 Rock

14 Pop

15 Rap (Hip-hop)

16. Folklore

17. Klassiskt osv.

BILD 6

Lyssnar på musiken "Celebrations" - Claude Debussy

BILD 7

Lärare: Vem känner till detta verk och författaren7

Elever: "Celebrations" av Claude Debussy

Lärare: Achille-Claude Debussy - fransk kompositör, musikkritiker.

1872, vid tio års ålder, gick Claude in på Paris konservatorium. I pianoklassen studerade han med berömd pianist och läraren Albert Marmontel, i den elementära solfeggioklassen - med den framstående traditionalisten Albert Lavignac, och Cesar Franck själv lärde honom orgeln. Debussy studerade ganska framgångsrikt på konservatoriet, även om han som student inte glänste med något speciellt. Först 1877 uppskattade professorerna Debussys pianotalang och gav honom ett andra pris för framförandet av Schumanns sonat.

Debussy började systematiskt studera komposition först i december 1880 med en professor, en medlem av Academy of Fine Arts, Ernest Guiraud. Sex månader innan han gick in i Guiros klass, reste Debussy till Schweiz och Italien som hemmapianist och musiklärare i familjen till en rik rysk filantrop Nadezhda von Meck. Debussy tillbringade somrarna 1881 och 1882 nära Moskva, på hennes egendom Pleshcheyevo. Kommunikation med familjen von Meck och vistelse i Ryssland hade en gynnsam effekt på den unga musikerns utveckling. I sitt hus bekantade sig Debussy med den nya ryska musiken av Tjajkovskij, Borodin, Balakirev och kompositörer nära dem.

BILD 8

Debussys komposition "Moonlight" lyser av kärlek. Claude Debussy älskade i allmänhet ljuset från jordens silvriga satellit. Han skrev bättre på månbelysta nätter.

Kompositören N. Ya. Moskovsky skrev om Debussys verk: "... I de ögonblick då han (Debussy) åtar sig att fånga sin uppfattning om naturen, händer något obegripligt: en person försvinner, som om den är upplöst eller förvandlas till en svårfångad dammfläck. , och härskar över allt som den eviga, oföränderliga, oföränderliga, rena och stilla, alltförtärande naturen själv, alla dessa tysta, glidande "moln", mjuka översvämningar och uppgångar av "spelande vågor", prasslar och prasslar av "vårens runddanser". ", milda viskningar och tröga suckar från vinden som talar till havet - Är inte detta naturens sanna andetag! Och är inte konstnären som återskapar naturen i ljud en stor konstnär, en exceptionell poet?

Hans musik är baserad på visuella bilder, fyllda med spelet av chiaroscuro, transparent, som om viktlösa färger som skapar känslan av ljudfläckar.

Måleriets inflytande på kompositörer var så stort att han gav många av sina kompositioner namn förknippade med bild och form: "Tryck", "Sketcher" etc. Att förstå hur en orkester kan rita pittoreska bilder kom till C. Debussy till stor del från den ryske kompositören N. Rimsky-Korsakov.

Debussy var inte bara en av de mest betydelsefulla franska kompositörerna, utan också en av de mest betydande gestalterna inom musiken vid 1800- och 1900-talens skiftning; hans musik representerar en övergångsform från senromantisk musik till modernism i 1900-talets musik.

Lärare: Killar, vilka andra kompositörer känner du till:

Elever: Tjajkovskij, Liszt, Glinka, Bach, Beethoven, Chopin, Mozart, Sjostakovitj, Schnittke och andra.

Lärare? Vad vet du musikaliska verk?

Elever: "Svansjön", "Nötknäpparen", Leningradsymfonin - "nazisternas invasion under den stora Fosterländska kriget”, ”Månsken”, ”Årstider”. "Vals" och andra.

Lärare: Kan du definiera musik?

Elever: Musik är rytm, ljud, tempo... Musik behövs för själen.

BILD 9

Lyssnar på musiken "Moonlight" av Claude Debussy

BILD 10 - 16

Lärare: När du lyssnade på musik, föreställde du dig något? Kanske såg du färger, färger eller något annat?

Svaren är varierande. Från varma toner till de kallaste, från vitt till svart.

Lärare: Killar, kan allt som vi har hört just nu skildras?

Studenter: Ja.

Lärare: NU SKA VI GÖRA LITE PRAKTISKT. Skildra vad du nu har HÖRT. Låt oss dela upp oss i tre grupper. Vissa jobbar med gouache. Andra arbetar med bläck och tråd. Ytterligare andra arbetar med färgat papper, kartong och lim. Låt oss börja jobba.

Arbetsskydd.

BILD 17

Melodeclamation av dikter till musik av C. Debussy

"I månskenet"

I stunder av sorg i nattens timme

Trött på motgångar

Inte i världsliga glädjens fåfänga,

I frid söker du lycka.

Glöm, smälter samman med tystnad,

Att slänga allt jordiskt

Ensam med sorg ensam

Prata med Luna.

Luna, det är därför jag älskar dig

Det som bara är i månskenet

Jag glömmer vintern

Och jag tänker på Lethe.

Min sinnes bödel

Svår, men vacker - månen!

Jag tittar på henne,

Jag blir galen.

Månen stör och lockar,

Och smälter i månskenet,

Jag vilar från bekymmer

Att glömma det förflutna.

Nattljuset roar blicken

Jag är full av drömmar

Och i drömmarnas tyg månsken

Det strömmar in, flätar samman -

Vävning till en tunn slöja

Från viktlös spets...

Ljud. Dörrar knarrar.

Jag fastnade igen, hittade inte mig själv.

"Månsken"

Vladimir Vodnev

Ge mig en månsten

Ge mig månsken!

Något märkbara slag

Jag ritar månsken

Vad häller på marken i århundraden

Den som är närmast alla planeterna.

Låt det redan sjungas mer än en gång,

Men vinkar ändå

Och fängslar alla poeter

Den bleka färgen på hennes kinder.

Bara om vi är ensamma

(Redan kontrollerat mer än en gång!) -

Stämningen kommer att höjas

Ljuset från hennes kalla ögon.

Och drivs av sömnlöshet

Både konstnär och poet

Rita för din älskade

Silver månsken.

Det finns ingen bättre present

I en kort vårnatt

Stjärnhimmel under bågen -

Blicken från den förtrollande månen...

"NATTMÅNE"

Och återigen ersätter kvällen natten,

Mörkret omger världen

Och himlens väg börjar

Night Wanderer Moon.

Från år till år ekar samma väg,

Hon lyser svagt upp mörkret,

Och hennes ljus förstås bara av ett fåtal,

Vem kunde förstå naturens skönhet.

Månens ljus är svagt, men vi är inte värda det

Att skylla sin oskyldiga för den synden,

Mörk jordisk natt, men ändå,

I den, utan månen, kan du inte se någonting alls.

Vi blev så vana att vi slutade

Hennes himmelska kampanj att lägga märke till

Endast de utvalda som ringer med dem i fjärran,

Hon slutade aldrig att förvåna.

Och det finns något i månskenet,

Att jag inte kunde förstå

Inte konstigt att älskare älskar så mycket

Att utse datum i månskenet.

BILD 18 - 19

Lärare:

Och vid tio, och vid sju och vid fem

Alla barn älskar att rita.

Och alla ritar modigt

Allt som intresserar honom.

Allt är intressant:

Långt utrymme, nära skog,

Blommor, bilar, sagor, danser...

Låt oss rita allt!

Det skulle finnas färger

Ja, en bit papper på bordet

Ja, fred i familjen och på jorden.

BILD 20 - 21

Lärare: Låt oss ha en frågesport. Låt oss ta reda på det rätta svaret.

Lärare: Killar, nu skulle jag verkligen vilja veta: vad lärde du dig för nytt idag på lektionen?

Elevernas svar.

Lärare: Kan du se låten?

Studenter: Ja.

Lärare: Vad är penny?

BILD 22

Elever: En sång är en bro mellan poesi och musik.

BILD 23 - 31

Lärare: Låt oss göra en liten uppvärmning med dig. Och vi avslutar vår lektion med en underbar sång. "Orange planet"

Sammanfattande.

