Japansk konst att se i fjärran. CraftsGirl
Himeji är ett av de äldsta slotten i Japan.
Japansk konst från den antika perioden
Japansk kultur tog form och utvecklades under speciella naturliga och historiska förhållanden. Japan ligger på fyra stora och många små öar som sköljs av havet. Eftersom hon befann sig i utkanten av öster, upplevde hon det periodvis ökande, sedan återigen bleknande inflytandet från sådana fastlandskulturer som Kina och Korea. Perioder av interaktion med omvärlden ersattes i japansk historia av långa århundraden av kulturell isolering (perioder från 10- till 1300-talet och från 1600- till mitten av 1800-talet). Den senare omständigheten bidrog till utvecklingen och konsolideringen av många unika egenskaper japansk kultur i allmänhet och konst i synnerhet. Bekantskap med kulturen i väst ägde rum på 1500-talet, när huvuddragen i den ursprungliga japanska civilisationen redan hade bildats. Fram till 1854 handlade Japan med Kina och Holland genom endast en hamn.
Från de forntida invånarna på de japanska öarna - jägare och fiskare - kom stenyxor, harpuner, pilspetsar och handskulpterade keramikkärl som upptäckts som ett resultat av arkeologiska utgrävningar, som fick namnet på grund av "Jomon"-mönstret på dem, vilket betyder "spår av repet". Därför kallas den neolitiska kulturen i Japan också för Jomon. Nybyggare som anlände från Sibirien, Polynesien och senare från Korea och Kina stod på olika nivåer kulturell utveckling. Detta förklarar det faktum att monument från både yngre stenåldern och bronsåldern finns i vissa kulturlager. Det japanska språket ligger nära språken i den altaiska gruppen. När som ett resultat av kontakter med kinesiska kultureråh, japanerna bekantade sig med kinesisk hieroglyf, det visade sig vara mycket svårt att anpassa kinesiska hieroglyfer för att förmedla muntligt japanskt tal.
Den första perioden av japansk kultur, om vilken tillförlitliga data har bevarats, kallas kofuns (högar) era - begravningar, vars markdel var en jordhög med karakteristisk form - en kombination av en cirkel och en trapets, liknar ett nyckelhål, som symboliserade föreningen av jord och vatten. De var av ansenlig storlek, de var omgivna av ett dubbeldike med vatten, gräs växte över högen, och längs den inre omkretsen av högen fanns ihåliga lerfigurer av människor, djur, modeller av båtar och hus från 30 cm till ett. och en halv meter hög. De kallades "haniwa". Inne i gravkammaren fanns kistor med döda representanter för adeln, där rituella föremål placerades: en spegel, en dotaku-klocka, vars ljud var tänkt att skrämma bort onda andar och locka gudarna - rorkultarnas beskyddare. Yamato-kungarnas begravningar innehöll alltid sådana rituella symboler för makt som jadehängen och svärd. För att upphöja kungarna i Yamato-klanen, etablerades historiens början, gudarnas hierarki bestämdes, gudomen Amaterasu ("Lyser från himlen") pekas ut, som överförde makten över japanska öar kungar av klanen Yamato. Namnet "Nippon" eller "Nihon", som betyder "den stigande solens land", dök upp på 700-talet. År 608 började resor för att studera i Kina, som fortsatte i mer än två århundraden.
Dotaku - rituella bronsklockor - cylindrar smalnade till toppen, toppade med breda öglor med lockiga avsatser, vars väggar är uppdelade i rutor fyllda med grafiska bilder
Japanernas heterogena tro, som har många drag av primitiv animism och fetischism, återspeglas i shinto. Shinto ("gudarnas väg") i sin essens återspeglar de japanska idéerna om naturens universella andlighet. Ett oräkneligt antal så kallade "kami" (andar) finns både i mirakulösa landskapsobjekt, såsom Lake Biwa och Mount Fuji, och i föremål skapade av människor - svärd, speglar, begåvade i kraft av detta magiska egenskaper. Shinto-helgedomen kännetecknades av enkelheten i sin trästruktur: ett rum i en sal placerades på pålar, omgivet på alla sidor av en veranda. Insidan av Shinto-helgedomen var mörk och tom. Troende gick inte in i templet.
Paraperiod (645–794 e.Kr.)
Nara är namnet på den första huvudstaden och den enda staden i Japan vid den tiden. Detta var tiden för upprättandet av den japanska staten, införandet av buddhismen och skapandet av monument av buddhistisk konst - tempel, pagoder, olika statyer av buddhistiska gudar. Buddhismen under denna period var inte så mycket folkets tro som en fortsättning på domstolens politik. Olika buddhistiska sekter spelade en mycket betydande roll vid hovet, buddhistiska klosters markinnehav växte, munkarna hade stort inflytande vid hovet. Buddhistiska kloster dyker upp, som är grupper av träbyggnader som ligger på en rektangulär muromgärdad yta. Av särskild betydelse var den breda gränden som leder till den främre porten, torget framför templet och den flervåningspagoden som var synlig på avstånd. Trätemplar målades med röd lack, reste på stenfundament och hade breda böjda dubbeltak - irimoya.
Bland de tidiga buddhistiska templen finns Asukadera, Horyuji, byggandet av det senare påbörjades 607 på uppdrag av den då regerande kronprinsen Shotoku Taishi. Klostret bestod av 53 byggnader belägna på en yta av 90 tusen kvadratmeter. Fasaden på templet vetter mot söder, huvudbyggnaderna ligger på nord-sydlig axel, den heliga zonen är norr, det fanns en sal för predikningar - kodo, kondo och en femvånings pagod. I Horyuji fanns det 265 statyer, den huvudsakliga skulpturala bilden var treenigheten av Shakyamuni, representerad av en skulptur av trosbekännelsens grundare, åtföljd av två bodhisattvor. På 800-talet vid stora kloster fanns redan verkstäder för skulptörer. Kulten av bodhisattvan Kannon spred sig, vars namn var en översättning av sanskritnamnet Avalokiteshvara (Uppmärksamhet på världens ljud). Fylld av medkänsla för levande varelser kan en bodhisattva lyssna på ljuden från dem som lider, var de än är. Kulten av Avalokiteshvara har sitt ursprung i nordvästra Indien och spred sig till Kina. I Lotus Sutra sades det att bodhisattvan tog formen av de varelser som kallar till honom. I Japan ledde spridningen av Kannon-kulten till uppkomsten av ett stort antal av hennes bilder - helgonet Kannon hjälper till i helvetet, Kannon med huvudet på en häst sprider nåd mot boskap, onda andar - asuror räddas i tusental -beväpnad Kannon, Kannon med en fiskeskog räddar människor.
Heian-perioden (794-1185)
År 794 flyttades statens huvudstad till staden Heian (nu Kyoto). Under Heian-perioden blomstrade en sofistikerad hovkultur. En japansk syllabar skapades - kana (jap. - en lånad hieroglyf). Till en början var det bara kvinnor som använde detta manus, medan det officiella manuset fortsatte att vara kinesiskt. Under X-talet. kvinnors skrivande började användas i privat praktik. På XI-talet. den japanska klassiska litteraturens storhetstid började, ett lysande exempel på det är romanen "Genji Monogatari", skapad av hovdamen Murasaki Shikibu.
Inom Heians konst är huvudplatsen upptagen av buddhistiska bilder av de esoteriska sekterna Tendai och Shingon som kom från Kina vid den tiden, som lärde ut att alla levande varelser har Buddhas väsen. Genom att träna ande och kropp, genom att uppfylla löftena, kan vem som helst förvärva Buddhas essens i processen med flera återfödningar. Templen för dessa sekter byggdes på toppen av berg och steniga avsatser, kapellen i dem var uppdelade i två delar. Inuti, där den heliga bilden fanns, var vanliga troende inte tillåtna.
Heian-eran är en tid av lyx för de styrande kretsarna. Vid den här tiden bildades typen av bostäder shinde. Väggarna och förutsättningarna för ett varmt klimat var inte kapital och hade inget referensvärde. De kan mycket enkelt flyttas isär, ersättas med mer hållbara för kallt väder, eller tas bort helt och hållet i varmt väder. Det fanns inte heller några fönster. Istället för glas sträcktes vitt papper över gallerramen och släppte in ett svagt diffust ljus i rummet. Takets breda taklist skyddade väggarna från fukt och solljus. interiör, utan permanenta möbler, hade glidande skiljeväggar, tack vare vilka det var möjligt att skapa, efter behag, antingen en hall eller flera små isolerade rum, golvet täcktes med halmmattor - tatami, av samma storlek (180 gånger 90 centimeter).
Konfucianska och buddhistiska texter hämtades från Kina under Heian-perioden. Ofta var de dekorerade med bilder. Ursprungligen kopierade japanska konstnärer kinesiska "berömda platser", men från 1000-talet. vänd dig till bilden av landskap och seder hemland. "Yamato-e" målning är designad, som skilde sig från kinesisk målning genom att använda teman från japansk poesi, noveller, romaner eller från folklegender. Målningen fick sitt namn från namnet på Yamato-regionen - den sydvästra delen av ön Honshu, där Japans stat bildades.
Bilden representerade ofta en rullning av illustrationer med motsvarande text, som togs för hand och snurrades från höger till vänster, medan man läste motsvarande avsnitt, beaktades illustrationen efter den.
Yamato-e-målningen nådde sin topp i slutet av Heian-perioden. Vid den här tiden dök det upp professionella konstnärer som målade bilder om sekulära ämnen på skärmar, glidande partitioner (shoji) och rullar - emakimono. Den äldsta av rullarna är Genji Monogatari. Emakimanos rullar var bildberättelser. Rullen av "Genji-monogatari-emaki", den berömda romanen av Murasaki Shikibu, har överlevt till denna dag, och skildrar aristokratins lediga liv i levande färger, det är en syntes av kalligrafi, litteratur och målning. I de överlevande 19 av de 54 kapitlen i romanen finns ingen enskild handling och genom handling i illustrationerna. De flesta av de avbildade scenerna utspelar sig i interiörer, allt synligt visas ovanifrån, det finns ingen enda försvinnande punkt för linjer, storskalig överensstämmelse mellan figurer och arkitektur, ansiktena på alla karaktärer är desamma, bara frisyrer och kläder är olika . Huvudämnet för konstnärens uppmärksamhet är överföringen av det känslomässiga innehållet i händelserna som äger rum i romanen, som var välkända för alla. De huvudsakliga teknikerna är byggandet av rymden och användningen av färgmöjligheter. För att förmedla karaktärernas inre tillstånd och atmosfären i varje scen är det viktigt för konstnären i vilken vinkel i förhållande till den nedre kanten av rullningen de diagonala linjerna är riktade, vilket betecknar antingen strukturernas bjälkar eller taklisterna. av gardinerna, eller kanten av verandan. Beroende på graden av känslomässig spänning varierar denna vinkel från 30 till 54 grader.
