อิมเพรสชันนิสม์เป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะ เรื่องราว

อิมเพรสชันนิสม์(Impressionism, French impression - ความประทับใจ) เป็นทิศทางในการวาดภาพที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในทศวรรษที่ 1860 และเป็นตัวกำหนดพัฒนาการของศิลปะในศตวรรษที่ 19 เป็นอย่างมาก บุคคลสำคัญของเทรนด์นี้คือ Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir และ Sisley และการมีส่วนร่วมของแต่ละคนในการพัฒนานั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว อิมเพรสชั่นนิสต์ต่อต้านแบบแผนของลัทธิคลาสสิก, แนวโรแมนติกและวิชาการ, ยืนยันความงามของความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน, แรงจูงใจที่เรียบง่าย, ประชาธิปไตย, บรรลุความถูกต้องของภาพที่มีชีวิตชีวา, พยายามจับภาพ "ความประทับใจ" ของสิ่งที่ตาเห็นในช่วงเวลาใดเวลาหนึ่ง

ธีมที่พบเห็นได้ทั่วไปที่สุดสำหรับศิลปินอิมเพรสชันนิสต์คือภูมิทัศน์ แต่พวกเขายังได้สัมผัสกับหัวข้ออื่นๆ อีกมากมายในงานของพวกเขาด้วย ตัวอย่างเช่น เดอกาส์แสดงภาพเชื้อชาติ นักบัลเล่ต์ และคนซักผ้า ขณะที่เรอนัวร์บรรยายภาพผู้หญิงและเด็กที่มีเสน่ห์ ในภูมิทัศน์แบบอิมเพรสชันนิสม์ที่สร้างขึ้นในที่โล่ง ลวดลายที่เรียบง่ายในชีวิตประจำวันมักถูกเปลี่ยนด้วยแสงที่เคลื่อนไหวแผ่ซ่านไปทั่ว ซึ่งนำความรู้สึกรื่นเริงมาสู่ภาพ ในบางวิธีของการสร้างองค์ประกอบและพื้นที่แบบอิมเพรสชันนิสต์ อิทธิพลของการแกะสลักแบบญี่ปุ่นและการถ่ายภาพบางส่วนเป็นสิ่งที่สังเกตได้ อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นคนแรกที่สร้างภาพหลายแง่มุมของชีวิตประจำวันของเมืองสมัยใหม่ โดยจับภาพความแปลกใหม่ของภูมิทัศน์และรูปลักษณ์ของผู้คนที่อาศัยอยู่ในเมือง วิถีชีวิต การทำงาน และความบันเทิง

อิมเพรสชันนิสต์ไม่ได้พยายามที่จะแตะต้องปัญหาสังคมเฉียบพลัน ปรัชญา หรือเรื่องน่าตกใจในงานของพวกเขา โดยมุ่งเน้นเฉพาะวิธีต่างๆ ในการแสดงความประทับใจต่อชีวิตประจำวันรอบตัว ในความพยายามที่จะ "เห็นช่วงเวลา" และสะท้อนอารมณ์

ชื่อ " อิมเพรสชันนิสม์" เกิดขึ้นหลังจากงานนิทรรศการในกรุงปารีสในปี พ.ศ. 2417 ซึ่งจัดแสดงภาพวาดของโมเนต์เรื่อง "Impression. The Rising Sun" (1872 ภาพวาดถูกขโมยจากพิพิธภัณฑ์ Marmottan ในปารีสในปี 1985 และตอนนี้อยู่ในรายชื่อของ Interpol)

นิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์มากกว่าเจ็ดครั้งจัดขึ้นระหว่างปี พ.ศ. 2419 ถึง พ.ศ. 2429; ในตอนท้ายของช่วงหลังมีเพียง Monet เท่านั้นที่ยังคงปฏิบัติตามอุดมคติของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์อย่างเคร่งครัด "อิมเพรสชั่นนิสต์" เรียกอีกอย่างว่าศิลปินที่อยู่นอกฝรั่งเศสซึ่งวาดภาพภายใต้อิทธิพลของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส (เช่น เอฟ. ดับเบิลยู. สแตร์) ชาวอังกฤษ

ศิลปินอิมเพรสชันนิสต์

ภาพวาดอิมเพรสชันนิสต์ที่มีชื่อเสียง:

เอ็ดการ์ เดอกาส์

โกลด โมเนต์

ในช่วงสามของศตวรรษที่สิบเก้า ศิลป์ฝรั่งเศสยังเล่นอยู่ บทบาทนำในชีวิตศิลปะของประเทศในยุโรปตะวันตก ในเวลานี้มีแนวโน้มใหม่ ๆ มากมายในการวาดภาพซึ่งตัวแทนกำลังมองหาวิธีการและรูปแบบการแสดงออกที่สร้างสรรค์ของตนเอง

ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นและสำคัญที่สุดของศิลปะฝรั่งเศสในยุคนี้คือลัทธิอิมเพรสชั่นนิสต์

อิมเพรสชั่นนิสต์ประกาศตัวเองเมื่อวันที่ 15 เมษายน พ.ศ. 2417 ที่นิทรรศการปารีสซึ่งจัดขึ้นภายใต้ ท้องฟ้าเปิดบนถนน Boulevard des Capucines ที่นี่ ศิลปินอายุน้อย 30 คนซึ่งผลงานถูกปฏิเสธโดยซาลอนจัดแสดงภาพวาดของพวกเขา สถานที่กลางในนิทรรศการมอบให้กับภาพวาดของ Claude Monet "Impression พระอาทิตย์ขึ้น". องค์ประกอบนี้น่าสนใจเพราะเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพ ศิลปินพยายามถ่ายทอดความประทับใจบนผืนผ้าใบ ไม่ใช่วัตถุแห่งความเป็นจริง

นิทรรศการดังกล่าวได้รับการเยี่ยมชมโดยตัวแทนของฉบับ Sharivari นักข่าว Louis Leroy เขาเป็นคนแรกที่เรียก Monet และเพื่อนร่วมงานของเขาว่า ในไม่ช้าชื่อที่น่าขันนี้ก็สูญเสียความหมายเชิงลบดั้งเดิมและเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะตลอดไป

นิทรรศการบนถนน Boulevard des Capucines กลายเป็นแถลงการณ์ที่ประกาศการเกิดขึ้นของเทรนด์ใหม่ในการวาดภาพ เข้าร่วมโดย O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillamin รวมถึงปรมาจารย์รุ่นเก่า - E. Boudin, C. Daubigny, I . จอนคินด์

สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับศิลปินอิมเพรสชันนิสต์คือการถ่ายทอดความประทับใจในสิ่งที่พวกเขาเห็น จับภาพช่วงเวลาสั้นๆ ของชีวิตบนผืนผ้าใบ ด้วยวิธีนี้ อิมเพรสชันนิสต์จึงคล้ายกับช่างภาพ เนื้อเรื่องไม่สำคัญสำหรับพวกเขาจริงๆ ศิลปินใช้ธีมของภาพวาดจากชีวิตประจำวันรอบตัว พวกเขาทาสีถนนที่เงียบสงบ ร้านกาแฟยามเย็น ทิวทัศน์ชนบท อาคารในเมือง ช่างฝีมือทำงาน บทบาทสำคัญในภาพวาดของพวกเขาคือการเล่นแสงและเงา แสงตะวันที่พุ่งผ่านวัตถุต่างๆ และทำให้ดูมีชีวิตชีวาแปลกตาเล็กน้อยอย่างน่าประหลาดใจ เพื่อให้เห็นวัตถุในแสงธรรมชาติ เพื่อถ่ายทอดการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในธรรมชาติในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน ศิลปินอิมเพรสชันนิสต์จึงออกจากเวิร์กช็อปและออกไปในที่โล่ง (plein air)

อิมเพรสชั่นนิสต์ใช้เทคนิคการวาดภาพใหม่: พวกเขาไม่ผสมสีบนขาตั้ง แต่นำไปใช้กับผืนผ้าใบทันทีในจังหวะที่แยกจากกัน เทคนิคนี้ทำให้สามารถถ่ายทอดความรู้สึกของพลวัต ความผันผวนเล็กน้อยในอากาศ การเคลื่อนไหวของใบไม้บนต้นไม้และน้ำในแม่น้ำ

โดยปกติแล้วภาพวาดของตัวแทนของทิศทางนี้ไม่มีองค์ประกอบที่ชัดเจน ศิลปินได้โลดแล่นบนผืนผ้าใบในช่วงเวลาหนึ่งที่ถูกพรากไปจากชีวิต ดังนั้นงานของเขาจึงดูเหมือนกรอบภาพถ่ายที่ถ่ายโดยบังเอิญ อิมเพรสชันนิสต์ไม่ได้ยึดติดกับขอบเขตที่ชัดเจนของประเภท เช่น ภาพบุคคลมักจะดูเหมือนฉากในประเทศ

ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2417 ถึง พ.ศ. 2429 อิมเพรสชันนิสต์จัดนิทรรศการ 8 ครั้งหลังจากนั้นกลุ่มก็เลิกกัน สำหรับสาธารณชน ก็เช่นเดียวกับนักวิจารณ์ส่วนใหญ่ รับรู้ศิลปะใหม่ด้วยความเป็นปรปักษ์ (เช่น ภาพวาดของ C. Monet ถูกเรียกว่า "daub") ดังนั้นศิลปินจำนวนมากที่เป็นตัวแทนของกระแสนี้จึงอาศัยอยู่ในความยากจนข้นแค้น บางครั้งก็ไม่มีหนทางที่จะทำสิ่งใดให้เสร็จ พวกเขาเริ่มภาพ และเมื่อสิ้นสุด XIX - ต้นศตวรรษที่ XX เท่านั้น สถานการณ์เปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง

ในงานของพวกเขา อิมเพรสชันนิสต์ใช้ประสบการณ์ของศิลปินยุคก่อน ได้แก่ ศิลปินแนวโรแมนติก (E. Delacroix, T. Gericault), นักสัจนิยม (C. Corot, G. Courbet) ภูมิประเทศของ J. Constable มีอิทธิพลอย่างมากต่อพวกเขา

E. Manet มีบทบาทสำคัญในการเกิดขึ้นของเทรนด์ใหม่

เอดูอาร์ มาเนต์

Edouard Manet เกิดในปี พ.ศ. 2375 ในปารีส เป็นหนึ่งในบุคคลที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์การวาดภาพโลก ผู้วางรากฐานสำหรับลัทธิอิมเพรสชันนิสม์

การก่อตัวของโลกทัศน์ทางศิลปะของเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติชนชั้นนายทุนฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2391 เหตุการณ์นี้สร้างความตื่นเต้นให้กับชาวปารีสหนุ่มมากจนเขาตัดสินใจ ขั้นตอนที่สิ้นหวังและหนีออกจากบ้านไปสมัครเป็นกะลาสีในเรือกำปั่น อย่างไรก็ตาม ในอนาคต เขาไม่ได้เดินทางมากนัก ให้จิตวิญญาณและ กองกำลังทางกายภาพงาน.

พ่อแม่ของ Manet ซึ่งเป็นผู้ที่มีวัฒนธรรมและร่ำรวย ใฝ่ฝันถึงอาชีพการบริหารสำหรับลูกชายของพวกเขา แต่ความหวังของพวกเขาไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็นจริง จิตรกรรม - นั่นคือสิ่งที่ชายหนุ่มสนใจและในปี พ.ศ. 2393 เขาเข้าโรงเรียน ศิลปกรรมไปที่การประชุมเชิงปฏิบัติการของ Couture ซึ่งเขาได้รับการฝึกอบรมอย่างมืออาชีพ ที่นี่เองที่ศิลปินสามเณรรู้สึกรังเกียจนักวิชาการและแสตมป์ร้านเสริมสวยซึ่งไม่สามารถสะท้อนถึงสิ่งที่ขึ้นอยู่กับอาจารย์ที่แท้จริงเท่านั้นด้วยสไตล์การเขียนของเขาเอง

ดังนั้นหลังจากศึกษาในเวิร์กช็อปของ Couture มาระยะหนึ่งและได้รับประสบการณ์แล้ว Manet ก็ทิ้งมันไว้ในปี 1856 และหันไปหาผืนผ้าใบของผู้ยิ่งใหญ่รุ่นก่อนของเขาที่จัดแสดงใน Louvre คัดลอกและศึกษาอย่างระมัดระวัง ผลงานของปรมาจารย์เช่น Titian, D. Velazquez, F. Goya และ E. Delacroix มีอิทธิพลอย่างมากต่อมุมมองที่สร้างสรรค์ของเขา ศิลปินหนุ่มคำนับก่อนหลัง ในปีพ. ศ. 2400 Manet ได้ไปเยี่ยมปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่และขออนุญาตทำสำเนา "Dante's Barque" ของเขาหลายชุดซึ่งรอดชีวิตมาจนถึงทุกวันนี้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนในลียง

ช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1860 ศิลปินอุทิศตนให้กับการศึกษาพิพิธภัณฑ์ในสเปน อังกฤษ อิตาลี และฮอลแลนด์ ซึ่งเขาได้คัดลอกภาพวาดของ Rembrandt, Titian และคนอื่นๆ ในปีพ.ศ. 2404 ผลงาน "Portrait of parent" และ "Guitarist" ได้รับเสียงวิจารณ์ชื่นชมและได้รับรางวัล “รางวัลชมเชย”.

การศึกษาผลงานของปรมาจารย์เก่า (ส่วนใหญ่เป็นชาวเวนิส, ชาวสเปนในศตวรรษที่ 17 และต่อมา F. Goya) และการคิดใหม่นำไปสู่ความจริงที่ว่าในช่วงทศวรรษที่ 1860 มีความขัดแย้งในงานศิลปะของมาเนต์ ซึ่งปรากฏให้เห็นในการจัดเก็บของพิพิธภัณฑ์บนภาพวาดบางชิ้นในยุคแรกของเขา ซึ่งรวมถึง: นักร้องชาวสเปน (พ.ศ. 2403), บางส่วนเด็กชายกับสุนัข (พ.ศ. 2403), นักดนตรีเก่า (พ.ศ. 2405)

สำหรับวีรบุรุษ ศิลปิน เช่นเดียวกับนักสัจนิยมแห่งกลางศตวรรษที่ 19 พบพวกเขาในฝูงชนชาวปารีสที่เดือดดาล ท่ามกลางผู้ที่เดินในสวนตุยเลอรีและผู้มาเยี่ยมเยือนร้านกาแฟเป็นประจำ โดยพื้นฐานแล้วนี่คือโลกโบฮีเมียที่สดใสและมีสีสัน - กวี, นักแสดง, ศิลปิน, นางแบบ, ผู้เข้าร่วมในการสู้วัวกระทิงของสเปน: "Music at the Tuileries" (1860), "Street Singer" (1862), "Lola from Valencia" ( 2405), "อาหารเช้าที่หญ้า" (2406), "Flutist" (2409), "ภาพเหมือนของ E. Zsl" (2411)

ในบรรดาผืนผ้าในยุคแรก ๆ สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดย "ภาพเหมือนของผู้ปกครอง" (พ.ศ. 2404) ซึ่งเป็นภาพร่างที่เหมือนจริงและมีความแม่นยำมาก รูปร่างและอารมณ์ของคู่สามีภรรยาสูงอายุ ความสำคัญทางสุนทรียะของภาพไม่ได้อยู่ที่การเจาะลึกเข้าไปในโลกแห่งจิตวิญญาณของตัวละครอย่างละเอียดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความแม่นยำในการถ่ายทอดการผสมผสานระหว่างการสังเกตและความสมบูรณ์ของพัฒนาการทางภาพ ซึ่งบ่งบอกถึงความรู้เกี่ยวกับประเพณีทางศิลปะของ E. Delacroix

ภาพเขียนอีกภาพหนึ่งซึ่งเป็นงานเขียนโปรแกรมของจิตรกรและต้องบอกว่าเป็นเรื่องปกติของงานยุคแรกๆ ของเขาคือ "Breakfast on the Grass" (1863) ในภาพนี้ มาเนต์ใช้องค์ประกอบโครงเรื่องบางอย่าง โดยไม่มีความสำคัญใดๆ เลย

ภาพอาจถือเป็นภาพอาหารเช้าของศิลปินสองคนในอ้อมอกของธรรมชาติที่ล้อมรอบด้วยนางแบบหญิง (อันที่จริง Eugene Manet น้องชายของศิลปิน, F. Lenkof และนางแบบหญิงหนึ่งคน Quiz Meran โพสท่าให้กับ รูปภาพซึ่งบริการของ Manet ใช้บริการค่อนข้างบ่อย) คนหนึ่งเข้าไปในลำธาร ส่วนอีกคนหนึ่งเปลือยกายนั่งอยู่ในกลุ่มของชายสองคนที่แต่งกายด้วยศิลปะ อย่างที่คุณทราบ แรงจูงใจของการเปรียบเทียบผู้ชายที่แต่งตัวโป๊และเปลือยกาย ร่างกายของผู้หญิงแบบดั้งเดิมและย้อนกลับไปที่ภาพวาด "Country Concert" ของ Giorgione ซึ่งตั้งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

การจัดวางส่วนประกอบของตัวเลขจำลองบางส่วนจากการแกะสลักยุคเรอเนซองส์ที่มีชื่อเสียงโดย Marcantonio Raimondi จากภาพวาดของ Raphael ผืนผ้าใบนี้ยืนยันตำแหน่งที่สัมพันธ์กันสองตำแหน่งในเชิงโต้เถียง หนึ่งคือความต้องการที่จะเอาชนะความซ้ำซากจำเจของงานศิลปะในร้านเสริมสวย ซึ่งสูญเสียความสัมพันธ์ที่แท้จริงกับร้านใหญ่ไป ประเพณีทางศิลปะดึงดูดโดยตรงต่อความสมจริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและศตวรรษที่ 17 นั่นคือ ต้นกำเนิดที่แท้จริงของศิลปะที่เหมือนจริงในยุคใหม่ บทบัญญัติอีกประการหนึ่งเป็นการยืนยันสิทธิและหน้าที่ของศิลปินในการแสดงภาพตัวละครรอบตัวเขาจากชีวิตประจำวัน ในเวลานั้น การรวมกันนี้มีความขัดแย้งบางอย่าง ส่วนใหญ่เชื่อว่าขั้นตอนใหม่ในการพัฒนาความสมจริงไม่สามารถทำได้โดยการเติมโครงร่างการประพันธ์แบบเก่าด้วยประเภทและตัวละครใหม่ แต่ Edouard Manet สามารถเอาชนะหลักการของการวาดภาพในยุคแรก ๆ ของการสร้างสรรค์ได้

อย่างไรก็ตาม แม้จะมีลักษณะดั้งเดิมของโครงเรื่องและองค์ประกอบ เช่นเดียวกับการมีอยู่ของภาพวาดโดยปรมาจารย์ด้านร้านเสริมสวยที่บรรยายถึงความงามอันเปลือยเปล่าในตำนานในท่าทางเย้ายวนใจอย่างเปิดเผย ภาพวาดของ Manet ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่ในหมู่ชนชั้นกลางสมัยใหม่ ผู้ชมรู้สึกตกตะลึงกับการวางตัวของผู้หญิงที่เปลือยเปล่ากับเสื้อผ้าผู้ชายสมัยใหม่ที่ดูซ้ำซากจำเจในชีวิตประจำวัน

สำหรับบรรทัดฐานของภาพนั้น Luncheon on the Grass เขียนในลักษณะประนีประนอม ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของทศวรรษที่ 1860 ลักษณะของลักษณะโดยมีแนวโน้มที่จะเป็นสีเข้ม เงาดำ ตลอดจนการดึงดูดแสงแบบเปิดโล่งและสีเปิดที่ไม่สอดคล้องกันเสมอไป หากเราหันไปใช้ภาพร่างเบื้องต้นที่ทำด้วยสีน้ำ (มากกว่าตัวภาพ) จะเห็นได้ชัดเจนว่าความสนใจของอาจารย์ในปัญหาภาพใหม่นั้นยอดเยี่ยมเพียงใด

ภาพวาด "โอลิมเปีย" (พ.ศ. 2406) ซึ่งมีโครงร่างของหญิงเปลือยนอนเอนกาย ดูเหมือนจะหมายถึงประเพณีการแต่งเพลงที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป - ภาพที่คล้ายกันนี้พบได้ในจอร์โจเน, ทิเชียน, แรมแบรนดท์ และดี. เบลาสเกซ อย่างไรก็ตาม ในการสร้างสรรค์ของเขา มาเนต์เดินตามเส้นทางที่ต่างออกไป ตาม F. Goya (“Naked Maha”) และปฏิเสธแรงจูงใจตามตำนานของโครงเรื่อง การตีความภาพที่ชาวเวนิสนำเสนอ และ D. Velasquez (“Venus) อนุรักษ์ไว้บางส่วน ด้วยกระจก”)

"โอลิมเปีย" ไม่ใช่ภาพที่คิดใหม่ในเชิงกวีเลย ความงามของผู้หญิงแต่เป็นภาพเหมือนที่ถ่ายทอดออกมาอย่างเชี่ยวชาญ ถูกต้อง และใคร ๆ ก็พูดได้ว่าถ่ายทอดความคล้ายคลึงกับ Quiz Meran ซึ่งเป็นแบบจำลองคงที่ของ Manet ได้อย่างเย็นชา จิตรกรแสดงสีซีดตามธรรมชาติของร่างกายได้อย่างน่าเชื่อถือ ผู้หญิงสมัยใหม่กลัวแดด. ในขณะที่ปรมาจารย์ยุคเก่าเน้นย้ำถึงความงามเชิงกวีของร่างกายที่เปลือยเปล่า ความเป็นดนตรีและความกลมกลืนของจังหวะของมัน แต่มาเนต์เน้นที่การถ่ายทอดแรงจูงใจของความเฉพาะเจาะจงของชีวิต ตัวอย่างเช่น ท่าทางของ George's Venus ด้วยมือซ้ายใน Olympia ได้รับความหมายแฝงที่เกือบจะหยาบคายในความเฉยเมย ลักษณะพิเศษอย่างยิ่งคือความเฉยเมย แต่ในขณะเดียวกันก็ตั้งใจจ้องมองโมเดลของผู้ชมอย่างตั้งใจ ซึ่งตรงข้ามกับการดูดกลืนตัวเองของ Venus Giorgione และความฝันอันละเอียดอ่อนของ Venus of Urbino ของ Titian

ในภาพนี้ มีสัญญาณของการเปลี่ยนแปลงไปสู่ขั้นต่อไปในการพัฒนาลักษณะที่สร้างสรรค์ของจิตรกร มีการคิดใหม่เกี่ยวกับรูปแบบการจัดองค์ประกอบตามปกติซึ่งประกอบด้วยการสังเกตธรรมดาและการมองเห็นภาพและศิลปะของโลก การวางเคียงกันของคอนทราสต์ที่เฉียบคมในทันทีนั้นมีส่วนทำลายความกลมกลืนขององค์ประกอบที่สมดุลของปรมาจารย์รุ่นเก่า ดังนั้น สถิตยศาสตร์ของนางแบบและไดนามิกในภาพของผู้หญิงผิวดำและแมวดำที่งอหลังชนกัน การเปลี่ยนแปลงยังส่งผลต่อเทคนิคการวาดภาพซึ่งทำให้เกิดความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับงานเชิงอุปมาอุปไมยของภาษาศิลปะ Edouard Manet เช่นเดียวกับนักวาดภาพอิมเพรสชันนิสต์คนอื่นๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Claude Monet และ Camille Pissarro ละทิ้งระบบการวาดภาพที่ล้าสมัยซึ่งพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 17 (ทาสี, เขียน, กระจก). นับจากนั้นเป็นต้นมา ผืนผ้าใบก็เริ่มถูกลงสีด้วยเทคนิคที่เรียกว่า "a la prima" ซึ่งโดดเด่นด้วยความฉับไว อารมณ์ความรู้สึก ใกล้เคียงกับอีทูดี้และสเก็ตช์

ช่วงเวลาของการเปลี่ยนแปลงจากความคิดสร้างสรรค์ในช่วงต้นถึงวัยผู้ใหญ่ซึ่งใช้เวลาเกือบครึ่งหลังของทศวรรษ 1860 สำหรับ Manet นั้นแสดงด้วยภาพวาดเช่น Flutist (1866), Balcony (ค.ศ. 1868-1869) และอื่น ๆ

บนผืนผ้าใบผืนแรก บนพื้นหลังสีเทามะกอกที่เป็นกลาง เป็นภาพเด็กชายนักดนตรีกำลังยกขลุ่ยขึ้นที่ริมฝีปาก การแสดงออกของการเคลื่อนไหวที่แทบจะมองไม่เห็น เสียงสะท้อนเป็นจังหวะของปุ่มสีทองสีรุ้งบนเครื่องแบบสีน้ำเงินพร้อมกับแสงและการเลื่อนนิ้วอย่างรวดเร็วไปตามรูขลุ่ย บ่งบอกถึงศิลปะที่มีมาแต่กำเนิดและพลังอันละเอียดอ่อนในการสังเกตของปรมาจารย์ แม้ว่ารูปแบบการวาดภาพที่นี่จะค่อนข้างหนาแน่น แต่สีก็มีน้ำหนักและศิลปินยังไม่ได้หันไปทางโล่ง ผืนผ้าใบนี้ในระดับที่สูงกว่าที่อื่น ๆ ทั้งหมด มันคาดการณ์ว่างานของ Manet จะเติบโตเต็มที่ สำหรับระเบียงนั้นอยู่ใกล้กับโอลิมเปียมากกว่าผลงานของปี 1870

ในปี พ.ศ. 2413-2423 มาเนต์กลายเป็นจิตรกรชั้นนำในยุคนั้น และแม้ว่านักอิมเพรสชั่นนิสม์จะถือว่าเขาเป็นผู้นำทางอุดมการณ์และเป็นผู้สร้างแรงบันดาลใจ และเขาเองก็เห็นด้วยกับพวกเขาเสมอในการตีความมุมมองพื้นฐานเกี่ยวกับศิลปะ แต่งานของเขานั้นกว้างกว่ามากและไม่เข้ากับกรอบของทิศทางใดทิศทางหนึ่ง อันที่จริงแล้วสิ่งที่เรียกว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ของ Manet นั้นใกล้เคียงกับศิลปะของปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นมากกว่า เขาลดความซับซ้อนของแรงจูงใจโดยสร้างความสมดุลระหว่างการตกแต่งและของจริง สร้างแนวคิดทั่วไปของสิ่งที่เขาเห็น: ความประทับใจที่บริสุทธิ์ ปราศจากรายละเอียดที่ทำให้เสียสมาธิ การแสดงออกของความสุขแห่งความรู้สึก (“บนชายฝั่ง”, 1873)

นอกจากนี้ ในฐานะที่เป็นประเภทที่โดดเด่น เขาพยายามรักษาภาพที่มีองค์ประกอบครบถ้วน โดยสถานที่หลักคือภาพของบุคคล ศิลปะของ Manet เป็นขั้นตอนสุดท้ายในการพัฒนาประเพณีการวาดภาพเล่าเรื่องเหมือนจริงที่มีอายุหลายศตวรรษซึ่งมีต้นกำเนิดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ในผลงานช่วงหลังๆ ของมาเนต์ มีแนวโน้มที่จะถอยห่างจากการตีความรายละเอียดเกี่ยวกับสภาพแวดล้อมรอบตัวฮีโร่ที่แสดงภาพ ดังนั้นในภาพเหมือนของ Mallarme ที่เต็มไปด้วยความกระวนกระวายใจศิลปินจึงมุ่งเน้นไปที่ท่าทางของกวีราวกับว่าแอบมองโดยไม่ตั้งใจซึ่งวางมือด้วยซิการ์ที่สูบบุหรี่บนโต๊ะในทางที่ฝัน ด้วยภาพร่างทั้งหมด สิ่งสำคัญในตัวละครและคลังความคิดของ Mallarme ถูกจับได้แม่นยำอย่างน่าประหลาดใจ พร้อมการโน้มน้าวใจที่ยอดเยี่ยม ลักษณะเชิงลึกของโลกภายในของแต่ละบุคคลซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของภาพวาดของ J. L. David และ J. O. D. Ingres ถูกแทนที่ด้วยลักษณะที่คมชัดและตรงกว่า นั่นคือภาพเหมือนบทกวีเบาๆ ของ Berthe Morisot กับพัด (1872) และภาพสีพาสเทลที่สง่างามของ George Moore (1879)

งานของจิตรกรรวมถึงงานที่เกี่ยวข้องกับรูปแบบทางประวัติศาสตร์และเหตุการณ์สำคัญ ชีวิตสาธารณะ. อย่างไรก็ตามควรสังเกตว่าผืนผ้าเหล่านี้ประสบความสำเร็จน้อยกว่าเนื่องจากปัญหาประเภทนี้เป็นเรื่องแปลกสำหรับความสามารถทางศิลปะวงกลมแห่งความคิดและแนวคิดเกี่ยวกับชีวิต

ตัวอย่างเช่น การอุทธรณ์ต่อเหตุการณ์สงครามกลางเมืองระหว่างฝ่ายเหนือและฝ่ายใต้ในสหรัฐอเมริกาส่งผลให้ภาพการจมของเรือโจรสลัดของชาวใต้โดยชาวเหนือ (“ การต่อสู้ของ Kirsezh” กับ “ แอละแบมา”, 2407) และตอนนี้สามารถนำมาประกอบกับภูมิทัศน์ได้มากขึ้น ซึ่งเรือทหารทำหน้าที่เป็นพนักงาน โดยเนื้อแท้แล้ว The Execution of Maximilian (1867) มีลักษณะของภาพร่างประเภทหนึ่ง ไม่เพียงไม่สนใจความขัดแย้งของชาวเม็กซิกันที่กำลังดิ้นรนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเรื่องราวดราม่าของเหตุการณ์ด้วย

ธีมของประวัติศาสตร์สมัยใหม่ได้รับการสัมผัสโดยมาเนต์ในช่วงสมัยของ Paris Commune (The Execution of the Communards, 1871) ทัศนคติที่เห็นอกเห็นใจต่อ Communards ให้เครดิตกับผู้เขียนภาพซึ่งไม่เคยสนใจเหตุการณ์เช่นนี้มาก่อน แต่ถึงกระนั้นคุณค่าทางศิลปะของมันก็ต่ำกว่าผืนผ้าใบอื่น ๆ เนื่องจากในความเป็นจริงแล้วมีการทำซ้ำโครงร่างของ "The Execution of Maximilian" และผู้แต่งถูก จำกัด ให้เป็นเพียงภาพร่างที่ไม่ได้สะท้อนถึงความหมายของการปะทะกันที่โหดร้าย ของสองโลกที่เป็นปฏิปักษ์กัน

ในเวลาต่อมา Manet ไม่ได้หันไปหาแนวประวัติศาสตร์ที่แปลกไปจากเขาอีกต่อไป โดยเลือกที่จะเปิดเผยจุดเริ่มต้นทางศิลปะและการแสดงออกในตอนต่าง ๆ โดยค้นหาสิ่งเหล่านี้ในชีวิตประจำวัน ในเวลาเดียวกัน เขาเลือกช่วงเวลาที่มีลักษณะพิเศษโดยเฉพาะอย่างระมัดระวัง ค้นหามุมมองที่แสดงออกมากที่สุด จากนั้นจึงสร้างภาพเหล่านั้นขึ้นมาใหม่ด้วยทักษะอันยอดเยี่ยมในภาพวาดของเขา

เสน่ห์ของการสร้างสรรค์ส่วนใหญ่ในยุคนี้ไม่ได้เกิดจากความสำคัญของเหตุการณ์ที่พรรณนาถึงพลวัตและการสังเกตอย่างมีไหวพริบของผู้เขียน

ตัวอย่างที่โดดเด่นของการจัดองค์ประกอบภาพแบบเปิดโล่งคือภาพวาด "ในเรือ" (พ.ศ. 2417) ซึ่งเป็นการผสมผสานโครงร่างของท้ายเรือ พลังงานที่ถูกควบคุมโดยการเคลื่อนไหวของนายท้ายเรือ ความสง่างามชวนฝันของสตรีที่นั่ง ความโปร่งใสของอากาศ ความรู้สึกสดชื่นของสายลม และการเคลื่อนตัวของเรือทำให้เกิดภาพที่อธิบายไม่ได้ เต็มไปด้วยความสุขเบา ๆ และความสดชื่น .

ช่องพิเศษในงานของ Manet ถูกครอบครองโดยหุ่นนิ่งซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของงานของเขาในยุคต่างๆ ดังนั้น "ดอกโบตั๋น" ในยุคแรก ๆ ที่ยังมีชีวิต (พ.ศ. 2407-2408) จึงแสดงให้เห็นดอกตูมสีแดงและสีขาวอมชมพูที่บานสะพรั่งรวมถึงดอกไม้ที่บานแล้วและเริ่มร่วงโรยโดยทิ้งกลีบดอกไม้ไว้บนผ้าปูโต๊ะที่คลุมโต๊ะ ผลงานชิ้นต่อมามีความโดดเด่นในเรื่องภาพร่างที่ง่ายดาย ในนั้นจิตรกรพยายามถ่ายทอดความสดใสของดอกไม้ซึ่งปกคลุมไปด้วยบรรยากาศที่เต็มไปด้วยแสง นั่นคือภาพวาด "กุหลาบในแก้วคริสตัล" (พ.ศ. 2425-2426)

ในตอนท้ายของชีวิต Manet เห็นได้ชัดว่าไม่พอใจกับสิ่งที่เขาประสบความสำเร็จและพยายามกลับไปเขียนเรียงความพล็อตที่สมบูรณ์ในระดับทักษะที่แตกต่างกัน ในเวลานี้เขาเริ่มทำงานในผืนผ้าใบที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่ง - "The Bar at the Folies Bergère" (พ.ศ. 2424-2425) ซึ่งเขาได้เข้าใกล้ระดับใหม่ซึ่งเป็นเวทีใหม่ในการพัฒนางานศิลปะของเขาขัดจังหวะโดย ถึงแก่อสัญกรรม (เท่าที่ทราบ ช่วงที่มาเนต์ป่วยหนักขณะทำงาน) ตรงกลางขององค์ประกอบคือร่างของหญิงสาวขายบริการซึ่งหันหน้าเข้าหาผู้ชม สาวผมบลอนด์ที่เหนื่อยล้าเล็กน้อยและมีเสน่ห์ สวมชุดสีเข้มที่มีแสงสะท้อนลึก ยืนอยู่กับฉากหลังที่เป็นกระจกบานใหญ่ที่กินพื้นที่ทั้งผนัง ซึ่งสะท้อนแสงที่ริบหรี่และโครงร่างที่คลุมเครือพร่ามัวของผู้ชมที่นั่งอยู่ที่ ตารางของร้านกาแฟ ผู้หญิงคนนั้นหันหน้าไปทางห้องโถงซึ่งมีผู้ชมอยู่ เทคนิคที่แปลกประหลาดนี้ทำให้ภาพแบบดั้งเดิมดูไม่มั่นคงในแวบแรก บ่งบอกถึงการอยู่ร่วมกันระหว่างโลกแห่งความจริงและภาพสะท้อน ในเวลาเดียวกันแกนกลางของภาพจะถูกเลื่อนไปที่มุมขวาซึ่งเป็นไปตามปกติสำหรับปี 1870 แผนกต้อนรับ กรอบรูปบังร่างของชายสวมหมวกทรงสูงที่สะท้อนอยู่ในกระจกเล็กน้อย พูดคุยกับพนักงานขายสาว

ดังนั้น ในงานนี้ หลักการคลาสสิกของความสมมาตรและความเสถียรจึงถูกรวมเข้ากับการเลื่อนแบบไดนามิกไปด้านข้าง เช่นเดียวกับการแยกส่วน เมื่อช่วงเวลาหนึ่ง (ส่วนย่อย) ถูกดึงออกจากกระแสชีวิตเดียว

คงเป็นเรื่องผิดหากจะคิดว่าเนื้อเรื่องของ The Bar at the Folies Bergère นั้นไม่มีเนื้อหาสำคัญและเป็นการยกย่องคนไม่สำคัญ ร่างของหญิงสาว แต่ภายในเหนื่อยล้าและไม่แยแสกับหน้ากากของผู้หญิงที่อยู่รายรอบ การจ้องมองที่พเนจรของเธอหันไปหาที่ไหนเลย ความแปลกแยกจากความเฉลียวฉลาดของชีวิตที่อยู่ข้างหลังเธอ นำเงาความหมายที่สำคัญมาสู่งาน ทำให้ผู้ชมประทับใจด้วย ความคาดไม่ถึงของมัน

ผู้ชมชื่นชมความสดชื่นอันเป็นเอกลักษณ์ของดอกกุหลาบสองดอกที่ยืนอยู่บนบาร์ในแก้วคริสตัลที่มีขอบแวววาว และจากนั้นก็เกิดการเปรียบเทียบดอกไม้ที่หรูหราเหล่านี้กับดอกกุหลาบที่เหี่ยวแห้งไปครึ่งดอกในบริเวณใกล้ๆ ของห้องโถง โดยไม่ได้ตั้งใจ ซึ่งถูกตรึงไว้ที่ขอบเสื้อผู้หญิงตอนหน้าอกของชุดพนักงานขาย เมื่อดูที่ภาพ คุณจะเห็นความแตกต่างที่ไม่เหมือนใครระหว่างความสดของหน้าอกที่เปิดครึ่งซีกของเธอกับรูปลักษณ์ที่ไม่แยแสที่เดินผ่านฝูงชน งานนี้ถือเป็นโปรแกรมในผลงานของศิลปินเพราะมีองค์ประกอบของธีมและประเภทที่เขาชื่นชอบทั้งหมด: ภาพเหมือน, หุ่นนิ่ง, เอฟเฟกต์แสงต่าง ๆ, การเคลื่อนไหวของฝูงชน

โดยทั่วไปแล้วมรดกที่ Manet ทิ้งไว้นั้นมีสองด้านซึ่งเด่นชัดเป็นพิเศษในตัวเขา ผลงานล่าสุด. ประการแรก ด้วยผลงานของเขา เขาได้ทำให้การพัฒนาของศิลปะฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 แบบดั้งเดิมสมจริงสมบูรณ์และหมดสิ้นไป และประการที่สอง เขาวางรากแขนงแรกของกระแสนิยมเหล่านั้นไว้ในงานศิลปะ ซึ่งผู้แสวงหาความสมจริงใหม่จะหยิบยกและพัฒนาขึ้นมา ในศตวรรษที่ 20

จิตรกรได้รับการยอมรับอย่างเต็มที่และเป็นทางการใน ปีที่แล้วชีวิตคือในปี พ.ศ. 2425 เมื่อเขาได้รับรางวัล Order of the Legion of Honor (รางวัลหลักของฝรั่งเศส) มาเนต์เสียชีวิตในปี พ.ศ. 2426 ที่กรุงปารีส

โกลด โมเนต์

Claude Monet ศิลปินชาวฝรั่งเศส หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ เกิดในปี 1840 ที่กรุงปารีส

ในฐานะลูกชายของร้านขายของชำผู้เจียมเนื้อเจียมตัวที่ย้ายจากปารีสไปยังเมืองรูอ็อง โมเนต์วัยเยาว์ในช่วงแรกเกิด วิธีที่สร้างสรรค์วาดภาพการ์ตูนตลก จากนั้นศึกษากับจิตรกรภูมิทัศน์ Rouen Eugene Boudin ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้สร้างภูมิทัศน์ที่เหมือนจริงในอากาศ Boudin ไม่เพียง แต่โน้มน้าวใจจิตรกรในอนาคตถึงความจำเป็นในการทำงานในที่โล่ง แต่ยังสามารถปลูกฝังความรักในธรรมชาติการสังเกตอย่างระมัดระวังและการถ่ายทอดสิ่งที่เขาเห็นอย่างแท้จริง

ในปี 1859 โมเนต์เดินทางไปปารีสโดยมีเป้าหมายที่จะเป็นศิลปินตัวจริง พ่อแม่ของเขาฝันว่าเขาจะเข้าเรียนที่โรงเรียนวิจิตรศิลป์ แต่ชายหนุ่มไม่ได้แสดงให้เห็นถึงความหวังของพวกเขาและพุ่งเข้าสู่ชีวิตโบฮีเมียนและได้รับคนรู้จักมากมายในสภาพแวดล้อมทางศิลปะ ปราศจากการสนับสนุนด้านวัตถุจากพ่อแม่ของเขาอย่างสิ้นเชิง และด้วยเหตุนี้ Monet จึงถูกบังคับให้เข้าร่วมกองทัพโดยปราศจากการทำมาหากิน อย่างไรก็ตาม แม้หลังจากกลับมาจากแอลจีเรีย ซึ่งเขาต้องปฏิบัติภารกิจที่ยากลำบาก เขาก็ยังคงใช้ชีวิตแบบเดิม หลังจากนั้นไม่นาน เขาได้พบกับ I. Ionkind ผู้ซึ่งทำให้เขาหลงใหลในงานศึกษาธรรมชาติ จากนั้นเขาก็ไปเยี่ยมชมสตูดิโอของ Suisse บางครั้งเขาก็ศึกษาในสตูดิโอของจิตรกรที่มีชื่อเสียงในทิศทางการศึกษา - M. Gleyre และยังใกล้ชิดกับกลุ่มศิลปินรุ่นใหม่ (J.F. Basil, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley และคนอื่นๆ) ซึ่งเหมือนกับ Monet เอง ที่กำลังมองหาแนวทางใหม่ๆ ในการพัฒนางานศิลปะ

อิทธิพลที่ยิ่งใหญ่ที่สุดต่อจิตรกรมือใหม่ไม่ใช่โรงเรียนของ M. Gleyre แต่เป็นมิตรภาพกับคนที่มีใจเดียวกัน นักวิจารณ์ที่กระตือรือร้นเกี่ยวกับวิชาการเสริมสวย ต้องขอบคุณมิตรภาพ การสนับสนุนซึ่งกันและกัน โอกาสในการแลกเปลี่ยนประสบการณ์และแบ่งปันความสำเร็จที่ระบบภาพใหม่ถือกำเนิดขึ้น ซึ่งต่อมาได้รับชื่อว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์"

พื้นฐานของการปฏิรูปคืองานเกิดขึ้นในธรรมชาติภายใต้ท้องฟ้าเปิด ในเวลาเดียวกัน ศิลปินวาดภาพในที่โล่ง ไม่เพียงแต่ภาพร่างเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพรวมด้วย เมื่อสัมผัสกับธรรมชาติโดยตรง พวกเขาก็ยิ่งเชื่อมั่นมากขึ้นว่าสีของวัตถุนั้นเปลี่ยนแปลงตลอดเวลาขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนแปลงของแสง สถานะของบรรยากาศ ระยะใกล้ของวัตถุอื่นๆ ที่ทำให้เกิดแสงสะท้อนสี และปัจจัยอื่นๆ อีกมากมาย การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้คือสิ่งที่พวกเขาต้องการถ่ายทอดผ่านผลงานของพวกเขา

ในปี พ.ศ. 2408 โมเนต์ตัดสินใจวาดภาพผืนผ้าใบขนาดใหญ่ "ตามจิตวิญญาณของมาเนต์ แต่อยู่ในที่โล่ง" มันเป็นงานเลี้ยงอาหารกลางวันบนพื้นหญ้า (พ.ศ. 2409) - ครั้งแรกของเขา งานสำคัญเป็นภาพชาวปารีสที่แต่งกายอย่างสุภาพที่ออกจากเมืองและนั่งอยู่ใต้ร่มไม้รอบๆ ผ้าปูโต๊ะที่วางอยู่บนพื้น ผลงานมีลักษณะตามลักษณะดั้งเดิมขององค์ประกอบที่ปิดสนิทและสมดุล อย่างไรก็ตาม ความสนใจของศิลปินไม่ได้มุ่งไปที่โอกาสในการแสดงตัวละครของมนุษย์หรือสร้างองค์ประกอบโครงเรื่องที่แสดงออกมากนัก แต่เพื่อให้พอดีกับรูปร่างของมนุษย์ในภูมิทัศน์โดยรอบและถ่ายทอดบรรยากาศของความสะดวกสบายและผ่อนคลายที่มีอยู่ในหมู่พวกเขา ในการสร้างเอฟเฟ็กต์นี้ ศิลปินให้ความสนใจอย่างมากกับแสงสะท้อนจากดวงอาทิตย์ที่ส่องผ่านใบไม้ กระทบกับผ้าปูโต๊ะและชุดของหญิงสาวที่นั่งอยู่ตรงกลาง โมเน่ต์จับภาพและถ่ายทอดการเล่นแสงสะท้อนของสีบนผ้าปูโต๊ะและความโปร่งแสงของเครื่องแต่งกายสตรีที่บางเบาได้อย่างแม่นยำ ด้วยการค้นพบเหล่านี้ การทำลายระบบการวาดภาพแบบเก่าจึงเริ่มขึ้น ซึ่งเน้นเงามืดและรูปแบบการดำเนินการทางวัตถุที่หนาแน่น

ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา Monet เข้าใกล้โลกกลายเป็นภูมิทัศน์ ตัวละครของมนุษย์ความสัมพันธ์ของผู้คนมีความสนใจน้อยลงสำหรับเขา เหตุการณ์ พ.ศ. 2413-2414 บังคับให้ Monet อพยพไปลอนดอนจากที่ที่เขาเดินทางไปฮอลแลนด์ เมื่อเขากลับมา เขาวาดภาพหลายภาพซึ่งกลายเป็นโปรแกรมในการทำงานของเขา ได้แก่ "ความประทับใจ พระอาทิตย์ขึ้น" (2415), "ไลแลคในดวงอาทิตย์" (2416), "บูเลอวาร์ดเดคาปูชิเนส" (2416), "ทุ่งดอกป๊อปปี้ที่ Argenteuil" (2416) ฯลฯ

ในปี พ.ศ. 2417 บางส่วนได้รับการจัดแสดงในนิทรรศการที่มีชื่อเสียงซึ่งจัดโดย "สมาคมจิตรกร ศิลปิน และช่างแกะสลักนิรนาม" ซึ่งนำโดยโมเนต์เอง หลังจากนิทรรศการโมเนต์และกลุ่มคนที่มีใจเดียวกันของเขาเริ่มถูกเรียกว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ (จากความประทับใจในฝรั่งเศส - ความประทับใจ) มาถึงตอนนี้หลักการทางศิลปะของ Monet ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของขั้นตอนแรกของงานของเขาได้ก่อตัวขึ้นเป็นระบบหนึ่ง

ในภูมิทัศน์กลางแจ้ง Lilacs in the Sun (1873) แสดงภาพผู้หญิงสองคนนั่งอยู่ใต้พุ่มไม้ดอกไลแลคขนาดใหญ่ ร่างของพวกเขาได้รับการปฏิบัติในลักษณะเดียวกันและมีเจตนาเดียวกันกับพุ่มไม้และหญ้าที่ พวกเขานั่ง. ตัวเลขของผู้คนเป็นเพียงส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์ทั่วไป ในขณะที่ความรู้สึกของความอบอุ่นอันนุ่มนวลของต้นฤดูร้อน ความสดชื่นของใบไม้อ่อน หมอกควันของวันที่มีแสงแดดสดใส ถ่ายทอดออกมาด้วยความมีชีวิตชีวาที่ไม่ธรรมดาและการโน้มน้าวใจโดยตรง ซึ่งไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของเวลานั้น

อีกภาพหนึ่ง - "Boulevard des Capucines" - สะท้อนถึงความขัดแย้งหลัก ข้อดีและข้อเสียของวิธีการแบบอิมเพรสชันนิสต์ ที่นี่ ช่วงเวลาหนึ่งที่ถูกฉกฉวยจากกระแสแห่งชีวิตในเมืองใหญ่ได้รับการถ่ายทอดอย่างแม่นยำมาก: ความรู้สึกของเสียงการจราจรที่น่าเบื่อหูหนวก ความโปร่งใสของอากาศชื้น แสงของดวงอาทิตย์ในเดือนกุมภาพันธ์ที่เลื่อนไปตามกิ่งก้านที่เปลือยเปล่าของต้นไม้ ฟิล์มของเมฆสีเทาปกคลุมท้องฟ้าสีฟ้า ... ภาพจะหายวับไป แต่ถึงกระนั้นก็ระมัดระวังน้อยกว่าและสังเกตเห็นรูปลักษณ์ของศิลปินและศิลปินก็อ่อนไหวตอบสนองต่อปรากฏการณ์ทั้งหมดของชีวิต ความจริงที่ว่าการเหลือบมองนั้นเกิดขึ้นโดยบังเอิญนั้นถูกเน้นโดยองค์ประกอบที่รอบคอบ
แผนกต้อนรับ: กรอบรูปด้านขวาเหมือนเดิมตัดร่างของผู้ชายที่ยืนอยู่บนระเบียง

ผืนผ้าในช่วงเวลานี้ทำให้ผู้ชมรู้สึกว่าตัวเองเป็น นักแสดงชายการเฉลิมฉลองแห่งชีวิตนี้เต็มไปด้วยแสงแดดและเสียงอึกทึกไม่หยุดหย่อนของฝูงชนที่สง่างาม

หลังจากตั้งรกรากใน Argenteuil โมเนต์เขียนด้วยความสนใจอย่างมากเกี่ยวกับแม่น้ำแซน สะพาน เรือใบขนาดเบาที่แล่นบนผิวน้ำ ...

ภูมิประเทศดึงดูดใจเขามากจนยอมจำนนต่อสิ่งดึงดูดใจที่ยากจะต้านทาน เขาสร้างเรือลำเล็กให้ตัวเองและไปหารูอ็อง บ้านเกิดของเขา และที่นั่น รู้สึกทึ่งกับภาพที่เขาเห็น สาดความรู้สึกของเขาออกมาเป็นภาพสเก็ตช์ ซึ่งพรรณนาถึงสภาพแวดล้อม ของเมืองและน้ำทะเลขนาดใหญ่เข้าสู่ปากแม่น้ำ เรือ ("Argenteuil", 2415; "เรือใบใน Argenteuil", 2416-2417)

พ.ศ. 2420 มีการสร้างชุดภาพวาดที่แสดงถึงสถานีรถไฟแซงต์-ลาซาร์ พวกเขาทำแผนภูมิ เวทีใหม่ในผลงานของโมเนต์

ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ภาพร่างที่โดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ได้ให้วิธีการทำงานซึ่งสิ่งสำคัญคือแนวทางการวิเคราะห์ภาพที่ปรากฎ (“Gare Saint-Lazare”, 1877) การเปลี่ยนแปลงในรูปแบบการวาดภาพนั้นสัมพันธ์กับการเปลี่ยนแปลงในชีวิตส่วนตัวของศิลปิน: คามิลล่าภรรยาของเขาล้มป่วยหนัก, ความยากจนตกอยู่กับครอบครัว, เกิดจากการให้กำเนิดลูกคนที่สอง

หลังจากภรรยาของเขาเสียชีวิต อลิซ โกเชดก็รับช่วงดูแลลูกๆ ซึ่งครอบครัวของเขาเช่าบ้านหลังเดียวกับโมเนต์ในเวเธออิล ผู้หญิงคนนี้กลายเป็นภรรยาคนที่สองของเขาในเวลาต่อมา หลังจากนั้นไม่นาน สถานการณ์ทางการเงินของ Monet ก็ดีขึ้นมากจนเขาสามารถซื้อบ้านของตัวเองใน Giverny ซึ่งเขาทำงานในช่วงเวลาที่เหลือ

จิตรกรรู้สึกถึงแนวโน้มใหม่อย่างละเอียด ซึ่งทำให้เขาสามารถคาดการณ์สิ่งต่างๆ ได้มากมายด้วยข้อมูลเชิงลึกที่น่าทึ่ง
จากสิ่งที่ศิลปินในช่วงปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX จะประสบความสำเร็จ มันเปลี่ยนทัศนคติต่อสีและพล็อต
ภาพวาด ตอนนี้ความสนใจของเขามุ่งเน้นไปที่ความชัดเจนของโทนสีของพู่กันที่แยกออกจากความสัมพันธ์ของวัตถุ เพื่อเพิ่มเอฟเฟกต์การตกแต่ง ในที่สุดเขาก็สร้างภาพวาดแผง แผนการง่ายๆ 2403-2413 หลีกทางให้กับลวดลายที่ซับซ้อนซึ่งอิ่มตัวด้วยลิงก์เชื่อมโยงต่างๆ: ภาพมหากาพย์หิน อันดับต้นป็อปลาร์ที่สง่างาม (“Rocks in Belle-Ile”, 1866; “Poplars”, 1891)

ช่วงเวลานี้มีผลงานต่อเนื่องมากมาย: องค์ประกอบของ "Hacks" ("กองฟางในหิมะ วันที่มืดมน", 1891; "Hacks. End of the day. Autumn", 1891), ภาพของวิหาร Rouen (“ วิหารรูอองตอนเที่ยง”, 1894 ฯลฯ) ทิวทัศน์ของลอนดอน (“หมอกในลอนดอน”, 1903 เป็นต้น) ยังคงทำงานในลักษณะอิมเพรสชั่นนิสต์และใช้โทนเสียงที่หลากหลายของจานสี อาจารย์มีเป้าหมายที่จะถ่ายทอดด้วยความแม่นยำและความน่าเชื่อถือสูงสุดว่าแสงของวัตถุเดียวกันสามารถเปลี่ยนแปลงได้อย่างไรในสภาพอากาศที่แตกต่างกันในระหว่างวัน

หากคุณดูชุดภาพวาดเกี่ยวกับอาสนวิหารรูอ็องอย่างใกล้ชิดมากขึ้น จะเห็นได้ชัดว่าอาสนวิหารที่นี่ไม่ใช่ศูนย์รวมของ โลกที่ซับซ้อนความคิดความรู้สึกและอุดมคติของผู้คนในยุคกลางของฝรั่งเศสและไม่ใช่แม้แต่อนุสรณ์สถานทางศิลปะและสถาปัตยกรรม แต่เป็นภูมิหลังที่ผู้เขียนสื่อถึงสถานะของแสงและบรรยากาศในชีวิต ผู้ชมสัมผัสได้ถึงความสดชื่นของสายลมยามเช้า ความร้อนยามเที่ยง เงาอันนุ่มนวลของยามเย็นที่กำลังจะมาถึง ซึ่งเป็นฮีโร่ที่แท้จริงของซีรีส์เรื่องนี้

อย่างไรก็ตาม นอกจากนี้ ภาพวาดดังกล่าวยังเป็นองค์ประกอบการตกแต่งที่ไม่ธรรมดา ซึ่งต้องขอบคุณการเชื่อมโยงที่เกิดขึ้นโดยไม่ได้ตั้งใจ ทำให้ผู้ชมรู้สึกประทับใจในการเปลี่ยนแปลงของเวลาและพื้นที่

หลังจากย้ายไปอยู่กับครอบครัวที่ Giverny โมเนต์ใช้เวลาส่วนใหญ่ในสวนทำงานเกี่ยวกับการวาดภาพของเขา อาชีพนี้มีอิทธิพลต่อมุมมองของศิลปินมากจนแทนที่จะเป็นโลกธรรมดาที่ผู้คนอาศัยอยู่ เขาเริ่มพรรณนาถึงโลกแห่งการตกแต่งอันลึกลับของน้ำและพืชบนผืนผ้าใบของเขา (“Irises at Giverny”, 1923; “Weeping Willows”, 1923 ). ดังนั้นทิวทัศน์ของสระน้ำที่มีดอกบัวลอยอยู่ในนั้น ซึ่งแสดงให้เห็นในผลงานชุดที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคต่อมาของเขา (“White Water Lilies. Harmony of Blue”, 1918-1921)

Giverny กลายเป็นที่หลบภัยสุดท้ายของศิลปินซึ่งเขาเสียชีวิตในปี 2469

ควรสังเกตว่าลักษณะการเขียนของอิมเพรสชันนิสต์นั้นแตกต่างอย่างมากจากลักษณะของนักวิชาการ อิมเพรสชันนิสต์ โดยเฉพาะโมเนต์และคนที่มีใจเดียวกัน สนใจในการแสดงออกของโทนสีของพู่กันที่แยกออกจากความสัมพันธ์ของหัวเรื่อง นั่นคือพวกเขาเขียนด้วยลายเส้นแยกกันโดยใช้สีบริสุทธิ์เท่านั้นที่ไม่ได้ผสมบนจานสีในขณะที่การรับรู้ของผู้ชมได้ก่อตัวขึ้นแล้วในการรับรู้ของผู้ชม ดังนั้นสำหรับใบไม้ของต้นไม้และใบหญ้า จึงใช้สีเขียว สีน้ำเงิน และสีเหลือง เพื่อให้เฉดสีเขียวที่เหมาะสมในระยะไกล วิธีนี้ทำให้ผลงานของปรมาจารย์อิมเพรสชั่นนิสต์มีความบริสุทธิ์และความสดใหม่เป็นพิเศษซึ่งมีเฉพาะในพวกเขาเท่านั้น จังหวะที่แยกจากกันสร้างความรู้สึกโล่งใจและพื้นผิวที่สั่นสะเทือน

ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์

Pierre Auguste Renoir จิตรกรชาวฝรั่งเศส ศิลปินกราฟิก และประติมากร หนึ่งในผู้นำกลุ่มอิมเพรสชันนิสต์ เกิดเมื่อวันที่ 25 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2384 ในเมืองลิโมจส์ ในครอบครัวยากจนของช่างตัดเสื้อประจำจังหวัด ซึ่งย้ายไปปารีสในปี พ.ศ. 2388 พ่อแม่ของเขาสังเกตเห็นความสามารถของ Renoir รุ่นเยาว์ค่อนข้างเร็วและในปี 1854 พวกเขามอบหมายให้เขาเข้าร่วมเวิร์คช็อปการวาดภาพเครื่องเคลือบดินเผา ในขณะที่เยี่ยมชมเวิร์กช็อป Renoir เรียนที่โรงเรียนสอนการวาดภาพและศิลปะประยุกต์พร้อมกันและในปี 1862 หลังจากประหยัดเงิน (หารายได้จากการทาสีเสื้อคลุมแขน ผ้าม่าน และพัด) ศิลปินหนุ่มเข้าโรงเรียนวิจิตรศิลป์ หลังจากนั้นไม่นาน เขาก็เริ่มเยี่ยมชมเวิร์กช็อปของ C. Gleyre ซึ่งเขากลายเป็นเพื่อนสนิทกับ A. Sisley, F. Basil และ C. Monet เขามักจะไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ลูฟร์เพื่อศึกษาผลงานของปรมาจารย์เช่น A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard

การสื่อสารกับกลุ่มอิมเพรสชันนิสต์ทำให้เรอนัวร์พัฒนาวิสัยทัศน์ในแบบของเขาเอง ตัวอย่างเช่น ซึ่งแตกต่างจากพวกเขา ตลอดการทำงานทั้งหมดของเขา เขาหันไปหาภาพของบุคคลซึ่งเป็นแรงจูงใจหลักในการวาดภาพของเขา นอกจากนี้ งานของเขาแม้จะดูโล่งๆ แต่ก็ไม่เคยหายไป
น้ำหนักพลาสติกของโลกวัสดุในสื่อที่ส่องแสงระยิบระยับ

การใช้ chiaroscuro โดยจิตรกรทำให้ภาพมีรูปแบบเกือบเหมือนประติมากรรม ทำให้ผลงานในยุคแรกของเขาดูเหมือนผลงานของศิลปินแนวสัจนิยม โดยเฉพาะ G. Courbet อย่างไรก็ตามโทนสีที่เบาและเบากว่าซึ่งมีเฉพาะใน Renoir เท่านั้นทำให้นายคนนี้แตกต่างจากรุ่นก่อน ("Mother Anthony's Tavern", 1866) ความพยายามที่จะถ่ายทอดความเป็นพลาสติกตามธรรมชาติของการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ในที่โล่งนั้นสามารถสังเกตได้ในผลงานหลายชิ้นของศิลปิน ใน "ภาพเหมือนของอัลเฟรด ซิสลีย์กับภรรยา" (พ.ศ. 2411) เรอนัวร์พยายามแสดงความรู้สึกที่เชื่อมโยงทั้งคู่เดินควงแขนกัน ซิสลีย์หยุดชั่วขณะและค่อยๆ โน้มตัวไปหาภรรยาของเขา ในภาพนี้ ด้วยการจัดองค์ประกอบที่ชวนให้นึกถึงกรอบภาพถ่าย แรงจูงใจของการเคลื่อนไหวยังคงเกิดขึ้นโดยไม่ได้ตั้งใจและแทบไม่รู้สึกตัว อย่างไรก็ตาม เมื่อเปรียบเทียบกับ "โรงเตี๊ยม" ตัวเลขใน "ภาพเหมือนของ Alfred Sisley กับภรรยาของเขา" ดูสงบและมีชีวิตชีวามากกว่า ประเด็นสำคัญอีกประการหนึ่งมีความสำคัญ: คู่สมรสเป็นภาพธรรมชาติ (ในสวน) แต่ Renoir ยังไม่มีประสบการณ์ในการวาดภาพร่างมนุษย์ในที่โล่ง

"ภาพเหมือนของ Alfred Sisley กับภรรยาของเขา" - ก้าวแรกของศิลปินบนเส้นทางสู่ศิลปะใหม่ ขั้นต่อไปในผลงานของศิลปินคือภาพวาด การอาบน้ำในแม่น้ำแซน (ค.ศ. 1869) ซึ่งเป็นภาพของผู้คนที่เดินไปตามชายฝั่ง คนอาบน้ำ รวมถึงเรือและกอไม้ถูกนำมารวมกันด้วยบรรยากาศเบาบางของ วันฤดูร้อนที่สวยงาม จิตรกรใช้เงาสีและการสะท้อนแสงสีอย่างอิสระอยู่แล้ว รอยเปื้อนของเขามีชีวิตชีวาและมีพลัง

เช่นเดียวกับ C. Monet เรอนัวร์ชอบปัญหาของการรวมร่างมนุษย์เข้ากับโลกของสิ่งแวดล้อม ศิลปินแก้ปัญหานี้ในภาพวาด "Swing" (พ.ศ. 2419) แต่แตกต่างจาก C. Monet เล็กน้อยซึ่งรูปร่างของผู้คนดูเหมือนจะละลายในภูมิประเทศ เรอนัวร์แนะนำบุคคลสำคัญหลายคนในองค์ประกอบของเขา ลักษณะที่งดงามของผืนผ้าใบนี้ทำขึ้นอย่างเป็นธรรมชาติ สื่อถึงบรรยากาศของวันในฤดูร้อนที่ถูกทำให้อ่อนลงด้วยเงา ภาพเต็มไปด้วยความรู้สึกแห่งความสุขและความสุข

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1870 เรอนัวร์วาดผลงานเช่นภูมิทัศน์ที่อาบด้วยแสงแดด "เส้นทางในทุ่งหญ้า" (พ.ศ. 2418) เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวาของแสงและการเล่นแสงสะท้อนที่เข้าใจยาก "มูแลง เดอ ลา กาแล็ตต์" (พ.ศ. 2419) เช่นเดียวกับ "ร่ม" ( พ.ศ. 2426), "ลอดจ์" (พ.ศ. 2417) และการสิ้นสุดของอาหารเช้า (พ.ศ. 2422) ผืนผ้าใบที่สวยงามเหล่านี้ถูกสร้างขึ้นแม้ว่าศิลปินจะต้องทำงานในสภาพแวดล้อมที่ยากลำบากเนื่องจากหลังจากนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ (พ.ศ. 2417) เรื่องอื้อฉาวผลงานของเรอนัวร์ การโจมตีจากนักเลงศิลปะที่เรียกว่า อย่างไรก็ตาม ในช่วงเวลาที่ยากลำบากนี้ Renoir รู้สึกได้ถึงการสนับสนุนจากคนใกล้ชิดสองคน: พี่ชาย Edmond (ผู้จัดพิมพ์นิตยสาร La Vie Moderne) และ Georges Charpentier (เจ้าของรายสัปดาห์) พวกเขาช่วยให้ศิลปินได้รับเงินจำนวนเล็กน้อยและเช่าเวิร์กช็อป

ควรสังเกตว่าในแง่ของการจัดองค์ประกอบ ภูมิทัศน์ "เส้นทางในทุ่งหญ้า" นั้นใกล้เคียงกับ "ดอกป๊อปปี้" (1873) โดย C. Monet มาก อย่างไรก็ตาม พื้นผิวที่งดงามของผืนผ้าใบของ Renoir มีความหนาแน่นและวัสดุมากกว่า ความแตกต่างอีกประการหนึ่งเกี่ยวกับโซลูชันการจัดองค์ประกอบคือท้องฟ้า ใน Renoir ซึ่งมีความสำคัญต่อวัตถุของโลกธรรมชาติ ท้องฟ้ากินพื้นที่เพียงส่วนเล็กๆ ของภาพ ในขณะที่ Monet วาดภาพท้องฟ้าด้วยเมฆสีเทาเงินหรือหิมะขาวที่พาดผ่าน สูงขึ้นไปบนทางลาดที่มีดอกป๊อปปี้บานสะพรั่ง ช่วยเพิ่มความรู้สึกของวันในฤดูร้อนที่เปียกโชกไปด้วยแสงแดด

ในการแต่งเพลง "Moulin de la Galette" (โดยที่ศิลปินประสบความสำเร็จอย่างแท้จริง) "Umbrellas", "Lodge" และ "The End of Breakfast" นั้นแสดงให้เห็นอย่างชัดเจน (เช่นใน Manet และ Degas) ความสนใจในสิ่งที่ดูเหมือนบังเอิญ สถานการณ์ชีวิตที่แอบมอง ลักษณะเฉพาะคือการดึงดูดวิธีการตัดกรอบของพื้นที่องค์ประกอบซึ่งเป็นลักษณะของ E. Degas และ E. Manet บางส่วน แต่ไม่เหมือนกับผลงานในยุคหลัง ภาพวาดของ Renoir นั้นโดดเด่นด้วยความสงบและการไตร่ตรองอย่างมาก

ผืนผ้าใบ“ The Lodge” ซึ่งราวกับว่ามองผ่านกล้องส่องทางไกลแถวเก้าอี้ผู้เขียนบังเอิญเจอกล่องที่มีความงามที่ดูเฉยเมยตั้งอยู่ ในทางกลับกันเพื่อนของเธอมองไปที่ผู้ชมด้วยความสนใจอย่างมาก ส่วนหนึ่งของร่างของเขาถูกตัดออกโดยกรอบรูป

งาน "สิ้นสุดอาหารเช้า" นำเสนอตอนพื้นฐาน: ผู้หญิงสองคนในชุดขาวและดำรวมทั้งสุภาพบุรุษของพวกเขารับประทานอาหารเช้าในมุมที่ร่มรื่นของสวน มีโต๊ะสำหรับกาแฟอยู่แล้ว ซึ่งเสิร์ฟในถ้วยที่ทำจากพอร์ซเลนสีน้ำเงินอ่อน ผู้หญิงกำลังรอความต่อเนื่องของเรื่องราวซึ่งผู้ชายขัดจังหวะเพื่อจุดบุหรี่ ภาพนี้ไม่ใช่จิตวิทยาที่น่าทึ่งหรือลึกซึ้ง แต่ดึงดูดความสนใจของผู้ชมด้วยการถ่ายโอนอารมณ์ที่เล็กที่สุด

ความรู้สึกสงบร่าเริงที่คล้ายกันแทรกซึมอยู่ใน "Breakfast of the Rowers" (1881) ซึ่งเต็มไปด้วยแสงและการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวา ความกระตือรือร้นและเสน่ห์เล็ดลอดออกมาจากร่างของหญิงสาวสวยที่นั่งกับสุนัขในอ้อมแขนของเธอ ศิลปินวาดภาพของเขา ภรรยาในอนาคต. ผืนผ้าใบ "Nude" (1876) เต็มไปด้วยอารมณ์ที่สนุกสนานแบบเดียวกัน เพียงแต่หักเหต่างกันเล็กน้อย ความสดชื่นและความอบอุ่นของร่างกายของหญิงสาวตัดกับผ้าปูที่นอนและผ้าลินินสีฟ้าเย็นซึ่งเป็นพื้นหลังชนิดหนึ่ง

คุณลักษณะเฉพาะของงานของ Renoir คือบุคคลนั้นขาดความสมบูรณ์ทางจิตใจและศีลธรรมที่ซับซ้อนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของการวาดภาพของศิลปินแนวสัจนิยมเกือบทั้งหมด คุณลักษณะนี้มีอยู่ในผลงานเช่น "Nude" (โดยธรรมชาติของโครงเรื่องทำให้ไม่มีคุณสมบัติดังกล่าว) แต่ยังรวมถึงภาพบุคคลของ Renoir ด้วย อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ไม่ได้กีดกันเสน่ห์ของเขาซึ่งอยู่ในความร่าเริงของตัวละคร

ในระดับที่ยิ่งใหญ่ที่สุด คุณสมบัติเหล่านี้จะสัมผัสได้ในภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Renoir "Girl with a Fan" (ค.ศ. 1881) ผ้าใบเป็นลิงค์ที่ผูก งานแรก Renoir ที่มีสายมีลักษณะเย็นกว่าและละเอียดกว่า สี. ในช่วงเวลานี้ศิลปินมีความสนใจในเส้นที่ชัดเจนในภาพวาดที่ชัดเจนและในพื้นที่ของสีมากขึ้นกว่าเดิม ศิลปินกำหนดบทบาทอย่างมากให้กับการทำซ้ำจังหวะ (ครึ่งวงกลมของพัดลม - หลังครึ่งวงกลมของเก้าอี้สีแดง - ไหล่ที่ลาดเอียงของเด็กผู้หญิง)

อย่างไรก็ตาม แนวโน้มเหล่านี้ในการวาดภาพของเรอนัวร์ได้แสดงออกอย่างเต็มที่ที่สุดในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1880 เมื่อความผิดหวังเกิดขึ้นในงานของเขาและลัทธิอิมเพรสชั่นนิสต์โดยทั่วไป หลังจากทำลายผลงานบางส่วนของเขาซึ่งศิลปินคิดว่า "แห้ง" เขาจึงเริ่มศึกษางานของ N. Poussin หันไปหาภาพวาดของ J. O. D. Ingres เป็นผลให้จานสีของเขาได้รับความส่องสว่างเป็นพิเศษ ที่เรียกว่า. "ยุคไข่มุก" ที่เรารู้จักจากผลงานเช่น "Girls at the Piano" (1892), "The Sleeping Bather" (1897) รวมถึงภาพเหมือนของลูกชาย - Pierre, Jean และ Claude - "Gabriel and Jean" ( 2438), " โกโก้" (2444).

นอกจากนี้ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2427 ถึง พ.ศ. 2430 เรอนัวร์กำลังพัฒนารุ่นต่างๆ มากมาย ภาพใหญ่"อาบน้ำ" ในนั้นเขาจัดการเพื่อให้ได้องค์ประกอบที่สมบูรณ์ที่ชัดเจน อย่างไรก็ตามความพยายามทั้งหมดที่จะรื้อฟื้นและคิดใหม่เกี่ยวกับประเพณีของผู้ยิ่งใหญ่รุ่นก่อน ๆ ในขณะที่หันไปหาพล็อตที่ห่างไกลจากปัญหาใหญ่ในยุคของเราจบลงด้วยความล้มเหลว "Bathers" ทำให้ศิลปินแปลกแยกจากการรับรู้โดยตรงและสดใหม่ของชีวิตก่อนหน้านี้เท่านั้น ทั้งหมดนี้อธิบายความจริงที่ว่าตั้งแต่ทศวรรษที่ 1890 งานของ Renoir อ่อนแอลง: โทนสีส้มแดงเริ่มมีอิทธิพลเหนือสีของผลงานของเขาและพื้นหลังที่ปราศจากความลึกโปร่งสบายกลายเป็นของตกแต่งและแบนราบ

ตั้งแต่ปี 1903 Renoir ได้เข้ามาตั้งถิ่นฐาน บ้านของตัวเองใน Cagnes-sur-Mer ซึ่งเขายังคงทำงานเกี่ยวกับภูมิทัศน์ การจัดองค์ประกอบภาพบุคคลและหุ่นนิ่ง ซึ่งส่วนใหญ่แล้วจะใช้โทนสีแดงที่กล่าวถึงข้างต้นเป็นหลัก เนื่องจากป่วยหนัก ศิลปินจึงไม่สามารถถือพู่กันได้อีกต่อไป และถูกมัดไว้กับมือ อย่างไรก็ตามหลังจากเวลาผ่านไปการวาดภาพจะต้องถูกละทิ้งโดยสิ้นเชิง จากนั้นอาจารย์ก็หันไปหาประติมากรรม ร่วมกับผู้ช่วยของ Guino เขาสร้างประติมากรรมที่น่าทึ่งหลายชิ้น โดดเด่นด้วยความงามและความกลมกลืนของเงา ความสุข และพลังที่ยืนยันถึงชีวิต (Venus, 1913; The Great Laundress, 1917; Motherhood, 1916) เรอนัวร์เสียชีวิตในปี 2462 บนที่ดินของเขาใน Alpes-Maritimes

เอ็ดการ์ เดอกาส์

Edgar Hilaire Germain Degas จิตรกร ศิลปินกราฟิก และประติมากรชาวฝรั่งเศส ซึ่งเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ เกิดในปี พ.ศ. 2377 ในปารีส ในครอบครัวของนายธนาคารผู้มั่งคั่ง เขาได้รับการศึกษาที่ยอดเยี่ยมที่ Lyceum อันทรงเกียรติซึ่งตั้งชื่อตามพระเจ้าหลุยส์มหาราช (พ.ศ. 2388-2395) บางครั้งเขาเป็นนักศึกษาที่คณะนิติศาสตร์ที่มหาวิทยาลัยปารีส (พ.ศ. 2396) แต่ด้วยความรู้สึกโหยหาศิลปะเขาจึงออกจากมหาวิทยาลัยและเริ่มเข้าร่วมสตูดิโอของศิลปิน L. Lamotte (นักเรียนและผู้ติดตาม Ingres) และในเวลาเดียวกัน (ตั้งแต่ปี 1855) โรงเรียน
ศิลปกรรม. อย่างไรก็ตามในปี พ.ศ. 2399 เดอกาส์ออกจากปารีสและไปอิตาลีเป็นเวลาสองปีโดยไม่คาดคิดสำหรับทุกคนซึ่งเขาศึกษาด้วยความสนใจอย่างมากและเช่นเดียวกับจิตรกรหลายคนคัดลอกผลงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาผู้ยิ่งใหญ่ ความสนใจที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขาคือผลงานของ A. Mantegna และ P. Veronese ซึ่งศิลปินหนุ่มได้รับแรงบันดาลใจและมีสีสันในการวาดภาพ

ผลงานในยุคแรกๆ ของเดอกาส์ (ส่วนใหญ่เป็นภาพบุคคล) โดดเด่นด้วยการวาดที่ชัดเจนและแม่นยำและการสังเกตที่ละเอียดอ่อน ผสมผสานกับวิธีการเขียนที่ละเอียดอ่อนอย่างประณีต (ภาพร่างโดยพี่ชายของเขา พ.ศ. 2399-2400 การวาดศีรษะของบารอนเนส แบลลี พ.ศ. 2402) หรือด้วยความน่าทึ่ง ความจริงของการประหารชีวิต (ภาพขอทานชาวอิตาลี 2400)

เมื่อกลับมายังบ้านเกิดเมืองนอน เดอกาส์หันไปใช้ธีมประวัติศาสตร์ แต่ให้การตีความที่ไม่เคยมีมาก่อนในช่วงเวลานั้น ดังนั้นในการแต่งเพลง "Spartan Girls Challenge Young Men to a Competition" (1860) ปรมาจารย์ที่เพิกเฉยต่ออุดมคติแบบมีเงื่อนไขของโครงเรื่องโบราณพยายามที่จะรวบรวมมันให้เหมือนความเป็นจริง โบราณวัตถุที่นี่ เช่นเดียวกับผืนผ้าใบอื่นๆ ของเขาในหัวข้อประวัติศาสตร์ ราวกับว่าผ่านปริซึมแห่งความทันสมัย: ภาพของหญิงสาวและชายหนุ่มแห่งสปาร์ตาโบราณที่มีรูปทรงเชิงมุม ร่างผอมบาง และการเคลื่อนไหวที่เฉียบคม ซึ่งปรากฎบนพื้นหลังของชีวิตประจำวัน ภูมิทัศน์ธรรมดาๆ ห่างไกลจากแนวคิดแบบคลาสสิก และดูเหมือนวัยรุ่นทั่วไปในเขตชานเมืองของปารีสมากกว่าสปาร์ตันในอุดมคติ

ในช่วงทศวรรษที่ 1860 มีการก่อตัวของวิธีการสร้างสรรค์ของจิตรกรมือใหม่อย่างค่อยเป็นค่อยไป ในทศวรรษนี้พร้อมกับผืนผ้าทางประวัติศาสตร์ที่มีความสำคัญน้อยกว่า (“Semiramide Watching the Construction of Babylon”, 1861) ศิลปินได้สร้างผลงานภาพบุคคลหลายชิ้นซึ่งได้ฝึกฝนทักษะการสังเกตและความเป็นจริง ในเรื่องนี้สิ่งที่บ่งบอกได้มากที่สุดคือภาพวาด "ศีรษะของหญิงสาว" ซึ่งสร้างโดย
ในปี พ.ศ. 2410

ในปี 1861 เดอกาส์ได้พบกับ E. Manet และในไม่ช้าก็กลายเป็นขาประจำที่ร้านกาแฟ Gerbois ซึ่งนักประดิษฐ์รุ่นเยาว์ในยุคนั้นมารวมตัวกัน: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley และคนอื่นๆ แต่ถ้าพวกเขาสนใจภูมิทัศน์และงานเป็นหลัก ในที่โล่งจากนั้นเดอกาส์เน้นไปที่ธีมของเมืองแบบชาวปารีส เขาดึงดูดทุกสิ่งที่เคลื่อนไหว สถิตทำให้เขาไม่แยแส

เดอกาส์เป็นผู้สังเกตการณ์ที่เอาใจใส่มาก จับภาพทุกอย่างที่แสดงลักษณะเฉพาะในปรากฏการณ์ชีวิตที่เปลี่ยนแปลงไม่สิ้นสุด ดังนั้น การถ่ายทอดจังหวะที่บ้าคลั่งของเมืองใหญ่ เขาจึงสร้างหนึ่งในรูปแบบต่างๆ ของประเภทชีวิตประจำวันที่อุทิศให้กับเมืองทุนนิยม

ในงานในช่วงเวลานี้ภาพบุคคลมีความโดดเด่นซึ่งมีจำนวนมากที่จัดว่าเป็นไข่มุกแห่งการวาดภาพโลก ในหมู่พวกเขาเป็นภาพของครอบครัว Belleli (ค.ศ. 1860-1862) ภาพเหมือนของผู้หญิง (พ.ศ. 2410) ภาพเหมือนของพ่อของศิลปินที่ฟังนักกีตาร์เพแกน (พ.ศ. 2415)

ภาพวาดบางชิ้นจากช่วงทศวรรษที่ 1870 มีลักษณะที่ไม่เอื้ออำนวยในการถ่ายภาพในการพรรณนาตัวละคร ตัวอย่างคือผืนผ้าใบชื่อ "Dancing Lesson" (ค.ศ. 1874) ซึ่งทำด้วยโทนสีน้ำเงินเย็น ผู้เขียนจับภาพการเคลื่อนไหวของนักบัลเล่ต์ที่เรียนเต้นจากปรมาจารย์การเต้นด้วยความแม่นยำที่น่าทึ่ง อย่างไรก็ตาม มีภาพเขียนในลักษณะที่แตกต่างกัน เช่น ภาพเหมือนของไวเคานต์ เลอปิกกับลูกสาวของเขาที่ Place de la Concorde ซึ่งย้อนหลังไปถึงปี 1873 ที่นี่ การตรึงความรู้สึกธรรมดาสามัญอันเงียบขรึมถูกเอาชนะเนื่องจากพลวัตที่เด่นชัดของ องค์ประกอบและความคมชัดเป็นพิเศษของการถ่ายโอนตัวละครของ Lepic; กล่าวอีกนัยหนึ่งสิ่งนี้เกิดขึ้นเนื่องจากการเปิดเผยที่เฉียบคมและเฉียบคมทางศิลปะของจุดเริ่มต้นของชีวิตที่แสดงออกในลักษณะเฉพาะ

ควรสังเกตว่าผลงานในช่วงเวลานี้สะท้อนถึงมุมมองของศิลปินเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่เขาแสดง ภาพวาดของเขาทำลายหลักการทางวิชาการตามปกติ ภาพวาด The Musicians of the Orchestra (1872) ของเดอกาส์สร้างขึ้นบนความเปรียบต่างที่คมชัดซึ่งเกิดจากการเปรียบเทียบศีรษะของนักดนตรี (วาดในระยะใกล้) กับร่างเล็กๆ ของนักเต้นที่คำนับผู้ชม ความสนใจในการเคลื่อนไหวที่แสดงออกและการคัดลอกที่ถูกต้องบนผืนผ้าใบยังพบได้ในภาพร่างของนักเต้นจำนวนมาก (เราต้องไม่ลืมว่าเดอกาส์เป็นประติมากรด้วย) ซึ่งสร้างขึ้นโดยปรมาจารย์เพื่อจับสาระสำคัญของการเคลื่อนไหว ตรรกะของมันอย่างถูกต้อง เป็นไปได้.

ศิลปินสนใจในการเคลื่อนไหว ท่วงท่า และอากัปกิริยาเฉพาะทางแบบมืออาชีพ โดยปราศจากบทกวีใดๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานที่อุทิศให้กับการแข่งม้า ("Young Jockey", 1866-1868; "Horse Racing in the Province. Crew at the Races", ca. 1872; "Jockeys in front of the stand", ca. 1879, ฯลฯ). ใน The Ride of Racehorses (1870s) การวิเคราะห์ด้านมืออาชีพของเรื่องนี้ได้รับความแม่นยำเกือบเท่านักข่าว หากเราเปรียบเทียบผืนผ้าใบนี้กับภาพวาดของ T. Géricault เรื่อง "The Races at Epsom" ก็จะชัดเจนในทันทีว่าเนื่องจากการวิเคราะห์ที่ชัดเจน งานของ Degas จึงสูญเสียองค์ประกอบทางอารมณ์ของ T. Géricault ไปมาก คุณสมบัติเดียวกันนี้มีอยู่ใน "Ballerina on Stage" สีพาสเทลของ Degas (พ.ศ. 2419-2421) ซึ่งไม่ได้อยู่ในจำนวนผลงานชิ้นเอกของเขา

อย่างไรก็ตาม แม้จะมีลักษณะด้านเดียวและบางทีต้องขอบคุณมันด้วยซ้ำ แต่งานศิลปะของเดอกาส์ก็มีความโดดเด่นด้วยการโน้มน้าวใจและเนื้อหา ในงานเขียนโปรแกรมของเขา เขาได้เปิดเผยความลึกและความซับซ้อนของสภาพภายในของบุคคลที่ปรากฎอย่างแม่นยำและด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยม ตลอดจนบรรยากาศของความแปลกแยกและความเหงาในสังคมร่วมสมัย รวมถึงตัวผู้เขียนเองด้วย

เป็นครั้งแรกที่อารมณ์เหล่านี้ถูกบันทึกไว้ในผืนผ้าใบขนาดเล็ก "นักเต้นหน้าช่างภาพ" (ยุค 1870) ซึ่งศิลปินวาดภาพนักเต้นที่โดดเดี่ยวซึ่งถูกแช่แข็งในบรรยากาศที่มืดมนและมืดมนในท่าทางที่เรียนรู้ ของอุปกรณ์ถ่ายภาพขนาดใหญ่ ในอนาคตความรู้สึกขมขื่นและความเหงาแทรกซึมเข้าไปในผืนผ้าใบเช่น "Absinthe" (1876), "Singer from the Cafe" (1878), "Ironers" (1884) และอื่น ๆ อีกมากมาย เดอกาส์แสดงร่างของชายสองคนและ ผู้หญิงที่โดดเดี่ยวและไม่แยแสต่อกันและกันและต่อโลกทั้งใบ การสั่นไหวสีเขียวสลัวของแก้วที่เต็มไปด้วยแอ็บซินท์เน้นความโศกเศร้าและความสิ้นหวังที่เห็นในดวงตาและท่าทางของผู้หญิง ชายมีหนวดมีเคราหน้าซีดมีสีหน้าเศร้าหมองและครุ่นคิด

ความคิดสร้างสรรค์ เดอกาส์มีความสนใจอย่างแท้จริงในตัวละครของผู้คน ไปจนถึงคุณลักษณะเฉพาะของพฤติกรรมของพวกเขา ตลอดจนองค์ประกอบไดนามิกที่สร้างขึ้นมาอย่างดีซึ่งแทนที่แบบดั้งเดิม หลักการสำคัญของมันคือการค้นหามุมที่แสดงออกมากที่สุดในความเป็นจริง สิ่งนี้ทำให้งานของเดอกาส์แตกต่างจากงานศิลปะของอิมเพรสชั่นนิสต์คนอื่น ๆ (โดยเฉพาะ C. Monet, A. Sisley และบางส่วนคือ O. Renoir) ด้วยแนวทางการครุ่นคิดต่อโลกรอบตัวพวกเขา ศิลปินใช้หลักการนี้อยู่แล้วในงานแรกของเขา The Cotton Getting Office in New Orleans (1873) ซึ่งกระตุ้นให้ E. Goncourt ชื่นชมในความจริงใจและความสมจริง เช่นผลงานในภายหลังของเขา "Miss Lala in the Fernando Circus" (1879) และ "Dancers in the Foyer" (1879) ซึ่งมีการวิเคราะห์อย่างละเอียดเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงของการเคลื่อนไหวที่หลากหลายภายใต้แรงจูงใจเดียวกัน

บางครั้ง เทคนิคนี้นักวิจัยบางคนใช้เพื่อระบุความใกล้ชิดของ Degas กับ A. Watteau แม้ว่าศิลปินทั้งสองจะมีความคล้ายคลึงกันในบางจุด (A. Watteau ยังให้ความสำคัญกับเฉดสีต่างๆ ของการเคลื่อนไหวแบบเดียวกัน) แต่ก็เพียงพอที่จะเปรียบเทียบภาพวาดของ A. Watteau กับภาพการเคลื่อนไหวของนักไวโอลินจากองค์ประกอบของ Degas ดังกล่าว เนื่องจากตรงกันข้ามกับเทคนิคทางศิลปะของพวกเขาจะรู้สึกได้ทันที

หาก A. Watteau พยายามที่จะสื่อถึงการเปลี่ยนผ่านที่เข้าใจยากของการเคลื่อนไหวอย่างหนึ่งไปสู่อีกการเคลื่อนไหวหนึ่ง พูดง่ายๆ ก็คือ semitones ในทางกลับกัน สำหรับ Degas การเปลี่ยนแปลงแรงจูงใจในการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉงและแตกต่างนั้นเป็นลักษณะเฉพาะ เขาพยายามมากขึ้นในการเปรียบเทียบและการปะทะกันที่คมชัดซึ่งมักทำให้ตัวเลขเป็นมุม ด้วยวิธีนี้ศิลปินพยายามที่จะจับพลวัตของการพัฒนาชีวิตร่วมสมัย

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1880 - ต้นทศวรรษที่ 1890 ในงานของเดอกาส์มีลวดลายตกแต่งที่โดดเด่นซึ่งอาจเป็นเพราะความเฉื่อยชาของเขา การรับรู้ทางศิลปะ. หากในผืนผ้าใบของต้นทศวรรษ 1880 อุทิศให้กับภาพเปลือย (“ผู้หญิงออกจากห้องน้ำ”, 1883) มีความสนใจมากขึ้นในการแสดงออกที่มีชีวิตชีวาของการเคลื่อนไหว จากนั้นในปลายทศวรรษความสนใจของศิลปินเปลี่ยนไปอย่างเห็นได้ชัดต่อการพรรณนา ของความงามของผู้หญิง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพวาด "การอาบน้ำ" (พ.ศ. 2429) ซึ่งจิตรกรที่มีทักษะสูงถ่ายทอดเสน่ห์ของร่างกายที่ยืดหยุ่นและสง่างามของหญิงสาวที่พิงกระดูกเชิงกรานของเธอ

ศิลปินเคยวาดภาพที่คล้ายกันมาก่อน แต่เดอกาส์ใช้เส้นทางที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย หากวีรสตรีของปรมาจารย์คนอื่น ๆ รู้สึกถึงการปรากฏตัวของผู้ชมอยู่เสมอจิตรกรจะพรรณนาถึงผู้หญิงคนหนึ่งราวกับไม่สนใจว่าเธอจะดูเป็นอย่างไรจากภายนอก และแม้ว่าสถานการณ์ดังกล่าวจะดูสวยงามและค่อนข้างเป็นธรรมชาติ อย่างไรก็ตาม ภาพใน ผลงานที่คล้ายกันมักจะเข้าหาพิสดาร ท้ายที่สุดแล้วท่าทางและท่าทางใด ๆ แม้แต่ท่าทางที่ใกล้ชิดที่สุดก็ค่อนข้างเหมาะสมที่นี่พวกเขาได้รับการพิสูจน์อย่างเต็มที่จากความจำเป็นในการใช้งาน: เมื่อซักให้เอื้อมมือไปยังสถานที่ที่เหมาะสม ปลดตะขอด้านหลัง ลื่น คว้าอะไรบางอย่าง

ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต เดอกาส์สนใจงานประติมากรรมมากกว่างานจิตรกรรม ส่วนหนึ่งเป็นเพราะโรคตาและความบกพร่องทางสายตา เขาสร้างภาพเดียวกันกับที่มีอยู่ในภาพวาดของเขา: เขาปั้นตุ๊กตานักบัลเล่ต์นักเต้นม้า ในเวลาเดียวกัน ศิลปินพยายามถ่ายทอดไดนามิกของการเคลื่อนไหวให้ถูกต้องที่สุด เดอกาส์ไม่ทิ้งภาพวาดซึ่งแม้ว่าจะจางหายไปในพื้นหลัง แต่ก็ไม่ได้หายไปจากงานของเขาโดยสิ้นเชิง

เนื่องจากการสร้างองค์ประกอบที่แสดงออกอย่างเป็นทางการและเป็นจังหวะความต้องการในการตีความภาพตกแต่งของภาพวาดของ Degas ซึ่งสร้างขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1880 และในช่วงทศวรรษที่ 1890 กลายเป็นว่าไร้ความน่าเชื่อถือเหมือนจริงและกลายเป็นเหมือนแผงประดับ

เดอกาส์ใช้ชีวิตที่เหลือในปารีสบ้านเกิดของเขา ซึ่งเขาเสียชีวิตในปี 2460

คามิลล์ ปิสซาร์โร

Camille Pissarro จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวฝรั่งเศส เกิดเมื่อปี พ.ศ. 2373 เมื่อประมาณ นักบุญโทมัส (แอนทิลลีส) ในครอบครัวของพ่อค้า เขาได้รับการศึกษาในปารีสซึ่งเขาศึกษาตั้งแต่ปี พ.ศ. 2385 ถึง พ.ศ. 2390 หลังจากจบการศึกษา Pissarro กลับไปที่ St. Thomas และเริ่มช่วยพ่อของเขาในร้าน อย่างไรก็ตามนี่ไม่ใช่สิ่งที่ชายหนุ่มใฝ่ฝัน ความสนใจของเขาอยู่ไกลเกินกว่าเคาน์เตอร์ การวาดภาพมีความสำคัญที่สุดสำหรับเขา แต่พ่อของเขาไม่สนับสนุนความสนใจของลูกชายและต่อต้านให้เขาออกจากธุรกิจของครอบครัว ความเข้าใจผิดอย่างสมบูรณ์และไม่เต็มใจของครอบครัวที่จะพบกันครึ่งทางนำไปสู่ความจริงที่ว่าชายหนุ่มที่สิ้นหวังอย่างสมบูรณ์หนีไปเวเนซุเอลา (พ.ศ. 2396) การกระทำนี้ยังคงมีอิทธิพลต่อผู้ปกครองที่ยืนกราน และเขาอนุญาตให้ลูกชายของเขาไปปารีสเพื่อเรียนการวาดภาพ

ในปารีส Pissarro เข้าสตูดิโอของ Suisse ซึ่งเขาศึกษาเป็นเวลาหกปี (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2398 ถึง พ.ศ. 2404) ที่งานนิทรรศการจิตรกรรมโลกในปี 1855 ศิลปินในอนาคตได้ค้นพบ J. O. D. Ingres, G. Courbet แต่ผลงานของ C. Corot สร้างความประทับใจให้กับเขามากที่สุด ตามคำแนะนำของหลังการเยี่ยมชมสตูดิโอของ Suisse ต่อไปจิตรกรหนุ่มเข้าโรงเรียนวิจิตรศิลป์กับ A. Melby ในเวลานี้เขาได้พบกับ C. Monet ซึ่งเขาได้วาดภาพทิวทัศน์ของชานเมืองปารีส

ในปี 1859 Pissarro จัดแสดงภาพวาดของเขาเป็นครั้งแรกที่ Salon ผลงานในยุคแรกๆ ของเขาเขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของ C. Corot และ G. Courbet แต่ Pissarro ก็ค่อยๆ พัฒนาสไตล์ของตัวเอง จิตรกรมือใหม่อุทิศเวลาส่วนใหญ่ให้กับการทำงานในที่โล่ง เขาเช่นเดียวกับนักวาดภาพอิมเพรสชันนิสต์คนอื่น ๆ สนใจในชีวิตของธรรมชาติที่เคลื่อนไหว Pissarro ให้ความสำคัญกับสีเป็นอย่างมาก ซึ่งไม่เพียงสื่อถึงรูปแบบเท่านั้น แต่ยังสื่อถึงสาระสำคัญของวัตถุด้วย เพื่อเผยให้เห็นถึงเสน่ห์และความงามอันเป็นเอกลักษณ์ของธรรมชาติ เขาใช้การลงสีที่บริสุทธิ์ซึ่งมีปฏิสัมพันธ์ระหว่างกันและทำให้เกิดโทนเสียงที่สั่นสะเทือน วาดเป็นเส้นกากบาท เส้นขนาน และเส้นทแยง ทำให้ภาพทั้งภาพมีความลึกและเสียงจังหวะที่น่าอัศจรรย์ (“The Seine at Marly”, 1871)

ภาพวาดไม่ได้นำมาซึ่ง Pissarro เงินก้อนใหญ่และเขาแทบจะไม่ได้พบกันเลย ในช่วงเวลาแห่งความสิ้นหวัง ศิลปินพยายามทำลายศิลปะไปตลอดกาล แต่ในไม่ช้าก็กลับไปสู่ความคิดสร้างสรรค์อีกครั้ง

ในปี สงครามฝรั่งเศส-ปรัสเซีย Pissarro อาศัยอยู่ในลอนดอน ร่วมกับ C. Monet เขาวาดภาพทิวทัศน์ของลอนดอนจากชีวิตจริง บ้านของศิลปินใน Louveciennes ในเวลานั้นถูกปล้นโดยผู้รุกรานชาวปรัสเซีย ภาพวาดส่วนใหญ่ที่เหลืออยู่ในบ้านถูกทำลาย ทหารกางผ้าใบในสนามไว้ใต้ฝ่าเท้าในช่วงฝนตก

กลับไปปารีส Pissarro ยังคงประสบปัญหาทางการเงิน สาธารณรัฐที่เข้ามาแทนที่
จักรวรรดิ แทบไม่มีอะไรเปลี่ยนแปลงในฝรั่งเศส ชนชั้นนายทุนยากจนหลังจากเหตุการณ์ที่เกี่ยวข้องกับคอมมูนไม่สามารถซื้อภาพวาดได้ ในเวลานี้ Pissarro อยู่ภายใต้การอุปถัมภ์ของศิลปินหนุ่ม P. Cezanne พวกเขาทำงานร่วมกันใน Pontoise ซึ่ง Pissarro สร้างผืนผ้าใบที่แสดงถึงสภาพแวดล้อมของ Pontoise ซึ่งศิลปินอาศัยอยู่จนถึงปี 1884 (“Oise in Pontoise”, 1873); หมู่บ้านที่เงียบสงบ ถนนที่ทอดยาวไปไกล (“ถนนจาก Gisors ถึง Pontoise ใต้หิมะ”, 1873; “Red Roofs”, 1877; “Landscape in Pontoise”, 1877)

Pissarro มีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการทั้งแปดของอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งจัดตั้งแต่ปี พ.ศ. 2417 ถึง พ.ศ. 2429 จิตรกรสามารถค้นพบพรสวรรค์ด้านการสอนได้ ภาษาซึ่งกันและกันกับศิลปินมือใหม่เกือบทุกคนช่วยให้คำปรึกษา ผู้ร่วมสมัยพูดถึงเขาว่า "เขาสามารถสอนวิธีวาดก้อนหินได้" พรสวรรค์ของปรมาจารย์นั้นยอดเยี่ยมมากจนสามารถแยกแยะเฉดสีที่ละเอียดที่สุดที่คนอื่นเห็นเพียงสีเทา สีน้ำตาล และสีเขียว

สถานที่พิเศษในงานของ Pissarro ถูกครอบครองโดยผืนผ้าใบที่อุทิศให้กับเมืองซึ่งแสดงเป็นสิ่งมีชีวิตซึ่งเปลี่ยนแปลงตลอดเวลาขึ้นอยู่กับแสงและฤดูกาล ศิลปินมีความสามารถที่น่าทึ่งในการมองเห็นและจับสิ่งที่คนอื่นไม่ได้สังเกต ตัวอย่างเช่น เมื่อมองออกไปนอกหน้าต่างบานเดียวกัน เขาเขียนผลงาน 30 ชิ้นที่บรรยายภาพมงมาร์ต ("Montmartre Boulevard in Paris", 1897) อาจารย์รักปารีสอย่างหลงใหลดังนั้นเขาจึงอุทิศภาพวาดส่วนใหญ่ให้กับเขา ศิลปินสามารถถ่ายทอดความมหัศจรรย์ที่ไม่เหมือนใครในผลงานของเขาซึ่งทำให้ปารีสเป็นหนึ่งในเมืองที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลก สำหรับงาน จิตรกรเช่าห้องบนถนน Saint-Lazare, Grands Boulevards ฯลฯ เขาโอนทุกสิ่งที่เขาเห็นไปยังผืนผ้าใบของเขา (“Italian Boulevard ในตอนเช้า สว่างไสวด้วยแสงอาทิตย์”, 1897; “สถานที่ของโรงละครฝรั่งเศสในปารีส , ฤดูใบไม้ผลิ”, 2441; “ ทางโอเปร่าในปารีส).

ในบรรดาภูมิทัศน์ในเมืองของเขามีผลงานที่แสดงถึงเมืองอื่นๆ ดังนั้นในปี 1890 อาจารย์อาศัยอยู่เป็นเวลานานใน Dieppe จากนั้นใน Rouen ในภาพวาดที่อุทิศให้กับส่วนต่าง ๆ ของฝรั่งเศส เขาเผยให้เห็นความงามของจัตุรัสโบราณ บทกวีของตรอกซอกซอยและอาคารโบราณ ซึ่งจิตวิญญาณของยุคอดีตยังหายใจอยู่ (“สะพานใหญ่ในรูออง”, 1896; “สะพานบอยดิเยอในรูอ็อง” ที่พระอาทิตย์ตก”, 1896; “ View of Rouen”, 1898; “The Church of Saint-Jacques in Dieppe”, 1901)

แม้ว่าภูมิทัศน์ของ Pissarro จะไม่ได้มีสีสันสดใส แต่พื้นผิวภาพของพวกเขามีเฉดสีที่หลากหลายผิดปกติ ตัวอย่างเช่น โทนสีเทาของทางเท้าที่ปูด้วยหินกรวดนั้นเกิดจากลายเส้นของสีชมพูบริสุทธิ์ ฟ้า น้ำเงิน เหลืองทอง แดงอังกฤษ เป็นต้น ในฐานะ ผลที่ได้คือสีเทาดูเหมือนหอยมุก ระยิบระยับและเรืองแสง ทำให้ภาพวาดดูเหมือนอัญมณี

Pissarro ไม่เพียงสร้างภูมิทัศน์เท่านั้น ในงานของเขามี ภาพวาดประเภทซึ่งความสนใจในตัวบุคคลเป็นตัวเป็นตน

สิ่งที่สำคัญที่สุดคือ "กาแฟกับนม" (พ.ศ. 2424), "หญิงสาวที่มีกิ่งไม้" (พ.ศ. 2424), "ผู้หญิงกับเด็กที่บ่อน้ำ" (พ.ศ. 2425), "ตลาด: พ่อค้าเนื้อ" (พ.ศ. 2426 ). จิตรกรพยายามที่จะปรับปรุงจังหวะและแนะนำองค์ประกอบของความยิ่งใหญ่ในองค์ประกอบ

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1880 Pissarro ศิลปินที่เป็นผู้ใหญ่แล้วภายใต้อิทธิพลของ Seurat และ Signac เริ่มให้ความสนใจในการแบ่งแยกและเริ่มวาดภาพด้วยจุดสีเล็ก ๆ ในลักษณะนี้ งานของเขาเช่น "Lacroix Island, Rouen หมอก" (2431). อย่างไรก็ตามงานอดิเรกอยู่ได้ไม่นานและในไม่ช้า (พ.ศ. 2433) อาจารย์ก็กลับไปใช้รูปแบบเดิมของเขา

นอกจากการวาดภาพแล้ว Pissarro ยังทำงานเกี่ยวกับสีน้ำ สร้างงานแกะสลัก ภาพพิมพ์หิน และภาพวาด
ศิลปินเสียชีวิตในปารีสในปี 2446

ศิลปะยุโรปช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ได้รับอิทธิพลจากศิลปะสมัยใหม่ ต่อมา อิทธิพลของศิลปะขยายไปถึงดนตรีและวรรณกรรม มันถูกเรียกว่า "อิมเพรสชันนิสม์" เพราะมันขึ้นอยู่กับความประทับใจที่ละเอียดอ่อนที่สุดของศิลปิน รูปภาพ และอารมณ์

ที่มาและประวัติการเกิดขึ้น

ศิลปินรุ่นใหม่หลายคนรวมตัวกันเป็นกลุ่มในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 พวกเขามีเป้าหมายร่วมกันและมีความสนใจร่วมกัน สิ่งสำคัญสำหรับ บริษัท นี้คือการทำงานในธรรมชาติโดยไม่มีกำแพงของเวิร์กช็อปและปัจจัยควบคุมต่างๆ ในภาพวาดของพวกเขา พวกเขาพยายามถ่ายทอดความเย้ายวน ความประทับใจในการเล่นแสงและเงา ทิวทัศน์และภาพบุคคลสะท้อนความเป็นหนึ่งเดียวของจิตวิญญาณกับจักรวาลและโลกโดยรอบ ภาพวาดของพวกเขาเป็นบทกวีแห่งสีสันที่แท้จริง

ในปี พ.ศ. 2417 มีการแสดงนิทรรศการของศิลปินกลุ่มนี้ ภูมิทัศน์โดย Claude Monet "ความประทับใจ พระอาทิตย์ขึ้น” ดึงดูดสายตาของนักวิจารณ์ซึ่งในการตรวจสอบของเขาเป็นครั้งแรกเรียกผู้สร้างอิมเพรสชันนิสต์เหล่านี้ (จากความประทับใจในฝรั่งเศส - "ความประทับใจ")

ข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการกำเนิดของสไตล์อิมเพรสชั่นนิสม์ภาพวาดของตัวแทนที่จะประสบความสำเร็จอย่างไม่น่าเชื่อในไม่ช้าคือผลงานของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผลงานของ Velazquez ชาวสเปน, El Greco, Turner ชาวอังกฤษ, Constable มีอิทธิพลต่อชาวฝรั่งเศสซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์อย่างไม่มีเงื่อนไข

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir และคนอื่นๆ กลายเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของสไตล์ในฝรั่งเศส

ปรัชญาของอิมเพรสชันนิสม์ในการวาดภาพ

ศิลปินที่วาดภาพในรูปแบบนี้ไม่ได้กำหนดหน้าที่ในการดึงดูดความสนใจของสาธารณชนต่อปัญหา ในงานของพวกเขาไม่มีใครพบแผนการในหัวข้อของวันไม่สามารถรับศีลธรรมหรือสังเกตเห็นความขัดแย้งของมนุษย์ได้

ภาพวาดในสไตล์อิมเพรสชันนิสม์มีจุดมุ่งหมายเพื่อถ่ายทอดอารมณ์ชั่วขณะพัฒนาโครงร่างสีของธรรมชาติที่ลึกลับ ในงานมีสถานที่สำหรับการเริ่มต้นที่ดีเท่านั้นความเศร้าโศกได้ผ่านอิมเพรสชั่นนิสต์

ในความเป็นจริง อิมเพรสชันนิสต์ไม่ได้สนใจที่จะคิดผ่านโครงเรื่องและรายละเอียด ปัจจัยหลักไม่ใช่สิ่งที่จะวาด แต่เป็นวิธีการถ่ายทอดและถ่ายทอดอารมณ์ของคุณ

เทคนิคการวาดภาพ

มีความแตกต่างอย่างมากระหว่างรูปแบบทางวิชาการของการวาดภาพและเทคนิคของอิมเพรสชันนิสต์ พวกเขาละทิ้งวิธีการมากมาย บางอย่างเปลี่ยนไปจนจำไม่ได้ นี่คือนวัตกรรมที่พวกเขาสร้างขึ้น:

1. รูปร่างที่ถูกทอดทิ้ง มันถูกแทนที่ด้วยจังหวะ - เล็กและตัดกัน
2. เราหยุดใช้จานสีสำหรับ เราเลือกสีที่เสริมซึ่งกันและกันและไม่ต้องการการผสานเพื่อให้ได้เอฟเฟกต์บางอย่าง ตัวอย่างเช่น สีเหลืองเป็นสีม่วง
3. หยุดทาสีดำ
4. งานที่ถูกละทิ้งโดยสิ้นเชิงในการประชุมเชิงปฏิบัติการ พวกเขาเขียนเกี่ยวกับธรรมชาติโดยเฉพาะเพื่อให้จับภาพช่วงเวลา ภาพ ความรู้สึกได้ง่ายขึ้น
5. ใช้เฉพาะสีที่มีความทึบแสงดีเท่านั้น
6. อย่ารอให้ชั้นถัดไปแห้ง มีการใช้สเมียร์สดทันที
7. พวกเขาสร้างวงจรของงานตามการเปลี่ยนแปลงของแสงและเงา ตัวอย่างเช่น "Haystacks" โดย Claude Monet

แน่นอนว่าไม่ใช่ศิลปินทุกคนที่แสดงคุณลักษณะของสไตล์อิมเพรสชันนิสม์อย่างแน่นอน ตัวอย่างเช่นภาพวาดของ Edouard Manet ไม่เคยเข้าร่วมในนิทรรศการร่วมและตัวเขาเองก็วางตำแหน่งตัวเองเป็นศิลปินแยกต่างหาก Edgar Degas ทำงานในเวิร์กช็อปเท่านั้น แต่สิ่งนี้ไม่ได้ส่งผลเสียต่อคุณภาพของงานของเขา

ตัวแทนของลัทธิประทับใจฝรั่งเศส

นิทรรศการผลงานอิมเพรสชันนิสต์ครั้งแรกจัดขึ้นในปี พ.ศ. 2417 หลังจากผ่านไป 12 ปี นิทรรศการครั้งสุดท้ายของพวกเขาก็เกิดขึ้น ผลงานชิ้นแรกในรูปแบบนี้สามารถเรียกว่า "Breakfast on the Grass" โดย E. Manet ภาพนี้นำเสนอใน Salon of the Rejected พบกับความเกลียดชังเพราะมันแตกต่างจากหลักวิชาการมาก นั่นคือเหตุผลที่มาเน็ทกลายเป็นร่างที่กลุ่มสาวกของทิศทางโวหารนี้รวมตัวกัน

น่าเสียดายที่ผู้ร่วมสมัยไม่ชอบสไตล์อิมเพรสชันนิสม์ ภาพวาดและศิลปินมีความขัดแย้งกับงานศิลปะอย่างเป็นทางการ

Claude Monet ค่อย ๆ ก้าวขึ้นมาเป็นผู้นำในทีมจิตรกรซึ่งต่อมากลายเป็นผู้นำและนักอุดมการณ์หลักของอิมเพรสชันนิสม์

โกลด โมเนต์ (1840-1926)

ผลงานของศิลปินคนนี้สามารถอธิบายได้ว่าเป็นเพลงสรรเสริญอิมเพรสชันนิสม์ เขาเป็นคนแรกที่ปฏิเสธที่จะใช้สีดำในภาพวาดของเขา โดยอ้างว่าแม้แต่เงาและกลางคืนก็มีโทนสีอื่น

โลกในภาพวาดของ Monet เป็นโครงร่างที่คลุมเครือ จังหวะมากมาย เมื่อมองดูแล้วคุณจะสัมผัสได้ถึงการเล่นสีของกลางวันและกลางคืน ฤดูกาล ความกลมกลืนของโลกใต้ดวงจันทร์ ในความเข้าใจของ Monet ที่ถูกฉกฉวยไปจากกระแสแห่งชีวิต ภาพวาดของเขาดูเหมือนจะไม่มีสาระสำคัญ พวกเขาทั้งหมดอิ่มตัวด้วยรังสีของแสงและกระแสลม

Claude Monet สร้างผลงานที่น่าทึ่ง: "Station Saint-Lazare", "Rouen Cathedral", "Charing Cross Bridge" และอื่น ๆ อีกมากมาย

ออกุสต์ เรอนัวร์ (1841-1919)

การสร้างสรรค์ของ Renoir ให้ความรู้สึกถึงความเบา ความโปร่งสบาย ความไม่มีตัวตนที่ไม่ธรรมดา เนื้อเรื่องเกิดขึ้นราวกับว่าบังเอิญ แต่เป็นที่ทราบกันดีว่าศิลปินคิดอย่างรอบคอบในทุกขั้นตอนของงานและทำงานตั้งแต่เช้าจรดค่ำ

คุณสมบัติที่โดดเด่นของผลงานของ O. Renoir คือการใช้กระจกซึ่งเป็นไปได้ก็ต่อเมื่อมีการเขียนอิมเพรสชันนิสม์ในผลงานของศิลปินในทุกจังหวะ เขามองว่าบุคคลเป็นอนุภาคของธรรมชาติซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมจึงมีภาพวาดที่มีภาพเปลือยมากมาย

งานอดิเรกที่ชื่นชอบของ Renoir คือภาพลักษณ์ของผู้หญิงในความงามที่น่าดึงดูดและน่าดึงดูดใจของเธอ ภาพบุคคลเป็นสถานที่พิเศษในชีวิตสร้างสรรค์ของศิลปิน “Umbrellas”, “Girl with a Fan”, “Breakfast of the Rowers” ​​เป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ ของคอลเลกชั่นภาพวาดอันน่าทึ่งของ Auguste Renoir

จอร์ช เซอราท (2402-2434)

Seurat เชื่อมโยงกระบวนการสร้างภาพวาดเข้ากับการพิสูจน์ทางวิทยาศาสตร์ของทฤษฎีสี สภาพแวดล้อมที่มีอากาศเบาบางถูกวาดขึ้นบนพื้นฐานของการพึ่งพาเสียงหลักและเสียงเพิ่มเติม

แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่า J. Seurat จะเป็นตัวแทนของขั้นตอนสุดท้ายของอิมเพรสชั่นนิสม์ และเทคนิคของเขาแตกต่างจากผู้ก่อตั้งหลายประการ แต่เขาก็สร้างภาพลวงตาในรูปแบบวัตถุประสงค์ด้วยความช่วยเหลือของจังหวะซึ่งสามารถ มองเห็นได้แต่ไกล

ผลงานชิ้นเอกของความคิดสร้างสรรค์สามารถเรียกได้ว่าเป็นภาพวาด "วันอาทิตย์", "Cancan", "Models"

ตัวแทนของลัทธิประทับใจรัสเซีย

ลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์ของรัสเซียเกิดขึ้นเองตามธรรมชาติโดยผสมผสานปรากฏการณ์และวิธีการต่างๆ อย่างไรก็ตาม พื้นฐานเช่นเดียวกับภาษาฝรั่งเศสคือวิสัยทัศน์เต็มรูปแบบของกระบวนการ

ในลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ของรัสเซียแม้ว่าคุณลักษณะของภาษาฝรั่งเศสจะได้รับการเก็บรักษาไว้ แต่คุณลักษณะของธรรมชาติประจำชาติและสภาวะจิตใจทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญ ตัวอย่างเช่น การมองเห็นหิมะหรือทิวทัศน์ทางตอนเหนือแสดงออกมาโดยใช้เทคนิคที่ไม่ธรรมดา

ในรัสเซียมีศิลปินเพียงไม่กี่คนที่ทำงานในรูปแบบของอิมเพรสชั่นนิสม์ภาพวาดของพวกเขาดึงดูดสายตามาจนถึงทุกวันนี้

ช่วงเวลาแห่งความประทับใจสามารถแยกแยะได้ในงานของ Valentin Serov "Girl with Peaches" ของเขาเป็นตัวอย่างและมาตรฐานที่ชัดเจนที่สุดของสไตล์นี้ในรัสเซีย

ภาพวาดเอาชนะด้วยความสดและความสอดคล้องของสีที่บริสุทธิ์ ธีมหลักของงานของศิลปินนี้คือภาพของบุคคลในธรรมชาติ "Northern Idyll", "In the Boat", "Fyodor Chaliapin" เป็นเหตุการณ์สำคัญที่สดใสในกิจกรรมของ K. Korovin

อิมเพรสชันนิสม์ในยุคปัจจุบัน

ปัจจุบันได้รับทิศทางนี้ในงานศิลปะ ชีวิตใหม่. ในรูปแบบนี้ ศิลปินหลายคนวาดภาพของพวกเขา ลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์สมัยใหม่มีอยู่ในรัสเซีย (André Cohn) ในฝรั่งเศส (Laurent Parcelier) ในอเมริกา (Diana Leonard)

Andre Cohn มากที่สุด ตัวแทนที่โดดเด่นอิมเพรสชั่นนิสม์ใหม่ ภาพวาดสีน้ำมันของเขาโดดเด่นในความเรียบง่าย ศิลปินมองเห็นความงามในสิ่งธรรมดา ผู้สร้างตีความวัตถุมากมายผ่านปริซึมของการเคลื่อนไหว

ผลงานสีน้ำของ Laurent Parcelier เป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ผลงานชุด "Strange World" ของเขาได้รับการเผยแพร่ในรูปแบบของโปสการ์ด งดงาม มีชีวิตชีวา และเย้ายวน พวกมันช่างน่าทึ่ง

เช่นเดียวกับในศตวรรษที่ 19 ภาพวาดทางอากาศแบบธรรมดายังคงเป็นของศิลปินอยู่ในขณะนี้ ต้องขอบคุณเธอ อิมเพรสชั่นนิสต์จะคงอยู่ตลอดไป ศิลปินยังคงสร้างแรงบันดาลใจ สร้างความประทับใจและสร้างแรงบันดาลใจ

อิมเพรสชันนิสม์เป็นศิลปะการเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในยุค 70 ศตวรรษที่ XIX ใน ภาพวาดฝรั่งเศสแล้วปรากฏในดนตรี วรรณคดี ละคร

อิมเพรสชั่นนิสม์ในการวาดภาพเริ่มเป็นรูปเป็นร่างก่อนงานนิทรรศการที่มีชื่อเสียงในปี 2417 Edouard Manet ถือเป็นผู้ก่อตั้งอิมเพรสชั่นนิสต์ เขาได้รับแรงบันดาลใจอย่างมากจากผลงานคลาสสิกของ Titian, Rembrandt, Rubens, Velazquez มาเนต์แสดงวิสัยทัศน์เกี่ยวกับภาพบนผืนผ้าใบของเขา โดยเพิ่มจังหวะ "การสั่น" ที่สร้างผลกระทบของความไม่สมบูรณ์ ในปี 1863 Manet ได้สร้าง "Olympia" ซึ่งทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่ในชุมชนวัฒนธรรม

เมื่อมองแวบแรก ภาพจะถูกสร้างขึ้นตามหลักการทั่วไป แต่ในขณะเดียวกันก็นำเทรนด์ที่สร้างสรรค์อยู่แล้ว มีการเขียนรีวิวประมาณ 87 รายการเกี่ยวกับโอลิมเปียในสิ่งพิมพ์ต่างๆ ของปารีส คำวิจารณ์เชิงลบมากมายมาที่เธอ - ศิลปินถูกกล่าวหาว่าหยาบคาย และมีเพียงไม่กี่บทความเท่านั้นที่สามารถเรียกว่ามีเมตตา

มาเนต์ใช้เทคนิคการซ้อนทับสีชั้นเดียวในงานของเขาซึ่งสร้างเอฟเฟกต์ของจุด ต่อจากนั้นศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ได้ใช้วิธีการซ้อนทับนี้เพื่อเป็นพื้นฐานสำหรับภาพบนภาพวาด

คุณลักษณะที่โดดเด่นของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์คือการตรึงความประทับใจที่หายวับไปอย่างละเอียดอ่อนที่สุดในลักษณะพิเศษของการสร้างสภาพแวดล้อมของแสงด้วยความช่วยเหลือของโมเสกที่ซับซ้อนของสีบริสุทธิ์ จังหวะการตกแต่งคร่าวๆ

เป็นที่น่าแปลกใจว่าในช่วงเริ่มต้นของการค้นหา ศิลปินใช้เครื่องวัดไซยาโนมิเตอร์ ซึ่งเป็นเครื่องมือในการกำหนดสีฟ้าของท้องฟ้า สีดำไม่รวมอยู่ในจานสีมันถูกแทนที่ด้วยเฉดสีอื่นซึ่งทำให้ไม่สามารถทำให้อารมณ์ของภาพวาดเสียไป

อิมเพรสชันนิสต์มุ่งเน้นไปที่ล่าสุด การค้นพบทางวิทยาศาสตร์ของเวลาของเขา ทฤษฎีสีของเชฟเรลและเฮล์มโฮลทซ์มีรายละเอียดดังต่อไปนี้: แสงตะวันถูกแบ่งออกเป็นสีที่เป็นส่วนประกอบ ดังนั้นสีสองสีที่วางบนผืนผ้าใบจะช่วยเพิ่มเอฟเฟ็กต์ภาพ และเมื่อสีผสมกัน สีจะสูญเสียความเข้ม

สุนทรียศาสตร์ของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์เริ่มก่อตัวขึ้น ส่วนหนึ่งเป็นความพยายามที่จะปลดปล่อยตนเองอย่างเด็ดขาดจากแบบแผนของศิลปะแบบคลาสสิก ตลอดจนจากสัญลักษณ์ที่คงอยู่และความรอบคอบของจิตรกรรมแนวโรแมนติกตอนปลาย ซึ่งเชื้อเชิญให้ทุกคนเห็นแนวคิดที่เข้ารหัสซึ่งจำเป็นต้องตีความอย่างรอบคอบ . ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้อ้างเพียงความงามของความเป็นจริงในชีวิตประจำวันเท่านั้น แต่ยังเป็นการตรึงบรรยากาศที่มีสีสัน โดยไม่มีรายละเอียดหรือตีความ พรรณนาโลกว่าเป็นปรากฏการณ์ทางแสงที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา

ศิลปินอิมเพรสชันนิสต์พัฒนาระบบอากาศบริสุทธิ์อย่างสมบูรณ์ ผู้บุกเบิกลักษณะโวหารนี้คือจิตรกรภูมิทัศน์ที่มาจากโรงเรียน Barbizon ซึ่งเป็นตัวแทนหลัก ได้แก่ Camille Corot และ John Constable

ทำงาน ลานทำให้สามารถจับภาพการเปลี่ยนแปลงของสีเพียงเล็กน้อยได้ เวลาที่แตกต่างกันวัน

Claude Monet สร้างภาพเขียนหลายชุดในเรื่องเดียวกัน เช่น วิหาร Rouen (ภาพชุดละ 50 ภาพ), กองฟาง (ภาพเขียนชุดละ 15 ภาพ), บ่อน้ำกับดอกบัว ฯลฯ ตัวบ่งชี้หลักของชุดเหล่านี้คือ การเปลี่ยนแปลงของแสงและสีในภาพของวัตถุเดียวกัน ซึ่งเขียนในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน

ความสำเร็จอีกอย่างหนึ่งของลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์คือการพัฒนาระบบการวาดภาพต้นฉบับ ซึ่งโทนสีที่ซับซ้อนจะถูกแยกย่อยเป็นสีบริสุทธิ์ที่ถ่ายทอดโดยจังหวะที่แยกจากกัน ศิลปินไม่ได้ผสมสีบนจานสี แต่ชอบใช้ลายเส้นบนผืนผ้าใบโดยตรง เทคนิคนี้ทำให้ภาพวาดมีความประหม่า แปรปรวน และโล่งใจเป็นพิเศษ ผลงานของศิลปินเต็มไปด้วยแสงสี

นิทรรศการเมื่อวันที่ 15 เมษายน พ.ศ. 2417 ในปารีสเป็นผลมาจากช่วงเวลาของการก่อตัวและการนำเสนอกระแสใหม่ต่อสาธารณชนทั่วไป นิทรรศการถูกนำไปใช้ในสตูดิโอของช่างภาพ Felix Nadar ที่ Boulevard des Capucines

ชื่อ "Impressionism" เกิดขึ้นหลังจากนิทรรศการซึ่งมีภาพวาด "Impression. พระอาทิตย์ขึ้น". นักวิจารณ์ L. Leroy ในบทวิจารณ์ของเขาใน Sharivari ได้ให้คำอธิบายที่สนุกสนานเกี่ยวกับนิทรรศการปี 1874 โดยอ้างถึงผลงานของ Monet เป็นตัวอย่าง นักวิจารณ์อีกคนหนึ่ง มอริส เดนิส ตำหนิอิมเพรสชั่นนิสต์ว่าขาดความเป็นตัวของตัวเอง ความรู้สึก และความเป็นกวี

ศิลปินประมาณ 30 คนแสดงผลงานของพวกเขาในนิทรรศการครั้งแรก นี่เป็นจำนวนที่มากที่สุดเมื่อเทียบกับการจัดนิทรรศการครั้งต่อๆ ไปจนถึงปี 1886

ไม่สามารถพูดถึงได้ ข้อเสนอแนะในเชิงบวกจากสังคมรัสเซีย ศิลปินชาวรัสเซียและนักวิจารณ์ประชาธิปไตยสนใจเสมอ ชีวิตทางศิลปะฝรั่งเศส - I. V. Kramskoy, I. E. Repin และ V. V. Stasov - ชื่นชมความสำเร็จของอิมเพรสชันนิสต์จากนิทรรศการครั้งแรก

เวทีใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะ ซึ่งเริ่มด้วยนิทรรศการในปี 1874 ไม่ใช่การระเบิดของแนวโน้มการปฏิวัติอย่างฉับพลัน แต่เป็นจุดสูงสุดของการพัฒนาที่ช้าและสม่ำเสมอ

แม้จะมีความจริงที่ว่าปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีตทั้งหมดได้มีส่วนร่วมในการพัฒนาหลักการของอิมเพรสชั่นนิสม์ แต่รากเหง้าของปัจจุบันสามารถพบได้ง่ายที่สุดในยี่สิบปีก่อนนิทรรศการประวัติศาสตร์

ควบคู่ไปกับการจัดนิทรรศการในซาลอน ผลงานของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงแนวโน้มใหม่ในการวาดภาพ นี่เป็นการตำหนิวัฒนธรรมร้านเสริมสวยและประเพณีการจัดนิทรรศการ ในอนาคตศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์สามารถดึงดูดผู้ที่ชื่นชอบศิลปะแนวใหม่ได้

ความรู้ทางทฤษฎีและรูปแบบอิมเพรสชันนิสม์เริ่มเป็นรูปเป็นร่างค่อนข้างช้า ศิลปินชอบฝึกฝนมากขึ้นและทดลองแสงและสีด้วยตัวเอง อิมเพรสชั่นนิสม์ ส่วนใหญ่เป็นภาพวาด ร่องรอยมรดกของความสมจริง มันแสดงออกอย่างชัดเจนถึงแนวต่อต้านวิชาการ ต่อต้านร้านเสริมสวย และการติดตั้งภาพของความเป็นจริงโดยรอบในเวลานั้น นักวิจัยบางคนทราบว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ได้กลายเป็นหน่อที่พิเศษของความสมจริง

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าในศิลปะอิมเพรสชันนิสต์ เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวทางศิลปะทุกอย่างที่เกิดขึ้นในช่วงหัวเลี้ยวหัวต่อและวิกฤติของประเพณีเก่า แนวโน้มที่หลากหลายและแม้แต่ความขัดแย้งก็เชื่อมโยงกันเพื่อความสมบูรณ์ภายนอกทั้งหมด

ลักษณะสำคัญอยู่ที่ธีมของผลงานของศิลปิน สื่อถึงการแสดงออกทางศิลปะ หนังสือของ Irina Vladimirova เกี่ยวกับอิมเพรสชั่นนิสต์มีหลายบท: "ภูมิทัศน์, ธรรมชาติ, ความประทับใจ", "เมือง, สถานที่นัดพบและแยกทาง", "งานอดิเรกเป็นวิถีชีวิต", "ผู้คนและตัวละคร", "ภาพบุคคลและภาพตัวเอง" , "ยังมีชีวิตอยู่". นอกจากนี้ยังอธิบายถึงประวัติการสร้างและสถานที่ของผลงานแต่ละชิ้น

ในช่วงรุ่งเรืองของลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์ ศิลปินพบความสมดุลที่กลมกลืนระหว่างความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์และการรับรู้ของมัน ศิลปินพยายามจับภาพทุกๆ ลำแสง การเคลื่อนไหวของสายลม การเปลี่ยนแปลงของธรรมชาติ เพื่อรักษาความสดของภาพเขียน อิมเพรสชั่นนิสต์ได้สร้างระบบภาพต้นฉบับขึ้น ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับการพัฒนางานศิลปะในอนาคต แม้จะมีแนวโน้มทั่วไปในการวาดภาพ แต่ศิลปินแต่ละคนก็ค้นพบเส้นทางความคิดสร้างสรรค์ของตนเองและประเภทหลักในการวาดภาพ

อิมเพรสชั่นนิสต์คลาสสิกมีตัวแทนจากศิลปินเช่น Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas

พิจารณาการมีส่วนร่วมของศิลปินบางคนในการสร้างอิมเพรสชันนิสม์

เอดูอาร์ มาเนต์ (2375-2426)

Manet ได้รับบทเรียนการวาดภาพครั้งแรกจาก T. Couture ซึ่งศิลปินในอนาคตได้รับทักษะวิชาชีพที่จำเป็นมากมาย เนื่องจากครูขาดความเอาใจใส่ต่อนักเรียนอย่างเหมาะสม มาเนต์จึงลาออกจากงานศิลป์ของอาจารย์และไปศึกษาด้วยตนเอง เขาเยี่ยมชมนิทรรศการในพิพิธภัณฑ์ การก่อตัวที่สร้างสรรค์ของเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากปรมาจารย์เก่า โดยเฉพาะชาวสเปน

ในช่วงทศวรรษที่ 1860 มาเนต์ได้เขียนผลงานสองชิ้นที่แสดงหลักการพื้นฐานของรูปแบบศิลปะของเขา Lola จาก Valencia (1862) และ The Flutist (1866) แสดงให้ Manet เป็นศิลปินที่เปิดเผยลักษณะของนางแบบผ่านการแสดงสี

แนวคิดของเขาเกี่ยวกับเทคนิคการใช้พู่กันและทัศนคติต่อสีได้ถูกนำมาใช้โดยจิตรกรอิมเพรสชั่นนิสต์คนอื่นๆ ในช่วงทศวรรษที่ 1870 Manet ได้ใกล้ชิดกับผู้ติดตามของเขาและทำงานกลางแจ้งโดยไม่มีสีดำบนจานสี การถือกำเนิดของอิมเพรสชันนิสม์เป็นผลมาจากวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ของมาเนต์เอง ภาพวาดที่น่าประทับใจที่สุดของ Manet คือ In a Boat (1874) และ Claude Monet in a Boat (1874)

มาเน็ทยังวาดภาพเหมือนของสตรีฆราวาส, นักแสดง, นางแบบ, ผู้หญิงสวยหลายคน ในแต่ละภาพได้ถ่ายทอดเอกลักษณ์และความเป็นตัวตนของตัวแบบ

ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Manet เขียนผลงานชิ้นเอกชิ้นหนึ่งของเขา - "Bar Folies-Bergere" (2424-2425) ภาพนี้รวมหลายประเภทพร้อมกัน: ภาพบุคคล, หุ่นนิ่ง, ฉากในประเทศ

N. N. Kalitina เขียนว่า:“ ความมหัศจรรย์ของศิลปะของ Manet นั้นทำให้หญิงสาวต่อต้านสภาพแวดล้อมซึ่งต้องขอบคุณอารมณ์ของเธอที่เปิดเผยอย่างชัดเจนและในขณะเดียวกันก็เป็นส่วนหนึ่งเพราะพื้นหลังทั้งหมดคาดเดาได้ไม่แน่นอน ไม่แน่นอน ตื่นเต้น ได้รับการแก้ไขในโทนสีน้ำเงินดำ ขาวอมฟ้า และเหลือง

โกลด โมเนต์ (1840-1926)

Claude Monet เป็นผู้นำและผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์แบบคลาสสิก ประเภทหลักในการวาดภาพของเขาคือทิวทัศน์

ในวัยหนุ่ม โมเนต์ชื่นชอบการ์ตูนล้อเลียนและการ์ตูนล้อเลียน ต้นแบบแรกสำหรับการทำงานของเขาคือครูและสหายของเขา ตัวอย่าง เขาใช้การ์ตูนในหนังสือพิมพ์และนิตยสาร เขาคัดลอกภาพวาดใน Golois โดย E. Karzh กวีและนักวาดภาพล้อเลียน เพื่อนของ Gustave Coubret

ในวิทยาลัย Monet ได้รับการสอนโดย Jacques-Francois Hauchard แต่มันก็ยุติธรรมที่จะสังเกตเห็นอิทธิพลที่มีต่อ Monet of Boudin ซึ่งสนับสนุนศิลปิน ให้คำแนะนำ และเป็นแรงบันดาลใจให้เขาทำงานต่อไป

ในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2405 ในปารีส โมเนต์ศึกษาต่อในปารีสกับกลีแยร์ ด้วยเหตุนี้ Monet จึงได้พบกับ Basil, Renoir และ Sisley ในสตูดิโอของเขา ศิลปินรุ่นเยาว์กำลังเตรียมตัวเข้าโรงเรียนวิจิตรศิลป์ โดยเคารพครูของพวกเขาซึ่งใช้เวลาเพียงเล็กน้อยสำหรับบทเรียนของเขาและให้คำแนะนำที่นุ่มนวล

โมเนต์สร้างภาพวาดของเขาไม่ใช่เป็นเรื่องราว ไม่ใช่เป็นภาพประกอบของแนวคิดหรือธีม ภาพวาดของเขาก็เหมือนกับชีวิต ไม่มีเป้าหมายที่ชัดเจน เขามองเห็นโลกโดยไม่ได้สนใจรายละเอียด เขาไปที่ "การมองเห็นภูมิทัศน์" ตามหลักการบางอย่าง โมเนต์พยายามดิ้นรนเพื่อความไร้แผน ซึ่งเป็นการผสมผสานของประเภทต่างๆ บนผืนผ้าใบ วิธีการนำนวัตกรรมของเขาไปใช้คือภาพร่างซึ่งควรจะเป็นภาพวาดที่เสร็จแล้ว ภาพร่างทั้งหมดวาดจากธรรมชาติ

เขาวาดภาพทุ่งหญ้า เนินเขา ดอกไม้ โขดหิน สวน ถนนในหมู่บ้าน ทะเล ชายหาด และอื่นๆ อีกมากมาย เขาหันไปหาภาพของธรรมชาติในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน บ่อยครั้งที่เขาวาดภาพสถานที่เดียวกันในเวลาต่างๆ กัน ทำให้เกิดวงจรทั้งหมดจากผลงานของเขา หลักการทำงานของเขาไม่ใช่ภาพของวัตถุในภาพ แต่เป็นการส่งผ่านแสงที่แน่นอน

นี่คือตัวอย่างบางส่วนของผลงานของศิลปิน - "Field of poppies at Argenteuil" (1873), "Frog" (1869), "Pond with water lilys" (1899), "Wheat stacks" (1891)

ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ (2384-2462)

Renoir เป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่โดดเด่นในการถ่ายภาพบุคคลทางโลก นอกจากนี้เขายังทำงานในประเภทภูมิทัศน์ ฉากในประเทศ หุ่นนิ่ง

ลักษณะเฉพาะของงานของเขาคือความสนใจในบุคลิกภาพของบุคคลการเปิดเผยลักษณะและจิตวิญญาณของเขา ในผืนผ้าใบของเขา Renoir พยายามเน้นย้ำถึงความรู้สึกที่สมบูรณ์ของการเป็นอยู่ ศิลปินถูกดึงดูดด้วยความบันเทิงและวันหยุด เขาวาดลูกบอล เดินด้วยการเคลื่อนไหวและตัวละครที่หลากหลาย การเต้นรำ

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของศิลปินคือ "ภาพเหมือนของนักแสดงหญิง Jeanne Samary", "Umbrellas", "Bathing in the Seine" เป็นต้น

เป็นที่น่าสนใจว่า Renoir มีความโดดเด่นในด้านการแสดงละครของเขาและตอนเป็นเด็กเขาร้องเพลงประสานเสียงในโบสถ์ภายใต้การแนะนำของนักแต่งเพลงและอาจารย์ Charles Gounod ที่โดดเด่นในปารีสในมหาวิหาร Saint-Eustache C. Gounod แนะนำให้เด็กชายเรียนดนตรี แต่ในขณะเดียวกัน Renoir ก็ค้นพบความสามารถทางศิลปะของเขา - ตั้งแต่อายุ 13 ปี เขาได้เรียนรู้วิธีการทาสีจานลายครามแล้ว

บทเรียนดนตรีมีอิทธิพลต่อการสร้างบุคลิกภาพของศิลปิน ผลงานหลายชิ้นของเขาเกี่ยวข้องกับธีมดนตรี พวกเขาสะท้อนการเล่นเปียโน กีตาร์ แมนโดลิน เหล่านี้คือภาพวาด "Guitar Lesson", "Young Spanish Woman with Guitar", "Young Lady at the Piano", "Woman Playing the Guitar", "Piano Lesson" เป็นต้น

ฌอง เฟรเดริก เบซิล (1841-1870)

ตามที่เพื่อนศิลปินของเขา Basil เป็นอิมเพรสชันนิสต์ที่โดดเด่นและโดดเด่นที่สุด

ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยสีสันที่สดใสและจิตวิญญาณของภาพ Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley และ Claude Monet มีอิทธิพลอย่างมากต่อเส้นทางสร้างสรรค์ของเขา อพาร์ทเมนต์ของ Jean Frederic สำหรับจิตรกรมือใหม่เป็นสตูดิโอและที่อยู่อาศัย

โหระพาส่วนใหญ่ทาสีในอากาศ แนวคิดหลักของงานของเขาคือภาพของมนุษย์กับฉากหลังของธรรมชาติ วีรบุรุษคนแรกของเขาในภาพวาดคือเพื่อนศิลปินของเขา อิมเพรสชั่นนิสม์หลายคนชอบวาดภาพซึ่งกันและกันในผลงานของพวกเขา

Frédéric Bazille เป็นผู้กำหนดแนวทางของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ที่เหมือนจริงในผลงานของเขา ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ Family Reunion (1867) เป็นอัตชีวประวัติ ศิลปินวาดภาพสมาชิกในครอบครัวของเขา ผลงานนี้ถูกนำเสนอที่ Salon และได้รับการประเมินจากสาธารณชน

ในปี 1870 ศิลปินเสียชีวิตในสงครามปรัสเซียน - ฝรั่งเศส หลังจากการเสียชีวิตของศิลปินเพื่อนศิลปินของเขาได้จัดนิทรรศการอิมเพรสชันนิสต์ครั้งที่สามซึ่งจัดแสดงภาพวาดของเขาด้วย

คามิลล์ ปิสซาร์โร (1830-1903)

Camille Pissarro เป็นหนึ่งในตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของจิตรกรภูมิทัศน์รองจาก C. Monet ผลงานของเขาถูกจัดแสดงอย่างต่อเนื่องในนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ ในผลงานของเขา Pissarro ชอบวาดภาพทุ่งไถ ชีวิตชาวนา และงาน ภาพวาดของเขาโดดเด่นด้วยโครงสร้างของรูปแบบและความชัดเจนขององค์ประกอบ