BILD 32

Lärare: Tack för lektionen.

Claude Achille Debussy föddes den 22 augusti 1862 i Saint-Germain, Paris. Hans föräldrar – småborgerliga – älskade musik, men var långt ifrån riktig professionell konst. Slumpmässiga musikaliska intryck från den tidiga barndomen bidrog lite konstnärlig utveckling framtida kompositör. Det mest slående av dessa var sällsynta besök på operan. Först vid nio års ålder började Debussy lära sig spela piano. På insisterande av en pianist nära deras familj, som kände igen Claudes extraordinära förmågor, skickade hans föräldrar honom 1873 till konservatoriet i Paris.

De idoga studierna under de första åren gav Debussy årliga solfeggiopriser. I solfeggio- och ackompanjemangsklasserna visade han sitt intresse för nya harmoniska svängar, varierande och komplexa rytmer.

Debussys talang utvecklades extremt snabbt. Redan under studentåren utmärkte sig hans spel genom dess inre innehåll, emotionalitet, sällsynta variation och ljudpalettens rikedom. Men originaliteten i hans uppträdande stil, som saknar moderiktig yttre virtuositet och briljans, fick inte vederbörligt erkännande vare sig från konservatorielärarna eller från hans kamrater. För första gången belönades hans talang med ett pris först 1877 för framförandet av Schumanns sonat.

De första allvarliga sammandrabbningarna med de befintliga metoderna för konservatorieundervisning inträffade med Debussy i harmoniklassen. Endast kompositören E. Guiraud, för vilken Debussy studerade komposition, genomsyrades verkligen av sin elevs ambitioner och upptäckte deras likhet i konstnärliga och estetiska åsikter och musiksmak.

Nocturnes

"Moln"

Orkesterkomposition: 2 flöjter, 2 oboer, kor anglais, 2 klarinetter, 2 fagotter, 4 horn, timpani, harpa, stråkar.

"firande"

Orkesterkomposition: 3 flöjter, piccolo, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 3 fagotter, 4 horn, 3 trumpeter, 3 tromboner, tuba, 2 harpor, timpani, virveltrumma (avlägsen), cymbaler, stråkar.

"Sirener"

Orkesterkomposition: 3 flöjter, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 3 fagotter, 4 horn, 3 trumpeter, 2 harpor, stråkar; kvinnlig kör (8 sopraner och 8 mezzosopraner).

skapelsehistoria

Efter att ännu inte ha avslutat sitt första mogna symfoniska verk, The Afternoon of a Faun, skapade Debussy Nocturnes 1894. Den 22 september skrev han i ett brev: ”Jag arbetar med tre Nocturnes för soloviolin och orkester; den förstas orkester representeras av stråkar, den andra - av flöjter, fyra horn, tre trumpeter och två harpor; den tredjes orkester kombinerar båda. Generellt handlar det om ett sökande efter olika kombinationer som samma färg kan ge, som till exempel när man målar ett arbetsrum i gråtoner. Detta brev är adresserat till Eugène Ysaye, den berömda belgiske violinisten, grundare av stråkkvartetten, som var den första som spelade Debussy-kvartetten föregående år. 1896 hävdade kompositören att "Nocturnes" skapades specifikt för Izaya - "personen som jag älskar och beundrar ... Bara han kan framföra dem. Om Apollo själv bad mig om dem, skulle jag vägra honom! Nästa år ändras dock tanken, och i tre år har Debussy arbetat med tre "Nocturnes" för en symfoniorkester.

Han rapporterar om deras fullbordande i ett brev daterat den 5 januari 1900 och skriver på samma plats: ”Mademoiselle Lily Texier bytte sitt dissonanta namn till den mycket mer harmoniska Lily Debussy ... Hon är otroligt blond, vacker, som i legender, och lägger till dessa gåvor att hon inte på något sätt är i den "moderna stilen". Hon älskar musik ... bara enligt hennes fantasi är hennes favoritlåt en runddans, som talar om en liten grenadjär med ett rött ansikte och en hatt på ena sidan. Kompositörens fru var en fotomodell, dotter till en minderårig anställd från provinserna, för vilken han väckte en passion 1898 som nästan drev honom till självmord året därpå, när Rosalie bestämde sig för att skiljas från honom.

Nocturnes-programmet är känt från Debussy själv:

"Moln" är en orörlig bild av himlen med gråa moln långsamt och melankoliskt flytande och smältande; vikande går de ut, försiktigt färgade av vitt ljus.

"Sirener" är havet och dess oändligt varierande rytm; bland vågorna försilvrade av månen uppstår, faller sönder av skratt och sirenernas mystiska sång tas bort.

Många paralleller uppstår med målningarna av franska impressionistiska konstnärer som älskade att måla strömmande luft, havsvågornas briljans och den festliga publikens variation. Själva titeln "Nocturnes" härstammar från namnet på landskapen av den engelske prerafaelitiska konstnären James Whistler, som kompositören blev intresserad av under sina yngre år, när han efter examen från konservatoriet med Rompriset bodde i Italien , på Villa Medici (1885-1886). Denna passion fortsatte till slutet av hans liv. Väggarna i hans rum var dekorerade med färgreproduktioner av Whistlers målningar. Å andra sidan skrev franska kritiker att de tre "Nocturnes" av Debussy är en ljudinspelning av tre element: luft, eld och vatten, eller ett uttryck för tre tillstånd - kontemplation, handling och hänryckning.

musik

« Festligheter» bildar en skarp kontrast - musiken är häftig, full av ljus och rörelse. Flygljud av stråkar och träverktyg avbryts av klangliga utrop av mässing, tremolo pauker och spektakulära glissandos av harpor. En ny bild: på samma dansande bakgrund av den strängade oboen leder ett brinnande tema, som plockas upp av andra blåsinstrument i en oktav. Plötsligt går allt sönder. En procession närmar sig från fjärran (tre trumpeter med stumma). Den hittills tysta virveltrumman (i fjärran) och låga mässingstrummor kommer in och bygger upp till en öronbedövande klimax av tutti. Sedan återkommer ljusa passager av det första temat, och andra motiv flimrar, tills festivalens ljud försvinner.

I " Sirener"Återigen, som i molnen, råder en långsam takt, men stämningen här är inte skymning, utan upplyst av ljus. Bränningen plaskar tyst, vågor rinner in, och i detta plask kan man urskilja sirenernas lockande röster; upprepade ackord utan ord av en liten grupp damkörer kompletterar orkesterns klang med en annan nyckfull färg. De minsta motiven av två toner varierar, växer, flätas samman polyfoniskt. De återger teman från de tidigare Nocturnes. I mittsektionen blir sirenernas röster mer enträgna, deras melodi mer utsträckt. Varianten vid trumpeterna närmar sig oväntat temat för det engelska hornet från Clouds, och likheten är ännu starkare i dessa instruments upprop. I slutet avtar sirenernas sång, när molnen smälter och festivalens ljud försvinner i fjärran.

A. Koenigsberg

Prelude à l "après-midi d" un faune

Orkesterkomposition: 3 flöjter, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 2 fagotter, 4 horn, antika cymbaler, 2 harpor, stråkar.

skapelsehistoria

The Afternoon of a Faun är Debussys första symfoniska verk, där hans individuella impressionistiska stil är perfekt uttryckt; den är inspirerad av eklogen med samma namn av Stéphane Mallarmé (1842-1898). Den franske poeten, ledaren för den symbolistiska skolan, som förenade unga poeter och impressionistiska konstnärer runt sig, skrev denna långa dikt om en urgammal mytologisk handling redan 1865-1866 (den publicerades 10 år senare), kanske inspirerad av en målning av den franska konstnären från 1700-talet Boucher från London National Gallery. Mallarmes poetiska stil - medvetet komplex, obegriplig, allegorisk - kännetecknas samtidigt av bildernas sensuella ljusstyrka, smakens elegans, den raffinerade och glädjefulla livsuppfattningen. Mallarme själv jämförde sin poesi med musik: han strävade efter att hans fraser, arrangerade på ett visst sätt, skulle poetiskt påverka läsaren, som musikens ljud på lyssnaren.