Bodhisattva - Kannon förekommer i Kina, Korea och Japan huvudsakligen i kvinnlig form, i händer med en kanna, en pilgren och ett lasso
I aristokraternas hus fanns inga skiljeväggar, på skärmar och gardiner bästa artister målade bilder av yamato-e. Yamato-e målningar var enhet med litterära verk, som också placerades på skärmar och gardiner. I antologier av poesi från X-XIII århundradena. verser skrivna på skärmar från 900- och 1000-talen är inte ovanliga. Det största antalet sådana dikter finns i antologin "Sui-shu". Precis som poesi handlade om de fyra årstiderna, så var målning för skärmar. I linje med folkvisor utvecklades ett visst system av poetiska formler, som sedan blev grunden för japansk klassisk poetik. Så vårens tecken var ett dimmigt dis, ett pilträd, ett sommartecken - en gök, cikador, höst - scharlakansröda lönnlöv, ett rådjur, en måne, vintrar - snö och plommonblommor.
Kyoto är en gammal pärla i Japan.
Överflödet av homonymer i språket gjorde det möjligt att ge verserna många betydelser. Teman och handlingar gjorde det möjligt att, genom en detalj eller en antydan, i en extremt kortfattad poetisk form (31 stavelser per tanka), uttrycka mångfalden av alla nyanser av känslotillstånd. Det skedde en gradvis övergång från skärmar med texter till skärmar utan text. Så här utvecklades de faktiska bildgenrens underavdelningar - shiki-e ("bilder av de fyra årstiderna") och mei-se-e("bilder på kända platser").
Sammansättningen av sådana målningar motsvarade inte någon av kategorierna av kinesisk målning. Den största sammansmältningen av natur och människa kommer att bli karakteristisk för olika genrer av japansk konst.
Kamakura-perioden (1185-1333) och Muromachi-perioden (1333-1568)
I slutet av 1100-talet flyttades huvudstaden igen, makten i landet till följd av en blodig inbördesstrid greps av Minamoto-klanen, vars huvud flyttade huvudstaden till hans bosättning Kamakura, vars namn blev namnet på nästa steg i Japans historia. Samurajernas militärklass kom till makten i landet, bland vilka kom shogunerna - de faktiska militära härskarna i Japan, kejsaren, som stannade kvar i Nara, behöll endast nominella maktattribut. Den sofistikerade samurajens hovkultur föredrog enkelhet. Zen-sektens kloster inkluderade inte längre pagoder, templen liknade lantliga hyddor. Från slutet av XIII-talet. under inflytande av Zen-sektens panteistiska idéer började landskapet förkroppsliga idén om närvaron av buddhistiska gudar i alla landskapsobjekt. I klostren i Kamakura har ikonografin av porträtt av Minsk-patriarken utvecklats: en sittande och lugn pose med en betonad karaktäristik av ansiktet, den hypnotiska kraften i blicken. Under inflytande av Zen-sekten förpassas skulpturen till bakgrunden, målning, särskilt landskapsmålning, uttrycker attityden hos människorna i denna tid.
Muromachi-perioden börjar med händelserna 1333, när feodalherrarna i de sydöstra regionerna på ön Honshu intog och brände Kamakura och återlämnade huvudstaden till Heian. Det var en tid av interna stridigheter och krig mellan feodala klaner. Ledande för oroligheternas tid var läran från anhängare av zensekten att, efter att ha uppnått enhet med naturen, kan man komma överens med livets svårigheter och uppnå enhet med världen. Första plats i Japansk konst under inflytande av Zen-läran att Buddhas "kropp" är naturen kommer landskapsmåleriet i förgrunden. Under andra hälften av XII-talet. målning med svart bläck trängde in i Japan från Kina. Japanerna som övervägande praktiserade sådan målning var medlemmar av Zen-sekten. De skapade en ny stil som förklarade den nya trosbekännelsen (shigaku - en kombination av måleri och poesi). 1400- och 1500-talen - tiden för den maximala blomstringen av bläckmålning, vars ledande mästare var Sesshu Toyo (1420-1506). Parallellt med denna stil existerade även yamato-e-stilen.
Förändringar i socio-politiska relationer, som förde militärklassen i förgrunden, ledde också till uppkomsten på 1500-talet. arkitektonisk stil"sein". Husets tidigare enda volym är nu uppdelad med hjälp av skjutdörrar (shoji), skjutväggar (fusuma). En speciell plats för klasser dök upp i rummen - en hylla för böcker och ett fönster med en bred fönsterbräda och en nisch (tokonoma) där en bukett eller en sten med en nyckfull form placerades och en vertikal rulle hängdes.
På XVI-talet. I den japanska arkitekturens historia dyker tepaviljonger upp i samband med behovet av korrekt genomförande av teceremonin. Te fördes till Japan under Kamakura-perioden av buddhistiska munkar som en dryck. Te-ritualen (cha-no-yu) introducerades på initiativ av zenmunken Murata Shuko och krävde en speciell metod för dess genomförande. Så det hände ny typ arkitektonisk struktur - chashitsu (paviljong för teceremonin), i sin konstruktiva grund låg den nära ett bostadshus och i sin funktion - ett buddhistiskt tempel. Tepaviljongens stöd var av trä, taket avslutades med bambu eller vass. Inuti en hydda kantad med mattor, 1,5 eller 2 tatami med adobeväggar, små fönster på olika nivåer, en tokonoma-nisch med ett hängande monokromt landskap och en blomma i en vas, fanns en härd, en hylla för husgeråd.
Under Muromachi-perioden blomstrade trädgårdskonsten. Japanska trädgårdar är annorlunda. Små trädgårdar är oftast belägna vid tempel eller förknippas med ett traditionellt hem, de är designade för att ses. Stora anlagda trädgårdar är designade för att uppfattas från insidan.
Kondo - (jap. gyllene salen) - huvudtemplet Buddhistiskt komplex som innehåller ikoner, statyer, väggmålningar
Zen-tempelträdgården byggdes enligt principen om en monokrom landskapsrulle. Istället för ett pappersark använde konstnären vidsträckten av en sjö eller en plattform täckt med småsten, istället för fläckar och sköljningar av det tjocka - stenar, mossor, löv av träd och buskar. Gradvis försvann blommor från trädgården, de ersattes av mossor och buskar, stenar började användas istället för broar. Vissa trädgårdar var landskap, kuperade (tsukiyama). Tsukiyamas trädgårdar var en kombination av naturliga element som stenar, mossor, träd, dammar, med en obligatorisk paviljong på stranden. Den äldsta landskapsträdgården ligger i Kyoto och tillhör Sohoji-klostret. Torra trädgårdar kallades "hiraniva", d.v.s. platt. Hiraniva är en "filosofisk" trädgård, eftersom han krävde en utvecklad fantasi av betraktaren. Hiraniwa-trädgården ”var kvar av stenar, sand, småsten. Trädgården var tillsluten på tre sidor av en mur som omgav den och var endast avsedd för kontemplation. I slutet av XV-talet. skapade en av de mest kända torra trädgårdarna i Ryoanji-klostret. Den innehåller 15 stenar som ligger på ett rektangulärt grusområde. I hiraniwa-trädgården i Daitokuji-klostret, skapad 1509, representeras naturen av kompositioner av stenar och småsten. En av trädgårdens delar kallades "tomrummets hav" och består av två låga stenkullar mitt i ett rektangulärt område. Trädgårdar skulle kunna komplettera varandra.
I slutet av XV-talet. hovskolan för dekorativ målning Kano bildades. Grundaren av skolan Kano Masanobu (1434-1530) kom från en militärklass och blev en erkänd professionell hovkonstnär. Hans landskap hade bara förgrunden, allt annat var täckt av ett dimmigt dis. Betoningen av ett visst ämne i bilden skulle bli karakteristiskt för Kano-skolan. Huvudplatsen i arbetet av konstnärerna i Kano-skolan var ockuperad av dekorativa väggmålningar och skärmar med genremålning. Väggmålningar har blivit huvudkomponenten i syntesen med den arkitektoniska formen och ett sätt att påverka den figurativa betydelsen av det arkitektoniska rummet. I sin tur krävde särdragen i den arkitektoniska formen vissa stilmässiga kvaliteter hos målningarna, varför en ny stilistisk kanon gradvis bildades, som bevarades i japansk måleri fram till 1800-talet.
Shinden är en typ av bostadshus. Rektangulär i plan, enhallshuvudbyggnaden, vänd mot torget med dess södra fasad, och inramad av gallerier från öster och väster
Momoyama-perioden (1X73-1614)
Och den här gången tog eran av feodala krig slut, makten i landet övergick till successiva militärdiktatorer - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi och Iyaesu Tokugawa. Det var en tid av urban tillväxt, sekularisering och demokratisering av kulturen, inträngande av nya värdeinriktningar. Kultarkitekturen har förlorat sin tidigare betydelse. De nya härskarna i Japan förklarade sin makt genom att bygga storslagna slott, vars konstruktion orsakades av uppkomsten av skjutvapen i Japan och en motsvarande förändring i strids- och försvarstaktik. Slottet har blivit en i grunden ny typ av japansk arkitektur. Slottets asymmetriskt belägna territorium, omgivet av en vallgrav och vakt- och hörntorn, omfattade ett centralt torg och många gårdar och rum, underjordiska skyddsrum och passager. Bostadsrummen var belägna i en träbyggnad belägen på slottets territorium med en strikt hierarki av det inre utrymmet, vilket återspeglar den sociala hierarkin. Slottens interiörer, nedsänkta i skymningen, var bäst lämpade för dekorativa väggmålningar, storslagna i storlek, fyllda med ljusa färger på en gyllene bakgrund.
