Yabancı ülkelerin müzik edebiyatı, bölüm 2. T

Müzik Kütüphanesi İlginizi çeken materyalleri müzik kütüphanemizde bulup indirmenize sevindik. Kütüphane sürekli olarak yeni eserler ve materyallerle güncellenir ve bir dahaki sefere kesinlikle sizin için yeni ve ilginç bir şeyler bulacaksınız. Projenin kütüphanesi, müfredat bazında tamamlanırken, öğrencilerin ufkunu genişletmek ve öğretmek için önerilen materyaller de tamamlanmaktadır. Hem öğrenciler hem de öğretmenler burada yararlı bilgiler bulacaktır. kütüphane ayrıca metodolojik literatür sunar. Evcil hayvanlarımız Besteciler ve icracılar Çağdaş sanatçılar Burada ayrıca önde gelen sanatçıların, bestecilerin, ünlü müzisyenlerin biyografilerini ve eserlerini bulacaksınız. Çalışma bölümünde, öğrenmenize yardımcı olacak performansların kayıtlarını yayınlıyoruz, bu çalışmanın nasıl ses çıkardığını, işin aksanlarını ve nüanslarını duyacaksınız. classON.ru'da sizi bekliyoruz. V.N. Rusya'da eğitim Onun hakkında bilgi MÖ 10. yüzyıldan itibaren giderek daha fazla miktarda bulunur. Görsel sanatlar gelişiyor - ve sanatçılar dini ayinlere, askeri seferlere, avlanmaya, ciddi alaylara, şarkı söyleyerek ve enstrüman çalarak danslara eşlik eden müzisyenleri tasvir ediyor. Bu tür görüntüler, özellikle tapınakların duvarlarında ve kazılar sırasında bulunan seramik vazolarda korunmuştur. Yazı belirir - ve el yazmalarının yazarları bunlara şiirsel şarkı ve ilahi metinleri ekler, müzik hayatı hakkında ilginç bilgiler sağlar. Zamanla yazarlar, müzik hakkındaki felsefi tartışmalara, eğitimsel rolü de dahil olmak üzere önemli sosyal rolüne ve dilinin unsurlarının teorik çalışmasına çok dikkat ederler. Bu bilgilerin çoğu, Antik Dünyanın bazı ülkelerinde, örneğin Eski Çin'de, Eski Hindistan'da müzikle ilgili olarak korunmuştur. Antik Mısır, özellikle sözde antik ülkelerde çok şey var - Avrupa kültürünün temellerinin atıldığı Antik Yunanistan ve Antik Roma2. Antik çağlardan J.S. Bach'a giriş Müziği Sevgili çocuklar! Geçen yıl zaten müzik edebiyatı dersleri aldınız. Müzik dilinin temel öğelerini, bazı müzik formlarını ve türlerini, müziğin ifade ve görsel olanaklarını ve orkestrayı tartıştılar. Aynı zamanda, çeşitli çağlar hakkında - ya antik çağ ya da modernite hakkında ya da bizden daha az ya da daha uzak yüzyıllara geri dönüş hakkında özgürce sohbet edildi. Ve şimdi müzik edebiyatını kronolojik olarak sıralı - tarihsel - sırayla1 tanımanın zamanı geldi. Antik Yunanistan'da Müzik Hakkında Antik Dünyanın müziği hakkında nasıl bilgi edindik? Spor Dalları - Olimpiyat Oyunları. Ve iki yüzyıl sonra, orada müzik yarışmaları yapılmaya başlandı - modern yarışmaların uzak ataları sayılabilecek Pythian Oyunları. Pythian oyunları, sanatın hamisi, güneş ve ışık tanrısı Apollon'un onuruna inşa edilen tapınakta yapılırdı. Efsaneye göre, canavarca yılan Python'u yenerek bu oyunları kendisi kurdu. Bir zamanlar Argoslu Sakkad tarafından obuaya yakın bir üflemeli çalgı olan aulos üzerinde çalan, Apollon'un Python ile mücadelesini konu alan bir program piyesini çaldığı bilinmektedir.Antik Yunan müziği için şiirle karakteristik bir bağlantı vardı, dans, tiyatro. Efsanevi şair Homer'e atfedilen kahramanlık destanı şiirleri "İlyada" ve "Odysseia" tekdüze bir sesle söylendi. Şarkıcılar genellikle, mitolojik Orpheus gibi, hem şiirsel metnin hem de müziğin yazarlarıydı ve kendilerine lirle eşlik ediyorlardı. Şenliklerde pantomimik hareketlerle koro halinde dans şarkıları seslendirildi. Antik Yunan trajedilerinde ve komedilerinde koroya büyük bir rol verildi: eylem hakkında yorum yaptı, tavrını ifade etti.Arkeologlar kazı yaparken en basit müzik aletlerini (örneğin, üflemeli çalgılar - delinmiş hayvan kemikleri) buldular ve belirlediler yaklaşık kırk bin yıl önce yapıldığını. Sonuç olarak, müzik sanatı o zamanlar zaten vardı. 1877'de sesin mekanik olarak kaydedilmesi ve çoğaltılması için ilk cihaz olan fonograf icat edildikten sonra, müzisyenler-araştırmacılar dünyanın bazı kabilelerin hala ilkel bir yaşam tarzına sahip olduğu köşelerine seyahat etmeye başladılar. Bu tür kabilelerin temsilcilerinden, bir fonograf yardımıyla şarkı ve enstrümantal melodi örnekleri kaydettiler. Ancak bu tür kayıtlar, elbette, o eski zamanlarda müziğin nasıl olduğu hakkında yalnızca yaklaşık bir fikir verir. "Kronoloji" kelimesi ("tarihsel olayların zaman içindeki sırası" anlamına gelir) iki Yunanca kelimeden gelir - "kronos" ("zaman") ve "logos" ("doktrin"). 1 Latince "antiguus" kelimesi "eski" anlamına gelir. Ondan türetilen “antik” terimi, Antik Yunan ve Antik Roma'nın tarihini ve kültürünü ifade eder. 2 2 www.classON.ru Rus sanatı alanında kahramanların eylemlerine dayalı çocuk eğitimi. Modern müzikologlar, antik dünyadaki müzik hakkında bazı bilgilere sahipler ve yine de diğer sanat tarihçilerini kıskanıyorlar. Antik mimarinin çok sayıda muhteşem anıtı için, antik güzel sanatlar, özellikle heykel korunmuş, büyük antik oyun yazarları tarafından trajedi ve komedi metinleri içeren birçok el yazması bulunmuştur. Ancak aynı dönemde ve hatta çok daha sonra yaratılan müzik eserleri bizim için esasen bilinmiyor. Neden böyle oldu? Gerçek şu ki, müzik öğrenmeye yeni başladığınızda her birinizin ustalaştığı, yeterince doğru ve kullanışlı bir müzik nota sistemi (notasyon) icat etmenin çok zor bir görev olduğu ortaya çıktı. Bunu çözmek yüzyıllar aldı. Doğru, eski Yunanlılar harf gösterimini icat etti. Müzik makamlarının basamaklarını alfabenin belirli harfleriyle belirlediler. Ancak ritmik işaretler (tirelerden) her zaman eklenmedi. Ancak MS 19. yüzyılın ortalarında, bilim adamları nihayet bu notasyonun sırlarını çözdüler. Bununla birlikte, eski Yunan müzik el yazmalarındaki seslerin yükseklik oranını tam olarak deşifre edebilseler, süredeki oran sadece yaklaşıktır. Dahası, bu tür çok az el yazması bulundu ve bunlar yalnızca birkaç tek sesli eserin (örneğin ilahiler) ve daha sıklıkla - bunların parçalarının kayıtlarını içeriyor. yeterli görünürlük Bu nedenle, müzisyenler uzun süredir yardımcı ipucu simgelerini kullanmışlardır. Bu simgeler, ilahilerin sözlerinin üzerine yerleştirildi ve tek tek sesleri veya bunların küçük gruplarını gösterdi. Seslerin tam oranını ne yükseklik ne de süre olarak belirtmediler. Ancak yazıtlarıyla, icracılara ezbere bilen ve bir nesilden diğerine aktaran melodi hareketinin yönünü hatırlattılar. Müziği bu ders kitabında daha sonra tartışılacak olan Batı ve Orta Avrupa ülkelerinde bu tür ikonlara neumes adı verildi. Neumes, eski Katolik ayinle ilgili ilahileri - Gregoryen ilahisini kaydetmek için kullanıldı. Bu ortak ad, Papa I3. Gregory'nin adından türetilmiştir. Efsaneye göre 6. yüzyılın sonunda bu tek sesli ilahilerin ana koleksiyonunu derledi. Kilise ayininde sadece erkekler ve erkekler tarafından - koro tarafından solo ve uyum içinde - icra edilmesi amaçlanan bunlar Latince dua metinleriyle yazılır. Ancak 11. yüzyılda İtalyan keşiş Guido d'Arezzo ("Arezzo'dan") yeni bir notasyon yöntemi icat etti. Manastırda çocuklara şarkı söylemeyi öğretti ve ruhani ilahileri ezberlemelerinin daha kolay olmasını istedi. O zamana kadar, neumes yatay bir çizgi üzerine, üstüne ve altına yerleştirilmeye başlandı.Bu çizgi belirli bir sese karşılık geldi ve böylece kaydın yaklaşık perde seviyesini belirledi.Ve Guido, aynı anda dört paralel çizgi çizme fikrini buldu. (“cetveller”) birbirinden aynı uzaklıkta olacak ve üzerlerine ve aralarına neumlar yerleştirilecektir. Modern müzik ekibinin atası böyle ortaya çıktı - seslerin yükseklik oranını tonlar ve yarı tonlarla doğru bir şekilde belirtmeyi mümkün kılan bir tür katı çizgili tuval. Ve aynı zamanda, müzik notaları daha görsel hale geldi - bir melodinin hareketini, kıvrımlarını gösteren bir çizim gibi. Cetvellere karşılık gelen sesleri Guido, Latin alfabesinin harflerini belirledi. Yazıtları daha sonra değişmeye başladı ve sonunda anahtar adı verilen işaretlere dönüştü. Ve cetvellerin üzerinde ve aralarında "oturan" neumlar, sonunda kafaların önce kare şeklinde olduğu ayrı notalara dönüştü. Sorular ve görevler 1 . Bilim adamlarına göre en eski müzik aletleri ne zaman yapıldı? Ne diyor? 2. Fonograf nedir, ne zaman icat edildi ve araştırmacılar onu nasıl kullanmaya başladı? 3. Antik Dünyanın hangi ülkelerinin müziği hakkında en fazla bilgi korunmuştur? Haritada belirleyin - bu tür üç ülkenin hangi deniz çevresinde bulunduğunu. 4. Eski müzik yarışmaları - Pythian Oyunları - ne zaman ve nerede yapılmaya başlandı? 5. Antik Yunanistan'da müzik hangi sanatlarla yakından ilişkiliydi? 6. Eski Yunanlılar hangi notasyonu icat ettiler? Hangi açıdan yanlış? "Roma'nın Papası" unvanı, uluslararası bir ruhani örgüt olarak Katolik Kilisesi'ne başkanlık eden bir din adamına aittir. Katoliklik, Ortodoksluk ve Protestanlık ile birlikte Hıristiyan inançlarından biridir. 4 Eski Romalılar Latince konuşurdu. 476'da Roma İmparatorluğu'nun yıkılmasından sonra Latince yavaş yavaş konuşulmayı bıraktı. Ondan sözde Roman dilleri geldi - İtalyanca, Fransızca, İspanyolca, Portekizce. 3 Orta Çağ'da (bu çağın başlangıcı) uygun gösterim nasıl oluşturuldu? tarihi dönem MS 6. yüzyılı düşünün) harf notasyonu neredeyse unutulmuştu. 3 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Yeni bir gösterim yöntemiyle ilgili söylentiler - tıpkı bir tür mucize gibi - Papa XIX. John'a ulaştı. Guido'yu yanına çağırdı ve uydurma bir kayda göre bilmediği bir melodiyi söyledi. Gelecekte, paralel yöneticilerin sayısı birçok kez değiştirildi, oldu - hatta on sekize yükseldi. Mevcut beş hatlı personel ancak 17. yüzyılın sonunda "kazandı". Birçok farklı anahtar da kullanıldı. Tiz ve bas nota anahtarları ancak 19. yüzyılda en yaygın hale geldi. Guido d'Arezzo'nun icadından sonra, uzun bir süre başka bir zor görev çözüldü - seslerin tam oranını yalnızca yükseklik olarak değil, aynı zamanda süre olarak da gösterecek şekilde notasyonun nasıl iyileştirileceği.Bir süre sonra düşündüler. bunun için farklı şekillerde müzik işaretleri kullanmak. buna ilk başta birçok geleneksel kural eklendi, bu da pratikte uygulanmasını zorlaştırdı ve birkaç yüzyıl boyunca, kademeli olarak daha uygun bir notasyon geliştirildi - tam olarak devam ettiğimiz notasyon şimdi kullanmak için. 17. yüzyılın başlangıcından sonra, sadece ayrıntılarda geliştirildi ve uzun süredir aranan ritmik ilkesi, şimdi en basiti gibi görünüyor. süre her zaman iki yarıya eşittir - stil olarak farklı, bir yarım - iki çeyrek, bir çeyrek - iki sekizde bir vb. çubuk çizgisi 16. yüzyılda çubukları ayırmaya başladı ve boyut 16. yüzyılda müzik notaları 17. yüzyıldan itibaren hatasız olarak belirtildi. Bununla birlikte, o zamanlar zaten sadece müzik el yazmaları değil, aynı zamanda basılı notlar da vardı. Müzik için matbaacılık, matbaanın icadından kısa bir süre sonra - 15. yüzyılın sonlarına doğru - başladı. Antik dünyada ve Orta Çağ'da uzun süre müzik, kural olarak tek sesliydi. Sadece birkaç küçük istisna vardı. Örneğin, bir şarkıcı bir enstrüman çalarken bir şarkıyı seslendirdi ve ona dublaj yaptı (yani aynı anda çaldı). Aynı zamanda ses ve enstrüman bazen biraz dağılabilir, birbirinden sapabilir ve kısa süre sonra tekrar yakınsayabilir. Böylece, tek sesli bir ses akışında, iki sesli "adalar" ortaya çıktı ve kayboldu. Ancak çağımızın 1. ve 2. binyıllarının başında, çoksesli ambar istikrarlı bir şekilde gelişmeye başladı ve daha sonra profesyonel müzik sanatında baskın hale geldi. Bu karmaşık ve uzun oluşum, esas olarak Katolik kilise müziği alanına odaklandı. Dava, aşağıdaki tekniğin (kim tarafından - bilinmiyor) icadıyla başladı. Bir şarkıcı (veya birkaç şarkıcı) ana sesi seslendirdi - Gregoryen ilahisinin yavaş ve pürüzsüz bir melodisi. Ve ikinci ses kesinlikle paralel olarak hareket etti - tamamen aynı ritimde, yalnızca her zaman bir oktav, bir litre veya bir beşli mesafede. Şimdi kulağımıza çok kötü, “boş” geliyor. Ancak bin yıl önce, bir kilisenin, bir katedralin kemerleri altında yankılanan, hayranlık uyandıran ve sevinen böyle bir şarkı, müzik için yeni ifade olanakları açtı. Bir süre sonra, kilise müzisyenleri, ikinci bir sesi yönetmek için daha esnek ve çeşitli yöntemler aramaya başladılar. Ve sonra üç, dört sesi, daha sonra bazen daha da fazla sesi giderek daha ustaca birleştirmeye başladılar. Sorular ve görevler 1 . Pratik harf notasyonunda sakıncalı olan neydi? 2. Neumes ortaçağ korolarına ne önerdi? 3. Gregoryen ilahisi nedir ve neden buna denir? 4. Guido d'Arezzo'nun icadının özünü açıklayın 5. Guido'nun icadından sonra çözülmesi gereken bir sonraki görev neydi? 6. Nota ne zamandan beri önemli ölçüde değişmedi? Kilise müzisyeni Perotyn. O şarkı söylemenin seçkin bir temsilcisiydi. sanat - Paris "Notre Dame Okulu" ("Meryem Ana Okulu"). Perotin'in ilahileri olağanüstü güzellikteki bir binada geliyordu. Bu, Fransızlar tarafından tanımlanan, ortaçağ Gotik mimarisinin ünlü bir anıtıdır. 19. yazar yüzyılın ünlü romanı Notre Dame Katedrali'nde Victor Hugo tarafından. Müzikte polifoni nasıl gelişmeye başladı Böylece polifoni gelişmeye başladı. Yunancadan tercüme edilen bu kelime “çok seslilik” anlamına gelir. Ancak polifoni, yalnızca iki veya daha fazla eşit sesin aynı anda ses çıkardığı ve her birinin kendi bağımsız melodik çizgisine sahip olduğu bu tür çok seslilik olarak adlandırılır. Bir ses ana melodiyi yönetiyorsa, diğerleri ona bağlıyken (eşlik edin, eşlik edin), o zaman bu homofonidir - diğeri Notasyonun gelişmesi sayesinde, özellikle 13. yüzyıldan itibaren müzik el yazmaları daha fazla olmaya başladı. ve daha doğru bir şekilde deşifre edildi. Bu, sadece müzik kültürü hakkında bilgi sahibi olmayı değil, aynı zamanda geçmiş dönemlerin müziğini de tanımayı mümkün kıldı. Notasyondaki başarıların polifoninin gelişiminin başlangıcına denk gelmesi tesadüf değildi - dönüm noktası müzik sanatı tarihinde. 4 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Mass, önemli bir müzik türü haline geldi. Ordinary Mass 5, adanmışlık Latince metinlerine altı ana ilahi içerir. Bunlar “Kiriyo Eleison” (“Tanrım, merhamet et”), “Gloria” (“Glory”), “Credo” (“İnanıyorum”), “Sanctus” (“Kutsal”), “Benedictus” (“Kutsanmış”) ) ve “ Agnus Dei" ("Tanrı'nın Kuzusu"). Başlangıçta, Gregoryen ilahisi kitleler halinde tek bir sesle geliyordu. Ancak yaklaşık 15. yüzyılda, kütle karmaşık polifonik parçalardan oluşan bir döngüye dönüştü 6. Aynı zamanda taklitler çok ustaca kullanılmaya başlandı. Latince'den tercüme edilen "imitatio", "taklit" anlamına gelir. Müzikte bazen müzik dışı sesler taklit edilebilir, örneğin bülbülün titremesi, guguk kuşunun sesi, deniz dalgalarının sesi. Daha sonra onomatopoeia veya onomatopeia denir. Ve müzikte taklit, bir sesle biten bir melodiden sonra, başka bir sesin onu başka bir sesten tam olarak (veya tam olarak doğru olmayan bir şekilde) tekrarladığı bir tekniktir. Diğer sesler daha sonra aynı şekilde girebilir. Homofonik müzikte taklitler kısaca görünebilir. Ve çok sesli müzikte bu, ana geliştirme yöntemlerinden biridir. Melodik hareketin neredeyse sürekli olmasına yardımcı olur: tüm seslerde aynı anda duraklamalar ve kadanslar çok sesli müzikte yalnızca nadir istisnalar biçiminde ortaya çıkar7. Taklidi diğer polifonik araçlarla birleştiren besteciler, kitlelerini dört veya beş sesin karmaşık bir ses dokusunda iç içe geçtiği büyük koro eserlerine dönüştürdüler. İçinde, Gregoryen ilahisinin melodisini ayırt etmek zaten zor ve dua sözlerini duymak da bir o kadar zor. Popüler seküler şarkıların melodilerinin ana melodi olarak kullanıldığı kitleler bile vardı. Bu durum en yüksek Katolik ruhani yetkilileri endişelendirdi. 16. yüzyılın ortalarında, kilise ayinleri sırasında çok sesli şarkı söylemeyi genel olarak yasaklayacaktı. Ancak neredeyse tüm hayatını Roma'da geçiren ve papalık mahkemesine yakın olan (kendisi) olağanüstü İtalyan besteci Palestrina sayesinde böyle bir yasak gerçekleşmedi. Ad Soyad- Giovanni Pierluigi da Palestrina, yani "Palestrina'dan" - Roma yakınlarındaki küçük bir kasaba). Palestrina, kitleleriyle (ve yüzden fazla yazdı), polifoni görünümünü başardı. Eşliğin akor-harmonik bir temeli olduğu için, müzikal sunumun homofonik deposuna homofonik-harmonik de denir. Sorular ve görevler 1 . Ne zamandan beri müzik el yazmaları giderek daha doğru bir şekilde deşifre edildi? 2. Notalamanın başarısı, müzik sanatı tarihindeki hangi önemli yeni aşamayla çakıştı? 3. Çok seslilik ne zaman, hangi müzikte ve hangi ezgiler temelinde yavaş yavaş oluştu? 4. Paralel iki ses neydi? Birkaç paralel dörtlü, beşli ve oktavları birlikte söyleyin. 5. Polifoni ve homofoni arasındaki fark nedir? Çokseslilik nasıl gelişmeye devam etti? Çokseslilik kilise şarkılarında gelişmeye başlarken, dünyevi müzik monotonluk hakim olmaya devam etti. Örneğin, 12.-14. yüzyıllarda ortaçağ şairleri-şarkıcılar tarafından bestelenen ve seslendirilen tek sesli şarkıların birçok kaydı deşifre edildi. Fransa'nın güneyinde, Provence'ta, ozanlar, Fransa'nın kuzeyinde - trouvers, Almanya'da - minnesingers olarak adlandırıldılar. Birçoğu ünlü şövalyelerdi ve şarkılarında taptıkları "güzel bayanın" güzelliğini ve erdemini sık sık söylüyorlardı. Bu şair-şarkıcıların şarkılarının melodileri, dans şarkıları da dahil olmak üzere genellikle halk ezgilerine yakındı ve ritim, şiirsel metnin ritmine tabi tutuldu. Daha sonra, XIV-XVI yüzyıllarda, zanaatkarlar arasından Alman şair-şarkıcılar atölyelerde birleşerek kendilerine Meistersingers ("usta şarkıcılar") adını verdiler. Kilise çoksesliliği ve seküler şarkı monofonisi birbirinden izole olmadı. ruhani ilahilere Gregoryen ilahisine eklenen sesler, seküler şarkıların etkisi (örneğin, ozanların ve ozanların şarkıları) fark edilir hale geldi.Aynı zamanda, 13. yüzyılın sonunda, Fransa'da tamamen laik çok sesli eserler ortaya çıktı. tüm seslerin partilerinin bir şarkı karakterinin melodilerine dayandığı ve metinlerin Latince değil Fransızca bestelendiği yer.Zamanla Katolik kilise müziğinde hala kilise tatillerine adanmış özel ayinler var. döngü, ortak bir fikirle birleştirilen birkaç ayrı parçanın (veya parçanın) bir çalışmasıdır. ayinle ilgili metinler açıkça duyulabilir. Palestrina'nın müziği, sözde katı tarzın antik koro polifonisinin zirvelerinden biridir. Bizi aydınlanmış yüce tefekkür dünyasına götürür - sanki eşit, sakinleştirici bir ışıltı yayar. şairler, müzisyenler, bilim adamları ve sanatseverler. Eşlikli yeni bir tür etkileyici solo şarkı yaratma ve onu birleştirme fikrine kapıldılar. tiyatro eylemi. Olay örgüsü antik mitolojiden alınan ilk operalar böyle doğdu. İlki, besteci Jacopo Peri (Y. Kore ile birlikte) ve şair O. Rinuccini'nin bestelediği “Daphne”. 1597'de Floransa'da yapıldı (bir bütün olarak eser korunmadı). Antik Yunan mitolojisinde Daphne, nehir tanrısı Ladon ile yeryüzü tanrıçası Gaia'nın kızıdır. Apollon'un zulmünden kaçarak, tanrılara yardım etmesi için dua etti ve Apollon'un kutsal ağacı olan bir defne ağacına (Yunanca "daphne" - "defne") dönüştü. Apollo, sanatın koruyucu tanrısı olarak kabul edildiğinden, Pythian Oyunlarının galipleri, kurucusu Apollon olarak kabul edilen bir defne çelengi ile taçlandırılmaya başlandı. Defne çelengi ve ayrı bir defne dalı zafer, şan ve mükafat sembolleri haline geldi. 1600'de bestelenen diğer iki opera (biri J. Peri'ye, ikincisi G. Caccini'ye ait), her ikisi de aynı dili kullandıkları için "Eurydice" olarak adlandırılır. şiirsel metin, efsanevi şarkıcı Orpheus'un antik Yunan efsanesine dayanmaktadır. İlk İtalyan operaları soyluların saraylarında ve evlerinde sahnelendi. Orkestra birkaç eski enstrümandan oluşuyordu. Cembalo (klavsenin İtalyanca adı) çalan bir müzisyen tarafından yönetiliyordu. Henüz bir uvertür yoktu ve performansın başlangıcı trompet tantanalarıyla müjdelendi. Ve vokal kısımlarda, müzikal gelişimin şiirsel metne tabi olduğu anlatım galip geldi. Ancak kısa süre sonra müzik, operalarda giderek daha bağımsız ve önemli bir önem kazanmaya başladı. Bu, ilk seçkin opera bestecisi Claudio Monteverdi'nin esasıdır. İlk operası - "Orpheus" - 1607'de Mantua'da sahnelendi. Kahramanı yine aynı efsanevi şarkıcı Tanrısı Hades'i yatıştıran yeraltı dünyası öldü ve Orpheus'un sevgili karısı Eurydice'i yeryüzüne saldı. Ancak Hades'in durumu - krallığından ayrılmadan önce, Eurydice'e asla bakma - Orpheus onu ihlal etti ve onu tekrar sonsuza dek kaybetti. Monteverdi'nin müziği, bu hüzünlü hikayeye benzeri görülmemiş lirik ve dramatik bir ifade kazandırdı. Monteverdi'nin Orpheus'unda vokal bölümler, korolar, orkestra bölümleri doğası gereği çok daha çeşitli hale geldi. Bu eserde, İtalyan opera müziğinin en önemli ayırt edici özelliği olan melodik bir ariyo tarzı şekillenmeye başladı. Floransa örneğini takiben, operalar sadece Mantua'da değil, aynı zamanda Roma, Venedik ve Napoli gibi İtalyan şehirlerinde de bestelenmeye ve icra edilmeye başlandı. Diğer Avrupa ülkelerinde yeni türe ilgi artmaya başladı ve bunların Soruları ve Görevleri 1 . Troubadour, trouver, minnesinger ve mastersinger kimlerdir? 2. Eski kilise polifonisi ile dünyevi şarkı melodileri arasında bir bağlantı var mı? 3. Sıradan bir kütlenin ana kısımlarını adlandırın. 4. Müzikte yansımaya örnekler veriniz. 5. Müzikte taklit nedir? 6. Palestrina kitlelerinde neyi başarmayı başardı? Operanın doğuşu. Oratoryo ve kantata 17. yüzyılın başlangıcından hemen önce - Yeni Çağ olarak adlandırılan tarihi dönemin ilk yüzyılı - müzik sanatında son derece önemli bir olay yaşandı: opera İtalya'da doğdu. Müzik, eski zamanlardan beri çeşitli tiyatro gösterilerinde kullanılmıştır. Bunlarda enstrümantal ve koro sayılarının yanı sıra şarkı gibi bireysel vokal sololar da icra edilebiliyordu. Ve operada şarkıcılar ve şarkıcılar oyuncu ve aktris oldu. Orkestra eşliğindeki şarkıları, sahne aksiyonu ile birlikte performansın ana içeriğini aktarmaya başladı. Sahne, kostümler ve genellikle danslar - bale ile tamamlanır. Böylece operada müzik, farklı sanatların yakın topluluğuna öncülük etmiştir. Bu onun için harika yeni sanatsal olanaklar açtı. Opera şarkıcıları, hem neşeli hem de kederli insanların kişisel duygusal deneyimlerini benzeri görülmemiş bir güçle aktarmaya başladı. Aynı zamanda, operadaki en önemli ifade aracı, solo şarkı sesinin orkestra eşliğinde homofonik kombinasyonuydu. Ve eğer 17. yüzyıla kadar Batı Avrupa'da profesyonel müzik esas olarak kilisede geliştiyse ve kitle en büyük türse, o zaman müzikal tiyatro ana merkez haline geldi ve en büyük tür operaydı. 16. yüzyılın sonunda İtalya'nın Floransa kentinde, 6. daire www.classON.ru Rusya'da sanat alanında çocuk eğitimi topladı, hükümdarlar İtalyan müzisyenleri mahkeme hizmetlerine davet etmeyi bir gelenek haline getirdiler. Bu, İtalyan müziğinin uzun süre Avrupa'da en etkili hale gelmesine katkıda bulundu. Fransa'da, 17. yüzyılda, İtalyan operasından farklı olarak kendi ulusal operası ortaya çıktı. Kurucusu - Jean-Baptiste L yul l ve - doğuştan İtalyan. Yine de, Fransız kültürünün özelliklerini doğru bir şekilde hissetti ve bir tür Fransız opera tarzı yarattı. Lully'nin operalarında, bir yandan anlatımlar ve anlatım niteliğindeki küçük aryalar geniş bir yer tutarken, diğer yandan bale dansları, ciddi marşlar ve anıtsal korolar geniş bir yer tuttu. Mitolojik olay örgüleri, muhteşem kostümler, tiyatro makinelerinin yardımıyla büyülü mucizelerin tasviri ile birlikte tüm bunlar, Fransız kralı XIV.Louis döneminde saray yaşamının parlaklığına ve ihtişamına karşılık geldi. Almanya'daki ilk opera Daphne (1627), Bach öncesi dönemin en büyük Alman bestecisi Heinrich Schüttz tarafından yaratıldı. Ancak müziği hayatta kalamadı. Ve ülkede opera türünün gelişmesi için hiçbir koşul yoktu: gerçekten ancak 19. yüzyılın başlamasıyla şekillendiler. Ve Schutz'un çalışmasında, manevi metinler üzerine anlamlı vokal-enstrümantal besteler ana yeri işgal etti. 1689'da, olağanüstü yetenekli besteci Henry Purcell'in ilk İngiliz operası Dido ve Aeneas Londra'da sahnelendi. Bu operanın müziği, içten sözler, şiirsel fantezi ve renkli gündelik görüntülerle büyülüyor. Bununla birlikte, Purcell'in ölümünden sonra, neredeyse iki yüzyıl boyunca, İngiliz besteciler arasında seçkin bir müzik yaratıcısı yoktu. 16.-17. yüzyılların başında opera ile eş zamanlı olarak ve ayrıca İtalya'da hitabet ve kanta doğdu. Solistlerin, koronun ve orkestranın da performanslarına katılması ve ayrıca aryaları, resitatifleri seslendirmeleri bakımından operaya benzer. vokal toplulukları, korolar, orkestra bölümleri. Ancak operada olayların (olay örgüsünün) gelişimini yalnızca solistlerin şarkılarından değil, aynı zamanda yaptıklarından ve genellikle sahnede olup bitenlerden de öğreniyoruz. Ve oratoryo ve kantata sahne eylemi yoktur. Kostümsüz ve sahnesiz bir konser ortamında icra edilirler. Ancak, her zaman net olmasa da, oratoryo ve kantata arasında da bir fark vardır. Genellikle bir oratoryo, daha büyük boyutlu ve daha gelişmiş bir dini olay örgüsüne sahip bir eserdir. Genellikle epik-dramatik bir karaktere sahiptir. Bu bağlamda, şarkıcı-anlatıcının anlatısal anlatım kısmı oratoryoda sıklıkla yer alır. Özel bir ruhani oratoryo türü "tutku" veya "pasiftir" (Latince'den çevrilmiştir - "acı çekmek"). "Tutku", çarmıhta çarmıha gerilmiş İsa Mesih'in acı çekmesini ve ölümünü anlatır. 7 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Kantatlar, sözlü metnin içeriğine bağlı olarak manevi ve dünyevi olarak ayrılır. 17. yüzyılda ve 18. yüzyılın başında, İtalya'da birçok küçük oda kantatı ortaya çıktı. İki veya üç arya ile değişen iki veya üç ezberden oluşuyorlardı. Gelecekte, ağırlıklı olarak ciddi nitelikteki kantatlar yaygınlaştı. Manevi kantatlar ve çeşitli yapıların "tutkuları" en çok Almanya'da geliştirildi. aryalar ve virtüöz bir geçiş hareketini konuşlandırmak büyüleyici. Corelli ve Vivaldi'nin mirasında, üçlü sonat türüne ait geniş bir yer vardır. Üçlü sonatların çoğunda, iki ana bölüm kemanlar tarafından çalınır ve üçüncü bölüme bir klavsen veya org eşlik eder, bas sesi bir çello veya fagotla ikiye katlanır. Üçlü sonatın ardından, klavsen eşliğinde keman veya başka bir enstrüman için bir sonat ortaya çıktı. yanı sıra konçerto grosso - orkestra için bir konçerto (ilk teller). Bu türlerin pek çok eseri, eski bir sonat biçimiyle karakterize edilir. Genellikle yavaş-hızlı-yavaş-hızlı tempo oranına sahip dört parçalı bir döngüdür. Bir süre sonra, 18. yüzyılda Vivaldi, orkestra eşliğinde keman ve diğer bazı enstrümanlar için solo konçertolar bestelemeye başladı. Üç bölümden oluşan bir döngü vardı: "hızlı-yavaş-hızlı". Sorular ve görevler 1 . Opera nerede ve ne zaman doğdu? Operanın nasıl farklı olduğunu açıklayın tiyatro performansı Müzik ile. 2. Opera müziğindeki en önemli anlatım aracı nedir? 3. Claudio Monteverdi'nin ilk operasının adı nedir ve müziğinde hangi nitelikler kendini gösterir? 4. Bize eski Fransız operalarının özelliklerinden bahsedin. 5. Almanya'da yazılan ilk opera ile İngiltere'de yazılan ilk operayı adlandırın. 6. Oratoryo ile kantatanın operadan temel farkı nedir? 7. "Tutkular" ("pasif") nedir? Org, eski Mısır'da bile asırlık tarihine başladı. 17. yüzyıla gelindiğinde, geniş sanatsal olanaklara sahip çok karmaşık bir enstrüman haline geldi. Küçük organlar daha sonra özel evlerde bile bulunabilir. Eğitim seansları için kullanıldılar, türküler ve dansların ezgileri üzerine varyasyonlar çaldılar. Ve parıldayan sıra sıra boruları, oyulmuş ahşap gövdeleri olan büyük orglar, şimdi kiliselerde ve katedrallerde olduğu gibi ses çıkarıyordu. Günümüzde birçok konser salonunda da orglar bulunmaktadır. Modern organlarda, merdiven benzeri üst üste yerleştirilmiş birkaç bin boru ve yedi adede kadar klavye (kılavuz) vardır. Gruplara - kayıtlara ayrıldıkları için çok fazla kanal var. Kayıtlar, sesin farklı bir rengini (tını) elde etmek için özel kollarla açılır ve açılır. Organlar ayrıca bir pedal ile donatılmıştır. Bu, birçok büyük tuştan oluşan tam bir ayak klavyesidir. Orgcu ayaklarıyla bastırarak bas sesleri çıkarabilir ve ayrıca uzun süre sürdürebilir (bu tür sürekli seslere pedal veya org noktası da denir). Tını zenginliği açısından, mümkünse, en hafif pianissimo ile gök gürültülü fortissimo'yu karşılaştırmak için, organın müzik aletleri arasında eşi benzeri yoktur. 17. yüzyılda, organ sanatı Almanya'da özellikle yüksek bir çiçeklenme noktasına ulaştı. Diğer ülkelerde olduğu gibi, Alman kilise orgcuları hem besteci hem de icracıydı. Sadece manevi ilahilere eşlik etmekle kalmadılar, aynı zamanda solo da yaptılar. Bunların arasında, çalmalarıyla tüm insan kalabalığını kendine çeken birçok yetenekli virtüöz ve doğaçlamacı vardı. Aralarında en dikkat çekenlerden biri de Dietrich Buxtehude. Genç Johann Sebastian Bach, onun oyununu dinlemek için başka bir şehirden yürüyerek geldi. Buxtehude'nin çeşitli ve kapsamlı çalışmaları, zamanın ana org müziği türlerini temsil ediyor. Bir yandan bunlar 17. yüzyılın prelüdleri, fantezileri ve enstrümantal müziği, türleri ve biçimleridir.Uzun bir süre enstrüman çalmak, vokal eserlerde veya eşlik eden danslarda çoğu zaman seslerin bölümlerini ikiye katladı. Vokal bestelerin enstrümantal aranjmanları da dağıtıldı. Enstrümantal müziğin bağımsız gelişimi yalnızca 17. yüzyılda yoğunlaştı. Aynı zamanda ses polifonisinde gelişen sanatsal teknikler de gelişmeye devam etti. Şarkı ve dansa dayalı, homofonik bir ambarın unsurlarıyla zenginleştirildiler. Aynı zamanda, opera müziğinin etkileyici başarıları enstrümantal besteleri etkilemeye başladı. Keman, parlak virtüöz yetenekleriyle birlikte çok melodik bir sese sahiptir. Ve operanın doğum yeri olan İtalya'da keman müziği özellikle başarılı bir şekilde gelişmeye başladı. 17. yüzyılın sonunda Arcangelo Corelli'nin çalışmaları gelişti ve Antonio Vivaldi'nin yaratıcı faaliyeti başladı. Bu seçkin İtalyan besteciler, kemanın da katılımı ve başrolde oynadığı birçok saz eseri yaratmışlardır. Onlarda keman, bir operadaki insan sesi kadar anlamlı bir şekilde şarkı söyleyebilir. 8 www.classON.ru Rus sanatı toccatas alanında çocukların eğitimi. Bunlarda, polifonik bölümler, doğaçlama pasajlar ve akorlarla serbestçe değişir. Öte yandan, bunlar çok sesliliğin en karmaşık biçimi olan fügün ortaya çıkmasına neden olan daha katı inşa edilmiş parçalardır. Buxtehude ayrıca Protestan korosunun birçok organ uyarlamasını koral prelüdleri şeklinde yaptı. Gregoryen ilahilerinden farklı olarak bu, Latince değil, Almanca'daki ruhani ilahilerin genel adıdır. 16. yüzyılda, yeni bir Hıristiyan doktrini türü olan Protestanlığın Katoliklikten ayrılmasıyla ortaya çıktılar. Protestan ilahisinin melodik temeli Alman halk şarkılarıydı. 17. yüzyılda Protestan ilahisi, org desteğiyle tüm cemaatçiler tarafından koro tarafından icra edilmeye başlandı. Bunun için koro düzenlemeleriüst seste bir melodi bulunan tipik bir dört sesli akor deposu. Daha sonra böyle bir depo, enstrümantal bir eserde ortaya çıksa bile koro olarak adlandırıldı. Orgcular ayrıca telli klavyeli enstrümanlar da çaldılar ve onlar için besteler yaptılar. Bu çalgılara yönelik eserlerin ortak adı clavier music8'dir. Telli klavyeli çalgılarla ilgili ilk bilgiler 14-15. yüzyıllara kadar uzanmaktadır. 17. yüzyılda klavsen bunların en yaygını haline geldi. Bu yüzden Fransa'da, İtalya'da cembalo, Almanya'da - kielflugel, İngiltere'de - klavsen denir. Fransa'daki daha küçük enstrümanların adı epinet, İtalya'da - İngiltere'nin spinetleri - virginel. Klavsen, 18. yüzyılın ortalarından itibaren kullanılmaya başlanan piyanonun atasıdır. Klavsenin tuşlarına bastığınızda, çubukların üzerine monte edilmiş tüyler veya deri diller telleri sıkıştırıyormuş gibi görünür. Sarsıntılı, gürültülü ve aynı zamanda biraz hışırtı sesi çıkıyor. Klavsen üzerinde, sesin gücü tuşlara darbenin gücüne bağlı değildir. Bu nedenle, üzerinde kreşendo ve diminuendo yapmak imkansızdır - piyanonun aksine, bunun, tuşların tellere vuran çekiçlerle daha esnek bir şekilde bağlanması nedeniyle mümkün olduğu. Klavsen iki veya üç klavyeye ve sesin rengini değiştirmenize izin veren bir cihaza sahip olabilir. Başka bir küçük klavye enstrümanının sesi - klavsen - klavsen sesinden daha zayıftır. Ama öte yandan klavikorda daha melodik bir çalım mümkün çünkü telleri koparılmıyor, üzerlerine metal plakalar bastırılıyor. Antik çağın ana türlerinden biri klavsen müziği- aynı anahtarla yazılmış, formda tamamlanmış birkaç parçadan oluşan bir takım. Parçaların her birinde genellikle bir tür dansın hareketi kullanılır. Eski süitin temeli, her zaman tam olarak açıklığa kavuşturulmamış ulusal kökene sahip farklı dört danstır. Bunlar yavaş allemande (muhtemelen Almanya'dan), daha çevik çanlar (Fransa'dan), yavaş sarabande (İspanya'dan) ve hızlı gige (İrlanda veya İngiltere'den). 17. yüzyılın sonundan itibaren, Parisli klavsencilerin örneğini izleyerek süitler, minuet, gavotte, bourre ve passepied gibi Fransız danslarıyla desteklenmeye başlandı. Ana dansların arasına yerleştirildiler ve ara bölümler oluşturdular (Latince'de "integ", "arasında" anlamına gelir). Eski Fransız klavsen müziği zarafet, zarafet ve mordentler ve triller gibi çok sayıda küçük melodik süslemeyle ayırt edilir. Fransız klavsen stili, Büyük lakaplı François Couperin'in (1668 - 1733) çalışmasında gelişti. Yaklaşık iki buçuk yüz oyun yarattı ve bunları yirmi yedi süitte birleştirdi. Yavaş yavaş çeşitli program adlarına sahip oyunların egemenliğine girmeye başladılar. Çoğu zaman, bunlar kadınların minyatür klavsen portreleri gibidir - bazı karakter özelliklerinin, görünümün, tavrın iyi niyetli sesli eskizleri. Örneğin "Kasvetli", "Dokunaklı", "Çevik", "Dağınık", "Yaramaz" oyunları bunlardır. Büyük çağdaşı Johann Sebastian Bach, François Couperin'in eserleri de dahil olmak üzere Fransız klavsen müziğine büyük ilgi gösterdi. Sorular ve görevler 1 . şiddetlendiğinde bağımsız gelişme enstrümantal türler? 