Eklogan "Afternoon of a Faun" var avsedd för den berömda franska skådespelaren Coquelin Sr. - för recitation, illustrerad av danser. Debussy, som bekantade sig med eklogen 1886, bestämde sig för att komplettera läsningen med en tredelad komposition: preludium, mellanspel och final (parafras). Diktens innebörd var dock helt uttömd redan i upptakten, utan att fortsättning krävdes. När Mallarme hörde den för första gången i författarens framförande på piano, blev Mallarme förtjust: ”Jag hade inte förväntat mig något liknande! Denna musik fortsätter stämningen i min dikt och kompletterar den mer levande än färger.

Det överlevande programmet är förmodligen Debussys: "Musiken i detta Preludium är en mycket fri illustration av Mallarmes vackra dikt. Den gör på intet sätt anspråk på att vara en syntes av dikten. Det är snarare landskap som följer efter varandra, bland vilka önskningar och drömmar om en faun svävar i eftermiddagsvärmen. Sedan, utmattad av jakten på skygga flyende nymfer, ger han sig själv till en förtjusande sömn, full av äntligen förverkligade drömmar om ägandets fullhet i en allomfattande natur.

Och i ett brev som skrevs ett år efter fullbordandet av The Afternoon of a Faun (1894), förklarade Debussy principen för sin programmering i en skämtsam ton: "Detta är det allmänna intrycket av dikten, eftersom om du försökte följa mer exakt. det, musiken skulle kvävas som en taxihäst som tävlar med en renrasad om det stora priset."

Premiären ägde rum den 22 december 1894 i Paris, i en konsert National Society regisserad av Gustave Doré. Som dirigenten senare kom ihåg kände han redan under föreställningen plötsligt att lyssnarna var helt hänförda av denna musik och direkt efter slutet spelades den igen. Detta var Debussys första riktiga framgång.

1912, till musiken av "Afternoon of a Faun" i Parisisk teater Chatelet sattes upp en enaktsbalett. Koreografen och utföraren av rollen som Faun var den berömda ryske dansaren Vaslav Nijinsky, som inte alls gillade kompositören, som kallade Nijinsky ett ungt vild och ondskefullt geni.

musik

Flöjtsolot introducerar omedelbart både till den ljusa pastorala antikens avlägsna värld och till Debussys musikvärld, det är så typiskt för kompositören. Kromatiserad sensuell melodi utspelar sig på ett fritt improvisationssätt i tunga klangfärger av höga träblåsinstrument. Harpornas glissando och de franska hornens upprop, de enda mässing som används i upptakten, ger en speciell smak åt musiken. I den centrala sektionen framträder ett bredare, melodiöst tema, som upplyst av solen, i det fylliga ljudet av tutti. När hon pausar vid solofiolen återkommer flöjtens flöjtmelodi igen mot bakgrunden av den överfulla harpan. Hans utläggning avbryts av korta retande motiv. Musiken får, enligt författarens definition, karaktären av "ännu större tröghet", briljansen förstärks genom införandet av antika tallrikar. Deras pianissimo mot bakgrund av harpa övertoner och pizzicato av låga strängar fullbordar verket - som om en vacker vision har lösts upp i ett lätt middagsdimma.

Redan i de första vokalkompositionerna av Debussy, som går tillbaka till slutet av 1870-talet och början av 1880-talet ("Wonderful Evening" enligt Paul Bourgets ord och särskilt "Mandolin" till Paul Verlaines ord), manifesterades originaliteten i hans talang.

Redan innan han tog examen från konservatoriet gjorde Debussy sin första utlandsresa till Västeuropa på inbjudan av den ryske filantropen N.F. von Meck, som under många år var nära vän till P.I. Tjajkovskij. 1881 kom Debussy till Ryssland som pianist för att delta i von Mecks hemmakonserter. Denna första resa till Ryssland (sedan reste han dit två gånger till - 1882 och 1913) väckte kompositörens stora intresse för rysk musik, som inte försvagades förrän i slutet av hans liv.

Efter tre sommarsäsonger vände hans elev Sonya (femton år) på huvudet. Han bad om tillstånd att gifta sig med henne från sin mor - Nadezhda Filaretovna Frolovskaya von Meck ... Och han blev omedelbart, mycket vänlig, ombedd att lämna Wien, där de var i det ögonblicket.

När han återvände till Paris visade det sig att hans hjärta och hans talang var mogen för känslor för Madame Vanier, som definierade typen av "kvinnan i hans liv": hon var äldre än honom, en musiker och regerade i en ovanligt attraktiv hus.

Han träffade henne och började följa med henne på sångkurserna hos Madame Moreau-Sainty, där Gounod var ordförande.

Sedan 1883 började Debussy delta som kompositör i tävlingar om Roms stora pris. Året därpå belönades han med henne för kantaten " Förlorade son". Denna uppsats, skriven under inflytande av fransmännen lyrisk opera, sticker ut för det verkliga dramat i enskilda scener. Debussys vistelse i Italien (1885-1887) visade sig vara fruktbar för honom: han bekantade sig med den antika italienska körmusiken från 1500-talet och samtidigt med Wagners verk.

Samtidigt präglades perioden av Debussys vistelse i Italien av en skarp sammandrabbning med de officiella konstnärliga kretsarna i Frankrike. Pristagarnas rapporter inför akademin presenterades i form av verk som behandlades i Paris av en särskild jury. Recensioner av kompositörens verk - den symfoniska oden "Zuleima", den symfoniska sviten "Spring" och kantaten "The Chosen One" - upptäckte denna gång en oöverstiglig klyfta mellan Debussys innovativa strävanden och den tröghet som rådde i den största konstnärlig institution Frankrike. Debussy uttryckte tydligt sin önskan om innovation i ett brev till en vän i Paris: ”Jag kan inte stänga min musik i alltför korrekta ramar ... jag vill arbeta för att skapa ett originalverk, och inte falla hela tiden på samma stigar ...” När Debussy återvände från Italien till Paris bryter Debussy slutligen med akademin. Vid den tiden hade känslorna för Madame Vanier svalnat avsevärt.

Viljan att komma närmare nya trender inom konsten, önskan att utöka sina kopplingar och bekantskaper i konstvärlden ledde Debussy tillbaka i slutet av 1880-talet till salongen för en stor fransk poet från slutet av 1800-talet och symbolisternas ideologiska ledare - Stefan Mallarmé. Här träffade Debussy författare och poeter, vars verk låg till grund för många av hans vokala kompositioner, skapade på 1880- och 1890-talen. Bland dem sticker ut: "Mandolin", "Arietta", "Belgiska landskap", "Akvareller", "Månsken" till Paul Verlaines ord, "Songs of Bilitis" till Pierre Louiss ord, "Fem dikter" till ord av den största franska poeten 1850-1860-talet av Charles Baudelaire (särskilt Balkong, Kvällsharmonier, Vid fontänen) och andra.

Den tydliga preferensen som ges sångmusik under den första perioden av kreativitet, beror till stor del på kompositörens passion för symbolistisk poesi. Men i de flesta av dessa års verk försöker Debussy undvika både symbolistisk osäkerhet och underdrift när han uttrycker sina tankar.

1890-talet - den första perioden av Debussys kreativa blomstring inom inte bara sång, utan även piano ("Bergamas Suite", "Little Suite" för piano fyrhänder), kammarinstrumental (stråkkvartett) och speciellt symfonisk musik. Vid denna tidpunkt, två av de mest betydande symfoniska verk- Preludium "Afternoon of a Faun" och "Nocturnes".

Förspelet "En fauns eftermiddag" skrevs på grundval av en dikt av Stéphane Mallarmé 1892. Mallarmes verk lockade kompositören främst av den ljusa pittoreska hos en mytologisk varelse som drömde en varm dag om vackra nymfer.

I förspelet, liksom i Mallarmés dikt, finns ingen utvecklad handling, ingen dynamisk utveckling av handlingen. I kärnan av kompositionen ligger i huvudsak en melodisk bild av "languor", byggd på "krypande" kromatiska intonationer. Debussy använder för sin orkesterinkarnation nästan hela tiden samma specifika instrumentala klang - en flöjt i ett lågt register.

