Jazz beskrivning. Jazz: vad är (definition), utseendets historia, jazzens födelseplats

Jazz är en typ av musikalisk konst som uppstod som ett resultat av syntesen av afrikanska och europeiska kulturer med afroamerikansk folklore. Rytm och improvisation är lånad från afrikansk musik, harmoni är lånad från europeisk.

Allmän information om bildningens ursprung

Jazzens historia har sitt ursprung 1910 i USA. Det spred sig snabbt över hela världen. Under 1900-talet genomgick denna riktning inom musiken ett antal förändringar. Om vi ​​pratar kort om historien om jazzens uppkomst, bör det noteras att flera utvecklingsstadier passerades i bildningsprocessen. På 1930- och 1940-talen var han starkt influerad av swing- och be-bop-rörelserna. Efter 1950 började jazz ses som en musikgenre som omfattade alla de stilar som den hade utvecklat som ett resultat.

Jazzen har nu tagit sin plats i sfären hög konst. Det anses vara ganska prestigefyllt, vilket påverkar utvecklingen av världsmusikkulturen.

Historien om uppkomsten av jazz

Denna riktning uppstod i USA som ett resultat av sammanslagningen av flera musikkulturer. Historien om jazzens ursprung börjar i Nordamerika, varav de flesta var bebodda av engelska och franska protestanter. Religiösa missionärer försökte omvända svarta till sin tro och brydde sig om deras själars frälsning.

Resultatet av syntesen av kulturer är uppkomsten av spirituals och blues.

Afrikansk musik kännetecknas av improvisation, polyrytm, polymetri och linjäritet. En stor roll här tilldelas den rytmiska början. Värdet av melodi och harmoni är inte så betydande. Detta beror på att afrikansk musik har tillämpat värde. Det åtföljer arbetsaktivitet, ritualer. Afrikansk musik är inte oberoende och förknippas med rörelse, dans, recitation. Dess intonation är ganska fri, eftersom den beror på artisternas känslomässiga tillstånd.

Från europeisk musik, mer rationell, berikades jazzen med ett modalt dur-mollsystem, melodiska konstruktioner och harmoni.

Processen för enande av kulturer började på 1700-talet och ledde till uppkomsten av jazz på 1900-talet.

New Orleans skolperiod

I jazzens historia anses den första instrumentala stilen ha sitt ursprung i Louisiana. För första gången dök den här musiken upp i framförandet av street brassband, mycket populära på den tiden. Av stor betydelse i historien om jazzens uppkomst i denna hamnstad var Storyville - ett stadsområde speciellt tilldelat för nöjesställen. Det var här, bland de kreolska musikerna, som hade ett negerfranskt ursprung, som jazzen föddes. De kunde lätt klassisk musik, var utbildade, behärskade den europeiska speltekniken, spelade europeiska instrument, läste noter. Deras höga prestationsnivå och uppfostran på europeiska traditioner berikade tidig jazz med inslag som inte var föremål för afrikansk influens.

Pianot var också ett vanligt instrument i Storyvilles anläggningar. Här lät mest improvisation, och instrumentet användes mer som slagverksinstrument.

Ett exempel på en tidig New Orleans-stil är Buddy Bolden Orchestra (kornett), som fanns från 1895-1907. Musiken i denna orkester baserades på den kollektiva improvisationen av en polyfonisk struktur. Till en början marscherade rytmen i tidiga New Orleans-jazzkompositioner, eftersom ursprunget till banden kom från militära band. Med tiden togs sekundära instrument bort från standardkompositionen av blåsorkestrar. Sådana ensembler anordnade ofta tävlingar. De besöktes också av "vita" laguppställningar, som kännetecknades av tekniskt spel, men var mindre känslomässiga.

Det fanns ett stort antal orkestrar som spelade marscher, blues, ragtimes osv.

Tillsammans med negerorkestrar uppträdde även orkestrar bestående av vita musiker. Först framförde de samma musik, men de kallades "Dixielands". Senare använde dessa kompositioner fler delar av europeisk teknik, de ändrar sättet för ljudproduktion.

Ångbåtsband

I historien om jazzens ursprung spelades en viss roll av New Orleans-orkestrar som arbetade på ångbåtar som kryssade Mississippifloden. För passagerare som reste på nöjesångare var en av de mest attraktiva underhållningen framförandet av sådana orkestrar. De framförde underhållande dansmusik. För artister var ett obligatoriskt krav kunskap om musikalisk läskunnighet och förmåga att läsa noter från ett ark. Därför hade dessa kompositioner en ganska hög professionell nivå. I en sådan orkester började jazzpianisten Lil Hardin, som senare blev fru till Louis Armstrong, sin karriär.

På stationerna där fartygen gjorde stopp anordnade orkestrarna konserter för lokalbefolkningen.

Några av banden stannade kvar i städer längs floderna Mississippi och Missouri eller borta från dem. En sådan stad var Chicago, där svarta kände sig mer bekväma än i Sydamerika.

stort band

I början av 20-talet av 1900-talet utvecklades en form av storband i jazzmusikens historia, som förblev relevant fram till slutet av 40-talet. Utövarna av sådana orkestrar spelade de lärda delarna. Orkestreringen antog det ljusa ljudet av rika jazzharmonier, som framfördes av mässing och de mest kända jazzorkestrarna var Glenn Millers, Benny Goodmans, Count Basie, Jimmy Lunsfords orkestrar. De spelade in genuina hits av swingmelodier, vilket blev en källa till swingvurr hos ett brett spektrum av lyssnare. Vid "battles of the orchestras" som hölls vid den tiden drev storbandssolo-improvisatörer den närvarande publiken till hysteri.

Efter 50-talet, när storbandens popularitet sjönk, fortsatte de berömda orkestrarna i flera decennier att turnera och spela in skivor. Musiken de spelade förändrades och påverkades av nya riktningar. Idag är storbandet standarden för jazzutbildning.

Chicago Jazz

1917 går USA in i första världskriget. I detta avseende förklarades den som en stad av strategisk betydelse. Den stängde alla nöjesställen där ett stort antal musiker arbetade. De lämnade arbetslösa och migrerade massvis till norr, till Chicago. Under denna period finns alla de bästa musikerna från både New Orleans och andra städer. En av de smartaste artisterna var Joe Oliver, som blev känd i New Orleans. Under Chicago-perioden inkluderade hans band kända musiker: Louis Armstrong (andra kornett), Johnny Dodds (klarinett), hans bror "Babby" Dodds (trummor), Chicago unga och utbildade pianisten Lil Hardin. Denna orkester spelade improviserande fulltexturerad New Orleans-jazz.

Genom att analysera historien om utvecklingen av jazz, bör det noteras att under Chicago-perioden förändrades ljudet av orkestrar stilistiskt. Vissa verktyg byts ut. Framträdanden som blir stillastående kan tillåta användningen av att bli obligatoriska bandmedlemmar. Istället för en blåsbas används en kontrabas, istället för en banjo - en gitarr, istället för en kornett - en trumpet. Det sker även förändringar i trumgruppen. Nu spelar trummisen på ett trumset, där hans möjligheter blir bredare.

Samtidigt började saxofonen användas i orkestrar.

Jazzens historia i Chicago fylls på med nya namn på unga artister, musikaliskt utbildade, som kan läsa från ett ark och göra arrangemang. Dessa musiker (övervägande vita) kände inte till det verkliga New Orleans-ljudet av jazz, men lärde sig det från svarta artister som migrerade till Chicago. Musikalisk ungdom imiterade dem, men eftersom detta inte alltid fungerade uppstod en ny stil.

Under denna period nådde Louis Armstrongs skicklighet sin topp, vilket markerade Chicago-jazzens modell och säkrade rollen som en solist av högsta klass.

I Chicago återföds bluesen och bjuder på nya artister.

Det finns en fusion av jazz med scenen, så sångarna börjar dyka upp i förgrunden. De skapar sina egna orkesterkompositioner för jazzkomp.

Chicagoperioden kännetecknas av skapandet av en ny stil där jazzinstrumentalister sjunger. Louis Armstrong är en av representanterna för denna stil.

Gunga

I historien om skapandet av jazz används termen "swing" (översatt från engelska - "swing") i två betydelser. För det första är swing ett uttrycksfullt medel i denna musik. Den kännetecknas av instabil rytmisk pulsering, vilket skapar en illusion av en acceleration av tempot. I detta avseende finns det ett intryck av att musik har en stor inre energi. Skådespelare och lyssnare förenas av ett gemensamt psykofysiskt tillstånd. Denna effekt uppnås genom användning av rytmiska, fraserings-, artikulatoriska och klangfärgstekniker. Varje jazzmusiker strävar efter att utveckla sitt eget originella sätt att svänga musik. Detsamma gäller för ensembler och orkestrar.

För det andra är detta en av stilarna inom orkesterjazz som dök upp i slutet av 20-talet av 1900-talet.

Ett karakteristiskt drag i swingstilen är soloimprovisation mot bakgrund av ett komp som är ganska komplext. I den här stilen skulle musiker med god teknik, kunskap om harmoni och behärskning av tekniker kunna fungera. musikalisk utveckling. För sådant musikskapande tillhandahölls stora ensembler av orkestrar eller storband, vilket blev populärt på 30-talet. Orkesterns standardsammansättning omfattade traditionellt 10-20 musiker. Av dessa - från 3 till 5 rör, samma antal tromboner, en saxofongrupp, som inkluderade en klarinett, samt en rytmsektion, som bestod av ett piano, stråkbas, gitarr och slagverksinstrument.

Bop

I mitten av 40-talet av 1900-talet tog en ny jazzstil form, vars utseende markerade början på den moderna jazzens historia. Denna stil uppstod som en opposition till swing. Den hade ett väldigt snabbt tempo, som introducerades av Dizzy Gillespie och Charlie Parker. Detta gjordes med ett specifikt mål - att begränsa kretsen av artister till endast proffs.

Musikerna använde helt nya rytmiska mönster och melodiska svängar. Det harmoniska språket har blivit mer komplext. Den rytmiska basen från stora trumman (i sving) flyttade till cymbalerna. All dansbarhet har helt försvunnit från musiken.

I jazzstilarnas historia var bebop den första som lämnade populärmusikens sfär mot experimentell kreativitet, till konstsfären i dess "rena" form. Detta hände i samband med intresset för representanter för denna stil i akademisism.

Bopers kännetecknades av upprörande utseende och uppförande, vilket framhävde deras individualitet.

Bebop-musik framfördes av ensembler av små kompositioner. I förgrunden står solisten med sin individuella stil, virtuosa teknik, kreativa tänkande, behärskning av fri improvisation.

I jämförelse med swing var denna riktning mer konstnärlig, intellektuell, men mindre massiv. Det var anti-kommersiellt. Ändå började bebop spridas snabbt, den hade sin egen breda publik av lyssnare.

Jazz territorium

I jazzens historia är det nödvändigt att notera det ständiga intresset från musiker och lyssnare från hela världen, oavsett i vilket land de bor. Detta beror på att jazzartister som Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington och många andra byggde sina kompositioner på syntesen av olika musikkulturer. Detta faktum säger att jazz är musik som förstås över hela världen.

Hittills har jazzens historia sin fortsättning, eftersom potentialen för utvecklingen av denna musik är ganska stor.

Jazzmusik i Sovjetunionen och Ryssland

På grund av det faktum att jazz i Sovjetunionen ansågs vara en manifestation av borgerlig kultur, kritiserades och förbjöds den av myndigheterna.

Men den 1 oktober 1922 präglades av en konsert av den första professionella jazzorkestern i Sovjetunionen. Denna orkester framförde fashionabla Charleston- och Foxtrot-danser.

Den ryska jazzens historia inkluderar namnen på begåvade musiker: pianist och kompositör, såväl som chefen för den första jazzorkestern Alexander Tsfasman, sångaren Leonid Utyosov och trumpetaren Y. Skomorovsky.

Efter 50-talet började de sin verksamhet kreativ aktivitet många stora och små jazzensembler, bland vilka finns Oleg Lundstrems jazzorkester, som har levt kvar till denna dag.

För närvarande är Moskva värd för en jazzfestival varje år, där världsberömda jazzband och soloartist deltar.

HISTORIA OM UTVECKLINGEN AV JAZZ

Jazz

Det är osannolikt att någon kommer att våga förklara vad jazz är, eftersom inte ens den store mannen i jazzens historia, Louis Armstrong, gjorde detta, som sa att det bara måste förstås och så är det. Ja, jazzen, dess historia, ursprung, modifikationer och grenar är för mångfacetterade och mångfacetterade för att ge en enkel uttömmande definition. Men det finns ögonblick som klargör karaktären av denna musikaliska riktning.

Jazz uppstod som en kombination av flera musikkulturer och nationella traditioner. Till en början kom den i sin linda från afrikanska länder, och under inflytande av utvecklad västerländsk musik och dess strömningar (blues, reg-tider) och kombinationen av musikalisk afrikansk folklore med dem, erhölls en stil som inte har dött till denna dag - jazz.

Jazz lever i rytm, i inkonsekvens, i korsningar och i icke-observation av tonaliteter och tonhöjder. All musik är byggd på konfrontation och motsägelse, men i ett musikstycke kombineras det hela harmoniskt och slår an med sin melodi, speciella attraktionskraft.

De första jazzmännen, med sällsynta undantag, skapade traditionen för jazzorkestern, där det finns improvisationer med ljud, hastighet eller tempo, det är möjligt att utöka antalet instrument och artister, attrahera symfoniska traditioner. Många jazzmän har satsat sin konst på att utveckla traditionen för konsten att spela jazzensembler.

Efter uppkomsten av en briljant artist som levde hela sitt liv i jazzens rytm, är det fortfarande en legend - Louis Armstrong, konsten att jazzframträda såg nya ovanliga horisonter för sig själv: vokal eller instrumental soloframträdande blir centrum för hela föreställningen , helt förändrade idéer om jazz.

Och det är här möjligheten uppstår att förklara ett annat drag i jazzstilen: detta är det unika individuella framförandet av en jazzvirtuos, detta är hans framträdande och njutning av honom och musiklyssnarna för tillfället. Och nyckeln till jazzens eviga ungdom är improvisation. Jazz har en anda, men den har inte ett skelett för att hålla ihop allt. Du kan byta saxofon till piano, eller så kan du lägga ner stolen och ta mikrofonen, och om det inte fungerar, gå tillbaka till trumpeten och försök spela något som Armstrong och Bechet inte spelade.

Jazz är inte bara en viss typ av musikuppträdande, det är också en unik glad era.

ursprung

Frågan om jazzens födelseplats är känd - det är Amerika, men var kommer den ifrån?

Jazz framstår som en unik fusion. Och en av dess komponenter, som säkerställde dess ursprung, anses vara afrikanskt ursprung. Afrikanska bosättare tog med sig sin egen kultur, som utvecklades mot bakgrund av starkt europeiskt och amerikanskt inflytande.

Gemenskapen och dess regler (beteendenormer, traditioner) ligger i blodet på de som anlände, även om kopplingen till deras förfäder faktiskt är bruten. Och musik, som en integrerad manifestation av den ursprungliga kulturen, har blivit en av länkarna mellan den inhemska afrikanska kulturen och ett nytt liv på en annan kontinent.

Afroamerikanernas vokalmusik, kryddad med rytm och dans, kroppsplasticitet och klappning, har vuxit till en ny musikalisk subkultur. Afrikansk musik är helt olik europeiska modeller, den har ingen galax av instrument, den har i stort sett behållit sin ritualitet och fäste vid seder.

Jazzens ursprung/historia

Denna slavars musik bröt till slut de totalitära regimerna, där klassiska orkestrar regerade, helt och hållet lydde dirigentens stafettpinnens vilja. Enligt forskning av professorn i historia och amerikansk kultur Penny Van Eschen försökte USA:s utrikesdepartement att använda jazz som ett ideologiskt vapen mot Sovjetunionen och utvidgningen av sovjetiskt inflytande i tredje världens länder. Jazzens ursprung är kopplat till blues.

Jazz uppstod i slutet av 1800-talet som en fusion av afrikanska rytmer och europeisk harmoni, men dess ursprung bör sökas från det ögonblick som slavar fördes från Afrika till den nya världens territorium. De medförda slavarna kom inte från samma klan och förstod vanligtvis inte ens varandra. Behovet av konsolidering ledde till enande av många kulturer och, som ett resultat, till skapandet av en enda kultur (inklusive musik) av afroamerikaner. Processerna att blanda afrikansk musikkultur och europeisk (som också genomgick allvarliga förändringar i den nya världen) ägde rum från och med 1700-talet och på 1800-talet ledde till uppkomsten av "proto-jazz", och sedan jazz i det allmänt accepterade känsla.

Improvisation spelar en grundläggande roll i sann jazz. Dessutom kännetecknas jazz av synkopering (framhäver svaga beats och oväntade accenter) och en speciell drivkraft. De två sista komponenterna visas i ragtime och överförs sedan till spelandet av orkestrar (band), varefter ordet "jazz" visas för att beteckna denna nya stil av musikskapande, först stavat som "Jass", sedan som "Jasz" och först sedan 1918 förvärvar min modernt utseende. Dessutom kännetecknas många områden av jazzen av en speciell prestationsteknik: "gunga" eller swing. Jazzens vagga var den amerikanska södern och särskilt New Orleans. Den 26 februari 1917 spelade fem vita musiker från New Orleans in den första jazzskivan i Victor-firmans studio i New York. Det är svårt att överskatta betydelsen av detta faktum: före släppet av denna skiva förblev jazz ett marginellt fenomen, musikalisk folklore, och efter det häpnade den hela Amerika i flera veckor. Inspelningen tillhörde det legendariska "Original Dixieland Jazz Band".

Origins / Birth of Jazz

Ursprunget till denna musikaliska riktning bör sökas i en blandning av afrikanska och europeiska kulturer. Märkligt nog, men jazzen började med Christopher Columbus själv. Naturligtvis var den store resenären och upptäckaren inte den första jazzartisten. Genom att öppna Amerika för Europa, markerade Columbus den stora början på inträngningen av afrikanska och europeiska musikaliska traditioner.

Genom att bemästra den amerikanska kontinenten transporterade européerna hit ett stort antal svarta fiender, vars antal vid 1700 översteg mer än hundra tusen. Slavar transporterades från Afrikas västkust över Atlanten.

Européerna kunde inte ens gissa att de tillsammans med slavarna transporterade till Amerika och den afrikanska musikkulturen, som utmärker sig genom sin fantastiska musikaliska rytm. I Afrika har musik sedan urminnes tider varit en oumbärlig del av olika ritualer. Den musikaliska rytmen spelade en kolossal roll här.

Europeisk kultur förde harmoni, små och stora standarder, melodi, såväl som en solo melodisk början till jazzen.

sjunga i jazz

Jazzsång kan inte likställas med sång i ordets allmänna bemärkelse. Till en början fanns det ingen soloaröst i jazzen, det fanns bara ett instrument, och först sedan Louis Armstrongs framträdanden (vilket betyder hans senare verk) blev sång en del av jazzmännens "instrumentering". Men återigen - jazzsång, och det här är något annat.

Jazzsång måste ha vissa funktioner, vilket betyder artistens röst. Med tanke på jazzens grund - improvisation, frånvaron av regler, måste man förstå att detsamma gäller artistens röst: förmågan att utöka omfattningen av en "vanlig" låt, att spela med rösten, det är lätt att improvisera, att ha ett bra utbud. Utövaren måste hålla sig till jazzens uppträdande: frasering och "attack".

"Scat singing" - den här termen dök upp vid den tidpunkt då Louis Armstrong arbetade på scenen, som sjöng på samma sätt som han spelade: ljuden från hans röst liknade ljuden från hans trumpet. Jazzsången kommer att börja förändras och bli mer komplex lite senare, när "bop"-stilen kommer på modet. Det är dags för "bop"-sketsen, och stjärnan blir "first lady of jazz" - Ella Fitzgerald.

Om kopplingen mellan jazz och blues inte är så stark, så har kopplingen mellan sång ett mer uppenbart samband. Möjligheterna som användes för att extrahera ljud (arbete av struphuvudet, pipande och viskande, falsett, etc.) av blues accepterades gärna av jazzens traditioner.

Namn på sångare som blev kända i jazzens historia för sin sång: självklart är förfadern Louis Armstrong, följt av Bing Crosby, nästa, helt enkelt kallad "rösten", Frank Sinatra, Nat King Cole. Kvinnor har gjort sin insats och betydande: Bessie Smith, som fick smeknamnet "Empress of the Blues", följt av namnen på Billy Holliday, Ella Fitzgerald, den unika sångerskan Sarah Voen.

URSPRUNG TILL JAZZ OCH DESS STILAR.

Introduktion

En gång tillfrågades chefredaktören för den mest kända amerikanska jazztidningen "Down Beat", som distribueras i 124 länder i världen, av en reporter under en intervju: "Vad är jazz?" "Du har aldrig sett en man så snabbt fångad på bar gärning av en så enkel fråga!" sa redaktören senare. Däremot kan någon annan jazzfigur, som ett svar på samma fråga, berätta om den här musiken i två timmar eller mer, utan att förklara något specifikt, eftersom det i verkligheten fortfarande inte finns någon korrekt, kort och på samma gång för en fullständig och objektiv definition av ordet och själva begreppet "jazz".

Men det är en enorm skillnad mellan musiken av King Oliver och Miles Davis, Benny Goodman och Modern Jazz Quartet, Stan Kenton och John Coltrane, Charlie Parker och Dave Brubeck. Många komponenter och den mycket konstanta utvecklingen av jazz under 100 år har lett till att även gårdagens uppsättning av dess exakta egenskaper inte kan tillämpas fullt ut idag, och morgondagens formuleringar kan vara diametralt motsatta (till exempel för dixieland och bebop, swing-storband och combo jazzrock).

Svårigheter att definiera jazz är också. i det faktum att de alltid försöker lösa detta problem direkt och säger många ord om jazz med lite resultat. Uppenbarligen skulle det kunna lösas indirekt genom att definiera alla de egenskaper som omger detta musikvärlden i samhället, och då blir det lättare att förstå vad som står i centrum. Samtidigt kommer frågan "Vad är jazz?" ersätts med "Vad menas med jazz?". Och här finner vi att detta ord har en mängd olika betydelser för olika människor. Varje person fyller denna lexikala neologism med en viss mening efter eget gottfinnande.

Det finns två kategorier av människor som använder detta ord. Vissa människor älskar jazz, medan andra inte är intresserade av det. De flesta jazzälskare har en väldigt bred användning av ordet, men ingen av dem kan avgöra var jazzen börjar och slutar, eftersom alla har sin egen åsikt i denna fråga. De kan hitta ett gemensamt språk sinsemellan, men var och en är övertygad om sin rätt och kunskap om vad jazz är, utan att gå in på detaljer. Även professionella musiker själva, som lever jazz och framför den regelbundet, ger väldigt olika och vaga definitioner av denna musik.

Den oändliga variationen av tolkningar ger oss inte någon chans att komma fram till en enda och obestridlig slutsats om vad jazz är rent musikaliskt. Icke desto mindre är ett annat tillvägagångssätt möjligt här, vilket under andra hälften av 50-talet föreslogs av den världsberömde musikforskaren, presidenten och chefen för New York Institute for Jazz Studies, Marshall Stearns (1908-1966), som alltid njöt av obegränsat respekt i jazzkretsar i alla länder i den gamla och den nya världen. I sin utmärkta lärobok "History of Jazz", som först publicerades 1956, definierade han denna musik ur en rent historisk synvinkel.

Stearns skrev: "För det första, var du än hör jazz är det alltid mycket lättare att känna igen än att beskriva med ord. Men vid den allra första uppskattningen kan vi definiera jazz som semi-improvisationsmusik som uppstod som ett resultat av 300 år av blandning i nordamerikansk jord av två stora musiktraditioner - västeuropeiska och västafrikanska - dvs. den faktiska sammansmältningen av vit och svart kultur. Och även om den europeiska traditionen spelade en dominerande roll här musikaliskt, men de rytmiska egenskaperna som gjorde jazzen så karakteristisk, ovanlig och lätt igenkännlig musik leder utan tvekan sitt ursprung från Afrika. Därför är huvudkomponenterna i denna musik europeisk harmoni, euroafrikansk melodi och afrikansk rytm."

Men varför har jazzen sitt ursprung i Nordamerika, och inte södra eller centrala, där det också fanns tillräckligt med vita och svarta? När allt kommer omkring, när de pratar om jazzens födelseplats, kallas Amerika alltid dess vagga, men samtidigt menar de vanligtvis bara USA:s moderna territorium. Faktum är att om den norra halvan av den amerikanska kontinenten historiskt sett var bebodd huvudsakligen av protestanter (engelska och franska), bland vilka det fanns många religiösa missionärer som försökte omvända svarta till den kristna tron, så i den södra och centrala delen av denna stora katoliker på kontinenten (spanska och portugisiska), som såg på svarta slavar helt enkelt som dragdjur, som inte brydde sig om att rädda sina själar. Därför kunde det inte ha förekommit en betydande och tillräckligt djup interpenetration av raser och kulturer, vilket i sin tur hade en direkt inverkan på graden av bevarande av afrikanska slavars inhemska musik, främst inom området för deras rytm. Fram till nu, i länderna i Syd- och Centralamerika, hålls det hedniska kulter hemliga ritualer och skenande karnevaler ackompanjerade av afro-kubanska (eller latinamerikanska) rytmer. Det är inte förvånande att det är just i detta rytmiska avseende som den södra delen av den nya världen redan har influerat hela populärmusikens värld i vår tid, medan norden har gett något annat till den moderna musikkonstens skattkammare, t.ex. till exempel spirituals och blues.

Därför, fortsätter Stearns, i den historiska aspekten, är jazz en syntes som erhållits i originalet från 6 huvudsakliga källor. Dessa inkluderar:

1. Rytmer i Västafrika;

2. Arbetssånger (arbetssånger, fältrop);

3. Negerligiösa sånger (andliga);

4. Negro sekulära sånger (blues);

5. Amerikansk folkmusik från tidigare århundraden;

6. Musik av sångare och street brassband.

1. Jazzens ursprung

De första forten av vita människor i Guineabukten vid Västafrikas kust uppstod redan 1482. Exakt 10 år senare ägde en betydande händelse rum - upptäckten av Amerika av Columbus. 1620 dök de första svarta slavarna upp på USA:s moderna territorium, som bekvämt transporterades med fartyg över Atlanten från Västafrika. Under de kommande hundra åren växte deras antal där redan till etthundratusen, och 1790 hade detta antal ökat 10 gånger.

Om vi ​​säger "African Rhythm" så måste vi förstås ha i åtanke att västafrikanska svarta aldrig har spelat "jazz" som sådan - vi pratar bara om rytm som en integrerad del av deras tillvaro i deras hemland, där den representerades av en rituell "trumkör" med dess komplexa polyrytm och många andra. Men slavarna kunde inte ta med sig några musikinstrument till den nya världen, och för första gången i Amerika förbjöds de till och med att tillverka hemmagjorda trummor, varav prover långt senare bara kunde ses på etnografiska museer. Dessutom föds ingen av människor av någon hudfärg med en klar känsla för rytm, det handlar om traditioner, d.v.s. i kontinuiteten av generationer och miljön, därför bevarades negers seder och ritualer i USA uteslutande muntligt och från minnet från generation till generation av afroamerikanska negrer. Som Dizzy Gillespie sa: "Jag tror inte att Gud kan ge någon något mer än andra om de befinner sig i samma förhållanden. Du kan ta vilken person som helst och om du sätter honom i samma situation. miljö då kommer hans livsväg definitivt att likna vår."

Jazz uppstod i USA som ett resultat av syntesen av många delar av de återbosatta musikkulturerna hos folken i Europa, å ena sidan, och afrikansk folklore, å andra sidan. Dessa kulturer hade fundamentalt olika egenskaper. Afrikansk musik är improvisationsmässig till sin natur, den kännetecknas av en kollektiv form av musikskapande med en stark polyrytmi, polymetri och linjäritet. Den viktigaste funktionen i den är den rytmiska början, rytmisk polyfoni, från vilken effekten av korsrytm uppstår. Den melodiska, och ännu mer den harmoniska principen, utvecklas i mycket mindre utsträckning i afrikansk musikskapande än i europeisk musik. Musik för afrikaner är mer ett tillämpat värde än för en europé. Det förknippas ofta med arbetsverksamhet, med ritualer, inklusive tillbedjan. Synkretismen hos olika typer av konst påverkar karaktären av musikskapande - det uppträder inte självständigt, utan i samband med dans, plasticitet, bön, recitation. I ett upphetsat tillstånd av afrikaner är deras intonation mycket friare än hos européer som är kedjade till en normaliserad skala. Inom afrikansk musik är fråga-svar-formen av sång (call & response) brett utvecklad.

Den europeiska musiken har för sin del gett ett rikt bidrag till den framtida syntesen: melodiska konstruktioner med en ledande röst, modala dur-moll standarder, harmoniska möjligheter och mycket mer. Generellt sett kolliderade den afrikanska emotionaliteten, en intuitiv början, med den europeiska rationalismen, vilket särskilt manifesteras i protestantismens musikpolitik.

2. "Tredje ström"

Termen "tredje strömmen" myntades av kritikern John Wilson. Han beskrev ett alternativ, eller snarare, alternativ för syntesen av den första och andra strömmen, dvs. akademisk musik och jazz. Denna riktning bildades på 50-talet och är inte förknippad med en specifik stil. De experimentella verken av olika musiker fångade symfo-jazz, jazz-rock och avantgardetrender.

Jazz, som en av 1900-talets mest originella typer av musikaliska konster, började gradvis erövra hela världen och fick till slut en internationell karaktär. Detta hände främst på grund av det faktum att hans kompositörer och artister i sitt arbete ofta vände sig till andra länders och folks musik - indiska, sydamerikanska, arabiska och, naturligtvis, till sin egen folklore. Den viktigaste inspirationskällan för jazzmän på jakt efter nya riktningar för utvecklingen av sin genre var också de bästa exemplen på europeisk klassisk musik och dess något mer populära varianter.

Historiska kontakter med jazz av klassiska kompositörer är välkända, och dussintals kända namn skulle kunna nämnas här som exempel (dessa är Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Krenek, samt Copland, Gershwin och Bernstein). men deras försök styrdes av önskan att bara få in individuella inslag av jazz till den akademiska musikscenen. Omvänt finns det många experimentella verk från intresserade jazzmän som försökte tillämpa vissa principer för symfonisk utveckling och använda de ursprungliga principerna för klassisk musik i sina jazzmusik.

Under olika decennier ledde sådana experiment ibland till uppkomsten av nya, om inte stilar, så i alla fall oberoende grenar på jazzhistoriens genealogiska träd - till exempel på 20-talet var det "symfonisk jazz" (Paul Whiteman) , som ville "göra en dam av jazzen"), på 40-talet - "progressiv" (Stan Kenton), och på 60-talet - "tredje trenden".

"Tredje strömmen" nämns just i jazzhistorien, för det var då jazzmännen, och inte klassikerna, kom till den från deras sida. Det var en experimentell riktning av modern jazz, vars representanter försökte skapa detaljerade verk för blandade ensembler av orkestrar, som inkluderade både akademiska artister och jazzimprovisatörer.

Den "tredje strömningens" kompositioner kännetecknas av en mer organisk sammansmältning av europeisk kompositteknik med jazztraditioner. De mest framstående representanterna för denna trend i USA var musikerna och kompositörerna Günther Schuller, John Lewis (ledare för Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Giuffrey och andra.

Kända är till exempel de gemensamma framträdandena (och inspelningarna) av Duke Ellington med orkestrarna i La Scala och London Symphony. Denna kombination ger upphov till nya harmoniska och instrumentala nyanser, vilket resulterar i så att säga modern "intellektuell musik". Den har ett klassiskt förhållningssätt till temat, men i dess kärna är det fortfarande väldigt jazzigt. Det är fullt möjligt att syntetisera dessa två komponenter i en typ av musik, nära både jazz (improvisationsfrihet, känsla av swing, fräschör av nya klangfärger) och tekniken med "seriösa" kompositioner (tekniker från området 12 -tonmusik, polyfoni, polytonalitet, polyrytm, allmän tematisk evolution, etc.).

Dave Brubeck gjorde ett betydande bidrag till tredje satsen med kompositioner för jazzkvartett och symfoniorkester. Traditionen att kombinera symfoniorkestern och jazzensemble eller till och med orkestern fortsätter med Wynton Marsalis och hans Lincoln Center Orchestra.

3. Modern blues. Storband från post-swing-eran

Historiskt sett trängde bluesen gradvis in i stora industricentra och blev snabbt populär där. Det etablerade de karakteristiska egenskaperna som ärvts från afroamerikanernas musik och definierade tydligt 12-taktsformen (som den mest typiska) och bestämde det harmoniska ackompanjemanget baserat på bluesläget. Bland de mest kända jazzbluesartisterna på 50- och 60-talen. var Jimmy Rushing (1903-1972) och Joe Williams (1918-1999).

I slutet av 40-talet och början av 50-talet uppstod en ny variant - "rhythm and blues" - det var en urban modifiering av den klassiska bluesen, som fick stor spridning i de svarta områdena i de största amerikanska städerna. Genom att använda bluesens grundläggande melodiska och harmoniska medel kännetecknas "rnb" av en betydande ökning av instrumentellt ackompanjemang, ett uttrycksfullt sätt att framföra, snabbare tempo, en tydligt definierad rytm och ett energiskt beat, vilket uppnås i form av alternerande massiva och blomstrande beats på 1 och 3 taktslag i takten med en torr och abrupt accent på takt 2 och 4. Föreställningen kännetecknas av obotlig känslomässig spänning, högt ljud, betoning på "bluesnoter", frekventa övergångar av sångaren till falsett, maximal intensitet (tryck, "drive") i ljudackompanjemanget och bygger på antifonen av korta "riff". " av sångaren och ackompanjemanget.

Fram till slutet av 40-talet. "rnb" i "live" ljud och på skivor (i en serie så kallade "racial records") var känd huvudsakligen endast för negerbefolkningen i stora industristäder. Favoriterna i denna riktning under dessa år var saxofonisterna Louis Jordan och Earl Bostic, gitarristerna "T-Bone" Walker och Muddy Waters, pianisterna Jay McShann och något senare Ray Charles, sångaren Big Joe Turner.

Men i början av 1950-talet dök intresset för denna rytmiska musik upp även bland vita. Efterhand blev det en växande efterfrågan på "r'n'b"-stycken från vita ungdomar, och ett antal musiker vände sig till denna riktning, och de blev aktiva främjare av "rnb" under dessa år, vilket sedan revolutionerade populärmusiken och ledde till uppkomsten av rock and roll. När den vita gitarristen Bill Haley spelade in det berömda rhythm and blues-numret "Rock Around the Clock" med sitt band den 12 april 1954, har releasedatumet för denna inspelning sedan ansetts vara födelsedagen för "rock and roll", och detta tema i sig. - hans hymn.

Under de åren dök den vita discjockeyn Alan Freed (1922-1965) upp på en radiostation i Cleveland och började regelbundet sända inspelningar av "rhythm and blues"-artister, och man kan nu säga att Freed är nästan ensam ansvarig för att förändra helheten kurs Amerikansk populärmusik. Det var han som förde negerförfattarna och artisterna "rhythm and blues" bakom rasridån och introducerade dem för en bred publik av vita tonåringar. I ett anfall av inspiration kallade han dessa inspelningar "rock 'n' roll" och populariserade termen bland världens ungdomar.

Denna anpassade version av "rnb" reducerades till tre huvudackord, några enkla elgitarr-"riff" och ett tungt, monotont beat med tunga accenter på takt 2 och 4 (dvs. "off beat"). Men harmonin i "rock and roll" var fortfarande baserad på 12-takts bluesschemat, så hans främsta förtjänst var att han i vita amerikaner, och efter dem européer, godkände det grundläggande begreppet blues. som har en enorm potential för utveckling av rytm, melodi och harmoni. Bluesen återupplivade inte bara populärmusiken i allmänhet, utan ändrade också sin tidigare "vita" europeiska inriktning och öppnade dörren till en bred ström av innovationer och lån från musikkulturer i andra delar av världen, till exempel latinamerikansk musik.

Svåra ekonomiska förhållanden efter andra världskriget, förändringar i allmänhetens och chefers intressen påverkade radikalt många storband i swingtiden. De flesta av dem är borta för alltid. Men i början av 1950-talet började en återupplivning av genren. Med nöd och näppe, men orkestrarna för Benny Goodman, Count Basie och lite senare Duke Ellingtons orkester återställdes. Allmänheten ville återigen lyssna på förkrigshits. Trots en betydande förnyelse av laguppställningarna och ankomsten av unga musiker, återställde ledarna, efter lyssnarnas önskan, den gamla repertoaren. Av dessa tre pelare i swing-eran var det bara Duke Ellington som var på väg att förändras. Det gällde hans omfattande användning av svitformen, som började under krigsåren. Storskaliga sviter med programinnehåll förekom i hans repertoar. Ett viktigt steg var skapandet av "Concerts of Sacred Music" (1965-66) för orkester, kör, solister och dansare. Vibrafonisten Lionel Hamptons storband fortsatte energiskt mättade framträdanden, främst fokuserade på musikaliteten och charmen hos deras ledare.

Efter hand förvandlades en del av orkestrarna till minnesformationer som stödjer etablerade traditioner. Dessa inkluderar Glenn Miller Orchestra, som dog 1944, Count Basie Orchestra, som finns under samma namn efter ledarens död 1984, ledd av Mercer Ellington (Dukes son), och senare av hans barnbarn Paul Mercer Ellington, hertigen Ellington Orchestra (d. . 1974).

Progressiva orkestrar tappade gradvis andan av experiment och skaffade sig en relativt standardrepertoar. Woody Hermans och Stan Kentons orkestrar, efter att ha producerat de mest intressanta solisterna, överlämnade stafettpinnen till yngre kollegor. Bland dem är det nödvändigt att notera banden som skapade ett nytt ljud baserat på ljusa arrangemang, polystilistik, en ny användning av ljudet av mässingsinstrument, främst rör. Banden av trumpetare Maynard Fergusson och Don Ellis blev sådana centra för framsteg inom orkesterklang på 60-talet. En konsekvent rörelse i den valda riktningen ägde rum i det kreativa laboratoriet hos en av grundarna av det coola, Gil Evans. Hans egna framträdanden, inspelningar med Miles Davis i början av 50-60-talet, ytterligare experiment med modalmusik och inslag av jazzrock på 70-talet var en viktig individuell trend i jazzhistorien.

På 70-talet gavs en kraftfull impuls till bandrörelsen av en orkester sammansatt av unga och mycket starka musiker från jazzscenen i New York av trumpetaren Thad Jones, tidigare medlem i Basie-bandet, och trummisen Mel Louis, som spelade i orkestern Stan Kenton. I ett decennium ansågs detta band vara det bästa, tack vare de magnifika moderna arrangemangen och den höga nivån på instrumentalister. Orkestern bröts upp på grund av att Jones flyttade till Danmark, men Mel Louis försökte under lång tid stödja honom i samarbete med trombonisten och arrangören Bob Brookmeier. På 1980-talet upptogs förstaplatsen i världshierarkin av ett band skapat av den japanska pianisten och arrangören Toshiko Akiyoshi tillsammans med sin man, saxofonisten Lou Tabakin. Denna orkester är ovanlig genom att den skapades av en kvinna, den framför huvudsakligen hennes verk, men fortsätter att följa amerikanska orkestertraditioner. 1985 upplöstes orkestern och Akiyoshi organiserade ett nytt band som heter "Toshiko Akiyoshi's New York Jazz Orchestra".

På 90-talet torkade inte storbandsgenren ut, utan kanske stärktes. Samtidigt utökades utbudet av orkesterstil. Den konservativa flygeln, förutom minnesorkestrarna, representeras av Lincoln Center Orchestra, ledd av en av de jazzmusiker som är mest gynnade av ämbetet, den begåvade trumpetaren och kompositören Wynton Marsalis. Denna orkester försöker följa Duke Ellingtons linje för att skapa verk stor form och programmatisk. Mer mångsidigt är verket av en mycket stark och modernare orkester uppkallad efter Charles Mingus (The Mingus Big Band). Detta band lockar kreativa musiker. Mer radikala idéer förespråkas av olika "workshops" som har en tillfällig karaktär, och olika band som bekänner sig till mer avantgardistiska idéer. Bland sådana orkestrar finns band av Sam Rivers (Sam Rivers), George Gruntz (George Gruntz), många europeiska konglomerat.

4. Hardbop. stinkande

I motsats till förfiningen och coolheten i den coola stilen, rationaliteten hos progressiven på USA:s östkust, fortsatte unga musiker i början av 50-talet att utveckla den till synes redan uttömda bebop-stilen. Tillväxten av självmedvetenhet hos afroamerikaner, karakteristisk för 50-talet, spelade en betydande roll i denna trend. Uppmärksamheten uppmärksammades återigen på att upprätthålla trohet mot afroamerikanska improvisationstraditioner. Samtidigt bevarades alla prestationer av bebop, men många coola prestationer lades till dem både inom harmoni och inom rytmiska strukturer. Musiker av den nya generationen hade som regel en bra musikalisk utbildning. Denna trend, kallad "hardbop", visade sig vara mycket talrik. Det inkluderade trumpetarna Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown (Clifford Brown), Donald Byrd (Donald Byrd), pianisterna Thelonious Monk, Horace Silver, trummisen Art Blakey (Art Blakey), saxofonisterna Sonny Rollins (Sonny Rollins), Hank Mobley (Hank). Mobley), Cannonball Adderley, basisten Paul Chambers och många andra.

För utvecklingen av en ny stil var en annan teknisk innovation betydelsefull, som bestod i utseendet på långspelade skivor. Nu kan du spela in långa solon. För musiker har detta blivit en frestelse och ett svårt test, eftersom inte alla kan uttala sig fullt ut och kortfattat under lång tid. Trumpetare var de första att dra fördel av dessa fördelar och modifierade Dizzy Gillespies stil till ett lugnare men djupare spel. De mest inflytelserika var Fats Navarro och Clifford Brown (båda ödet tog för kort livsväg). Dessa musiker fokuserade inte på virtuosa höghastighetspassager i det övre registret, utan på genomtänkta och logiska melodilinjer.

Den musikaliska komplexitet som till exempel Art Blakey nådde, som använde komplexa rytmiska strukturer, ledde inte till förlusten av jazz, emotionell andlighet. Detsamma gäller nyformningen i Horace Silvers improvisationer eller i de polyrytmiska figurationerna i Sonny Rollins solo. Musiken fick en skärpa, skärpa och en ny dimension av swing. En speciell roll i utvecklingen av hardbop spelades av Art Blakey, som skapade Jazz Messengers-ensemblen 1955. Denna komposition spelade rollen som en skola där talangen hos många representanter för denna riktning avslöjades och blomstrade. Bland dem finns pianisterna Bobby Timmons och Horace Silver, saxofonisterna Benny Golson, Hank Mobley, trumpetarna Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis och många andra. "Jazz Messengers" i en eller annan form existerar fortfarande, efter att ha överlevt sin ledare (1993).

Tenorsaxofonisten Sonny Rollins intar en speciell plats i hårdbopmusikernas galax. Hans stil utvecklades från Parker-linjerna och breda tonen hos Coleman Hawkins, och innovation är förknippat med hans temperament och spontanitet som improvisatör. Det kännetecknas av en speciell frihet i användningen av harmoniskt material. I mitten av 1950-talet uppmärksammade Rollins särdragen i sin frasering, som är en magnifik polyrytmisk figur, som sliter isär det harmoniska materialet som kommer från temat. I hans melodiska improvisationer framträder hårdheten i ljudet, musikalisk sarkasm.

En del av musiken som växte fram under "hard bop"-perioden absorberade naturligt bluesen, använd i ett långsamt eller medium tempo med ett speciellt uttryck, baserat på ett uttalat beat. Denna stil kallades "funky" (funky). Ordet är slang och betyder en intensifierande definition av en skarp, stickande lukt eller smak. Inom jazzen är det synonymt med vardaglig, "riktig" musik. Utseendet på denna gren är inte av misstag. På 50-talet skedde ett avsteg från jazzens gamla negeriska väsen inom jazzen, och försvagningen av jazzens idiom blev märkbar. Det blev allt svårare att avgöra vilken sorts musik som skulle uppfattas som jazz. Jazzmusiker experimenterade med folklore olika folk, de lockades av impressionism och atonalism, de började engagera sig i tidig musik. Alla dessa processer var inte tillräckligt övertygande. Ett antal musiker vände sig till kompositioner starkt kryddade med ljudet av traditionell blues och religiösa sånger. Till en början var det religiösa elementet mer dekorativt än funktionellt. Ibland spelade bomullsfältens gammaldags rop rollen som en introduktion till ganska traditionella bebop-figurer. Sonny Rollins visar tecken på denna stil, men dess mest slående uttryck kan hittas i pianisten Horace Silver, som skapade den funkiga bluesen. Uppriktigheten i hans musik förstärktes av de religiösa motiv som styrde musikern.

Från den funky stilen växte figuren Charles Mingus - en kontrabasist, kompositör och bandledare, en musiker som inte passar in i ramarna för en viss stil. Mingus satte sig själv i uppgift att framkalla mycket specifika känslomässiga förnimmelser hos lyssnaren. Samtidigt fördelades belastningen mellan själva kompositionen och musikerna, som fick improvisera och uppleva just dessa känslor. Mingus kan mycket väl ingå i en mycket liten kategori av jazzkompositörer. Han ansåg sig själv vara en anhängare av Duke Ellington och vände sig till samma område av afroamerikansk kultur, religiositet, mystik - ett område som kräver användning av funky tekniker..

5. Frijazz

I början av 60-talet berodde nästa omgång av utvecklingen av jazzstilar till stor del på förstärkningen av negermusikernas rasmässiga självmedvetenhet. Bland ungdomarna på den tiden uttrycktes denna process i mycket radikala former, inklusive jazz, som alltid har varit ett utlopp i afroamerikanernas kultur. Inom musiken yttrade sig detta återigen i en önskan att överge den europeiska komponenten, att återvända till jazzens rotkällor. I den nya jazzen vände sig svarta musiker till icke-kristna religioner, främst till buddhism och hinduism. Å andra sidan kännetecknas denna tid av uppkomsten av protestvågor, social instabilitet, oberoende av hudfärg (hippierörelse, anarkism, passion för orientalisk mystik). Den "frijazz" som dök upp på den tiden gjorde en kraftig vändning bort från det huvudsakliga sättet för jazzutveckling, från mainstreamen. Kombinationen av fylligheten av andliga och estetiska upplevelser med ett fundamentalt nytt förhållningssätt till organisationen av musikmaterial avskärmade helt den nya jazzen från populärkonstens sfär. Det var en dramatisk acceleration av en process som hade startats av bopperarna.

Dixieland och swingstylister skapade melodiska improvisationer, bebop, cool och hardbop musiker följde ackordstrukturer i sina solon. Frijazz var ett radikalt avsteg från tidigare stilar, eftersom solisten i denna stil inte är skyldig att följa en given riktning eller bygga en form i enlighet med kända kanoner, han kan gå i vilken oförutsägbar riktning som helst. Inledningsvis var huvudsträvan hos ledarna för frijazz ett destruktivt fokus på rytm, struktur, harmoni, melodi. Det viktigaste för dem var den ultimata uttrycksfullheten, andlig nakenhet, extas. De första erfarenheterna av nya jazzmusiker Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler bröt inte banden med vanliga normer. De första free-jazz-inspelningarna tilltalar fortfarande harmoniska lagar. Men gradvis når denna process den yttersta punkten att bryta med traditionen. När Ornette Coleman fullt ut introducerade freejazz för publiken i New York (även om Cecil Taylor var känd tidigare och ganska väl), kom många av bebopmusikerna och jazzkännarna till slutsatsen att denna musik inte bara kunde betraktas som jazz, utan också faktiskt musik. . Således blev tidigare radikaler konservativa på mindre än 15 år.

En av de första förstörarna av kanonerna var Cecil Taylor, som vid tiden för sin majoritet var en mycket utbildad musiker. Han tog examen från konservatoriet, kunde jazz väl och funderade på att tillämpa tonsättarmusikens principer på improvisationsprocessen. År 1956, tillsammans med saxofonisten Steve Lacy, lyckades han släppa en skiva som innehöll några idéer om ny jazz. På ungefär samma sätt, till stor del härrörande från Thelonious Monk, gick pianisten och kompositören Herbie Nichols, som dog tidigt, vid denna tid. Trots svårigheten att acceptera musik som inte innehåller de vanliga referenspunkterna blir Cecil Taylor en välkänd figur redan 1958, vilket underlättades av hans framträdanden på Five Spot-klubben.

Till skillnad från Taylor hade en annan grundare av frijazz, Ornette Coleman, en lång historia av att uppträda och ändå aldrig spelat "korrekt". Kanske formades Coleman, utan att inse det, som en mästare på primitivismen. Detta i sin tur gav honom grunden för en enkel övergång till icke-standardiserad musik, som han genomförde tillsammans med en trumpetare som spelade pockettrumpet - Don Cherry. Musikerna hade tur, kontrabasisten Red Mitchell och pianisten John Lewis, som hade tyngd i den musikaliska miljön, blev intresserade av dem. 1959 släppte musikerna skivan "Something Else!!" och fick ett engagemang i "Five Spot". En milstolpe för New Jazz var skivan som spelades in av Ornette Colemans dubbla line-up "Free Jazz" 1960.

Frijazz korsar ofta andra avantgardistiska rörelser, som till exempel kan använda sin form och sekvens av rytmiska strukturer. Sedan starten har freejazz förblivit ett litet antal människors egendom och finns vanligtvis i tunnelbanan, men den har ett mycket starkt inflytande på den moderna mainstreamen. Trots det totala förnekandet har en viss normativitet utvecklats inom freejazzen som gör det möjligt att skilja den från andra nya jazztrender. Dessa konventioner gäller styckets allmänna plan, musikernas samspel, rytmiskt stöd och, naturligtvis, den känslomässiga planen. Det bör noteras att en gammal form av kollektiv improvisation har återuppstått inom freejazzen. Det har blivit karaktäristiskt för freejazz att arbeta med en "öppen form" som inte är bunden till specifika strukturer. Detta tillvägagångssätt började dyka upp bland musiker som inte är rent frijazz – sådana är till exempel Keith Jarretts spontana improvisationer på hans solokonserter.

Avslaget på "ny jazz" från europeiska musikaliska normer ledde till ett enormt intresse för icke-europeiska kulturer, främst österländska. John Coltrane var väldigt seriös med indisk musik, Don Cherry – indonesisk och kinesisk, Farow Sanders – arabisk. Dessutom är denna orientering inte ytlig, dekorativ, utan mycket djup, med en önskan att förstå och absorbera hela karaktären hos inte bara motsvarande musik, utan också dess estetiska och andliga miljö.

