ศิลปินที่มีภาพวาดไม่ใช่ภาพวาดแต่เป็นการแต้มสี ผลงานชิ้นเอกหรือแต้ม? ภาพวาดมูลค่าหลายสิบล้านดอลลาร์เป็นของปลอม! ประสิทธิผลของการประชาสัมพันธ์: ไอ้สารเลว “ยอดเยี่ยม”

ฉันยังคงเชื่อว่าแนวคิดของผลงานชิ้นเอกไม่สามารถเกิดขึ้นได้กับทุกคน ไม่ใช่เพื่ออะไรที่มีคำพูดว่า "ไม่มีสหายตามรสนิยมและสี" ผู้คนส่วนสำคัญจะดูภาพที่จุดเริ่มต้นของโพสต์แล้วพูดว่า - มันเป็นการตบแต่ง อีกส่วนหนึ่งของคนจะมองไปที่ "La Gioconda" ของ Da Vinci แล้วพูดว่า - ป้าธรรมดา เกิดอะไรขึ้น โดยทั่วไปนี่เป็นเรื่องปกติ แต่ถ้าเป็นเช่นนั้น ผลงานชิ้นเอกเหล่านี้คืออะไร ผลงานชิ้นเอกสามารถเป็นสิ่งที่ได้รับการยอมรับในระดับสากลจนไม่มีใครกล้าดูถูกหรือบอกว่ามันไม่เจ๋ง! สมมุติว่า. หรือบางทีของแบบนี้ที่รู้กันโดยทั่วไปไม่มีอยู่เลยหรือคงจะมีสักวันหนึ่ง แต่ตอนนี้เรามักจะพอใจกับผลงานชิ้นเอกของท้องถิ่นสำหรับคนบางกลุ่ม

ตัวอย่างเช่น ฉันที่พิจารณาผลงานชิ้นเอกมักสนใจอยู่เสมอว่าผลงานชิ้นเอกดังกล่าวในรูปแรกในโพสต์เกิดขึ้นได้อย่างไร

แต่นี่...

... สุดยอดผลงานของ Wassily Kandinsky "Composition VII. 1913" ลองนึกภาพจุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ยี่สิบ - ยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงในทุกด้านของชีวิตและศิลปะ การวาดภาพก็ไม่ถูกละทิ้งเช่นกัน ศิลปินแสวงหารูปแบบใหม่ของการแสดงออกใน ศิลปกรรม. ลัทธินามธรรมกลายเป็นความต่อเนื่องทางตรรกะของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและลัทธิแห่งอนาคต Kandinsky และกลายเป็นหนึ่งในที่สุด ตัวแทนที่โดดเด่นปัจจุบันนี้

Wassily Kandinsky ขณะทำงาน, 1936

โดยส่วนตัวแล้ว สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าผืนผ้าใบจะแสดงเพียงรอยเปื้อนและรอยเปื้อน อย่างไรก็ตาม ฉันอยากรู้ว่าก่อนที่จะเริ่มวาดภาพ ศิลปินได้เตรียมงานมากมาย เขาวาดภาพด้วยดินสอ สีน้ำมัน และสีน้ำมากกว่าสามสิบภาพ Kandinsky วาดภาพบนผืนผ้าใบด้วยตัวมันเองภายในสี่วันตั้งแต่วันที่ 25 ถึง 28 พฤศจิกายน พ.ศ. 2456

Wassily Kandinsky บนขาตั้งของเขา, 1936

ผู้เชี่ยวชาญพูดเกี่ยวกับศิลปินว่าเขาเป็นนักสังคมสงเคราะห์ที่รับรู้โลกในแบบของเขาเอง เขาสามารถมองเห็นเสียง ได้ยินสี “องค์ประกอบที่ 7” ประกอบด้วยชิ้นส่วนสีที่มีความเข้มต่างกัน สลับกับการผสมที่มีมุมแหลมและเรียบเนียน จากการศึกษาเอกสารสำคัญของศิลปินนักประวัติศาสตร์ศิลปะได้ข้อสรุปว่า Vasily Vasilyevich บรรยายภาพหลายหัวข้อในภาพวาดของเขา: การฟื้นคืนชีพจากความตาย, วันพิพากษา, น้ำท่วมโลกและสวนเอเดน ฉันไม่รู้ด้วยซ้ำว่าจะต้องรู้สึกอย่างไรเกี่ยวกับเรื่องนี้ สิ่งนี้ถือได้ว่าเป็นข้อเท็จจริงบางประเภท หรือทั้งหมดถูกสร้างขึ้นและ "สร้างขึ้นจากอากาศบางเบา" สำหรับผู้ที่ยังไม่เข้าใจอะไรเกี่ยวกับเรื่องนี้

บางอย่างเช่นนี้:

หรือไม่ก็

ผู้เขียนเองบรรยายถึงการสร้างดังนี้: “โฟมสีชมพูและสีขาวจนดูเหมือนอยู่นอกระนาบของผืนผ้าใบหรือระนาบในอุดมคติอื่น ๆ แต่พวกมันลอยอยู่ในอากาศและดูราวกับว่าพวกมันถูกปกคลุมไปด้วยไอน้ำ การขาดระนาบและความไม่แน่นอนของระยะทางที่คล้ายกันสามารถสังเกตได้เช่นในห้องอบไอน้ำของรัสเซีย ชายผู้ยืนอยู่กลางไอน้ำนั้นไม่ได้อยู่ใกล้หรือไกล เขาอยู่ที่ไหนสักแห่ง ตำแหน่งของศูนย์กลางหลัก - "ที่ไหนสักแห่ง" - กำหนดเสียงภายในของภาพทั้งหมด ฉันทำงานหนักในส่วนนี้จนกระทั่งฉันบรรลุสิ่งที่เป็นเพียงความปรารถนาอันคลุมเครือในตอนแรก จากนั้นจึงชัดเจนยิ่งขึ้นและชัดเจนยิ่งขึ้นภายใน”