Hela den symfoniska utvecklingen av förspelet handlar om att variera texturen i presentationen av temat och dess orkestrering. Den statiska utvecklingen motiveras av bildens natur.

Dragen av Debussys mogna stil framträdde i detta verk främst i orkestreringen. Den extrema differentieringen av orkestergrupper och delar av enskilda instrument inom grupper gör det möjligt att kombinera orkesterfärger och skapa de finaste nyanserna. Många av orkestrarnas prestationer i detta verk blev senare typiska för de flesta av Debussys symfoniska verk.

Först efter framförandet av "Faun" 1894 talade kompositören Debussy i breda musikkretsar i Paris. Men isoleringen och vissa begränsningar i den konstnärliga miljö som Debussy tillhörde, liksom den ursprungliga stilen i hans kompositioner, hindrade kompositörens musik från att uppträda på konsertscenen.

Även ett så enastående symfoniskt verk av Debussy som Nocturnes-cykeln, skapad 1897-1899, mottogs med återhållsamhet. I "Nocturnes" manifesterades Debussys önskan om livsverkliga konstnärliga bilder. För första gången i Debussys symfoniska verk fick en livlig genremålning (den andra delen av Nocturnes - "Föger") och bilder av naturen rika på färger (första delen - "Moln") en levande musikalisk gestaltning.

Under 1890-talet arbetade Debussy på sin enda avslutade opera, Pelléas et Mélisande. Kompositören letade länge efter en intrig nära honom och slog sig till slut på den belgiske symbolistförfattaren Maurice Maeterlincks drama "Pelléas et Mélisande". Handlingen i detta verk lockade Debussy, med hans ord, av det faktum att "karaktärerna inte bråkar, utan uthärdar liv och öde." Överflöd av undertext gjorde det möjligt för kompositören att uppfylla sitt motto: "Musik börjar där ordet är maktlöst."

Debussy bevarade i operan ett av huvuddragen i många av Maeterlincks dramer - karaktärernas ödesdigra undergång före den oundvikliga dödsupplösningen, en persons misstro på sin egen lycka. Debussy lyckades i viss mån mildra dramats hopplöst pessimistiska ton med subtil och återhållsam lyrik, uppriktighet och sanningsenlighet i den musikaliska gestaltningen av kärlekens och svartsjukans verkliga tragedin.

Det nya i operans stil beror till stor del på att den är skriven i prosatext. De vokala delarna av Debussys opera förkroppsligar de subtila nyanserna av vardagligt franskt tal. Operans melodiska utveckling är en uttrycksfull melodisk-deklamatorisk linje. Det finns ingen betydande känslomässig uppsving i melodilinjen ens i operans dramatiska klimatepisoder. Det finns ett antal scener i operan där Debussy lyckades förmedla ett komplext och rikt utbud av mänskliga upplevelser: scenen med ringen vid fontänen i andra akten, scenen med Mélisandes hår i tredje, scenen vid fontänen. fontän i fjärde och scenen för Mélisandes död i femte akten.

Premiären av operan ägde rum den 30 april 1902 på teatern " Komisk opera". Trots den magnifika föreställningen hade operan ingen riktig framgång med en bred publik. Kritiken var allmänt ovänlig och tillät sig skarpa och oförskämda attacker efter de första föreställningarna. Endast ett fåtal stora musiker har uppskattat fördelarna med detta arbete.

När Pelléas sattes upp ägde betydande händelser rum i Debussys liv. Den 19 oktober 1899 gifter han sig med Lily Texier. Deras fackförening kommer bara att hålla i fem år. Och 1901 började han sin karriär som professionell musikkritiker. Detta bidrog till bildandet av Debussys estetiska synsätt, hans konstnärliga kriterier. Hans estetiska principer och synpunkter kommer extremt tydligt till uttryck i Debussys artiklar och bok. Han ser musikens källa i naturen: "Musiken ligger närmast naturen ..." "Bara musiker har förmånen att omfamna poesin av natt och dag, jord och himmel - återskapa atmosfären och rytmen i naturens majestätiska darrande. "

Debussys stil var starkt influerad av verk av stora ryska kompositörer - Borodin, Balakirev, och särskilt Mussorgskij och Rimskij-Korsakov. Debussy var mest imponerad av briljansen och pittoreska i Rimsky-Korsakovs orkesterförfattarskap.

Men Debussy uppfattade bara vissa aspekter av de största ryska konstnärernas stil och metod. De demokratiska och socialt anklagande tendenserna i Mussorgskijs verk visade sig vara främmande för honom. Debussy var långt ifrån de djupt humana och filosofiskt betydelsefulla handlingarna i Rimsky-Korsakovs operor, från den ständiga och oskiljaktiga kopplingen mellan dessa tonsättares verk och folklig ursprung.

1905 gifte Debussy sig en andra gång. Hon var i samma ålder som Claude Achille, gift med Sigismund Bardak, en parisisk bankir. "Madame Bardak var förförisk som vissa sekulära kvinnor i början av århundradet", skrev en av hennes vänner om henne.

Debussy studerade komposition med sin son och följde snart med Madame Bardac, som framförde hans romanser. ”Detta är en trög extas”... och samtidigt är det ett blixtnedslag med alla dess konsekvenser. Snart har de en härlig tjej, Claude - Emme.

Början av århundradet är det högsta stadiet i kompositörens kreativa verksamhet. De verk som Debussy skapade under denna period talar om nya trender inom kreativitet och, först och främst, Debussys avvikelse från symbolismens estetik. Mer och mer attraheras kompositören av genrescener, musikaliska porträtt och naturbilder. Tillsammans med nya teman och handlingar dyker drag av en ny stil upp i hans verk. Bevis på detta är pianoverk, som "An Evening in Grenada" (1902), "Gardens in the Rain" (1902), "Isle of Joy" (1904). I dessa verk finner Debussy en stark koppling till musikens nationella ursprung.

Bland de symfoniska kompositionerna skapade av Debussy under dessa år utmärker sig "Havet" (1903-1905) och "Images" (1909), som inkluderar det berömda "Iberia".

Den klangfärgade orkesterpaletten, modal originalitet och andra egenskaper hos "Iberia" gladde många kompositörer. "Debussy, som inte riktigt kände till Spanien, skapade spontant, skulle jag säga, omedvetet spansk musik som kunde väcka avund hos så många andra, som känner till landet bra nog..." - skrev den berömda spanska kompositören Falla. Han trodde att om Claude Debussy "använde Spanien som grund för att avslöja en av de vackraste aspekterna av sitt arbete, då betalade han för det så generöst att nu är Spanien i hans skuld."

"Om jag, bland alla Debussys verk," sa kompositören Honegger, "var tvungen att välja ett partitur så att någon som var helt obekant med den tidigare kunde få en uppfattning om hans musik med hjälp av dess exempel, jag skulle ta triptyken "Sjö" för detta ändamål. . Detta är enligt min mening det mest typiska verket, däri är författarens individualitet präglad med största fullständighet. Om musiken i sig är bra eller dålig är hela poängen med frågan. Och Debussy är briljant. Allt i hans "Havet" är inspirerat: allt ner till de minsta orkestreringsslagen - vilken ton som helst, vilken klang som helst - allt är genomtänkt, känt och bidrar till den känslomässiga animation som detta ljudtyg är fullt av. "Havet" är ett sant mirakel av impressionistisk konst..."

Det sista decenniet i Debussys liv kännetecknas av oupphörlig kreativ och utövande aktivitet fram till första världskrigets utbrott. Konsertresor som dirigent till Österrike-Ungern gjorde kompositören berömmelse utomlands. Den mottogs särskilt varmt i Ryssland 1913. Konserter i St. Petersburg och Moskva var en stor framgång. Debussys personliga kontakt med många ryska musiker stärkte ytterligare hans anknytning till den ryska musikkulturen.

Särskilt stora är Debussys konstnärliga prestationer under det sista decenniet av sitt liv i pianoarbete: "Barnhörnan" (1906-1908), "Toy Box" (1910), tjugofyra preludier (1910 och 1913), "Sex antika epigrafier" i fyra händer (1914), tolv studier (1915).