Frijazz-idiom har ofta blivit en integrerad del av polystilistisk musik. En av de mest slående manifestationerna av detta tillvägagångssätt är arbetet av ett band av svarta musiker från Chicago som började uppträda på 60-talet under ledning av Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM). Senare skapade dessa musiker (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) "Chicago Art Ensemble", och predikade en mängd olika stilar från afrikanska rituella besvärjelser och evangelier till freejazz. Den andra sidan av samma process framträder i klarinettisten och saxofonisten Anthony Braxtons arbete, nära förknippad med "Chicago Art Ensemble". Hans musik är både fri och intellektuell. Ibland använder Braxton matematiska principer för sina kompositioner, som gruppteori, men detta minskar inte den känslomässiga påverkan av hans musik. Tvister om möjligheten till musik av detta slag avtar inte än i dag. Således kallar den officiella auktoriteten för det amerikanska jazzetablissemanget, Wynton Marsalis, föraktfullt Braxton för en "bra schackspelare", samtidigt som Marsalis, i opinionsundersökningarna från American Association of Jazz Journalists, tar nästa linje efter Braxton i nominering av jazzkompositörer.

Det bör noteras att i början av 1970-talet började intresset för frijazz fånga de kreativa musikerna i Europa, som ofta kombinerade sina principer om "frihet" med utvecklingen av europeisk musikpraktik under 1900-talet - atonalitet, serieteknik , aleatorisk, sonoristik, etc. Å andra sidan, Å andra sidan går vissa ledare för frijazz bort från extrem radikalism och går på 80-talet mot någon kompromiss, om än originalversioner av musik. Bland dem finns Ornette Coleman med Prime Time-projektet, Archie Shepp med flera.

6. Utveckling av fusion: jazz-rock. Fusion. ECM. världsjazz

Den ursprungliga definitionen av "jazzrock" var den tydligaste: att kombinera jazzimprovisation med rockmusikens energi och rytmer. Fram till 1967 existerade världarna av jazz och rock nästan separat. Men vid det här laget blir rocken mer kreativ och mer komplex, psykedelisk rock, soulmusik dyker upp. Samtidigt blev en del jazzmusiker uttråkade på ren hardbop, men de ville inte heller spela avantgardistisk musik som var svår att uppfatta. Som ett resultat började de två olika idiomen utbyta idéer och slå sig samman. Från och med 1967 började gitarristen Larry Coryell, vibrafonisten Gary Burton, 1969 trummisen Billy Cobham med gruppen "Dreams", som spelade Brecker Brothers (Brecker Brothers), bemästra nya stilområden. I slutet av 60-talet hade Miles Davis potential att gå över till jazzrock. Han var en av skaparna av modal jazz, på grundval av vilken Miles, med hjälp av 8/8-rytmen och elektroniska instrument, tar ett nytt steg genom att spela in albumen "Bitches Brew", "In a Silent Way". Tillsammans med honom vid denna tidpunkt finns en lysande galax av musiker, av vilka många senare blir grundfigurerna i denna riktning - John McLaughlin (John McLaughlin), Joe Zawinul (Joe Zawinul), Herbie Hancock. Asketicism, kortfattadhet och filosofisk kontemplation som var karakteristisk för Davis visade sig vara mycket välkommen i den nya stilen. I början av 1970-talet hade jazzrock sin egen distinkta identitet som en kreativ jazzstil, även om den förlöjligades av många jazzpurister. Huvudgrupperna i den nya riktningen var "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", olika Miles Davis-ensembler. De spelade högkvalitativ jazzrock, som kombinerade en enorm uppsättning tekniker från både jazz och rock.

Fusion

De mest intressanta kompositionerna av jazzrock kännetecknas av improvisation, kombinerat med kompositionslösningar, användningen av harmoniska och rytmiska principer för rockmusik, den aktiva förkroppsligandet av österns melodi och rytm, den kraftfulla introduktionen av elektroniska bearbetningsmedel och syntetisera ljud till musik. I denna stil har tillämpningsområdet för modala principer utökats, uppsättningen av olika lägen, inklusive exotiska, har utökats. På 70-talet blev jazzrocken otroligt populär, de mest aktiva musikaliska krafterna kom in i den. Mer utvecklad i förhållande till syntesen av olika musikaliska medel, jazz-rock kallades "fusion" (legering, fusion). En ytterligare impuls till "fusion" var en annan (inte den första i jazzens historia) nickning mot europeisk akademisk musik. Faktum är att i detta skede fortsätter fusion linjen för den "tredje strömmen" på 50-talet.

Kombinationen av olika kulturella influenser är tydlig även i kompositionerna av de mest intressanta ensemblerna. Ett anmärkningsvärt exempel är "Weather Report", regisserad av den tidiga amerikaniserade österrikiske keyboardisten Joseph Zawinul och den amerikanske saxofonisten Wayne Shorter, var och en av dem annan tid Gick igenom Miles Davis School. Ensemblen förenade musiker från Brasilien, Tjeckoslovakien, Peru. I framtiden började instrumentalister och sångare från nästan hela världen samarbeta med Zawinul. I efterföljaren till "Weather Report", projektet "Syndicat", sträcker sig musikernas geografi från Tuva till Sydamerika.

Tyvärr får jazzrocken med tiden till stor del drag av kommersiell musik, å andra sidan vägrar rocken själv många av de kreativa upptäckter som gjordes i mitten av 1970-talet. I många fall blir fusion faktiskt en kombination av jazz med vanlig pop och lätt rhythm and blues; crossover. Fusionsmusikens ambitioner om musikaliskt djup och bemyndigande förblir ouppfyllda, även om sökandet fortsätter vid sällsynta tillfällen, som i band som "Tribal Tech" och Chick Coreas ensembler.

elektrisk jazz

Användningen av elektroniska ljudomvandlare och syntar har visat sig vara oerhört attraktiv för musiker som framför allt befinner sig på gränsen till rock eller kommersiell musik. Faktum är att det finns relativt få givande exempel i den allmänna massan av elektrisk musik. Så till exempel Joe Zawinul i projektet "Weather Report" har uppnått en mycket effektiv sammansmältning av etniska och tonala element. Herbie Hancock har under lång tid blivit en idol, inte så mycket av allmänheten som av musiker, med hjälp av syntar, många keyboards och olika typer av elektroniska trick på 70- och 80-talen. På 90-talet flyttar detta område av musik alltmer in i icke-jazzsfären. Detta underlättas av förbättrad datorskapande musik, som med vissa förtjänster och möjligheter tappar kontakten med den huvudsakliga jazzkvaliteten - improvisation.

En separat nisch i gemenskapen av jazzstilar från början av 70-talet ockuperades av det tyska företaget ECM (Edition of Contemporary Music - Publishing House) samtida musik), som gradvis blev centrum för en sammanslutning av musiker som inte så mycket hävdade att de var fästa vid jazzens afroamerikanska ursprung som förmågan att lösa en mängd olika konstnärliga uppgifter, inte begränsa sig till en viss stil, utan i linje. med den kreativa improvisationsprocessen. Med tiden utvecklades dock ett visst ansikte av företaget, vilket ledde till att artisterna på denna etikett separerades i en storskalig och uttalad stilistisk riktning. Orienteringen av grundaren av etiketten Manfred Eicher (Manfred Eicher) att kombinera olika jazzidiom, världsfolklore och ny akademisk musik till ett enda impressionistiskt ljud gjorde det möjligt att göra anspråk på djup och filosofisk förståelse av livsvärden med dessa medel.

Den Oslo-baserade huvudinspelningsstudion för företaget är uppenbarligen korrelerad med den ledande rollen i katalogen över skandinaviska musiker. Först och främst är det norrmännen Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen. ECMs geografi täcker dock hela världen. Här är européerna John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin och representanter för icke-europeiska kulturer Egberto Gismonti , Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem och många andra. Den amerikanska legionen är inte mindre representativ - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Dewey Redman (Redman Dewey), Bill Frisell, John Abercrombie (John Abercrombie, Leo Smith. Den initiala revolutionära impulsen från företagets publikationer förvandlades med tiden till ett meditativt fristående ljud. öppna formulär med noggrant polerade ljudlager. Aicher passerade naturligtvis den osynliga gränsen som skilde åtskilliga försök att kombinera jazz och akademisk europeisk musik. Detta är inte längre en tredje trend, utan bara ett flöde som smidigt flyter in i "New Series" av ECM med akademisk musik, väldigt nära jazzutgivningar i andan. Riktningen av etikettens politik utanför populärkulturens gränser har dock lett till en ökad popularitet för denna typ av musik, vilket kan ses som en slags paradox. Vissa mainstream-anhängare förnekar den väg som valts av musikerna i denna riktning; jazzen, som världskultur, utvecklas dock trots dessa invändningar och ger mycket imponerande resultat.

världsjazz

"Världsjazz" (World Jazz) är en märkligt klingande rysk term som syftar på fusionen av musik från tredje världen, eller "världsmusik", med jazz. Denna mycket förgrenade riktning kan delas in i flera typer.

Etnisk musik, som inkluderade jazzimprovisationer, som latinjazz. I det här fallet improviseras ibland bara solot. Ackompanjemanget och kompositionen är i huvudsak desamma som i den etniska musiken själv;

Jazz, som inkluderade begränsade aspekter av icke-västerländsk musik. Exempel är Dizzy Gillespies gamla "Night in Tunisia"-inspelningar, musiken på några Keith Jarrett-kvartett- och kvintett-LP-skivor som släpptes på 1970-talet på etiketten Impulse!, med något förändrad instrumentering från Mellanöstern och liknande harmoniska tekniker. Detta inkluderar en del av Sun Ras musik från 50- till 90-talet som innehåller afrikanska rytmer, några av Yusef Lateefs inspelningar med traditionella islamiska instrument och tekniker;

Nya musikstilar som växer fram ur de organiska sätten att kombinera jazzimprovisation med originella idéer och instrument, harmonier, komponeringstekniker och rytmer från en existerande etnisk tradition. Resultatet är originellt och det återspeglar tydligt de väsentliga aspekterna av etnicitet. Exempel på detta tillvägagångssätt är många och inkluderar Don Cherry, Codona och Nu ensembler; en del av John McLaughlins musik från 70- till 90-talet, baserad på Indiens traditioner; en del av musiken av Don Ellis från 70-talet, som lånade idéer från musiken i Indien och Bulgarien; Andy Narells verk på 90-talet, som blandade Trinidads musik och instrument med improvisationer av jazz och funk.

"World Fusion Jazz" är inte första gången denna väg har tagits i jazzens historia, och själva trenden är inte exklusiv för amerikansk jazz. Till exempel blandades polynesisk musik med västerländska popstilar i början av 1900-talet, och dess sound kom från några av de tidigaste jazzmusikerna. Karibien dansrytmer blev en betydande del av den amerikanska popkulturen under hela 1900-talet, och eftersom jazzmusiker ofta improviserade på popteman blandades de nästan kontinuerligt. Django Reinhardt kombinerade zigenarmusikens traditioner, fransk impressionism med jazzimprovisation redan på 30-talet i Frankrike. Listan över musiker verksamma i gränsområdet kan innehålla hundratals och tusentals namn. Bland dem till exempel så olika människor som Al DiMeola (Al DiMeola), gruppen "Dead Can Dance", Joe Zawinul, gruppen "Shakti", Lakshminarayana Shankar (Lakshminarayana Shankar), Paul Winter (Paul Winter), Trilok Gurtu och många andra.

7. Pop - jazz : funk, acid jazz, crossover, smooth jazz

Funk

Modern funk hänvisar till 70- och 80-talens populära jazzstilar, där ackompanjatörer spelar i stil med svart popsoul och funkmusik, medan omfattande soloimprovisationer är mer kreativa och jazziga till sin natur. Istället för att använda den rika och ackumulerade uppsättningen av jazzidiom från arsenalen av moderna jazzsaxofonister (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman), använder de flesta saxofonister i denna stil sin egen uppsättning enkla fraser, som består av bluesiga rop och stönar. De bygger på en tradition som överförts från saxofonsolon i R&B-vokalinspelningar som King Curtis on the Coastrs, Junior Walker med Motowns sånggrupper, David Sanborn Sanborn) med "Blues Band" av Paul Butterfield (Paul Butterfield). En framstående figur i genren är Grover Washington, Jr., som ofta spelade solon i Hank Crawford-stil med funk-liknande ackompanjemang. Så här ser han ut på sina mest kända inspelningar, även om Washington kan spela musik i andra jazzstilar. Medlemmar av The Jazz Crusaders, Felder Wilton och Joe Sample uppnådde stor popularitet genom att ändra sin repertoar under 1970-talet och ta bort ordet "jazz" från bandets namn. Mycket av musiken från Michael Brecker, Tom Scott och deras elever tar detta tillvägagångssätt, även om de lika gärna kan spela i John Coltranes eller Joe Hendersons stilar. "Najee", Richard Elliott (Richard Elliott) och deras samtida arbetar också i stil med "modern funk". Mellan 1971 och 1992 ledde Miles Davis ensembler som spelade en komplex variant av denna stil, även om saxofonisterna i hans band var influerade av John Coltrane, och hans gitarrister visade modernt jazztänkande tillsammans med influenser från Jimy Hendrix. Mycket modern funk kan också klassas som "crossover".

acid jazz

Många anser att de sena kompositionerna av Miles Davis är förfadern till denna trend. Termen "syrajazz" ("syrajazz") har tilldelats en av typerna av lättjazzmusik, främst en dansgenre, som förenas av att den delvis spelas av "live" musiker, och resten tas antingen i samplade form eller i form av ljud, för vilka erhålls med hjälp av skivor, oftast gamla, vinylskator, som produceras för diskotek. Det musikaliska resultatet kan vara av vilken stil som helst, dock med ett ändrat ljud. Mer att föredra för dessa ändamål är radikal "punk-jazz", "soul", "fusion". Acid jazz har också en mer radikal avantgarde-vinge, som den brittiske gitarristen Derek Baileys verk. Den skiljer sig dock från discoversionen av acidjazz genom det betydande bidraget från musikernas "live"-spel. Tydligen har denna riktning en framtid som gör att den kan utvecklas.

Crossover

Med den gradvisa nedgången i rockmusikens aktivitet (ur en konstnärlig synvinkel) sedan början av 70-talet, med minskningen av idéflödet från rockens värld, har fusionsmusik (som kombinerar jazzimprovisation med rockrytmer) blivit mer okomplicerad. Samtidigt började många inse att elektrisk jazz kunde bli mer kommersiell, producenter och vissa musiker började leta efter sådana kombinationer av stilar för att öka försäljningen. De har verkligen lyckats skapa en sorts jazz som är mer tillgänglig för den vanliga lyssnaren. Många olika kombinationer har dykt upp under de senaste två decennierna, för vilka promotorer och publicister gillar att använda uttrycket " Samtida jazz", används för att beskriva jazzens "fusioner" med inslag av popmusik, rhythm and blues och "världsmusik". Ordet "crossover" är dock mer korrekt när det gäller att beskriva sakens väsen. Crossover och fusion uppnådde sitt mål och ökade publiken av jazz, särskilt på grund av för dem som är trötta på andra stilar.I vissa fall förtjänar denna musik uppmärksamhet, även om i de flesta fall jazzinnehållet i den reduceras till noll. För en stil som är, i Faktum är att popmusik med en lätt varv av improvisation, som tar musiken bortom jazzen, är "instrumental pop" den term som passar bäst. Exempel på crossover-stil sträcker sig från Al Jarreau och George Benson sånginspelningar till Kenny G, Spyro Gyra and the Rippingtons Det finns jazzinflytande, men ändå passar denna musik in i popkonstens område, som representeras av Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "The Crusaders", George Duke, saxofonisten Bill Evans, Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Mangione (Chuck Mangione), Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Slät

"Smooth jazz" (smooth jazz) är en produkt av fusionsstilen, som framhäver musikens mjuka, mjuka sida. I allmänhet förlitar sig "smooth jazz" mer på rytmer och melodiska linjer istället för improvisation. Den använder synthesizerljudlager, funkrytmer, funkbas, elastiska linjer av gitarr och trumpet, alt- eller sopransaxofon. Musiken är inte intellektuell som hårdbop, men den är inte heller överdrivet energisk som funk eller souljazz. "Smooth jazz"-kompositioner ser enkla, ytliga och polerade ut, och det har det övergripande soundet större värdeän enskilda delar. Karakteristiska representanter för den "släta" stilen är George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

Jazz är en speciell sorts musik som kombinerar amerikansk musik från tidigare århundraden, afrikanska rytmer, sekulära, arbete och rituella sånger. Fans av den här typen av musikalisk riktning kan ladda ner sina favoritlåtar med hjälp av webbplatsen http://vkdj.org/.

Jazzfunktioner

Jazz kännetecknas av vissa egenskaper:

• rytm;
• improvisation;
• polyrytm.

Han fick sin harmoni som ett resultat av europeiskt inflytande. Jazz är baserad på en speciell rytm av afrikanskt ursprung. Denna stil täcker instrumentala och vokala riktningar. Jazz existerar genom användning av musikinstrument, som är av underordnad betydelse i vanlig musik. Jazzmusiker måste ha förmågan att improvisera i solo och orkester.

Karakteristiska drag för jazzmusik

Det främsta tecknet på jazz är rytmens frihet, som väcker hos artister en känsla av lätthet, avslappning, frihet och kontinuerlig rörelse framåt. Liksom i klassiska verk har den här sortens musik sin egen storlek, rytm, som kallas swing. För denna riktning är konstant pulsering mycket viktig.

Jazz har sin egen karaktäristiska repertoar och ovanliga former. De främsta är blues och ballad, som fungerar som en slags bas för alla möjliga musikaliska versioner.

Denna musikriktning är kreativiteten hos dem som utför den. Det är musikerns specificitet och originalitet som utgör dess grund. Det går inte att lära sig det bara från anteckningarna. Denna genre beror helt på kreativiteten och inspirationen hos artisten vid tiden för spelet, som lägger sina känslor och själ i verket.

De huvudsakliga egenskaperna hos denna musik inkluderar:

• harmoni;
• melodiöshet;
• rytm.

Tack vare improvisation skapas ett nytt verk varje gång. Aldrig i livet kommer två stycken framförda av olika musiker att låta likadant. Annars kommer orkestrarna att försöka kopiera varandra.

Denna moderna stil har många drag av afrikansk musik. En av dem är att varje instrument kan fungera som ett slaginstrument. När man framför jazzkompositioner används välkända vardagstoner. Ett annat lånat inslag är att instrumentspelandet kopierar samtalet. Den här sortens professionella musikkonst, som förändras kraftigt över tid, har inga strikta gränser. Det är helt öppet för inflytande från artister.

Jazz är först och främst improvisation, liv, ord, evolution. Riktig jazz lever på Mississippi, kommer från händerna på en pianist i en Storyville-bar, eller från en grupp musiker som spelar på en lugn plats i utkanten av Chicago.

Verklig födelseort

Jazzens historia är en av musikens mest originella berättelser. Hans karaktärer och stilar, hans starka personlighetsdrag är extremt attraktiva, även om vissa av trenderna kräver ökad beredskap från lyssnarnas sida. Som den amerikanske bandledaren John Philip Sousa en gång sa, jazz ska höras med fötterna, inte med huvudet, men det var under 30-talet, med jazzband från New Orleans - Buddy Bolden - eller män från Austin High på illegala barer i Chicago. De spelade musik för att dansa.

Men från och med 1940-talet började allmänheten lyssna på jazz med huvudet istället för fötterna. Nya ljudformer dyker upp – försöker locka lyssnaren med intellekt, cool, fri – de förblir lite vid sidan av.Trots de dåliga uttalandena och attackerna från Souza uppfattar publiken jazzen med ännu större entusiasm. Vad är hemligheten bakom dess stora vitalitet?

Om vi ​​pratar om jazz, som - om afroamerikansk musik - så finns det inte mycket att säga.
Detta är en av de former av individuella spontana uttryck som skapas för tillfället. Dessa är improvisation, frihet, protestsånger och marginalisering. Jazzens rötter bör betraktas som svart slaveri i staterna i Syd, Nordamerika - när man arbetar på bomullsplantager Det var här som de första fröna och groddarna grodde, de första låtarna och melodierna från den sista populära genren i västerländsk musiks historia lades ner här. Ett slags urbant uttryck som började återupplivas på de svarta kaféerna i New Orleans i slutet av artonhundratalet och början av nittonhundratalet.

Enligt statistiken var marknaden för afrikanska slavar cirka 15 miljoner. män, kvinnor och barn som säljs i olika delar av världen. De flesta av dessa människor hamnade i Amerika. Bomullsodlingar och tobaksfält krävde mycket arbete. Den svarta afrikanen var stark och arbetade för lite lön, mat och tak över huvudet. Dessutom hade de inget annat än minnet av de oförglömliga sångerna och danserna i deras hemland Afrika. Musiken är alltså central för en slavs liv, och hjälper till att övervinna slaveriets alla svårigheter och lidanden. Detta är huvudbagaget för slavrytmen och melodin.

Svarta afrikaner, med stor religiositet, accepterade kristendomen lätt. Men eftersom de var vana vid att börja sina religiösa riter med sånger och danser, började de snart introducera klappning och rytmiska rörelser i sina möten och ceremonier i lägren i söder. Rösterna från de mörkhyade hade en mycket egen klang, melodisången fick dig verkligen att röra på dig. Svarta protestantiska religiösa samfund skapade sina egna psalmer som uppmanade till trots.

Till dessa teman, böner och bön lades sånger om arbete. Varför? Ja, för slaven insåg att det är mycket lättare för honom att arbeta genom att sjunga.
Enkelheten i dessa fraser beror förmodligen på deras dåliga kunskaper i kolonisternas språk och utvecklades till kraftfull poesi och ömhet. Enligt Jean Cocteau är bluesversen det sista förekomsten av automatisk populär poesi, och blues som genre är vanligtvis jazz.

USA, på jakt efter kultur.

Jazz för USA är ett av dess bästa visitkort, och alla musikhistoriker håller med om deras viktigaste bidrag till världskulturen.

Denna process av kulturell identitet är relativt kort. Nästa steg började: koloniernas självständighet. Men... vad de hade för att skapa dem kulturellt arv? Å ena sidan urbefolkningens europeiska arv: ättlingar till gamla nybyggare, nyligen invandrade, å andra sidan en svart amerikansk medborgare, efter så länge slaveri. Och där det finns en slav finns det musik, därav drar man slutsatsen att negermusiken i viss mån var mer populär, åtminstone i söder.

Officiellt skydd och erkännande.

De styrande insåg att detta var ett nytt musikaliskt fenomen. Under tiden har utrikesdepartementet tagit kontroll över, och till och med organiserat, internationella turnéer för amerikanernas "jazzmen". Louis Armstrong, Duke Ellingtong, Dizzy Gillespie, Jack Teagarden, Stanz Getz, Keith Jarrots och fler har visat upp stilen över hela världen. Louis Armstrong, framförd inför kungar och drottningar, togs emot av påven i Vatikanen, Benny Goodman och hans orkester turnerade i Ryssland under sommaren 1962. Applåderna var öronbedövande, till och med Nikita Chrusjtjov gav stående ovationer.
Naturligtvis utvecklades bluesen och skapade därmed sitt eget språk: Jazz. Vad är ett sådant språk? Användningen av rytmisk uthållighet, ovanliga instrumentala klangfärger, komplexa soloimprovisationer som är svåra att hitta i andra typer av musik, detta är jazzens språk, dess själ. Allt genomsyras av det magiska ordet: swing.Som Duke Ellingtong sa – "Swing är något som går utöver sin egen tolkning, det finns inte i musiktexten, det dyker bara upp i ständigt framförande.
Faktum är att jazz var och är ett av de vanligaste sätten att förstå svart amerikansk musik. Musik som uttrycker kärlek och sorg, beskriver hjältarnas liv, bitterhet och besvikelse varje dag. Tidig jazz var en slags känslomässig besvikelseventil, en svart man i en värld av vita människor.

The Joy of New Orleans Life

Namnet - New Orleans - är en magisk nyckel som hjälper oss att hitta, känna igen och älska jazz. I denna stad, byggd och bebodd främst av franska och spanska invandrare, var atmosfären annorlunda än andra stater (stater). Den kulturella nivån var högre - många av dess invånare var aristokrater, mer borgerliga från den gamla kontinenten - högre inkomster och naturligtvis bra restauranger och vackra hus. Allt som hämtats från det gamla Europa - ömtåliga möbler, kristall, silver, böcker, noter och olika instrument för att lysa upp varma vårkvällar, nycklar, fioler, flöjter m.m. det hela hamnade i New Orleans först. Staden var omgiven av höga murar för att avvärja indianernas attack, staden försvarades av en garnison av franska soldater, som naturligtvis hade en egen orkester för att utföra militära marscher. Tack vare dessa tillfälligheter har New Orleans blivit gladare och mer självsäker.
Den ansågs vara en tolerant stad i alla aspekter, inklusive dess förhållande till svarta.
Inbördeskriget medförde stora förändringar i landet. Slaveriet avskaffades för svarta, de började flytta till städer för att arbeta, och med dem musik.

I New Orleans kunde före detta slavar äntligen köpa vad de såg i skivaffärer. Innan dess gjorde de själva sina egna verktyg av kalebasser, ben, rivjärn, metallskålar. Nu kunde de, förutom sina banjos och munspel, köpa tromboner, horn, klarinetter och trummor. Problemet var att de före detta slavarna inte hade någon aning om partitur, solfeggio, noter, inte kände till någon musikalisk teknik, de kände bara på musiken och kunde improvisera.

Problemet med okunnighet löstes med svårighet. Men de förstod att man måste både spela och sjunga, det där musik instrument borde vara en fortsättning på rösten Och träningen började.
Om ett militärband passerade genom gatorna stod negrerna alltid på första raden och lyssnade uppmärksamt.Inte en enda strof med helig musik missades i kyrkan. Så småningom blandade de några handslag och lade till några takter av klappning (att lyssna på foten), de började introducera sitt förflutna (slaveri) i bluesen, så en ny musik började återupplivas, gjord från hjärtat och mycket poetisk.

Användningen av denna musik användes av svarta vid begravningar, eftersom de var den lägsta klassen i samhället, välgörenhetsorganisationer eller företag var inte särskilt stödjande för den ekonomiska freden för tidigare slavar i det offentliga livet, men när det kom till döden gav de några summor pengar.Således organiserade släktingar en magnifik begravning, som åtföljdes av en grupp musiker och flera stöd från familj, vänner och grannar. I en lång procession ljöd långsam och sorglig musik till kyrkogården. Vid hemkomsten ändrades temat och snabb musik spelades, eller snarare jazzimprovisationer. Eftersom den allmänna uppfattningen var att den avlidne var i himlen, och de borde glädjas med Honom. Dessutom, på grund av bristen på avkoppling efter långa suckar och känslor, krävde miljön alltid av musikerna att den avslutande delen av ceremonierna alltid skulle vara rolig.
Experter tror alltså att de vid begravningen av svarta först började spela jazz.

I decennier försökte de förbjuda, tysta och ignorera jazzen, de försökte bekämpa den, men musikens kraft visade sig vara starkare än alla dogmer. TILL XXI århundradet jazzen har nått en av högsta poäng dess utveckling, och har inte för avsikt att bromsa.

Över hela världen var 1917 i många avseenden en epokal och vändpunkt. Två revolutioner äger rum i det ryska imperiet, Woodrow Wilson väljs om för en andra mandatperiod i USA, och mikrobiologen Felix d'Herelle tillkännager upptäckten av en bakteriofag. Men i år ägde en händelse rum som också för alltid kommer att gå till historiens annaler. Den 30 januari 1917 spelades den första jazzskivan in i Victors studio i New York. Det var två stycken - "Livery Stable Blues" och "Dixie Jazz Band one Step" - framförda av Original Dixieland Jazz Band, en ensemble av vita musiker. Den äldste av musikerna, trumpetaren Nick LaRocca, var 28 år, den yngste, trummisen Tony Sbarbaro, var 20 år. De infödda i New Orleans hörde förstås "svart musik", älskade den och ville passionerat spela jazz av sitt eget uppträdande. Ganska snabbt efter att ha spelat in skivan fick Original Dixieland Jazz Band kontrakt på prestigefyllda och dyra restauranger.

Hur såg de första jazzskivorna ut? En grammofonskiva är en tunn skiva gjord genom att pressa eller gjuta plast av olika sammansättningar, på vars yta ett speciellt spår med ljudinspelning är hugget i en spiral. Ljudet av skivan återgavs med hjälp av speciella tekniska anordningar - en grammofon, en grammofon, en elektrofon. Denna metod att spela in ljud var det enda sättet att "föreviga" jazzen, eftersom det är nästan omöjligt att exakt förmedla alla detaljer om musikalisk improvisation i musikalisk notation. Av denna anledning hänvisar musikexperter under diskussionen om olika jazzstycken först och främst till numret på skivan där det eller det stycket spelades in.

Fem år efter det ursprungliga Dixieland Jazz Bands debutdebut började svarta musiker spela in i studion. Bland de första som spelades in var ensemblerna Joe King Oliver och Jelly Roll Morton. Alla inspelningar av svarta jazzmän släpptes dock i USA som en del av en speciell "rasserie" som distribuerades under dessa år endast bland den svarta amerikanska befolkningen. Records, utgivna i "rasserien", existerade fram till 40-talet av XX-talet. Förutom jazz spelade de även in blues och spirituals – afroamerikanernas andliga körsånger.

De första jazzskivorna var 25 cm i diameter vid 78 rpm och spelades in akustiskt. Dock sedan mitten av 1920-talet På 1900-talet gjordes inspelningen elektromekaniskt, och det bidrog till att ljudkvaliteten ökade. Därefter släpptes skivor med en diameter på 30 cm. På 40-talet. sådana skivor massproducerades av ett antal skivbolag som bestämde sig för att släppa både gamla och nya kompositioner framförda av Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fets Waller, Lionel Hampton, Colman Hawkins, Roy Eldridge och många andra.

Sådana grammofonskivor hade en speciell etikettmärkning - "V-disc" (förkortning för "Victory disc") och var avsedda för amerikanska soldater som deltog i andra världskriget. Dessa utgåvor var inte avsedda för försäljning, och jazzmän överförde som regel alla sina avgifter till Victory Fund under andra världskriget.

Redan 1948 lanserade Columbia records den första långspelade skivan (den så kallade "longplay", LP) på musikinspelningsmarknaden med ett tätare arrangemang av ljudspår. Skivan var 25 cm i diameter och roterade med 33 1/3 rpm. LP:n innehöll redan så många som 10 pjäser.

Efter Columbia etablerades produktionen av deras egna långa pjäser 1949 av representanter för RCA Victor. Deras rekord var 17,5 cm i diameter med en rotationshastighet på 45 varv per minut, och senare började liknande rekord produceras redan med en rotationshastighet på 33 1/3 varv per minut. 1956 började släppet av LP-skivor med en diameter på 30 cm.12 stycken placerades på två sidor av sådana skivor och speltiden ökade till 50 minuter. Två år senare började stereoskivor med tvåkanalsinspelning tränga undan monofoniska motsvarigheter. Tillverkare försökte också trycka in 16 rpm-skivor på musikmarknaden, men dessa försök slutade i misslyckande.

Efter det, under många år, torkade innovationen i produktionen av skivor, men redan i slutet av 60-talet. kvadrafoniska skivor med fyra kanalers inspelningssystem introducerades för musikälskare.

Produktionen av LP-skivor gav ett stort steg till jazz som musik och tjänade utvecklingen av denna musik - i synnerhet uppkomsten av större former av komposition. Under många år var längden på en pjäs inte mer än tre minuter - det var villkoren för ljudinspelning på en vanlig grammofonskiva. Samtidigt, även med utvecklingen av framsteg i utgivningen av skivor, ökade inte varaktigheten för jazzstycken omedelbart: på 50-talet. LP-skivor gjordes huvudsakligen på grundval av matriser av publikationer från tidigare år. Ungefär samtidigt släpptes skivor med inspelningar av Scott Joplin och andra kända ragtime-artister, som spelades in i slutet av 1800-talet och början av 1900-talet. på perforerade cylindrar av kartong för ett mekaniskt piano, samt på vaxrullar för en grammofon.

Med tiden började långspelade skivor användas för inspelning av verk av större form och livekonserter. Utgivningen av album från två eller tre skivor, eller speciella antologier och diskografier av en eller annan artist, har också fått stor spridning.

Men hur är det med själva jazzen? Under många år ansågs det vara "musiken av en underlägsen ras". I USA ansågs det som musik av svarta, ovärdigt det amerikanska samhället, i Nazityskland, att spela och lyssna på jazz innebar att vara "en dirigent för den negerjudiska kakofonien", och i Sovjetunionen - "ursäkt för de borgerliga livsstil" och "världsimperialismens agent".

Utmärkande för jazzen är att denna musik har arbetat sig fram till framgång och erkännande i decennier. Om musiker av alla andra stilar redan från början av sin karriär kunde sträva efter att spela på de största arenor och arenor, och det fanns många exempel för dem, så kunde jazzmän bara räkna med att spela på restauranger och klubbar, utan att ens drömma om stora arenor .

Jazz som stil har sitt ursprung för över ett sekel sedan på bomullsplantager. Det var där som de svarta arbetarna sjöng sina sånger, sammansmälta från protestantiska sånger, afrikanska andliga körpsalmer "spirituals", och hårda och syndiga sekulära, nästan "kriminella" sånger - blues, utbredd i smutsiga matställen vid vägkanten, där foten av en vit Amerikanska ville inte kliva. Kronan på verket för denna "cocktail" var blåsorkestrar, som lät som om barfota afroamerikanska barn plockade upp avvecklade instrument och började spela alla möjliga saker.

20-talet av XX-talet blev "Jazz Age" - det var vad författaren Francis Scott Fitzgerald kallade dem. De flesta av de svarta arbetarna var koncentrerade till den kriminella huvudstaden i USA under dessa år - Kansas City. Utbredningen av jazz i denna stad underlättades av ett stort antal restauranger och matställen där maffioserna gärna tillbringade sin tid. Staden har skapat en speciell stil, stilen med storband som spelar snabb blues. Under dessa år föddes en svart pojke vid namn Charlie Parker i Kansas City: det var han som, mer än två decennier senare, skulle bli jazzreformator. I Kansas City gick han förbi platserna där konserter hölls, och bokstavligen absorberade han bitar av musiken han älskade.

Trots jazzens stora popularitet i New Orleans och dess breda spridning i Kansas City, föredrog fortfarande ett stort antal jazzmän Chicago och New York. Två städer på USA:s östkust blev de viktigaste punkterna för koncentration och utveckling av jazzen. Stjärnan i båda städerna var den unge trumpetaren och sångaren Louis Armstrong, efterträdare till New Orleans största trumpetare, King Oliver. 1924 anlände en annan infödd New Orleans till Chicago - pianisten och sångerskan Jelly Roll Morton. Den unga musikern var inte blygsam och förklarade djärvt för alla att han var skaparen av jazz. Och redan vid 28 års ålder flyttade han till New York, där just vid den tiden orkestern av den unge Washington-pianisten Duke Ellington blev populär, som redan trängde ut Fletcher Henderson-orkestern från strålarna av härligheten.

En våg av popularitet av "svart musik" bryter in i Europa. Och om jazz lyssnades på i Paris redan innan första världskrigets början, och inte på "krogar", utan i aristokratiska salonger och konserthus, så kapitulerade London på 20-talet. Svarta jazzmän älskade att resa till den brittiska huvudstaden - särskilt med tanke på att de där, till skillnad från staterna, behandlades med respekt och humant och bakom kulisserna, och inte bara på den.

Det är anmärkningsvärt att poeten, översättaren, dansaren och koreografen Valentin Parnakh blev arrangör av den första jazzkonserten i Moskva 1922, och sex år senare nådde populariteten för denna musik St. Petersburg.

Början av 1930-talet präglades av ny era- epoken med storband, stora orkestrar och en ny stil började skramla på dansgolven - swing. Duke Ellintons orkester kunde ta om sina kollegor från Fletcher Henderson-orkestern i popularitet med hjälp av icke-standardiserade musikaliska rörelser. Kollektiv simultanimprovisation som blivit ett varumärke New Orleans skola jazz, håller på att bli ett minne blott, och istället blir komplexa partitur, rytmiska fraser med upprepningar och upprop från orkestergrupper populärare. Som en del av orkestern ökar rollen som arrangören, som skriver orkestrationer som har blivit nyckeln till hela lagets framgång. Samtidigt förblir solisten-improvisatören ledaren i orkestern, utan vilken även ett lag med perfekta orkestrationer kommer att gå obemärkt förbi. Samtidigt, från och med nu, observerar solisten strikt antalet "rutor" i musiken, medan resten stödjer det enligt det skriftliga arrangemanget. Populariteten för Duke Ellingtons orkester skapades inte bara av icke-standardiserade lösningar i arrangemang, utan också av den förstklassiga sammansättningen av själva orkestern: trumpetarna Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, klarinettisten Barney Bigard, saxofonisterna Johnny Hodges och Ben Webster, kontrabasisten Jimmy Blanton kunde sitt jobb som ingen annan. Andra jazzorkestrar visade också lagarbete i denna fråga: saxofonisten Lester Young och trumpetaren Buck Clayton spelade på Count Basie, och ryggraden i orkestern var "världens mest swingande" rytmsektion - pianisten Basie, kontrabasisten Walter Page, trummisen Joe Jones och gitarristen Freddie Green.

Klarinettisten Benny Goodmans orkester, som helt består av vita musiker, vinner överväldigande popularitet i mitten av 30-talet, och under andra hälften av 30-talet utdelar alla rasrestriktioner inom jazzen ett förkrossande slag: på scenen i Carnegie Hall i en orkester ledd av Goodman uppträdde samtidigt svartvita musiker! Nu är en sådan händelse förstås inte ny för en sofistikerad musikälskare, men under de åren slet framträdandet av vita (klarinettisten Goodman och trummisen Gene Krupa) och svarta (pianisten Teddy Wilson och vibrafonisten Lionel Hampton) bokstavligen alla mönster till strimlor.

I slutet av 30-talet blev Glenn Millers vita orkester populär. Åskådare och lyssnare uppmärksammade genast det karaktäristiska "kristallklangen" och genomarbetade mästerligt arrangemang, men konstaterade samtidigt att det fanns ett minimum av jazzanda i orkesterns musik. Under andra världskriget upphörde "swing-eran": kreativiteten gick in i skuggorna, och "underhållningen" lyste på scenen, och själva musiken förvandlades till en konsumentmassa som inte krävde några speciella krusiduller. Tillsammans med kriget kom förtvivlan till jazzmännens läger: det verkade för dem som att deras favoritmusik smidigt flyttade in i tillvarons solnedgång.

Början på en ny jazzrevolution såddes dock i en av de inhemska städerna för denna musikstil - New York. Unga musiker, mestadels svarta, oförmögna att stå ut med nedgången av sin musik i orkestrar på officiella klubbar, efter konserter sent på kvällen, samlades på sina egna klubbar på 52nd Street. Mecka för dem alla var klubben Milton Playhouse. Det var i dessa New York-klubbar som unga jazzmän gjorde något ofattbart och radikalt nytt: de improviserade så mycket som möjligt på enkla bluesackord, byggde dem i en till synes helt olämplig sekvens, vände ut och in på dem och arrangerade om dem, spelade extremt komplext och långt. melodier som började precis i mitten av takten, och slutade där. Milton Playhouse hade under dessa år många besökare: alla ville se och lyssna på det besynnerliga odjuret, utsmyckat och ofattbart född på scenen. I ett försök att skära bort slumpmässiga profana människor som ofta gillar att klättra upp på scenen och improvisera med musiker, började jazzmännen ta ett högt tempo i kompositionerna, ibland accelererade dem till otroliga hastigheter som bara proffs kunde hantera.

Det var så den revolutionerande jazzstilen, be-bop, föddes. Kansas City-uppfostrade altsaxofonisten Charlie Parker, trumpetaren John Berks Gillespie, med smeknamnet "Dizzy" ("Dizzy"), gitarristen Charlie Christian (en av det harmoniska språkets grundare), trummisarna Kenny Clarke och Max Roach - dessa namn är för alltid inskrivet med gyllene bokstäver till jazzens historia och närmare bestämt be-bop. Den rytmiska grunden för trummorna i be-bop överfördes till tallrikarna, speciella yttre attribut hos musikerna dök upp, och de flesta av dessa konserter ägde rum i små slutna klubbar - så här kan bandets musikskapande beskrivas. Och framför allt detta till synes kaos steg Parkers saxofon: det fanns ingen motsvarighet till honom i nivå, teknik och skicklighet. Det är inte förvånande att musikerns temperament helt enkelt brände sin herre: Parker dog 1955, "utbränd" från konstant och höghastighetsspelande av saxofon, alkohol och droger.

Det var skapandet av be-bop som inte bara gav impulser till utvecklingen av jazzen, utan också blev Startpunkt, varifrån jazzens förgrening som sådan började. Be-bop gick i riktning mot underground - små lokaler, utvalda och hängivna lyssnare, och också intresserad av musikens rötter i allmänhet, medan den andra grenen representerade jazz i konsumentsystemets rike - det är så popjazz var född, som existerar till denna dag. Så genom åren användes element av popjazz av sådana musikstjärnor som Frank Sinatra, Sting, Kathy Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones och andra.

När det gäller den mindre populära grenen av jazz, så följde hårdbop efter be-bop. I denna stil gjordes satsningen på blues, extatisk början. Utvecklingen av hård bop influerades av saxofonisten Sonny Rollins, pianisten Horace Silver, trumpetaren Clifford Brown och trummisen Art Blakey. Förresten, Blakey-laget under med titeln The Jazz Messengers blev en källa till jazztalanger runt om i världen fram till musikerns död 1990. Samtidigt andra egna stilar: lyssnarnas hjärtan vann av cool jazz, vanlig på östkusten, och väst kunde motsätta västkuststilen till sina grannar. En medlem av Parker Orchestra, svarta trumpetaren Miles Davis, tillsammans med arrangören Gil Evans, skapade cool jazz ("cool jazz") med hjälp av nya harmonier i be-bop. Tyngdpunkten flyttades från musikens höga tempo till komplexiteten i arrangemangen. Samtidigt bankade den vita barytonsaxofonisten Gerry Mulligan och hans ensemble på andra accenter inom cool jazz – till exempel på den samtidiga kollektiva improvisationen som kom från New Orleans-skolan. Västkusten, med de vita saxofonisterna Stan Getz och Zoot Sims som spelade västkusten ("västkusten"), presenterade en annan bild av be-bop och skapade ett lättare ljud än Charlie Parkers. Och pianisten John Lewis blev grundaren av Modern Jazz Quartet, som i princip inte spelade på klubbar, och försökte ge jazzen en konsert, bred och seriös form. Ungefär detsamma uppnådde förresten pianisten Dave Brubecks kvartett.

Därmed började jazzen ta sin egen form: jazzmännens kompositioner och solopartier blev längre. Samtidigt dök en trend upp inom hårdbop och cool jazz: ett stycke varade i sju till tio minuter, och ett solo - fem, sex, åtta "rutor". Parallellt berikades stilen i sig av olika kulturer, särskilt latinamerikanska.

I slutet av 1950-talet föll en ny reform på jazzen, denna gång inom det harmoniska språkets område. Innovatören i denna del var återigen Miles Davis, som släppte sin berömda inspelning "Kind of Blue" 1959. Traditionella tangenter och ackordförlopp har förändrats, musikerna kunde inte lämna två ackord i flera minuter, men samtidigt visade de utvecklingen av musikaliskt tänkande på ett sådant sätt att lyssnaren inte ens märkte monotonin. Davis tenorsaxofonist, John Coltrane, blev också en symbol för reformer. Coltranes spelteknik och musikaliska tanke, som demonstrerades på inspelningar i början av 60-talet, är oöverträffade än i dag. Altsaxofonisten Ornette Coleman, som skapade stilen frijazz ("free jazz"), blev också en symbol för 50- och 60-talsskiftet inom jazzen. Harmoni och rytm i denna stil respekteras praktiskt taget inte, och musikerna följer vilken som helst, även den mest absurda melodin. I harmoniska termer blev freejazz höjdpunkten - då var det antingen absolut brus och kakofoni, eller fullständig tystnad. En sådan absolut gräns gjorde Ornette Coleman till ett geni för musik i allmänhet och jazz i synnerhet. Det var kanske bara avantgardemusikern John Zorn som kom honom närmast i hans verk.

60-talet blev inte heller eran av jazzens villkorslösa popularitet. I förgrunden kom rockmusiken, vars representanter villigt experimenterade med inspelningsteknik, ljudstyrka, elektronik, ljudförvrängning, akademiskt avantgarde, spelteknik. Enligt legenden kläcktes idén om en gemensam inspelning av den virtuose gitarristen Jimi Hendrix och den legendariske jazzmannen John Coltrane vid den tiden. Men redan 1967 dog Coltrane, och ett par år senare dog Hendrix, och denna idé förblev i legenden. Miles Davis lyckades också med denna genre: i slutet av 60-talet lyckades han korsa rockmusik och jazz och skapade en jazz-rockstil, vars ledande representanter i sin ungdom mest spelade i Davis band: keyboardisterna Herbie Hancock och Chick Corea, gitarristen John McLaughlin, trummisen Tony Williams. Samtidigt kunde jazzrock, aka fusion, föda sina egna, individuella framstående representanter: basgitarristen Jaco Pastorius, gitarristen Pat Metheny, gitarristen Ralph Towner. Men populariteten för fusion, som uppstod i slutet av 60-talet och blev populär på 70-talet, minskade snabbt, och idag är denna stil en helt kommersiell produkt, som förvandlas till smooth jazz ("smoothed jazz") - bakgrundsmusik där rytmer och melodiska linjer gav plats för improvisationer. Smooth jazz representeras av George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman och andra.

På 70-talet ockuperades en separat nisch av världsjazz ("världens musik") - en speciell fusion som erhölls som ett resultat av fusionen av den så kallade "världsmusiken" (etnisk musik, främst från tredje världens länder) och jazz. Det är karakteristiskt att man i denna stil lagt lika stor vikt vid både den gamla jazzskolan och den etniska strukturen. Känd för till exempel motiven folkmusik Latinamerika(endast solot improviserades, ackompanjemanget och kompositionen förblev desamma som i etnomusik), Mellanösternmotiv (Dizzy Gillespie, Keith Jarretts kvartetter och kvintetter), indiska musikmotiv (John McLaughlin), Bulgarien (Don Ellis) och Trinidad ( Andy Narell).

Om 60-talet blev eran för att blanda jazz med rock och etnisk musik, så bestämde sig musikerna på 70- och 80-talen igen för att börja experimentera. Modern funk har sina rötter i denna period, med ackompanjatörer som spelar svart popsoul och funkmusik, medan omfattande soloimprovisationer är mer kreativa och jazziga. Framstående representanter för denna stil var Grover Washington Jr., medlemmar av The Crusaders Felder Wilton och Joe Semple. Därefter resulterade alla innovationer i ett bredare utbud av jazzfunk, vars lysaste representanter var Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics.

Också surjazz ("syrajazz") började gradvis dyka upp på scenen, som kännetecknas av lätthet och "dans". Ett utmärkande drag för musikernas framträdanden är ackompanjemanget av prover tagna från vinylskator. Den allestädes närvarande Miles Davis blev återigen pionjären inom acid jazz, och Derek Bailey började representera den mer radikala flygeln av avantgardeplanen. I USA har termen "syrajazz" praktiskt taget ingen popularitet: där kallas sådan musik för groovejazz och klubbjazz. Toppen av acidjazzens popularitet kom under första hälften av 90-talet, och på "nollan" började stilens popularitet sjunka: ny jazz kom att ersätta acidjazzen.

När det gäller Sovjetunionen anses pianisten och kompositören Alexander Tsfasmans Moskva-orkester vara den första professionella jazzensemblen som uppträdde på radio och spelade in en skiva. Före honom fokuserade unga jazzband främst på framförandet av dansmusik från dessa år - foxtrot, Charleston. Tack vare Leningrad-ensemblen ledd av skådespelaren och sångaren Leonid Utyosov och trumpetaren Ya. B. Skomorovsky kom jazzen till stora webbplatser Sovjetunionen är redan på 30-talet. Komedin "Merry Fellows" med deltagande av Utyosov, filmad 1934 och berättade om en ung jazzmusiker, hade ett motsvarande soundtrack av Isaac Dunayevsky. Utyosov och Skomorovsky skapade en speciell stil som kallas te-jazz ("teatral jazz"). Eddie Rosner, som flyttade från Europa till Sovjetunionen och blev en populariserare av swing, tillsammans med Moskva-band från 30- och 40-talen, gjorde sitt bidrag till utvecklingen av jazz i Sovjetunionen. under ledning av Alexander Tsfasman och Alexander Varlamov.

Regeringen själv i Sovjetunionen var ganska tvetydig om jazz. Det fanns inget officiellt förbud mot framförande av jazzlåtar och distribution av jazzskivor, men det fanns kritik mot denna musikstil i ljuset av förkastandet av västerländsk ideologi i allmänhet. Redan på 40-talet var jazzen tvungen att gå under jorden på grund av den förföljelse som hade börjat, men redan i början av 60-talet, med tillkomsten av Chrusjtjovs "upptining", kom jazzmännen ut igen. Kritiken mot jazzen upphörde dock inte redan då. Därmed återupptog Eddie Rozners och Oleg Lundstrems orkestrar sin verksamhet. Nya kompositioner dök också upp, bland vilka orkestrarna av Joseph Weinstein (Leningrad) och Vadim Ludvikovsky (Moskva), samt Riga Variety Orchestra (REO), stack ut. Talangfulla arrangörer och soloimprovisatörer intar också scenen: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Kammar- och klubbjazz utvecklas, vars anhängare är Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridmasyan, Andrey I Togor Bril och Leonid Chizhik. Den sovjetiska och sedan ryska jazzens mecka var Blue Bird-klubben, som existerade från 1964 till 2009 och fostrade musiker som bröderna Alexander och Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko och andra.

I "noll" hittade jazzen ett nytt andetag, och den snabba spridningen av Internet fungerade som en kolossal drivkraft inte bara för kommersiellt framgångsrika inspelningar, utan också för undergroundartister. Idag kan vem som helst gå på den galne experimenteraren John Zorns konserter och den "luftiga" jazzpopsångerskan Cathy Malua, en invånare i Ryssland kan vara stolt över Igor Butman, och en kuban kan vara stolt över Arturo Sandoval. Dussintals stationer dyker upp på radion och sänder jazz i alla dess former. Utan tvekan har 2000-talet satt allt på sin plats och gett jazzen den plats där den borde vara – på en piedestal, tillsammans med andra klassiska stilar.