2. Arcangelo Corelli ve Antonio Vivaldi'nin en sevdiği enstrüman hangisidir? 3. Bize organın yapısından bahsedin. 4. Organ sanatı özellikle hangi ülkede gelişti? Protestan ilahisi nedir? 5. Bize klavsen cihazından bahsedin. Eski klavsen takımının ana bölümlerinde hangi dans hareketleri kullanılıyor? Bu nedenle, ders kitabının giriş bölümü, eski çağlardan beri müzik dünyasındaki bazı önemli olayları kısaca tanıtmaktadır. 18. ve 19. yüzyıllarda çalışmış büyük Batı Avrupalı ​​müzisyenlerin mirasını daha yakından tanımaya yardımcı olmak için tarihi bir "gezi" idi. Bir süredir clavier'e herkes için müzik deniyordu. klavye aletleri, klavye-üflemeli çalgı - org dahil. 8 9 www.classON.ru Rusya'da sanat alanında çocuk eğitimi Johann'ın yaşam yolu Rod, aile, çocukluk. Johann Sebastian Bach, 1685 yılında Orta Almanya'nın bölgelerinden biri olan Thüringen'de, ormanlarla çevrili küçük Eisenach kasabasında doğdu. Thüringen'de, iki büyük Avrupalı ​​güç grubunun çatıştığı Otuz Yıl Savaşlarının (1618-1648) ağır sonuçları hâlâ hissediliyordu. Bu yıkıcı savaş, Alman zanaatkarlığı ve köylü ortamıyla yakından ilişkili olan Johann Sebastian'ın atalarının başına geldi. Büyük-büyük-büyükbabası Veit adındaki fırıncıydı ama müziği o kadar çok seviyordu ki, un öğütülürken çaldığı değirmen gezilerinde bile mandoline benzer bir çalgı olan kanundan hiç ayrılmadı. Thüringen ve çevre bölgelere yerleşen torunları arasında o kadar çok müzisyen vardı ki, bu mesleği icra eden herkese orada "Bach" deniyordu. Bunlar kilise orgcuları, kemancılar, flütçüler, trompetçilerdi, bazıları besteci olarak yetenek gösterdi. Şehir belediyelerinin hizmetindeydiler ve Almanya'nın bölündüğü küçük beyliklerin ve düklüklerin yöneticilerinin mahkemelerinde bulunuyorlardı. Sebastian Bach 1685-1750 Doğumu üzerinden üç yüz yılı aşkın bir süre geçmiş olan bu büyük Alman bestecinin müziğinin kaderi inanılmazdır. Yaşamı boyunca, esas olarak bir orgcu ve müzik enstrümanları uzmanı olarak tanındı ve ölümünden sonra, birkaç on yıl boyunca neredeyse unutuldu. Ama sonra yavaş yavaş onun çalışmalarını yeniden keşfetmeye başladılar ve ona değerli bir sanatsal hazine, eşsiz bir beceri, derinlik ve insanlık içeriği açısından tükenmez bir şey olarak hayran olmaya başladılar. "Akarsu değil! "Adı deniz olmalı." Başka bir müzik dehası olan Bach hakkında böyle söylendi - Beethoven9. Bach, eserlerinin yalnızca çok küçük bir bölümünü yayınlamayı başardı. Şimdi binden fazla yayınlandı (birçoğu kayboldu). Bach'ın ilk tam eserleri, ölümünden yüz yıl sonra Almanya'da basılmaya başlandı ve kırk altı ciltlik cilt aldı. Ve en azından kabaca ne kadarının basıldığını ve ne kadarının basılmaya devam ettiğini sayın. Farklı ülkeler Bach'ın müziğinin bireysel sürümleri imkansızdır. Devam eden talep o kadar büyük ki. Çünkü geniş bir alanı kaplar ve şeref yeri sadece dünya konser repertuarında değil, aynı zamanda eğitici olanda da. Johann Sebastian Bach, kelimenin tam anlamıyla müzikle uğraşan herkesin öğretmeni olmaya devam ediyor. Ciddi ve katı bir öğretmendir, çok sesli eserler icra etme sanatında ustalaşmak için konsantre olmayı gerektirir. Ancak zorluklardan korkmayan ve ihtiyaçlarına çok dikkat eden kişi, katılığının arkasında, güzel ölümsüz yaratımlarıyla öğrettiği kalbin hikmetini ve nezaketini hissedecektir. Eisenach'ta JSBach'ın doğduğu ev 9 "Bach" Almanca'da "akarsu" anlamına gelir. 10 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocukların eğitimi Johann Sebastian'ın babası Eisenach'ta bir kemancı, şehir ve saray müzisyeniydi. En küçük oğluna müzik öğretmeye başladı ve onu bir kilise okuluna gönderdi. Güzel bir yüksek sese sahip olan çocuk, okul korosunda şarkı söyledi. On yaşındayken ailesi öldü. Komşu kasaba Ohrdruf'ta bir kilise orgcusu olan ağabey, yetime baktı. Küçük erkek kardeşini yerel liseye atadı ve ona org dersleri verdi. Daha sonra Johann Sebastian ayrıca klavsenci, kemancı ve viyolacı oldu. Ve çocukluğundan beri, çeşitli yazarların bestelerini yeniden yazarak müzik bestesinde kendi başına ustalaştı. Mehtaplı gecelerde özellikle ilgisini çeken bir müzik defterini ağabeyinden gizlice yeniden yazmak zorunda kaldı. Ancak uzun süren sıkı çalışma tamamlandığında bunu keşfetti, izinsiz hareketinden dolayı Johann Sebastian'a kızdı ve müsveddeyi ondan acımasızca aldı. Başlangıç bağımsız yaşam. Lüneburg. Johann Sebastian on beş yaşında kararlı bir adım attı - uzaktaki kuzey Almanya şehri Lüneburg'a taşındı ve burada manastır kilisesindeki okula burs sahibi olarak girdi. İÇİNDE okul kütüphanesi Alman müzisyenlerin eserlerinin çok sayıda el yazması ile tanışmayı başardı. Köy yollarından gittiği Lüneburg ve Hamburg'da yetenekli orgcuların icraları dinlenebilirdi. Johann Sebastian'ın Hamburg'daki opera binasını ziyaret etmesi mümkündür - o zamanlar Almanya'da İtalyanca değil Almanca performanslar veren tek opera. Üç yıl sonra okuldan başarıyla mezun oldu ve memleketine daha yakın bir iş aramaya başladı. Weimar. Üç şehirde kısa bir süre kemancı ve orgcu olarak görev yapan Bach, 1708'de zaten evli, dokuz yıllığına Weimar'a (Thüringen) yerleşti. Orada dük mahkemesinde bir orgcuydu ve ardından capella usta yardımcısıydı (şapelin başkanının yardımcısı - bir grup şarkıcı ve enstrümancı). Bach, Ohrdruf'ta gençken müzik bestelemeye, özellikle de en sevdiği enstrüman olan org için Protestan koroları düzenlemeye başladı. Ve Weimar'da, Re minör Toccata ve Füg, Do minör Passacaglia10, koro prelüdleri gibi dikkate değer olgun org eserlerinin bir kısmı ortaya çıktı. O zamana kadar Bach, org ve klavsen üzerinde eşsiz bir icracı ve doğaçlamacı olmuştu. Bu inandırıcı bir şekilde doğrulandı sonraki dava. Bach, Saksonya'nın başkenti Dresden'e gittiğinde, kendisi ile ünlü Fransız orgcu ve klavsenci Louis Marchand arasında bir yarışma düzenlemeye karar verdiler. Ancak, Bach'ın klavsen üzerinde inanılmaz bir yaratıcı ustalıkla nasıl doğaçlama yaptığını daha önce duyduktan sonra, Dresden'i gizlice terk etmek için acele etti. Yarışma gerçekleşmedi. Weimar sarayında, İtalyan ve Fransız besteciler. Bach, başarılarını büyük bir ilgi ve sanatsal inisiyatifle ele aldı. Örneğin, Antonio Vivaldi'nin keman konçertolarının klavsen ve orgları için bir dizi serbest düzenleme yaptı. Müzik sanatı tarihindeki ilk clavier konçertoları böyle doğdu. Weimar'da üç yıl boyunca, Bach'ın her dört Pazar günü yeni bir ruhani kantat bestelemesi gerekiyordu. Toplamda otuzdan fazla eser bu şekilde ortaya çıktı. Ancak görevlerini fiilen Bach'ın yerine getirdiği yaşlı mahkeme bando şefi ölünce boş pozisyon ona değil merhumun beceriksiz oğluna verildi. Böyle bir adaletsizliğe öfkelenen Bach istifasını sundu. "Saygısız talep" nedeniyle ev hapsine alındı. Ama kendi başına ısrar ederek cesur, gururlu bir azim gösterdi. Ve bir ay sonra dük, inatçı müzisyeni vahşi doğaya salmak için gönülsüzce "acımasız emir" vermek zorunda kaldı. Köten. 1717'nin sonunda Bach ve ailesi Köthen'e taşındı. Mahkeme bando şefliği görevi kendisine hükümdar Köthen Prensi Leopold Anhalt tarafından teklif edildi. küçük devlet Thüringen yanında. İyi bir müzisyendi - şarkı söyledi, klavsen ve viyola da gamba 11 çaldı. Prens, yeni orkestra şefine iyi bir mali destek sağladı ve ona büyük saygıyla davrandı. Bach'ın nispeten az zamanını alan görevleri arasında on sekiz vokalist ve enstrümantalistten oluşan bir şapeli yönetmek, prense eşlik etmek ve kendisi klavsen çalmak vardı. Köthen'de çeşitli enstrümanlar için birçok Bach eseri ortaya çıktı. Clavier müziği aralarında çok çeşitlidir. Bir yandan, bunlar yeni başlayanlar için parçalar - Passacaglia, İspanyol kökenli üç yönlü yavaş bir danstır. Temelinde enstrümantal parçalar, basta tekrar tekrar tekrarlanan bir melodi ile varyasyonlar şeklinde ortaya çıktı. 10 11 Viyola da gamba - eski enstrüman, bir çello gibi görünüyor. 11 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi küçük prelüdler, iki kısımlı ve üç kısımlı icatlar. Bach tarafından en büyük oğlu Wilhelm Friedemann ile çalışmak için yazılmıştır. Öte yandan, bu, anıtsal bir çalışmanın iki cildinden ilki - toplamda 48 prelüd ve füg içeren "İyi Temperli Clavier" ve konser planının büyük bir kompozisyonu - "Kromatik Fantezi ve Füg". "Fransız" ve "İngiliz" olarak bilinen iki clavier suit koleksiyonunun oluşturulması da Köthen dönemine aittir. Prens Leopold, Bach'ı komşu eyaletlere yaptığı gezilerde yanına aldı. Johann Sebastian 1720'de böyle bir geziden döndüğünde, ağır bir keder yaşadı - karısı Maria Barbara dört çocuk bırakarak yeni ölmüştü (üç çocuk daha erken öldü). Bir buçuk yıl sonra Bach yeniden evlendi. İkinci karısı Anna Magdalena'nın sesi güzel ve çok müzikaldi. Onunla birlikte çalışan Bach, kendi parçalarından ve kısmen diğer yazarların parçalarından iki daha iyi "Not Defteri" derledi. Anna Magdalena, Johann Sebastian'ın hayatının nazik ve şefkatli bir arkadaşıydı. Ona, altısı yetişkinliğe kadar hayatta kalan on üç çocuğu doğurdu. Leipzig. 1723'te Bach, Thüringen'e komşu olan Saksonya'nın önemli bir ticaret ve kültür merkezi olan Leipzig'e taşındı. Prens Leopold ile tuttu iyi ilişkiler . Ancak Köthen'de müzikal aktivite olanakları sınırlıydı - ne büyük bir org ne de bir koro vardı. Ayrıca Bach'ın iyi bir eğitim vermesini istediği büyük oğulları vardı. Leipzig'de Bach, erkek korosunun başı ve şan okullarının öğretmeni olan kantor pozisyonunu aldı; Thomas Kilisesi'nde (Thomaskirche). Bir dizi kısıtlayıcı koşulu kabul etmek zorunda kaldı, örneğin "burgomaster'ın izni olmadan şehri terk etmemek". Cantor Bach'ın başka birçok görevi vardı. Küçük bir okul korosunu ve çok küçük bir orkestrayı (veya daha doğrusu bir topluluğu) parçalara ayırmak zorunda kaldı, böylece müzik iki kilisedeki ayinlerde, ayrıca düğünlerde, cenazelerde ve çeşitli şenliklerde çalıyordu. Ve korodaki tüm çocukların iyi müzik yetenekleri yoktu. Okul evi kirliydi, bakımsızdı, öğrenciler yetersiz besleniyordu ve dilenci gibi giyinmişlerdi. Aynı zamanda Leipzig "müzik yönetmeni" olarak kabul edilen Bach, tüm bunlara kilise yetkililerinin ve şehir yönetiminin (sulh hakimi) dikkatini çekti. Ancak karşılığında çok az mali yardım aldı, ancak çok sayıda küçük ofis nitelemesi ve kınama aldı. Öğrencilerle sadece şarkı söylemekle kalmayıp aynı zamanda enstrüman çalmakla da uğraştı, ayrıca masrafları kendisine ait olmak üzere onlar için bir Latince öğretmeni tuttu. Leipzig'deki St. Thomas kilisesi ve okulu (solda). (Eski bir gravürden). Zorlu yaşam koşullarına rağmen, Bach coşkuyla yaratıcılıkla uğraştı. Hizmetinin ilk üç yılında koro ile hemen her hafta yeni bir manevi kantat besteledi ve icra etti. Toplamda, bu türdeki yaklaşık iki yüz Bach eseri korunmuştur. Ve birkaç düzine dünyevi kantatı da biliniyor. Kural olarak, çeşitli soylu kişilere hitap eden hoş ve tebrik ediciydiler. Ancak aralarında Leipzig'de yazılmış, komik bir operadan bir sahneye benzeyen komik "Kahve Kantatı" gibi bir istisna var. Genç, canlı bir Lizhen'in, babası yaşlı homurdanan Schlendrian'ın iradesine ve uyarılarına rağmen yeni bir kahve modasına nasıl bağımlı olduğunu anlatıyor. Leipzig'de Bach, en seçkin anıtsal vokal-enstrümantal eserlerini yarattı - John'a Göre Tutku, Matta'ya Göre Tutku12 ve Si minör Kütle, içerik olarak onlara yakın ve ayrıca çok sayıda çeşitli enstrümantal besteler. ikinci cilt " İyi Temperli Clavier", Yuhanna ve Matta'nın (Markos ve Luka'nın yanı sıra) bir koleksiyonu, İncilleri derleyen İsa Mesih'in öğretilerinin takipçileridir - dünyevi yaşamı, ıstırabı ("tutkuları") ve ölüm. "İncil" şuradan çevrildi: Yunan "müjde" anlamına gelir. 12 12 www.classON.ru Rus sanatı "Füg Sanatı" alanında çocuk eğitimi. Dresden, Hamburg, Berlin ve diğer Alman şehirlerini gezdi, orada org çaldı, yeni enstrümanları denedi. Bach, on yılı aşkın bir süredir Leipzig'deki üniversite öğrencileri ve müzikseverler, enstrümancılar ve şarkıcılardan oluşan bir topluluk olan "Müzik Koleji" ne başkanlık etti. Bach'ın yönetiminde laik nitelikteki eserlerden halka açık konserler verdiler. Müzisyenlerle iletişim kurarken, her türlü kibire yabancıydı ve ender yeteneklerinden şöyle bahsetti: "Çok çalışmam gerekiyordu, kim ne kadar sıkı çalışırsa aynısını başarır." Pek çok endişe, ama aynı zamanda pek çok sevinç de Bach'a büyük ailesini getirdi. Çevresinde, tüm ev konserlerini düzenleyebilirdi. Oğullarından dördü ünlü besteciler oldu. Bunlar Wilhelm Friedemann ve Carl Philipp Emanuel (Maria Barbara'nın çocukları), Johann Christoph Friedrich ve Johann Christian (Anna Magdalena'nın çocukları). Yıllar içinde Bach'ın sağlığı kötüleşti. Görme keskin bir şekilde kötüleşti. 1750'nin başlarında iki başarısız göz ameliyatı geçirdi, kör oldu ve 28 Temmuz'da öldü. Johann Sebastian Bach, parlak yaratıcı ilhamla aydınlatılmış, sıkı ve çalışkan bir hayat yaşadı. Önemli bir servet bırakmadı ve Anna Magdalena on yıl sonra fakirler için bir yardım evinde öldü. Ve Bach'ın 19. yüzyıla kadar yaşayan en küçük kızı Regina Susanna, Beethoven'ın büyük rol oynadığı özel bağışlarla yoksulluktan kurtuldu.Yaratıcılık Bach'ın müziği, anavatanının kültürüyle bağlantılıdır.hem Almanların eserleri ve yabancı besteciler. Çalışmalarında Avrupa müzik sanatının kazanımlarını zekice genelleştirdi ve zenginleştirdi. Kantatların çoğu, "John Passion", "Matthew Passion", Si minör Ayin ve ruhani metinler üzerine daha birçok eser Bach tarafından yazılmıştır. sadece bir kilise müzisyeninin görevine veya alışılmış geleneğine göre değil, aynı zamanda samimi bir dini duyguyla ısındılar.İnsanın acılarına şefkatle dolular, insani sevinçler hakkında bir anlayışla aşılanmışlar.Zamanla tapınakların çok ötesine geçtiler ve farklı milletlerden ve dinlerden dinleyicileri derinden etkilemekten vazgeçmez Bach'ın ruhani ve seküler besteleri, gerçek insanlıklarıyla birbirleriyle ilişkilidir, birlikte bütün bir müzikal imgeler dünyasını oluştururlar. Bach'ın eşsiz polifonik becerisi, homofonik-harmonik araçlarla zenginleştirilmiştir. Vokal temaları, enstrümantal gelişim teknikleriyle organik olarak nüfuz etmiştir ve enstrümantal temalar, sanki önemli bir şey kelimeler olmadan söylenip telaffuz ediliyormuş gibi, genellikle duygusal olarak o kadar doymuştur. Organ13 için Re Minör Toccata ve Füg Bu oldukça popüler eser, ürkütücü ama cesur bir irade çığlığıyla başlıyor. Bir oktavdan diğerine düşerek üç kez duyulur ve alt kayıtta gök gürültülü bir akort gürültüsüne yol açar. Böylece, toccata'nın başında koyu gölgeli, görkemli bir ses alanı ana hatlarıyla çizilir. 1 Adagio Sorular ve görevler 1 . Bach'ın müziğinin kaderi hakkında olağandışı olan nedir? 2. Bach'ın anavatanından, atalarından ve çocukluk yıllarından bahsedin. 3. Bach'ın bağımsız hayatı ne zaman ve nerede başladı? 4. Bach'ın Weimar'daki etkinliği nasıl ilerledi ve nasıl sona erdi? 5. Bach'ın Köthen'deki hayatından ve bu yıllardaki çalışmalarından bahseder misiniz? 6. Bach hangi enstrümanları çalıyordu ve en sevdiği enstrüman hangisiydi? 7. Bach neden Leipzig'e taşınmaya karar verdi ve orada ne gibi zorluklarla karşılaştı? 8. Bach'ın besteci olarak ve Bach'ın icracı olarak Leipzig'deki faaliyetlerinden bahsedin. Orada yarattığı eserleri adlandırın. Toccata (İtalyanca "toccata" - "dokunma", "toccare" "dokunma", "dokunma" fiilinden "hit") klavyeli enstrümanlar için virtüöz bir parçadır. 13 13 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Daha ileride güçlü "dönen" virtüöz pasajlar ve geniş akor "patlamaları" duyulur. Uzatılmış akorlarda duraklamalar ve durmalarla birkaç kez ayrılırlar. Hızlı ve hızlı arasındaki bu karşıtlık ağır çekim şiddet unsurları içeren kavgalar arasındaki temkinli molayı anımsatıyor. Ve ücretsiz, doğaçlama olarak oluşturulmuş bir toccata'dan sonra bir füg sesi duyulur. Güçlü irade ilkesinin temel güçleri olduğu gibi dizginlediği bir temanın taklit gelişimine odaklanır: 2 Allegro moderato Geniş bir alana yayılan füg, bir coda'ya - son, son bölüme - dönüşür. Burada yine toccata'nın doğaçlama unsuru patlak verir. Ama sonunda gergin emredici sözlerle sakinleştirilir. Ve tüm çalışmanın son çubukları, amansız insan iradesinin sert ve görkemli bir zaferi olarak algılanıyor. Bach'ın org çalışmalarının özel bir grubu koral prelüdlerdir. Bunların arasında, lirik nitelikteki nispeten küçük bir dizi parça, derin bir ifade ile ayırt edilir. Onlarda koral melodisinin sesi, özgürce geliştirilmiş eşlik eden seslerle zenginleştirilir. Örneğin, Bach'ın başyapıtlarından biri olan Fa minör koral başlangıcı bu şekilde sunulur. Clavier müziği Buluşları Bach, en büyük oğlu Wilhelm Friedemann'a ders verirken bestelediği basit parçalardan oluşan birkaç koleksiyon derledi. Bu koleksiyonlardan birinde on beş iki sesli çok sesli parçayı on beş tuşa yerleştirmiş ve bunlara "icat" adını vermiştir. Latince'den tercüme edilen "buluş" kelimesi "buluş", "buluş" anlamına gelir. Bach'ın acemi müzisyenler tarafından icra edilebilecek iki parçalı icatları, polifonik ustalık ve aynı zamanda sanatsal ifade açısından gerçekten dikkate değerdir. Böylece, Do majördeki ilk iki bölümlük buluş, sakin, makul bir karakterin kısa, pürüzsüz ve telaşsız bir temasından doğar. Üst ses tarafından söylenir ve hemen başka bir oktavdaki _ tekrarları taklit eder - alt oktav: 14 www.classON.ru Rus sanatı zıplayan toplar alanında çocuk eğitimi. Üsttekinin tekrarı (taklidi) sırasında ses melodik hareketini sürdürür. Baslarda çıkan temaya karşıtlık bu şekilde oluşur. Ayrıca, bu karşıtlık - aynı melodik kalıpla - bazen tema şu veya bu sesle yeniden ortaya çıktığında ses çıkarır (2-3, 7-8, 8-9 ölçüleri). Bu gibi durumlarda, muhalefet (tema her tanıtıldığında yeniden bestelenen, tutulmayanların aksine) tutulan olarak adlandırılır. Diğer çok sesli eserlerde olduğu gibi bu buluşta da temanın tam olarak seslendirilmediği, sadece bireysel dönüşlerinin kullanıldığı bölümler bulunmaktadır. Bu tür bölümler, konunun sunumları arasına yerleştirilir ve ara bölümler olarak adlandırılır. Buluşun C'deki genel bütünlüğü, polifonik müzik için tipik olan bir temaya dayalı geliştirme ile verilmektedir. Parçanın ortasında ana anahtardan bir ayrılma yapılır ve sonlara doğru geri döner. Bu buluşu dinlerken, iki öğrencinin birbirini daha iyi ve daha iyi ifade etmeye çalışarak dersi özenle tekrar ettiği düşünülebilir. Yapı olarak C majör buluşa benzeyen bu parçada, özel bir teknik büyük rol oynuyor. Üst seste temanın ilk girişini takiben, alt ses sadece onu değil, aynı zamanda devamını da (karşı konum) taklit eder. Böylece, bir süre için sürekli bir kanonik ve taklit veya lycanon ortaya çıkar. Bach, iki ses icatlarıyla eş zamanlı olarak aynı tuşlarda on beş üç sesli polifonik parça besteledi. Onlara isim verdi! "senfoniler" (Yunancadan çevrilmiştir - "ünsüzler"). Çünkü eski günlerde çoksesli saz eserlerine genellikle bu ad verilirdi. Ancak daha sonra bu parçalara üç parçalı icatlar demek adet haline geldi. Daha karmaşık polifonik geliştirme teknikleri kullanırlar. En en iyi örnek- Fa minör (dokuzuncu) üç parçalı buluş. İki zıt temanın eşzamanlı tanıtımıyla başlar. Bir bas sesle ses çıkaran birinin temeli, kromatik yarı tonlar boyunca ölçülen gergin bir iniştir. Bu tür hareketler, eski operaların trajik aryalarında sık sık görülür. Kötü kaderin, kaderin kasvetli bir sesi gibidir. Ortadaki ikinci tema, alto ses, kederli motiflerle-iç çekişlerle işlenmiştir: Gelecekte, üçüncü tema, daha da derinden yalvaran ünlemlerle bu iki temayla yakından iç içe geçmiştir. Oyunun sonuna kadar, kötü kaderin sesi amansız kalır. Ama insan kederinin sesleri bitmiyor. Söndürülemez bir insan umudu kıvılcımına sahipler. Ve bir an için son Fa majör akorunda yanıp sönüyor gibi görünüyor. Bach'ın Eisenach'taki Bach Evi'ndeki Si Minör Klavsen Senfonisi 15 www.classON.ru Rus Sanat Alanında Çocuk Eğitimi (Üç Parçalı Buluş No. 15), lirik nüfuzuyla da ayırt edilir. Bach, icatlarının ve "senfonilerinin" el yazmasının önsözünde, bunların "şarkı söyleme tarzı" geliştirmeye yardımcı olmaları gerektiğini belirtti. Klavsen üzerinde bunu başarmak zordu. Bu nedenle Bach, öğrencilerle sınıflar da dahil olmak üzere evde başka bir telli klavye enstrümanı olan klavsen kullanmayı tercih etti. Zayıf sesi konser performansı için uygun değildir. Ancak, daha önce de belirtildiği gibi, klavsenden farklı olarak, klavsen telleri koparılmaz, ancak metal plakalarla hafifçe kenetlenir. Bu, sesin melodikliğine katkıda bulunur ve dinamik gölgeler yapmanızı sağlar. Böylece Bach, piyanoda melodik ve tutarlı sesin olanaklarını önceden gördü - zamanında tasarım açısından hala kusurlu bir enstrüman. Ve büyük müzisyenin bu arzusu tüm modern piyanistler tarafından hatırlanmalıdır. Courante - üçlü dans Fransız asıllı. Ancak Fransız klavsen çanları için, bazı ritmik karmaşıklıklar ve tavırlar tipikti. Bach'ın C minör süitindeki Courante, bu dans türünün İtalyan çeşidine benziyor - daha canlı ve hareketli. Bu, birbirini kışkırtıyor gibi görünen iki sesin esnek kombinasyonu ile kolaylaştırılır: Do minörde "Fransız süiti" Bach'ın clavier süitlerinin üç koleksiyonunun farklı adları vardır. Kendisi üçüncü koleksiyonda yer alan altı süite "partitas" adını verdi ("partita" süitinin adı sadece onda bulunmuyor14). Her biri altı parça olan diğer iki koleksiyon, tam olarak açıklığa kavuşturulamayan nedenlerle Bach'ın ölümünden sonra "Fransız Süitleri" ve "İngiliz Süitleri" olarak adlandırılmaya başlandı. "Fransız Suitleri"nin ikincisi C minör anahtarıyla yazılmıştır. Antik süitlerde kurulan geleneğe göre, dört ana bölüm içerir - Allemande, Courante, Sarabande ve Gigue ve ayrıca iki ara bölüm daha - Sarabande ve Gigue arasına yerleştirilmiş Aria ve Minuet. Allemande, XVI-XVII yüzyıllarda birçok Avrupa ülkesinde - İngiltere, Hollanda, Almanya, Fransa ve İtalya - oluşan bir danstır. Örneğin, eski Alman allemandesi biraz ağır bir grup dansıydı. Ancak, clavier süitlerine girerken, allemande 18. yüzyıl dans özelliklerini neredeyse kaybediyordu. "Atalarından", yalnızca dört veya iki çeyrek boyutunda yavaş sakin bir yürüyüşü korudu. Sonunda gevşek bir şekilde inşa edilmiş bir başlangıç ​​haline geldi. Bach'ın C minör süitinden düşünceli bir lirik prelüd ve Allemande gibi görünüyor. Burada, çoğu zaman, üç ses kendi hatlarını yönetir. Ama bazen onlara dördüncü bir ses bağlanır. Aynı zamanda en melodik ses üstteki sestir: Sarabande üç bölümlük bir İspanyol dansıdır. Bir zamanlar hızlı, huysuzdu ve daha sonra yavaş, ciddi ve genellikle bir cenaze alayına yakın hale geldi. Bach süitindeki sarabande, üç parçalı bir depoda baştan sona yaşlandırılmıştır. Orta ve alt seslerin hareketi her zaman katı, yoğundur (çeyrekler ve sekizliler baskındır). Ve üst sesin hareketi çok daha özgür ve hareketli, çok anlamlı. Burada on altıncı notalar hakimdir, genellikle geniş aralıklarla (beşinci, altıncı, yedinci) hareketler bulunur. Böylece, iki zıt müzikal sunum katmanı oluşturulur, lirik olarak yoğun bir ses yaratılır15: "Parçalara bölünmüş" - "partita" kelimesi İtalyanca'dan çevrilmiştir ("partire" - "bölmek" fiilinden). Sarabande'de, önde gelen üst ses diğerleriyle çok fazla zıtlık oluşturmaz, onlar tarafından tamamlanır. 14 15 16 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi The Well-Tempered Clavier'in ilk cildinden Do minör Prelüd ve Füg Do Majör Prelüd ve Füg, Do Minör Prelüd ve Füg, Prelüd ve Füg C Sharp Major, Prelüd ve Füg Do diyez minör - ve oktavda yer alan on iki yarım tonun tamamı boyunca böyle devam eder. Sonuç, tüm majör ve minör tonlarda toplam 24 iki parçalı "prelüd ve füg" döngüsüdür. Bach'ın Well-Tempered Clavier'sinin her iki cildi (toplamda - 48 prelüd ve füg) bu şekilde inşa edilmiştir. Bu görkemli eser, dünya müzik sanatının en büyüklerinden biri olarak kabul edilmektedir. Bu iki cildin prelüdleri ve fügleri tüm profesyonel piyanistlerin eğitim ve konser repertuarında yer almaktadır. Bach'ın zamanında, klavye enstrümanlarının akortunda, oktavı on iki eşit yarı tona bölerek, yavaş yavaş tek tip mizaç kuruldu. Önceden, özelleştirme sistemi daha karmaşıktı. Onunla, üç veya dört karakterden fazla tuşlarda, bazı aralıklar ve akorlar akortsuz geliyordu. Bu nedenle besteciler bu tür anahtarları kullanmaktan kaçınmışlardır. Bach, The Well-Tempered Clavier'de eşit mizaçla 24 anahtarın hepsinin eşit başarıyla kullanılabileceğini zekice kanıtlayan ilk kişiydi. Bu, besteciler için yeni ufuklar açtı, örneğin bir anahtardan diğerine modülasyonlar (geçişler) yapma becerisini artırdı. Well-Tempered Clavier'de Bach, iki bölümlü "prelüd ve füg" döngüsünü kurdu. Prelüd serbestçe inşa edilmiştir. İçinde, homofonik-harmonik depo ve doğaçlamanın önemli bir rolü olabilir. Bu, kesinlikle polifonik bir çalışma olarak füg ile bir tezat oluşturur. Aynı zamanda, "prelüd ve füg" döngüsünün parçaları yalnızca ortak bir tonalite ile birleştirilmez. Aralarında, her durumda, ince iç bağlantılar kendi yollarıyla kendini gösterir. Bu ortak tipik özellikler, The Well-Tempered Clavier'nin birinci cildindeki Do minör Prelüd ve Füg'de izlenebilir. Prelüd iki ana bölümden oluşmaktadır. Daha geniş olan birinci, her iki eldeki on altıda birlik hızlı ve tekdüze bir hareketle tamamen doludur. Etkileyici melodik ve armonik unsurlarla içeriden doyurulur. Sanki kıyılarla sınırlanmış, huzursuz bir nehir kaynıyor gibi görünüyor: Gigue, İrlanda ve İngiltere'den16 kaynaklanan hızlı, canlı bir danstır. Eski günlerde İngiliz denizciler dans etmeyi severdi. Süitlerde konser genellikle son, son harekettir. C minör Giguet'inde Bach, genellikle iki ses arasında kanonik taklit tekniğini kullanır (Fa majör Buluşta olduğu gibi). Bu oyunun sunumuna "zıplayan" noktalı bir ritim hakimdir: Allemande ve Courante arasındaki karşıtlıkla karşılaştırıldığında, Sarabande ile Gigue arasındaki karşıtlık daha keskindir. Ancak aralarına yerleştirilen iki ek parça ile yumuşatılır. "Aria" adlı kısım, kulağa daha çok bir operadaki solo vokal numarası gibi değil, sakin, samimi bir şarkı gibi geliyor. Bir sonraki Minuet, hareketliliği zarafetle birleştiren bir Fransız dansıdır. Yani bu süitte, tek bir genel tonaliteyle, tüm parçalar mecazi açıdan farklı şekilde karşılaştırılmıştır. Jig'in boyutları ağırlıklı olarak üç yolludur. XVIII yüzyılda esas olarak 3/8, 6/8, 9/8, 12/8'dir. 16 17 www.classON.ru Orta sesle Rus sanatı alanında çocuk eğitimi, elastik bir dans ritmi ile net, kabartmalı, iyi hatırlanan bir tema: 11 Moderato Enerjik sebat, temada zarafet, kurnaz yaramazlık dikmeler ile birleştirilir güçlü iradeli soğukkanlılık yoluyla. Bu, daha çeşitli ve dinamik gelişim için fırsatlar sağlar. Geliştirmenin başlangıcında, tema hafif geliyor - sadece bir majör tonda (E-bemol majör) gerçekleştirildiği zaman. Ana perdedeki (Do minör) temanın üç ana pasajının tekrarında, bastaki ikincisi o kadar güçlü bir kapsam kazanıyor ki, insana prelüddeki azgın doğal güçleri hatırlatıyor. Ve bir şey daha, füg temasının son uygulaması bir aydınlanmış ev majör akoruyla sona erer. Prelüd ve fügün sonları arasındaki böylesine bir benzerlikte, döngünün zıt bölümlerinin içsel bir duygusal ilişkisi ortaya çıkar. Güçlü bir enerji biriktiren bu akış, ilk bölümün sonunda olduğu gibi, kenardan taşar ve bir sonraki bölümün başında daha da hızlı hale gelir ve yoluna çıkan her şeyi süpürmekle tehdit eder. Prelüdün bu doruk noktası, tempoda en hızlı olana (Pgesto) bir değişiklik ve polifonik bir cihazın - iki sesli bir kural - kullanımıyla işaretlenir. Ancak öfkeli unsurlar, buyurgan akor vuruşları ve anlamlı anlatım cümleleriyle aniden durdurulur. İşte ikinci hız değişikliği geliyor - en yavaş olana (Adagio). Ve prelüdün son ölçülerinde orta derecede hızlı bir A11eggo'ya üçüncü tempo değişikliğinden sonra, bastaki tonik org noktası sağ eldeki onaltılıkların hareketini kademeli olarak yavaşlatır. C majör akorunda yumuşak bir şekilde yayılır ve donar. Barış var, huzur var. Başlangıcın böylesine özgür, doğaçlama bir şekilde tamamlanmasından sonra, dikkat farklı, zıt bir düzleme geçer. Üç sesli bir füg başlar. Bu kelime Latince ve İtalyanca'da "koşmak", "uçmak", "hızlı akıntı" anlamına gelir. Müzikte füg, seslerin birbirini yakalayarak yankılanıyormuş gibi göründüğü karmaşık bir polifonik çalışmadır. Füglerin çoğu tek bir tema üzerine kuruludur. Daha az yaygın olan, iki, daha da nadiren üç veya dört temalı füglerdir. Ve ses sayısına göre fügler iki, üç, dört ve beş bölümlüdür. Tek karanlık fügler, ana tonda temanın herhangi bir sesle sunumuyla başlar. Tema daha sonra diğer sesler tarafından dönüşümlü olarak taklit edilir. Fügün ilk bölümü olan sergi bu şekilde oluşur. İkinci bölümde - geliştirme - tema yalnızca diğer anahtarlarda görünür. Ve üçüncü, son bölümde - reprise9 - yine ana anahtarda gerçekleştirilir, ancak artık tek bir sesle sunulmaz. Buradaki sergi kesinlikle tekrarlanmıyor. Füglerde, tutulan karşıt konumlar ve aralar yaygın olarak kullanılır. Söz konusu Bach'ın C-minör fügü, polifonik müziğin en yüksek biçimi olan Füg'de ortaya çıkmaya başlar ve Bach'ın eserlerinde tam olgunluğuna ve en parlak çiçeklenmesine ulaşır. 19. yüzyılın ünlü Rus bestecisi ve piyanisti Anton Grigoryevich Rubinstein, "Müzik ve Temsilcileri" adlı kitabında, "İyi Temperli Clavier" e hayran kalarak, orada "dini, kahramanca, melankolik, melankolik fügler" bulunabileceğini yazmıştır. görkemli, kederli, esprili, pastoral, dramatik karakter; hepsi birbirine benziyor - güzellikte. ..” Johann Sebastian Bach, büyük ile aynı yaştaydı Alman besteci Georg Friedrich Handel (1685-1759) - harika bir polifoni ustası, virtüöz bir orgcu. Kaderi farklıydı. Hayatının çoğunu Almanya dışında bir ülkeden diğerine taşınarak geçirdi (birkaç on yıl İngiltere'de yaşadı). 18 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Handel birçok opera, oratoryo ve çeşitli enstrümantal eserlerin yazarıdır. biçimlendirme klasik tarz müzikte Sorular ve görevler 1 . Bach'ın ruhani ve dünyevi eserlerinin ortak noktası nedir? 2. Org için Re minör Toccata ve Füg'ün figüratif doğasını bize anlatın. 3. Bildiğiniz Bach icatlarının temalarını söyleyin. Tutuklandı denildiğinde muhalefet nedir? 4. Çok sesli eserde ara nedir? Hangi taklit kanonik veya kanon olarak adlandırılır? 5. "French Suite" in ana bölümlerini Do minör olarak adlandırın ve tanımlayın. 6. Bach'ın İyi Temperlenmiş Clavier'si nasıl inşa edilmiştir? 7. Prelüd ile füg arasındaki temel fark nedir? Bunu The Well-Tempered Clavier'in birinci cildindeki Do minör Prelüd ve Füg örneğiyle gösterin. Aralarında benzerlikler de var mı? 18. yüzyılın müzikal tiyatrosu, özellikle orta ve ikinci yarısı, Avrupa müzik sanatının tüm alanlarında büyük bir değişim zamanıdır. Bu yüzyılın başlamasıyla birlikte, İtalyan operasında yavaş yavaş iki tür ortaya çıktı - opera seria (ciddi) ve opera buffa (komik). Mitolojik tanrılar, eski devletlerin kralları, efsanevi komutanlar gibi sözde "yüksek" kahramanların ortaya çıktığı seria operalarında mitolojik ve tarihi olaylar hâlâ hüküm sürüyordu. Ve buffa operalarında olay örgüsü ağırlıklı olarak modern gündelik olaylar haline geldi. Buradaki kahramanlar, enerjik ve gerçekçi davranan sıradan insanlardı. Giovanni Battista Pergolesi'nin Giovanni Battista Pergolesi'nin 1733'te Napoli'de halk karşısına çıkan Hizmetkar Hanım adlı eseri opera buffa'nın ilk çarpıcı örneğiydi. Serpina'nın girişimci hizmetçisi olan kahraman, huysuz efendisi Uberto ile ustaca evlenir ve kendisi de bir metres olur. Birçok erken dönem İtalyan buffa operası gibi, Hizmetkar-Hanım başlangıçta Pergolesi'nin The Proud Prisoner opera seria'sının eylemleri arasındaki aralar sırasında bir ara sahne olarak icra edildi ("ara" kelimesinin Latince kökenli olduğunu ve "etkileşim" anlamına geldiğini hatırlayın). Kısa süre sonra, Hizmetkar-Madam bağımsız bir çalışma olarak birçok ülkede büyük ün kazandı. Komik opera, 18. yüzyılın ikinci yarısında Fransa'da doğdu. Paris fuarlarında tiyatrolarda verilen müzikli neşeli, esprili komedi performanslarından doğdu. Ve vokal sayıların karakterlerin ana özelliği haline geldiği komik bir operaya dönüşmek için, Fransız adil komedileri İtalyan buffa operası örneğine yardımcı oldu. Paris'teki bu performans için, Fransa'nın başkenti Pergolesi'nin "Hizmetkar Madam" tarafından tam anlamıyla büyülendiğinde, İtalyan "soytarılarının" opera topluluğu büyük önem taşıyordu. İtalyan opera buffa'dan farklı olarak, Fransız komik operalarında, yükselen sayılar anlatımlarla değil, konuşma diyaloglarıyla dönüşümlüdür. Sing-spire da inşa edildi - ikincisinde ortaya çıkan Alman ve Avusturyalı bir komik opera çeşidi.Ana eserler Vokal ve enstrümantal eserler "John'a Göre Tutku", "Matta'ya Göre Tutku" Kütle Si minör Kutsal kantatalar ( yaklaşık 200'ü hayatta kaldı) ve dünyevi kantatalar (20'den fazla hayatta kaldı) Orkestra eserleri 4 süit ("uvertür") 6 "Brandenburg Konçertosu" Oda orkestrası ile solo enstrümanlar için Konçertolar Klavsen için 7 konçerto İki için 3, üç klavsen için 2 konçerto keman için 2 konçerto İki keman için konçerto Yaylı çalgılar için eserler 3 solo keman için 3 sonat ve 3 partita keman ve klavsen için 6 sonat çello solo için 6 süit (“sonat”) Org çalışmaları 70 koral prelüd Prelüdler ve fügler Re minör Toccata ve füg Passacaglia C minör Klavye çalışmaları "Little Prelüdler ve Fügler" Koleksiyonu 15 adet iki kısımlı icat ve 15 adet üç kısımlı icat ("senfoni") Well-Tempered Clavier'in 48 prelüd ve füg'ü 6 "Fransız" ve 6 "İngiliz" süiti 6 süit (partitalar) ) Klavsen solosu için “İtalyan Konçertosu” “Kromatik fantezi ve füg” “Sanat fügleri” 19 www.classON.ru 18. yüzyılın ortalarında Rus sanatı alanında çocukların eğitimi17. Tüm komik opera çeşitlerinin müzik dili, halk şarkıları ve dans melodileriyle yakın bir bağlantı ile karakterize edilir. 18. yüzyılın ikinci yarısında ciddi opera türleri büyük Alman besteci Christoph Willibald Gluck'u (1714-1787) kökten reformdan geçirdi. İlk reformist operası Orpheus ve Eurydice'yi (1762), en eski operalardan beri operalarda defalarca kullanılan efsanevi antik Yunan şarkıcısının hikayesine dayanarak yazdı (bu, Giriş bölümünde tartışıldı). Gluck, operadaki reformuna giden zorlu bir yol izledi. İngiltere'de birçok Avrupa ülkesini - Almanya, Avusturya, Danimarka ve ayrıca Slavların yaşadığı Çek Cumhuriyeti'nde ve İtalya'da - ziyaret etti. Viyana'ya kesin olarak yerleşmeden önce Gluck, opera dizilerinden 17'sini Milano, Venedik, Napoli, Londra, Kopenhag, Prag ve diğer şehirlerdeki tiyatroların sahnelerinde sahneledi. Bu türdeki operalar birçok Avrupa ülkesinin saray tiyatrolarında sahnelendi. İstisna Fransa idi. Orada, 18. yüzyılın ortalarında, yalnızca geleneksel Fransız tarzında ciddi operalar bestelemeye ve sahnelemeye devam ettiler. Ancak Gluck, ünlü Fransız besteciler Jean-Baptiste Lully ve Jean-Philippe Rameau'nun opera notalarını dikkatle inceledi. Ek olarak, Gluck, Viyana'da Fransız komik operasının yeni türünde sekiz eser yazdı ve başarıyla sahneledi. Kuşkusuz İtalyan buffa operalarını, Alman ve Avusturya şarkılarını iyi biliyordu. Tüm bu bilgiler, Gluck'un ciddi operalar için zaten modası geçmiş kompozisyon ilkelerini kararlı bir şekilde yenilemesini sağladı. Gluck, önce Viyana'da, ardından Paris'te sahnelenen reformist operalarında, karakterlerin duygusal deneyimlerini çok daha büyük bir doğruluk ve dramatik yoğunluk, etkililikle aktarmaya başladı. Aryalarda virtüöz pasajlar biriktirmeyi reddetti ve anlatımların ifade gücünü artırdı. Operaları müzikal ve sahne gelişimi açısından daha amaçlı, kompozisyon açısından daha uyumlu hale geldi. Böylece, müzik dilinde ve yeni komik ve reforme edilmiş ciddi operaların yapımında, yeni, klasik tarzın önemli ayırt edici özellikleri belirlendi - gelişimin aktif etkinliği, ifade araçlarının basitliği ve netliği, kompozisyon uyumu ve genel asil. ve müziğin yüce karakteri. Bu tarz, 18. yüzyılda yavaş yavaş Avrupa müziğinde şekillendi, 1770-1780'de olgunlaştı ve 19. yüzyılın ikinci on yılının ortalarına kadar hakim oldu. "Klasik" tanımının başka, daha geniş bir anlamı olabileceğine dikkat edilmelidir. "Klasik" (veya "klasik"), yaratıldıkları zamana bakılmaksızın örnek, mükemmel, eşsiz olarak tanınan müzik ve diğer sanat eserleri olarak da adlandırılır. Bu anlamda, İtalyan kitleleri besteci 16. yüzyıl Palestrina ve Prokofiev'in operası ve Shostakovich'in senfonisi - XX yüzyılın Rus bestecileri. Enstrümantal Müzik Gluck'un opera reformuyla aynı geniş uluslararası temelde, 18. yüzyılda enstrümantal müzikte yoğun bir gelişme yaşandı. Birçok Avrupa ülkesinden bestecilerin ortak çabalarıyla gerçekleştirildi. Şarkı ve dansa dayalı olarak, müzik dilinin klasik netliğini ve dinamizmini geliştirerek, kademeli olarak yeni türler oluşturdular - klasik senfoni, klasik sonat, klasik yaylı çalgılar dörtlüsü gibi. Onlarda sonat formunun önemi büyüktür. Bu nedenle enstrümantal döngülere sonat veya sonat-senfoni denir. sonat formu. Çok sesli müziğin en yüksek formunun füg olduğunu zaten biliyorsunuz. Ve sonat formu, sadece bazen polifonik tekniklerin kullanılabildiği homofonik armonik müziğin en yüksek formudur. Yapılarında bu iki form birbirine benzer. Füg gibi, sonat formunda da üç ana bölüm vardır: açıklama, geliştirme ve özetleme. Ancak aralarında önemli farklılıklar da var. Sonat formu ile füg arasındaki temel fark, 18. sergide hemen ortaya çıkıyor. ve "Spiel" ("oynat") . 18 Kelime Latince kökenli olup "sunum", "gösteri" anlamlarına gelmektedir. 20 www.classON.ru Rusya'da sanat alanında çocuk eğitimi ses. Ve sonat formunun sergilenmesinde, kural olarak, karakter olarak az çok farklı iki ana tema belirir. Önce ana bölümün teması duyulur, daha sonra yan bölümün teması belirir. Ancak hiçbir durumda "yan" tanımını "ikincil" olarak anlamamalısınız. Çünkü aslında yan bölümün teması, sonat formunda ana bölümün temasından daha az önemli bir rol oynamaz. Burada "ikincil" kelimesi kullanılır, çünkü birincisinden farklı olarak, açıklamada mutlaka ana anahtarda değil, başka bir anahtarda, yani ikincil bir anahtardaymış gibi ses çıkarır. Klasik müzikte, anlatımdaki ana bölüm majör ise, o zaman yan kısım baskın olanın anahtarında belirtilir (örneğin, ana bölümün anahtarı C majör ise, o zaman yan bölümün anahtarı Sol majör). Açıklamadaki ana kısım minör ise, yan kısım paralel majör olarak belirtilir (örneğin, ana kısmın anahtarı C minör ise, yan kısmın anahtarı E-bemol majördür). Ana ve yan taraflar arasına küçük bir demet veya bir bağlantı partisi yerleştirilir. Burada bağımsız, melodik olarak kabartmalı bir tema da görünebilir, ancak daha çok ana bölümün temasının tonlamaları kullanılır. Bağlantı parçası yan parçaya geçiş görevi görür, yan parçanın anahtarına modüle olur. Böylece ton kararlılığı ihlal edilir. Söylentiler, bazı yeni "müzikal olayların" başlamasını beklemeye başlar. Bir yan partinin temasının görünümü olduğu ortaya çıkıyor. Bazen açıklamadan önce bir giriş gelebilir. Ve bir yan bölümden sonra, ya küçük bir sonuç sesi gelir ya da genellikle bağımsız bir temaya sahip tüm bir son bölüm. Sergi, yan kısmın tonunu sabitleyerek bu şekilde sona eriyor. Bestecinin yönlendirmesiyle tüm sergi tekrar edilebilir. Geliştirme - sonat formunun ikinci bölümü. İçinde, sergiden tanıdık gelen konular yeni versiyonlarda ortaya çıkıyor, farklı şekillerde değişiyor ve karşılaştırılıyor. Bu tür bir etkileşim genellikle tüm temaları değil, onlardan izole edilmiş motifleri ve cümleleri içerir. Yani, geliştirilmekte olan konular, olduğu gibi, içlerinde bulunan enerjiyi ortaya çıkaran ayrı unsurlara bölünmüştür. Bu durumda, sık sık anahtar değişikliği olur (ana anahtar burada nadiren etkilenir ve uzun sürmez). Farklı tonlarda görünen temalar ve öğeleri, yeni bir şekilde aydınlatılmış, yeni bakış açılarından gösteriliyor gibi görünüyor. Gelişimde gelişme doruk noktasında önemli bir gerilime ulaştıktan sonra rotası yön değiştirir. Bu bölümün sonunda ana anahtara dönüş hazırlanıyor, reprise dönüş var. Reprise, sonat formunun üçüncü bölümüdür. Ana anahtardaki ana parçanın dönüşü ile başlar. Bağlantı parçası yeni bir anahtara yol açmaz. Aksine, artık hem ikincil hem de son bölümlerin tekrarlandığı ana anahtarı düzeltir. Böylece reprise, tonal kararlılığıyla gelişimin kararsız doğasını dengeler ve bütüne klasik bir uyum verir. Reprise bazen son bir yapıyla tamamlanabilir - bir coda ("kuyruk" anlamına gelen Latince kelimeden türetilmiştir). Bu nedenle, bir füg çaldığında, dikkatimiz tek bir tema tarafından somutlaştırılan tek bir müzikal fikirde dinlemeye, düşünmeye ve hissetmeye odaklanır. Bir eser sonat biçiminde duyulduğunda, duyumumuz iki ana (ve tamamlayıcı) temanın karşılaştırmasını ve etkileşimini takip eder - sanki çeşitli müzikal olayların gelişimini, müzikal eylemi takip ediyormuş gibi. Bu iki müzik formunun sanatsal olanakları arasındaki temel fark budur. Klasik sonat (sonat-senfoni) döngüsü. Yaklaşık olarak 18. yüzyılın son üçte birinde, klasik sonat döngüsü nihayet müzikte şekillendi. eskiden enstrümantal eserler yavaş ve hızlı bölümlerin dönüşümlü olduğu süitin formu ve ona yakın eski sonat formu hakimdi. Şimdi, klasik sonat döngüsünde, bölümlerin sayısı (genellikle üç veya dört) kesin olarak belirlenmiştir, ancak içerikleri daha karmaşık hale gelmiştir. İlk bölüm genellikle bir önceki paragrafta tartışılan sonat biçiminde yazılır. Hızlı veya orta derecede hızlı bir tempoda yürüyor. Çoğu zaman A11eggo'dur. Bu nedenle, böyle bir harekete genellikle bir sonat allegro denir. İçindeki müzik genellikle enerjik, etkili, çoğu zaman gergin, dramatik bir karaktere sahiptir. İkinci hareket, tempo ve genel karakter bakımından her zaman birinci hareketle çelişir. Genellikle yavaştır, en lirik ve melodiktir. Ancak farklı da olabilir, örneğin, yavaş bir anlatıya veya zarif dansa benzer.Üç bölümlü bir döngüde, son, üçüncü bölüm, final yine hızlıdır, genellikle daha hızlıdır, ancak geliştirme açısından daha az yoğundur. ilkine Klasik sonat döngülerinin (özellikle senfonilerin) finalleri genellikle kalabalık şenlikli eğlencenin resimlerini çizer ve temaları birbirine yakındır. halk şarkıları ve dans. Bu durumda, genellikle rondo formu kullanılır (Fransızca "ronde" - "daireden"). Bildiğiniz gibi, buradaki ilk bölüm (nakarat), yeni bölümler (bölümler) ile dönüşümlü olarak birkaç kez tekrarlanır. 21 www.classON.ru Rusya'da sanat alanında çocuk eğitimi ilk operası? 3. Klasik tarz ne zaman olgunlaştı ve ne zamana kadar klasik tarz müzikte hakim oldu? "Klasik"in iki tanımı arasındaki farkı açıklayın. 4. Füg ve sonat formunun genel kurgusu arasındaki benzerlik nedir? Ve aralarındaki temel fark nedir? 5. Sonat formunun ana ve ek bölümlerini adlandırın. Diyagramını çiz. 6. Sonat formunun ana ve yan bölümleri, sergilenmesinde ve tekrarında birbiriyle nasıl ilişkilidir? 7. Sonat formundaki gelişim için tipik olan nedir? 8. Klasik sonat döngüsünün bölümlerini tanımlar. 9. Sanatçıların kompozisyonuna bağlı olarak ana klasik sonat döngülerini adlandırın. Bütün bunlar, dört bölümlü döngülerin birçok finalini birbirinden ayırır. Ancak içlerinde uç kısımlar (birinci ve dördüncü) arasına iki orta kısım yerleştirilmiştir. Bir - yavaş - bir senfonide genellikle ikinci ve dörtlüde - üçüncü. 18. yüzyıl klasik senfonilerinin üçüncü bölümü, dörtlü içinde ikinci sırada yer alan Minuet'tir. Böylece "sonat", "dörtlü", "senfoni" kelimelerinden bahsettik. Bu döngüler arasındaki fark, sanatçıların kompozisyonuna bağlıdır. Senfoniye özel bir yer aittir - çok sayıda dinleyicinin önünde büyük bir odada ses çıkarmak için tasarlanmış bir orkestra çalışması. Bu anlamda konçerto, orkestra eşliğinde solo bir enstrüman için üç hareketli bir beste olan senfoniye yakındır. En yaygın oda enstrümantal döngüleri sonat (bir veya iki enstrüman için), trio (üç enstrüman için), quartet (dört enstrüman için), quintet (beş enstrüman için)19'dur. Müzikteki tüm klasik tarz gibi sonat formu ve sonat-senfonik döngü, “Aydınlanma Çağı” (veya “Aydınlanma Çağı”) ve “çağ” olarak adlandırılan 18. yüzyılda oluşmuştur. Akıl”. Bu yüzyılın özellikle ikinci yarısında, birçok Avrupa ülkesinde sözde "üçüncü zümre"nin temsilcileri aday gösterildi. Bunlar ne asalet unvanlarına ne de ruhani unvanlara sahip olmayan insanlardı. Başarılarını kendi çalışmalarına ve inisiyatiflerine borçluydular. Doğanın kendisine yaratıcı enerji, parlak zihin ve derin duygular bahşettiği "doğal insan" idealini ilan ettiler. Bu iyimser demokratik ideal, müzik ve diğer sanat ve edebiyat biçimleri tarafından kendi tarzında yansıtıldı. Örneğin, Aydınlanma'nın başlangıcında insan zihninin ve yorulmak bilmeyen ellerin zaferi, 1719'daki yayınla yüceltildi. ünlü romanİngiliz yazar Daniel Defoe'nun Hayatı ve Robinson Crusoe'nun İnanılmaz Maceraları. Joseph Haydn 1732-1809 Müzikte klasik üslup, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart ve Ludwig van Beethoven'ın eserlerinde olgunluğa ve gelişmeye ulaştı. Her birinin hayatı ve eseri, Avusturya'nın başkenti Viyana'da uzun zaman geçirdi. Bu nedenle Haydn, Mozart ve Beethoven, Viyana klasiği olarak adlandırılır. Avusturya çok uluslu bir imparatorluktu. İçinde ana dili Almanca olan Avusturyalılarla birlikte Macarlar ve Çekler, Sırplar, Hırvatlar da dahil olmak üzere çeşitli Slav halkları yaşadı. Şarkıları ve Soruları ve ödevleri 1 . 18. yüzyılın ulusal komik opera çeşitlerini adlandırın. İtalyan buffa operasının inşası ile Fransız komik operasının inşası arasındaki fark nedir? 2. Büyük opera reformcusu Christoph Willibald Gluck'un faaliyetleri hangi ülke ve şehirlerle bağlantılıydı? Diğer oda topluluklarının adını hangi arsa üzerine yazdı? enstrümantal döngüler– altılı (6), yedili (7), sekizli (8), yok (9), ondalık (10). "Oda müziği" tanımı, İtalyanca "kamera" - "oda" kelimesinden gelir. Çünkü 19. yüzyıla kadar çeşitli enstrümanlar için besteler genellikle evde icra ediliyordu, yani “oda müziği” olarak anlaşılıyordu. 19 22 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi dans ezgileri hem köylerde hem de şehirlerde duyulabiliyordu. Viyana'da halk müziği her yerde geliyordu - merkezde ve varoşlarda, sokak kavşaklarında, halka açık bahçelerde ve parklarda, restoranlarda ve barlarda, zengin ve fakir özel evlerde. Viyana aynı zamanda imparatorluk sarayı, soyluların şapelleri1 ve aristokrat salonları, katedralleri ve kiliseleri etrafında toplanmış, profesyonel müzik kültürünün önemli bir merkeziydi. Avusturya'nın başkentinde, İtalyan opera seria'sı uzun süredir yetiştirilmektedir; daha önce de belirtildiği gibi, burada başladı. opera reformu kusur. Saray şenliklerine bol bol müzik eşlik ederdi. Ancak Viyanalılar, şarkıcıların doğduğu müzikli neşeli fars performanslarına isteyerek katıldılar ve dans etmeye çok düşkünlerdi. Üç büyük Viyanalıdan müzik klasikleri Haydn en yaşlısıdır. Mozart doğduğunda 24, Beethoven doğduğunda 38 yaşındaydı. Haydn uzun bir hayat yaşadı. Erken ölen Mozart'tan neredeyse yirmi yıl sonra hayatta kaldı ve Beethoven olgun eserlerinin çoğunu yarattığında hala hayattaydı. Özel prens tiyatrosu için seria, buffa türlerinde iki düzineden fazla opera ve kuklaların oynadığı performanslar için birkaç "kukla" opera yazdı. Ancak ana yaratıcı ilgi ve başarılarının alanı senfonik ve oda2 enstrümantal müziktir. Toplamda 800'den fazla bestedir3. Bunların arasında 100'den fazla senfoni, 80'den fazla yaylı dörtlüsü ve 60'tan fazla clavier sonatları özellikle önemlidir. En büyük bütünlük, parlaklık ve özgünlüğe sahip olgun örneklerinde, büyüklerin iyimser dünya görüşü Avusturyalı besteci . Ancak bazen bu parlak tutum, daha kasvetli bir ruh hali ile tetiklenir. Haydn'ın tükenmez yaşam sevgisi, keskin gözlemi, neşeli mizahı, basit, sağlıklı ve aynı zamanda çevreleyen gerçekliğin şiirsel algısıyla her zaman üstesinden gelirler. Yaşam yolu Erken çocukluk. Rorau ve Hainburg. Franz Joseph Haydn, 1732'de Avusturya'nın doğusunda, Macaristan sınırına yakın ve Viyana'dan çok da uzak olmayan Rorau köyünde doğdu. Haydn'ın babası yetenekli bir araba ustasıydı, annesi Rorau'nun sahibi olan Kont'un malikanesinde aşçı olarak görev yaptı. Ailede sevgiyle Zepperl olarak anılan en büyük oğlu Josef, ebeveynleri onu erkenden çalışkanlığa, doğruluğa ve temizliğe alıştırmaya başladı. Haydn'ın babası müzikten hiç anlamadı ama şarkı söylemeyi severdi, özellikle arpta kendisine eşlik ederken. misafirler küçük bir evde toplandı. Zepperl berrak, gümüşi bir sesle şarkıya eşlik ederek olağanüstü bir müzik kulağı ortaya çıkardı. Ve çocuk sadece beş yaşındayken, komşu kasaba Hainburg'a, kilise okulunu ve koroyu yöneten uzak bir akrabaya gönderildi. Hainburg'da Sepperl bir koroda okumayı, yazmayı, saymayı, şarkı söylemeyi öğrendi ve ayrıca klavsen ve keman çalma becerilerinde ustalaşmaya başladı. Ancak garip bir ailede yaşamak onun için kolay olmadı. Yıllar sonra, "yiyecekten çok dayak" yediğini hatırladı. Zepperl, Hainburg'a varır varmaz, aynı kilise alayına müzik eşliğinde katılmak için timpani çalmayı öğrenmesi emredildi. Oğlan bir elek aldı, üzerine bir parça bez çekti ve gayretle egzersiz yapmaya başladı. Görevini başarıyla tamamladı. Sadece bir geçit töreni düzenlerken çok kısa bir kişinin sırtına bir enstrüman asmak zorunda kaldılar. Ve kamburdu, bu da seyircilerin kahkahalarına neden oldu. Viyana'daki Aziz Stephen Katedrali'nin şapelinde. Hainburg'u ziyaret eden Viyanalı katedral orkestra şefi ve saray bestecisi Georg Reuter, Haydn'ın samimi bir inanan olduğu olağanüstü müzik yeteneklerine dikkat çekti. Manevi metinlere dayanan bir dizi ayin ve diğer sesli ve enstrümantal eserlerin yazarıdır. 23 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Zepperl. Böylece 1740 yılında, sekiz yaşındaki Haydn kendisini Avusturya'nın başkentinde buldu ve burada katedral (ana) Aziz Stephen Katedrali'nin şapelinde koro görevlisi olarak kabul edildi. kendim yapıyorum Bağımsız yaşamın zor başlangıcı. On sekiz yaşına geldiğinde genç adamın sesi bozulmaya başladığında - geçici olarak boğuklaştı ve esnekliğini kaybetti, kaba ve acımasızca şapelden atıldı. Kendini barınak ve parasız bulan, karısı ve çocuğuyla çatının altındaki küçük bir odada yaşayan tanıdık bir şarkıcı tarafından bir süre korunmamış olsaydı, açlıktan ve soğuktan ölebilirdi. Haydn her şeyi üstlenmeye başladı. müzik çalışması : notalar kopyaladı, şarkı söyleme, clavier çalma üzerine kuruşluk dersler verdi, kasaba halkından birinin onuruna geceleri serenat yapan Sokak enstrümantal topluluklarına kemancı olarak katıldı. Sonunda Viyana'nın merkezindeki bir evin altıncı ve son katındaki küçük bir odayı kiralayabildi. Oda rüzgarla delindi, içinde soba yoktu, kışın su sık sık dondu. Haydn, on yıl boyunca böyle bir kötü durumda yaşadı. Ancak kalbini kaybetmedi ve en sevdiği sanatla coşkuyla uğraştı. Yaşlılığında, "Kurt yenmiş eski klavyeme oturduğumda, hiçbir kralın mutluluğunu kıskanmadım" diye anımsıyordu. Canlı, neşeli karakteri Haydn'ın günlük zorlukların üstesinden gelmesine yardımcı oldu. Örneğin bir gece, müzisyen arkadaşlarını Viyana sokaklarından birinin tenha köşelerine yerleştirdi ve onun işaretiyle herkes sevdiği şeyi çaldı. Sonuç, çevredeki sakinler arasında heyecan uyandıran bir "kedi konseri" oldu. Müzisyenlerden ikisi polise gitti, ancak skandal "serenat" ın azmettiricisi iade edilmedi. Popüler bir çizgi roman aktörüyle tanışan Haydn, onunla birlikte "The Lame Demon" şarkısını besteledi ve az miktarda para kazandı ve ona uşak olarak hizmet etti. Haydn, yavaş yavaş Viyana'da hem öğretmen hem de besteci olarak ün kazanmaya başladı. Ünlü insanlarla tanıştı; müzisyenler ve müzik severler. Tanınmış bir memurun evinde oda topluluklarının icrasına katılmaya başladı ve ilk yaylı dörtlülerini kır malikanesinde konserler için yarattı. Ve Haydn ilk senfonisini 1759'da emrine küçük bir orkestra aldığında yazdı ve Kont Morzin'in şapelinin başı oldu. Sayım sadece evli olmayan müzisyenleri tuttu. Viyanalı bir kuaförün kızıyla evlenen Haydn, bunu bir sır olarak saklamak zorunda kaldı. Ancak bu, ancak 1760 yılına kadar, muhteşem binaları ve mimari toplulukları olan büyük ve güzel bir şehir olan Viyana'da, çocuğun üzerinde yeni bir canlı izlenimler dalgasının aktığı zamana kadar devam etti. Etrafta çok uluslu halk müziği sesleri geliyordu. Koronun da icra ettiği katedralde ve imparatorluk sarayında ciddi vokal ve enstrümantal eserler icra edildi. Ancak varoluş koşullarının yine zor olduğu ortaya çıktı. Sınıfta, provalarda ve performanslarda, koro çocukları çok yoruldu. Yetersiz beslendiler, sürekli yarı aç kaldılar. Şakalarından dolayı ağır şekilde cezalandırıldılar. Little Haydn, şarkı söyleme, klavye ve keman çalma sanatını özenle incelemeye devam etti ve gerçekten müzik bestelemek istedi. Ancak Reuter buna aldırış etmedi. Haydn'ın şapelde kaldığı dokuz yıl boyunca kendi işleriyle fazla meşgul olması nedeniyle ona sadece iki beste dersi verdi. Ama Josef inatla, gayretle amacının peşinden gitti.Birkaç yıl sonra, "The New Lame Imp" adlı başka bir şarkı yazdı. 20 24 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocukların eğitimi, kontun maddi işleri sarsıldı ve şapelini feshetti. Haydn'ın evliliği başarısız oldu. Seçtiği kişi, ağır, huysuz bir karakterle ayırt edildi. Kocasının beste işleriyle hiç ilgilenmiyordu - bestelerinin el yazmalarından papilottes ve pate için astarlar yaptığı noktaya kadar. Haydn birkaç yıl sonra eşinden ayrı yaşamaya başladı. Çocukları yoktu. Esterhazy prenslerinin şapelinde. 1761'de zengin bir Macar; Prens Pal Antal Esterhazy, Haydn'ı başkan yardımcısı olarak Eisenstadt'a davet etti. O andan itibaren Haydn'ın Esterhazy ailesiyle otuz yıl süren hizmeti başladı. Beş yıl sonra, bu pozisyonu elinde tutan yaşlı müzisyen öldükten sonra grup yöneticisi oldu. 1762'de ölen Pala Antal'ın varisi, lüks ve pahalı eğlenceye olan bağlılığıyla, Muhteşem lakaplı kardeşi Myklosh 1 ile ayırt edildi. Birkaç yıl sonra, ikametgahını Eisenstadt'tan 126 odalı yeni bir kır sarayına taşıdı, etrafını büyük bir parkla çevreledi ve inşa etti. Opera tiyatrosu 400 koltuk ve bir kukla tiyatrosu için, şapeldeki müzisyen sayısını önemli ölçüde artırdı. İçinde çalışmak Haydn'a iyi bir mali destek sağladı ve ek olarak - yeni eserlerinin orkestra performansını yöneterek çok şey besteleme ve pratikte kendini hemen test etme fırsatı. Esterhaz'da (yeni prens konutu olarak adlandırılıyordu), genellikle üst düzey yabancı konukların katılımıyla kalabalık resepsiyonlar düzenlenirdi. Bu sayede Haydn'ın çalışmaları yavaş yavaş Avusturya dışında tanınır hale geldi. Ama tüm bunlarda, dedikleri gibi, madalyonun diğer yüzü de vardı. Hizmete girdiğinde Haydn, bir tür müzik hizmetçisi olduğu bir sözleşme imzaladı. Prensin emirlerini dinlemek için her gün, akşam yemeğinden önce ve sonra, pudralı bir peruk ve beyaz çoraplarla Sarayın önüne çıkmak zorundaydı. Sözleşme, Haydn'ı "lord hazretlerinin arzu ettiği herhangi bir müziği acilen yazmaya, yeni besteleri kimseye göstermemeye ve hatta kimsenin onları yazmasına izin vermemeye, ancak onları yalnızca lord hazretleri için ve onun bilgisi ve nezaketi olmadan saklamaya" zorunlu kıldı. kimse için bir şey bestelememe izni" . Ayrıca Haydn'ın şapeldeki düzeni ve müzisyenlerin davranışlarını gözetmesi, şarkıcılara ders vermesi, enstrümanların ve notaların güvenliğinden sorumlu olması gerekiyordu. Bir sarayda değil, komşu bir köyde küçük bir evde yaşıyordu. Prens sarayı Eisenstadt'tan kışın Viyana'ya taşınırdı. Ve Haydn, Esterhazy'den başkente ancak ara sıra prensle veya özel izinle girebiliyordu. Eisenstadt ve Esterhase'de geçirdiği uzun yıllar boyunca Haydn, acemi bir müzisyenden, çalışmaları yüksek sanatsal mükemmelliğe ulaşan ve yalnızca Avusturya'da değil, aynı zamanda sınırlarının çok ötesinde tanınan büyük bir besteciye dönüştü. Böylece, altı "Paris Senfonisi" (No. 82-87), 1786'da başarıyla çaldıkları Fransa'nın başkentinden onun tarafından yazılmıştır. Haydn'ın Wolfgang Amadeus Mozart ile Viyana'daki görüşmeleri 1780'lere kadar uzanıyor. Dostça yakınlaşma, her iki büyük müzisyenin çalışmaları üzerinde olumlu bir etkiye sahipti. Zamanla Haydn, bağımlı konumunun giderek daha fazla farkına vardı. 1790'ın ilk yarısında Viyana'daki Esterhazy'den arkadaşlarına yazdığı mektuplarda şu ifadeler var: “Şimdi - vahşi doğamda oturuyorum - terk edilmiş - fakir bir yetim gibi - neredeyse kimsesiz - üzgün .. Esterhazy'nin son Prensleri geniş mülklere sahipti, birçok hizmetkarı vardı ve saraylarında kraliyet hayatı sürdüler. Özel 25 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Orkestra şefi mi yoksa orkestra şefi mi olduğumu günlerce anlayamadım... Her zaman köle olmak üzücü...» Yeni bir dönüş kader. İngiltere'ye geziler. Miklós Esterházy 1790 sonbaharında öldü. Aydınlanmış bir müzik aşığıydı, yaylı çalgılar çalıyordu ve Haydn gibi bir "müzik uşağı" nı kendi tarzında takdir etmekten kendini alamadı. Prens ona ömür boyu büyük bir emekli maaşı miras bıraktı. Miklos'un müziğe kayıtsız kalan varisi Antal, şapeli görevden aldı. Ancak ünlü bestecinin saray orkestra şefi olmaya devam etmesini dileyerek, Haydn'a yapılan nakit ödemeleri bile artırdı, Haydn böylece resmi görevlerden kurtuldu ve kendini tamamen yönetebildi. Haydn, beste yapmak amacıyla Viyana'ya taşındı ve ilk başta diğer ülkeleri ziyaret etme tekliflerini geri çevirdi. Ancak daha sonra İngiltere'ye uzun bir yolculuk yapma teklifini kabul etti ve 1791'in başında Londra'ya geldi. Böylece altmışıncı yaş gününe yaklaşan Haydn, denizi ilk kez kendi gözleriyle görmüş ve kendisini ilk kez başka bir halde bulmuştu. Hâlâ feodal-aristokrat olan Avusturya'nın aksine, İngiltere uzun zamandır bir burjuva ülkesiydi ve Londra'daki müzik dahil sosyal yaşam Viyana'dan çok farklıydı. Birçok endüstriyel ve ticari işletmenin bulunduğu devasa bir şehir olan Londra'da konserler, soyluların saraylarına ve salonlarına davet edilen seçilmiş kişiler için değil, herkesin bir ücret karşılığında geldiği halka açık salonlarda düzenlenirdi. İngiltere'de Haydn adı zaten bir zafer halesiyle çevriliydi. Hem ünlü müzisyenler hem de üst düzey kişiler, ona sadece eşit olarak değil, aynı zamanda özel bir saygıyla da davrandılar. Şefliğini üstlendiği yeni eserleri coşkuyla karşılandı ve cömertçe ödendi. Haydn, 40-50 kişilik, yani Esterhazy şapelinin iki katı büyüklüğündeki büyük bir orkestrayı yönetti. Oxford Üniversitesi ona fahri Müzik Doktoru derecesi verdi. Haydn, bir buçuk yıl sonra Viyana'ya döndü. Yolda Almanya'nın Bonn şehrini ziyaret etti. Haydn ile çalışmak amacıyla kısa süre sonra Viyana'ya taşınan genç Ludwig van Beethoven ile orada ilk kez tanıştı. Ancak Beethoven ondan uzun süre ders almadı. Yaşları ve mizaçları çok farklı olan iki müzik dehası, o zamanlar gerçek bir karşılıklı anlayış bulamadı. Ancak Beethoven üç piyano sonatını (No. 1-3) yayın sırasında Haydn'a adadı. Haydn'ın İngiltere'ye ikinci seyahati 1794'te başladı ve hatta bir buçuk yıldan biraz fazla sürdü. Başarı yine muzafferdi. Oluşturulan birçok eserden; bu geziler sırasında ve onlarla bağlantılı olarak, sözde on iki "Londra Senfonisi" özellikle önemliydi. Yaşamın ve yaratıcılığın son yılları. Esterházy'nin bir sonraki prensi Miklós II, müzikle selefinden daha fazla ilgileniyordu. Bu nedenle Haydn, bazen Viyana'dan Eisenstadt'a koşmaya başladı ve prensin emriyle birkaç kitle yazdı. Son yılların bestecisinin ana eserleri - iki anıtsal oratoryo "Dünyanın Yaratılışı" ve "Mevsimler" - Viyana'da büyük bir başarıyla icra edildi (biri 1799'da, diğeri 1801'de). Dünyanın daha sonra ortaya çıktığı eski kaosun tasviri, Dünya'nın yaratılışı, Dünya'daki yaşamın doğuşu ve insanın yaratılışı - bu oratoryoların ilkinin içeriği budur. İkinci oratoryonun dört bölümü ("İlkbahar", "Yaz", "Sonbahar", "Kış"), kırsal doğa ve köylü yaşamının iyi niyetli müzikal eskizlerinden oluşur. 26 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocukların eğitimi 1803'ten sonra Haydn başka bir şey bestelemedi. Şan ve şerefle çevrili hayatını sessizce yaşadı. Haydn, 1809 baharında, Napolyon Savaşlarının zirvesinde, Fransızlar Viyana'ya girdiğinde öldü. çello ve kontrbas. Nefesli çalgılar grubu flüt, obua, klarnet ve fagottan oluşur 21. Haydn'ın pirinç çalgılar grubu korna ve trompetlerden oluşur ve vurmalı çalgılardan sadece timpani kullanır ve sadece son, on ikinci Londra Senfonisinde bir üçgen ekler. , ziller ve davul. Sorular ve görevler 1 . Hangi üç büyük besteci Viyana müzik klasiği olarak adlandırılır? Böyle bir tanımı ne açıklar? 2. Bize 18. yüzyılda Viyana'nın müzik hayatından bahsedin. 3. Haydn'ın çalışmalarındaki ana müzik türlerini adlandırın. 4. Haydn'ın çocukluğu ve gençliği nerede ve nasıl geçti? 5. Haydn bağımsız yolculuğuna nasıl başladı? 6..Esterhazy prenslerinin şapelindeki hizmeti sırasında Haydn'ın hayatı ve çalışmaları nasıl ilerledi? 7. Bize Haydn'ın İngiltere'ye yaptığı gezilerden ve onun son yıllar hayat. Senfonik çalışma 1759'da Haydn ilk senfonisini yazdı, bu türdeki pek çok eser zaten vardı ve yaratılmaya devam ediyor. İtalya, Almanya, Avusturya ve diğer Avrupa ülkelerinde ortaya çıktılar. Örneğin 18. yüzyılın ortalarında, o dönemin en iyi orkestrasına sahip olan Almanya'nın Mannheim şehrinde bestelenip icra edilen senfoniler genel ün kazandı. Sözde "Mannheim okulu" nun bestecileri arasında birçok Çek vardı. Senfoninin atalarından biri üç bölümlük İtalyan opera uvertürüdür (parçaların tempoya göre oranı: “hızlı-yavaş-hızlı”). Erken ("klasik öncesi") senfonilerde, geleceğin klasik senfonisine giden yol hâlâ döşeniyordu, işaretler mecazi içeriğin önemi ve formun mükemmelliği haline geldi. Bu yolu izleyen Haydn, 1780'lerde olgun senfonilerine ulaştı. Ve aynı zamanda, henüz çok genç olan Mozart'ın olgun senfonileri ortaya çıktı ve şaşırtıcı derecede hızlı bir şekilde sanatsal ustalığın doruklarına ulaştı. Haydn, Mozart'ın kendisini derinden sarsan zamansız ölümünün ardından, bu türdeki başarılarını taçlandıran Londra Senfonilerini yarattı. Haydn'ın olgun senfonilerinde, dört bölümlük döngünün aşağıdaki tipik bileşimi oluşturulmuştur: sonat allegro, yavaş hareket, minuet ve final (genellikle bir rondo veya sonat allegro biçiminde). Aynı zamanda orkestranın dört grup çalgıdan oluşan klasik kompozisyonu ana özellikleriyle belirlenmiştir. Lider grup - dize. Keman, viyola içerir, Haydn her zaman klarnet kullanmazdı. Londra Senfonilerinde bile, yalnızca beşinde (on ikiden) görünürler. 21 27 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Bu senfoni "Askeri" olarak bilinir. Haydn'ın diğer bazı senfonilerinin de isimleri var. Çoğu durumda, bestecinin kendisi tarafından verilmezler ve yalnızca bir ayrıntıyı işaretlerler, örneğin, "Tavuk" senfonisinin yavaş bölümünde gıdaklama taklidi veya senfoninin yavaş bölümünde "tıklama" - genellikle resimsel. Saat". "Elveda" adı verilen F diyez minör senfoni ile özel bir hikaye ilişkilendirilir. Ek bir beşinci bölümü vardır (daha doğrusu, koda türünden bir Adagio). İcra sırasında orkestra üyeleri konsollarındaki mumları birer birer söndürür, enstrümanlarını alır ve ayrılırlar. Sessiz ve üzgün bir şekilde son ölçüleri çalan ve oradan ayrılan sadece iki kemancı kaldı. Bunun için aşağıdaki açıklama var. Sanki yazın bir kez, Prens Miklos I, Esterhaz'daki şapelinin müzisyenlerini normalden daha uzun süre geciktirdi. Ve Eisenstadt'ta yaşayan ailelerini görmek için bir an önce tatil yapmak istediler. Ve Veda Senfonisinin olağandışı ikinci finali, bu koşulların bir ipucu oldu. Senfonilere ek olarak, Haydn'ın orkestra için yüzden fazla bireysel dakika da dahil olmak üzere başka birçok eseri vardır. Ve aniden her şey neşeyle değişir: sonat allegro'nun sergilenmesi başlar. Yerine yavaş yürüyüş - hızlı (Allegro con spirito - "Çabuk, şevkle"), ağır bas sesleri yerine - aynı G ve A-bemol seslerinden yüksek bir sicilde, mobilin ilk nedeni, bulaşıcı derecede neşeli, dans teması ana kısım doğar. Bu temanın ana anahtarda belirtilen tüm motifleri, sanki hararetli bir ayaklar altında çiğnenmiş gibi ilk sesin tekrarıyla başlar: E-bemol majör Senfoni Bu, Haydn'ın on iki "Londra Senfonisi"nin on birincisidir. Ana anahtarı E-bemol majördür. “timpani tremolo senfonisi” olarak bilinir 22. Senfoni dört bölümdür. İlk bölüm yavaş bir girişle başlar. Timpani'nin tonik seslere göre ayarlanmış tremolo'su ("kesir") yumuşak bir şekilde duyulur. Uzak bir gök gürültüsü gibi. Ardından, girişin teması, pürüzsüz geniş "çıkıntılarda" ortaya çıkar. İlk olarak, çello, kontrbas ve fagot tarafından oktav birliğinde çalınır. Sanki bazı gizemli gölgeler sessizce süzülüyor, bazen duruyor. Burada tereddüt ediyorlar ve donuyorlar: girişin son ölçülerinde, ahenkler komşu G ve A-bemol seslerinde birkaç kez değişiyor ve kulağı beklemeye zorluyor - sonra ne olacak? Tema, piyano yaylı çalgılar tarafından iki kez tekrarlanır ve tüm orkestrada güçlü bir ses çıkaran çılgın bir dans eğlencesi kükremesi ile tamamlanır. Bu gümbürtü hızla geçer ve bağlantı kısmında yeniden bir gizem belirir. Ton kararlılığı bozuldu. B-bemol majörde (E-bemol majörün baskın) - yan kısmın anahtarı olan bir modülasyon vardır. Bağlantı bölümünde yeni bir tema yok, ancak Timpani temasının orijinal nedeni duyuluyor - üzerlerine deri gerilmiş, iki sopayla vurulan yarım küreler. Her yarım küre yalnızca bir perdelik ses üretebilir. Klasik senfoniler genellikle tonik ve baskın olarak ayarlanmış iki yarım küre kullanır. 22 28 www.classON.ru Ana bölümün Rus sanatı alanında çocuk eğitimi ve giriş temasının uzaktan hatırlatılması: Sergi, yan bölümün anahtarının (B-bemol majör) onaylanmasıyla sona erer. Sergi tekrarlanır ve gelişme bunu takip eder. Ana bölümün temasından izole edilmiş motiflerin çok sesli taklidi ve tonal-harmonik gelişimi ile doyurulur. Yan oyunun teması, geliştirmenin sonuna doğru ortaya çıkıyor. Tamamen D-bemol majör anahtarında, ana olandan uzakta gerçekleştirilir, yani yeni, alışılmadık bir ışıkta olduğu gibi görünür. Ve bir gün (bir fermata ile genel bir aradan sonra) girişin gizemli temasının tonlamaları da basta belirir. Geliştirme, ağırlıklı olarak piyano ve pianissimo ve yalnızca ara sıra - ayrı sforzando aksanlarıyla forte ve fortissimo sesleri. Bu, gizem izlenimini güçlendirir. Gelişimlerinde ana partinin temasından gelen motifler bazen fantastik bir dansı andırır. Bunun, bazen parlak bir şekilde yanıp sönen bazı gizemli ışıkların dansı olduğu hayal edilebilir. E bemol majör anahtarındaki tekrarda sadece ana kısım değil, yan kısım da tekrarlanır ve cilt atlanır. Kodda bazı gizemler görünüyor. Giriş gibi, bir Adagio temposu, sessiz bir timpani tremolo ve yavaş uyum hareketleriyle başlar. Ama çok geçmeden, ilk bölümün sonunda, hızlı tempo, yüksek ses ve neşeli dans "tezleme" geri döner. Senfoninin ikinci bölümü - Andante - iki temanın bir varyasyonudur - Do minör şarkı ve Do majör şarkı marşı. Bu sözde ikili varyasyonların yapısı şu şekildedir: birinci ve ikinci temalar özetlenir, ardından birinci temanın birinci varyasyonu, ikinci temanın birinci varyasyonu, birinci temanın ikinci varyasyonu, ikinci varyasyonu takip edilir. ikinci temanın malzemesine dayalı olarak ikinci temanın ve kodun varyasyonu. Bugüne kadar, araştırmacılar ilk konunun uyruğu hakkında tartışıyorlar. Hırvat müzisyenler, özellikleri itibariyle bunun bir Hırvat halk şarkısı olduğuna inanırken, Macar müzisyenler bunun bir Macar şarkısı olduğuna inanıyor. Sırplar, Bulgarlar, Polonyalılar da kendi ulusal özelliklerini onda buluyor. Bu anlaşmazlık kesin olarak çözülemez, çünkü bir yan bölümün böyle bir temasının kayıtları yine neşeli bir danstır. Ancak ana partiye kıyasla o kadar enerjik değil, daha zarif, kadınsı. Melodi bir obua ile kemanlarda geliyor. Tipik bir vals eşliği bu temayı lander'a yaklaştırıyor - valsin atalarından biri olan Avusturya ve Güney Almanya dansı: 29 www.classON.ru Rus sanatı alanında eski melodi ve sözleri bulunamadı. Görünüşe göre, birkaç Slav ve Macar ezgisinin özellikleri onda birleşmiş; özellikle artırılmış bir saniye için özel bir hareket (E-flat - fadiez): ikinci temanın varyasyonları, virtüöz pasajlarla - flüt zarafetleriyle süslenmiş kahramanca yürüyüş yürüyüşünü sürdürür. Ve büyük bir kodda, "müzikal olayların" gelişiminde beklenmedik dönüşler gerçekleşir. İlk olarak, yürüyüş teması yumuşak, şeffaf bir sese dönüşür. Daha sonra noktalı bir ritimle ondan izole edilen bir motif yoğun bir şekilde gelişir. Bu, E-bemol majör tonalitesinin aniden ortaya çıkmasına yol açar, ardından marş temasının son pasajı C majörde parlak ve ciddi bir şekilde duyulur. Senfoninin üçüncü bölümü - Minuet - aslen yüksek sosyete dansının ağırbaşlı yürüyüşünü melodideki kaprisli geniş sıçramalar ve senkoplarla birleştirir: Bir ilahi ve ikinci bir yürüyen ana tema. İlkinin aksine, aynı zamanda onunla bir yakınlığı vardır - dördüncü bir vuruş, melodinin yükselen ve sonra alçalan yönü ve yükseltilmiş bir dördüncü adım (fadiez): Bu tuhaf tema, yumuşak, sakin bir hareketle başlatılır. Trio'da - Minuet'in orta bölümü, birinci bölüm ile tam tekrarı arasında yer alır23: İlk temanın piyano ve pianissimo yaylı çalgılarla açıklanması, bazı olağandışı olaylarla ilgili bir hikayenin başlangıcı gibi yavaş bir anlatım gibidir. Bunlardan ilki, yaylı çalgı grubuna üflemeli çalgıların eklendiği, ikinci marş temasının aniden yüksek sesle sunumuyla sunulabilir. Anlatı tonu, ilk temanın ilk varyasyonunda korunur. Ama kederli ve temkinli yankılar sesine katılıyor. İkinci temanın ilk varyasyonunda solo keman, melodiyi tuhaf desenli pasajlarla renklendiriyor. Birinci temanın ikinci varyasyonunda anlatım bir anda fırtınalı, çalkantılı bir karaktere bürünür (timpani dahil tüm enstrümanlar kullanılır). İkincisinde, Minuet (veya daha doğrusu, karakterleri açısından aşırı incelikli tuhaf bölümleri), bir yandan senfoninin birinci ve ikinci bölümleri olan halk ve gündelik temalarla, diğer yandan son, dördüncü bölüm - final. Burada klasik bir sonat allegrosunda olması gerektiği gibi, sergilemede ana kısım E bemol majörün ana tonuyla, yan kısım B bemol majörün baskın tonuyla ve reprise'de her ikisi de sunulmaktadır. E-bemol majörde ses çıkarırlar. Ancak yan kısımda, uzun bir süre orkestra eserlerinin orta kısmında genellikle üç enstrümanla seslendirilmiştir. Üçlü adı buradan gelmektedir. 23 30 www.classON.ru Rusya'da sanat alanında çocukların eğitimi tamamen ortaya çıkıyor yeni Konu . Ana partinin temasının malzemesi üzerine inşa edilmiştir. "daire" veya "yuvarlak dans" anlamına gelen Fransızca "ronde" kelimesinden türetilmiştir. Sorular ve görevler 1 . Haydn ve Mozart olgun senfonilerini ne zaman bestelemeye başladılar? 2. Bir Haydn senfonisi genellikle hangi kısımlardan oluşur? Haydn'ın orkestrasındaki enstrüman gruplarını adlandırın. 3. Haydn'ın hangi senfonilerini biliyorsunuz? 4. Haydn'ın Mi bemol majör senfonisine neden "tremolo veya Taurus ile" deniyor? Hangi bölümden başlıyor? 5. Bu senfoninin birinci bölümündeki sonat formunun ana temalarını betimler. 6. Senfoninin ikinci bölümü hangi formda ve hangi konularda yazılmıştır? 7. Üçüncü bölümün ana konularını ve bölümlerini açıklayınız. 8. Finalde ana ve yan bölümlerin temaları arasındaki ilişkinin özelliği nedir? Senfoninin ilk bölümündeki müzik karakteri ile finalindeki müzik arasındaki bağlantı nedir? Böylece tüm finalin tek bir temaya dayandığı ortaya çıkıyor. Besteci, sanki karmaşık bir oyundaymış gibi, ya temayı tamamen sürdürür ya da varyantlarını ve bireysel unsurlarını ustaca birleştirir. Ve kendi başına merak uyandırıyor. Ne de olsa, ilk önce içinde harmonik bir temel belirir - iki boynuzun sözde "altın hareketi" - av boynuzlarının tipik bir sinyali. Ve ancak o zaman Hırvat halk şarkılarına yakın bir dans melodisi bu temel üzerine bindirilir. Bir sese "tepme" ile başlar ve gelecekte bu sebep birçok kez tekrarlanır, taklit edilir, bir sesten diğerine geçer. Bu, ilk bölümün ana temasının açılış motifini ve orada nasıl geliştiğini anımsatıyor. Ayrıca besteci finalde aynı tempoyu gösterdi - Allegro con spirito. Böylece finalde neşeli bir halk dansı unsuru nihayet hüküm sürer. Ama burada özel bir karakteri var - karmaşık bir yuvarlak dansa benziyor, dansın şarkı ve oyun eylemiyle birleştirildiği bir grup dansı. Bu aynı zamanda, açıklamada ana bölümün ana anahtarda iki kez daha tekrarlanması gerçeğiyle de doğrulanır - küçük bir geçiş bölümünden sonra ve bir yan bölümden sonra. Yani, bir daire içinde hareket ederek devam ediyor gibi görünüyor. Bu da rondo formunun özelliklerini sonat formuna sokar. Daha önce de belirtildiği gibi "rondo" kelimesi, clavier yaratıcılığı Haydn clavier eserlerini yarattığında, piyano yavaş yavaş müzik pratiğinden klavsen ve klavsen yerini aldı. Haydn, ilk bestelerini bu eski klavye enstrümanları için yazdı ve sonraki baskılarda "klavsen veya piyano için" ve son olarak bazen sadece "piyano için" belirtmeye başladı. Clavier eserleri arasında en önemli yer solo sonatlara aittir. Daha önce Haydn'da sadece 52 tane olduğuna inanılıyordu, ancak daha sonra araştırmacıların araştırması sayesinde bu sayı 62'ye çıktı. Bunların en ünlüsü Re majör ve Mi minör sonatlarıdır24. D Majör Sonat Bu sonatın ilk bölümünü başlatan ana bölümün teması, çocuksu yaramaz oktav sıçramaları, zarafet notaları, mordanlar ve ses tekrarları ile neşe ve neşe saçan bir danstır. Bu tür müzikler bir operebuffada çalınıyormuş gibi de düşünülebilir: Önceki baskılarda bu sonatlar "No. 37" ve "No. 34", sonraki baskılarda "No. 50" ve "No. 53" olarak basılmıştır. . 24 31 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Ancak daha sonra ana bölümden yaramaz sıçramalar, yan bölümün temasının gelişimine nüfuz eder ve ardından - bağlantı bölümünden telaşlı geçiş Hareketi. Daha gergin, kapsamlı hale gelir ve aniden hızlı bir şekilde sakinleşir - sanki anlık bir kararmış gibi. Bundan sonra sergi, soğukkanlılıkla dans eden bir final partisiyle sona erer. Geliştirmede yine çok fazla canlı yaygara var. Burada oktav ana bölümün temasından atlar ve sol el , Daha da yaramaz hale gelirler ve geçiş hareketi, sergideki yan kısım temasının geliştirilmesinden daha fazla gerilime ve geniş kapsama ulaşır. Reprise'de, ana tonda (D majör) yan ve son bölümlerin sesi, neşeli bir ruh halinin hakimiyetini sağlam bir şekilde kurar. Sonata en güçlü karşıtlık, karakter olarak yavaş ve ölçülü olan kısa ikinci hareketle dahil edilir. D minörde aynı ismin anahtarında yazılır. Müzikte sarabandenin ağır ayak sesleri duyulur - eski bir dans, genellikle bir cenaze alayı karakterine bürünür. Ve üçüzler ve noktalı ritmik figürlerle ifade edilen melodik ünlemlerde Macar çingenelerinin hüzünlü ezgileriyle bir benzerlik vardır: On altıncıların neşeli, telaşlı pasajları bağlantı partisini doldurur. Ve yan kısmın teması (A majör anahtarında) da dans edilebilir, sadece daha ölçülü, zarif: 32 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi E Minör Sonatı . Bunun için özenle hazırlandı, ancak Esterhazy Şapeli'ndeki resmi görevleri nedeniyle bunu gerçekleştiremedi. Uzak bir "denizaşırı" yolculuğun hayallerinin ve bunlarla ilgili deneyimlerin o dönemde ortaya çıkan E minör sonata yansıması muhtemeldir. Bu, Haydn'ın ilk bölümde belirgin bir lirik karakterin çok hızlı bir tempo ile birleştirildiği birkaç küçük sonatından yalnızca biridir. Sonatın başladığı bu hareketin ana bölümünün teması da tuhaftır: Ancak Haydn'ın iyimser sanatında, kasvetli ölüm imgelerinin üstesinden her zaman parlak yaşam imgeleri gelir. Ve bu sonatın tonikte değil, baskın akorda biten D minör ikinci kısmı, doğrudan aceleci D majör final 25'i geçer. Final, ana temanın - nakarat olduğu bir rondo şeklinde inşa edilmiştir ( D majör ana anahtarında) - üç kez tekrarlanır ve tekrarları arasında değişen bölümler vardır - bölümler: ilk bölüm D minör ve ikincisi - G majör. Burada, sadece ilk re minör bölümde, kederli anılar kayıp gidiyor - orta kısmın bir yankısı. Sol majör ikinci bölüm, şimdiden dikkatsizce neşeli ve aynı nota üzerinde sağ ve sol ellerin komik bir "yoklamasına" yol açıyor. Ve finalin uçma ve dans etme ana teması (nakarat rondo) Haydn'ın en neşeli temalarından biridir: Temanın açılış cümleleri burada iki unsurun birleşiminden oluşmuştur. Basta, sol elde, piyano küçük bir tonik üçlüsünde hareket eder - uzak bir yere koşmak için yapılan çağrılar gibi. Ve tam orada, sağ elde sanki şüphe duyuyormuş gibi titreyen, sallanan güdüler-cevaplar gelir. Temanın genel hareketi yumuşak, dalgalı, sallanıyor. Ek olarak, ilk hareketin boyutu - 6/8 - barcarolle türü için tipiktir - "sudaki şarkılar"26. Bağlantı bölümünde, yan ve son bölümlerin anahtarı olan E minöre paralel olarak Sol majöre bir modülasyon vardır. On altıncıların hareketli pasajlarıyla dolu bağlantı ve son kısımlar, yan kısmı çerçeveliyor - hafif, rüya gibi. Bu, "finale hemen başlamak" anlamına gelen İtalyanca "attacca subito il Finale" sözleriyle belirtilir. Başlangıçta, Venedikli gondolcuların şarkılarına barcarolles deniyordu. Türün adı İtalyanca "barca" - "tekne" kelimesinden gelir. 25 26 33 www.classON.ru Sanat alanında çocuk eğitimi Rusya sanki yükseliyormuş gibi: doğa, sinyallerin sesiyle, sanki dönüş yolculuğunu çağırıyormuş gibi, kalp neşeli bir endişeyle atıyor gibiydi! Ve burada akor geçişinden sonra üçüncü hareketin ana teması (final) belirir. Bu, Finale'nin yazıldığı rondo formunun nakaratıdır. Kendi topraklarına "tam yelkenle" koşmaya yardımcı olan ilham verici bir eşlik eden şarkıya benziyor: Yani, finaldeki rondo formunun şeması şu şekildedir: nakarat (E minör), ilk bölüm (E majör), nakarat (E minör), ikinci bölüm ( E majör), nakarat (E minör). Her iki bölüm de nakaratla ve birbirleriyle melodik yakınlıkla bağlantılıdır. Bağlantı, ikincil ve son kısımlar ses çıkardığında, hayal gücü cezbedici görüntüler çizer - ne kadar adil bir rüzgar esiyor, hızlı hareket ne kadar neşeyle ilerliyor. Ayrıca, ana, bağlantı ve son parçaların malzemesi üzerine inşa edilen geliştirmede, küçük anahtarlardaki sapmalar hakimdir. Esas olarak, yani majör değil, minör tonalite, reprise'de daha geniş bir ses haline gelen ikincil ve son bölümler. Bununla birlikte, üzüntü ve manevi şüpheler, bilinmeyen mesafeye doğru çabalayarak nihayet yenilir. Ana partinin temasının çağrışımsal başlangıcının dikkat çekici bir şekilde tekrarlandığı ilk bölümün son ölçülerinin anlamı budur. Sonatın sol majör yavaş ikinci bölümü, hafif bir tefekkür havasıyla dolu bir tür enstrümantal aryadır. Hafif koloraturu, cıvıl cıvıl kuşların, mırıldanan akıntıların yankılarıyla doludur: Sorular ve görevler 1. Haydn'ın clavier müziğinin ana türünü adlandırın. Sonatlarından kaç tanesi biliniyor? 2. Re majör sonatının birinci bölümünün ana bölümlerini açıklayınız. Bu kısımda ana ve yan kısımlar arasında bir bağlantı var mı? 3. D majör sonatının ikinci bölümü müziğe nasıl bir zıtlık getiriyor? Finalle ilişkisi nedir? 4. E minör sonatının ilk bölümünün ana bölümünün yapısının ve temasının özelliklerini bize anlatın. Bu bölümün geri kalan konularını ve bölümlerini olgunlaştırın ve karakterize edin. 5. Mi minör sonatının ikinci bölümünün karakteri nedir? 6. Mi minör sonatının finalinin biçiminden ve ana temasının doğasından bahsedin. Başlıca eserler 100'den fazla senfoni (104) Çeşitli enstrümanlar ve orkestra için konçerto serileri 80'den fazla dörtlü (iki keman, viyola ve çello için) (83) 62 clavier sonata Yaratılış ve Mevsimler oratoryosu 24 opera İskoç ve İrlanda şarkılarının aranjmanları Ancak, ne olursa olsun uzak bir yerde, rahimde huzurlu bir dinlenme ne kadar tatlı 34 www.classON.ru Rus sanatı alanında birçok türde yazılmış çocuk eğitimi - senfonileri, enstrümantal konserler, çeşitli oda toplulukları, piyano sonatları, koro, solist ve orkestra için Requiem. Mozart'ın alışılmadık derecede erken ve hızla gelişen olağanüstü yeteneği, onun adı etrafında yaratıldı; efsanevi "müzikal mucizenin" halesi. Parlak karakteristik; A. S. Puşkin'in (“küçük trajedi”) “Mozart ve Salieri” adlı oyununda ilham veren bir sanatçı olarak verildi. Buna göre N. A. Rimsky Korsakov'un aynı adlı operası 27 yazılmıştır. Mozart, P. I. Tchaikovsky'nin en sevdiği besteciydi 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Hayat Yolu Ailesi. Erken çocukluk. Ocak 1756'da dünyaya gelen Wolfgang Amadeus Mozart'ın doğum yeri Avusturya'nın Salzburg şehridir. Alpler'in doğu eteklerinde rotasını çizen hızlı Salzach nehrinin engebeli kıyılarına pitoresk bir şekilde yayılmıştır. Salzburg, hükümdarı bir başpiskoposun manevi haysiyetine sahip olan küçük bir prensliğin başkentiydi. Wolfgang Amadeus'un babası Leopold Mozart, şapelinde görev yaptı. Ciddi ve yüksek eğitimli bir müzisyendi - üretken bir besteci, kemancı, orgcu ve öğretmendi. Yayınladığı "Keman Okulu" Rusya dahil birçok ülkede dağıtıldı. Leopold ve eşi Anna Maria'nın yedi çocuğundan sadece ikisi hayatta kaldı - en küçük oğlu Wolfgang Amadeus ve daha büyük olan kızı Maria Anna (Nannerl)! 4 buçuk yıllık kardeşim. Babası, mükemmel yeteneklere sahip olan Nannerl'e klavsen çalmayı öğretmeye başladığında, kısa süre sonra üç yaşındaki Wolfgang ile çalışmaya başladı ve en iyi kulağını ve harika müzik hafızasını fark etti, dört yıl boyunca çocuk zaten denemişti. müzik besteledi ve hayatta kalan ilk klavsen parçalarını, yazar henüz beş yaşındayken babası tarafından kaydedildi. Dört yaşındaki Wolfgang'ın nasıl daha klavuz bir konçerto bestelemeye çalıştığına dair bir hikaye vardır. Kalemle birlikte parmaklarını mürekkep hokkasına daldırdı ve nota kağıdına lekeler koydu. Babam bu çocuksu kayda baktığında, lekelerin arasından onda şüphesiz bir müzikal anlamlılık keşfetmedi. En büyük müzik dehalarından biri olan Avusturyalı besteci Wolfgang Amadeus Mozart sadece 35 yaşına kadar yaşadı. Bunlardan otuz yıl müzik besteledi ve 600'den fazla eser bırakarak dünya sanatının altın fonuna paha biçilmez bir katkı yaptı. Mozart'ın yaşamı boyunca yaratıcı yeteneğinin en sadık, en yüksek değerlendirmesi, yaşlı çağdaşı Joseph Haydn tarafından verildi. "... Oğlun," demişti bir keresinde Wolfgang Amadeus'un babasına, " en büyük bestecişahsen ve adıyla tanıdığım; zevki var ve bunun yanı sıra beste konusunda en büyük bilgisi var. Viyana klasiği olarak adlandırılan Haydn ve Mozart'ın müziği, şiirsel yüceliği ve derinliği ile duyguları ifade etmede sadelik ve doğallığın birleşimi, dünyanın iyimser aktif-etkili bir algısının ortak noktasıdır. Aynı zamanda sanatsal ilgileri arasında da önemli bir fark vardır. Haydn, halk-gündelik ve lirik-epik imgelere ve Mozart'a - aslında lirik ve lirik-dramatik olanlara daha yakındır. Mozart'ın sanatı, bir kişinin duygusal deneyimlerine duyarlılığı ve çeşitli insan karakterlerinin somutlaşmasındaki doğruluğu ve canlılığı ile özellikle büyüleyicidir. Onu harika yaptı opera bestecisi. Operaları ve özellikle Figaro'nun Düğünü, Don Giovanni ve Sihirli Flüt, tüm müzikal tiyatroların sahnelerinde sahnelenerek üçüncü yüzyıl boyunca değişmeyen bir başarı elde etti. Dünya konser repertuarının en onurlu yerlerinden biri Mozart'ın eserleri tarafından işgal edilmiştir Salieri'nin Mozart'ı kıskançlıktan zehirlediği versiyon sadece bir efsanedir. Çaykovski orkestrasyonlu dört piyano parçaları Mozart ve onlardan "Mozartiana" süitini derledi. 27 28 35 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi bir keman konçertosu seslendirecek... Mendille kaplı klavyeyi sanki gözlerinin önündeymiş gibi çalacak, sonra uzaktan tüm isimleri söyleyecek teker teker veya akorlar halinde klavyeye veya başka bir enstrümana alınacak veya nesneler tarafından yayınlanacak - bir zil, bir bardak, bir saat. Sonunda sadece klavsen üzerinde değil, aynı zamanda org üzerinde de seyirci istediği sürece ve ona dedikleri en zor tuşlarda bile doğaçlama yapacak ... ”İlk konser gezileri. Leopold Mozart, yetenekli çocuklarıyla birlikte büyük müzik merkezlerine konser gezileri yapmaya karar verdi. Almanya'nın Münih şehrine ilk gezi, 1762'nin başında, Wolfgang henüz altı yaşındayken gerçekleşti. Altı ay sonra Mozart ailesi Viyana'ya gitti. Orada, Wolfgang ve Nannerl imparatorluk sarayında sahne aldılar, büyük bir başarı elde ettiler ve hediyeler yağmuruna tutuldular. 