Pianosviten "Children's Corner" är tillägnad Debussys dotter. Önskan att i musik avslöja världen genom ett barns ögon i bilder som är bekanta för honom - sträng lärare, dockor, en liten herde, en leksakselefant - gör att Debussy flitigt använder både vardagsdans- och sånggenrer, och professionella musikgenrer i en grotesk, karikerad form.

Debussys tolv etuder hänger samman med hans långa experiment inom pianostilens område, sökandet efter nya typer av teknik och uttrycksmedel. Men även i dessa verk strävar han efter att lösa inte bara rent virtuosa, utan även ljudproblem.

Två anteckningsböcker av hans preludier för piano bör anses vara en värdig avslutning på Debussys hela kreativa väg. Här är så att säga de mest karakteristiska och typiska aspekterna av den konstnärliga världsbilden koncentrerade, kreativ metod och kompositörens stil. Cykeln fullbordade i huvudsak utvecklingen av denna genre i västeuropeisk musik, vars viktigaste fenomen hittills har varit Bachs och Chopins förspel.

I Debussy sammanfattar denna genre hans kreativt sätt och är ett slags uppslagsverk över allt det mest karaktäristiska och typiska inom det musikaliska innehållsområdet, kretsen av poetiska bilder och kompositörens stil.

Början av kriget fick Debussy att stiga i patriotiska känslor. I tryckta uttalanden kallar han sig själv med eftertryck: "Claude Debussy - fransk musiker." Hela raden verk från dessa år inspirerade av patriotism. Hans huvuduppgift .. han ansåg att sång av skönhet i motsats till de fruktansvärda krigshandlingarna, förlama människors kroppar och själar, förstöra kulturens värden. Debussy var djupt deprimerad av kriget. Sedan 1915 var kompositören svårt sjuk, vilket också påverkade hans arbete. Fram till de sista dagarna av sitt liv – han dog den 26 mars 1918 under tyskarnas bombning av Paris – trots en allvarlig sjukdom, stoppade Debussy inte sitt kreativa sökande.

Den musikaliska impressionismen har som föregångare framför allt impressionismen i fransk målning. De har inte bara gemensamma rötter, utan också orsak-och-verkan-relationer. Och musikens främsta impressionist, Claude Debussy, och särskilt Eric Satie, hans vän och föregångare på denna väg, och Maurice Ravel, som tog över efter Debussy, sökte och fann inte bara analogier, utan också uttrycksmedel i verk av Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes och Henri de Toulouse-Lautrec.

Själva termen "impressionism" i förhållande till musik är eftertryckligt villkorad och spekulativ (i synnerhet Claude Debussy själv motsatte sig det upprepade gånger, dock utan att ge något bestämt i gengäld). Det är tydligt att målarmedlen, förknippade med syn och musikkonstens medel, mestadels baserade på hörsel, kan kopplas till varandra endast med hjälp av speciella, subtila associativa paralleller som bara finns i sinnet. Enkelt uttryckt har den vaga bilden av Paris "i höstregnet" och samma ljud, "dämpad av bruset från fallande droppar" i sig egenskapen av en konstnärlig bild, men inte en verklig mekanism. Direkta analogier mellan måleri och musik är möjliga endast genom kompositörens personlighet som upplevde det personliga inflytandet från konstnärer eller deras målningar. Om en konstnär eller kompositör förnekar eller inte känner igen sådana kopplingar, då blir det åtminstone svårt att prata om dem. Men vi har bekännelser som en viktig artefakt och, (vilket är det viktigaste) verken av den musikaliska impressionismens huvudpersoner själva. Det var Erik Satie som uttryckte denna idé tydligare än resten, ständigt fokuserade på hur mycket han är skyldig konstnärer i sitt arbete. Han lockade Debussy till sig med originaliteten i sitt tänkande, oberoende, oförskämda karaktär och frätande kvickhet, som inte skonade några auktoriteter alls. Satie intresserade också Debussy med hans innovativa piano- och sångkompositioner, skrivna i en djärv, men inte helt professionell hand. Här nedan är orden med vilka Satie 1891 tilltalade sin nyfunna vän, Debussy, och fick honom att gå vidare till bildandet av en ny stil:

Puvis de Chavannes (1879) "Girls on the Seashore" (favoritbild på Sati i sin ungdom)

När jag träffade Debussy var han full av Mussorgsky och letade ihärdigt efter vägar som inte är så lätta att hitta. I detta avseende har jag länge överträffat honom. Jag var inte belastad av varken det romerska priset eller någon annan, för jag var som Adam (från Paradiset), som aldrig fick några priser - definitivt lat!...

På den tiden skrev jag Stjärnornas son till ett libretto av Péladan och förklarade för Debussy behovet av att fransmannen skulle befria sig från inflytandet från Wagners principer, som inte motsvarar våra naturliga strävanden. Jag sa också att även om jag inte på något sätt är någon anti-wagnerist så tycker jag ändå att vi ska ha vår egen musik och om möjligt utan "surtysk kål". Men varför inte använda samma visuella medel för dessa ändamål som vi ser hos Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec och andra? Varför inte överföra dessa medel till musik? Det finns inget lättare. Är det inte det som är verklig uttrycksfullhet?

- (Erik Satie, "Claude Debussy", Paris, 1923).

Men om Satie härledde sin genomskinliga och snåla impressionism från den symboliska målningen av Puvis de Chavannes, så upplevde Debussy (genom samma Satie) det kreativa inflytandet från de mer radikala impressionisterna, Claude Monet och Camille Pissarro.

Det räcker med att bara lista namnen på de mest slående verken av Debussy eller Ravel för att få en komplett bild av inverkan på deras verk av både visuella bilder och landskap av impressionistiska konstnärer. Så under de första tio åren skrev Debussy "Moln", "Prints" (av vilka den mest figurativa, en akvarellljudskiss - "Gardens in the rain"), "Images" (av vilka den första, ett av mästerverken av pianoimpressionism, "Reflections on the water", väcker direkta associationer till den berömda målningen av Claude Monet "Intryck: Sunrise")… Förbi berömt uttryck Mallarme, impressionistiska kompositörer studerade "hör ljuset", förmedla i ljud vattnets rörelse, lövverkets fluktuationer, vindens andedräkt och brytningen av solens strålar i kvällsluften. Den symfoniska sviten "The Sea from Dawn to Noon" sammanfattar Debussys landskapsskisser på ett adekvat sätt.

Trots det ofta annonserade personliga förkastandet av termen "impressionism" har Claude Debussy upprepade gånger uttalat sig som en sann impressionistisk konstnär. Så, på tal om de tidigaste av hans berömda orkesterverk, Nocturnes, erkände Debussy att idén om den första av dem (moln) kom till honom en av de molniga dagarna, när han tittade på Seine från Pont de la Concorde ... Tja När det gäller processionen i den andra delen ("Celebrations"), föddes denna idé av Debussy: "... medan han övervägde ryttaravdelningen av soldater från det republikanska gardet som passerade i fjärran, vars hjälmar gnistrade under den nedgående solens strålar ... i moln av gyllene damm” . På samma sätt kan Maurice Ravels verk fungera som ett slags materiellt bevis på direkta kopplingar från måleri till musik som fanns inom den impressionistiska rörelsen. Den berömda ljudvisuella "Play of water", cykeln av stycken "Reflections", pianosamlingen "Rustle of the Night" - denna lista är långt ifrån komplett och kan fortsätta. Sati skiljer sig något åt, som alltid, ett av verken som kan kallas i detta avseende är kanske "The Heroic Prelude to the Gates of Heaven".

Omvärlden i impressionismens musik avslöjas genom ett förstoringsglas av subtila psykologiska reflektioner, subtila förnimmelser födda från kontemplationen av mindre förändringar som äger rum runt omkring. Dessa drag gör impressionismen relaterad till en annan konstnärlig rörelse som existerade parallellt - litterär symbolism. Eric Satie var den första som vände sig till Josephine Péladans verk. Lite senare fann verken av Verlaine, Mallarme, Louis och särskilt Maeterlinck direkt implementering i musiken av Debussy, Ravel och några av deras anhängare.