ต่อมาศิลปินเริ่มวาดภาพและวาดภาพในรูปแบบของเมือง N. N. Kalitina บันทึกในหนังสือของเธอ: "เขามองถนนในเมืองจากหน้าต่างชั้นบนหรือจากระเบียงโดยไม่แนะนำพวกเขาในการแต่งเพลง"

ภายใต้อิทธิพลของ Georges-Pierre Seurat ศิลปินใช้ลัทธิชี้เป้า เทคนิคนี้เกี่ยวข้องกับการกำหนดแต่ละจังหวะแยกกัน ราวกับการใส่จุด แต่โอกาสที่สร้างสรรค์ในพื้นที่นี้ไม่ได้รับการตระหนักและ Pissarro กลับสู่อิมเพรสชั่นนิสต์

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Pissarro คือ Boulevard Montmartre ตอนบ่ายแดดจัด” “ทางเดินโอเปร่าในปารีส” “สถานที่ของโรงละครฝรั่งเศสในปารีส” “สวนในปอนตัวส์” “เก็บเกี่ยว” “การทำหญ้าแห้ง” ฯลฯ

อัลเฟรด ซิสเล่ย์ (1839-1899)

ประเภทหลักของการวาดภาพโดย Alfred Sisley คือภูมิทัศน์ ในงานแรกของเขา เราสามารถเห็นอิทธิพลของ K. Corot เป็นส่วนใหญ่ ในกระบวนการทำงานร่วมกับ C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir สีอ่อนเริ่มปรากฏในผลงานของเขาทีละน้อย

ศิลปินถูกดึงดูดโดยการเล่นแสง การเปลี่ยนแปลงของบรรยากาศ ซิสเล่ย์ถ่ายภาพทิวทัศน์เดียวกันหลายครั้ง โดยจับภาพในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน ในผลงานของเขา ศิลปินให้ความสำคัญกับภาพของน้ำและท้องฟ้าซึ่งเปลี่ยนไปทุกวินาที ศิลปินสามารถบรรลุความสมบูรณ์แบบได้ด้วยความช่วยเหลือของสี แต่ละเฉดสีในผลงานของเขามีสัญลักษณ์ชนิดหนึ่ง

ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา: "Country Alley" (1864), "Frost in Louveciennes" (1873), "View of Montmartre from the Flower Island" (1869), "Early Snow in Louveciennes" (1872), "The Bridge ที่ Argenteuil" (2415)

เอ็ดการ์ เดอกาส์ (2377-2460)

Edgar Degas เป็นศิลปินที่เริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์โดยเรียนที่โรงเรียนวิจิตรศิลป์ เขาได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีซึ่งมีอิทธิพลต่องานของเขาโดยทั่วไป ในตอนแรก เดอกาส์วาดภาพประวัติศาสตร์ เช่น “สาวสปาร์ตันท้าทายเยาวชนสปาร์ตันให้แข่งขัน (2403). ประเภทหลักของภาพวาดของเขาคือภาพบุคคล ในผลงานของเขา ศิลปินอาศัยประเพณีคลาสสิก เขาสร้างผลงานที่โดดเด่นด้วยความกระตือรือร้นของเวลาของเขา

ไม่เหมือนเพื่อนร่วมงานของเขา เดอกาส์ไม่ได้แบ่งปันมุมมองที่สนุกสนานและเปิดกว้างเกี่ยวกับชีวิตและสิ่งต่าง ๆ ที่มีอยู่ในลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ ศิลปินใกล้ชิดกับประเพณีศิลปะที่สำคัญ: ความเห็นอกเห็นใจต่อชะตากรรมของคนทั่วไปความสามารถในการมองเห็นจิตวิญญาณของผู้คน โลกภายในความไม่ลงรอยกันโศกนาฏกรรม

สำหรับเดอกาส์ วัตถุและการตกแต่งภายในที่อยู่รอบๆ บุคคลมีบทบาทสำคัญในการสร้างภาพเหมือน นี่คือตัวอย่างผลงานบางส่วน: "Desiree Dio with an orchestra" (1868-1869), " รูปผู้หญิง"(1868)," The Morbilly Couple "(1867) และอื่น ๆ

หลักการของการวาดภาพบุคคลในผลงานของเดอกาส์สามารถติดตามได้ตลอดอาชีพการงานของเขา ในช่วงทศวรรษที่ 1870 ศิลปินได้พรรณนาถึงสังคมของฝรั่งเศส โดยเฉพาะในปารีส ในผลงานของเขาอย่างเต็มเปี่ยม เพื่อผลประโยชน์ของศิลปิน - ชีวิตในเมืองที่เคลื่อนไหว “การเคลื่อนไหวเป็นการแสดงออกที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของชีวิตสำหรับเขา และความสามารถของศิลปะในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวนั้นเป็นความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของการวาดภาพสมัยใหม่” N.N. คาลิติน่า.

ในช่วงเวลานี้ภาพวาดเช่น "Star" (1878), "Miss Lola at Fernando's Circus", "Epsom Races" และอื่น ๆ ถูกสร้างขึ้น

ความคิดสร้างสรรค์รอบใหม่ของเดอกาส์คือความสนใจในบัลเล่ต์ แสดงให้เห็นชีวิตหลังเวทีของนักบัลเล่ต์ พูดถึงการทำงานหนักและการฝึกฝนอย่างหนัก แต่ถึงกระนั้นก็ตามศิลปินก็สามารถค้นหาความโปร่งสบายและความสว่างในการถ่ายโอนภาพได้

ในชุดภาพวาดบัลเลต์โดย Degas สามารถมองเห็นความสำเร็จในด้านการส่งแสงประดิษฐ์จากไฟส่องเท้าพวกเขาพูดถึงพรสวรรค์ด้านสีสันของศิลปิน ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Blue Dancers" (1897), "Dance Class" (1874), "Dancer with a Bouquet" (1877), "Dancers in Pink" (1885) และอื่นๆ

ในช่วงบั้นปลายของชีวิต เนื่องจากความเสื่อมของสายตา เดอกาส์พยายามทำงานประติมากรรม นักบัลเล่ต์ผู้หญิงม้ากลายเป็นวัตถุของเขา ในงานประติมากรรม เดอกาส์พยายามสื่อถึงการเคลื่อนไหว และเพื่อที่จะชื่นชมประติมากรรม คุณต้องพิจารณาจากมุมต่างๆ

fr ความประทับใจ - ความประทับใจ) - ทิศทางในศิลปะในช่วงสามของวันที่สิบเก้า - ต้น ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งตัวแทนเริ่มวาดภาพทิวทัศน์และฉากประเภทต่างๆ โดยตรงจากชีวิต โดยพยายามถ่ายทอดแสงจ้าของดวงอาทิตย์ ลมหายใจของสายลม เสียงหญ้าที่สั่นไหว การเคลื่อนไหวของฝูงชนในเมืองด้วยสีที่สะอาดและเข้มข้น จิตรกรอิมเพรสชันนิสต์พยายามจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงในการเคลื่อนไหวและความผันแปรของมันด้วยวิธีที่เป็นธรรมชาติและเป็นกลางที่สุด เพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นชั่วขณะ

ความหมายที่ดี

คำจำกัดความไม่สมบูรณ์ ↓

ความประทับใจ

ภาษาฝรั่งเศส ความประทับใจจากความประทับใจ - ความประทับใจ) ทิศทางในศิลปะของการต่อต้าน พ.ศ. 2403 - ต้น 1880 ชัดเจนที่สุดในการวาดภาพ ตัวแทนชั้นนำ: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillamin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte และ J. F. Basile ร่วมกับพวกเขา E. Manet และ E. Degas ได้จัดแสดงภาพวาดของพวกเขา แม้ว่ารูปแบบงานของพวกเขาจะไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นอิมเพรสชั่นนิสต์อย่างสมบูรณ์ ชื่อ "Impressionists" ถูกกำหนดให้กับกลุ่มศิลปินรุ่นใหม่หลังจากนิทรรศการร่วมครั้งแรกในปารีส (พ.ศ. 2417; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley ฯลฯ ) ซึ่งทำให้ประชาชนและนักวิจารณ์ไม่พอใจอย่างมาก หนึ่งในภาพวาดที่นำเสนอโดย C. Monet (1872) ถูกเรียกว่า "Impression พระอาทิตย์ขึ้น” (“ L’impression. Soleil levant”) และผู้วิจารณ์เรียกศิลปินอย่างเย้ยหยันว่า จิตรกรแสดงภายใต้ชื่อนี้ในนิทรรศการร่วมครั้งที่สาม (พ.ศ. 2420) ในเวลาเดียวกันพวกเขาเริ่มตีพิมพ์นิตยสารอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งแต่ละฉบับอุทิศให้กับงานของสมาชิกกลุ่มคนหนึ่ง

อิมเพรสชันนิสต์พยายามที่จะจับภาพ โลกในความแปรปรวนคงที่ ความลื่นไหล แสดงออกถึงความประทับใจในทันทีอย่างเป็นกลาง อิมเพรสชันนิสม์มีพื้นฐานมาจากการค้นพบล่าสุดในทัศนศาสตร์และทฤษฎีสี (การสลายสเปกตรัมของลำแสงของดวงอาทิตย์เป็นรุ้งทั้งเจ็ดสี); ในสิ่งนี้เขาสอดคล้องกับวิญญาณ การวิเคราะห์ทางวิทยาศาสตร์ลักษณะของคอน. ศตวรรษที่ 19 อย่างไรก็ตาม อิมเพรสชันนิสต์เองไม่ได้พยายามกำหนด พื้นฐานทางทฤษฎีศิลปะของเขายืนยันในความเป็นธรรมชาติความคิดสร้างสรรค์ของศิลปิน หลักการทางศิลปะของอิมเพรสชันนิสต์ไม่เหมือนกัน โมเนต์วาดภาพทิวทัศน์เฉพาะเมื่อสัมผัสโดยตรงกับธรรมชาติ ในที่โล่ง (กลางแจ้ง) และแม้แต่สร้างเวิร์กช็อปในเรือ เดอกาส์ทำงานในเวิร์กช็อปจากความทรงจำหรือใช้รูปถ่าย ซึ่งแตกต่างจากตัวแทนของขบวนการหัวรุนแรงในภายหลัง ศิลปินไม่ได้ไปไกลกว่าระบบอวกาศลวงตายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยอาศัยการใช้มุมมองโดยตรง พวกเขายึดมั่นในวิธีการทำงานจากธรรมชาติที่พวกเขาสร้างขึ้น หลักการสำคัญความคิดสร้างสรรค์ ศิลปินพยายามที่จะ "วาดสิ่งที่คุณเห็น" และ "ตามที่คุณเห็น" การประยุกต์ใช้วิธีการนี้อย่างสม่ำเสมอนำมาซึ่งการเปลี่ยนแปลงของรากฐานทั้งหมดของระบบภาพที่มีอยู่: สี องค์ประกอบ การสร้างเชิงพื้นที่ สีบริสุทธิ์ถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบด้วยลายเส้นเล็กๆ ที่แยกจากกัน: "จุด" หลากสีวางเคียงข้างกัน ผสมผสานกันเป็นภาพที่มีสีสันทั้งที่ไม่ได้อยู่บนจานสีและไม่ใช่บนผืนผ้าใบ แต่อยู่ในสายตาของผู้ชม อิมเพรสชันนิสต์ประสบความสำเร็จในการแสดงสีสันที่ไม่เคยมีมาก่อน เฉดสีที่หลากหลายอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน การตวัดพู่กันกลายเป็นวิธีการแสดงออกที่เป็นอิสระ เติมเต็มพื้นผิวของภาพด้วยการสั่นสะเทือนที่มีชีวิตชีวาของอนุภาคสี ผืนผ้าใบเปรียบได้กับกระเบื้องโมเสคที่ส่องแสงระยิบระยับด้วยสีสันล้ำค่า เฉดสีดำ, เทา, น้ำตาลเด่นในภาพวาดในอดีต ในผืนผ้าใบของอิมเพรสชันนิสต์สีสันสดใส อิมเพรสชันนิสต์ไม่ได้ใช้ chiaroscuro เพื่อถ่ายทอดปริมาณ พวกเขาละทิ้งเงาดำ เงาในภาพวาดของพวกเขาก็กลายเป็นสีเช่นกัน ศิลปินใช้โทนสีเพิ่มเติมอย่างกว้างขวาง (แดงและเขียวเหลืองและม่วง) ความคมชัดซึ่งเพิ่มความเข้มของสี ในภาพวาดของโมเนต์ สีต่างๆ จะถูกทำให้สว่างขึ้นและละลายไปในรัศมีของแสงแดด สีในท้องถิ่นจึงมีเฉดสีมากมาย

อิมเพรสชันนิสต์พรรณนาโลกโดยรอบด้วยการเคลื่อนไหวตลอดเวลา การเปลี่ยนจากสถานะหนึ่งไปสู่อีกสถานะหนึ่ง พวกเขาเริ่มวาดภาพชุดหนึ่งโดยต้องการแสดงให้เห็นว่าบรรทัดฐานเดียวกันเปลี่ยนแปลงไปอย่างไรขึ้นอยู่กับช่วงเวลาของวัน แสง สภาพอากาศ ฯลฯ (รอบ Boulevard Montmartre โดย C. Pissarro, 1897; Rouen Cathedral, 1893–95 และ "รัฐสภาลอนดอน", 1903-04, C. Monet) ศิลปินได้ค้นพบวิธีที่จะสะท้อนภาพการเคลื่อนไหวของเมฆ (A. Sisley. “Louan in Saint-Mamme”, 1882), การเล่นแสงจ้าของแสงแดด (O. Renoir. “ Swing”, 1876), ลมกระโชกแรง (C. Monet. “Terrace in Sainte-Adresse”, 1866), ละอองฝน (G. Caillebotte. “Jer. Effect of rain”, 1875), หิมะตก (C. Pissarro. “Opera passage. Snow effect”, พ.ศ. 2441) ม้าวิ่งอย่างรวดเร็ว (อี. มาเนต์ "การแข่งขันที่ลองฌอมป์", พ.ศ. 2408)

อิมเพรสชันนิสต์ได้พัฒนาหลักการใหม่ในการสร้างองค์ประกอบ ก่อนหน้านี้ พื้นที่ของภาพเปรียบได้กับเวที ตอนนี้ฉากที่ถ่ายได้คล้ายกับสแนปช็อตหรือกรอบรูป คิดค้นขึ้นในศตวรรษที่ 19 การถ่ายภาพมีผลกระทบอย่างมากต่อองค์ประกอบของภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานของอี. เดอกาส์ ผู้ซึ่งตัวเขาเองเป็นช่างภาพที่หลงใหล และตามคำพูดของเขาเอง เขาพยายามถ่ายภาพนักบัลเล่ต์ที่แสดงด้วยความประหลาดใจ เพื่อให้เห็นพวกเขา “ราวกับว่า ผ่านรูกุญแจ” เมื่อพวกเขาโพสท่า เรือนร่างเป็นธรรมชาติ แสดงออกและสมจริง การสร้างภาพวาดกลางแจ้งความปรารถนาที่จะจับภาพแสงที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วทำให้ศิลปินต้องเร่งงานเขียน "alla prima" (ในขั้นตอนเดียว) โดยไม่ต้องร่างเบื้องต้น การแยกส่วน "ความบังเอิญ" ขององค์ประกอบและลักษณะภาพแบบไดนามิกสร้างความรู้สึกสดชื่นเป็นพิเศษในภาพวาดของอิมเพรสชันนิสต์

แนวอิมเพรสชันนิสต์ที่ชื่นชอบคือทิวทัศน์ ภาพเหมือนยังเป็น "ภูมิทัศน์ของใบหน้า" (O. Renoir, "Portrait of the Actress J. Samary", 1877) นอกจากนี้ ศิลปินได้ขยายขอบเขตของหัวข้อการวาดภาพอย่างมีนัยสำคัญ โดยหันไปใช้หัวข้อที่เคยถือว่าไม่คู่ควรแก่ความสนใจ: เทศกาลพื้นบ้าน การแข่งม้า การปิกนิกของศิลปะโบฮีเมีย ชีวิตหลังเวทีของโรงละคร ฯลฯ อย่างไรก็ตาม ภาพวาดของพวกเขาไม่มี โครงเรื่องที่มีรายละเอียด การเล่าเรื่องโดยละเอียด ชีวิตมนุษย์สูญสลายไปในธรรมชาติหรือในบรรยากาศของเมือง อิมเพรสชั่นนิสต์ไม่ได้เขียนเหตุการณ์ แต่เป็นอารมณ์ความรู้สึก ศิลปินโดยพื้นฐานแล้วปฏิเสธประวัติศาสตร์และ ธีมวรรณกรรมหลีกเลี่ยงการบรรยายด้านมืดของชีวิต (สงคราม ภัยพิบัติ ฯลฯ) พวกเขาพยายามปลดปล่อยศิลปะจากการปฏิบัติตามภารกิจทางสังคม การเมือง และศีลธรรม จากภาระหน้าที่ในการประเมินปรากฏการณ์ที่ปรากฎ ศิลปินร้องเพลงความงามของโลกโดยสามารถเปลี่ยนบรรทัดฐานในชีวิตประจำวัน (การปรับปรุงห้อง, หมอกสีเทาในลอนดอน, ควันของรถจักรไอน้ำ ฯลฯ ) ให้กลายเป็นภาพที่น่าหลงใหล (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C . โมเนต์ "สถานี Saint-Lazare" , 2420).

ในปี 1886 นิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ครั้งสุดท้ายเกิดขึ้น (O. Renoir และ K. Monet ไม่ได้เข้าร่วม) มาถึงตอนนี้ความขัดแย้งที่สำคัญระหว่างสมาชิกในกลุ่มถูกเปิดเผย ความเป็นไปได้ของวิธีการแบบอิมเพรสชั่นนิสต์หมดลงและศิลปินแต่ละคนก็เริ่มมองหาเส้นทางของตัวเองในงานศิลปะ

อิมเพรสชันนิสม์เป็นวิธีการสร้างสรรค์แบบองค์รวมเป็นปรากฏการณ์ที่เด่นชัดของศิลปะฝรั่งเศส แต่งานของอิมเพรสชันนิสต์มีผลกระทบต่อการวาดภาพในยุโรปทั้งหมด ความปรารถนาที่จะอัปเดตภาษาศิลปะโดยเน้นจานสีการเปิดรับแสง เทคนิคการวาดภาพตอนนี้เข้าสู่คลังแสงของศิลปินอย่างแน่นหนา ในประเทศอื่นๆ J. Whistler (อังกฤษและสหรัฐอเมริกา), M. Lieberman, L. Corinth (เยอรมนี), J. Sorolla (สเปน) มีความใกล้เคียงกับลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ ศิลปินชาวรัสเซียหลายคนได้รับอิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสต์ (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar และอื่น ๆ )

นอกจากการวาดภาพแล้ว อิมเพรสชั่นนิสต์ยังรวมอยู่ในผลงานของประติมากรบางคน (E. Degas และ O. Rodin ในฝรั่งเศส, M. Rosso ในอิตาลี, P. P. Trubetskoy ในรัสเซีย) ในการสร้างแบบจำลองของไหลฟรีที่มีชีวิตชีวา รูปแบบที่อ่อนนุ่มซึ่งสร้าง เกมที่ยากแสงบนพื้นผิวของวัสดุและความรู้สึกไม่สมบูรณ์ของงาน ในท่วงท่าการเคลื่อนไหว พัฒนาการถูกจับ ในดนตรี ความใกล้ชิดกับอิมเพรสชั่นนิสต์พบได้ในผลงานของ C. Debussy ("Sails", "Mists", "Reflections in the Water" เป็นต้น)

ความหมายที่ดี

คำจำกัดความไม่สมบูรณ์ ↓