คุณอยากลองวาดภาพมานานแล้ว แต่ตัดสินใจหยิบแปรงและจานสีแล้วยืนบนขาตั้งไม่ได้ใช่ไหม ทุกคนรอบตัวคุณคิดว่าความพยายามสร้างสรรค์ของคุณเป็นเรื่องน่าสมเพชหรือไม่? ดังนั้นคุณจึงเป็นผู้แพ้! ซึ่งหมายความว่าภาพวาดที่คัดสรรโดยศิลปินชาวแคนาดา Kim Dorland จะทำหน้าที่ปลอบใจคุณเป็นอย่างดี หรืออาจจะเป็นแรงบันดาลใจด้วย

ผู้เชี่ยวชาญเรียกงานของ Dorland " ศิลปะไร้เดียงสา" นักวิจารณ์ที่มีเจตนาร้ายมองว่ามันเป็นการเสียดสีที่ประมาทและผู้ชื่นชมความสามารถดั้งเดิมของเขาเชื่อว่าภาพวาดที่คิมสร้างขึ้นนั้นเป็นสิ่งที่คาดไม่ถึงทั้งทางจิตวิทยาและโวหาร และนี่เป็นเรื่องจริง - ไม่มีใครคาดหวังที่จะได้เห็นทิวทัศน์และภาพบุคคลตามที่สัญญาไว้ ผ้าใบฉาบด้วยสีซึ่งผู้เขียนทิ้งลายเส้นและเส้นที่ไม่เรียบร้อย แต่เป็นร่องหยาบราวกับว่ารถแทรคเตอร์ขับผ่านทุ่งที่มีปุ๋ยและเปียก ...

หลักการที่ Kim Dorland ดึงเธอมา ภาพวาดต้นฉบับสามารถอธิบายได้ด้วยวลีสั้น ๆ เดียว: “สิ่งสำคัญคือไม่ต้องทาสี” ท้ายที่สุดหากคุณมองอย่างใกล้ชิดภาพวาดนั้นจะมีรอยขีดข่วนบนน้ำมันหนา ๆ ซึ่งผู้เขียนได้เจิมผืนผ้าใบของเขาอย่างไม่เห็นแก่ตัว ปรากฎว่าภาพวาดไม่ได้ถูกทาสี แต่ถูกแกะสลักราวกับว่าเป็นประติมากรรม

และศิลปินไม่ได้มุ่งมั่นเพื่อความถูกต้องและความสมจริง เขาสร้างใน สไตล์พิเศษซึ่งเป็นนามธรรมแบบเด็กๆ โดยไม่สนใจเรื่องการรักษาสัดส่วน หรือเพิ่มระดับเสียงให้กับภาพ หรือความสวยงามของผืนผ้าใบ ดูเหมือนว่างานหลักของผู้เขียนคือการพ่นสีลงบนผืนผ้าใบอย่างไม่เป็นทางการที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้โดยใช้มือซ้ายใต้เข่าขวาเพื่อเพิ่มรอยเปื้อน - นี่คือการวาดภาพ!
แม้ว่ามันอาจจะเป็นไปได้มากว่าสำหรับเราคนธรรมดาเท่านั้นที่การวาดภาพด้วยวิธีนี้ดูเหมือนง่ายและสะดวก ท้ายที่สุดไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง Kim Dorland มักจะมีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการภาพวาดของเขาถูกนำเสนอในแกลเลอรี่ในโตรอนโตซึ่งเขาอาศัยและทำงานอยู่และขายผลงานของเขาได้สำเร็จทั้งในแคนาดาและต่างประเทศ

ประสิทธิผลของการประชาสัมพันธ์: ไอ้สารเลว “ยอดเยี่ยม”

หากฉันใช้พู่กันแล้ววาดภาพทิวทัศน์หรือภาพบุคคลบนผืนผ้าใบ ใครก็ตามที่ดูงานของฉันก็สามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่าช่างเป็นแต้ม! และเขาจะพูดถูกเพราะฉันวาดรูปไม่เป็น อย่างไรก็ตาม แต้มของฉันสามารถขายได้หลายล้านดอลลาร์หากฉันมีชื่อเสียงในฐานะศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ ตามทฤษฎีแล้ว เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าภาพวาดของฉันที่ไม่ได้ทาสี แต่ก็แย่ไม่น้อยไปกว่านั้น ภาพวาดสามารถได้รับการส่งเสริมให้เป็นงานศิลปะที่ยอดเยี่ยมและขายด้วย "เงินบ้า" แต่ในชีวิตจริงสิ่งนี้เกิดขึ้นมากกว่าหนึ่งครั้ง - ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และทั้งศตวรรษที่ 20 ถือเป็นชัยชนะอย่างต่อเนื่องของงานศิลปะ

ตั้งแต่วินาทีแรกที่มันเกิด ภาพวาดสมัยใหม่ซึ่งบิดาของเขาถือเป็นชาวอิตาลี Giotto di Bondone (1267-1337) และในอีกไม่กี่ศตวรรษต่อมา ทักษะของศิลปินในการแสดงความเป็นจริงบนพื้นผิวใดๆ ที่เหมาะสมสำหรับการวาดภาพ (ผ้าใบ ผนัง หรือกระดาน) ได้รับการยกย่องเป็นอันดับแรก การประเมินงาน สมัยนั้นยังไม่มีการถ่ายภาพ แต่หลายคนอยากมีภาพเหมือนของตัวเองหรือภาพญาติของพวกเขา นอกจากนี้ยังชื่นชมทิวทัศน์ของป่าไม้และทุ่งนาโดยรอบอีกด้วย เรายังชอบแขวนของเลียนแบบไว้ในอพาร์ตเมนต์ของเรา ภาพวาดที่แตกต่างกันและสำหรับผู้ที่สภาพทางการเงินเอื้ออำนวยก็ให้ต้นฉบับเอง ในยุคกลาง คนรวยยังชอบตกแต่งผนังบ้านและปราสาทด้วยผลงานจิตรกรรม และคนรวยบางส่วนก็สะสม คอลเลกชันขนาดใหญ่. บางคนทำเพราะรักการวาดภาพ บางคนก็ทำเพื่อปรับปรุงสถานะของตนเอง

นอกจากคนรวยแล้ว คริสตจักรยังต้องการงานศิลปะด้วย คริสตจักรไม่ต้องการภาพวาดที่แสดงถึงชีวิตจริง แต่จำเป็นต้องมี เรื่องราวในพระคัมภีร์ที่จะมีลักษณะเหมือนภาพถ่ายจริง เหตุการณ์จริง(แม้ว่าพวกเขาจะไม่มีความคิดเกี่ยวกับรูปถ่ายในตอนนั้นก็ตาม) ผู้คนต้องเชื่อในพระคริสต์ พระนางมารีย์ อัครสาวก และบุคคลสำคัญทางศาสนาอื่นๆ และด้วยเหตุนี้ ตัวละครในพระคัมภีร์ต้องมีลักษณะเหมือนคนมีชีวิต

ไม่ว่าคำขอของลูกค้าจะเป็นเช่นไร ภาพวาดก็ตามนั้น ความคิดบ้าๆ ที่ร่างบนผืนผ้าใบด้วยมือที่ไม่ชำนาญนั้นไม่มีประโยชน์กับใครเลย ไม่มีใครจะซื้อภาพเหมือนของตัวเองที่ไม่เหมือนกับต้นฉบับ และแน่นอนว่าไม่ใช่ภาพที่โดยหลักการแล้วไม่เหมือนกับภาพลักษณ์ของบุคคลด้วย ในสมัยนั้น ในการวาดภาพบุคคล คุณต้องมีศิลปินที่เชี่ยวชาญฝีมือของจิตรกร หากไม่เป็นมืออาชีพ คุณจะไม่สามารถขายภาพวาดและหาเลี้ยงชีพได้ ผู้ที่สะสมภาพวาดไม่ต้องการเพียงแค่หล่อจากความเป็นจริงอีกต่อไป - พวกเขาต้องการได้รับสิ่งพิเศษที่ไม่มีใครทำซ้ำได้ นั่นก็คือการ ภาพที่สมจริงศิลปินต้องเพิ่มบางสิ่งบางอย่างของตัวเอง - บางอย่าง สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์เพื่อให้ภาพวาดของเขาโดดเด่นในหมู่งานหัตถกรรมคุณภาพจำนวนมาก มันอาจจะเป็น เทคนิคพิเศษเช่นเลโอนาร์โด ดา วินชี การใช้แสงและเงาอย่างสร้างสรรค์อย่างฟาน เอค ภาพที่ยอดเยี่ยมเหมือนบอส...

ศตวรรษที่ 15-17 ในยุโรปเป็นช่วงรุ่งเรืองของการวาดภาพโลก มาถึงตอนนี้ในประเทศที่พัฒนาทางเศรษฐกิจของยุโรป (เวนิส, ฟลอเรนซ์, เนเธอร์แลนด์, แฟลนเดอร์ส, เยอรมนี) มีลูกค้าภาพวาดจำนวนมากเพียงพอ - ด้วยเหตุนี้เราจึงได้รับทั้งกาแล็กซี ศิลปินที่โดดเด่นซึ่งผลงานของเขายังคงประดับประดามากที่สุด พิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียงความสงบ. นอกเหนือจากจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ในยุคเรอเนซองส์ที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไปเช่น Leonardo da Vinci, Raphael และ Michelangelo Buonarroti แล้ว ศิลปินที่โดดเด่นไม่แพ้กันหลายสิบคนก็ทำงานในเวลานั้น: ชาวดัตช์ Robert Campin, Jan Van Eyck เฮียโรนีมัส บอช, Pieter Bruegel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony Van Dyck, Jan Vermeer, ชาวอิตาลี Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, ชาวเยอรมัน Albrecht Durer, Hans Holbein the Younger, ชาวสเปน Diego Velazquez... ทั้งหมดนี้มีต้นฉบับ ลักษณะการแสดงความเป็นจริง แต่สิ่งที่พวกเขามีเหมือนกันคือพวกเขาทั้งหมดวาดภาพที่สมจริงอย่างยอดเยี่ยม ความสมจริงไม่ได้อยู่ในโครงเรื่อง - ภาพวาดในพระคัมภีร์แบบเดียวกันไม่เคยเป็นเช่นนั้น สมจริง - ขึ้นอยู่กับความคล้ายคลึงของภาพด้วย ชีวิตจริง. ไม่มีใครวาดลูกบาศก์หรือสี่เหลี่ยมใด ๆ - คาดว่านี่คือวิธีที่เขามองโลกเนื่องจาก "ผลงานชิ้นเอก" ในรูปแบบดังกล่าวจะไม่พบผู้ซื้อ ลูกค้าของภาพวาดในสมัยนั้นเป็นคนเรียบง่ายเช่น Nikita Khrushchev ของเรา มีเรื่องหนึ่งที่เขาเคยถามเกี่ยวกับภาพวาดชิ้นหนึ่งในนิทรรศการศิลปะนามธรรมว่า “นี่ตูดแบบไหน?” ฉันสังเกตว่าไม่มีใครเคยพูดอะไรแบบนั้นเกี่ยวกับภาพวาดของ Raphael หรือ Correggio รวมถึง Khrushchev - ใครก็ตามที่มีวิสัยทัศน์จะเข้าใจสิ่งที่ปรากฎในภาพเหล่านั้น: มาดอนน่าในรูปแบบของผู้หญิงสวย และไม่ใช่สิ่งมีชีวิตที่น่าขนลุกและเข้าใจยากเหมือนใน Picasso's ภาพวาด ศิลปินที่โดดเด่นทุกคนเป็นผู้ริเริ่มในทางใดทางหนึ่ง แต่เทคนิคที่เป็นนวัตกรรมใหม่ในการวาดภาพจะสมเหตุสมผลก็ต่อเมื่อศิลปินสามารถพรรณนาชีวิตในทุกรูปแบบได้อย่างเพียงพอ ความแปลกใหม่ในภาพถูกนำมาใช้เพื่อความสมจริง ไม่ใช่ในตัวมันเอง เราสามารถพูดได้ว่าจิตรกรพยายามทำงานเหมือนช่างก่อสร้าง บ้านทุกหลังต้องมีรากฐาน ผนัง และหลังคา และการทดลองทั้งหมดได้รับอนุญาตเฉพาะภายในกรอบเหล่านี้เท่านั้น