Ramon Casas (1891) "Money Mill" (Impressionistisk målning med figuren Satie)

Trots den uppenbara nyheten i det musikaliska språket, återskapar impressionismen ofta några uttrycksfulla tekniker som är karakteristiska för den tidigare tidens konst, i synnerhet musiken av franska cembalospelare från 1700-talet, rokokon. Man behöver bara komma ihåg sådana berömda bildspel av Couperin och Rameau som "Little Windmills" eller "The Hen".

På 1880-talet, innan han träffade Eric Satie och hans verk, fascinerades Debussy av Richard Wagners verk och var helt i kölvattnet av hans musikalisk estetik. Efter att ha träffat Satie och från det ögonblick då han skapade sina första impressionistiska opuser, gick Debussy med överraskande skärpa till den militanta anti-Wagnerismens positioner. Denna övergång var så plötslig och abrupt att en av Debussys nära vänner (och biograf), den berömda musikforskaren Émile Vuyermeaux, direkt uttryckte sin förvirring:

Debussys anti-Wagnerism saknar storhet och adel. Det är omöjligt att förstå hur en ung musiker, vars hela ungdom är berusad av Tristans berusning, och som, i formandet av sitt språk, i upptäckten av en oändlig melodi, utan tvekan är skyldig så mycket till detta nyskapande partitur, föraktfullt förlöjligar geniet som gav honom så mycket!

- (Emile Vuillermoz, "Claude Debussy", Geneve, 1957.)

Samtidigt nämnde Vuyermeaux, internt förbunden av personlig fientlighet och fiendskap med Eric Satie, honom inte specifikt och släppte honom som den saknade länken i skapelsen komplett bild. Sannerligen, fransk konst i slutet av 1800-talet, krossad av Wagnerska musikdramer, hävdade sig genom impressionismen. Länge var det just denna omständighet (och nationalismen som växte fram mellan de tre krigen med Tyskland) som gjorde det svårt att tala om det direkta inflytandet av Richards stil och estetik.

Den andra "nocturnen" - "Celebrations" - sticker ut bland andra verk av Debussy med en ljus genresmak. I ett försök att föra musiken från "Celebrations" närmare en livescen från folkliv kompositören vände sig till vardagliga musikgenrer. Det är på den kontrasterande motsatsen mellan de två musikaliska huvudbilderna - dans och marsch - som den tredelade kompositionen "Celebrations" byggs upp (till skillnad från "Clouds").

Den gradvisa och dynamiska spridningen av dessa bilder ger kompositionen en mer specifik programmatisk betydelse. Kompositören skriver i förordet: ”Celebrations” är en rörelse, en dansande rytm av atmosfären med explosioner av plötsligt ljus, det är också en episod av en procession (en bländande och chimär vision) som passerar genom högtiden och smälter samman med den; men bakgrunden finns kvar hela tiden - det här är en semester; det är en blandning av musik med lysande damm, som är en del av den övergripande rytmen.

Redan från de första takterna skapas en känsla av festlighet av en spänstig, energisk rytm: (som är ett slags rytmiskt skelett av hela andra delen av Nocturnes), de karakteristiska kvarto-femtekonsonanserna hos fiolerna på ff i ett högt register, vilket ger en ljus solig färg till början av satsen.

Mot denna färgglada bakgrund dyker huvudtemat upp i den första delen av "Celebrations", som påminner om en tarantella. Dess melodi är byggd på stegvisa rörelser med många referensljud, men triplettrytmen som är typisk för tarantella och snabba tempo ger lätthet och snabbhet till rörelsen av temat:

I sitt avslöjande använder Debussy inte teknikerna för melodisk utveckling (temats rytm och konturer förändras nästan inte genom hela satsen), utan tar istället till en sorts variation, där varje efterföljande implementering av temat anförtros åt nya instrument, ackompanjerade av en annan harmonisk färg.

Kompositörens förkärlek för "rena" klangfärger ger vika den här gången för subtilt blandade orkesterfärger (klangen av temat vid det engelska hornet med klarinett ersätts av dess strumpande på flöjter med oboer, sedan på cellon med fagott). I harmoniskt ackompanjemang uppträder durtriader av avlägsna tonaliteter och kedjor av icke-ackord (som liknar ett tätt överlagrat penseldrag på en målarduk). I en av föreställningarna av temat är dess melodiska mönster baserat på heltonsskalan, vilket ger den en ny modal nyans (augmented mode), ofta använd av Debussy i kombination med dur och moll.

Hela den första delen av "Celebrations"-episoden musikaliska bilder(till exempel för en oboe på två ljud - la Och innan). Men en av dem, innationellt relaterad till tarantellan och samtidigt bildligt och rytmiskt kontrasterande mot den, börjar i slutet av rörelsen gradvis inta en allt mer dominerande ställning. Den tydliga punkterade rytmen i det nya temat ger hela sista avsnittet av första delen av "Celebrations" en dynamisk och viljestark karaktär:

Debussy anförtror nästan hela genomförandet av detta tema åt träblåsinstrument, men i slutet av första delen kommer orkesterns stråkgrupp in som hittills huvudsakligen har utfört rollen som ackompanjemang. Hennes inledning ger den nya bilden ett betydelsefullt uttryck och förbereder det kulminerande avsnittet av hela första delen.

Sällsynt för Debussy, en lång ökning av dynamiken i slutet av den första delen av "Celebrations", uppnådd genom den gradvisa anslutningen av alla nya instrument (förutom mässing och slagverk), en ökande virvelvindsrörelse, skapar intrycket av en spontant framträdande massdans.

Det är intressant att notera att i klimaxögonblicket dominerar triplettrytmen och den innationella kärnan i det första temat, tarantellan, återigen. Men detta toppavsnitt av det hela musikalisk bild den första satsen slutar något impressionistiskt. Känslan av ett klart uttryckt fullbordande av delen skapas inte. Den flyter direkt, utan cesurer, in i mittsektionen av högtiderna.

Den största, nästan teatrala kontrasten (extremt sällsynt i Debussy) ligger i Nocturnes just i den abrupta övergången till den andra delen av Festligheterna - marschen. Tarantellans häftiga rörelse ersätts av en uppmätt och långsamt rörlig ostinato femtebas i en marschrytm. Huvudtemat för marschen låter för första gången på tre trumpeter med stumma (som bakom kulisserna):

Effekten av en gradvis annalkande "procession" skapas av en ökning av klangnivån och en förändring i orkester

presentation och harmoni. Orkestreringen av denna del av "Nocturnes" involverar nya instrument - trumpeter, tromboner, tuba, timpani, virveltrumma, cymbaler - och en mycket mer konsekvent och strikt logik för orkesterutveckling råder än i "Clouds" (temat framförs först med trumpeter med stumma, sedan av hela en grupp träblåsare och, vid kulmen, trumpeter med tromboner).

Hela denna del av "Celebrations" kännetecknas av en harmonisk utveckling som överraskar Debussy när det gäller spänning och integritet (centrerad kring tangenterna D-dur och A-dur). Den skapas av den långvariga ackumuleringen av modal instabilitet med hjälp av många elliptiska varv, som upprätthålls under en lång period av orgelpunkten och den långa frånvaron av toniken i huvudtonen.

I den harmoniska bevakningen av marschens tema använder Debussy rika färger: kedjor av septimackord och deras tilltal i olika tonarter, som inkluderar ostinatobasen En lägenhet eller sol-skarp.

I ögonblicket för den kulminerande utvecklingen av den mellersta delen av "Festerna", när temat för marschen är grandiost och högtidligt. ljud med pipor och tromboner, ackompanjerat av pauker, en militärtrumma och cymbaler, en tarantella dyker upp i stråkinstrument i form av en slags polyfonisk underton. Processionen får gradvis karaktären av ett festligt firande, gnistrande roligt, och plötsligt, lika oväntat som det var under övergången till mittpartiet, stannar utvecklingen abrupt, och återigen ett tarantellatema, mjukt i sina konturer och klang av två flöjter, klanger.