Kano Eitoku (1543-1590). Skaparen av en ny stil av väggmålningar, designade för att glorifiera militära diktatorer. Han utvecklade först principen om en enda komposition på stora horisontella ytor, förstorade formerna, övergav små delar att förmedla inte bara silhuetter, utan också dynamiken i deras former. Eitoku kännetecknas av önskan att öka bildens planhet, för att förbättra dess dekorativa egenskaper. Så, på platser som symboliserar tomt utrymme, finns det fläckar med en blandning av guldpulver. Kompositionens utrymme utspelade sig inte på djupet, utan längs blicken.
År 1576, vid stranden av sjön Biwa, uppfördes ett hittills okänt slott med ett kolossalt sju våningar högt torn, som var tänkt att demonstrera diktatorns Oda Nobunagas makt. Ett inslag i slottet var närvaron av inte bara officiella utan också privata kamrar. Huvuddekorationerna i rummen var väggmålningar, som beställdes utföras av Kano Eitoku, som arbetade på dem i tre år tillsammans med en stor grupp assistenter. Kano Eitoku, som blev påskyndad av diktatorn med verkställandet av ordern, började förstora formerna, med hjälp av en tjock borste gjord av rishalm, och tog till ett lakoniskt konstnärligt språk. Huvudplatsen ockuperades av bilden av träd, blommor, fåglar och djur. Färgskalan var ljus, det fanns ingen färgnyans.
Förändringen i den sociala situationen i landet efter att Tokugawa-shogunerna kom till makten ledde till ett förbud mot att bygga slott.
I verk av konstnärer från den första tredjedelen av XVII-talet. nya egenskaper börjar ta över. I måleriet blev önskan om balanserade, lugna kompositioner, tillväxten av prydnadsformer, intresset för kulturen från Heian-eran och verken av yamato-e mer märkbar. Ett utmärkande drag för denna tids Kano-skola är ornamentalitet och ökad dekorativitet. När i andra kvartalet av XVII-talet. byggandet av slott var förbjudet, skärmen blev den huvudsakliga formen av dekorativ målning. Monumentaliteten hos Kano Eitoku lämnade dekorativ målning. Konsten fick en personlig färgsättning som påverkade dess stilistiska egenskaper. dekorativ målning XVII V. oftast inspirerad av den klassiska litteraturens hjältar och teman, vilket återspeglar de olika intressena hos stamaristokratin och taxen från den framväxande borgerliga eliten. Dekorativ målning utvecklad i den gamla huvudstaden Kyoto.
Ogata Korin blev talesman för smaken av nya konstkonsumenter - stadsbor, köpmän och hantverkare. ny representant Kano skolor.
Emakimano är en horisontell rulle gjord av papper eller siden klistrad på en bas inramad med en brokadkant med en trärulle i änden.
Ogata Korin (1658-1716) levde som en rik kratta och besökte ständigt de "roliga distrikten". Först efter ruinen, inför det svåra behovet av att försörja sig, började han måla tyger och måla. Ogata Korin sysslade med både keramik och lack, målade kimonos och fläktar. Hur
mästare, började han med att lära känna traditionell målning och hennes metoder. Korin strävade alltid efter kompakthet, balans mellan former, framträdande funktion kreativt sätt - fokusera på utvecklingen av flera plotmotiv, deras upprepade upprepning och variation. I Ogata Korins verk dök det för första gången upp arbete från naturen. I målningen av filmduken "Rött och vitt plommonträd" går handlingsmotivet som tagits av Korin tillbaka till klassisk poesi med sina bilder av tidig vår och uppvaknande natur. På båda sidor om bäcken, på en gyllene bakgrund, är blommande träd skrivna: en tjock, med en tjock krökt stam och nästan vertikalt stigande grenar, ett rött plommonträd och ett annat, endast angivet med stammens fot och skarpt krökt, som om han ramlade till vattnet och sköt därför plötsligt upp en gren, beströdd med vita blommor.
Kano Eitoku hök på en tall. Skärm. Detalj från slutet av 1500-talet.
Ogata Kenzan (1663-1743), till skillnad från sin äldre bror Ogata Korin, dragit mot andliga värden från sin ungdom, var en anhängare av zenbuddhismen, kunde kinesiska och japanska klassisk litteratur, teater Noh, teritual. På territoriet som tillhörde Ninnaji-templet fick Kenzan tillstånd att bygga sin egen keramikugn, som producerade produkter i 13 år fram till 1712. Han strävade inte efter lönsamhet, han vägleddes av idén att skapa mycket konstnärliga produkter . För första gången använde han traditionella bläckmålningstekniker i volymetrisk målning. Kenzan började använda färg, han skrev på en fuktig skärva, den porösa leran absorberade färgen, som papper i tuschmålning. Liksom sin store samtida poet Basho, som förvandlade den populära låga genren haiku till en uppenbarelse, visade Ogata Kenzan att vanliga keramiska tallrikar, koppar, vaser kan vara både bruksobjekt och samtidigt poetiska konstverk.
Edo-perioden (1614-1868)
År 1615 flyttades samurajer från Kyoto till Edo. Betydelsen av klassen av köpmän, köpmän och ockrare, koncentrerad till Mara, Kyoto och Osaka, ökade. För företrädare för dessa sociala grupper kännetecknades av en sekulär livsuppfattning, önskan att befria sig från inflytandet av feodal moral. För första gången tar konsten upp vardagslivets teman, inklusive livet för de sk. roliga stadsdelar - tehusens värld, Kabuki-teatern, sumobrottare. Utseendet på träsnitt var förknippat med demokratisering av kulturen, eftersom gravyrer kännetecknas av cirkulation, billighet och tillgänglighet. Efter hushållsmålning gravyr blev känd som ukiyo-e (bokstavligen - den dödliga föränderliga världen).
Tillverkningen av gravyrer har fått en stor omfattning. Den tidiga perioden i utvecklingen av ukiyo-e-grafik är förknippad med namnet Hasikawa Moronobu (1618-1694), som skildrade okomplicerade scener från livet för invånarna i tehus, hantverkare, kombinera händelser vid olika tidpunkter, utan samband med varje andra, på en gravyr. Bakgrunden på gravyrerna förblev vit, linjerna var tydliga. Gradvis utökades utbudet av ämnen för gravyrer, intresset inte bara för det yttre utan också för karaktärernas inre värld blev djupare. Japansk gravyr 1780-1790. går in i sin storhetstid. Suzuki Haranobu (1725-1770) började först avslöja inre värld hjältar i gravyrer som "Skönheter som plockar en plommongren", "Älskare i en snötäckt trädgård". Han var den första att använda rullningstekniken, som skapar en övergång från mörk till ljus ton, varierade tjockleken och strukturen på linjerna. Han brydde sig aldrig om riktiga färger, havet i hans gravyrer är rosa, himlen är sandig, gräset är blått, allt beror på det allmänna känslomässigt humör scener. Ett av hans bästa verk, "Lovers Playing the Same Shamisen", inspirerades av det japanska ordspråket "Om musik främjar kärlek, spela."
Tokonoma - en nisch i det inre av ett tehus
Kitagawa Utamaro (1753-1806) - en enastående ukiyo-e mästare. Hans arbete började med albumen "The Book of Insects", "Songs of Shells". I sina halvlånga, bystlånga porträtt av kvinnor använder Utamaro för första gången glimmerpulver, vilket skapar en skimrande bakgrund. Perfekt skönhet Utamaro med en graciös form och passform på huvudet,
tunn hals, liten mun, korta svarta ögonbryn. I serien "Tio kvinnliga karaktärer"och" dagar och timmar av kvinnor "han försökte identifiera olika typer av utseende och karaktär av kvinnor. I slutet av 90-talet. i Utamaro tar upp temat moderskap i gravyrer som "Mother with Child" och "Ball Game", samtidigt som han skapar triptyker och polyptyker på historiska teman, med indirekt beteckning (landets hjältar avbildas som skönheter). Teshusai Shyaraku skapade en serie porträtt av kabuki-teaterskådespelare och sumobrottare. Han övergav de allmänt accepterade traditionerna och gjorde det groteska till sin huvudsakliga teknik. Den tredje perioden i utvecklingen av ukiyo-e-tryck infaller 1800-1868. Vid denna tid ökade holländska och tyska etsningars inflytande på japansk konst. För kreativiteten hos den konstnärliga dynastin Utagawa blev avslaget på sökandet efter individualitet, önskan om formell elegans karaktärerna. Landskapsgenrens storhetstid i gravyr förknippas med namnet Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai studerade gammal och modern japansk konst, kände till Kinas konst och bekantade sig med europeisk gravyr. Fram till nästan 50 år gammal arbetade Hokusai på traditionellt sätt som ukiyo-e-artister. Endast i Manga-albumen (en bok med skisser), vars första volym publicerades 1812, hittade Hokusai sitt konstområde. Nu målade han vardagsscener, landskap, folkmassor.
japanska landskapsträdgårdar
Vid 70 års ålder skapade Hokusai sin serie "36 Views of Mount Fuji", på var och en av gravyrerna som konstnären avbildar Mount Fuji. Kombinationen av genretema med landskapet är ett inslag i Hokusai. Till skillnad från de gamla landskapsmålarna visar Hokusai jorden underifrån. Samtidigt skapar han serierna "Resa genom landets vattenfall", "Broar", "Stora blommor", "100 vyer över Fuji". Hokusai kunde förmedla saker från en oväntad vinkel. I 100 Views of Fuji-graveringarna kommer bergen antingen fram ur nattens mörker, som en vision, eller är synliga bakom bambustjälkarna eller reflekteras i sjön. Hokusais anhängare Ando Hiroshige (1797-1858) målade naturen mycket mer realistiskt. Som flodagent till yrket reste han mycket runt i landet och skapade sin serie "53 Tokaido Stations", "8 Views of Lake Omi", "69 Views of Kishikaido". Hiroshiges konst närmar sig europeisk målning och fullbordar ukiyo-e-graveringens tvåhundraåriga storhetstid.
ArtelinoDen stora vågen utanför Kanagawa av Katsushika Hokusai (1760-1849) är ett av de mest kända trycken och det första arket i serien Thirty-six Views of Fuji. I början av 1830-talet började Katsushika Hokusai, på uppdrag av Eijudo-förlaget, skapa en serie på 46 ark (36 huvudblad och 10 ytterligare), och Den stora vågen utanför Kanagawa var en gravyr som öppnar hela serien.
Sådana samlingar av gravyrer fungerade som ett slags "virtuell resa" för den tidens stadsbor, ett bekvämt och billigt sätt att tillfredsställa nyfikenhet. Fuji-liknande tryck kostar cirka 20 månader - ungefär lika mycket som en dubbel portion nudlar på ett dåtida japanskt matställe. Framgången var dock så stor att 1838 hade kostnaden för Hokusais ark vuxit till nästan 50 månader, och efter mästarens död trycktes bara Wave från nya tavlor mer än 1000 gånger.
Överraskande nog, trots det uttalade temat för hela serien, verkar Fuji i The Wave spela en sekundär roll. Den huvudsakliga "karaktären" i denna gravyr är en våg, och i förgrunden utspelar sig en dramatisk scen av en mans kamp med elementen. Kanterna på skumkammen ser ut som de vridna fingrarna på en fantastisk arg demon, och ansiktslösheten och inaktiviteten hos de mänskliga figurerna i båtarna lämnar inga tvivel om vem som kommer att bli vinnaren i denna kamp. Det är dock inte denna konfrontation som är konflikten som skapar intrigen i gravyren.
Genom att stoppa ögonblicket efter vilket båtarna kraschar låter Hokusai betraktaren se Fuji ett ögonblick mot den grå himlen som mörknar mot horisonten. Även om japanska gravörer redan var bekanta med principerna för europeisk linjär och flygperspektiv, kände de inte behovet av denna teknik. Den mörka bakgrunden, såväl som ögats långa resa från förgrunden med båtar genom vågens rörelse till Fuji, övertygar ögat om att det heliga berget är skilt från oss av havets vidd.
Fuji reser sig långt från stranden som en symbol för stabilitet och beständighet, i motsats till de stormiga elementen. Motsatsernas enhet och ömsesidiga beroende ligger till grund för idén om kosmisk ordning och absolut harmoni i världsbilden i Fjärran Östern, och det var de som blev huvudtemat för gravyren "The Great Wave off Kanagawa", som inledde serien av Katsushika Hokusai.
"Beauty Nanivaya Okita" av Kitagawa Utamaro, 1795-1796
Art Institute of Chicago
Kitagawa Utamaro (1753-1806) kan med rätta kallas den kvinnliga skönhetens sångare i japanska tryck. ukiyo-e: han skapade ett antal kanoniska bilder av japanska skönheter ( bijinga) - invånarna i tehus och det berömda nöjeskvarteret Yoshiwara i Japans huvudstad, Edo edo — namnet Tokyo fram till 1868..
I bijingagravyr är allt inte riktigt vad det verkar för den moderna betraktaren. Rikt klädda adliga damer sysslade i regel med ett skamligt hantverk och tillhörde underklassen, och gravyrer med skönhetsporträtt hade en öppet reklamfunktion. Samtidigt gav gravyren ingen uppfattning om flickans utseende, och även om Okita från Nanivaya-tehuset nära Asakusa-templet ansågs vara den första skönheten i Edo, är hennes ansikte i gravyren helt utan individualitet.
Sedan 900-talet har kvinnliga bilder i japansk konst varit föremål för minimalismens kanon. "Linje-öga, krok-näsa" - mottagning hikime-kagihana tillät konstnären bara att indikera att en viss kvinna var avbildad: i japansk traditionell kultur utelämnades ofta frågan om fysisk skönhet. Hos kvinnor av ädel börd värderades "hjärtats skönhet" och utbildning mycket mer, och invånarna i de glada kvarteren strävade efter att imitera de högsta exemplen i allt. Enligt Utamaro var Okita verkligen vacker.
Arket "Beauty Nanivaya Okita" trycktes 1795-1796 i serien "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets", där en av författarna från 900-talet motsvarade varje skönhet. På arket med ett porträtt av Okita i det övre vänstra hörnet finns en bild av Arivara no Narihira (825-880), en av de mest vördade poeterna i Japan, till vilken romanen Ise Monogatari traditionellt tillskrivs. Denne ädle adelsman och lysande poet blev också känd för sina kärleksaffärer, av vilka några låg till grund för romanen.
Detta ark är en speciell användning av tekniken mitate(jämförelser) i japansk gravyr. Kvaliteterna hos en auktoritativ "prototyp" överförs till den avbildade skönheten, och den eleganta kurtisanen, med ett fridfullt ansikte som serverar gästen en kopp te, läses redan av betraktaren som en dam som är skicklig i poesi och kärleksgärningar. Jämförelsen med Arivara no Narihira var verkligen ett erkännande av hennes överlägsenhet bland Edo-skönheterna.
Samtidigt skapar Utamaro en överraskande lyrisk bild. Genom att balansera mörka och ljusa fläckar på bladet och skissera formen med melodiska, eleganta linjer, skapar han en verkligt perfekt bild av nåd och harmoni. "Reklam" avtar, och skönheten som Utamaro fångade förblir tidlös.
Skärm "Irises" av Ogata Korin, 1710-talet
Wikimedia Commons / Nezu Museum, Tokyo
Ett par irisskärmar med sex paneler - nu en nationell skatt i Japan - skapades av Ogata Korin (1658-1716) runt 1710 för Nishi Hongan-ji-templet i Kyoto.
Sedan 1500-talet har målning på väggpaneler och pappersdukar blivit en av de ledande genrerna inom dekorativ konst i Japan, och Ogata Korin, grundaren av Rinpa konstskola, var en av dess största mästare.
Skärmar i den japanska interiören spelade en viktig roll. De rymliga palatslokalerna skilde sig inte strukturellt från bostäderna hos en enkel japan: de hade nästan inga inre väggar, och utrymmet var zonerat med vikskärmar. Bara drygt en och en halv meter höga var skärmarna designade för den gemensamma japanska traditionen för alla klasser att leva på golvet. I Japan användes barnstolar och bord inte förrän på 1800-talet, och skärmens höjd, liksom kompositionen av dess målning, är utformad för att se en person som sitter på knä. Det är med denna synvinkel som en fantastisk effekt uppstår: irisarna verkar omge den sittande personen - och en person kan känna sig själv på stranden av floden, omgiven av blommor.
Iris är målade på ett icke-konturmässigt sätt - nästan impressionistiska, breda streck av mörkblått, lila och lila tempera förmedlar den frodiga storheten hos denna blomma. Den pittoreska effekten förstärks av det dova skimret av guld, mot vilket iris avbildas. Skärmarna föreställer ingenting annat än blommor, men deras kantiga växtlinje antyder att blommorna böjer sig runt flodens slingrande lopp eller sicksackarna från träbroar. Det skulle vara naturligt för japanerna att se en bro saknas på skärmen, en speciell "bro med åtta plankor" ( yatsuhashi lyssna)), förknippas med iris i klassisk japansk litteratur. Romanen Ise Monogatari (800-talet) beskriver den sorgliga resan för en hjälte som fördrivits från huvudstaden. Efter att ha slagit sig ner med sitt följe för att vila på flodstranden nära Yatsuhashi-bron, minns hjälten, som ser iris, sin älskade och komponerar dikter:
min älskade i kläder
Graciöst där, i huvudstaden,
Kärlek kvar...
Och jag tänker med längtan hur mycket
Jag är långt ifrån henne... Översättning av N.I. Konrad.
"Så han vek sig, och alla fällde tårar på sitt torkade ris, så att det svällde av fukt", tillägger författaren och lyrisk hjälte till berättelsen, Arivara no Narihira.
För en utbildad japaner var kopplingen mellan iris vid bron och Ise monogatari, iris och temat avskild kärlek tydlig, och Ogata Korin undviker verbositet och illustrativitet. Med hjälp av dekorativt måleri skapar han bara ett idealiskt utrymme fyllt av ljus, färg och litterära konnotationer.
Kinkakuji Golden Pavilion, Kyoto, 1397
Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006
Det gyllene templet är en av symbolerna för Japan, som ironiskt nog förhärligades mer av dess förstörelse än av dess konstruktion. 1950 satte en mentalt instabil munk i Rokuonji-klostret, som denna byggnad tillhör, eld på en damm som stod på ytan av
paviljong Under en brand 1950 förstördes templet nästan. Restaureringsarbetet i Kinkaku-ji började 1955, 1987 var återuppbyggnaden som helhet klar, men restaureringen av den helt förlorade inredningen fortsatte till 2003.. De sanna motiven för hans handling förblev oklara, men i tolkningen av författaren Yukio Mishima var det den ouppnåeliga, nästan mystiska skönheten i detta tempel att skylla. Under flera århundraden ansågs Kinkakuji faktiskt vara symbolen för japansk skönhet.
År 1394 gick Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), som underkastade nästan hela Japan sitt testamente, formellt pension och bosatte sig i en specialbyggd villa i norra Kyoto. Den trevåningsbyggnaden vid den konstgjorda sjön Kyokoti ("sjöspegel") spelade rollen som ett slags eremitage, en avskild paviljong för avkoppling, läsning och bön. Den innehöll en samling målningar av shogunen, ett bibliotek och en samling buddhistiska reliker. Beläget på vattnet nära stranden, hade Kinkakuji endast båtkommunikation med stranden och var samma ö som de konstgjorda öarna med stenar och tallar utspridda runt Kyokoti. Idén om "de himmelska ön" lånades från kinesisk mytologi, där ön Penglai, de odödligas ö, tjänade som bilden av den himmelska bostaden. Speglingen av paviljongen i vattnet väcker redan buddhistiska associationer till idéer om den dödliga världens illusoriska natur, vilket bara är en blek återspegling av den buddhistiska sanningens prakt.
Även om alla dessa mytologiska övertoner är spekulativa, ger platsen för paviljongen den en fantastisk harmoni och harmoni. Reflektion döljer byggnadens squatness, vilket gör den högre och smalare; samtidigt är det höjden på paviljongen som gör det möjligt att se den från vilken strand som helst av dammen, alltid mot en mörk bakgrund av grönska.
Det är dock fortfarande inte helt klart hur gyllene denna paviljong var i originalform. Förmodligen, under Ashikaga Yoshimitsu, var det verkligen täckt med bladguld och skyddande lager lack. Men om man tror på fotografierna från 1800- och början av 1900-talet och Yukio Mishima, så hade förgyllningen i mitten av 1900-talet nästan skalat av och dess rester var synliga endast på den övre delen av byggnaden. Vid den här tiden berörde han snarare själen med ödslighetens charm, tidens spår, obönhörlig till och med de vackraste sakerna. Denna melankoliska charm motsvarade den estetiska principen sabi mycket vördad i japansk kultur.
På ett eller annat sätt var prakten i denna byggnad inte alls i guld. Den utsökta strängheten i Kinkakujis former och dess oklanderliga harmoni med landskapet gör den till ett av mästerverken inom japansk arkitektur.
Skål "Iris" i stil med karatsu, XVI-XVII århundraden
Diane Martineau /pinterest.com/Metropolitan Museum of Art, New York
Ordet meibutsu- en sak med ett namn. Endast namnet på denna kopp har verkligen överlevt, eftersom varken den exakta tidpunkten och platsen för dess tillkomst eller mästarens namn har bevarats. Ändå är det listat bland de nationella skatterna i Japan och är ett av de ljusaste exemplen på keramik i nationell stil.
I slutet av 1500-talet, teceremonin cha-no-yuövergav det sofistikerade kinesiskt porslin och keramik med glasyrer som påminner om dyrbara material. Deras spektakulära skönhet verkade för konstlad och uppriktig för temästarna. Perfekta och dyra föremål - skålar, vattenkärl och tecaddies - motsvarade inte zenbuddhismens nästan asketiska andliga kanoner, i vilken anda teceremonin utvecklades. En verklig revolution inom te-action var vädjan till japansk keramik, mycket enklare och konstlös i en tid när verkstäderna i Japan precis hade börjat bemästra tekniken för kontinental keramik.
Formen på Iris-skålen är enkel och oregelbunden. Väggarnas lätta krökning, krukmakarens bucklor som syns över hela kroppen ger skålen en nästan naiv lätthet. Lerskärvan är täckt med ljus glasyr med ett nätverk av sprickor - craquelure. På framsidan, som tilltalar gästen under teceremonin, appliceras en bild av en iris under glasyren: teckningen är naiv, men utförd med en energisk pensel, exakt, som i en rörelse, i zens anda kalligrafi. Det verkar som att både formen och dekoren hade kunnat göras spontant och utan ansträngning av specialstyrkor.
Denna spontanitet speglar idealet wabi- enkelhet och konstlöshet, vilket ger upphov till en känsla av andlig frihet och harmoni. Varje person eller till och med ett livlöst föremål enligt japanska anhängare av zenbuddhismen har Buddhas upplysta natur, och adeptens ansträngningar syftar till att upptäcka denna natur i sig själv och världen omkring honom. De saker som användes i teceremonin borde, trots all sin klumpighet, ha framkallat en djup upplevelse av sanningen, varje ögonblicks relevans, tvingad att titta in i de mest vanliga former och se sann skönhet i dem.
Kontrasten till skålens grova konsistens och dess enkelhet är restaureringen med en liten flisad guldlack (denna teknik kallas kintsugi). Restaureringen genomfördes på 1700-talet och visar den vördnad med vilken japanska temästare behandlade redskap för teceremonin. Så teceremonin ger deltagarna ett "sätt" att upptäcka den sanna skönheten i saker, såsom Iris-skålen. Underförstått, sekretess har blivit grunden för det estetiska begreppet wabi och en viktig del av den japanska världsbilden.
Porträtt av munken Gandzin, Nara, 763
Toshodaiji, 2015
Under VIII-talet blev skulptur den huvudsakliga formen av konstnärligt uttryck för eran, Nara-eran (710-794), förknippad med bildandet av japanskt statsskap och stärkandet av buddhismen. Japanska mästare har redan passerat lärlingsstadiet och blind imitation av kontinentala tekniker och bilder och började fritt och levande uttrycka sin tidsanda i skulptur. Spridningen och tillväxten av buddhismens auktoritet orsakade uppkomsten av ett buddhistiskt skulpturporträtt.
Ett av mästerverken i denna genre är porträttet av Gandzin, skapat 763. Tillverkad i tekniken torr lack (genom att bygga upp lager av lack på en träram täckt med tyg), målades den nästan naturliga skulpturen realistiskt, och i templets skymning satt Ganjin i en pose av meditation "som om de lever”. Denna naturtrogna karaktär var den huvudsakliga kultfunktionen för sådana porträtt: läraren var tvungen att alltid befinna sig inom väggarna i Todaiji-klostret i staden Nara och vara närvarande vid de viktigaste gudstjänsterna.
Senare, på 1000-1200-talen, nådde skulpturala porträtt en nästan skoningslös illusionism, som skildrade vördnadsvärda lärares senila svaghet, deras insjunkna munnar, slappa kinder och djupa rynkor. Dessa porträtt ser på buddhismens anhängare med levande ögon, inlagda med bergskristall och trä. Men Gandzins ansikte verkar suddigt, det finns inga tydliga konturer och tydliga former i det. Ögonlocken på halvslutna och okrossade ögon verkar svullna; den spända munnen och de djupa nasolabialvecken uttrycker vanemässig försiktighet snarare än koncentrationen av meditation.
Alla dessa funktioner avslöjar den dramatiska biografin om denna munk, historien om fantastisk askes och tragedier. Ganjin, en kinesisk buddhistmunk, bjöds in till Japan för invigningsceremonin av Naras största kloster, Todaiji. Skeppet tillfångatogs av pirater, ovärderliga rullar och buddhistiska skulpturer som var avsedda för ett avlägset japanskt tempel gick förlorade i elden, Ganjin brände hans ansikte och förlorade synen. Men han lämnade inte lusten att predika i civilisationens avlägsna utkanter – nämligen hur Japan uppfattades av kontinenten vid den tiden.
Flera försök att korsa havet slutade på samma misslyckade sätt, och först vid det femte försöket når den redan medelålders, blinde och sjuka Ganjin den japanska huvudstaden Nara.
I Japan lärde Ganjin inte ut buddhistisk lag på länge: de dramatiska händelserna i hans liv undergrävde hans hälsa. Men hans auktoritet var så hög att det antagligen redan före hans död beslutades att skapa hans skulptur. Utan tvekan sökte konstnärsmunkarna ge skulpturen så mycket likhet med modellen som möjligt. Men detta gjordes inte för att rädda utseende av en person, utan för att fånga hans individuella andliga upplevelse, den svåra väg som Ganjin gick igenom och som den buddhistiska läran kallade.
Daibutsu - Stora Buddha från Todaiji-templet, Nara, mitten av 700-talet
Todd/flickr.com
I mitten av 800-talet drabbades Japan av naturkatastrofer och epidemier, och intrigerna från den inflytelserika familjen Fujiwara och det uppror de reste tvingade kejsar Shomu att fly från huvudstaden, staden Nara. I exil lovade han att följa buddhistiska läror och 743 beordrade byggandet av landets huvudtempel att börja och gjutningen av en kolossal bronsstaty Buddha Vairochana (Buddhas stora sol eller allt upplysande ljus). Denna gudom ansågs vara den universella inkarnationen av Buddha Shakyamuni, grundaren av buddhistiska läror, och var tänkt att bli garanten för skyddet av kejsaren och hela landet under perioden av oroligheter och uppror.
Arbetet började 745 och var modellerat efter den gigantiska Buddha-statyn i Longmen-grottans tempel nära den kinesiska huvudstaden Luoyang. Statyn i Nara, som vilken bild som helst av Buddha, var tänkt att visa "stora och små tecken på Buddha". Denna ikonografiska kanon innehöll långsträckta örsnibbar, som påminner om det faktum att Buddha Shakyamuni kom från en furstlig familj och från barndomen bar tunga örhängen, en förhöjning på toppen av huvudet (ushnisha), en prick i pannan (urna).
Statyns höjd var 16 meter, ansiktets bredd var 5 meter, längden på den utsträckta handflatan var 3,7 meter och urnan var större än ett mänskligt huvud. Konstruktionen tog 444 ton koppar, 82 ton tenn och en enorm mängd guld, sökandet efter detta gjordes speciellt i norra delen av landet. En sal, Daibutsuden, uppfördes runt statyn för att skydda helgedomen. I sitt lilla utrymme fyller en lätt böjd sittande Buddha-figur hela utrymmet, vilket illustrerar ett av buddhismens huvudpostulat - tanken att gudomen är allestädes närvarande och allt genomträngande, den omfattar och fyller allt. Det transcendentala lugnet i ansiktet och gesten av gudomens hand (mudra, gesten att ge skydd) kompletterar känslan av Buddhas lugna storhet och kraft.
Men idag finns bara ett fåtal fragment kvar av den ursprungliga statyn: bränder och krig orsakade enorma skador på statyn på 1100- och 1500-talen, och den moderna statyn är huvudsakligen en gjutning från 1700-talet. Vid restaureringen av 1700-talet var bronsfiguren inte längre täckt med guld. Kejsar Shomus buddhistiska iver under 700-talet tömde praktiskt taget statskassan och förblödde det redan chockade landet, och de senare härskarna hade inte längre råd med sådana omåttliga utgifter.
Ändå ligger betydelsen av Daibutsu inte i guld och inte ens i tillförlitlig äkthet - själva idén om en sådan grandios förkroppsligande av buddhistiska läror är ett monument över en era då japaner monumental konst upplevde en genuin blomning, befriade sig från blindkopiering av kontinentala modeller och uppnådde integritet och uttrycksfullhet, som senare gick förlorade.
Japan? Hur utvecklades det? Vi kommer att svara på dessa och andra frågor i artikeln. Japansk kultur bildades som ett resultat av en historisk rörelse som började när japanerna flyttade från fastlandet till skärgården och civilisationen under Jomon-perioden föddes.
Den nuvarande upplysningen av detta folk var starkt influerad av Europa, Asien (särskilt Korea och Kina) och Nordamerika. Ett av tecknen på den japanska kulturen är dess långa utveckling i eran av fullständig isolering av staten (sakoku-politiken) från alla andra länder under Tokugawa Shogunatets regeringstid, som varade fram till mitten av 1800-talet - början av den japanska kulturen. Meiji-eran.
Inflytande
Hur utvecklades den konstnärliga kulturen i Japan? Civilisationen påverkades avsevärt av landets isolerade regionala läge, klimatiska och geografiska egenskaper, såväl som naturfenomen (tyfoner och frekventa jordbävningar). Detta tog sig uttryck i befolkningens extraordinära inställning till naturen som en levande varelse. funktion nationalkaraktär Japanska är förmågan att beundra universums nuvarande skönhet, vilket uttrycks i många typer av konst i ett litet land.
Den konstnärliga kulturen i Japan skapades under inflytande av buddhism, shintoism och konfucianism. Samma trender påverkade dess fortsatta utveckling.
antiken
Håller med, den konstnärliga kulturen i Japan är magnifik. Shintoismen har sina rötter i antiken. Buddhismen, även om den dök upp före vår tideräkning, började spridas först från det femte århundradet. Heian-perioden (700-1100-talen) anses vara den gyllene eran av Japans statskap. Under samma period nådde den pittoreska kulturen i detta land sin högsta punkt.
Konfucianismen dök upp på 1200-talet. I detta skede skedde en separation mellan Konfucius och buddhismens filosofi.
Hieroglyfer
Bilden av den konstnärliga kulturen i Japan är förkroppsligad i en unik versifiering, som kallas I detta land är kalligrafikonsten också högt utvecklad, som enligt legenden uppstod från himmelska gudomliga bilder. Det var de som blåste liv i skrivandet, så befolkningen är snäll mot varje tecken i stavning.
Ryktet säger att det var hieroglyfer som gav japansk kultur, eftersom bilder kring de inskrivna dök upp från dem. Lite senare började en stark kombination av inslag av måleri och poesi i ett verk observeras.
Om du studerar en japansk rulle kommer du att upptäcka att verket innehåller två sorters symboler. Dessa är tecken på att skriva - sälar, dikter, kolofen, såväl som pittoreska. Samtidigt fick Kabuki-teatern stor popularitet. En annan typ av teater - Men - föredras främst av militär personal. deras svårighetsgrad och grymhet hade ett starkt inflytande på nr.
Målning
Konstnärlig kultur har studerats av många specialister. En stor roll i dess bildande spelades av kaiga-målning, som på japanska betyder ritning eller målning. Denna konst betraktas som den äldsta typen av målning av staten, som bestäms av ett stort antal lösningar och former.
I den är en speciell plats upptagen av naturen, vilket bestämmer den heliga principen. Målningens uppdelning i sumi-e och yamato-e har funnits sedan 900-talet. Den första stilen utvecklades närmare 1300-talet. Det är en sorts monokrom akvarell. Yamato-e är horisontellt vikta rullar som vanligtvis används i dekoration av litteraturverk.
Lite senare, på 1600-talet, dök tryckning på tabletter upp i landet - ukiyo-e. Mästare avbildade landskap, geisha, kända skådespelare från Kabuki-teatern. Denna typ av målning på 1700-talet hade ett starkt inflytande på Europas konst. Den framväxande trenden kallades "japanism". Under medeltiden gick Japans kultur utanför landets gränser - den började användas i designen av snygga och fashionabla interiörer runt om i världen.
Kalligrafi
Åh, så vacker den konstnärliga kulturen i Japan är! Förståelse av harmoni med naturen kan ses i vart och ett av dess segment. Vad är modern japansk kalligrafi? Det kallas shodo ("sätt för meddelanden"). Kalligrafi är liksom skrivande en obligatorisk disciplin. Forskare har funnit att denna konst kom dit samtidigt med kinesisk skrift.
Förresten, i antiken bedömdes en persons kultur efter hans nivå av kalligrafi. Idag finns det ett stort antal skrivstilar, och buddhistiska munkar utvecklar dem.
Skulptur
Hur kom den japanska kulturen till? Vi kommer att studera utvecklingen och typerna av detta område av mänskligt liv så detaljerat som möjligt. Skulptur är den äldsta typen av konst i Japan. I forntida tider gjorde folket i detta land figurer av idoler och rätter från keramik. Sedan började folk installera statyer av khaniv, skapade av bakad lera, på gravarna.
Utvecklingen av skulpturhantverk i modern japansk kultur är förknippad med spridningen av buddhismen i staten. En av de äldsta representanterna för japanska monument anses vara statyn av Buddha Amitabha, gjord av trä, placerad i Zenko-ji-templet.
Skulpturer var mycket ofta gjorda av balkar, men de såg väldigt rika ut: hantverkarna täckte dem med lack, guld och ljusa färger.
Origami
Gillar du den konstnärliga kulturen i Japan? Förståelse av harmoni med naturen kommer att ge en oförglömlig upplevelse. karaktäristiskt drag Japansk kultur har blivit fantastiska produkter av origami ("vikt papper"). Denna färdighet har sitt ursprung till Kina, där pergamentet faktiskt uppfanns.
Till en början användes "vikt papper" vid religiösa ceremonier. Denna konst kunde endast studeras av överklassen. Men efter andra världskriget lämnade origami adelsmännens hem och hittade sina beundrare över hela jorden.
Ikebana
Alla borde veta vad den konstnärliga kulturen i länderna i öst är. Japan har lagt ner mycket arbete på sin utveckling. En annan komponent i denna kultur underbart landär ikebana ("levande blommor", "nya blommornas liv"). Japanerna är fans av estetik och enkelhet. Det är just dessa två egenskaper som satsas på. Bildernas sofistikering uppnås genom fördelaktig användning av vegetationens naturliga skönhet. Ikebana, liksom origami, fungerade också som en del av en religiös ceremoni.
Miniatyrer
Förmodligen har många redan förstått att den konstnärliga kulturen i det antika Kina och Japan är nära sammanflätad. Och vad är en bonsai? Det är en unik japansk färdighet att odla en nästan exakt miniatyrkopia av ett riktigt träd.
I Japan är det också vanligt att göra netsuke – små skulpturer som är en slags nyckelring. Ofta var sådana figurer i denna egenskap fästa på japanernas kläder, som inte hade några fickor. De dekorerade det inte bara, utan fungerade också som en original motvikt. Nyckelringar gjordes i form av en nyckel, en påse, en flätad korg.
Måleriets historia
Den konstnärliga kulturen i det antika Japan är av intresse för många människor. Måleri i detta land har sitt ursprung under den japanska paleolitiska perioden och utvecklades på detta sätt:
- Yamato period. Under Asukas och Kofuns tid (4-700-talet), tillsammans med införandet av hieroglyfer, skapandet av en statsregim i kinesisk stil och populariseringen av buddhismen, fördes många konstverk till Japan från Kina. Efter det började målningar i kinesisk stil reproduceras i den uppgående solens land.
- Nara tid. Under VI och VII århundradena. Buddhismen fortsatte att utvecklas i Japan. I detta avseende började religiös målning att blomstra, som användes för att dekorera de många tempel som byggdes av aristokratin. I allmänhet, under Nara-eran, var bidraget till utvecklingen av skulptur och konst större än i måleriet. Tidiga målningar i denna cykel inkluderar väggmålningar på innerväggarna i Horyu-ji-templet i Nara Prefecture, som skildrar Shakyamuni Buddhas liv.
- Heian eran. I japansk målning, från och med 1000-talet, urskiljs trenden med yamato-e, som vi skrev om ovan. Sådana målningar är de horisontella rullarna som används för att illustrera böcker.
- Muromachis era. Under XIV-talet dök Supi-e-stilen (monokrom akvarell) upp, och under första hälften av XVII-talet. konstnärer började trycka gravyrer på brädor - ukiyo-e.
- Målningen från Azuchi-Momoyama-eran står i skarp kontrast till målningen från Muromachi-perioden. Hon har en polykrom stil med omfattande användning av silver och. Under denna period åtnjöt stor prestige och berömmelse läroanstalt Kano. Dess grundare var Kano Eitoku, som målade tak och skjutdörrar till separata rum. Sådana teckningar prydde den militära adelns slott och palats.
- Maiji-eran. Från den andra hälften av XIXårhundradet delas konsten upp i konkurrerande traditionella och europeiska stilar. Under Maiji-eran genomgick Japan stora sociala och politiska förändringar genom moderniserings- och europeiseringsprocessen organiserad av myndigheterna. Unga lovande konstnärer skickades utomlands för att studera, och utländska konstnärer kom till Japan för att skapa skolkonstprogram. Hur det än må vara, efter den första vågen av nyfikenhet om västerländsk konststil, svängde pendeln tillbaka och japansk traditionell stil återföds. 1880 förbjöds västerländsk konstpraktik från officiella utställningar och kritiserades hårt.
Poesi
Den konstnärliga kulturen i det antika Japan studeras fortfarande. Dess funktion är mångsidighet, vissa syntetiska material, eftersom den bildades under inflytande av olika religioner. Det är känt att japansk klassisk poesi växte fram ur vardagen, verkade inom det, och denna jordnära av den bevarades till viss del i de traditionella formerna av dagens poesi - treradig haiku och femradig tanka, som kännetecknas av en uttalad masskaraktär. Förresten, det är just denna egenskap som skiljer dem från den "fria versen" som drar sig mot elitism, som dök upp i Japan i början av 1900-talet under inflytande av europeisk poesi.
Har du märkt att utvecklingsstadierna för den konstnärliga kulturen i Japan är mångfacetterade? Poesi i samhället i detta land spelade en speciell roll. En av de mest kända genrerna är haiku, du kan bara förstå den genom att bekanta dig med dess historia.
Den dök upp först under Heian-eran, liknade rengastilen, som var ett slags utlopp för poeter som ville ta en paus från de eftertänksamma verserna i wah. Haikai utvecklades till en genre i sin egen rätt på 1500-talet när renga blev för seriös och haiku förlitade sig på vardaglig och var fortfarande humoristisk.
Naturligtvis beskrivs den konstnärliga kulturen i Japan kortfattat i många verk, men vi kommer att försöka prata om det mer i detalj. Det är känt att en av de mest kända litterära japanska genrerna under medeltiden var tanka ("lakonisk sång"). I de flesta fall är detta en femradig, bestående av ett strofepar med ett fast antal stavelser: 5-7-5 stavelser på tre rader av den första strofen och 7-7 på två rader av den andra. När det gäller innehållet använder tankan följande schema: den första strofen representerar en specifik naturlig bild, och den andra återspeglar en persons känsla som ekar denna bild:
- I de avlägsna bergen
Långsvansfasan slumrar -
Denna långa, långa natt
Kan jag sova ensam? ( Kakinomoto no Hitovaro, tidigt 800-tal, översatt av Sanovich.)
Japansk dramaturgi
Många hävdar att den konstnärliga kulturen i Kina och Japan är fascinerande. Gillar du scenkonst? Den traditionella dramaturgin i Land of the Rising Sun är uppdelad i joruri (dockteater), dramaturgi i Noh-teatern (kyogen och yokyoku), kabuki-teater och shingeki. Denna konsts seder inkluderar fem grundläggande teatraliska genrer: kyogen no, bugaku, kabuki och bunraku. Alla dessa fem traditioner finns kvar än idag. Trots de kolossala skillnaderna är de sammankopplade med gemensamma estetiska principer som ligger till grund för japansk konst. Förresten, Japans dramaturgi uppstod på scenen av nr.
Kabuki-teatern dök upp på 1600-talet och nådde sin höjdpunkt mot slutet av 1700-talet. Den form av föreställningar som utvecklades under den angivna perioden finns bevarad på den moderna scenen i Kabuki. Produktionerna av denna teater, i motsats till stadierna av No, fokuserade på en smal krets av beundrare av antik konst, är designade för masspubliken. Rötterna till Kabuki-färdigheter härrör från framträdanden av komiker - artister av små farser, scener som bestod av dans och sång. Den teatrala skickligheten hos Kabuki absorberade elementen i joruri och nr.
Kabuki-teaterns utseende är förknippat med namnet på arbetaren i den buddhistiska helgedomen O-Kuni i Kyoto (1603). O-Kuni uppträdde på scenen med religiösa danser, som innefattade rörelserna av folkdanserna i Nembutsu-odori. Hennes föreställningar varvades med komiska pjäser. I detta skede kallades produktionerna yujo-kabuki (kabuki av kurtisaner), o-kuni-kabuki eller onna-kabuki (damkabuki).
gravyrer
Under förra seklet mötte européer, och sedan ryssar, fenomenet japansk konst genom gravyr. Under tiden, i Land of the Rising Sun, ansågs ritning på ett träd först inte alls vara en färdighet, även om det hade alla egenskaper hos masskultur - billighet, tillgänglighet, cirkulation. Ukiyo-e-kännare kunde uppnå högsta förståelighet och enkelhet både i förkroppsligandet av tomter och i deras val.
Ukiyo-e var en speciell konstskola, så hon kunde presentera ett antal framstående mästare. Således är namnet på Hisikawa Moronobu (1618-1694) förknippat med den inledande fasen av utvecklingen av tomtgravyr. I mitten av 1700-talet skapade Suzuki Harunobu, den första kännaren av flerfärgsgravyr. Huvudmotiven för hans arbete var lyriska scener, där uppmärksamhet inte ägnades åt handling, utan till överföring av stämningar och känslor: kärlek, ömhet, sorg. Liksom den utsökta antika konsten från Heian-eran, återupplivade ukiyo-e-virtuoser den extraordinära kulten av kvinnors utsökta skönhet i en renoverad stadsmiljö.
Den enda skillnaden var att istället för de stolta Heian-aristokraterna föreställde trycken graciösa geishor från nöjesdistrikten i Edo. Konstnären Utamaro (1753-1806) är kanske ett unikt exempel på en professionell i måleriets historia, som helt och hållet ägnade sitt skapande åt att avbilda kvinnor i olika poser och klänningar, under olika livsförhållanden. Ett av hans bästa verk är gravyren "Geisha Osama", som förvaras i Moskva, på Pushkins målerimuseum. Konstnären förmedlade ovanligt subtilt enheten av gest och stämning, ansiktsuttryck.
Manga och anime
Många konstnärer försöker studera Japans målning. Vad är anime (japansk animation)? Den skiljer sig från andra animationsgenrer genom att vara mer inställd på en vuxen tittare. Här finns en duplicerad uppdelning i stilar för en entydig målgrupp. Måttet på att krossa är könet, åldern eller det psykologiska porträttet av biobesökaren. Mycket ofta är anime en filmatisering av japanska mangaserier, som också fick stor berömmelse.
Den grundläggande delen av mangan är designad för en vuxen tittare. Enligt uppgifter från 2002 ockuperades cirka 20 % av hela den japanska bokmarknaden av mangaserier.
Japan ligger nära oss geografiskt, men trots detta förblev det under lång tid obegripligt och otillgängligt för hela världen. Idag vet vi mycket om detta land. En lång frivillig isolering har lett till att dess kultur skiljer sig helt från andra staters kulturer.
Har en mycket rik historia; dess tradition är omfattande, med Japans unika position i världen som till stor del påverkar japanska konstnärers dominerande stilar och tekniker. Känt faktum Att Japan har varit ganska isolerat i århundraden beror inte bara på geografin, utan också på den dominerande japanska kulturella benägenheten för isolering som har präglat landets historia. Under århundradena av vad vi kan kalla "japansk civilisation" utvecklades kultur och konst separat från de i resten av världen. Och detta är till och med märkbart i praktiken av japansk målning. Till exempel är Nihonga-målningarna en av basen i japansk målarpraktik. Den är baserad på över tusen år av tradition, och målningarna är vanligtvis skapade med penslar på ditt (japanska papper) eller egina (silke).
Japansk konst och måleri har dock påverkats av utländska konstnärliga metoder. För det första var det kinesisk konst på 1500-talet och kinesiskt måleri och den kinesiska konsttraditionen som var särskilt inflytelserik på flera sätt. Från och med 1600-talet var japansk måleri också influerad av västerländska traditioner. I synnerhet under förkrigstiden, som varade från 1868 till 1945, var japansk måleri influerad av impressionism och europeisk romantik. Samtidigt påverkades också nya europeiska konströrelser avsevärt av japanska konstnärliga tekniker. I konsthistorien benämns detta inflytande som "japanism", och det är särskilt betydelsefullt för impressionisterna, kubisterna och konstnärerna förknippade med modernismen.
Det japanska måleriets långa historia kan ses som en syntes av flera traditioner som skapar delar av en erkänd japansk estetik. Först och främst har buddhistisk konst och målningsmetoder, såväl som religiös målning, satt en betydande prägel på japanska målningars estetik; vattenfärgsmålning av landskap i traditionen av kinesisk litterär målning är ett annat viktigt inslag som känns igen i många kända japanska målningar; målning av djur och växter, särskilt fåglar och blommor, är det som vanligtvis förknippas med japanska kompositioner, liksom landskap och scener från Vardagsliv. Slutligen hade gamla idéer om skönhet från det antika Japans filosofi och kultur ett stort inflytande på japansk måleri. Wabi, som betyder övergående och hård skönhet, sabi (skönheten med naturlig patina och åldrande) och yugen (djup grace och subtilitet) påverkar fortfarande idealen i japansk måleri.
Slutligen, om vi fokuserar på att välja ut de tio mest kända japanska mästerverken, måste vi nämna ukiyo-e, som är en av de mest populära konstgenrerna i Japan, även om den tillhör grafik. Den dominerade japansk konst från 1600- till 1800-talet, med konstnärer som tillhörde denna genre som producerade träsnitt och målningar av ämnen som vackra flickor, kabuki-skådespelare och sumobrottare, såväl som scener från historia och folksagor, resescener och landskap, flora och fauna och till och med erotik.
Det är alltid svårt att göra en lista de bästa bilderna från konstnärliga traditioner. Många fantastiska verk kommer att uteslutas; Men den här listan innehåller tio av de mest kända japanska målningarna i världen. Denna artikel kommer endast att presentera målningar skapade från 1800-talet fram till idag.
Japansk måleri har en extremt rik historia. Under århundradena har japanska konstnärer utvecklat ett stort antal unika tekniker och stilar som är Japans mest värdefulla bidrag till konstvärlden. En av dessa tekniker är sumi-e. Sumi-e betyder bokstavligen "bläckteckning", som kombinerar kalligrafi och bläckmålning för att skapa en sällsynt skönhet av penselmålade kompositioner. Denna skönhet är paradoxal - uråldriga men ändå moderna, enkel men ändå komplex, djärv men ändå dämpad, vilket utan tvekan speglar konstens andliga grund i zenbuddhismen. Buddhistiska präster tog med sig det hårda bläckblocket och bambuborsten till Japan från Kina på 500-talet, och under de senaste 14 århundradena har Japan utvecklat ett rikt arv av bläckmålning.
Scrolla ner och se 10 japanska målerimästerverk
1. Katsushika Hokusai "Drömmen om fiskarens fru"
En av de mest kända japanska målningarna är Drömmen om fiskarens fru. Den målades 1814 av den berömda konstnären Hokusai. Enligt strikta definitioner kan detta fantastiska verk av Hokusai inte betraktas som en målning, eftersom det är ett ukiyo-e-träsnitt från Young Pines (Kinoe no Komatsu), som är en shunga-bok i tre volymer. Kompositionen föreställer en ung ama-dykare sexuellt sammanflätad med ett par bläckfiskar. Denna bild var mycket inflytelserik under 1800- och 1900-talen. Verket påverkade senare konstnärer som Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf och Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro skriver en nostalgisk dikt medan han tittar på månen"
Tessai Tomioka är pseudonymen till en berömd japansk konstnär och kalligraf. Han anses vara den sista stora konstnären i Bunjing-traditionen och en av de första stora konstnärerna i Nihonga-stilen. Bunjinga var en skola för japansk målning som blomstrade under den sena Edo-perioden bland konstnärer som ansåg sig vara litterater eller intellektuella. Var och en av dessa konstnärer, inklusive Tessaia, utvecklade sin egen stil och teknik, men de var alla stora fans av kinesisk konst och kultur.
3. Fujishima Takeji "Soluppgång över österhavet"
Fujishima Takeji var en japansk konstnär känd för sitt arbete med att utveckla romantiken och impressionismen i yogakonströrelsen (västerländsk stil) under det sena 1800-talet och början av 1900-talet. 1905 reste han till Frankrike, där han påverkades av dåtidens franska rörelser, särskilt impressionismen, vilket kan ses i hans målning från 1932 Soluppgång över österhavet.
4. Kitagawa Utamaro "Tio typer av kvinnliga ansikten, en samling dominerande skönheter"
Kitagawa Utamaro var en framstående japansk konstnär som föddes 1753 och dog 1806. Han är överlägset mest känd för en serie som heter Ten Types of Women's Faces. Samling av härskande skönheter, teman Stor kärlek Klassisk poesi" (ibland kallad "Kvinnor i kärlek", med separata gravyrer "Naken kärlek" och "Tänksamt kärlek"). Han är en av de mest betydelsefulla artisterna som tillhör ukiyo-e träsnittsgenren.
5. Kawanabe Kyosai "Tiger"
Kawanabe Kyosai var en av de mest kända japanska konstnärerna under Edo-perioden. Hans konst var influerad av Tohaku, en Kano-målare från 1500-talet som var den enda målaren på sin tid som målade skärmar helt i bläck mot en delikat bakgrund av pudrat guld. Även om Kyosai är känd som serietecknare har han skrivit några av de mest kända målningar i japansk historia Art XIXårhundrade. "Tiger" är en av de målningar som Kyosai använde akvarell och bläck för att skapa.
6. Hiroshi Yoshida Fuji från sjön Kawaguchi
Hiroshi Yoshida är känd som en av huvudfigurerna i Shin-Hanga-stilen (Shin-Hanga är en konströrelse i Japan i början av 1900-talet, under Taisho- och Showa-perioderna, som återupplivades traditionell konst ukiyo-e, som slog rot i Edo- och Meiji-perioden (XVII - XIX århundraden)). Han utbildades i traditionen av västerländsk oljemålning, som antogs i Japan under Meiji-perioden.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami är förmodligen vår tids mest populära japanska artist. Hans verk säljs för astronomiska priser på stora auktioner, och hans verk inspirerar redan nya generationer av konstnärer, inte bara i Japan utan även utanför. Murakamis konst omfattar en rad olika medier och brukar beskrivas som superplatt. Hans verk är känt för sin användning av färg, med motiv från japansk traditionell och populärkultur. Innehållet i hans målningar beskrivs ofta som "gulligt", "psykedeliskt" eller "satiriskt".
8. Yayoi Kusama "Pumpa"
Yaoi Kusama är också en av de mest kända japanska artisterna. Hon arbetar i en mängd olika medier, inklusive målning, collage, scatskulptur, performancekonst, miljökonst och installation, varav de flesta visar hennes tematiska intresse för psykedeliska färger, upprepning och mönster. En av de mest kända serierna av denna stora artist är Pumpkin-serien. En prickig vanlig kalebass i ljust gult visas mot ett nät. Tillsammans bildar alla sådana element ett visuellt språk som är omisskännligt för konstnärens stil, och som har utvecklats och förfinats under decennier av mödosamt hantverk och reproduktion.
9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"
Tenmyoya Hisashi är en samtida japansk konstnär som är känd för sina neo-nihonga-målningar. Han deltog i återupplivandet av den gamla traditionen av japansk måleri, som är raka motsatsen till modern japansk måleri. År 2000 skapade han också sin nya stil, butouha, som visar en orubblig inställning till ett auktoritativt konstsystem genom hans målningar. "Japanese Spirit No. 14" skapades som en del av "BASARA" konstnärliga plan, tolkad i japansk kultur som den lägre aristokratins upproriska beteende under de krigande staternas period, för att beröva myndigheterna möjligheten att uppnå ett ideal livsstil genom att klä sig i frodiga och lyxiga kläder och agera fritt.vilja som inte motsvarade deras sociala klass.
10. Katsushika Hokusai "The Great Wave Off Kanagawa"
Slutligen är The Great Wave utanför Kanagawa förmodligen den mest igenkännbara japansk målning någonsin skrivit. Det är verkligen det mesta berömt verk konst gjord i Japan. Den föreställer enorma vågor som hotar båtar utanför Kanagawa Prefectures kust. Även om den ibland misstas för en tsunami, har vågen, som namnet på målningen antyder, med största sannolikhet helt enkelt en onormalt hög höjd. Målningen är gjord i ukiyo-e-traditionen.
Från: , 18346 visningar
Japan är det minsta landet i Fjärran Östern - 372 tusen kvadratkilometer. Men det bidrag som Japan har gjort till världskulturens historia är inte mindre än bidraget från de stora forntida staterna.
Ursprunget till konsten i detta antika land går tillbaka till det 8:e årtusendet f.Kr. Men det viktigaste skedet inom alla områden av hennes konstnärliga liv var perioden som började på 600-700-talen e.Kr. och fortsatte till mitten av 1800-talet. Utvecklingen av japansk konst fortskred ojämnt, men den kände inte till alltför skarpa förändringar eller kraftiga nedgångar.
Japansk konst utvecklades under speciella naturliga och historiska förhållanden. Japan ligger på fyra stora öar (Honshu, Hokkaido, Kyushu och Shioku) och många mindre. Under lång tid var den ointaglig och kände inte till yttre krig. Japans närhet till fastlandet påverkade etableringen av kontakter med Kina och Korea under antiken. Detta påskyndade utvecklingen av japansk konst.
Japansk medeltida konst växte under inflytande av koreanska och kinesiska kulturer. Japan anammade den kinesiska skriften och funktionerna i den kinesiska världsbilden. Buddhismen blev Japans statsreligion. Men japanerna bröt kinesiska idéer på sitt eget sätt och anpassade dem till sitt sätt att leva.
Japanskt hus, japansk interiör
Det japanska huset är lika tydligt och enkelt på insidan som det är på utsidan. Det hölls ständigt rent. Golvet, polerat till en glans, var täckt med lätta halmmattor - tatami, som delade upp rummet i jämna rektanglar. Skor togs av vid tröskeln, saker förvarades i garderober, köket var skilt från bostaden. I rummen fanns som regel inga permanenta saker. De fördes in och fördes bort vid behov. Men varje sak i ett tomt rum, vare sig det är en blomma i en vas, en bild eller ett lackbord, väckte uppmärksamhet och fick en speciell uttrycksfullhet.
Alla typer av konst är förknippade med utformningen av utrymmet för ett hus, tempel, palats eller slott i det medeltida Japan. Var och en fungerade som ett komplement till den andra. Till exempel kompletterade och satte en skickligt utvald bukett igång den stämning som förmedlas i landskapsmålningen.
Samma oklanderliga precision, samma känsla för material, som i utsmyckningen av ett japanskt hus, kändes i produkterna av dekorativ konst. Inte utan anledning vid teceremonier, som den största juvelen, användes redskapen tillverkade av händer. Dess mjuka och ojämna kruka höll spåret av fingrar som skulpterade våt lera. Rosa-pärla, turkos-lila eller grå-blå glasyrer var inte catchy, men de kände utstrålningen av naturen själv, med vars liv varje föremål av japansk konst är förknippade med.
Japansk keramik
Oglaserade, handformade och brända vid låg temperatur, liknade lerkärl keramik från andra forntida folk. Men de hade redan funktioner som är unika för japansk kultur. Mönstren av kannor och fat i olika former återspeglade idéer om elementen i orkaner, hav och eldsprängda berg. Fantasin med dessa produkter verkade ha föranletts av naturen själv.
Massiva, nästan en meter höga kannor med ett påklistrat mönster av konvexa lerbuntar liknar antingen slingrande skal, eller grenade korallrev, eller tovor av alger, eller taggiga kanter av vulkaner. Dessa majestätiska och monumentala vaser och skålar tjänade inte bara hushållsändamål utan också rituella ändamål. Men i mitten av 1:a årtusendet f.Kr. bronsföremål kom till användning och keramiska redskap förlorade sitt rituella syfte.
Bredvid keramik dök nya produkter av konstnärligt hantverk upp - vapen, smycken, bronsklockor och speglar.
Japanska hushållsartiklar
På 800- till 1100-talen e.Kr. avslöjades den japanska aristokratins smaker inom den dekorativa konsten. Släta, fuktbeständiga lackartiklar, beströdda med guld- och silverpulver, lätta och eleganta, som om de lyser upp skymningen i japanska rum, och utgjorde ett stort utbud av vardagliga föremål. Lack användes för att skapa skålar och kistor, kistor och bord, musikinstrument. Varje liten sak i templet och vardagen - silverbestick för mat, vaser för blommor, mönstrat papper för bokstäver, broderade bälten - avslöjade japanernas poetiska och känslomässiga inställning till världen.
Japan målning
Med utvecklingen av monumental palatsarkitektur blev verksamheten hos målare i hovskolan mycket mer aktiv. Konstnärer var tvungna att måla stora ytor inte bara av väggar utan också av flerfaldiga pappersvikbara skärmar, som spelade rollen som både målningar och bärbara skiljeväggar i rummet. Ett inslag i det kreativa sättet hos begåvade hantverkare var valet av en stor, flerfärgad detalj av landskapet på det stora planet av en väggpanel eller skärm.
Kompositionerna av blommor, örter, träd och fåglar, utförda av Kano Eitoku på gyllene lysande bakgrunder med tjocka och saftiga fläckar, generaliserade idéer om universums kraft och prakt. Representanter för Kano-skolan, tillsammans med naturliga motiv, inkluderade i målningarna och nya ämnen som speglar livet och livet i den japanska staden på 1500-talet.
Det fanns också monokroma landskap på palatsets skärmar. Men de har en fantastisk dekorativ effekt. Sådan är skärmen målad av Sesshus anhängare, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Dess vita matta yta tolkas av målaren som en tjock dimslöja, från vilken som visioner plötsligt silhuetter av gamla tallar bryter ut. Med bara några djärva bläckklatter skapar Tohaku en poetisk bild av en höstskog.
De monokroma landskapsrullarna, med sin mjuka skönhet, kunde inte matcha stilen i palatskammaren. Men de behöll sin betydelse som en oumbärlig del av chashitsu-tepaviljongen, designad för andlig koncentration och frid.
Konstverk av japanska mästare förblir inte bara trogna antika stilar, utan har också alltid något nytt i sig som inget annat konstverk har. I japansk konst finns det ingen plats för klichéer och mallar. I den, som i naturen, finns det inga två helt identiska skapelser. Och även nu kan konstverk av japanska mästare inte förväxlas med konstverk från andra länder. Inom japansk konst har tiden saktat ner, men den har inte stannat. Inom japansk konst har antikens traditioner överlevt till denna dag.