ในฐานะมืออาชีพ ศิลปินยุคเรอเนซองส์ได้มาถึงจุดสุดยอดของการวาดภาพ และเราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะเหนือกว่า Raphael หรือ Van Eyck - ทำได้เพียงทำซ้ำเท่านั้น หรือสร้างบางสิ่งของคุณเองซึ่งกลายเป็นเรื่องยากมากขึ้นเรื่อยๆ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ในศตวรรษที่ 17 มีศิลปินที่โดดเด่นน้อยกว่าในศตวรรษที่ 16 และในศตวรรษที่ 18 พวกเขาสามารถนับได้ด้วยมือเดียว เป็นเรื่องยากมากที่จะโดดเด่นเหนือภูมิหลังของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - สิ่งนี้ ระดับสูงสุดทักษะที่ตามหลักการแล้วมีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่สามารถทำได้

และเมื่อเทียบกับภูมิหลังดังกล่าว เมื่อมีช่างฝีมือจำนวนมากและมีปรมาจารย์ที่โดดเด่นเพียงไม่กี่คน การปฏิวัติที่แท้จริงกำลังเกิดขึ้นในโลกแห่งศิลปะ - "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่" เริ่มถูกสร้างขึ้นโดยเทียม นี่เป็นเรื่องยากที่จะทำในยุคกลาง- หากไม่มีสื่อ เทคโนโลยีประชาสัมพันธ์ก็ไม่มีประสิทธิภาพ เนื่องจากข้อมูลจะต้องถูกส่งผ่านข่าวลือที่บิดเบือน นอกจากนี้หาก เรากำลังพูดถึงเกี่ยวกับการเผยแพร่ข้อมูลในระยะทางไกล มีเพียงสื่อเท่านั้นที่สามารถสร้างและแนะนำภาพลักษณ์ของวัตถุใด ๆ (ผลิตภัณฑ์แบรนด์) ให้เป็นอุดมคติและจำเป็นในชีวิตได้อย่างรวดเร็วและมีประสิทธิภาพ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เมื่อในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ในชีวิตของรัฐต่างๆ ยุโรปตะวันตกซึ่งได้เข้าสู่ยุคการปฏิวัติอุตสาหกรรมแล้ว สื่อมวลชนเริ่มมีบทบาทสำคัญมากขึ้นเรื่อยๆ และในขณะเดียวกัน "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ประเภทใหม่" ก็เริ่มปรากฏให้เห็น กล่าวอีกนัยหนึ่ง - ไอ้สารเลว

ใครกันแน่ที่เปลี่ยนทิศทางผู้ซื้อภาพวาดไปสู่การแต้มสีโดยสิ้นเชิง? มีจำนวนมาก โดยพื้นฐานแล้วคนเหล่านี้คือคนที่มีส่วนร่วม การวิจารณ์ศิลปะในสื่อตลอดจนผู้ที่จัดนิทรรศการ ตัวอย่างเช่นนักวิจารณ์ Roger Fry "ล้าง" โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส Guillaume Apollinaire ช่วยโปรโมตผลิตภัณฑ์ของ Matisse และ Picasso ให้กับผู้บริโภค แต่ยัง มูลค่าที่สูงขึ้นสำหรับตลาดภาพวาดคือการที่นักสะสมผู้มั่งคั่งปรากฏตัวในโลกมากขึ้นเรื่อย ๆ โดยเฉพาะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ในสภาพแวดล้อมที่มีงานศิลปะที่โดดเด่นอย่างแท้จริง พิพิธภัณฑ์ของรัฐหรือเป็นของคริสตจักรที่ไม่ขายผลงานชิ้นเอกด้วยเงินใด ๆ ควรสะสมจากอะไร? - จากสิ่งที่ถือว่าทันสมัย ลูกค้าซื้อสิ่งที่กลายเป็นแฟชั่น

แฟชั่นสำหรับสิ่งนี้หรือ "จิตรกร" นั้นถูกสร้างขึ้นมาอย่างไร? โดยพื้นฐานแล้วทุกอย่างเริ่มต้นด้วยเรื่องอื้อฉาว ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 นิทรรศการเพียงป้ายสีอันน่าสยดสยองในที่สาธารณะภายใต้หน้ากากงานศิลปะหมายถึง เรื่องอื้อฉาวในที่สาธารณะ. นี่เป็นความท้าทายที่แท้จริงต่อสังคม ผู้คนเมื่อเห็น "สิ่งนี้" รู้สึกขุ่นเคืองทั้งหมดนี้ถูกพูดคุยกันในสื่อและในสถานที่โบฮีเมียนชื่อเสียงของผู้แต่งและภาพวาดของเขาก็เพิ่มขึ้น - ดังนั้นแฟชั่นสำหรับตัวละครตัวนั้นจึงปรากฏขึ้น ครั้งแรกในแวดวงแคบๆ จากนั้นหากคุณโชคดี ประชาชนทั่วไปก็ได้เรียนรู้เกี่ยวกับการเกิดขึ้นของ "จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่" คนใหม่ “ หากพวกเขาพูดถึงคุณแสดงว่าคุณมีอยู่จริง” - นี่คือกฎพื้นฐานของ PR หากคุณมีชื่อเสียงอย่างน้อยก็มีคนซื้อภาพวาดของคุณ - โดยไม่คำนึงถึงคุณค่าทางศิลปะของพวกเขา ทันทีที่คนธรรมดา ๆ ในโบฮีเมียน สภาพแวดล้อมตระหนักว่ามันเป็นป้าย - นี่เป็นสินค้ายอดนิยมดังนั้นภาพวาดดังกล่าวจึงท่วมตลาดอย่างแท้จริง mongrels ผู้ยิ่งใหญ่หลายคนในอนาคตเริ่มต้นด้วย ภาพวาดที่เหมือนจริงแต่ในเวลาต่อมาพวกเขาก็มุ่งความสนใจไปที่ป้ายนั้นอีกครั้ง และบางคนก็ไม่จำเป็นต้องเปลี่ยนแปลงอะไร - พวกเขาไม่รู้วิธีวาดตั้งแต่แรก

ในแต่ละยุคสมัยก็มีแฟชั่นเพื่อสิ่งหนึ่ง ทิศทางศิลปะจากนั้นไปอีกสิ่งหนึ่ง - อิมเพรสชั่นนิสต์, โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์, นามธรรมนิยม, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, การแสดงออก…. และแฟชั่นเป็นกลไกหลักในการค้าขาย ทันทีที่ “ศิลปิน” กลายเป็นแบรนด์ จากนั้นทุกสิ่งที่ผลิตภายใต้แบรนด์นี้ “ขายเหมือนเค้กร้อนๆ” ไม่สำคัญว่า "ศิลปิน" จะทาสีอะไรกันแน่ - อุตสาหกรรมแฟชั่นดำเนินงานตามกฎหมายที่แตกต่างจากอุตสาหกรรมหัตถกรรม แน่นอนว่าแฟชั่นสำหรับสิ่งนี้หรือสีเหลืองนั้นไม่ได้เกิดขึ้นทันทีและในตอนแรก "ลอเรล" ในรูปแบบของเงินจำนวนมหาศาลไม่ได้ตกเป็นของศิลปินเอง แต่เป็นของผู้ซื้อภาพวาด เงินจำนวนมหาศาลที่เริ่มถูกนำไปใช้สำหรับป้ายแฟชั่นในการประมูลปรากฏขึ้นในช่วงปลายครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เท่านั้น ผู้คนจำนวนมากที่ได้รับเงินง่าย ๆ ในตลาดการเงินโลกรวมถึงการปล้นทรัพย์สินของรัฐในรัสเซียก็ไม่รู้ว่าจะเอาไปไว้ที่ไหน - เป็นผลให้อุจจาระใด ๆ ที่เปื้อนบนผืนผ้าใบกลายเป็นสินค้าที่ร้อนจัด .

ชัยชนะของแต้มในงานศิลปะเริ่มต้นจากใคร?

เส้นทางสำหรับอิมเพรสชั่นนิสต์และคิวบิสต์ได้รับการปูทางโดยโจเซฟ เทิร์นเนอร์ ชาวอังกฤษ ผู้ซึ่ง "สร้าง" ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ข้อดีอย่างเดียวของเขาในฐานะศิลปินคือเขาวาดภาพทิวทัศน์ไม่เก่งนัก เขายังมีภาพวาดที่ดีเกือบหมด แต่เขากลายเป็นที่รู้จักจากภาพเขียนที่ดูเหมือนภาพวาด "Approaching Venice" หากเวนิสเป็นเหมือนภาพวาดของเขา ก็ไม่น่าจะมีใครว่ายไปที่นั่น... ครั้งหนึ่งเทิร์นเนอร์ทำให้สาธารณชนตกใจซึ่งทำให้เขาโด่งดัง มีภาพล้อเลียนของเขา - เทิร์นเนอร์ยืนอยู่หน้ารูปภาพด้วยแปรงทาสี (ซึ่งเคยใช้ทาสีรั้วในสมัยนั้น) และทาสีบางอย่าง...

คนถัดไปที่จะหยิบกระบองคือชาวฝรั่งเศส Edgar Degas - เขารู้วิธีการวาดภาพและบางครั้งเขาก็ทำสำเร็จ ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมแต่ด้วยเหตุผลบางอย่าง เอ็ดการ์จึงถูกดึงดูดให้วาดภาพผู้หญิงเปลือยที่น่าเกลียดที่สุดที่กำลังเตรียมตัวอาบน้ำ กำลังอาบน้ำ หรือเพิ่งอาบน้ำเสร็จ... - สำหรับภาพวาดดังกล่าว พวกเขาถูกไล่ออกจากปีที่ 1 โรงเรียนศิลปะเนื่องจากไร้ความสามารถ แต่เดกาส์ก็ได้รับความนิยมอย่างมากจากพวกเขา

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 จำนวนมัฟฟินเริ่มเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว

ในเวลานี้ “ผู้ยิ่งใหญ่อิมเพรสชั่นนิสต์” โคล้ด โมเนต์ (ที่ไม่ควรสับสนกับ ศิลปินชื่อดังเอดูอาร์ด มาเนต์) และออกุสต์ เรอนัวร์ เรอนัวร์รู้วิธีการวาดภาพ แต่เช่นเดียวกับเดกาส์ เขามักจะเขียนหวัดทันที ในตอนแรกโมเนต์ก็พยายามที่จะเป็นศิลปินที่แท้จริง แต่ก็ตระหนักว่าเขาจะไม่ประสบความสำเร็จ - ด้วยเหตุนี้เขาจึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นหนึ่งในผู้สืบทอดที่ฉลาดที่สุดในผลงานของโจเซฟเทิร์นเนอร์ - ภูมิทัศน์ของโมเนต์เกือบจะแย่พอ ๆ กับภูมิทัศน์ของบรรพบุรุษของเขา

“ผลงานชิ้นเอก” หลักของเขาคือ “ อาสนวิหารรูอ็องส่วนหน้าอาคารแบบตะวันตกท่ามกลางแสงแดด" - การเขียนลวก ๆ ของเด็ก ๆ Monet ตรึงผลงานหลายชิ้นใน "สไตล์" ที่คล้ายกันและยังคงได้รับความนิยม: "Water Lilies" (หากไม่มีชื่อ คุณจะนึกไม่ออกทันทีว่าเป็นดอกลิลลี่บนน้ำ...) ถูกประมูลด้วยราคา 36.7 ล้านดอลลาร์ (2550) ). ), “สะพานวอเตอร์ลู” (ภาพด้านล่าง) ขายได้ในราคา 35.9 ล้านเหรียญสหรัฐ (พ.ศ. 2550)

“บ่อน้ำที่มีดอกบัว...” (หากเทียบกับ “สะพานวอเตอร์ลู” แล้ว อาจเรียกได้ว่าเป็นภาพวาดก็ได้) ในราคา 33 ล้านดอลลาร์สหรัฐ (1998) หนังสือพิมพ์ไทมส์ได้ทำการสำรวจในหมู่ผู้อ่านในปี 2552 โดยพิจารณาจากผลลัพธ์ที่กำหนดได้มากที่สุด ศิลปินยอดนิยมศตวรรษที่ 20 - Claude Monet ขึ้นอันดับ 4!