Från ögonblicket av dess utseende börjar intensiva förberedelser av reprisen, under vilken temat för tarantella gradvis ersätter marschen. Dess sonoritet växer, det harmoniska ackompanjemanget blir rikare och mer mångsidigt (inklusive icke-ackord av olika tonarter). Även marschens tema, efter att ha dykt upp vid trumpeterna i ögonblicket för den andra höjdpunkten av mellansatsen, får en rammande (snabb) rytm. Nu har alla förutsättningar skapats för början av den tredje, reprisdelen av "Celebrations".

Denna del av formuläret innehåller, precis som i "Molnen", nästan alla melodiska bilder av delen av cykeln och är extremt komprimerad. Reprisen skapar tillsammans med codan kompositörens favoriteffekt att "ta bort" processionen. Nästan alla teman i "Celebrations" passerar här, men bara som ekon. Huvudteman för "Celebrations" - tarantellan och marschen - genomgår särskilt stora förändringar i slutet av rörelsen. Den första av dem, mot slutet av codan, påminner om sig själv endast med individuella intonationer och trippelackompanjemangsrytmen hos cello med kontrabas, och den andra med marschrytmen utslagen av en militärtrumma på pp och korta tertsovy-trumpeter med stumma, som låter som en avlägsen signal.

Sirener

Den tredje "nokturnen" - " Sirener”- ligger i poetisk form nära ”Moln”. I den litterära förklaringen till den avslöjas endast pittoreska landskapsmotiv och det element som införts i dem. sagofiktion(denna kombination liknar vagt "Sunken Cathedral"): "Sirener" är havet och dess oändligt mångfaldiga rytm; bland vågorna försilvrade av månen uppstår, faller sönder av skratt och sirenernas mystiska sång tas bort.

All kompositörens kreativa fantasi i denna bild är inte inriktad på att skapa en ljus melodisk bild som skulle ligga till grund för hela satsen eller dess sektion, utan på ett försök att med hjälp av musik förmedla de rikaste ljuseffekterna och kombinationerna av färgkombinationer som uppstå till havs under olika ljusförhållanden.

Den tredje "nokturnen" är lika statisk i sin presentation och utveckling som "Moln". Avsaknaden av ljusa och kontrasterande melodibilder i den kompenseras delvis av den koloristiska instrumenteringen, där kvinnokören (åtta sopraner och åtta mezzosopraner) medverkar och sjunger med stängd mun. Denna säregna och otroligt vackra klang används av kompositören genom hela satsen, inte så mycket i en melodisk funktion, utan som en harmonisk och orkestral "bakgrund" (liknande användningen stränggrupp bland molnen"). Men denna nya, ovanliga orkesterfärg spelar här den främsta uttrycksfulla rollen för att skapa en illusorisk, fantastisk bild av sirenerna, vars sång kommer som från djupet av ett lugnt hav som skimrar med oändligt varierande nyanser.

Impressionism i musik

I slutet av 1800-talet dök en ny trend upp i Frankrike, kallad "impressionism". Detta ord, översatt från franska, betyder "intryck". Impressionism uppstod bland konstnärer.

På 70-talet dök olika parisiska utställningar upp originalmålningar C. Monet, C. Pissarro, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley. Deras konst skilde sig kraftigt från de släta och ansiktslösa verken av akademiska målare.

Impressionisterna kom ut ur sina verkstäder i den fria luften, lärde sig att återge naturens levande färgers spel, solens gnistra, det mångfärgade bländet på vattenytan, mångfalden av den festliga skaran. Man använde sig av en speciell teknik med prickslag, som verkade kaotisk på nära håll och på avstånd gav upphov till en verklig känsla av ett livligt färgspel. Fräschheten av ett omedelbart intryck i deras dukar kombinerades med subtiliteten av psykologiska stämningar.

Senare, på 80- och 90-talen, kom impressionismens idéer till uttryck i fransk musik. Två kompositörer - C. Debussy och M. Ravel - representerar tydligast impressionismen i musiken. I deras piano- och orkesterskessstycken uttrycks de förnimmelser som skapas av naturens kontemplation med särskild nyhet. Ljudet från havets bränningar, bäckens plaskande, skogens sus, fåglarnas morgonkvitter smälter samman i deras verk med musiker-poetens personliga upplevelser, förälskad i den omgivande världens skönhet.

Achille-Claude Debussy anses vara grundaren av musikalisk impressionism, som berikade alla aspekter av komponerande färdigheter - harmoni, melodi, orkestrering, form. Samtidigt omfamnade han idéerna med det nya franska måleriet och poesin.

Claude Debussy

Claude Debussy är en av de mest betydelsefulla franska kompositörerna som påverkade utvecklingen av 1900-talets musik, både klassisk och jazz.

Debussy bodde och arbetade i Paris, när denna stad var den intellektuella och konstnärliga världens Mecka. Kompositörens fängslande och färgstarka musik bidrog i hög grad till utvecklingen av fransk konst.

Biografi

Achille-Claude Debussy föddes 1862 i Saint-Germain-en-Laye, lite väster om Paris. Hans far Manuel var en fridfull butiksägare, men efter att ha flyttat till en storstad kastade han sig in i de dramatiska händelserna 1870-1871, då han till följd av Fransk-preussiska kriget det var ett uppror mot regeringen. Manuel anslöt sig till rebellerna och fängslades. Under tiden började den unge Claude ta lektioner från Madame Mote de Fleurville och säkrade en plats vid konservatoriet i Paris.

Ny trend inom musik

Efter att ha gått igenom en så bitter upplevelse, visade Debussy att han var en av de mest begåvade studenterna vid konservatoriet i Paris. Debussy var också en så kallad "revolutionär", ofta chockerande lärare med sina nya idéer om harmoni och form. Av samma skäl var han en stor beundrare av den store ryske kompositören Modest Petrovich Mussorgskys verk - en hatare av rutin, för vilken det inte fanns några auktoriteter inom musik, och han ägnade lite uppmärksamhet åt reglerna för musikalisk grammatik och letade efter för sin nya musikstil.

Under studieåren vid konservatoriet i Paris träffade Debussy Nadezhda von Meck, en berömd rysk miljonär och filantrop, nära vän till Pjotr Iljitj Tjajkovskij, på vars inbjudan han 1879 gjorde sin första utlandsresa i Västeuropa. Tillsammans med von Meck besökte de Florens, Venedig, Rom och Wien. Efter att ha rest genom Europa gjorde Debussy sin första resa till Ryssland, där han uppträdde på "hemkonserter" av von Meck. Här lärde han sig först verk av så stora kompositörer som Tjajkovskij, Borodin, Rimskij-Korsakov, Mussorgskij. När han återvände till Paris fortsatte Debussy sina studier vid konservatoriet.

Snart fick han det efterlängtade Prix de Rome för kantaten Den förlorade sonen och studerade i Italiens huvudstad i två år. Där träffade han Liszt och hörde Wagners opera för första gången. På världsutställningen 1889 i Paris väckte ljuden från den javanesiska gamelan hans intresse för exotisk musik. Den här musiken var vansinnigt långt ifrån den västerländska traditionen. Den östliga pentatoniska skalan, eller skalan med fem steg, som skiljer sig från skalan som används i västerländsk musik, lockade alla Debussy. Från denna ovanliga källa drog han mycket och skapade sitt fantastiska och underbara nya musikspråk.

Dessa och andra erfarenheter formade Debussys egen stil. Två nyckeln fungerar: The Afternoon of a Faun, skriven 1894, och operan Pelléas et Melisande (1902), var bevis på hans fulla mognad som kompositör och öppnade en ny trend inom musiken.

konstellation av talanger

Paris under de första åren av 1900-talet var en fristad för kubistiska konstnärer och symbolistiska poeter, och Diaghilev Ballets Russes lockade en hel konstellation av lysande kompositörer, kostymdesigners, dekoratörer, dansare och koreografer. Det här är dansaren-koreografen Vatslav Nijinsky, den berömda ryske basen Fjodor Chaliapin, kompositören Igor Stravinsky.

I den här världen fanns det en plats för Debussy. Hans fantastiska symfoniska skisser "The Sea", hans mest underbara anteckningsböcker med preludier och anteckningsböcker "Images" för piano, hans sånger och romanser - allt detta talar om den extraordinära originalitet som skiljer hans verk från andra kompositörer.

