De huvudsakliga kompositörerna och artisterna är tolkar. kända musiker

Yrket som tonsättare kräver musikalisk talang och djup kunskap om musikalisk komposition. Vi kan lugnt säga att kompositören är den viktigaste figuren i musikvärlden. Därför hade varje berömd kompositör i musikhistorien en betydande inverkan på musikens utveckling på varje specifikt stadium. 1700-talets tonsättare Under andra hälften av 1700-talet levde och verkade två stora tonsättare - Bach och Mozart - som påverkade hela den efterföljande utvecklingen av musikkonsten. Johann Sebastian Bach (1685-1750) är den ljusaste representanten för musiktraditionen under 1600- och 1700-talen, klassad av historiker som barocktiden. Bach är en av de mest betydelsefulla kompositörerna i musikhistorien, efter att ha skrivit mer än tusen musikstycken i olika genrer under sitt 65-åriga liv. Johann Sebastian Bach är grundaren av en av de mest kända dynastierna i musikvärlden. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - ljus representant Wienskola, som mästerligt ägde många instrument: fiol, cembalo, orgel. I alla dessa genrer lyckades han inte bara som artist, utan i första hand som kompositör av musik. Mozart blev känd tack vare sitt fantastiska öra för musik och talang för improvisation.Det tredje viktigaste namnet i musikhistorien är Ludwig van Beethoven. Han verkade vid 1700- och 1800-talens skiftning inom alla då existerande musikgenrer. Hans musikaliska arv är extremt skiftande: det är sonater och symfonier, ouverturer och kvartetter, konserter för hans två favoritinstrument - fiol och piano. Beethoven anses vara den första representanten för romantiken i klassisk musik. Dessa verk skrevs av Ludwig van Beethoven 01-To Elise 02-Sonata nr 14 Lunar 03-Symfoni nr 5 04-Appasionata Sonata nr 23 05-Sonata nr 13 Patetisk 06-Egmontouvertyr 07-Sonata nr. 08-Symfoni nr 9 09- Sonata nr 21 Mozart skrev "Imaginary Simple Girl" "Scipios dröm" "Misericordias Domini" Mocarta 40. simfonija, 4. temps Ouvertyr till Don Giovanni "Figaro kāzu" uvertīra J.T. Konsert i D för Flöjt. 1 Vokalverk 2 Orgelverk 3 Verk för cembalo 4 Verk för soloinstrument utan klaviatur 5 Verk för cembaloduett med ett annat instrument Han är författare till 90 operor Författare till över 500 konserter Författare till över 100 sonater för olika instrument ackompanjerad av basso continuo ; sekulära kantater, serenader, symfonier, Stabat Mater och andra kyrkliga verk. Opera, pasticcios, baletter Terpsichore (prolog till 3:e upplagan av operan The Faithful Shepherd, 1734, Covent Garden Theatre); oratorier, oder och andra verk för kör och röster med orkester, konserter för orkester, sviter, konserter för instrument och orkester för ensemble av instrument - för piano 2 händer, för piano 4 händer för 2 pianon, för röst ackompanjerad av piano eller med annan ett instrument för ensamkör, musik för dramatiska föreställningar - I musikkonstens historia var 1700-talet av stor betydelse och är fortfarande av största intresse. Detta är eran för skapandet av musikaliska klassiker, födelsen av stora musikaliska koncept, i huvudsak redan sekulärt figurativt innehåll. Musiken steg inte bara till nivån för andra konster som hade blomstrat sedan renässansen, till litteraturens nivå när den är som bäst, utan överträffade på det hela taget den som uppnåddes av ett antal andra konster (särskilt bildkonst) och i slutet århundradet kunde skapa en stor syntetiseringsstil av ett så högt och bestående värde, som Wiensymfonin klassisk skola. Bach, Handel, Gluck, Haydn och Mozart är erkända toppar på denna musikkonsts väg från början till slutet av seklet. Men rollen för så originella och sökande konstnärer som Jean Philippe Rameau i Frankrike, Domenico Scarlatti i Italien, Philippe Emanuel Bach i Tyskland är också betydelsefull, för att inte tala om de många andra mästare som följde med dem i den allmänna kreativa rörelsen.

Här är en lista med 10 kompositörer du bör känna till. Om var och en av dem kan man med säkerhet säga att han är mest stor kompositör, vilket någonsin har varit, även om det faktiskt är omöjligt, och faktiskt omöjligt, att jämföra musik skriven under flera århundraden. Alla dessa tonsättare sticker dock ut bland sin samtid som de tonsättare som komponerat musiken. den högsta nivån och försökte tänja på den klassiska musikens gränser till nya gränser. Listan innehåller ingen ordning, såsom vikt eller personlig preferens. Helt enkelt 10 fantastiska kompositörer du borde känna till.

Varje kompositör åtföljs av ett citerat fakta från hans liv, och kom ihåg att du kommer att se ut som en expert. Och genom att klicka på länken till namnen kommer du att känna igen honom fullständig biografi. Och naturligtvis kan du lyssna på ett av varje mästares betydande verk.

Den viktigaste figuren i världens klassiska musik. En av de mest framförda och respekterade kompositörerna i världen. Han arbetade i alla genrer som fanns på hans tid, inklusive opera, balett, musik för dramatiska föreställningar, körkompositioner. Instrumentala verk anses vara de mest betydande i hans arv: piano-, violin- och cellosonater, piano- och violinkonserter, kvartetter, ouverturer, symfonier. Grundaren av den romantiska perioden inom klassisk musik.

Intressant fakta.

Beethoven ville först ägna sin tredje symfoni (1804) åt Napoleon, kompositören fascinerades av denna mans personlighet, som för många i början av sin regeringstid verkade vara en riktig hjälte. Men när Napoleon utropade sig själv till kejsare strök Beethoven över sin hängivenhet till titelsida och skrev bara ett ord - "Heroisk".

"Moonlight Sonata" av L. Beethoven, lyssna:

2. (1685-1750)

Tysk kompositör och organist, representant för barocktiden. En av de största kompositörerna i musikhistorien. Under sitt liv skrev Bach mer än 1000 verk. Alla betydelsefulla genrer från den tiden finns representerade i hans verk, förutom opera; han sammanfattade prestationerna av barockens musikkonst. Förfader till den mest kända musikdynastin.

Intressant fakta.

Under sin livstid var Bach så underskattad att mindre än ett dussin av hans verk publicerades.

Toccata och fuga i d-moll av J.S. Bach, lyssna:

3. (1756-1791)

Bra österrikisk kompositör, instrumentalist och dirigent, en representant för Wiens klassiska skola, en virtuos violinist, cembalist, organist, dirigent, han hade en fenomenal gehör, minne och förmågan att improvisera. Som en kompositör som har utmärkt sig i alla genrer anses han med rätta vara en av de största kompositörerna i den klassiska musikens historia.

Intressant fakta.

Som barn memorerade och skrev Mozart ner Miserere (Kat. sång till texten i Davids 50:e psalm) av italienaren Grigorio Allegri, efter att bara ha lyssnat på den en gång.

"Little Night Serenade" av W. A. ​​Mozart, lyssna:

4. (1813-1883)

Tysk kompositör, dirigent, dramatiker, filosof. Hade en betydande inverkan på europeisk kultur sekelskiftet XIX-XX, särskilt modernismen. Wagners operor häpnar med sin storslagna skala och eviga mänskliga värden.

Intressant fakta.

Wagner deltog i den misslyckade revolutionen 1848-1849 i Tyskland och tvingades gömma sig för arrestering av Franz Liszt.

"Ride of the Valkyries" från operan "Valkyrie" av R. Wagner, lyssna

5. (1840-1893)

Italiensk kompositör, centralfigur i den italienska operaskolan. Verdi hade känsla för scenen, temperament och oklanderlig skicklighet. Han förnekade inte operatraditioner (till skillnad från Wagner), utan utvecklade dem snarare (traditioner för italiensk opera), han förvandlade italiensk opera, fyllde den med realism, gav den helhetens enhet.

Intressant fakta.

Verdi var en italiensk nationalist och valdes in i det första italienska parlamentet 1860, efter Italiens självständighet från Österrike.

Ouvertyr till D.Verdis opera "La Traviata", lyssna:

7. Igor Fyodorovich Stravinsky (1882-1971)

Rysk (amerikansk - efter emigration) kompositör, dirigent, pianist. En av 1900-talets viktigaste kompositörer. Stravinskys verk har varit förenat under hela hans karriär, även om stilen på hans verk under olika perioder var annorlunda, men kärnan och de ryska rötterna fanns kvar, vilket manifesterade sig i alla hans verk, han anses vara en av de ledande innovatörerna på 1900-talet. Hans innovativ användning rytm och harmoni inspirerade och inspirerar många musiker, och inte bara inom klassisk musik.

Intressant fakta.

Under första världskriget konfiskerade romerska tulltjänstemän ett porträtt av Stravinsky av Pablo Picasso när kompositören lämnade Italien. Porträttet målades på ett futuristiskt sätt och tulltjänstemännen misstog dessa cirklar och linjer för något slags krypterat hemligt material.

Svit från I.F. Stravinskys balett "Eldfågeln", lyssna:

8. Johann Strauss (1825-1899)

Österrikisk lättmusikkompositör, dirigent och violinist. "King of Waltzes", han arbetade inom genren dansmusik och operett. Hans musikaliska arv omfattar mer än 500 valser, polkor, squaredanser och andra typer av dansmusik, samt flera operetter och baletter. Tack vare honom blev valsen extremt populär i Wien på 1800-talet.

Intressant fakta.

Far till Johann Strauss - även Johann och också känd musiker, därför kallas "valsarnas kung" den yngre eller sonen, hans bröder Joseph och Eduard var också kända kompositörer.

Vals av I. Strauss "På den vackra blå Donau", lyssna:

9. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873-1943)

Österrikisk kompositör, en av de framstående representanterna för Wiens klassiska musikskola och en av musikromantikens grundare. För min kort liv Schubert gjorde betydande bidrag till orkester-, kammar- och pianomusik som påverkade en hel generation kompositörer. Men hans mest slående bidrag var utvecklingen av tyska romanser, av vilka han skapade mer än 600.

Intressant fakta.

Schuberts vänner och medmusiker skulle träffas och spela Schuberts musik. Dessa möten kallades "Schubertiads" (Schubertiads). Någon första fanklubb!

"Ave Maria" F.P. Schubert, lyssna:

Fortsätter med temat de stora kompositörerna du borde känna till, nytt material.

Musiktolkning som ett resultat av samspelet mellan den musikaliska texten, utförandetraditioner och utövarens kreativa vilja.

Författarens information uppmuntrar artisten att tänka, föreställa sig, hitta associationer, ger upphov till känslor. Att utföra information påverkar författarens information, begränsar eller utökar den, kompletterar, transformerar, det vill säga det finns ett omtänkande musikstycke som ett resultat av vilket en konstnärlig bild skapas. Att ompröva författarens information bör inte i något fall leda till en förvrängning av författarens avsikt. Genuint uppträdande samskapande är endast möjligt när författarens information finner ömsesidiga känslor hos den utövande.

Arbetet med ett musikstycke är en kreativ process, vars mångfald förknippas med båda konstnärliga drag verk, såväl som med olika individuella egenskaper hos utövaren. Vilka uppgifter har han framför sig? Och vad som bidrar till utvecklingen kreativitet artist, stimulerar bildandet av hans musiksmak, professionella färdigheter?

Att utföra innebär att skapa genom djup penetration i verkets innehåll och förkroppsligande. musikaliskt innehåll utifrån den konstnärliga bilden. Att återskapa innehållet i ett verk innebär trohet mot författarens text, förståelse av kompositionens ideologiska inriktning, känslomässig rikedom (musikkonst påverkar den känslomässiga sfären av mänsklig uppfattning).

Att skapa en konstnärlig bild är omöjligt utan att ta hänsyn till originalitet historiska eran där verket skapades; hans genrefunktioner, nationella drag kompositörens världsbild, karaktären av användningen av uttrycksfulla musikmedel, det vill säga allt det vi kallar stildrag eller drag.

Tolkning -(från det latinska interpretatio - förtydligande, tolkning) - processen för ljudförverkligande av en musikalisk text. Tolkningen beror på de estetiska principerna för den skola eller riktning som konstnären tillhör, på hans individuella egenskaper och ideologiska och konstnärliga utformning. Tolkning innebär ett individuellt förhållningssätt till musik spelas, aktiv attityd, närvaron av artistens eget kreativa koncept av förkroppsligandet av författarens avsikt. Fram till början av 1800-talet var tolkningskonsten nära förknippad med kompositörernas arbete: som regel framförde tonsättare själva sina kompositioner. Tolkningsutvecklingen beror på intensifieringen av konsertverksamheten.

Som en självständig konst får tolkning en särskild betydelse under 1800-talets 20-30-tal. I utövande praktik är det godkänt ny typ musiker-tolk - utförare av verk av andra kompositörer. Parallellt finns det traditioner för författares framförande. Subtila tolkare av andra författares verk var F. Liszt, A.G. Rubinshtein, S.V. Rakhmaninov. Sedan andra hälften av 1800-talet har en teori om musikalisk tolkning formats (den studerar mångfalden av utövande skolor, estetiska tolkningsprinciper, tekniska problem med prestation), som i början av 1900-talet har blivit en av de områden inom musikvetenskap. Ett betydande bidrag till utvecklingen av den inhemska tolkningsteorin gjordes av G.M. Kogan, G.G. Neuhaus, S.Ya. Feinberg och andra.

Objektiv och subjektiv, intuitiv och rationell i musikaliskt framförande. Föreställningens kreativa natur.

Den berömda pianisten I. Hoffman skrev: "Den korrekta tolkningen av ett musikaliskt verk följer av dess korrekta förståelse, och det beror i sin tur på en noggrann läsning." Detta innebär att framförandets korrekta karaktär bevisas först och främst av en meningsfull tolkning, strikt överensstämmande med författarens text "Musiktexten är den rikedom som kompositören testamenterar, och hans framförandeinstruktioner är det medföljande brevet till testamentet ," sa kompositören och pianisten S. Feinberg. Däremot finns inte bara texten utan även verkets undertext. Den märkliga pianisten K. Igumnov ansåg att den "goda halvan" av artisten också borde föra in i texten från honom själv, det vill säga att han borde närma sig verkets inre karaktär, avslöja dess undertext. Den legendariske G. Neuhaus påminde alltid om behovet av att ständigt fördjupa sig i stämningen i det framförda verket, eftersom det är i denna stämning, som inte är helt mottaglig för musikalisk notation, som hela essensen av den konstnärliga bilden. Av allt ovanstående följer slutsatsen att det exakta utförandet av kompositörens text inte ska förstås som dess formella återgivning, utan som en meningsfull kreativ "översättning" av inspelningsschemat till verkliga ljudbilder.

Förståelse och tolkning som dialektiskt sammanhängande aspekter av tolkning. Generering av nya betydelser som ett resultat av tolkning. Specificitet för konstnärlig tolkning, intuitiv förståelse av tolkningsobjektet (upplevelse, synergetik).

Rollen av semantisk och estetisk analys av ett verk för att utföra tolkning

Intentionalitet och oavsiktlighet i musiktolkning

Det bör noteras att musikaliskt framförande först och främst är ett procedur-dynamiskt ögonblick. Detta innebär att förvandlingen musikalisk bild på scenen, under vilken vissa speciella förändringar i tolkningen av den musikaliska bilden äger rum. Forskare talar om variationen i musikåtergivning av en artist eller om en kombination av variabla och invarianta element.

Tolkningsprocessen kan representeras som samspelet mellan två motstridiga principer - avsiktlig (som fokus för stallet i processen) och oavsiktlig (som fokus för det föränderliga i processen). Dessa två stora och komplexa lager utgör strukturen i processen. Utplaceringen av denna struktur i tiden, helheten och kopplingen av dess element bildar en rörlig ljudintegritet, som i själva verket är en tolkningsprocess.

Avsiktlig startär ett generaliserat uttryck för givenheten i processen. Avsiktliga element inkluderar element, vars kvalitativa parametrar programmeras av musikern innan han börjar utföra handlingar och som han avser att implementera i den kommande processen. Tillsammans utgör dessa element en medvetet planerad del av prestationstolkningen och utgör processens kvantitativa dominant. Deras utmärkande drag är inneboende motivation, bestämdhet och semantisk betydelse. På ett eller annat sätt täcker överlag alla nivåer av designstrukturen. Den avsiktliga början bär stämpeln av konstnärens individuella konstnärliga medvetande, är ett tecken på hans kreativa unika.

Tolkningsprocessen reduceras inte till en konsekvent implementerad intentionalitet. kommer till sin rätt oavsiktlig start, oundvikligen närvarande i objektifieringshandlingarna och har en fundamentalt annorlunda karaktär. En oavsiktlig start är en dynamisk komponent i processen, vars delar uppstår spontant, fungerar som avvikelser från den kurs som den ursprungliga planen satte och bildar ett "existentiellt fält" av osäkerhet. Denna komponent, som återspeglar den irrationella aspekten av att utföra kreativitet, blir bärare av själva möjligheten till en oförutsägbar, självgenererad förändring i bilddesignen. Oavsiktlig start inkluderar element annan natur. Om vi ​​betraktar dem i det innehållssemantiska planet, blir det nödvändigt att dela in oavsiktliga element i två underarter: semantiska och asemantiska.

Semantisk (improvisation) synen förenar en grupp av inkommande element utrustade med konstnärlig och uttrycksfull mening. Eftersom de är en kreativ produkt av det omedvetnas "fria" (ospecificerade) aktivitet, resultatet av den momentana "aktiviteten" av intuition, fantasi, fantasi och inre rörelser av känslor, vanligtvis kallad konstnärlig upplevelse, bildar de ett konstnärligt och produktivt lager av en oavsiktlig början. Deras tecken är: oavsiktlighet, nyhet och semantisk betydelse, och den senare utgör grunden för enheten och släktskapet mellan improvisation och avsiktliga element, som stiger till samma källa - ljudbilden. Den oavsiktliga början inkluderar improvisation, men är inte begränsad till den.

Asemantisk (kaotisk) synen förenar en grupp av oavsiktliga element, vars utseende inte orsakas av konstnärliga faktorer, utan av ett "misslyckande" i aktivitet. Ursprunget till dessa element är förknippat med kränkningar inom de tekniska och reglerande områdena för utförande. De uppträder i form av att utföra fel, defekter och ögonblick av desorganisering av processen. Asemantiska element orsakar skada på det som var tänkt, ger inte ett "subjektivt" semantiskt resultat, utan förstör bara processen mer eller mindre betydande, därför utgör de ett konstnärligt improduktivt lager av en oavsiktlig början. Med tanke på den extremt olämpliga, otvetydigt destruktiva funktionsnivån för denna komponent, kan den kallas "kaotisk".

Frågan om lämpligheten av den framförande tolkningen av ett musikaliskt verk.

Musikern ska inte bara behärska texten, hans huvuduppgift är att förstå kompositörens avsikt, återskapa hans musikaliska bilder förkroppsligade i ett musikstycke och välja uttrycksmedel för den mest exakta överföringen.

A. France skrev: ”Att förstå ett perfekt konstverk innebär i allmänhet att återskapa det i ditt eget inre värld". K.S. Stanislavsky sa att endast "skådespelarens djupa penetration i författarens idé, vänja sig vid bilden som förkroppsligas på scenen, när skådespelaren lever, känner och tänker på samma sätt som rollen, först då kan hans handlingar leda till framgång på scenen. .”

Den italienske pianisten F. Busoni talade om detta ämne på följande sätt: ”Det är en nästan övermänsklig uppgift att kasta tillbaka egna känslor för att reinkarnera i de mest skilda individernas känslor och därifrån studera deras skapelse. Mycket subtilt märkte den kreativa essensen av scenkonst den ryske kritikern V.G. Belinsky: "Skådespelaren kompletterar idén om författaren med sitt pjäs, och hans kreativitet består i detta - det tillägget." Samma logik fungerar i musikalisk och scenkonst.

EN. Serov, en berömd rysk kompositör och musikkritiker, skrev:”En roll - åtminstone från en Shakespearesk pjäs, musik - även från Beethoven själv, i förhållande till en lysande föreställning, är bara en sketch, en essä; målar, fullt liv ett verk föds endast under artistens charmiga kraft.

Till exempel den mest populära första konserten för piano och orkester av P.I. Tjajkovskij, blev allmänt känd bara 4 år efter den första föreställningen, då den briljant framfördes av N. Rubinstein. Samma historia hände med P. Tjajkovskijs violinkonsert, som först efter dess framförande av L. Auer tog sin rättmätiga plats i violinisternas konsertrepertoar.

Dessa exempel visar den kreativa karaktären av att utföra aktivitet, som inte är en enkel, formell översättning av författarens text till ljud, utan dess kreativa prestation. Den psykologiska essensen av tolkningen uttrycktes mycket exakt av A.N. Serov: " Stort mysterium stora artister i det faktum att de lyser upp från insidan, lyser upp, lägger in en hel värld av förnimmelser från sina egna själar, utförda av kraften i deras talang.

Tolkning är inte begränsad till utövarens professionella meriter och skicklighet. Det är ett uttryck för alla aspekter av personligheten och är förknippat med världsbilden, ideologisk inriktning, gemensam kultur, mångsidig kunskap och sätt att tänka som utgör personlighetens inre innehåll.

Utövarens offentliga, moraliska och professionella ansvar har ökat sedan slutet av 1700-talet - mitten av 1800-talet, då scenkonsten skiljde sig från kompositörens. Verkets öde började i många avseenden bero på utföraren.

A. Rubinstein: ”Det är helt obegripligt för mig vad som allmänt förstås med objektiv prestation. Varje prestation, om den inte produceras av en maskin, utan av en person, är i sig subjektiv. Korrekt förmedla innebörden av objektet (sammansättningen) - skulder är lagen för utföraren, men alla gör det på sitt eget sätt, det vill säga subjektivt; och går det att tänka annorlunda? Om återgivningen av en komposition ska vara objektiv, så skulle bara ett sätt vara korrekt, och alla artister skulle behöva imitera det; vad skulle artister bli? Apor? Finns det bara en framställning av rollen som Hamlet, eller kung Lear, etc.? Så inom musik förstår jag bara subjektivt framförande.”

Bildande av en konstnärlig och utförande idé och dess genomförande

När det gäller tolkning hör exceptionell betydelse till fantasin - den mentala processen att vika bilden av framtida aktivitet eller skapa en ny i formen vanlig idé, eller en mer specifik representation av slutprodukten av en aktivitet. Fantasi är alltid en mental konstruktion av ett program för efterföljande aktivitet, före dess materiellt förkroppsligade form. Skilja mellan rekreativ och kreativ fantasi. Kreativt är att skapa nya idéer och bilder. Återskapa är konstruktion av bilder baserade på musikalisk text osv. Återskapa fantasi - psykologisk grund skapande av musikalisk och utövande tolkning.

Två typer av artister - emotionell typ (anhängare av "konsten att uppleva") och konstnärer av den intellektuella typen ( teaterkonst, Stanislavsky).

Det finns syntetiska artister. En anmärkningsvärd kombination av dessa två principer finns i S.V. Rachmaninov och P. Casals, A. Toscanini och J. Heifitz, D. Oistrakh och S. Richter, L. Kogan och E. Gilels, E. Svetlanov och V. Fedoseev. De kännetecknas av en djup insikt i innehållet i ett musikstycke, en lysande enhet av innehåll och form, en intressant, originell tolkning och utmärkt teknisk skicklighet. Denna typ kännetecknas av en balans mellan de emotionella och intellektuella principerna, som är medvetet reglerad.

Olika aspekter av tolkning: 1. tolkning av upphovsmannens avsikt; 2. historiskt arv; 3. interkulturella och intrakulturella relationer. Autentisk föreställning, fördjupning i det historiska och kulturella sammanhanget.

Arbetet med ett musikaliskt verk bör bygga på dess omfattande studie. Detta gör att du kan fördjupa dig i den figurativa sfären, behålla konstnärens intresse för verket och slutligen förstå författarens avsikt.

Den viktigaste utgångspunkten på denna långa och svåra väg är eran då det ena eller det andra verket skapades. Kompositörer, som det var, talar olika språk vid olika tidpunkter, förkroppsligar olika ideal, speglar livsaspekter som är karakteristiska för en viss tid, filosofiska och estetiska åsikter, begrepp. Följaktligen används också uttrycksfulla medel. Det är nödvändigt att förstå varför just denna stil uppstod i en viss era, att associera den med kompositörens personlighet, som är "produkten" av eran, tillhör en viss social grupp, nationalitet, att sätta ett musikstycke under dessa förhållanden och att fastställa i vilket förhållande det står till skaparen och tiden.

Låt oss ta det inbördes förhållandet mellan epoken och notationen av rörelse (tempo). Under olika epoker tolkades tempot på olika sätt. Under den förklassiska perioden indikerade tempi för "Allegro", "Andante", "Adagio", till exempel inte rörelsens hastighet, utan musikens natur. Scarlattis Allegro är långsammare (eller mer återhållsam) än klassikernas Allegro, medan Mozarts Allegro är långsammare (mer återhållsam) än Allegro i sin moderna mening. Mozarts Andante är mer rörlig. Snarare än att vi förstår det nu. Detsamma kan sägas om förhållandet musikaliska eran med dynamik och artikulation. Naturligtvis tillåter närvaron av auktoritet en att argumentera någonstans med dynamiska indikationer, att uppfatta piano, pianissimo, forte, fortissimo på ett nytt sätt.

ljudinspelning

De första enheterna för att spela in och återge ljud var mekaniska musikinstrument. De kunde spela melodier, men kunde inte spela in godtyckliga ljud som den mänskliga rösten. Automatisk musikuppspelning har varit känd sedan 800-talet, då bröderna Banu Musa omkring 875 uppfann det äldsta kända mekaniska instrumentet - en hydraulisk eller "vattenorgel", som automatiskt spelade utbytbara cylindrar. Cylindern med utskjutande "kamar" på ytan förblev huvudmedlet för mekanisk återgivning av musik fram till andra hälften av 1800-talet. Skapad under renässansen hela raden olika mekaniska musikinstrument som återger den eller den melodin i rätt tid: fatorgel, speldosor, dosor, snusdosor.

1857 uppfann de Martinville fonautograf. Apparaten bestod av en akustisk kon och ett vibrerande membran kopplat till en nål. Nålen var i kontakt med ytan av en manuellt roterad sottäckt glascylinder. Ljudvibrationer, som passerade genom konen, fick membranet att vibrera och överförde vibrationer till nålen, som spårade formen av ljudvibrationer i sotlagret. Syftet med den här enheten var dock rent experimentellt - den kunde inte spela upp den inspelade inspelningen.

1877 uppfann Thomas Edison fonografen, som redan kunde spela upp hans egen inspelning. Ljud spelas in på media i form av ett spår, vars djup är proportionell mot ljudets volym. Fonografens ljudspår är placerat i en cylindrisk spiral på en utbytbar roterande trumma. Under uppspelning överför nålen som rör sig längs spåret vibrationer till ett elastiskt membran som avger ljud.

Edison Thomas Alva (1847-1931), amerikansk uppfinnare och entreprenör. Författare till mer än 1000 uppfinningar inom området elektroteknik och kommunikation. Han uppfann världens första ljudinspelningsenhet - fonografen, förbättrade glödlampan, telegrafen och telefonen, byggde världens första kraftverk 1882.

I den första fonografen roterades en metallrulle av en vev, som rörde sig axiellt med varje varv på grund av en skruvgänga på drivaxeln. En stålfolie (staniol) applicerades på rullen. Den berördes av en stålnål kopplad till ett pergamentmembran. Ett konhorn av metall fästes vid membranet. Vid inspelning och uppspelning av ljud måste rullen roteras manuellt med en hastighet av 1 varv per minut. När rullen roterade i frånvaro av ljud, extruderade nålen ett spiralspår (eller spår) med konstant djup på folien. När membranet vibrerade, pressades nålen in i plåten i enlighet med det uppfattade ljudet, vilket skapade ett spår med varierande djup. Så metoden för "djupinspelning" uppfanns.

Vid det första testet av sin apparat drog Edison folien hårt över cylindern, förde nålen till cylinderns yta, började försiktigt rotera handtaget och sjöng den första strofen i barnsången "Mary had a sheep" i munstycke. Sedan tog han bort nålen, återställde cylindern till sitt ursprungliga läge med handtaget, satte nålen i det dragna spåret och började återigen rotera cylindern. Och från munstycket lät en barnsång mjukt, men tydligt.

År 1885 utvecklade den amerikanske uppfinnaren Charles Tainter (1854-1940) grafofonen – en fotmanövrerad fonograf (som en fotmanövrerad symaskin) – och ersatte plåtrullarna med vax. Edison köpte Tainters patent, och istället för folierullar användes avtagbara vaxrullar för inspelning. Tonhöjden på ljudspåret var ca 3 mm, så inspelningstiden per rulle var mycket kort.

I nästan oförändrad form fanns fonografen i flera decennier. Som en anordning för inspelning av musikverk upphörde den att produceras i slutet av 1900-talets första decennium, men i nästan 15 år användes den som röstinspelare. Rullar för den tillverkades fram till 1929.

Efter 10 år, 1887, ersatte grammofonens uppfinnare, E. Berliner, rullarna med skivor som man kan göra kopior av - metallmatriser. Med deras hjälp trycktes välkända grammofonskivor (bild 4 a.). En matris gjorde det möjligt att skriva ut en hel upplaga - minst 500 skivor. Detta var den största fördelen med Berliners skivor framför Edisons vaxcylindrar, som inte gick att replikera. Till skillnad från Edisons fonograf utvecklade Berliner en apparat för ljudinspelning - en brännare och en annan för ljudåtergivning - en grammofon.

Istället för djupinspelning användes tvärinspelning, d.v.s. nålen lämnade ett slingrande spår av konstant djup. Därefter ersattes membranet av mycket känsliga mikrofoner som omvandlar ljudvibrationer till elektriska vibrationer och elektroniska förstärkare. 1888 är året då Berlingers grammofonskiva uppfanns.

Fram till 1896 fick skivan roteras för hand, och detta var det främsta hindret för den utbredda användningen av grammofoner. Emil Berliner utlyste en tävling om en fjädermotor - billig, tekniskt avancerad, pålitlig och kraftfull. Och en sådan motor designades av mekanikern Eldridge Johnson, som kom till Berliners företag. Från 1896 till 1900 cirka 25 000 av dessa motorer tillverkades. Först då fick Berliners grammofon stor spridning.

De första skivorna var enkelsidiga. 1903 släpptes en 12-tums dubbelsidig skiva för första gången.

1898 uppfann den danske ingenjören Voldemar Paulsen (1869-1942) en apparat för magnetisk inspelning av ljud på ståltråd. Senare uppfann Paulsen en metod för magnetisk inspelning på en roterande stålskiva, där information registrerades i en spiral av ett rörligt magnethuvud. 1927 utvecklade F. Pfleimer en teknik för tillverkning av ett magnetband på icke-magnetisk basis. På grundval av denna utveckling demonstrerade det tyska elföretaget "AEG" och kemiföretaget "IG Farbenindustri" 1935 vid den tyska radioutställningen ett magnetband på en plastbas belagd med järnpulver. Bemästrade in industriell produktion, det kostade 5 gånger billigare än stål, det var mycket lättare, och viktigast av allt, det gjorde det möjligt att koppla ihop bitar genom enkel limning. För att använda det nya magnetbandet utvecklades en ny ljudinspelningsenhet, som fick varumärket "Magnetofon". Magnetband är lämpligt för upprepad ljudinspelning. Antalet sådana poster är praktiskt taget obegränsat. Det bestäms endast av den nya informationsbärarens mekaniska styrka - magnetband. Den första tvåspåriga bandspelaren släpptes av det tyska företaget AEG 1957, och 1959 släppte detta företag den första fyrspåriga bandspelaren.

"Det sannaste och högsta botemedlet

tjänst till stora kompositörer

består i att föra dem till fullo

konstnärens uppriktighet"

(Alfred Cortot).

Sedan uppkomsten av ett musikstycke inspelat i ett visst notationssystem har de kreativa relationerna mellan musikens huvudbärare - kompositörer och artister - varit i ständig förändring. I detta samväldet kämpar två tendenser - önskan om fusion med önskan om självuttryck. Sedan mitten av 1800-talet har den ryska pianismen blivit en av de mest progressiva grupperna i scenkonstens värld. I Ryssland, tidigare än någon annanstans, förstod de behovet av den mest noggranna studien av författarens text i kombination med en kreativ inställning till den. De första fyra decennierna av 1900-talet är tiden för den mest harmoniska lösningen av frågan om inställningen till författarens text; pianister började förstå essensen av verket och stilen hos dess skapare mycket djupare. Sovjetiska musiker har gjort ett värdigt bidrag till världen som utför Bakhiana. M.V. Yudina dyrkade Bach genom hela henne kreativt liv. Detta bevisas av antalet (omkring åttio) av hans kompositioner som spelas av pianisten - nästan unikt för artister i hennes generation. I Bachs repertoar övergav hon många uttrycksfulla romantiska medel, inklusive specifika piano; den präglades av en mer historisk, i jämförelse med romantikernas tolkningar, läsning av Bach. Yudina var en av de första som insåg att Bachs kreativitet och det moderna pianot hör till olika epoker som vid liv konstnärlig verklighet, vilket försätter tolken i en svår situation. HANDLA OM innovativa funktioner Yudinas stil kan bedömas av hennes framförande av Chromatic Fantasy and Fugue, som kännetecknas av linjära figurationer, asketisk färgning och energisk cembalodissektion av artikulation. Uppmärksamheten uppmärksammas på "registreringen" i gammal clavieranda, med en touch av organism, samt det långsamma, "suveräna" tempot och strikta agogiken. Pianistens lust efter stil har aldrig förvandlats till en museilik "torrhet" av hennes framträdande. I tolkningarna av Yudina började förmågan att uttrycka en lång nedsänkning i ett känslomässigt tillstånd, förlorad i romantiska läsningar, återvända till Bachs verk: återupplivandet av principerna för registrering av klaver-organ; försvinnandet av diminuendon i de sista takterna; förkastandet av traditionen att gradvis öka ljudets kraft i fugorna från början till slutet, frånvaron av impulsiv rubato. Ytterligare en "klavier" funktion i Yudinas prestationsbeslut bör noteras - artikulationens ökade betydelse.

Bland sovjetiska musiker blev Svyatoslav Teofilovich Richter en klassiker på den postromantiska scenen i pianismens historia, en konstnär i vars verk de ledande trenderna från den nya uppträdande eran var koncentrerade. Han skapade tolkningar, utan vilka historien om framförandet av Bachs musik är otänkbar. Richter bröt resolut med tendenserna till en romantiserande tolkning av denna kompositörs verk, och tog bort transkriptioner från sina program. I Preludier och fugor från HTK, som intar huvudplatsen i Richters Bach-diskografi, ställer han den romantiska friheten, tolkningarnas subjektivitet mot önskan om maximal objektivitet och liksom "går in i skuggan", vill låta "musiken själv" ljud. Dessa tolkningar är genomsyrade av en försiktig, kysk inställning till författaren. Självupptaget dominerar här helt de yttre manifestationerna av känslor; emotionell intensitet gissas endast i en enorm intellektuell spänning. Den unika skickligheten återspeglas i dess osynlighet, i lakonismen och askesen hos pianistiska medel. Vi hör i Richter möjligheten till orgel, sång, orkester, orkesterkör och cembaloljud och klockor. ”Jag är övertygad om att Bach kan spelas bra på olika sätt, med olika artikulationer och med olika dynamik. Om bara helheten bevaras, om bara stilens strikta konturer inte förvrängs, om bara framförandet är tillräckligt övertygande” (S.T. Richter).

Ett djupt och heltäckande, verkligt konstnärligt förhållningssätt till CTC-cykeln är utmärkande för Richter. När man lyssnar på Richters framträdande är det lätt att upptäcka två huvudtendenser hos honom, som ibland slåss med varandra. Å ena sidan tycks hans framträdande ligga inom de gränser som förutbestämts av särdragen i klätterkonsten på Bachs tid. Å andra sidan sysslar den ständigt med fenomen som går över dessa gränser. ”I den ”löds” liksom Bachs cembalo, klavikord och orgelsympatier och hans briljanta framtidsinsikter samman” (J. Milshtein). Den kombinerar både uttrycksfulla och konstruktiva element, såväl som linjära. Det är därför som Richter i andra preludier och fugor lyfter fram den intellektuella, konstruktivt-polyfoniska principen och förbinder deras figurativa struktur med den; i andra betonar den det filosofiska djupet i Bachs musik och den organiska balansen mellan alla uttrycksmedel som är förknippade med den. Ibland attraheras han av uttrycket av mjukt flödande melodiska linjer (sammanhängande artikulation av legato), ibland tvärtom, av skärpan och klarheten i rytmen, dissektionen av artikulationen. Ibland strävar han efter romantisk mjukhet, spelets plasticitet, ibland efter skarpt betonade dynamiska kontraster. Men han kännetecknas förstås inte av "känslig" avrundning av frasen, små dynamiska nyanser, omotiverade avvikelser från huvudtempot. Det är också extremt främmande för den mycket uttrycksfulla, impulsiva tolkningen av Bach, asymmetriska accenter, skarp betoning på individuella toner och motiv, plötslig "spastisk" acceleration av tempo, etc. Hans prestation av HTK är stabil, storskalig, organisk och hel. "Hans högsta lycka är att upplösas i viljan hos den kompositör han har valt" (Y. Milshtein).

Den främsta drivkraften i Glenn Goulds anmärkningsvärda, världserövrande tolkningar är hans fantastiska intuition, den oemotståndliga kraften av musikaliska känslor som lever i honom. Guldovsky Bach är den största höjdpunkten av scenkonsten under andra hälften av 1900-talet. Cembalopaletten av Goulds pianism, dess melismatik och mycket mer vittnar om intellektet och den djupaste penetrationen i Bachs tids kultur. Goulds tolkningar av uppfinningar, partitor, Goldberg-variationer och andra verk av Bach blev en konstnärlig tillgång, som av vår samtid uppfattades som mästerverk av scenkonst, som en stilistisk standard renad från alla ackumulerade lager. Men mästarens kreativa dominant har aldrig varit en imitation av Bach. Han underkastar sig sin intuition, samtidigt som han inte stannar vid förändringar i de direkta uppgifterna i Bachs "vita" text. Gould framför Bachs verk med varierande grad av konstnärlig övertygelse. Inte alla fugorna från den första volymen av CTC framförs på den vanliga konstnärliga nivån för Gould. I mästarens spel finns det ofta direkta slöseri från texten, dess rytmiska höghöjdsvarianter.

Goulds pjäs är slående i sitt original och i högsta graden, uttrycksfull melismatik. Deras placering är också original - många läggs till, andra utförs inte. Utan dem hade Bachs tolkningar av konstnären förlorat mycket. Konstnären tillgriper ofta rytmiska varianter av texten. Men om ovanstående särdrag i mästarens spel inte introducerar långtgående förändringar i verkens karaktär och innebörd, så inkräktar andra Goulds förvandlingar på själva essensen av kompositionerna. Den kanadensiska mästarens tolkningar täcker det rikaste fantasifulla spektrumet. Han spelar många saker med djup lyrik, rytmisk frihet, ovanligt för Bach och korta fraser. Hans spel slår till med perfektion, röstens konvexitet leder. Hela musikväven är tydlig "som i din handflata." Musiken tycks berikas av alla rösters uttrycksfulla intonation.

Mycket utvecklad, varierad, förfinad linjekonst av mästarens pjäs. Hans drag ger motivstrukturen i Bachs melodier det mest varierande utseende. Av särskilt intresse är den ovanliga metoden att variera slag i samma melodier, inklusive teman om fugor, uppfinningar och andra verk, och öppnar för nya framförandeproblem. Studiet av Bachs orkesterverk, som innehåller ett visst antal författarligor - streck, visar möjligheten till ett sådant exempel. Den store kompositören själv varierade slag, och inte så sällan. Den kanadensiske fritänkaren skapade vår tids mest övertygande Bach. Han är en annan Bach: inte den som var under hans livstid, och inte den som, i förändring, visade sig för olika generationer, men han förefaller för Goulds samtida den mest autentiska Bach.

Inom instrumentalmusikens område öppnade J.S. Bachs verk en helhet ny era, vars fruktbara inflytande sträcker sig till våra dagar och aldrig kommer att torka ut. Ohindrad av den förbenade dogmen i en religiös text är musiken brett riktad mot framtiden, direkt nära verkliga livet. Det är nära förknippat med traditioner och tekniker för sekulär konst och musikskapande.

Ljudvärlden i Bachs instrumentala musik präglas av en unik originalitet. Bachs skapelser har kommit in ordentligt i vårt medvetande, har blivit ett integrerat estetiskt behov, även om de låter på andra instrument än dåtidens.

Instrumentalmusik, särskilt Köthen, tjänade Bach som ett "experimentellt fält" för att fullända och finslipa sin omfattande komponerande teknik. Dessa verk har bestående konstnärligt värde, de är en nödvändig länk i Bachs övergripande kreativa utveckling. Klaviern blev för Bach den dagliga basen för musikaliska experiment inom området ordning, harmoni och formgivning, och kopplade mer vida samman de olika genresfärerna av Bachs kreativitet. Bach utvidgade klavierets figurativt-expressiva sfär och utvecklade för den en mycket bredare, syntetisk stil, som inkorporerade uttrycksfulla medel, tekniker, tematik lärd från orgel-, orkester-, vokallitteratur - tyska, italienska, franska. Trots det figurativa innehållets mångsidighet, som kräver ett annat sätt att prestera, kännetecknas Bachs klaverstil av vissa gemensamma drag: energisk och majestätisk, innehåll och balanserad känslomässig struktur, rikedom och variation av textur. Konturen av klavermelodin är uttrycksfullt melodisk, vilket kräver ett kantabiliskt spelsätt. Bachs fingersättning och inställning av handen hänger i större utsträckning samman med denna princip. En av stilens karakteristiska egenskaper är presentationens mättnad med harmoniska figurer. Genom denna teknik försökte kompositören "höja till ytan av klangen" de djupa lagren av dessa storslagna harmonier, som, i den sammansmälta texturen på dåtidens klavier, inte helt kunde avslöja de skatter av färg och uttryck som fanns i dem.

Bachs verk är inte bara fantastiska och oemotståndligt fängslande: deras inflytande blir starkare ju oftare vi hör dem, ju mer vi lär känna dem. Tack vare den enorma rikedomen av idéer hittar vi något nytt i dem varje gång som orsakar beundran. Bach kombinerade en majestätisk och sublim stil med den finaste utsmyckningen, den största noggrannheten vid valet av detaljerna i en kompositionshelhet, för han var övertygad om att "helheten inte kan vara perfekt om detaljerna i denna helhet inte är "passade" till varandra" (I. Forkel).

Teknik, utveckling» www.metodkabinet.rf

Pianist - tolk. modern pianism.

Iovenko Yulia Evgenievna, pianolärare, MAOUK DOD Children's Music School, Komsomolsk-on-Amur, Khabarovsk Territory

Minprojektgäller tolkningsfrågor pianomusik.

I den ska jag röra lite ämnet för pianoscenkonstens historia, såväl som frågan om trender inom modern scenpianism, kommer jag att prata om några pianister i vår tid, som enligt min mening är de bästa tolkarna av den här eller den kompositören.

Musik inom ett antal konster intar en speciell plats i dess specificitet. Objektivt existerande i form av notskrift behöver musik en handling av återskapande av artisten, hans konstnärliga tolkning. I själva musikens natur ligger den dialektiska enheten i ett musikaliskt verk och framförande.

Musikframförande är alltid samtida kreativitet, kreativiteten i en given era, även när själva verket är skilt från det av en lång tidsperiod.

Beroende på eran av utvecklingen av pianomusik, utvecklade pianister en viss stil av framförande, ett visst sätt att spela.

Clavierperiod är en förhistoria för pianospel. Vid den här tiden bildades typen av musiker-utövare, "spelande kompositör". Kreativ improvisation är kärnan i scenkonsten. Virtuositeten hos en sådan musiker reducerades inte så mycket till teknisk perfektion, utan till förmågan att "tala" med publiken med hjälp av ett instrument.

Ny milstolpe musikuppträdande kommer mot slutet av 1700-talet med marknadsföring av ett nytt soloinstrument - hammarpianot. Komplikationen av det musikaliska innehållet orsakade behovet av korrekt musikalisk notation, samt fastställande av särskilda framförande instruktioner.

Pianoframträdanden får känslomässig rikedom och dynamik.

I slutet av 1700-talet fanns ny form att göra musik - en offentlig, betald konsert. Det finns en arbetsfördelning mellan kompositör och artist.

Början av 1800-talet en ny typ av musiker håller på att bildas - "komponerande virtuos". Nya rumsliga och akustiska förhållanden (stora konserthallar) krävde större ljudkraft från artisterna. För att förstärka den psykologiska effekten introduceras element av underhållning. Ansiktets och händernas "lek" blir ett medel för rumslig "skulptering" av den musikaliska bilden. Publiken påverkas av spelets virtuosa omfattning, en djärv lustflykt, ett färgstarkt utbud av känslomässiga nyanser.

Och slutligen vid mitten av 1800-talet men en musiker-tolkare, en tolkare av någon annans kompositörs kreativitet, håller på att bildas. För tolken ger föreställningens uteslutande subjektiva karaktär vika för en tolkning som ställer objektiva konstnärliga uppgifter för honom - avslöjande, tolkning och överföring. bildligt system musikaliskt verk och dess författares avsikt.

Nästan allting 1800-talet kännetecknas av en kraftfull blomning av pianospel. Föreställningen blir den andra skapelsen, där tolken är jämställd med kompositören. Den vandrande virtuosen i alla dess varianter blir huvudfiguren i den uppträdande sfären - från piano-"akrobater" till propagandistiska artister. I Chopins, Liszts, bröderna Rubinsteins verksamhet dominerar idén om enheten mellan konstnärliga och tekniska principer, å andra sidan satte Kalkbrenner och Laugier huvudmålet att utbilda en virtuos student. Stilen hos många mästare på 1800-talet var fylld med sådan verkställande egensinnighet att vi skulle anse den som hundra procent smaklös och oacceptabel.

1900-talet kan säkert kallas de stora pianisternas århundrade: så många under en tidsperiod, det verkar som om de aldrig har hänt förut. Paderevsky, Hoffmann, Rachmaninov, Schnabel - i början av århundradet, Richter, Gilels, Kempff - under andra halvan. Listan är oändlig...

Vid tur av XX-X jag århundraden Variationen av tolkningar är så stor att det ibland inte alls är lätt att förstå dem. Vår tid är mångfalden av uppträdande sätt.

Modern konst att spela piano. Vad det är? Vad händer i den, vad dör och vad föds?

I allmänhet är trenden med pianokonst idag, i motsats till vad den var för 50 år sedan, prioriteringen av detaljer framför det allmänna konceptet. Det är i olika läsningar av mikrodetaljer som moderna artister vill hitta sin individualitet.

Det är också förekomsten av en outtalad prestationsregel: ”Det finns ingen homofoni. Hela pianostrukturen är alltid polyfon rakt igenom, och till och med stereofonisk. En grundläggande princip är kopplad till detta: varje finger är ett separat och levande och specifikt instrument som ansvarar för varaktigheten och kvaliteten på ljudet "(citat från en föreläsning - en lektion av Mikhail Arkadiev).