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ นักโพสต์อิมเพรสชันนิสต์ก็หันมาทำธุรกิจเช่นกัน: Vincent Van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt อันไหนที่ "ยอดเยี่ยม" มากกว่าหรืออีกนัยหนึ่งมากกว่านั้น ศิลปินแฟชั่นทุกวันนี้? Cézanne มีภาพวาดอย่างน้อยหนึ่งภาพที่สามารถอธิบายได้ว่า "น่าสนใจ" โดยเขาวาดมันเมื่ออายุ 27 ปี จากนั้นทุกอย่างก็แย่ลงมาก - โดยปราศจากการตรัสรู้, แต้มแล้วแต้มต่อ อย่างไรก็ตาม เขาไม่ใช่ "ผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด" อย่างแน่นอน ราคาภาพวาดบางภาพของเขามีมูลค่าหลายสิบล้านดอลลาร์ (ราคาแพงที่สุดคือ "Still Life with a Jug and Drapery" ในราคา 60.5 ล้านดอลลาร์ (!) แต่ความนิยมในผลงานของเขาในหมู่นักสะสมคือ ด้อยกว่าความนิยมในผลงานของ Gauguin อย่างเห็นได้ชัดและยิ่งกว่านั้นผู้อ่านของ Van Gogh But Times จึงจัดอันดับ Cezanne เป็นอันดับ 2 ในบรรดาศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20!

แวนโก๊ะที่ป่วยทางจิตวาดภาพเหมือนเด็กชายอายุ 5-7 ขวบที่ไม่มีพรสวรรค์ที่ไม่เคยโตเลย ครั้งหนึ่งเขาได้รับการรักษาในคลินิกจิตเวช แต่ก็ไม่ได้ช่วยอะไรและเมื่ออายุ 40 ปีเขาก็ฆ่าตัวตาย ชีวประวัติของเขาเป็นเหมือนชีวประวัติของ "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่" มากกว่า เห็นได้จากราคาภาพวาดของเขา - 40.3 ล้านดอลลาร์สำหรับภาพเหมือนที่น่าขนลุกของมาดามจินูซ์, 40.5 ล้านดอลลาร์สำหรับ "ดอกทานตะวัน" 47.5 ล้านดอลลาร์สำหรับ "หญิงชาวนาในหมวกฟาง" 53 ดอลลาร์, 9 ล้านดอลลาร์สำหรับ "ไอริส" 57 ล้านดอลลาร์ สำหรับ “ทุ่งข้าวสาลีที่มีต้นไซเปรส” 71 ล้านดอลลาร์สำหรับการถ่ายภาพตนเอง และ 82.5 ล้านดอลลาร์สำหรับ “Portrait of Dr. Gachet” Gachet คนนี้ดูแล Van Gogh ไม่นานก่อนที่เขาจะฆ่าตัวตาย - อาจเป็น "ศิลปิน" ตัดสินใจแก้แค้นหมอสำหรับงานของเขาด้วยภาพวาดอันเป็นเอกลักษณ์ของเขา

Gauguin คนรักของ Van Gogh วาดภาพเหมือนเด็กผู้ชายที่แก่กว่าเด็กชายของ Van Gogh เล็กน้อย นี่เป็นข้อเสียที่ชัดเจนสำหรับเขาในฐานะ "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่" ยิ่งไปกว่านั้น Gauguin ยังไม่บ้าเท่ากับ Van Gogh แม้ว่าจะมีตอนที่ยอดเยี่ยมในชีวประวัติของเขาเมื่อเขามาอยู่กับ Van Gogh และจบลงด้วยการตัดหูของเขา - นี่เป็นคำกล่าวอ้างที่ทรงพลังมากต่อ "ความยิ่งใหญ่"! อย่างไรก็ตาม ความต้องการภาพวาดของ Gauguin นั้นไม่ได้มากเท่ากับ Van Gogh - มีภาพวาดของเขาเพียงไม่กี่ภาพเท่านั้นที่ขายได้ในราคามากกว่า 30 ล้านเหรียญ

Toulouse-Lautrec เกือบจะเป็นคนแคระ เขาคลั่งไคล้โสเภณีชาวฝรั่งเศสที่น่าเกลียดซึ่งเขาได้รวบรวมไว้ในภาพวาดที่น่าเกลียดไม่แพ้กันหากคุณดูภาพด้านล่างซึ่งมีชื่อรหัสว่า “โสเภณีกำลังถูกตรวจสอบ” คุณจะพอนึกออก อย่างสร้างสรรค์ตูลูส-โลเทรก

เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการสเก็ตช์ภาพมากกว่า แต่ไม่เคยได้วาดภาพที่เต็มเปี่ยมเลย เมื่อเปรียบเทียบกับ Gauguin และ Van Gogh แล้ว Toulouse-Lautrec นั้นไม่เป็นที่นิยมเลยและ Munch ของนอร์เวย์ก็ไม่ขึ้นอยู่กับพวกเขาแม้ว่าชีวประวัติของเขาจะดีมาก: เขาต้องทนทุกข์ทรมานจากภาวะซึมเศร้าอย่างรุนแรงอย่างต่อเนื่องและได้รับการรักษาด้วยความผิดปกติทางจิตหลายครั้ง ภาพวาดหลายชิ้นของเขาปรากฏอยู่ในรายชื่อ "100 ภาพวาดที่แพงที่สุดในประวัติศาสตร์" แต่ก็แค่นั้นแหละ

แต่ Gustav Klimt ชาวออสเตรียคือนักโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอย่างแท้จริง เขาได้รับความนิยมไม่น้อยไปกว่า Van Gogh และมากที่สุด ภาพวาดราคาแพงถูกซื้อมาในราคา 135 ล้านดอลลาร์! และสิ่งที่น่าประหลาดใจที่สุดสำหรับศิลปินผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 20 ก็คือภาพวาดนี้แสดงถึงผู้หญิงคนหนึ่งด้วย ใบหน้าของมนุษย์! พื้นที่ที่เหลือทั้งหมดถูกครอบครองโดยป้ายทั่วไป แต่ใบหน้ากลับกลายเป็นเหมือนจริง และภาพวาดอื่น ๆ ของ Klimt ซึ่งมีการแสดงผู้คนนั้นคล้ายคลึงกับภาพนี้ - ซึ่งเป็นใบหน้าเดียวกันในบรรดาป้าย "โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์"

ผู้คนยังเคารพ Klimt - อันดับที่ 3 ในหมู่ ศิลปินที่ดีที่สุดศตวรรษที่ 20 - มีเพียง Picasso และ Cezanne เท่านั้นที่อยู่ข้างหน้า

เราก้าวไปสู่ศตวรรษที่ 20 กันดีกว่า ดังที่เวนดี้ เบ็คเค็ตต์เขียนไว้ในประวัติจิตรกรรมของเธอว่า “คนสองคนครองราชย์ในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20: อองรี มาตีส และปาโบล ปิกัสโซ” มันยากที่จะบอกว่าทำไมถึงสองคนนี้ เพราะว่ามีคนโง่แบบนี้อยู่หลายร้อยคน แต่วิถีแห่งแฟชั่นนั้นไม่อาจเข้าใจได้ ปาโบลได้อันดับที่ 1 ในแบบสำรวจความคิดเห็นของผู้อ่าน Times

Pablo Picasso ชาวสเปนรู้วิธีการวาดภาพ แต่ไม่ต้องการวาด เขาอยู่ไกลจากระดับของดาวินชี (ใครไม่เชื่อก็ดูเลย จิตรกรรมยุคแรก"Boy with a Pipe" - ไม่แย่ แต่ก็ไม่โดดเด่น) แต่เรียบง่าย ภาพวาดที่ดีในศตวรรษที่ 20 ไม่เกี่ยวข้องอีกต่อไป Daubing มีความทันสมัยมากขึ้นเรื่อย ๆ และ Pablo ก็ตัดสินใจว่ายน้ำตามความประสงค์ของคลื่น และเขาทำได้ดีมาก!

ในปี 1907 เขาวาดภาพ "Les Demoiselles d'Avignon" - มันกลายเป็นงานชิ้นแรกในประเภท Cubist ในตอนแรกศิลปินรู้สึกเขินอายที่จะแสดงเรื่องไร้สาระนี้ต่อคนแปลกหน้าซึ่งโดยทั่วไปแล้วเป็นที่เข้าใจได้: สิ่งมีชีวิตที่น่าขนลุกห้าตัวกำลังมองคุณจากภาพและการแสดงเรื่องไร้สาระต่อผู้อื่นก็เหมือนกับการประกาศต่อสาธารณะ: ฉัน คลั่งไคล้! ฉันเป็นคนโรคจิตโดยสมบูรณ์! อย่างไรก็ตามปาโบล ยอมเสี่ยงแสดง “ผลงานชิ้นเอก” ของเขาและฉันก็พูดถูก ไม่มีใครนำเขาส่งโรงพยาบาล และปิกัสโซยังคงทำลายผืนผ้าใบของเขาต่อไป เขานำหลักสมมุติฐานของลัทธิวัตถุนิยมวิภาษวิธีมาใช้: ปริมาณพัฒนาไปสู่คุณภาพ ใน ในกรณีนี้- ในชื่อเสียง ปิกัสโซวาดภาพมาประมาณ 70 ปีและไม่น่าแปลกใจที่เขากลายเป็นจิตรกรที่โด่งดังที่สุดในยุคของเรา

“Portrait of Dora Maar” ของเขา (ซื้อในราคา 95.2 ล้านดอลลาร์ในการประมูลในปี 2549 ในภาพด้านบน), “Woman Sitting in a Garden” (49.5 ล้านดอลลาร์ในปี 1999), “Dream” (48.4 ล้านดอลลาร์ในปี 1997), “Nude in a Black เก้าอี้” (45.1 ล้านเหรียญสหรัฐในปี 2542) - เข้าสู่ "กองทุนทองคำ" ของแต้มแห่งศตวรรษที่ 20

มีศิลปินที่มีชื่อเสียงมากมายในศตวรรษที่ 20 มากกว่าศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ในยุคเรอเนซองส์ซึ่งไม่น่าแปลกใจ: การพังไม่ใช่การสร้างผ้าใบที่สร้างความเสียหายไม่ใช่การวาดภาพ Vasya Kandinsky และ Kazimir Malevich ของเราก็สร้างชื่อเสียงในสาขานี้เช่นกัน - แม้ว่าพวกเขาจะโดดเด่น แต่ก็ไม่ใช่ตัวตลกที่ยอดเยี่ยมตามมาตรฐานโลก แน่นอนว่าชาวรัสเซียมีจิตวิญญาณพิเศษของตัวเอง แต่ก็ไม่ชัดเจนนักในป้าย ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 American Pollack และ Dutchman de Kooning - "นักแสดงออกเชิงนามธรรม" - เริ่มกำหนดโทนเสียงในนั้น

ทุกสิ่งในโลกของเรามีความสัมพันธ์กัน และเมื่อเทียบกับภูมิหลังของพอลแล็คและพี่น้องของเขา แม้แต่โมเนต์หรือโกแกงก็ดูเหมือนศิลปินที่ดี นักวิจารณ์ศิลปะ ระดับสูงสุด daubs ถูกเรียกว่า "การแสดงออกเชิงนามธรรม" แต่ฉันจะบอกว่านี่เป็น daub ในวัยชราโดยสิ้นเชิง! ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดไม่เพียงแต่ Willem de Kooning และ Jackson Pollack ที่กล่าวมาข้างต้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึง Mark Rothko ชาวอเมริกันเชื้อสายรัสเซียด้วย ทั้งสามนี้เป็นเพียงจุดสุดยอดของป้ายแห่งศตวรรษที่ 20!

นักแสดงออกเชิงนามธรรมคือบุคคลที่โดยหลักการแล้วไม่ได้วาดภาพ Van Gogh สามารถวาดภาพได้อย่างน้อยในระดับเด็กอายุ 5 ขวบ แต่ Pollack ไม่สามารถไปถึงระดับนี้ได้ อ้างอิงจาก “The History of Painting” โดยเวนดี เบ็คเค็ตต์: “พอลแล็คเป็นคนแรกที่ละทิ้งพู่กัน จานสี และแบบแผนทั้งหมดของเนื้อหา เขาเต้นรำด้วยความปีติยินดีบนผืนผ้าใบที่แผ่อยู่บนพื้น ดื่มด่ำไปกับความคิดสร้างสรรค์อย่างสมบูรณ์ การสาดและการเทสีภายใต้การควบคุมอย่างสมบูรณ์ “การวาดภาพ” เขากล่าว “มีชีวิตอยู่ ชีวิตของตัวเอง. ฉันพยายามให้เธอทำแบบนั้น” ไม่มีอะไรจะแสดงความคิดเห็นที่นี่ ชายคนนี้ป่วยหนักมาก ภาพถ่ายภาพวาดของเขายืนยันสิ่งนี้

Mark Rothko เป็นศิลปินที่แย่กว่า Pollack เสียอีก คุณจะบอกว่าสิ่งนี้เป็นไปไม่ได้ - ฉันแค่บอกว่าพอลแล็คไม่สามารถวาดได้ อาจจะ! ภาพวาดของ Pollack อย่างน้อยก็มีลักษณะคล้ายกับวอลเปเปอร์ที่วุ่นวาย ในขณะที่ Rothko เป็นเพียงภาพวาดบนผืนผ้าใบ สีที่ต่างกัน- เช่น ด้านบนเป็นสีดำ และด้านล่างเป็นสีเทา หรือ “ผลงานที่โดดเด่น” ยิ่งกว่านั้น - ด้านล่างเป็นสีแดงเข้ม ด้านบนเป็นสีเหลืองเข้ม และตรงกลางเป็นสีขาว

ภาพวาดนี้มีชื่อว่า "White Center" และซื้อที่ Sotheby's ในปี 2550 ในราคา 72.8 ล้านดอลลาร์ - เกือบ 73 ล้านผืนผ้าใบเสียหายจากสี! และนี่คืออันดับที่ 12 ในรายชื่อภาพวาดที่แพงที่สุดในโลก! แต่ภาพวาดที่แพงที่สุดในโลกในปัจจุบัน (2010) เป็นของ Jackson Pollack และถูกเรียกว่า "หมายเลข 5" - ขายในปี 2549 ที่ Sotheby's ในราคา 140 ล้านดอลลาร์! โลกตะวันตกไม่เพียงแต่เต็มไปด้วยศิลปินที่คลั่งไคล้เท่านั้น แต่ยังมีเศรษฐีที่คลั่งไคล้อีกมากมาย อย่างไรก็ตาม คนธรรมดาในโลกตะวันตกก็ไม่ค่อยมีสุขภาพที่ดีเช่นกัน - ในการสำรวจความคิดเห็นของหนังสือพิมพ์ Times พอลแล็คได้อันดับที่ 7 ในบรรดาศิลปินที่ได้รับความนิยมมากที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20

อย่างที่พวกเขากล่าวว่า “คู่แข่งชั่วนิรันดร์” วิลเลม เดอ คูนนิ่ง มาอยู่ในอันดับที่ 9 ในแบบสำรวจนี้ ฉันจะเรียกเขาว่าคนที่สนุกที่สุดในบรรดามัฟฟินทั้งหมด ภาพวาดที่แพงที่สุดโดย Kooning “Woman No. 3” (ซื้อในปี 2549 ในราคา 137.5 ล้านเหรียญสหรัฐ!) จากใครก็ตาม คนที่มีสุขภาพดีจะทำให้เกิดเสียงหัวเราะพอดี ที่ตลกกว่านั้นคือ "ผู้หญิงกับจักรยาน"

ฉันคิดว่าวิลเล็มมีปัญหากับผู้หญิง ดังนั้นเขาจึงแก้แค้นพวกเธอด้วยวิธีที่ซับซ้อน

จากตัวอย่างของ Pollack, Kooning และ Rothko เราจะเห็นได้อย่างชัดเจนว่าตลาดศิลปะมาถึงทุกวันนี้อย่างไร หากครุสชอฟยังมีชีวิตอยู่เขาคงจะพูดว่า: ทำลาให้เต็มที่!

ขอบคุณ พลังวิเศษปู่ความสัมพันธ์แบบบลิค รอยเขียนของบุคคลที่วิกลจริตทางจิตบางคนได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานจิตรกรรมที่โดดเด่นและจัดอยู่ในระดับเดียวกับภาพวาดของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เป็นครั้งแรกที่พลังของการประชาสัมพันธ์แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในการส่งเสริมคนโง่ ก่อนศตวรรษที่ 19ประชาสัมพันธ์ ดำเนินการอย่างมีประสิทธิผลเฉพาะในการเมืองเท่านั้น (ประวัติศาสตร์และศาสนายังมีวัตถุประสงค์ทางการเมืองและไม่สามารถแยกออกจากการเมืองได้) ในกรณีที่มีการประกาศไอ้สารเลวปานกลาง ศิลปินที่ยอดเยี่ยมเราพบกับปรากฏการณ์เมื่อประชาสัมพันธ์ พิสูจน์ตัวเองแล้วในวงการแฟชั่น และมันก็มีประสิทธิภาพและยั่งยืนมากจนกระทั่งตอนนี้ กว่าหนึ่งศตวรรษหลังจากการที่คนโรคจิตธรรมดา ๆ กลายเป็นกระแสนิยม เราก็ได้พบกับผู้คนมากมายที่เชื่ออย่างจริงใจว่าแวนโก๊ะคือ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่. คนนับล้านยังรู้ว่าแวนโก๊ะคือใคร ไม่มีรองเท้าไม่มีส้นที่ร่ำรวยหลายร้อยตัว ใครจะรู้ว่าที่ไหนใช้จ่ายเงินซื้อป้ายแฟชั่นในการประมูล คนอื่น ๆ ได้ยินเกี่ยวกับการซื้อ daub มูลค่าหลายล้านดอลลาร์แล้วก็อีกเรื่องหนึ่ง พวกเขาไม่สามารถจ่ายเงิน 30 ล้านดอลลาร์สำหรับอุจจาระที่ชัดเจนได้ใช่ไหม - นี่คือวิธีที่คนทั่วไปคิด - ทำได้ ทำได้... สิ่งสำคัญคือมันเป็นแฟชั่น