Efter stormig ungdom och första äktenskapet, 1904 gifte han sig med sångerskan Emma Bardak och blev far till en dotter, Claude-Emma (Shusha), som han avgudade.

ödets nyck

Den oändligt milda och raffinerade musikstilen hos Debussy bildades under en lång tid. Han var redan i trettioårsåldern när han avslutade sitt första betydande verk, preludiet En fauns eftermiddag, inspirerad av en dikt av sin vän, den symbolistiske författaren Stéphane Mallarme. Verket framfördes första gången i Paris 1894. Under repetitionerna gjorde Debussy ständigt ändringar i partituret, och efter den första föreställningen hade han nog mycket att göra.

Att vinna berömmelse

Trots alla svårigheter och det faktum att förspelet framfördes i slutet av ett långt och tråkigt program kände publiken att de hörde något fantastiskt nytt vad gäller form, harmoni och instrumentell färg, och efterlyste genast ett extranummer av bit. Från det ögonblicket blev namnet på kompositören Debussy känt för alla.

Obscent satyr

1912 beslutade den store ryske impresariot Sergei Diaghilev att visa en balett till musiken av The Afternoon of a Faun, koreograferad och framförd av den berömde Vaslav Nijinsky. Den erotiska skildringen av bilden av en faun, eller satir, orsakade en del skandal i samhället. Debussy, av naturen en sluten och blygsam person, var arg och generad över det som hade hänt. Men allt detta gav bara äran åt verket, vilket satte det i främsta ledet bland tonsättare. samtida musik, och balett vann en fast plats i den klassiska världsrepertoaren.

Med början av kriget

Det intellektuella livet i Paris skakades av första världskrigets utbrott 1914. Vid den tiden var Debussy redan allvarligt sjuk i cancer. Men han skapade fortfarande en ny enastående musik såsom pianoetyder. Krigets början orsakade ett uppsving av patriotiska känslor hos Debussy, i pressen kallade han sig själv med eftertryck en "fransk musiker". Han dog i Paris 1918 under tyskarnas bombardement av staden, bara några månader före den slutliga allierade segern.

Ljud av musik

Nocturne (nocturne), översatt från franska - natt.

På XVIII-talet. - en cykel av små stycken (en sorts svit) för en ensemble av blåsinstrument eller i kombination med stråkar. De framfördes på kvällen, på natten i det fria (som en serenad). Sådana är nocturnes av W. Mozart, Michael Haydn.

Från artonhundratalet - ett musikstycke av melodisk, mestadels lyrisk, drömmande karaktär, som om den var inspirerad av nattens tystnad, nattbilder. Nocturnen skrivs i ett långsamt eller måttligt tempo. Mellandelen kontrasterar ibland med sitt mer livliga tempo och upprörda karaktär. Genren nocturne som pianostycke skapades av Field (hans första nocturnes publicerades 1814). Denna genre utvecklades brett av F. Chopin. Nocturne är också skriven för andra instrument, samt för en ensemble, en orkester. Nocturnen finns även i vokalmusik.

"Nocturnes"

Debussy färdigställde tre symfoniska verk, gemensamt kallade Nocturnes, redan i början av 1900-talet. Han lånade namnet från artisten James McNeill Whistler, som han var ett fan av. Vissa gravyrer och målningar av konstnären kallades bara "nocturnes".

I denna musik agerade kompositören som en sann impressionist, som letade efter speciella ljudmedel, utvecklingsmetoder, orkestrering för att förmedla de omedelbara förnimmelserna orsakade av kontemplationen av naturen, människors känslotillstånd.

Kompositören skrev själv i en förklaring till Nocturnes-sviten att detta namn har en rent "dekorativ" betydelse: "Vi talar inte om den vanliga formen av en natturn, utan om allt som detta ord innehåller, från intryck till speciellt ljus sensationer." Debussy medgav en gång att den naturliga drivkraften för skapandet av Nocturnes var hans egna intryck av det samtida Paris.

Sviten har tre delar - "Moln", "Fest", "Sirener". Varje del av sviten har sitt eget program skrivet av kompositören.

"Moln"

Triptyken "Nocturnes" inleds med orkesterstycket "Moln". Idén att namnge kompositörens verk på detta sätt inspirerades inte bara av de verkliga molnen som han observerade när han stod på en av de parisiska broarna, utan också av Turners album, bestående av sjuttionio molnstudier. I dem förmedlade konstnären de mest olika nyanserna av den molniga himlen. Sketcherna lät som musik, skimrande av de mest oväntade, subtila färgkombinationer. Allt detta kom till liv i Claude Debussys musik.

"Moln," förklarade kompositören, "är en bild av en orörlig himmel med långsamt och melankoliskt förbigående moln, flytande iväg i grå ångest, försiktigt färgad av vitt ljus."

När vi lyssnar på "Clouds" av Debussy verkar vi befinna oss upphöjda över floden och titta på den monotont tråkiga mulna himlen. Men i denna monotoni finns en massa färger, nyanser, översvämningar, omedelbara förändringar.

Debussy ville i musiken reflektera "molnens långsamma och högtidliga marsch över himlen". Det vindlande temat på träblåsarna målar upp en vacker men vemodig bild av himlen. Viola, flöjt, harpa och kor anglais - en djupare och mörkare släkting till oboen i klangfärg - alla instrument lägger sin egen klangfärgning till helhetsbilden. Musik i dynamik överstiger endast pianot lite och till slut upplöses det helt, som om moln försvinner på himlen.

"firande"

De lugna ljuden från den första delen ersätts av en fest av färger i nästa pjäs "Celebrations".

Pjäsen är byggd av kompositören som en scen där två musikalisk genre- dans och marsch. I förordet till den skriver kompositören: "Celebrations" är en rörelse, en dansande rytm av atmosfären med explosioner av plötsligt ljus, det är också ett avsnitt av en procession ... som passerar genom en högtid och smälter samman med den, men bakgrunden finns kvar hela tiden - det här är en semester ... det här är en blandning av musik med lysande damm, som är en del av den övergripande rytmen. Kopplingen mellan måleri och musik var uppenbar.

Den ljusa pittoreska i det litterära programmet återspeglas i den pittoreska musiken i "Celebrations". Lyssnarna är nedsänkta i en värld full av ljudkontraster, intrikata harmonier och spelandet av instrumentala klangfärger i orkestern. Kompositörens mästerskap manifesteras i hans fantastiska gåva av symfonisk utveckling.

Festligheter” är fyllda med bländande orkesterfärger. Den ljusa rytmiska introduktionen av strängarna målar en livlig bild av semestern. I mittpartiet hörs paradens närmande, ackompanjerat av blåsblåsare och träblås, sedan växer hela orkesterns klang gradvis och mynnar ut i en kulmen. Men nu försvinner detta ögonblick, spänningen går över, och vi hör bara en lätt viskning av melodins sista ljud.

I "Celebrations" skildrade han bilder av folkliga nöjen i Bois de Boulogne.

"Sirener"

Tredje stycket av triptyken "Nocturnes" - "Sirener", för orkester med damkör.

"Detta är havet och dess otaliga rytmer", avslöjade kompositören själv programmet, "då, mitt i vågorna, försilvrad av månen, uppstår den mystiska sången av sirenerna, faller sönder av skratt och avtar."

Många poetiska rader ägnas åt dessa mytiska varelser - fåglar med huvuden på vackra flickor. Till och med Homeros beskrev dem i sin odödliga Odyssey.

Med förtrollande röster lockade sirener resenärer till ön, och deras skepp omkom på kustrev, och nu kan vi höra deras sång. Damkören sjunger – sjunger med slutna munnar. Det finns inga ord - bara ljud, som om de föddes av vågornas spel, svävar i luften, försvinner så fort de uppstår och återföds på nytt. Inte ens melodier, utan bara en antydan till dem, som streck på impressionistiska konstnärers dukar. Och som ett resultat smälter dessa ljudspännen samman till en färgstark harmoni, där det inte finns något överflödigt, oavsiktligt.

Populär i kategorin: