De viktigaste strömningarna och riktningarna för den nya eran av estetik. Estetikens historia: Moderna tiders estetik

Skicka ditt goda arbete i kunskapsbasen är enkelt. Använd formuläret nedan

Studenter, doktorander, unga forskare som använder kunskapsbasen i sina studier och arbete kommer att vara er mycket tacksamma.

Postat på http://allbest.ru

estetisk skönhetskonst

Introduktion

1. Estetik som filosofisk vetenskap

2. Estetiska idéer hos folken i det antika östern

3. Antik estetisk tanke

4. Medeltidens estetik

5. Renässansens estetiska läror

6. Den nya tidens estetik

7. Estetiska idéer om tysk klassisk filosofi

8. Icke-klassiska begrepp inom västeuropeisk estetik

Introduktion

Möjligheten att komma i kontakt med det mänskliga ödet med skönhet är en av de mest fantastiska möjligheterna som kan avslöja den sanna glädjen att kommunicera med världen, tillvarons storhet. Men denna chans som ges genom att vara förblir ofta outtagna, missad. Och livet blir vanligt grått, monotont, oattraktivt. Varför händer det här?

Beteendet hos naturliga varelser är förutbestämt av strukturen hos deras organism. Så varje djur föds in i världen redan utrustad med en uppsättning instinkter som säkerställer anpassningsförmåga till miljön. Djurens beteende är hårdkodat, de har "meningen" med sina egna liv.

En person har inte denna medfödda beteendesäkerhet på grund av att varje individ innehåller möjligheten till obegränsad (både positiv och negativ) utveckling. Detta förklarar den outtömliga mängden olika typer av individuellt beteende, varje individs oförutsägbarhet. Som Montaigne noterade finns det färre likheter mellan två representanter för mänskligheten än mellan två djur.

Med andra ord, när en individ föds hamnar han omedelbart i en osäker situation för sig själv. Trots de rikaste böjelserna berättar hans gener inte hur du ska bete dig, vad du ska sträva efter, vad du ska undvika, vad du ska älska i den här världen, vad du ska hata, hur du skiljer sann skönhet från falsk, etc. Gener är tysta om det viktigaste, att anpassa sig till alla beteenden. Hur kommer en person att hantera sina förmågor? Kommer skönhetens ljus att blinka i hans sinne? Kommer han att kunna motstå trycket från den fula basen?

Det var den vackras attraktionskraft, och samtidigt en persons önskan att övervinna basens destruktiva inflytande, som blev en av de viktigaste anledningarna till framväxten av en speciell skönhetsvetenskap.

För att förstå den växande relevansen av estetiska frågor är det nödvändigt att uppmärksamma hela raden egenskaper hos den tekniska utvecklingen. Det moderna samhället står inför den farligaste trenden i mänsklighetens hela historia: motsättningen mellan den globala karaktären av vetenskapliga och tekniska start och begränsningarna i det mänskliga medvetandet, vilket kan leda till en allmän katastrof.

I början av 1900-talet hade kolossala andliga, vetenskapliga och tekniska erfarenheter ackumulerats. Idéerna om humanism, vänlighet, rättvisa och skönhet var allmänt erkända. Alla former av ondska avslöjades och ett helt andligt universum bildades, som odlade skönhet.

Men världssamfundet har inte blivit klokare, mer harmoniskt och mer humant. Vice versa. Civilisationen på 1900-talet visade sig vara inblandad i de mest massiva brotten och replikerade bastyper av existens. Många fula sociala omvälvningar, extrema manifestationer av meningslös grymhet under hela 1900-talet förstörde tron ​​på människan, en optimistisk bild av personlighet. Det var trots allt under denna period som miljontals människor förstördes. Till synes orubbliga pelare av månghundraåriga kulturella värden raderades från jordens yta.

En av det senaste århundradets mest märkbara tendenser är kopplad till förvärringen av den tragiska världsbilden. Även i ekonomiskt stabila länder ökar antalet självmord stadigt, miljontals människor lider olika former depression. Upplevelsen av personlig harmoni blir ett bräckligt, ostadigt, ganska sällsynt tillstånd, dit det är allt svårare att bryta igenom i strömmen av universellt mänskligt kaos.

Reflektioner över den mänskliga existensens slumpmässighet, osäkerhet, kaotiska natur, tillväxten av skepticism i förhållande till sökandet efter tillförlitliga semantiska riktlinjer och upptäckten av sann skönhet blir kulturens dominerande motiv.

Varför är människans rörelse i tid och rum så tragisk? Är det möjligt att övervinna växande störande symtom i mänskligt liv? Och, viktigast av allt, på vilka vägar finns hållbar harmoni?

Den vanligaste psykiska sjukdomen är att falla ur skönhetens värld. Faktum är att en person ganska ofta söker lycka genom att bemästra det yttre rummet, söka rikedom, makt, berömmelse, fysiologiska nöjen. Och på denna väg kan han nå vissa höjder. Men de kan inte övervinna ihållande ångest, ångest, eftersom tron ​​på den obegränsade makten av pengar, makt är för stor, och som ett resultat, djup kontakt med den heliga grunden för att vara - Skönhet är förlorad.

Och i denna mening kan estetik som vetenskap om skönhet, om den outtömliga rikedomen och paradoxala karaktären av dess yttringar i världskulturen bli den viktigaste faktorn i individens humanisering. Och därför är estetikens huvuduppgift att avslöja det vackras allomfattande fenomenalitet, att underbygga sätten att harmonisera en person för att rota honom i en värld av ofrånkomlig skönhet och kreativitet. Som F.M. Dostojevskij, "estetik är upptäckten av vackra ögonblick i den mänskliga själen av samma person för självförbättring."

1. Eestetik som filosofisk vetenskap

Estetik är ett kunskapssystem om de mest allmänna egenskaperna och lagarna för utveckling av vackra och fula, sublima och basala, tragiska och komiska fenomen av verkligheten och egenskaperna hos deras reflektion i det mänskliga sinnet. Estetik är en filosofisk vetenskap, som är kopplad till lösningen av filosofins huvudfråga. Inom estetiken framstår det som en fråga om förhållandet mellan det estetiska medvetandet och verkligheten.

Ämnet estetik

Det bildades i processen med flera hundra år gammal utveckling av estetisk tanke, på grundval av en generalisering av praktiken av människors estetiska inställning till produkterna av deras verksamhet, till konstverk, till naturen, till människan själv. Många av de frågor som estetiken utforskar idag har sysselsatt mänskligheten under lång tid; de sattes framför sig själva av de gamla grekerna, och inför grekerna tänkte tänkarna från Egypten, Babylon, Indien och Kina på dem.

Men vetenskapens namn - estetik - introducerades i omlopp först i mitten av 1700-talet av den tyske filosofen Baumgarten. Före honom övervägdes frågor om estetik inom ramen för allmänna filosofiska begrepp som deras organiska del. Och bara denne tyska upplysningsman pekade ut estetiken inom filosofins ramar som en självständig disciplin som intar en plats bredvid andra filosofiska discipliner – logik, etik, epistemologi och så vidare. Baumgarten härledde termen "estetik" från ett antikt grekiskt ord som betyder "angående det förnuftiga". Följaktligen är hans estetik vetenskapen om sensorisk perception. Ämnet estetik, och därmed innehållet i detta koncept, har ständigt förändrats sedan dess. Idag är ämnet för denna vetenskap: för det första, det estetiska, det vill säga det mesta Generella egenskaper, sidor inneboende i olika estetiska objekt av verkligheten; för det andra arten av reflektionen av dessa fenomen i det mänskliga sinnet, i estetiska behov, uppfattningar, idéer, ideal, åsikter och teorier; för det tredje, karaktären av människors estetiska verksamhet som en process för att skapa estetiska värden.

Kärnan och specificiteten i den estetiska inställningen till världen

Det estetiska förhållandet är subjektets andliga förbindelse med objektet, baserat på en ointresserad önskan om det senare och åtföljd av en känsla av djup andlig njutning av att kommunicera med honom.

Estetiska objekt uppstår i processen för sociohistorisk praktik: initialt spontant och sedan i enlighet med de framväxande estetiska känslorna, behoven, idéerna, i allmänhet människors estetiska medvetande. Guidad av den bildar en person naturens "substans" enligt lagarna för estetisk aktivitet. Som ett resultat av detta framstår de föremål han skapat, till exempel verktyg, som en enhet av de naturliga och sociala aspekterna, en enhet som, eftersom den är ett estetiskt värde, kan tillfredsställa inte bara de materiella, utilitaristiska utan också de andliga behoven. Av människor.

Samtidigt kan samma föremål i ett avseende visa sig vara estetiskt värdefullt, till exempel vackert, och i ett annat - estetiskt antivärdigt. Till exempel kan en person som föremål för estetisk attityd ha en vacker röst och ett fult utseende. Dessutom kan samma estetiska föremål vara både värdefullt och antivärdigt i samma avseende, men vid olika tidpunkter. Att ett estetiskt föremål har en relativ estetisk betydelse bevisas också av den polära karaktären hos de estetiska huvudkategorierna (vackert och fult, sublimt och basalt, tragiskt och komiskt).

Estetikens problemområde och metodologiska bas

Ett av de moderna förhållningssätten till att betrakta ämnet estetik som en vetenskap är att det problematiska området estetik inte är en speciell sfär av fenomen, utan hela världen betraktad från en viss vinkel, alla fenomen tagna i ljuset av uppgiften att detta vetenskapen löser. Huvudfrågorna för denna vetenskap är estetikens natur och dess mångfald i verkligheten och i konsten, principerna för människans estetiska inställning till världen, konstens väsen och lagar. Estetik som vetenskap uttrycker systemet av estetiska syn på samhället, som sätter sin prägel på hela ansiktet av människors materiella och andliga aktivitet.

Först och främst handlar det om ståndpunkten att estetiska fenomen måste betraktas i sin slutliga kvalitet, holistiskt. Det är trots allt i en holistisk, slutgiltig kvalitet som enheten i den objektiva och subjektiva betingningen av estetiska fenomen manifesteras.

Implementeringen av denna metodologiska princip börjar med upptäckten av de genetiska rötterna till estetiska fenomen. Den genetiska synvinkeln är den ursprungliga metodologiska principen för estetik. Den förklarar hur estetiska fenomen (till exempel konst) bestäms av verkligheten, såväl som av originaliteten hos författarens personlighet. Den genetiska synvinkeln är den huvudsakliga metodologiska principen för estetik, tack vare vilken subjekt-objekt-naturen hos estetiska fenomen beaktas.

Estetisk teoris uppbyggnad

Det estetiska förhållandet mellan en person och verkligheten är mycket mångsidigt och mångsidigt, men de manifesteras tydligast i konsten. Konst är också ämne för de så kallade konsthistoriska vetenskaperna (litteraturkritik, musikvetenskap, konsthistoria och teori, teatervetenskap etc.). Konsthistoria består av olika vetenskaper (historia och teori). vissa typer konst). Komplexet av teorier om enskilda typer av konst och teoretisk kunskap relaterad till konst, kallar vissa estetiker den allmänna teorin om konst och skiljer den från den egentliga estetiken.

De konsthistoriska grenarna av vetenskapen fyller funktionen av vetenskapliga hjälpdiscipliner i förhållande till estetik. Estetikens hjälpdiscipliner slutar dock inte där. Samma vetenskapliga hjälpdiscipliner i förhållande till den är till exempel konstens sociologi, konstens psykologi, epistemologi, semantik och så vidare. Estetik använder rönen från många vetenskapliga discipliner, utan att vara identisk med dem. Därför, på grund av dess generaliserande natur, kallas estetik en filosofisk vetenskap.

Det specifika förhållandet mellan estetik och konst visar sig tydligt i konstkritiken. Estetik är den teoretiska grunden för kritik; hjälper henne att korrekt förstå problemen med kreativitet och lägga fram aspekter som är förenliga med konstens betydelse för en person och ett samhälle. På grundval av sina slutsatser och principer, utifrån etablerade mönster, ger estetik kritiken möjlighet att skapa utvärderingskriterier, utvärdera kreativitet i termer av aktuella krav relaterade till utvecklingen av sociala och värdemässiga aspekter.

2. Estetiska idéer hos folken i det antika östern

Traditionalism av antika österländska kulturer

Övergången från det primitiva kommunala systemet till den slavägande formationen ledde till bildandet av ett antal mäktiga civilisationer i öst med en hög nivå av materiell och andlig kultur.

Detaljerna för utvecklingen av antika österländska kulturer inkluderar en sådan funktion som en djup traditionalism. Vissa tidiga idéer och idéer levde ibland i kulturerna i öster under många århundraden och till och med årtusenden. Under en lång tid av existensen av de antika kulturerna i öst gällde utvecklingen individuella nyanser av vissa idéer, och deras grund förblev oförändrad.

Forntida Egypten

Egyptierna nådde stora framgångar inom området astronomi, matematik, ingenjörs- och konstruktionsvetenskap, medicin, historia, geografi. Skriftens tidiga uppfinning bidrog till framväxten av originalexempel på mycket konstnärlig forntida egyptisk litteratur. Konstens utveckling och dess hedervärda plats i den egyptiska kulturen skapade grunden för uppkomsten av de första estetiska bedömningarna som registrerats i skriftliga källor. De senare vittnar om att de gamla egyptierna hade en högt utvecklad känsla för skönhet, skönhet (nefer). Ord "nefer" gick in i den officiella titeln för faraonerna.

Det antika Egypten anses vara födelseplatsen för ljusets religion och ljusets estetik. Det gudomliga solljuset vördades som det högsta godan och den högsta skönheten bland de gamla egyptierna. Ljus och skönhet har identifierats i egyptisk kultur sedan urminnes tider. Kärnan i gudomlig skönhet reducerades ofta till strålglans.

En annan aspekt av skönhet, inneboende i nästan alla antika österländska kulturer, är den höga estetiska uppskattningen av ädla metaller. Guld, silver, elektr, lapis lazuli i egyptiernas förståelse var det vackraste av material. På grundval av de gamla egyptiernas idéer om skönhet och det vackra, bildades färg. kanon egyptier. Den innehöll enkla färger: vit, röd, grön. Men egyptierna uppskattade särskilt färgerna guld och lapis lazuli. "Guld" fungerade ofta som en synonym för "vacker".

Egypternas konstnärliga tänkande från antiken, som ett resultat av lång praktik, utvecklade ett utvecklat system av kanoner: kanon av proportioner, färgkanon, den ikonografiska kanon. Här har kanonen blivit den viktigaste estetiska principen som bestämmer konstnärens kreativa aktivitet. Kanonen spelade en viktig roll i de forntida egyptiska mästarnas arbete och styrde deras kreativa energi. Den konstnärliga effekten i kanonisk konst uppnåddes på grund av den lilla variationen av former inom det kanoniska systemet.

Egyptierna uppskattade matematiken och tillämpade dess lagar på nästan alla områden av deras verksamhet. För de sköna konsterna utvecklade de ett system för harmonisk bildproportionering. Modulen för detta system var ett numeriskt uttryck "gyllene snitt"-- talet 1,618... Eftersom proportionerna var av universell karaktär, spred sig till många områden inom vetenskap, filosofi och konst, och av egyptierna själva uppfattades som en återspegling av universums harmoniska struktur, ansågs de vara heliga .

Gamla Kina

Kinesiska estetiska tankar identifierades först tydligt bland filosoferna på 600 - 300-talen f.Kr. e. Estetiska begrepp och termer, såväl som de viktigaste bestämmelserna i estetisk teori, utvecklades i gamla Kina utifrån filosofisk förståelse av naturens och samhällets lagar.

Bland de många skolorna och riktningarna hörde en speciell plats till Taoism Och Konfucianism . Dessa två läror spelade en ledande roll i antiken och hade ett avgörande inflytande på all efterföljande utveckling. kinesisk kultur. Både taoismen och konfucianismen var angelägna om sökandet efter ett socialt ideal, men riktningen för deras sökande var helt annorlunda. Den centrala delen av taoismen var läran om världen. Allt annat - läran om samhället och staten, kunskapsteorin, konstteorin (i dess antika form) - utgick från läran om världen. I centrum för den konfucianska filosofin var en person i sina PR, en person som grunden för orubbligt lugn och ordning, en idealisk samhällsmedlem. Med andra ord, inom konfucianismen har vi alltid att göra med ett etiskt och estetiskt ideal, medan det för taoismen inte finns något vackrare än kosmos och naturen, och samhället och människan är så vackra som de kan bli som skönheten i den objektiva världen . Konfucius och hans anhängares estetiska åsikter utvecklades i linje med deras sociopolitiska teori. Själva termen "vacker" (Maj) i Confucius är det en synonym för "bra", eller det betyder helt enkelt till det yttre vackert. I allmänhet är Konfucius estetiska ideal en syntetisk enhet av det vackra, det goda och det nyttiga.

3. Antik estetisk tanke

Antikens estetik är en estetisk tanke som utvecklades i antikens Grekland och Rom från 600-talet f.Kr. till 600-talet e.Kr. Med mytologiska idéer som källa, föds den antika estetiken, blomstrar och avtar inom ramen för den slavägande formationen, vilket är ett av de mest slående uttrycken för den tidens kultur.

Följande perioder urskiljs i den antika estetikens historia: 1) tidiga klassiker eller kosmologisk estetik (VI-V århundraden f.Kr.); 2) medelklassiker eller antropologisk estetik (400-talet f.Kr.); 3) höga (mogna) klassiker eller eidologisk estetik (V-IV århundraden f.Kr.); 4) tidig hellenism (IV-I århundraden f.Kr.); 5) sen hellenism (I-VI århundraden e.Kr.).

Kosmologi som grund för antik estetik

För estetiska idéer, liksom för hela antikens världsbild, är en betonad kosmologi utmärkande. Kosmos, ur forntidens synvinkel, fungerade som förkroppsligandet av skönhet, även om det var rumsligt begränsat, men kännetecknat av harmoni, proportion och regelbundenhet i rörelsen i det. Konst under den tidiga perioden av det antika tänkandet var ännu inte skild från hantverket och fungerade inte som ett estetiskt objekt från slut till ände. För den antika greken var konst en produktion och teknisk verksamhet. Därav den oupplösliga enheten i den praktiska och rent estetiska inställningen till föremål och företeelser. Det är inte för inte som själva ordet som grekerna uttrycker begreppet konst, "techne", har samma rot som "tikto" - "jag föder", så att "konst" är på grekiska "generation" eller material skapande av en sak från sig själv samma, men nya saker.

förklassisk estetik

I sin renaste och mest direkta form bildades den antika estetiken, förkroppsligad i mytologin, i det primitiva kommunala bildningsstadiet. Slutet av II och de första århundradena av I-millenniet f.Kr. e. var i Grekland en period av episk kreativitet. Grekiskt epos, som är nedtecknat i dikter Homer Iliaden och Odysséen fungerar bara som källan från vilken antik estetik började.

För Homeros var skönhet en gudom och huvudkonstnärerna var gudarna. Inte bara var gudarna de kosmiska principerna som låg till grund för kosmos som ett konstverk, utan det var de också för mänsklig kreativitet. Apollo and the Muses inspirerade sångare, och i den homeriska sångarens verk ledande roll det var inte sångaren själv som spelade, utan gudarna, framför allt Apollon och muserna.

Skönhet skapades av Homeros i form av den tunnaste, genomskinliga, lysande materia, i form av någon form av strömmande, levande ström. Skönhet fungerade som en slags lätt luftig strålglans, som kan omsluta, klä föremål. Begåvning, omslutande av skönhet är yttre. Men det fanns också en inre begåvning. Det är framför allt inspirationen från de homeriska sångarna och Homer själv.

Antikens speciella estetiska läror

Det fanns flera sådana doktriner, om vilka problem många gamla författare försökte uttrycka sig.

Kalokagatiya ("Kalos" - vacker, "agatos" - bra, moraliskt perfekt) - ett av begreppen i antik estetik, som betecknar harmonin mellan det yttre och inre, vilket är ett villkor för individens skönhet. Begreppet "kalokagatia" tolkades olika i olika perioder av den sociohistoriska utvecklingen av det antika samhället, beroende på typerna av tänkande. Pythagoranerna förstod det som det yttre beteendet hos en person, bestämt av inre egenskaper. Den uråldriga aristokratiska förståelsen av "kalokagatia" är inneboende hos Herodot, som ansåg det i samband med prästerliga traditioner, Platon, som förknippade det med militär skicklighet, "naturliga" egenskaper eller med generiska egenskaper. Med utvecklingen av den antika individuella ekonomin började termen "kalokagatia" användas för att beteckna praktiska och flitiga ägare, och inom det politiska livets sfär användes det (som ett substantiv) på moderata demokrater. I slutet av 500-talet f.Kr. e. med tillkomsten av sofistik började termen "kalokagatiya" användas för att karakterisera lärande och utbildning. Platon och Aristoteles förstod kalokagatiya filosofiskt - som harmonin mellan inre och yttre, och med inre förstod de visdom, vars genomförande i livet ledde en person till kalokagatiya. Med utvecklingen av individualism och psykologism under hellenismens era började kalokagatiya inte tolkas som en naturlig kvalitet, utan som ett resultat av moraliska övningar och träning, vilket ledde till dess moralistiska förståelse.

Catharsis (rening) - en term som tjänade till att beteckna ett av de väsentliga ögonblicken av konstens estetiska inverkan på en person. Pytagoreerna utvecklade teorin om att rena själen från skadliga passioner genom att utsätta den för speciellt utvald musik. Platon förknippade inte katarsis med konsten, förstod det som en rening av själen från sensuella strävanden, från allt kroppsligt, vilket fördunklade och förvrängde idéernas skönhet. Egentligen gavs den estetiska förståelsen av katharsis av Aristoteles, som skrev att under påverkan av musik och sånger är lyssnarnas psyke upphetsad, starka effekter (medlidande, rädsla, entusiasm) uppstår i det, som ett resultat av vilket lyssnare "får ett slags rening och lättnad förknippad med njutning ..." . Han pekade också på tragedins katartiska effekt och definierade den som en speciell sorts "imitation genom handling, inte berättelse, som genom medkänsla och rädsla renar sådana affekter."

Mimesis (imitation, reproduktion) - i antik estetik, den grundläggande principen för konstnärens kreativa verksamhet. Med utgångspunkt från det faktum att all konst är baserad på mimesis, tolkade antikens tänkare själva kärnan i detta koncept på olika sätt. Pytagoreerna trodde att musik imiterar "de himmelska sfärernas harmoni", Demokrit var övertygad om att konst i dess vidaste bemärkelse (som en produktiv mänsklig kreativ aktivitet) kommer från imitation av människan av djur (vävning - från imitation av en spindel, hus -bygga - en svala, sjunga - fåglar, etc.). Platon trodde att imitation är grunden för all kreativitet. Den egentliga estetiska teorin om mimesis tillhör Aristoteles. Det inkluderar både en adekvat återspegling av verkligheten (skildringen av saker som "de var och är") och aktiviteten av kreativ fantasi (deras skildring som "de talas om och tänker på dem") och idealiseringen av verkligheten (deras skildring som sådan, "vad de borde vara). Syftet med mimesis i konsten, enligt Aristoteles, är förvärvet av kunskap och exciteringen av en känsla av njutning från reproduktion, kontemplation och kognition av ett objekt.

4. Medeltidens estetik

Grundläggande principer

Medeltida estetik är en term som används i två betydelser, bred och smal. I ordets breda bemärkelse är medeltida estetik estetiken i alla medeltida regioner, inklusive Västeuropas estetik, bysantinsk estetik, gammalrysk estetik och andra. I snäv mening är medeltida estetik Västeuropas estetik under 400-1300-talen. I den senare urskiljs två kronologiska huvudperioder - tidig medeltid (400-1000-tal) och senmedeltid (1100 - 1300-tal), samt två huvudområden - filosofisk och teologisk och konsthistoria. Den första perioden av medeltida estetik kännetecknas av en skyddande position i förhållande till det antika arvet. Under senmedeltiden uppträdde särskilda estetiska avhandlingar som en del av stora filosofiska och religiösa koder (de så kallade "summorna"), det teoretiska intresset för estetiska problem, vilket är särskilt karakteristiskt för tänkarna under XII - XIII århundradena.

Medeltidens stora kronologiska period i väst korrelerar med feodalismens socioekonomiska utformning. Samhällets hierarkiska struktur återspeglas i den medeltida världsbilden i form av idén om den så kallade himmelska hierarkin, som finner sin fullbordan i Gud. Naturen visar sig i sin tur vara en synlig manifestation av den översinnliga principen (Gud). Idéer om hierarki är symboliska. Separata synliga, sensuella fenomen uppfattas endast som symboler för den "osynlige, outsägliga Guden". Världen var tänkt som ett system karaktärshierarki.

Bysantinsk estetik

År 324-330 grundade kejsar Konstantin Romarrikets nya huvudstad på platsen för en liten gammal stad i Bysans - Konstantinopel. Något senare splittrades Romarriket i två delar - västra och österländska. Konstantinopel blev den senares huvudstad. Sedan den tiden är det vanligt att överväga historien om den bysantinska kulturen, som existerade inom ramen för en enda stat fram till 1453.

Bysantinsk estetik, efter att ha absorberat och omarbetat många på sitt eget sätt estetiska idéer antiken, ställde och försökte lösa ett antal nya, betydelsefulla för historien om estetiska problem. Bland dem bör man peka på utvecklingen av sådana kategorier som bilden, symbolen, kanonen, nya modifieringar av det vackra, uppkomsten av ett antal frågor relaterade till den specifika analysen av konst, i synnerhet analysen av konstuppfattningen. och tolkningen av konstverk, liksom förskjutningen i tyngdpunkten till den psykologiska sidan av estetiska kategorier. De betydande problemen med denna estetik inkluderar att ställa frågan om konstens roll i det allmänna filosofiska och religiösa systemet för att förstå världen, dess epistemologiska roll och några andra problem.

"Absolut skönhet" är målet för bysantinernas andliga strävanden. En av vägarna till detta mål såg de i det "vackra" materiell värld, för i honom och genom honom är alltings "skyldige" känd. Bysantinernas inställning till "jordisk skönhet" är dock ambivalent och inte alltid bestämd.

Å ena sidan hade bysantinska tänkare en negativ inställning till sensuell skönhet, som orsaken till syndiga tankar och köttslig lust. Å andra sidan värderade de högt det vackra i den materiella världen och i konsten, eftersom det i deras förståelse fungerade som en "uppvisning" och en manifestation av gudomlig absolut skönhet på nivån av empiriskt väsen.

Bysantinska tänkare kände också till den polära kategorin av det vackra - det fula och försökte definiera det. Brist på skönhet, ordning, oproportionerlig blandning av olika föremål - allt detta är indikatorer på det fula, "eftersom fulhet är underlägsenhet, brist på form och kränkning av ordningen."

För bysantinska tänkare hade "vacker" (i naturen och i konsten) inget objektivt värde. Endast den gudomliga "absoluta skönheten" ägde den. Det vackra var betydelsefullt för dem varje gång endast i dess direkta kontakt med ett specifikt perceptionsämne. I första hand i bilden var dess psykologiska funktion - att organisera på ett visst sätt inre tillstånd person. "Vackert" var bara ett sätt att bilda en mental illusion av att förstå den supervackra, "absoluta skönheten".

Tillsammans med skönhet och skönhet presenterade den bysantinska estetiken en annan estetisk kategori, som ibland sammanfaller med dem, men i allmänhet har en självständig betydelse - ljus. Om man antar ett nära förhållande mellan Gud och ljus, anger bysantinerna det i förhållandet "ljus - skönhet".

Tidig medeltid

Västeuropeisk medeltida estetik var starkt influerad av den kristna tänkaren Aurelius Augustinus . Augustinus identifierade skönhet med form, frånvaron av form med fulhet. Han trodde att absolut ful inte existerar, men det finns föremål som, i jämförelse med mer perfekt organiserade och symmetriska, saknar form. Det fula är bara en relativ ofullkomlighet, den lägsta graden av skönhet.

Augustinus lärde att en del som är vacker som en del av helheten, som slits bort från den, förlorar sin skönhet, tvärtom, det fula blir vackert i sig självt, går in i den vackra helheten. De som ansåg att världen var ofullkomlig, liknade Augustinus vid människor som tittar på en mosaikkub, istället för att begrunda hela kompositionen och njuta av skönheten hos stenar kopplade till en enda helhet. Endast en ren själ kan förstå universums skönhet. Denna skönhet är en återspegling av "gudomlig skönhet". Gud är den högsta skönheten, arketypen för materiell och andlig skönhet. Ordningen som råder i universum är skapad av Gud. Denna ordning manifesteras i mått, enhet och harmoni, eftersom Gud "ordnade allt efter mått, antal och vikt".

I nästan ett årtusende var verken av Augustinus en av de främsta ledare för antik platonism och nyplatonism i västeuropeisk medeltida estetik, de lade grunden till medeltida religiös estetik, förstod sätten att använda konst i kyrkans tjänst.

Sen medeltid

De så kallade "summorna" blir ett exempel på skolastiskt filosoferande på 1200-talet, där presentationen genomförs i följande ordning: problemformulering, presentation av olika åsikter, författarens lösning, logiska bevis, vederläggning av möjliga och faktiska invändningar. Enligt denna princip byggs också "Teologins summa". Thomas av Aquino , varav vissa delar ägnas åt estetik.

Aquinas definierade skönhet som det som ger njutning genom sitt utseende. Skönhet kräver tre villkor:

1) helhet eller perfektion,

2) vederbörlig proportion eller konsonans

3) klarhet, på grund av vilka föremål som har en lysande färg kallas vackra. Klarhet finns i själva skönhetens natur. Samtidigt betyder "klarhet" inte så mycket fysisk utstrålning som klarhet i uppfattningen, och närmar sig därmed sinnets klarhet.

Skönhet och gott särskiljs inte riktigt, eftersom Gud, enligt hans uppfattning, är både absolut skönhet och absolut god, men bara i konceptet. En välsignelse är något som tillfredsställer en önskan eller behov. Därför hänger det ihop med begreppet mål, eftersom begär är en sorts rörelse mot ett objekt.

Skönhet kräver något mer. Det är en sådan bra, själva uppfattningen om vilken ger tillfredsställelse. Eller, med andra ord, begär finner tillfredsställelse i själva kontemplationen eller förståelsen av en vacker sak. Estetisk njutning är nära relaterad till kognition. Det är därför, för det första, de förnimmelser som är mest kognitiva, nämligen visuella och auditiva, är relaterade till estetisk perception. Syn och hörsel är nära förbundna med sinnet och kan därför uppfatta skönhet.

"Ljus" var en viktig kategori av all medeltida estetik. Ljussymbolik utvecklades aktivt. "Ljusets metafysik" var grunden på vilken skönhetsläran vilade under medeltiden. Claritas i medeltida avhandlingar betyder ljus, utstrålning, klarhet och ingår i nästan alla definitioner av skönhet. Skönhet för Augustinus är sanningens utstrålning. För Aquinas betyder det vackras ljus "utstrålningen av en tings form, vare sig det är ett konstverk eller natur ... på ett sådant sätt att det uppenbarar sig för honom i hela dess fullkomlighets fullhet och rikedom och beställa."

Medeltida tänkares uppmärksamhet på människans inre värld är särskilt tydligt och fullständigt manifesterad i deras utveckling av problemen med musikalisk estetik. Samtidigt är det viktigt att själva den musikaliska estetikens problem är ett slags "borttagen" modell av universella begrepp av allmän filosofisk betydelse.

Medeltida tänkare sysslade mycket med uppfattningen om skönhet och konst och uttryckte ett antal bedömningar som är intressanta för estetikens historia.

5. Renässansens estetiska läror

Tidens övergångskaraktär, dess humanistiska inriktning och ideologiska innovationer

I renässansen finns: Proto-renässans (ducento och trecento, 12-13 - 13-14 århundraden), tidig renässans (quattrocento, 14-15 århundraden), högrenässans (cinquecento, 15-16 århundraden).

Renässansens estetik är förknippad med den storslagna revolution som äger rum inom alla områden av det offentliga livet: inom ekonomi, ideologi, kultur, vetenskap och filosofi. Vid den här tiden, blomstringen av urban kultur, de stora geografiska upptäckterna, som oerhört utökade människans horisonter, övergången från hantverk till manufaktur.

Utvecklingen av produktivkrafterna, upplösningen av feodala klassförhållanden som hämmade produktionen, leder till individens befrielse, skapar förutsättningar för dess fria och universella utveckling.

Gynnsamma förhållanden för individens omfattande och universella utveckling skapas inte bara på grund av upplösningen av det feodala produktionssättet, utan också på grund av kapitalismens otillräckliga utveckling, som fortfarande var i början av dess bildande. Denna dubbla, övergångskaraktär hos renässansens kultur i förhållande till de feodala och kapitalistiska produktionssätten måste beaktas när man överväger de estetiska idéerna från denna tid. Renässansen är inte ett tillstånd, utan en process, och dessutom en process av övergångskaraktär. Allt detta återspeglas i världsbildens natur.

Under renässansen sker en radikal brytning av det medeltida systemet av syn på världen och bildandet av en ny, humanistisk ideologi. I vid bemärkelse är humanism ett historiskt föränderligt system av åsikter som erkänner värdet av en person som person, hans rätt till frihet, lycka, utveckling och manifestation av sina förmågor, med hänsyn till en persons bästa som ett kriterium för att bedöma sociala institutioner, och principerna om jämlikhet, rättvisa, mänsklighet som en önskad norm för relationer mellan människor. I snäv mening är det en kulturell rörelse från renässansen. Alla former av italiensk humanism hänvisar inte så mycket till renässansens estetiks historia som till estetikens sociopolitiska atmosfär.

Grundläggande principer för renässansens estetik

Först och främst är nyheten i denna era främjandet av skönhetens företräde, och dessutom sensuell skönhet. Gud skapade världen, men hur vacker den här världen är, hur mycket skönhet det finns i mänskligt liv och i människokroppen, i det levande uttrycket av det mänskliga ansiktet och i den mänskliga kroppens harmoni!

Till en början gör konstnären liksom också Guds verk och enligt Guds vilja själv. Men, förutom att konstnären måste vara lydig och ödmjuk, måste han vara utbildad och bildad, han måste förstå mycket inom alla vetenskaper, inklusive filosofi. Den allra första läraren för konstnären bör vara matematik, som syftar till noggrann mätning av den nakna människokroppen. Om antiken delade den mänskliga figuren i sex eller sju delar, så delade Alberti, för att uppnå noggrannhet i målning och skulptur, den i 600 och Dürer därefter i 1800 delar.

Den medeltida ikonmålaren var litet intresserad av människokroppens verkliga proportioner, eftersom det för honom bara var en bärare av anden. För honom bestod kroppens harmoni i en asketisk kontur, i en plan reflektion av den superkroppsliga världen på den. Men för väckelsen Giorgione är "Venus" en fullfjädrad kvinnlig naken kropp, som, även om den är en skapelse av Gud, på något sätt redan glömmer bort Gud när du tittar på honom. I förgrunden här är kunskapen om verklig anatomi. Därför är renässanskonstnären inte bara en expert inom alla vetenskaper, utan i första hand inom matematik och anatomi.

Renässansteorin, liksom den antika, predikar naturens imitation. I förgrunden finns här dock inte så mycket natur som konstnären. Konstnären vill i sitt arbete avslöja skönheten som ligger i själva naturens fördjupningar. Därför anser konstnären att konsten är ännu högre än naturen. Teoretiker inom renässansens estetik har till exempel en jämförelse: en konstnär måste skapa hur Gud skapade världen, och ännu mer perfekt än så. Nu säger de inte bara om konstnären att han måste vara expert på alla vetenskaper, utan lyfter också fram hans arbete, där de till och med försöker hitta ett skönhetskriterium.

Renässansens estetiska tänkande litade för första gången på mänsklig vision som sådan, utan antik kosmologi och utan medeltida teologi. Under renässansen började en person för första gången tro att den verkliga och subjektivt-sensuellt synliga bilden av världen är hans verkliga bild, att detta inte är fiktion, inte en illusion, inte ett synfel och inte spekulativ empiri, men vad vi ser med våra egna ögon, - det är vad det verkligen är.

Och framför allt ser vi verkligen hur föremålet vi ser rör sig bort från oss tar helt andra former och i synnerhet krymper i storlek. Två linjer som verkar vara helt parallella nära oss, när de rör sig bort från oss, kommer närmare och närmare, och vid horisonten, det vill säga på tillräckligt stort avstånd från oss, närmar de sig helt enkelt varandra tills de helt smälter samman vid ett enda poäng. Ur sunt förnufts synvinkel verkar det som att detta är absurt. Om linjerna är parallella här, så är de parallella överallt. Men här finns ett så stort förtroende för renässansens estetik i verkligheten av denna sammansmältning av parallella linjer på tillräckligt avstånd från oss att en hel vetenskap senare dök upp ur denna typ av verkliga mänskliga förnimmelser - perspektivgeometri.

Grundläggande estetik filosofiska läror och konstteori

I den tidiga humanismen var epikurismens inflytande särskilt starkt kännt, som fungerade som en form av polemik mot medeltida askes och ett medel för att rehabilitera sinnlig kroppslig skönhet, vilket medeltida tänkare ifrågasatte.

Renässansen tolkade epikurisk filosofi på sitt eget sätt, vilket kan ses i författaren Vallas verk och hans avhandling Om njutning. Vallas nöjespredikan har en kontemplativ, självförsörjande innebörd. Valla undervisar i sin avhandling endast om sådant nöje eller nöje, som inte belastas av någonting, inte hotar något ont, som är oegennyttigt och sorglöst, som är djupt mänskligt och samtidigt gudomligt.

Renässansneoplatonism representerar en helt ny typ av neoplatonism, som motsatte sig medeltida skolastik och "skolastiserad" aristotelism. De första stadierna i utvecklingen av neoplatonisk estetik var förknippade med namnet Nicholas of Cusa.

Kuzansky utvecklar sitt koncept om det vackra i avhandlingen Om skönhet. Hos honom framstår skönheten inte bara som en skugga eller ett svagt avtryck av den gudomliga prototypen, vilket var karakteristiskt för medeltidens estetik. I varje form av det verkliga, det sensuella, lyser en oändlig enda skönhet igenom, som är adekvat för alla dess speciella manifestationer. Kuzansky avvisar varje idé om hierarkiska nivåer av skönhet, av högre och lägre skönhet, absolut och relativ, sensuell och gudomlig. Alla typer och former av skönhet är absolut lika. Skönhet i Kuzansky är en universell egenskap hos att vara. Kuzansky estetiserar allt väsen, vilket som helst, inklusive prosaisk, vardaglig verklighet. I allt som har form, form finns skönhet. Därför finns det fula inte i själva varandet, det uppstår endast från dem som uppfattar detta väsen. "Skämning - från dem som accepterar det ...", - hävdar tänkaren. Därför innehåller vara inte fulhet. I världen finns bara skönhet som en universell egenskap hos naturen och varelsen i allmänhet.

Andra stor period i utvecklingen av renässansens neoplatonisms estetiska tanke var den platonska akademin i Florens, ledd av Ficino . All kärlek, enligt Ficino, är en önskan. Skönhet är inget annat än "lust efter skönhet" eller "lust att njuta av skönhet". Det finns gudomlig skönhet, andlig skönhet och kroppslig skönhet. Gudomlig skönhet är en sorts stråle som tränger in i det änglalika eller kosmiska sinnet, sedan in i den kosmiska själen eller hela världens själ, sedan in i naturens undermåniga eller jordiska rike och slutligen in i materiens formlösa och livlösa rike.

I Ficinos estetik får kategorin det fula en ny tolkning. Om Nicholas av Cusa inte har någon plats för fulhet i själva världen, så är fulheten redan oberoende i neoplatonisternas estetik. estetiskt värde. Det är kopplat till materiens motstånd, som motsätter sig den idealiska, gudomliga skönhetens spiritualiserande aktivitet. I enlighet med detta förändras också begreppet konstnärlig kreativitet. Konstnären måste inte bara dölja naturens brister, utan också rätta till dem, som om han återskapar naturen.

Ett stort bidrag till utvecklingen av renässansens estetiska tanke gjordes av en italiensk konstnär, arkitekt, vetenskapsman, konstteoretiker och filosof. Alberti . I centrum för Albertis estetik står läran om skönhet. Skönhet, enligt hans åsikt, ligger i harmoni. Det finns tre element som utgör skönhet, särskilt skönheten i en arkitektonisk struktur. Dessa är antal, begränsning och placering. Men skönhet är inte en enkel aritmetisk summa av dem. Utan harmoni faller delarnas högre harmoni.

Det är karakteristiskt hur Alberti tolkar begreppet "ful". Skönhet är ett absolut konstverk för honom. Det fula fungerar bara som ett visst slags misstag. Därav kravet att konsten inte ska korrigera, utan gömma fula och fula föremål.

stor italiensk konstnär da Vinci i sitt liv, vetenskapliga och konstnärliga arbete förkroppsligade han det humanistiska idealet om en "omfattande utvecklad personlighet". Omfånget av hans praktiska och teoretiska intressen var verkligen universellt. Det inkluderade målning, skulptur, arkitektur, pyroteknik, militär och civilingenjör, matematik och vetenskap, medicin och musik.

Precis som Alberti ser han i måleriet inte bara "överföringen av naturens synliga skapelser", utan också "vittig fiktion". Samtidigt ser han i grunden annorlunda på syftet med och essensen av konst, främst måleri. Huvudfrågan i hans teori, vars upplösning förutbestämde alla andra teoretiska premisser för Leonardo, var definitionen av målningens väsen som ett sätt att känna till världen. "Måleriet är en vetenskap och naturens legitima dotter" och "bör ställas över alla andra aktiviteter, för det innehåller alla former, både existerande och inte existerande i naturen."

Måleri presenteras av Leonardo som den där universella metoden för att känna till verkligheten, som täcker alla objekt i den verkliga världen, dessutom skapar målarkonsten synliga bilder som är begripliga och tillgängliga för allas förståelse utan undantag. I det här fallet är det konstnärens personlighet, berikad med djup kunskap om universums lagar, som kommer att vara spegeln i vilken den verkliga världen reflekteras och bryts genom prismat av kreativ individualitet.

Renässansens personlig-materiella estetik, mycket tydligt uttryckt i Leonardos verk, når sina mest intensiva former i Michelangelo . Att avslöja misslyckandet med det estetiska väckelseprogrammet som placerade individen i centrum för hela världen, högrenässansens gestalter olika sätt uttrycka denna förlust av det huvudsakliga stödet i sitt arbete. Om hos Leonardo figurerna som avbildas av honom är redo att lösas upp i sin omgivning, om de så att säga är insvepta i något slags lätt dis, så kännetecknas Michelangelo av ett helt motsatt drag. Varje figur i hans kompositioner är något stängt i sig, så figurerna är ibland så orelaterade till varandra att kompositionens integritet förstörs.

Medförd till slutet av sitt liv av en ständigt ökande våg av upphöjd religiositet, kommer Michelangelo till förnekandet av allt som han dyrkade i sin ungdom, och framför allt, till förnekandet av en blommande naken kropp, som uttrycker övermänsklig kraft och energi. Han upphör att tjäna renässansens idoler. I hans sinne är de besegrade, precis som renässansens främsta idol visar sig vara besegrad - tron ​​på människans obegränsade skaparkraft, genom att konsten blir lika med Gud. Hela livsvägen han passerade från och med nu förefaller Michelangelo vara en fullständig villfarelse.

Krisen för renässansens estetiska ideal och manérismens estetiska principer

Ett av de mycket tydliga tecknen på renässansens växande nedgång är den konstnärliga och teoretiskt-estetiska trend som kallas manerism. Ordet "maner" betydde ursprungligen en speciell stil, det vill säga annorlunda än den vanliga, då - en villkorlig stil, det vill säga annorlunda än den naturliga. Ett gemensamt drag för manerismens sköna konster var viljan att frigöra sig från den mogna renässansens konstideal.

Denna trend yttrade sig i det faktum att både de estetiska idéerna och det konstnärliga utövandet av italienaren Quattrocento ifrågasattes. Temat för den tidens konst stod i motsats till bilden av en förändrad, förvandlad verklighet. Ovanliga, fantastiska teman, död natur, oorganiska föremål värderades. Regelkulten och proportionsprinciperna ifrågasattes.

Förändringar i konstnärlig praktik medförde modifieringar och förändringar i betoningen av estetiska teorier. Först och främst handlar det om konstens uppgifter och dess klassificering. Huvudfrågan blir konstens problem, inte skönhetsproblemet. "konstgjordhet" blir det högsta estetiska idealet. Om högrenässansens estetik letade efter exakta, vetenskapligt verifierade regler, med hjälp av vilka konstnären kunde uppnå en sann överföring av naturen, så motsätter sig manérismens teoretiker den ovillkorliga betydelsen av alla regler, särskilt matematiska. Problemet med förhållandet mellan natur och konstnärligt geni tolkas på ett annat sätt i mannerismens estetik. För konstnärer från 1400-talet löstes detta problem till förmån för naturen. Konstnären skapar sina verk, följer naturen, väljer och utvinner skönhet från alla olika fenomen. Mannerismens estetik ger ovillkorlig företräde åt konstnärens geni. Konstnären måste inte bara imitera naturen, utan också korrigera den, sträva efter att överträffa den.

Mannerismens estetik, som utvecklade vissa idéer om renässansens estetik, förnekade andra och ersatte dem med nya, återspeglade sin tids alarmerande och motsägelsefulla situation. Harmonisk klarhet och balans i den mogna renässansen, hon kontrasterade dynamiken, spänningen och sofistikeringen av konstnärligt tänkande och följaktligen dess reflektion i estetiska teorier, vilket banade väg för en av de viktigaste konstnärliga trenderna på 1600-talet - barocken.

6 . Den nya tidens estetik

Rationalistiska kulturgrunder. Det är omöjligt att dra en helt exakt gräns mellan 1500- och 1600-talens kulturer. Redan på 1500-talet började nya idéer om världen ta form i de italienska naturfilosofernas lära. Men den verkliga vändpunkten i vetenskapen om universum äger rum vid 1500- och 1600-talets skiftningar, när Giordano Bruno, Galileo Galilei och Kepler, som utvecklar den heliocentriska teorin om Copernicus, kommer till slutsatsen om mångfalden av världar, ca. universums oändlighet, där jorden inte är centrum, utan en liten partikel när uppfinningen av teleskopet och mikroskopet avslöjade för människan existensen av det oändligt avlägsna och det oändligt lilla.

På 1600-talet förändrades förståelsen av människan, hennes plats i världen, förhållandet mellan individ och samhälle. Renässansmannens personlighet kännetecknas av absolut enhet och integritet, den saknar komplexitet och utveckling. Personligheten – renässansens – hävdar sig i enlighet med naturen, vilket är en god kraft. En persons energi, såväl som förmögenhet, bestämmer hans livsväg. Denna "idylliska" humanism lämpade sig dock inte längre för den nya eran, då människan upphörde att känna igen sig själv som universums centrum, när hon kände livets komplexitet och motsättningar, när hon var tvungen att föra en hård kamp mot feodal katolik. reaktion.

1600-talets personlighet är inte i sig värdefull, liksom renässansens personlighet, den beror alltid på miljön, på naturen och på den massa människor som den vill visa sig för, imponera på och övertyga den. Denna tendens att å ena sidan slå till i massornas fantasi och å andra sidan att övertyga dem är ett av huvuddragen i 1600-talets konst.

1600-talets konst präglas liksom renässansens konst av hjältekulten. Men det här är en hjälte som inte kännetecknas av handlingar, utan av känslor, upplevelser. Detta bevisas inte bara av konsten, utan också av 1600-talets filosofi. Descartes skapar läran om passioner, medan Spinoza betraktar mänskliga begär "som om de vore linjer, plan och kroppar."

Denna nya uppfattning om världen och människan kunde få en dubbel riktning på 1600-talet, beroende på hur den användes. I denna komplexa, motsägelsefulla, mångfacetterade värld av naturen och det mänskliga psyket kunde dess kaotiska, irrationella, dynamiska och känslomässiga sida, dess illusoriska natur, dess sinnliga egenskaper framhållas. Denna väg ledde till barockstilen.

Men betoningen kunde också läggas på tydliga, distinkta idéer som genomskådar sanning och ordning i detta kaos, på tankar som kämpar med dess konflikter, på att förnuftet övervinner passioner. Denna väg ledde till klassicismen.

Barock och klassicism, efter att ha fått sin klassiska design i Italien respektive Frankrike, spred sig i en eller annan grad över alla europeiska länder och var de dominerande trenderna i den konstnärliga kulturen på 1600-talet.

Barockens estetiska principer

Barockstilen har sitt ursprung i Italien, i ett land fragmenterat i små stater, i ett land som upplevde motreformation och en stark feodal reaktion, där rika medborgare förvandlades till en landaristokrati, i ett land där manérismens teori och praktik blomstrade, och där samtidigt i all sin glans de rikaste traditionerna från renässansens konstnärliga kultur har bevarats. Från mannerismen tog barocken sin subjektivitet, från renässansen - sin fascination för verkligheten, men båda i en ny stilistisk brytning. Och även om resterna av mannerism fortsätter att påverka det första och till och med det andra decenniet av 1600-talet, kan i huvudsak övervinnan av mannerismen i Italien anses vara avslutad år 1600.

Ett av de problem som kännetecknar barockestetiken är problemet med övertalning, som har sitt ursprung i retoriken. Retorik skiljer inte sanning från rimlighet; som medel för övertalning tycks de vara likvärdiga - och därav följer barockkonstens illusoriska, fantastiska subjektivism, i kombination med klassificeringen av "konst"-tekniken att producera en effekt som skapar ett subjektivt, missvisande intryck av rimlighet.

...

Liknande dokument

Historien om estetiska läror. Estetik som läran om skönhet och konst, vetenskapen om skönhet. Utvecklingen av estetiska läror under antiken, medeltiden, renässansen, den nya tiden. Europeiska konsttrender från XIX-XX-talen.

presentation, tillagd 2014-11-27


Karakteristiska drag av renässansens estetik. Funktioner och huvudstadier av teceremonin, som uppstod under inflytande av zenbuddhismens estetik och filosofi. En studie av symboliken för vigselceremonin under renässansen och polonen som ceremoniell dans.

abstrakt, tillagt 2010-03-05


Etik som vetenskap, dess ämne, uppgifter och egenskaper. Etiska doktriners historia. De huvudsakliga riktningarna inom etik. Etikens huvudkategorier och deras problem. Estetik som vetenskap, ämne, uppgifter och syfte. Historien om estetikens utveckling. Grundläggande estetiska kategorier.

bok, tillagd 2009-02-27


Objekt och ämne för estetik, plats i vetenskapens system. Utvecklingen av det estetiska tänkandet. Estetisk inställning till verkligheten. Bildning av estetik som vetenskap. Utveckling av idéer i linje med filosofin. Det estetiskas objektivitet. Värde och värdebedömning.

abstrakt, tillagt 2008-06-30


Renässansens estetik är förknippad med en revolution som äger rum inom alla områden av det offentliga livet. Den tidiga renässansens estetik som den tidiga humanismens estetik, högrenässansen - neoplatonismen, den sena - naturfilosofin. D. Bruno, T. Campanella.

abstrakt, tillagt 2008-12-30


Förfinad kvinnlig estetik som en del av den harmoni som omfattar livet i Italien under renässansen. Skönhetsideal för ädla italienska damer; uppkomsten av parfymer "för att upprätthålla skönhet." En avhandling av Catherine Sforza om reglerna och teknikerna för att applicera smink.

abstrakt, tillagt 2012-06-05


Estetik - filosofin om estetisk och konstnärlig verksamhet. estetiska systemet. Teorins betydelse för konstnären. Grunderna i estetik. Typer av estetiska kategorier. Konsekvens i modern estetik. Design. Konst. Värdet av estetik.

abstrakt, tillagt 2008-11-06


I estetikens historia har dess ämne och uppgifter förändrats. Ursprungligen var estetik en del av filosofi och kosmogoni och tjänade till att skapa en helhetsbild av världen. Modern estetik sammanfattar världens konstnärliga upplevelse. Historiska stadier i utvecklingen av rysk estetik.

abstrakt, tillagt 2008-05-21


Historiska aspekter av bildandet av verklighetens estetik eller livets estetik, bland representanterna för vilka är sådana stora ryska tänkare från 1800-talet som Belinsky, Chernyshevsky, Dobrolyubov och Pisarev. Solovyovs filosofiska estetik.

abstrakt, tillagt 2010-11-18


Egenskaper hos antik kultur, analys av särdragen i antik grekisk estetik. Principer för antik estetik: mimesis, kalokagathia, catharsis. Begreppet harmoni och specificiteten hos den antika grekiska estetiska kanonen. Den grekiska konstens önskan om idealisering.

Den senaste tiden inkluderar också dagen för den konstnärliga eran: avantgarde och realism. originalitet av dessa epoker ligger i det faktum att de inte utvecklas sekventiellt, utan historiskt parallellt.

avantgardistiska konstgrupper n uy ( premodernism, modernism, neomodernism, postmodernism) utvecklas parallellt med den realistiska gruppen (1800-talets kritiska realism, socialistisk realism, landsbygdsprosa, neorealism, magisk realism, psykologisk realism, intellektuell realism). I denna parallella utveckling av epoker visas allmän acceleration av historiens rörelse.

En av huvudbestämmelserna i det konstnärliga konceptet av avantgardetrender: kaos, oordning "Lagen modernt liv Mänskligt samhälle. Konst blir kaosologi, studerar lagarna för världsordningen.

Alla avantgardetrender inskränker det medvetna och ökar den omedvetna början både i den kreativa och i mottagningsprocessen. Dessa områden ägnar stor uppmärksamhet åt masskonst och problemen med bildandet av individens medvetande.

Funktioner som förenar avantgardistiska konströrelser: en ny blick på människans position och syfte i universum, förkastandet av tidigare etablerade regler och normer, från traditioner och

fingerfärdighet, experiment inom form- och stilområdet, sökandet efter nytt konstnärliga medel och knep.

Förmodernism - den första (inledande) perioden av konstnärlig utveckling av avantgardetiden; en grupp konstnärliga trender i kulturen under andra hälften av 1800-talet, som öppnar upp ett helt stadium (stadiet av förlorade illusioner) av den senaste konstnärliga utvecklingen.

Naturalismen är en konstnärlig riktning, vars oföränderliga konstnärliga uppfattning var påståendet om en människa av köttet i den materiella och materiella världen; en person, även tagen endast som en högorganiserad biologisk individ, förtjänar uppmärksamhet i varje manifestation; trots alla dess ofullkomligheter är världen stabil, och alla detaljer om den är av allmänt intresse. I det konstnärliga begreppet naturalism balanseras önskningar och möjligheter, ideal och verklighet, en viss självgodhet i samhället känns, dess tillfredsställelse med sin position och ovilja att förändra något i världen.

Naturalismen hävdar att hela den synliga världen är en del av naturen och kan förklaras av dess lagar, och inte av övernaturliga eller paranormala orsaker. Naturalismen föddes ur absolutiseringen av realismen och under inflytande av darwinistiska biologiska teorier, vetenskapliga metoder för att studera samhället och Taines och andra positivisters deterministiska idéer.

Impressionism - konstnärlig riktning (andra hälften av 1800-talet - början av 1900-talet), vars invariant av det konstnärliga konceptet var påståendet om en raffinerad, lyriskt lyhörd, påverkbar personlighet, som beundrar världens skönhet. Impressionismen öppnade en ny typ av verklighetsuppfattning. Till skillnad från realism, som fokuserar på överföringen av det typiska, är impressionismen fokuserad på det speciella, individuella och deras subjektiva vision av konstnären.

Impressionism är en behärskning av färg, chiaroscuro, förmågan att förmedla mångfalden, mångfärgsliv, glädjen av att vara, att fånga flyktiga ögonblick av belysning och det allmänna tillståndet i den omgivande föränderliga världen, att förmedla den fria luften - ljusets spel och skuggor runt en person och saker, luftmiljön, naturlig belysning, vilket ger ett estetiskt utseende objektet som avbildas.

Impressionismen manifesterade sig i måleriet (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) och i musik (C. Debussy och M. Ravel, A. Scriabin), och i litteraturen (delvis G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklekticism- en konstnärlig riktning (som främst manifesterade sig i arkitekturen), som vid skapandet av verk involverar vilken kombination av alla former som helst från det förflutna, alla nationella traditioner, uppriktig dekorativism, utbytbarhet och likvärdighet av element i ett verk, brott mot hierarkin i konstnärliga system och försvaga systemet och integriteten.

Eklekticism kännetecknas av: 1) ett överflöd av dekorationer; 2) lika betydelse för olika element, alla stilformer; 3) förlust av skillnaden mellan en massiv och unik byggnad i en urban ensemble eller ett litteraturverk och andra verk litterär process; 4) brist på enhet: fasaden bryter av från byggnadens kropp, detaljen - från helheten, fasadens stil - från interiörens stil, stilarna i de olika utrymmena i interiören - från varandra ; 5) valfri symmetrisk-axiell sammansättning (avvikelse från regeln om ett udda antal fönster på fasaden), enhetlighet hos fasaden; 6) principen om "non-finito" (arbetets ofullständighet, kompositionens öppenhet); 7) förstärkning

associativt tänkande hos författaren (konstnär, skrivande la, arkitekt) och betraktare; 8) befrielse från den uråldriga traditionen och beroendet av olika tidsepoker och olika folks kulturer; sug efter det exotiska; 9) multistil; 10) oreglerad personlighet (till skillnad från klassicism), subjektivism, fri manifestation av personliga element; 11) demokratism: tendensen att skapa en universell, icke-klassig typ av urbana bostäder.

Funktionellt syftar eklekticism inom litteratur, arkitektur och andra konster till att tjäna det "tredje ståndet". Barockens nyckelbyggnad är en kyrka eller ett palats, klassicismens nyckelbyggnad är en statsbyggnad, eklekticismens nyckelbyggnad är ett hyreshus ("för alla"). Eklektisk dekorativism är en marknadsfaktor som har uppstått för att locka en bred kundkrets till ett hyreshus där lägenheter hyrs ut. Lönsamt hus - en masstyp av bostäder.

Modernism- en konstnärlig era som förenar konstnärliga rörelser vars konstnärliga koncept speglar historiens acceleration och förstärkningen av dess tryck på en person (symbolism, rayonism, fauvism, primitivism, kubism, acmeism, futurism); perioden för den mest kompletta förkroppsligandet av avantgarde. Under modernismens period skedde utvecklingen och förändringen av konstnärliga trender snabbt.

Modernistiska konströrelser byggs upp genom att dekonstruera den typologiska strukturen klassiskt verk- några av dess element blir föremål för konstnärliga experiment. I klassisk konst dessa element är balanserade. Modernismen rubbad denna balans genom att stärka vissa element och försvaga andra.

Symbolism- modernismens konstnärliga riktning, som bekräftar det konstnärliga konceptet: poetens dröm är ridderlighet och en vacker dam. Drömmar om

ridderlighet, dyrkan av en vacker dam fylla poesi symbolism.

Symboliken uppstod i Frankrike. Hans mästare var Baudelaire, Mallarmé, Verlaine och Rimbaud.

Acmeism är en konstnärlig riktning för rysk litteratur från det tidiga 1900-talet, som uppstod i " silveråldern”, som främst fanns i poesin och hävdade: poeten- en trollkarl och stolt härskare över världen, som avslöjar dess mysterier och övervinner dess kaos.

Till acmeism hörde: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich och andra Futurism- modernismens konstnärliga riktning, som hävdar en aggressivt militant personlighet i världens urbant organiserade kaos.

Att definiera konstnärligt faktor av futurism - dynamik. Futuristerna implementerade principen om obegränsat experiment och uppnådde innovativa lösningar inom litteratur, måleri, musik och teater.

Primitivism- en konstnärlig riktning som förenklar människan och världen, strävar efter att se världen genom barns ögon, glatt och enkelt, utanför den "vuxna» svårigheter. Denna önskan ger upphov till starka och svaga sidor primitivism.

Primitivism är en atavistisk nostalgi efter det förflutna, längtan efter ett förciviliserat sätt att leva.

Primitivismen försöker fånga huvudlinjerna komplex värld letar efter glada och begripliga färger och linjer i den. Primitivismen är en motverkan till verkligheten: världen blir mer komplex, och konstnären förenklar den. Konstnären förenklar dock världen för att klara av dess komplexitet.

Kubism - en geometriserad variation av primitivism som förenklar verkligheten, uppfattar den med barnsliga eller "vilda" ögon.

primitiviseringens tidigare karaktär: visionen av världen genom formerna av geometriskt regelbundna figurer.

Kubism i målning och skulptur utvecklades av de italienska konstnärerna D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; tyska - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikanska – J. Pollock, I. Rey, M. Weber, mexikanska Diego Rivera, argentinska E. Pettoruti, etc.

I kubismen känns arkitektoniska konstruktioner; massorna paras mekaniskt med varandra, och varje massa behåller sin självständighet. Kubismen öppnade en fundamentalt ny riktning inom figurativ konst. Kubismens villkorliga verk (Braque, Gris, Picasso, Léger) behåller sin koppling till modellen. Porträtten motsvarar originalen och är igenkännbara (en amerikansk kritiker på ett parisiskt kafé kände igen en man som var känd för honom endast från ett porträtt av Picasso, sammansatt av geometriska figurer).

Kubister skildrar inte verkligheten, utan skapar en "annan verklighet" och förmedlar inte utseendet på ett föremål, utan dess design, arkitektur, struktur, väsen. De återger inte ett "narrativt faktum", utan förkroppsligar visuellt sin kunskap om det avbildade ämnet.

Abstraktionism- 1900-talets konstnärliga riktning, vars konstnärliga koncept bekräftar behovet för individen att fly från den banala och illusoriska verkligheten.

De abstrakta konstverken är fristående från själva livets former och förkroppsligar konstnärens subjektiva färgintryck och fantasier.

Det finns två strömningar inom abstraktionismen. Första strömmen lyrisk-emotionell, psykologisk abstraktionism - en symfoni av färger, harmonisering av formlösa färgkombinationer. Denna trend föddes ur den impressionistiska mångfalden av intryck om världen, förkroppsligade i Henri Matisses dukar.

Skaparen av det första verket av psykologisk abstraktionism var V. Kandinsky, som målade målningen "Berg".

Den andra strömmen geometrisk (logisk, intellektuell) abstraktionism ("neoplasticism") är icke-figurativ kubism. I födelsen av denna ström väsentlig roll spelad av P. Cezanne och kubisterna, som skapade en ny typ av konstnärligt rum genom att kombinera olika geometriska former, färgade plan, raka och brutna linjer.

Suprematism(författaren till termen och det motsvarande konstnärliga fenomenet Kazimir Malevich) - för abstraktionism, skärpa och fördjupa dess drag. Malevich öppnade trenden "Suprematism" 1913 med målningen "Black Square". Senare formulerade Malevich sina estetiska principer: konst är bestående på grund av sitt tidlösa värde; ren plastisk känslighet - "konstverkens värdighet." Suprematismens estetik och poetik bekräftar universella (Suprematistiska) bildformler och kompositioner - idealiska konstruktioner av geometriskt regelbundna element.

Rayonism är en av de nästan abstraktionistiska trenderna som bekräftade svårigheten och glädjen i den mänskliga existensen och världens osäkerhet, där alla föremål upplysta av olika ljuskällor visar sig dissekeras av detta ljuss strålar och förlorar sin tydliga figurativitet. .

Luchismen har sitt ursprung i 1908 - 1910 gg. i verk av de ryska konstnärerna Mikhail Larionov och hans fru Natalia Goncharova.

Under nymodernism kommer alla avantgardistiska konströrelser ifrån från en sådan förståelse av verkligheten: en person kan inte stå emot världens tryck och blir en nymänniska. Under denna period har utvecklingen

Det finns avantgardistiska konströrelser som bekräftar glädjelösa, pessimistiska konstnärliga koncept om världen och personlighet. Bland dem Dadaism, konstruktivism, surrealism, existentialism, neoabstraktionism osv.

Dadaism är en konstnärlig rörelse som bekräftar ett konstnärligt koncept; värld- meningslös galenskap, revidera förnuft och tro.

Dadaismens principer var; bryta med världskulturens traditioner, inklusive språkets traditioner; flykt från kultur och verklighet, idén om världen som ett kaos av galenskap, i vilket en försvarslös person kastas; pessimism, otro, förnekande av värderingar, en känsla av allmän förlust och meningslöshet av att vara, förstörelse av ideal och livets syfte. Dadaismen är ett uttryck för krisen för de klassiska kulturvärderingarna, sökandet efter ett nytt språk och nya värderingar.

Surrealism är en konströrelse som fokuserar på en förvirrad person i en mystisk och okända värld. Begreppet personlighet i surrealismen skulle kunna sammanfattas i agnosticismens formel: ”Jag är en man, men gränserna för min personlighet och världen har suddat ut. Jag vet inte var mitt "jag" börjar och var det slutar, var är världen och vad är den?

Surrealism som konstnärlig riktning utvecklades av: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Surrealismen uppstod ur dadaismen, ursprungligen som litterär riktning, som sedermera fick sitt uttryck i måleriet, samt i film, teater och delvis i musik.

För surrealismen, människan och världen är rum och tid flytande och relativa. De tappar sina gränser. Estetisk relativism förkunnas: allt flyter, allt är

det verkar vara blandat, det suddar ut; ingenting är säkert. Surrealism bekräftar världens relativitet och hans värden. Det finns inga gränser mellan lycka och olycka, individ och samhälle. Kaos i världen orsakar kaos av konstnärligt tänkande- detta är principen för surrealismens estetik.

Det konstnärliga konceptet surrealism bekräftar världens mysterium och okändalighet, där tid och historia försvinner, och en person lever i det undermedvetna och är hjälplös inför svårigheter.

Expressionism- en konstnärlig riktning som hävdar: alienerad, en person lever i en fientlig värld. Som tidens hjälte lade expressionismen fram en rastlös, överväldigad av känslor personlighet, [inte förmögen att bringa harmoni till en värld sliten av passioner. -

Expressionismen som konstnärlig riktning uppstod utifrån relationer till olika områden av vetenskaplig verksamhet: med Freuds psykoanalys, Husserls fenomenologi, neokantiansk epistemologi, Wiencirkelns filosofi och gestaltpsykologin.

Expressionismen manifesterade sig i olika typer av konst: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - i måleriet; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - i litteratur; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - i musik.

Expressionism på grundval av XX-talets kultur. återupplivar romantiken. expressionism inneboende rädsla för världen och motsättningar mellan yttre dynamik och idén om världens oföränderliga väsen (otro på möjligheten till dess förbättring). Enligt konstnärlig expressionisms begrepp, personlighetens väsentliga krafter är alienerade i att motsätta sig man och fientliga offentliga institutioner: allt är värdelöst. Ek expressionism är ett uttryck för smärtan hos en humanistisk konstnär,

förorsakade honom av världens ofullkomlighet. Expressionistiskt personlighetsbegrepp: Mänsklig- en känslomässig, "naturlig" varelse, främmande för den industriella och rationella, urbana värld i vilken han tvingas leva.

Konstruktivism- konstnärlig riktning (20-talet av XX-talet), vars konceptuella invariant är idén- människans existens äger rum i en miljö av industriella krafter som är främmande för henne; och tidens hjälte- industrisamhällets rationalist.

De nypositivistiska principerna för kubismen, som föddes i måleriet, utvidgades i en transformerad form till litteratur och andra konster och konsoliderades i en ny riktning, konvergerande med teknikismens idéer - konstruktivismen. Den senare ansåg industrins produkter som oberoende, främmande från individen och motsatta hennes värderingar. Konstruktivismen dök upp i gryningen vetenskaplig och teknisk revolution och idealiserade teknikismens idéer; han värderade maskiner och deras produkter framför individen. Även i konstruktivismens mest begåvade och humanistiska verk tas de tekniska framstegens alienerande faktorer för givna. Konstruktivismen är full av patos av industriella framsteg, ekonomisk ändamålsenlighet; det är teknokratiskt.

Konstruktivismens estetik utvecklades mellan ytterligheter (som ibland faller in i en av dem) - utilitarism, som kräver förstörelse av estetik, och estetik. Inom bildkonsten och inom arkitekturen är konstruktivismens kreativa principer så nära ingenjörskonst som möjligt och inkluderar: matematisk beräkning, lakonism av konstnärliga medel, schematism av komposition, logisering.

I litteraturen utvecklades konstruktivismen som konstnärlig riktning (1923 - 1930) i gruppens arbete

LCC (Constructivist Literary Center): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (gruppteoretiker) och andra. Konstruktivismen påverkade också teatern (regiarbetet av Vsevolod Meyerhold, som utvecklade principerna för biomekanik, teaterteknik och introducerade delar av ett cirkusspektakel i scenhandlingen. Konstruktivismens idéer omfattade olika typer av konst, men hade störst inflytande på arkitekturen. Detta påverkade särskilt arbetet av Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko och VG Gelfreich.

Existentialism- begreppet mänsklig existens, hans plats och roll i denna värld, relation till Gud. Existentialismens väsen- tillvarons företräde framför essens (människan själv formar sin existens och, genom att välja vad hon ska göra och vad hon inte ska göra, förs essensen till existens). Existentialismen bekräftar en ensam självisk självvärdig personlighet i det absurdas värld. För existentialismen står individen över historien.

I sitt konstnärliga koncept hävdar existentialismen (J.P. Sartre, A. Camus) att själva grunderna för mänsklig existens är absurda, om så bara för att människan är dödlig; historien går från dåligt till värre och tillbaka till dåligt igen. Det finns ingen rörelse uppåt, det finns bara ekorre hjul historia där mänsklighetens liv kretsar meningslöst.

Den grundläggande ensamheten, som bekräftas av det konstnärliga begreppet existentialism, har den motsatta logiska konsekvensen: livet är inte absurt där en person fortsätter sig själv i mänskligheten. Men om en person är en ensamvarg, om han är det enda värdet i världen, då är han socialt nedvärderad, han har ingen framtid, och då är döden absolut. Det stryker över en person, och livet blir meningslöst.

Nyabstraktionism(andra vågens abstraktionism) - spontant-impulsivt självuttryck; ett grundläggande förkastande av figurativitet, av att skildra verkligheten, i den rena uttrycksfullhetens namn; ström av medvetande fångad i färg.

Neo-abstraktionismen skapades av en ny generation abstraktionister: J. Paul Lak, De Kuhn och Yig, A. Manisirer m.fl.. De behärskade den surrealistiska tekniken och principerna för "mental automatism". Paul Lak betonar i den skapande handlingen inte verket, utan själva processen för dess skapande. Denna process blir ett självändamål och här bildas ursprunget till "målning-handling".

Principerna för neoabstraktionism underbyggdes av M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. Den italienske teoretikern D. Severini uppmanade att glömma verkligheten, eftersom den inte påverkar det plastiska uttrycket. En annan teoretiker, M. Zefor, anser att det abstrakta måleriets förtjänst är att det inte bär med sig något från den normala miljön i mänskligt liv. Fotografi tog bort målningens figurativitet och lämnade den senare endast uttrycksfulla möjligheter att avslöja konstnärens subjektiva värld.

Den svaga länken i teorin om abstraktionism och nyabstraktionism är frånvaron av tydliga värdekriterier för att skilja kreativitet från spekulation, allvar från ett skämt, talang från medelmåttighet, skicklighet från trick.

Konstnärliga lösningar av abstraktionism och neo-abstraktionism (harmonisering av färg och form, skapande av "balans" av plan av olika storlekar på grund av intensiteten i deras färg) används inom arkitektur, design, dekorativ konst, teater, film och TV.

Postmodernism som en konstnärlig era bär ett konstnärligt paradigm som hävdar det en person kan inte stå emot världens tryck och blir en posthuman. Alla konstnärliga riktningar av detta

period genomsyras av detta paradigm, manifesterar och bryter det genom deras oföränderliga begrepp om världen och personlighet: popkonst, sonopucmuka, aleatorik, musikalisk pointillism, hyperrealism, happenings, etc.

Popkonst- ny figurativ konst. Popkonsten motsatte sig det abstraktionistiska förkastandet av verkligheten med den grova världen av materiella ting, till vilken en konstnärlig och estetisk status tillskrivs.

Popkonsteoretiker hävdar att i ett visst sammanhang förlorar varje föremål sin ursprungliga betydelse och blir ett konstverk. Därför förstås konstnärens uppgift inte som att skapa ett konstnärligt föremål, utan som att ge konstnärliga egenskaper till ett vanligt föremål genom att organisera ett visst sammanhang för dess uppfattning. Estetisering av den materiella världen blir popkonstens princip. Konstnärer strävar efter att uppnå catchiness, synlighet och förståelighet för sina skapelser, genom att använda poetiken från etiketter och reklam för detta. Popkonst är en komposition av vardagsföremål, ibland kombinerat med en modell eller skulptur.

Skrynkliga bilar, bleka fotografier, rester av tidningar och affischer klistrade på lådor, en uppstoppad kyckling under en glasburk, en trasig sko målad med vit oljefärg, elmotorer, gamla däck eller gasspisar – det är popkonstens konstutställningar.

Bland artisterna av popkonst kan identifieras: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine och andra.

Popkonst som konstriktning har ett antal varianter (trender): op art (konstnärlig organiserade optiska effekter, geometriska kombinationer av linjer och fläckar), env-apm(kompositioner, konstnärlig organisation av miljön som omger betraktaren), e-post(föremål som rör sig med hjälp av elmotorer

och konstruktioner, denna trend av popkonst stod ut som en oberoende konstnärlig riktning - kinetism).

Popkonsten förde fram konceptet om konsumentens identitet för "masskonsumtions"-samhället. Popkonstens idealpersonlighet är en mänsklig konsument, för vilken de estetiserade stillebenen av varukompositioner borde ersätta den andliga kulturen. Ord som ersatts av varor, litteratur ersatt av saker, skönhet ersatt av användbarhet, girighet efter materiellt, varukonsumtion, ersättande av andliga behov, är karaktäristiska för popkonst. Denna riktning är i grunden orienterad mot en massa, icke-kreativ person, berövad på självständigt tänkande och lånar "hans" tankar från reklam och massmedia, en person manipulerad av tv och andra medier. Denna personlighet är programmerad av popkonst för att uppfylla de givna rollerna som köparen och konsumenten, och plikttroget förstöra den moderna civilisationens alienerande inflytande. Popkonstpersonlighet - Masskultur Zombie.

Hyperrealism är en konstnärlig rörelse vars konstnärliga uppfattning är oföränderlig: ett avpersonaliserat levande system i en grym och grov värld.

Hyperrealism - skapar pittoreska övernaturliga verk som förmedlar de minsta detaljerna i det avbildade objektet. Hyperrealismens intriger är medvetet banala, bilderna är eftertryckligt "objektiva". Denna riktning återför konstnärer till konstens vanliga former och medel, särskilt till målarduken, som förkastats av popkonsten. Hyperrealismen gör stadsmiljöns döda, konstgjorda, "andra" natur till huvudteman för sina målningar: bensinstationer, bilar, skyltfönster, bostadshus, telefonkiosker, som framställs som främmande från människor.

Hyperrealism visar konsekvenserna av överdriven urbanisering, förstörelsen av miljöns ekologi, bevisar att metropolen skapar en omänsklig miljö. Huvudtemat för hyperrealism är det opersonliga mekaniserade livet i den moderna staden.

Teoretisk grund hyperrealism - Frankfurtskolans filosofiska idéer, som bekräftar behovet av att gå bort från ideologiserade former av figurativt tänkande.

Konstverk fotorealismär baserade på ett mycket förstorat fotografi och identifieras ofta med hyperrealism. Men både när det gäller tekniken för att skapa en bild och, viktigast av allt, när det gäller den invarianta av den konstnärliga uppfattningen om världen och personligheten, är dessa, även om de är nära, men olika konstnärliga riktningar. Hyperrealister imiterade foton med bildmedel på duk, fotorealister imiterar målningar genom att bearbeta (med färger, collage) fotografier.

Fotorealism bekräftar prioriteringen av dokumentär och konstnärlig uppfattning: en pålitlig, vanlig person i en pålitlig, vanlig värld.

Syftet med fotorealism är bilden av det moderna vardagslivet. Gator, förbipasserande, skyltfönster, bilar, trafikljus, hus, hushållsartiklar återges i fotorealismens verk autentiskt, objektivt och superlikt.

Huvuddragen för fotorealism: 1) figurativitet, motverkande av abstraktionismens traditioner; 2) attraktion till tomt; 3) önskan att undvika "realistiska klichéer" och dokumentär; 4) beroende av fotografisk tekniks konstnärliga landvinningar.

Sonoristik- riktning i musik: klangspel som uttrycker författarens "jag". För dess företrädare är det inte tonhöjden som är viktig, utan klangen. De letar efter nytt musikalisk färger, okonventionellt ljud: de spelar på en käpp, på

såg, ätpinnar på pianots strängar, smäll på däcket, på fjärrkontroll, ljud produceras genom att torka av munstycket med en näsduk.

I ren klangmusik spelar melodi, harmoni och rytm ingen speciell roll, bara klangfärgen spelar roll. Behovet av att fixa det väckte liv i speciella grafiska former för inspelning av klangfärg i form av tunna, djärva, vågiga, konformade linjer. Ibland anges också det omfång som artisten behöver spela.

Sonoramusikens grundare var den polske kompositören K. Penderecki, och hans initiativ fortsattes av K. Serocki, S. Bussotti m.fl.

Musikalisk pointillism- riktning i det främre siktet * ett kännetecken för det är brottet i det musikaliska tyget, dess spridning i register, komplexiteten i rytm och taktarter, överflöd av pauser.

Musikalisk pointillism vägrar att skapa ett begripligt konstnärlig verklighet(från en verklighet som kunde förstås utifrån den världsmusikaliska och konstnärliga traditionen och med traditionella musikaliska semiotiska koder). Pointillismen orienterar individen mot emigration till sin själsvärld och bekräftar fragmenteringen av omvärlden.

Aleatorica- konstnärlig ledning av litteratur och musik, baserad på den filosofiska föreställningen att slumpen råder i livet, och bekräftar det konstnärliga konceptet: människan- spelare i en värld av slumpmässiga situationer.

Representanter för aleatorik: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky och andra. Slumpen invaderar litterära eller musikaliska verk mekaniskt: genom att kasta marker (tärningar), spela schack, blanda sidor eller variera fragment, samt använda

improvisation: musiktexten skrivs i "tecken-symboler" och tolkas sedan fritt.

happening- det här är en av typerna av modern konstnärlig kultur i väst. A. Keprou var författaren till de första produktionerna av händelsen "Courtyard", "Creations". Happening föreställningar involverar mystiska, ibland ologiska handlingar av artisterna och kännetecknas av ett överflöd av rekvisita gjorda av saker som var i bruk och till och med hämtade från en soptipp. Händande deltagare tog på sig ljusa, överdrivet löjliga kostymer, och betonade artisternas livlöshet, deras likhet antingen med lådor eller hinkar. Vissa föreställningar består till exempel av smärtsam släppning under en presenning. Samtidigt är skådespelarnas individuella beteende improvisation. Ibland vänder sig skådespelare till publiken med en begäran om att hjälpa dem. Denna inkludering av betraktaren i handlingen motsvarar andan i händelsen.

Begreppet värld och personlighet som händelsen för fram kan formuleras på följande sätt: världen- en kedja av slumpmässiga händelser, en person måste subjektivt känna fullständig frihet, men i själva verket lyda en enda handling, manipuleras.

Happening använder ljusmålning: ljuset ändrar ständigt färg och styrka, riktas direkt mot skådespelaren eller lyser genom skärmar gjorda av olika material. Ofta åtföljs det av ljudeffekter (mänskliga röster, musik, klingande, sprakande, malande). Ljudet är ibland väldigt starkt, oväntat, designat för en chockeffekt. Presentationen innehåller OH-film och filmramar. Laura använder även aromatiska ämnen. Utövaren får en uppgift från regissören, men varaktigheten av deltagarnas handlingar bestäms inte. Alla kan lämna spelet när de vill.

Happening arrangeras på olika platser: på parkeringsplatser, på innergårdar omgivna av höghus, i tunnelbanan. vallar, vindar. Händelseutrymmet, enligt principerna för denna handling, bör inte begränsa konstnärens och betraktarens fantasi.

Händelseteoretikern M. Kerby hänvisar denna typ av spektakel till teaterområdet, även om han konstaterar att happening skiljer sig från teater i frånvaron av föreställningens traditionella struktur: handling, karaktärer och konflikt. Andra forskare förknippar händelsens natur med måleri och skulptur, och inte med teater.

Med sitt ursprung går happening tillbaka till det tidiga 1900-talets konstnärliga sökande, till vissa målares och skulptörers försök att flytta fokus från en målning eller skulptur till själva processen för deras skapelse. ursprung i "action painting": i J. Pollocks "droppstänk", i De Koonings "slashing" drag, i kostymklädda bildföreställningar av J. Mathieu.

självdestruktiv konst– det här är ett av postmodernismens märkliga fenomen. Tavlor målade med färgblekning inför publiken. Boken "Ingenting", utgiven i USA 1975 och omtryckt i England. Den har 192 sidor, och ingen av dem har en enda rad. Författaren hävdar att han uttryckte tanken: Jag har inget att säga dig. Alla dessa är exempel på självdestruktiv konst. Det har också sitt uttryck i musiken: framförandet av ett stycke på ett sönderfallande piano eller på en förfallen fiol, och så vidare.

Konceptualism- är en konstriktning Västerländsk konst, som i sin konstnärliga uppfattning bejakar en person som är frikopplad från kulturens direkta (omedelbara) mening och som är omgiven av estetiserade produkter av intellektuell verksamhet.

Konceptualismens verk är oförutsägbart olika i sin struktur och utseende: foton, fotokopior från texter, telegram, reproduktioner, grafik, kolumner med siffror, scheman. Konceptualismen använder inte den intellektuella produkten av mänsklig aktivitet för sitt avsedda syfte: mottagaren ska inte läsa och tolka textens betydelse, utan uppfatta den som en rent estetisk produkt, intressant till sitt utseende.

Representanter för konceptualism; Amerikanska konstnärer T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler och andra.

1800-talets kritiska realism,- konstnärlig riktning” som för fram konceptet: världen och människan är ofullkomliga; utgång- icke-motstånd mot ondska genom våld och självförbättring.

M socialistisk realism- en konstnärlig riktning som bekräftar ett konstnärligt koncept: en person är socialt aktiv och ingår i skapandet av historien med våldsamma medel"

bonderealism- en konstnärlig riktning som hävdar att bonden är den främsta bäraren av moralen och det nationella livets stöd.

Bonderealism (byprosa) - den litterära riktningen för rysk prosa (60-80-talet); centralt tema - modern by, huvudpersonen är en bonde - den enda sanna representanten för folket och bäraren av ideal.

neorealism- 1900-talets konstnärliga riktning för realismen, som manifesterade sig i efterkrigstidens italienska film och delvis i litteraturen. Funktioner: neorealism visade nära intresse för en man från folket, i livet vanligt folk: akut uppmärksamhet på detaljer, observation och fixering av element som kom in i livet efter andra världskriget. Produ-

Neorealismens läror bekräftar humanismens idéer, vikten av enkla livsvärderingar, vänlighet och rättvisa i mänskliga relationer, människors jämlikhet och deras värdighet, oavsett deras egendomsstatus.

Magisk realism- realismens konstnärliga riktning, som bekräftar konceptet: en person lever i en verklighet som kombinerar modernitet och historia, det övernaturliga och det naturliga, det paranormala och det vanliga.

Egenhet magisk realism– fantastiska episoder utvecklas enligt vardagslogikens lagar som en vardaglig verklighet.

psykologisk realism- 1900-talets konstnärliga rörelse, som framförde konceptet: individen är ansvarig; den andliga världen bör fyllas med en kultur som främjar människors brödraskap och övervinner deras egocentrism och ensamhet.

intellektuell realism- Detta är realismens konstnärliga riktning, i vars verk ett drama av idéer utspelar sig och karaktärerna i ansiktena "agerar ut" författarens tankar, uttrycker olika aspekter av hans konstnärliga uppfattning. Intellektuell realism förutsätter ett konceptuellt och filosofiskt tänk hos konstnären. Om den psykologiska realismen försöker förmedla plasticiteten i tankarnas rörelse, avslöjar den mänskliga själens dialektik, världens och medvetandets samspel, då försöker den intellektuella realismen att konstnärligt och övertygande lösa faktiska problem, att analysera tillståndet i världen.

Liknande information.

Planen

Introduktion

Fråga 1. Nya tidens estetik och modern estetik

Fråga 2. Protestantismens detaljer, som en av kristendomens riktningar

Slutsats

Lista över använda källor

Introduktion

Studieämnet i kontrollarbeteär ämnet etik, estetik och religionsvetenskap.

Studieobjektet är de individuella aspekterna av disciplinen.

Studiens relevans beror först och främst på att varje religion är en världsbild och social tanke, klädd i form av en sekt. Särskilt intressanta för forskning är fall då religionen inte förblir oförändrad, utan kompletteras av livet och förändringar i det. Samtidigt formar varje period av mänsklig utveckling, i enlighet med dess moraliska, etiska och filosofiska synsätt, sin egen etik och estetik för mänskligt beteende och aktivitet i samhället. Processerna för religiös utveckling är ofta direkt relaterade till etiska normer samhället och estetiska gestaltningar. Ibland står etik och estetik i strid med den religiösa kulten, före och inför nya filosofiska idéer.

Syftet med arbetet utifrån de studerade metodologiska och utbildningslitteratur karakterisera studieobjektet i kontrollarbetet.

För att uppnå detta mål är det planerat att lösa följande huvuduppgifter:

Betrakta egenskaperna hos New Age-estetiken och modern estetik;

Beskriv processen för protestantismens uppkomst och principerna för denna religion, presentera huvuddragen i kulten av denna tro;

Sammanfatta resultaten av forskning i arbetet.

Fråga 1. Nya tidens estetik och modern estetik

Den ideologiska grunden för New Age var humanism och sedan naturfilosofi.

Humanism- från lat. mänsklig - erkännande av värdet av en person som person, hans rätt till fri utveckling och manifestation av hans förmågor. Godkännande av människans bästa som ett kriterium för bedömning av sociala relationer. I filosofisk mening- sekulärt fritänkande, mot skolastik och kyrkans andliga dominans. I denna tid ägde ett slags gudomliggörande av människan rum - "mikrokosmos", en gudliknande varelse som skapar och skapar sig själv. Dessa synpunkter är antropocentrism. Detta är en filosofisk term som slog rot under andra hälften av 1800-talet för att referera till idealistiska läror som ser i människan universums centrala och högsta mål. Men dess grunder lades under renässansen.

Panteism- från grekiska. theos, som betyder gud. Dessa är religiösa och filosofiska läror som identifierar Gud och hela världen. Panteistiska tendenser manifesterade sig i medeltidens kätterska mystik. Panteismen är karakteristisk för renässansens naturfilosofi och Spinozas materialistiska system, som identifierade begreppen "gud" och "natur".

En sådan inställning till en person markerade uppkomsten av nya former av självmedvetande och renässansindividualism. Tonvikten lades på etiska frågor, läran om individens fria vilja, riktad mot det goda och det gemensamma bästa. Det fanns ett slags rehabilitering av människan och hennes sinne. Den förkastade den medeltida teologiska inställningen till människan som till ett syndigt kärl, dömt till lidande i livet. Glädje och njutning förklarades syftet med den jordiska tillvaron. Möjligheten av en harmonisk existens för människan och omvärlden proklamerades. Humanister bidrog till utvecklingen av idealet om en perfekt, omfattande utvecklad personlighet, vars dygder inte bestämdes av adeln genom födseln, utan av gärningar, intelligens, talanger och tjänster till samhället. Inom humanismen slutfördes redan från början naturfilosofiska tendenser, som fick en speciell utveckling på 1500-talet. huvudproblemet, som sysselsatte naturfilosofer - förhållandet mellan Gud och natur. Med tanke på det, försökte de övervinna det medeltida tänkandets dualism, de förstod världen som en organisk koppling mellan materia och ande. Genom att erkänna världens materialitet och oändlighet, gav de materia förmågan att reproducera sig själv, och samtidigt liv, skapa läran om livsrum. I renässansens filosofiska system bildades således en panteistisk bild av världen. Idén om universums universella animation ifrågasatte existensen av det övernaturliga, överjordiska, eftersom allt mirakulöst förklarades naturligt, naturligt, potentiellt igenkännbart: så snart det upptäcktes och förklarades, hur det upphörde att vara mirakulöst. Sådana domar stred mot kyrkans dogmer. Medeltida skolastik, baserad på bokkunskap och auktoriteter, motsatte sig av humanism och naturfilosofi rationalism, en experimentell metod för att känna till världen, baserad på sensorisk perception och experiment. Samtidigt ledde animationen av kosmos till idén om en mystisk koppling mellan människan och naturen, erkännandet av de ockulta vetenskaperna. Vetenskapen uppfattades som naturlig magi, astronomi var sammanflätad med astrologi och så vidare. Generellt sett innebar förståelsen av naturen som en intern mästare, som agerar självständigt, lever enligt sina egna lagar, ett brott med de etablerade medeltida idéerna om skaparguden och ledde till uppkomsten av en ny naturlig religion. Denna ideologiska omvälvning baserades på framväxten av produktivkrafter, materiell produktion, vetenskap och teknik. Allt detta ledde till den progressiva utvecklingen av Europa.

Det viktigaste kännetecknet för renässansens världsbild är dess fokus på konst. Om antikens fokus var naturligt-kosmiskt liv, på medeltiden var det Gud och idén om frälsning förknippad med honom, så under renässansen är fokus på människan. Därför kan denna periods filosofiska tänkande karakteriseras som antropocentriskt.

Under renässansen får individen mycket större självständighet, han representerar i allt högre grad inte det ena eller det förbundet, utan sig själv. Härifrån växer en ny självmedvetenhet hos en person och hans nya sociala position: stolthet och självbekräftelse, medvetenhet om sin egen styrka och talang blir en persons utmärkande egenskaper.

Mångsidighet är idealet för en renässansmänniska. Teorin om arkitektur, måleri och skulptur, matematik, mekanik, kartografi, filosofi, etik, estetik, pedagogik - detta är studiecirkeln, till exempel av den florentinska konstnären och humanisten Alberti.

Låt oss vända oss till resonemangen från en av 1400-talets humanister, Giovanni Pico (1463-1494), i hans berömda Oration on the Dignity of Man. Efter att ha skapat människan och "placerat henne i världens centrum", tilltalade Gud honom, enligt denna filosof, med dessa ord: "Vi ger dig inte, o Adam, varken en viss plats eller din egen bild, eller en särskild skyldighet, så att både platsen och Du hade en plikt av egen fri vilja, enligt din vilja och ditt beslut.

Pico har idén om en man som Gud har gett fri vilja och som själv måste bestämma sitt öde, bestämma sin plats i världen. Människan här är inte bara en naturlig varelse, utan skaparen av sig själv.

Under renässansen uppfattas varje verksamhet - vare sig det är en konstnärs, skulptörs, arkitekts eller ingenjörs, navigatörs eller poet-verksamhet - annorlunda än under antiken och medeltiden. Bland de gamla grekerna sattes kontemplation över aktivitet (på grekiska är kontemplation teori). På medeltiden sågs arbetet som ett slags försoning för synder. Den högsta formen av aktivitet erkänns dock här som den som leder till själens frälsning, och i många avseenden är den besläktad med kontemplation: det är bön, en liturgisk ritual. Och först under renässansen får kreativ verksamhet en slags helig karaktär. Med dess hjälp tillfredsställer en person inte bara sina pertikulära-jordiska behov; han skapar ny värld, skapar skönhet, skapar det högsta i världen, själv. Och det är ingen slump att det var under renässansen som gränsen som tidigare fanns mellan vetenskap, praktisk-teknisk verksamhet och konstnärlig fantasi för första gången suddades ut. Ingenjören och konstnären är nu inte bara "hantverkare", "tekniker", nu är han en skapare. Från och med nu imiterar konstnären inte bara Guds skapelser, utan själva den gudomliga kreativiteten. I vetenskapens värld hittar vi ett sådant tillvägagångssätt i Kepler, Galileo, Navanieri.

En person söker frigöra sig från sin transcendentala rot och söker fotfäste inte bara i kosmos, från vilken hon så att säga växt fram under denna tid, utan i sig själv, i ett nytt ljus - en kropp genom vilken från och med nu han ser kroppslighet på ett annat sätt i allmänhet. Hur paradoxalt det än kan tyckas, var det just den medeltida läran om människans uppståndelse i köttet som ledde till den där "rehabiliteringen" av människan med hela hennes materiella kroppslighet, som är så karakteristisk för renässansen.

Skönhetskulten som är karakteristisk för renässansen är förknippad med antropocentrism, och det är inte av en slump att måleriet, som i första hand avbildas vackert mänskligt ansikte Och människokropp bli den dominerande konstformen i denna tid. De stora konstnärerna - Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, renässansens världsbild får sitt högsta uttryck.

Under renässansen ökade som aldrig förr individens värde. Varken under antiken eller medeltiden fanns ett så brinnande intresse för människan i alla dess mångfald av yttringar. Framför allt, i denna era, placeras originaliteten och unikheten hos varje individ.

Rik utveckling av personlighet i XV-XVI århundraden ofta åtföljd av individualismens ytterligheter: individualitetens inneboende värde innebär absolutiseringen av det estetiska förhållningssättet till människan.

Fråga 2. Protestantismens detaljer, som en av kristendomens riktningar

Protestantismen är en av kristendomens tre huvudriktningar, tillsammans med katolicismen och ortodoxin, som är en samling av många oberoende kyrkor och sekter som har sitt ursprung till reformationen, en bred anti-katolsk rörelse på 1500-talet. i Europa. Rörelsen började i Tyskland 1517, då M. Luther publicerade sina "95 teser", och den slutade under andra hälften av 1500-talet. officiellt erkännande av protestantismen. Under medeltiden gjordes många försök att reformera den katolska kyrkan. Emellertid dök termen "reformation" först upp på 1500-talet; det introducerades av reformatorer för att uttrycka idén om behovet av att kyrkan återvänder till sitt bibliska ursprung. I sin tur såg den romersk-katolska kyrkan reformationen som ett uppror, en revolution. Begreppet "protestantisk" uppstod som ett gemensamt namn för alla anhängare av reformationen.

Utvecklingen av den estetiska vetenskapen i länderna i Västeuropa och USA under första hälften av vårt århundrade uttryckte denna motsägelsefulla period i många av dess begrepp och teorier, främst av icke-realistisk karaktär, för många av vilka termen "modernism" bildades.

Modernism (från den franska moderna - den senaste, moderna) är en allmän symbol för 1900-talets konsttrender, som kännetecknas av förkastandet av traditionella metoder för konstnärlig representation av världen.

Modernism som konstsystem förbereddes av två utvecklingsprocesser: dekadens (d.v.s. flykt, förkastande av det verkliga livet, skönhetskulten som det enda värdet, förkastande av sociala problem) och avantgardet (vars manifest uppmanade till att bryta med arvet från tidigare och skapa något nytt, i motsats till traditionella konstnärliga attityder).

Alla modernismens huvudtrender och strömningar - kubism, expressionism, futurism, konstruktivism, imaginism, surrealism, abstraktionism, popkonst, hyperrealism, etc., antingen avvisade eller helt omvandlade hela systemet av konstnärliga medel och tekniker. Närmare bestämt i olika typer konst, detta uttrycktes: i en förändring av rumsliga bilder och förkastandet av konstnärliga och figurativa mönster inom bildkonsten; i revisionen av melodisk, rytmisk och harmonisk organisation i musik; i uppkomsten av en "ström av medvetande", en intern monolog, associativt montage i litteraturen etc. A. Schopenhauers och F. Nietzsches idéer om irrationalistisk voluntarism, intuitionsläran av A. Bergson och N. Lossky, psykoanalys 3 hade ett stort inflytande på modernismens praktik Freud och C. G. Jung, M. Heideggers existentialism, J.-P. Sartre och A. Camus, teorin om socialfilosofi vid Frankfurtskolan T. Adorno och G. Marcuse.

Den allmänna känslomässiga stämningen i modernistiska konstnärers verk kan uttryckas i följande fras: kaoset i det moderna livet, dess sönderfall bidrar till en persons oordning och ensamhet, hans konflikter är olösliga och hopplösa och de omständigheter under vilka han befinner sig. placerade är oöverstigliga.

Efter andra världskriget förlorade de flesta modernistiska trender inom konsten sina tidigare avantgardepositioner. I efterkrigstidens Europa och Amerika börjar "mass" och "elit" kulturer aktivt manifestera sig, med olika estetiska trender och trender som motsvarar dem, och deklarerar också sig själva estetiska skolor icke-marxistisk karaktär. I allmänhet kan efterkrigsstadiet i utvecklingen av utländsk estetik definieras som postmodernt.

Postmodernism är ett begrepp som betecknar ett nytt, det sista hittills, superstadium i kedjan av kulturtrender som naturligt förändrar varandra under historiens gång. Postmodernismen som ett paradigm för modern kultur är en allmän utvecklingsriktning europeisk kultur bildades på 70-talet. 1900-talet

Framväxten av postmoderna trender i kultur är förknippad med medvetenheten om begränsningarna för sociala framsteg och rädslan för samhället att dess resultat hotar förstörelsen av själva kulturens tid och rum. Postmodernismen borde så att säga fastställa gränserna för mänskligt ingripande i utvecklingen av naturen, samhället och kulturen. Därför kännetecknas postmodernismen av sökandet efter ett universellt konstnärligt språk, konvergensen och sammansmältningen av olika konstnärliga rörelser, dessutom stilarnas "anarkism", deras oändliga variation, eklekticism, collage, subjektivt montages område.

De karakteristiska dragen hos postmodernismen är:

Inriktningen av den postmoderna kulturen och samhällets "massa" och "elit";

Konstens betydande inflytande på icke-konstsfärer av mänsklig aktivitet (på politik, religion, datavetenskap, etc.);

Stilpluralism;

Bred citering i deras skapelser av konstverk från tidigare epoker;

ironin över konstnärliga traditioner tidigare kulturer;

Använda spelets teknik när du skapar konstverk.

I det postmoderna konstnärliga skapandet sker en medveten omorientering från kreativitet till sammanställning och citat. För postmodernismen är kreativitet inte lika med skapande. Om systemet "konstnär - konstverk" fungerar i förpostmoderna kulturer, så flyttas tyngdpunkten inom postmodernismen till förhållandet "konstverk - betraktare", vilket tyder på en grundläggande förändring i konstnärens självmedvetande. Han upphör att vara en "skapare", eftersom meningen med verket föds direkt i handlingen av dess uppfattning. Ett postmodernt konstverk måste ses, ställas ut, det kan inte existera utan en betraktare. Vi kan säga att det inom postmodernismen sker en övergång från ett "konstverk" till en "konstnärlig konstruktion".

Postmodernism som teori fick betydande berättigande i verk av J. Baudrillard "The System of Things" (1969), J. F. Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) och "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "Magic Tree" (1985) ) och andra

I detta avsnitt kommer endast de viktigaste estetiska trenderna och skolorna för icke-marxistisk orientering, såväl som 1900-talets estetiska vetenskapens nyckelproblem att analyseras.