1763 yazında Mozartlar, Paris ve Londra'ya büyük bir yolculuk yaptılar. Ama önce bir dizi Alman şehrini ve dönüş yolunda - yine Paris'te, ayrıca Amsterdam, Lahey, Cenevre ve diğer birkaç şehri ziyaret ettiler. Başta Wolfgang olmak üzere küçük Mozartların icraları her yerde, hatta en görkemli kraliyet saraylarında bile şaşkınlık ve hayranlık uyandırdı. O zamanların geleneğine göre Wolfgang, işlemeli siyah bir takım elbise ve pudralı bir perukla asil bir seyircinin karşısına çıktı, ancak aynı zamanda tamamen çocukça bir kendiliğindenlikle davrandı, örneğin imparatoriçe dizlerinin üzerine atlayabilirdi. . Arka arkaya 4-5 saat süren konserler minik müzisyenler için çok yorucu olurken, halk için bir nevi eğlenceye dönüştü. Duyurulardan birinde şöyle deniyordu: “... On ikinci yılda bir kız ve yedinci yılda bir erkek klavsen konseri verecek ... Ayrıca oğlan 36 www.classON.ru Çocuk Rus sanatı alanında eğitim Konser turu üç yıldan fazla sürdü ve Wolfgang'a çok çeşitli izlenimler getirdi. Çok sayıda enstrümantal ve vokal eser duydu, bazı seçkin müzisyenlerle tanıştı (Londra'da - Johann Sebastian Bach'ın en küçük oğlu Johann Christian ile). Performanslar arasında Wolfgang coşkuyla kompozisyon çalıştı. Paris'te keman ve klavsen için sonatlarından dördünün baskısı tükendi, bu da bunların yedi yaşındaki bir çocuğun eserleri olduğunu gösteriyor. Londra'da ilk senfonilerini yazdı. Salzburg'a dön ve Viyana'da kal. İlk opera. 1766'nın sonunda bütün aile Salzburg'a döndü. Wolfgang, babasının rehberliğinde sistematik olarak beste tekniğiyle uğraşmaya başladı. Mozartlar 1768'in tamamını Viyana'da geçirdiler. Tiyatroyla yaptığı bir sözleşme kapsamında, on iki yaşındaki Wolfgang, İtalyan modellerin ardından üç ay içinde The Imaginary Simple Girl buffa operasını yazdı. Provalar başladı, ancak performans ertelenmeye başlandı ve ardından tamamen iptal edildi (muhtemelen kıskanç insanların entrikaları nedeniyle). Sadece gelecek yıl Salzburg'da gerçekleşti. Wolfgang, Viyana'da beş senfoni de dahil olmak üzere başka birçok müzik parçası besteledi ve yeni bir kilisenin kutsanma töreninde ciddi Ayini başarıyla yönetti. İtalya gezileri. 1769'un sonundan 1773'ün başına kadar Wolfgang Amadeus, babasıyla birlikte İtalya çevresinde üç uzun yolculuk yaptı. Bu "müzik diyarında" genç Mozart, Roma, Napoli, Milano, Floransa da dahil olmak üzere bir düzineden fazla şehirde büyük bir başarı ile performans sergiledi. Senfonilerini yönetti, klavsen, keman ve org çaldı, verilen temalar üzerine doğaçlama sonatlar ve fügler, belirli metinler üzerine aryalar yaptı, zor eserleri göz önünden mükemmel bir şekilde çaldı ve diğer tonlarda tekrarladı. İki kez Bologna'yı ziyaret etti ve burada bir süre ünlü öğretmen - teorisyen ve besteci Padre Martini'den ders aldı. Zor sınavı parlak bir şekilde geçtikten sonra (karmaşık polifonik teknikler kullanarak polifonik bir beste yazarak), on dört yaşındaki Mozart, özel bir istisna olarak Bologna Filarmoni Akademisi üyeliğine seçildi. Ve tüzüğe göre, yalnızca yirmi yaşına ulaşmış ve bu yetkili kurumda ön kalış deneyimi olan müzisyenlerin girmesine izin verildi. Roma'da, Vatikan'daki (papalık konutu) 29 Sistine Şapeli'ni ziyaret eden Mozart, bir keresinde 17. yüzyıl İtalyan bestecisi Gregorio Allegri'nin iki koro için çok sesli ruhani bir bestesini dinlemişti. Bu eser Papa'nın malı olarak kabul edildi ve kopyalanmasına veya dağıtılmasına izin verilmedi. Ancak Mozart, tüm karmaşık koro notasını hafızasından yazdı ve papalık koro üyesi kaydın doğruluğunu onayladı. Sadece müziğin değil, aynı zamanda güzel sanatların ve mimarinin de harika bir ülkesi olan İtalya, Mozart'a bol miktarda sanatsal izlenim verdi. Özellikle opera binalarını ziyaret etmekten büyülendi. Genç adam İtalyan opera tarzında o kadar ustalaştı ki kısa sürede üç opera yazdı ve ardından Milano'da büyük bir başarıyla sahnelendi. Bunlar iki opera dizisi - "Pontus Kralı Mithridates" ve "Lucius Sulla" - ve mitolojik olay örgüsü "Alba'da Ascanio"30 üzerine bir pastoral opera. Viyana, Münih, Mannheim, Paris gezileri. Müthiş yaratıcı ve konser başarısına rağmen Wolfgang Amadeus, İtalyan devletlerinin hükümdarlarından herhangi birinin mahkemesinde hizmet alamadı. Salzburg'a dönmek zorunda kaldım. Burada merhum başpiskoposun yerine yeni, daha despotik ve kaba bir hükümdar hüküm sürdü. Hizmetinde olan Mozartların yeni geziler için izin almaları daha da zorlaştı. Ve Mozart'ın beste yapmak istediği opera binası Salzburg'da mevcut değildi ve diğer müzikal aktivite fırsatları sınırlıydı. İki müzisyenin Viyana gezisi, Salzburg Başpiskoposunun Avusturya'nın başkentini ziyaret etmek istemesi sayesinde mümkün oldu. İsteksizce Mozartlara da seyahat etme izni verdi; Genç bestecinin yeni opera buffa'sının sahnelendiği Münih. Ve bir sonraki yolculuk için sadece Wolfgang Amadeus büyük zorluklarla izin almayı başardı. Babası Salzburg'da kalmaya zorlandı ve annesi oğluna eşlik etmeye gitti. İlk uzun durak, Almanya'nın Mannheim kentinde gerçekleşti. Burada Wolfgang Amadeus ve Anna Maria, klasik öncesi Mannheim besteci okulunun bir temsilcisi olan o zamanki ünlü senfoni orkestrasının liderlerinden biri tarafından evinde içtenlikle karşılandı. Mannheim'da Mozart, Michelangelo da dahil olmak üzere İtalyan sanatçılar tarafından bestelendi. 30 Pontus Krallığı, Karadeniz'de, esasen bugünkü Türkiye kıyılarında ("Pont Euxinus", yani "misafirperver deniz", Karadeniz'in eski Yunanca adı) yer alan eski bir devlettir. Lucius Sulla eski bir Yunan askeri ve siyasi figürüdür. Pastoral (İtalyanca "pastore" - "çoban" kelimesinden), doğanın koynunda yaşamı idealleştiren olay örgüsüne sahip bir eserdir. Sistine Şapeli - ev kilisesi Vatikan'daki papalar; 15. yüzyılda Papa Sixtus IV tarafından yaptırılmıştır. Şapelin duvarları ve tavanı, çoğu enstrümantal olan ve zaten olgunlaşmış müzik tarzıyla işaretlenmiş harika bir dizi eserle boyanmıştır. Ancak burada da Wolfgang Amadeus için kalıcı bir iş boşluğu yoktu. 1778 baharında Mozart ve annesi Paris'e geldi. Ancak, orada gerçek bir tanınma elde etme ve önemli bir konuma gelme umutları gerçekleşmedi. Fransa'nın başkentinde, görünüşte yaşayan bu oyuncak olan mucize çocuk çoktan unutuldu ve genç müzisyenin gelişen yeteneğini fark edemediler. Mozart, ne konser organizasyonunda ne de bir opera siparişi almada şanslı değildi. Derslerden sefil bir kazançla yaşadı, tiyatro için sadece küçük bir bale "Biblo" için müzik yazabiliyordu. Kaleminin altından yeni dikkat çekici eserler çıktı ama sonra bunlar kendilerine ciddi bir ilgi çekmedi. Ve Wolfgang Amadeus yazında ağır bir keder yaşadı: annesi hastalandı ve öldü. Başta gelecek yıl Mozart Salzburg'a döndü. Idomeneo Operası. Başpiskopostan ayrıl ve Viyana'ya taşın. Mozart için önümüzdeki yılların en önemli olayları, Girit Kralı Idomeneo operasının Münih'te yaratılması ve sahnelenmesi, büyük başarısıydı. Burada İtalyan opera serisinin en iyi nitelikleri, Gluck'un opera reformunun ilkeleriyle birleştirildi. Bu, Mozart'ın canlı orijinal opera şaheserlerinin ortaya çıkmasının yolunu açtı. ... 1781'di. Mozart 25 yaşında. Yeni yaratıcı fikirlerle dolu üç buçuk yüz eserin yazarıdır. Ve Salzburg başpiskoposu için, o sadece, kibirli ve despotik efendinin giderek daha fazla baskı yaptığı ve aşağıladığı, onu halk odasında "aşçıların üstünde, ama uşakların altında" masaya oturmaya zorlayan, ona izin vermeyen bir müzik hizmetkarıdır. izinsiz herhangi bir yere gitmek, herhangi bir yerde performans sergilemek. Bütün bunlar Mozart için dayanılmaz hale geldi ve istifasını sundu. Başpiskopos onu iki kez küfürler ve hakaretlerle reddetti ve çevresi müzisyeni kaba bir şekilde kapıdan kovdu. Ancak manevi bir şok yaşayan o, kararında kararlı kaldı. Mozart, mali açıdan güvenli ama bağımlı saray müzisyeni konumundan gururla ayrılan ilk büyük besteciydi. Viyana: son on yıl. Mozart Viyana'ya yerleşti. Örneğin, Don Giovanni operasının Prag'daki ilk prodüksiyonuyla bağlantılı olarak veya Almanya'daki iki konser turu sırasında Avusturya başkentinden yalnızca ara sıra kısa bir süre ayrıldı. 1782'de, neşeli mizacı ve müzikalitesi ile öne çıkan Constance Weber ile evlendi. Birbiri ardına çocuklar doğdu (ancak altı kişiden dördü bebekken öldü). Mozart'ın clavier müziğinin icracısı olarak konser performanslarından, bestelerin yayınlanmasından ve opera prodüksiyonlarından elde ettiği kazanç düzensizdi. Ayrıca nazik, güvenen ve pratik olmayan bir kişi olan Mozart, para meselelerini ihtiyatlı bir şekilde nasıl yöneteceğini bilmiyordu. 1787'nin sonunda, yalnızca dans müziği bestelemesi talimatı verilen mahkeme odası müzisyeninin yetersiz maaşlı pozisyonuna atanması, onu sık sık yaşanan para ihtiyacından kurtarmadı. Bütün bunlara rağmen, on Viyana yılında Mozart iki buçuk yüzden fazla yeni eser yarattı. Bunların arasında birçok türdeki en parlak sanatsal başarıları parladı. Mozart'ın evlendiği yıl, ışıltılı Saraydan Kız Kaçırma adlı teklisi Viyana'da büyük bir başarıyla sahnelendi; mizah31. Ve opera-buffa "Figaro'nun Düğünü", orijinali; Son Viyana yıllarında ortaya çıkan "neşeli drama" türü "Don Juan" ve opera masalı "Sihirli Flüt" e aittir. en yüksek zirveler, bütün için müzikal tiyatro tarafından elde edildi! onun geçmişi. Mozart, Sol minör (No. 40) da dahil olmak üzere sonuncusu olduğu ortaya çıkan en iyi üç senfonisini 1788 yazında yazdı. Aynı on yılda, bestecinin diğer birçok enstrümantal eseri ortaya çıktı - dört bölümlük orkestral "Küçük Gece Serenatı", bir dizi piyano konçertoları, sonatlar ve çeşitli oda toplulukları. Mozart yaylı dörtlülerinden altısını sıcak bir ilişki içinde olduğu Haydn'a adadı. dostane ilişkiler . Mozart bu yıllarda Bach ve Handel'in eserlerini büyük bir ilgiyle inceledi. Mozart'ın en son eseri, koro, solistler ve orkestra için ölüler için bir ayin olan Requiem'dir. Temmuz 1791'de besteciye adını vermek istemeyen bir adam tarafından sipariş edildi. Gizemli görünüyordu, kasvetli önsezilere yol açabilirdi. Sadece birkaç yıl sonra, emrin bir başkasının eserini satın alıp kendisininmiş gibi devretmek isteyen Viyanalı bir konttan geldiği ortaya çıktı. Ciddi şekilde hasta olan Mozart, Requiem'i tam olarak tamamlayamadı. Bestecinin öğrencilerinden biri tarafından taslaklara göre tamamlandı. 5 Aralık 1791 gecesi büyük müzisyenin ölümünün arifesinde arkadaşlarının hala bitmemiş işin bazı kısımlarını onunla birlikte söylediğine dair bir hikaye var. Mozart'ın müziğinin ilham verici lirik ve dramatik ifadesi, Requiem'deki kederli tasarıma uygun olarak özel bir yücelik ve ciddiyet kazandı. Fon eksikliği nedeniyle Mozart, zengin doğu soylularının evlerinde kadın yarısı olan 31 32 Saray için ortak bir mezara gömüldü. Latince "requiem" kelimesi "barış" anlamına gelir. 38 www.classON.ru Rusya'da sanat alanında çocukların eğitimi yetersizdir ve onun tam olarak gömüldüğü yer bilinmemektedir. Kontes Susanna için elbisesini giydi. Karısından utanan Almaviva, artık Figaro ve Susanna'nın beklenmedik olaylarla dolu "çılgın bir günü" neşeyle ve mutlu bir şekilde sonlandıran düğünlerini kutlamalarına engel olmamak zorunda kalır. Opera, büyük popülarite kazanan ve genellikle senfoni konserlerinde icra edilen bir uvertürle başlar 34. Diğer pek çok uvertürün aksine, bu uvertürde operanın kendisinde ses çıkaran temalar kullanılmaz. Burada, sonraki eylemin genel havası, büyüleyici hızı ve kaynayan neşesi canlı bir şekilde aktarılıyor. Uvertür, sonat biçiminde yazılır, ancak geliştirme yapılmadan, yerini açıklama ve tekrarlama arasında kısa bir bağlantı alır. Aynı zamanda, hızla birbirinin yerini alan beş tema açıkça ayırt edilir. Bunlardan birinci ve ikincisi ana partiyi, üçüncü ve dördüncü - yan partiyi, beşinci - son partiyi oluşturur. Hepsi enerjik ama aynı zamanda her birinin kendine özgü bir karakteri var. Yaylı çalgılar ve fagotların ahenkle çaldığı ana bölümün ilk teması, muzip bir çeviklikle hızla ilerliyor: Sorular ve ödevler 1. Mozart'ın müziğinin Haydn'ın müziğiyle ortak noktası nedir? Ve bu iki Viyana klasiğinin sanatsal ilgi alanları arasındaki fark nedir? 2. Bize Wolfgang Amadeus Mozart'ın ailesinden ve erken çocukluk döneminden bahsedin. 3. Mozart küçük bir çocukken hangi ülkelerde ve şehirlerde sahne aldı? Bu performanslar nasıldı? 4. Mozart ilk opera buffasını kaç yaşında yazdı? Adı neydi ve nereye yerleştirildi? 5. Bize genç Mozart'ın İtalya gezilerinden bahsedin. 6. Mozart daha sonra hangi şehirleri ziyaret etti? Paris gezisi başarılı mıydı? 7. Bize Mozart'ın Salzburg başpiskoposuyla arasını anlatın. 8. Mozart'ın yaşamının ve çalışmalarının son on yılını anlatın. Bu dönemde yarattığı ana eserleri adlandırın. Figaro'nun Düğünü Operası Mozart'ın Figaro'nun Düğünü operasının prömiyeri 1786'da Viyana'da yapıldı. Besteci, ilk iki performans için harpsikordu kendisi yönetti. Başarı çok büyüktü, ancak ölçü kodlamalar için tekrarlandı. Dört perdelik bu operanın librettosu (sözlü metin), Lorenzo da Ponte tarafından Fransız yazar Beaumarchais Crazy Day veya The Marriage of Figaro'nun komedisine dayanarak İtalyanca yazılmıştır. 1875 yılında P. I. Tchaikovsky bu librettoyu Rusçaya çevirmiştir ve onun çevirisinde opera ülkemizde sahnelenmektedir. Mozart, Figaro'nun Düğünü'nü bir opera buffa olarak adlandırdı. Ama sadece komik durumların olduğu eğlenceli bir komedi değil. Ana karakterler müzik tarafından çeşitli yaşayan insan karakterleri olarak tasvir edilmiştir. Ve Beaumarchais'in oyununun ana fikri Mozart'a yakındı. Çünkü Kont Almaviva Figaro'nun hizmetkarı ve gelini, hizmetçi Susanna'nın, entrikalarını ustaca ortaya çıkardıkları unvanlı efendilerinden daha akıllı ve daha nezih olmaları gerçeğinden ibarettir. Kont, Susanna'dan hoşlandı ve evliliğini ertelemeye çalışıyor. Ancak Figaro ve Susanna, kontun karısını ve soylu bir kişinin hizmetindeki genç sayfa Cherubino'yu yanlarına çekerek, ortaya çıkan tüm engelleri yaratıcı bir şekilde aşarlar. Ana partinin bağlantı teması, parti dolu esas olarak farklıdır. "Uvertür" kelimesinin Fransızca "açmak", "başlamak" anlamına gelen "ouvrir" fiilinden türetildiğini hatırlayın. 33 34 39 www.classON.ru cesur Rus sanatı alanında ölçekli pasajlarla çocuk eğitimi, melodisi kemanlarla icra edilen yan bölümün ilk teması belirir. Temanın ritmik olarak tuhaf, biraz kaprisli ama ısrarcı bir karakteri var: vokal sayılar. Böylece, Figaro bölümündeki ilk solo numara (baritona emanet edildi) - küçük bir arya (cavatina) - Susanna nişanlısına sayımın kur yapmaya başladığını bildirmesinden hemen sonra geliyor. Bu bağlamda, Figaro alaycı bir şekilde bir minuet hareketinde bir melodi söylüyor - cesur bir sosyete dansı (cavatina'nın üç parçalı reprise formunun aşırı bölümleri): Yan kısmın ikinci teması belirleyici ünlemleri andırıyor: Ve son bölümün teması en dengeli, sanki her şeyi çözüyor: Tekrarda, yan ve son bölümler zaten Re majör ana anahtarında tekrarlanıyor. Uvertürün neşeli ve canlı karakterini daha da vurgulayan bir coda ile birleştirilirler. Bu Mozart operasında, çoğunlukla düetler (iki karakter için) ve tercetler (üç karakter için) olmak üzere vokal toplulukları geniş bir yer kaplar. Bir klavsen eşliğinde ezberlerle ayrılırlar. Ve ikinci, üçüncü ve son, dördüncü perdeler finallerle biter - altı ila on bir karakterin katıldığı büyük topluluklar. Sololar farklı şekillerde aksiyonun dinamik gelişimine dahil edilir.Cavatina'nın orta bölümünde ölçülü hareketin yerini hızlı bir melodi alır, zarif bir üç vuruşlu melodinin yerini iddialı bir iki vuruşlu melodi alır. Burada Figaro, efendisinin sinsi "planlarını ne pahasına olursa olsun engelleme niyetini zaten kararlı bir şekilde ifade ediyor: Genç sayfa Cherubino'ya hitap ediyor. Kontun Suzanne'e aşkını nasıl ilan etmeye çalıştığını tesadüfen duydu ve böyle istenmeyen bir tanığa askere gitmesi emredildi. Figaro aryasında, mahkeme hayatıyla şımartılmış genç bir adamı, sert askeri hayatın resimlerini çizerek, durumla neşeyle ve esprili bir şekilde alay ediyor. Müzikte bu, provokatif dans yeteneğinin "militan" hayranlık uyandıran hareketlerle ustaca bir kombinasyonuyla yansıtılır. Rondo şeklinde üç kez duyulan nakarat budur: Diğeri şarkı benzeri küçük bir aryadır "Sıcak kan kalbi heyecanlandırır." Bu, çekingen bir şekilde Kontes'e hitap eden, şefkatli duyguların daha ölçülü bir itirafıdır: Susanna (soprano), birçok toplulukta enerjik, hünerli ve becerikli olarak tanımlanır, bu konuda Figaro'dan aşağı değildir. Aynı zamanda, dördüncü perdeden itibaren parlak, rüya gibi aryada imajı ince bir şekilde şiirselleştirilmiştir. İçinde Susanna zihinsel olarak Figaro'ya nazik bir itirazla hitap ediyor: Cherubino'nun kendisine gelince (rolünü alçak bir kadın sesi - mezzo-soprano ile icra ediyor), iki aryada ateşli bir genç adam olarak tanımlanıyor, hala kendi sesini anlayamıyor. duygular, herkes adım adım aşık olmaya hazır. Biri hem neşeli hem de titrek “Anlatamam, anlatamam” aryasıdır. Sanki aralıklı olarak heyecanla atıyormuş gibi melodikliği ritimle birleştirir: 41 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi Sorular ve görevler 1 . Mozart'ın Le nozze di Figaro operası ne zaman ve nerede prömiyer yaptı? 2. Librettosu hangi komediye dayanıyor? 3. Bu çalışmanın ana fikri nedir? 4. Operanın uvertürü nasıl inşa edilir? 5. Figaro bölümündeki iki solo sayının özelliklerinden bahseder misiniz? 6. Cherubino rolü hangi sese emanet? Aryalarının melodilerini söyleyin. 7. Susanna topluluklarda nasıl karakterize edilir ve nasıl - dördüncü perdeden aryada? Dördüncü varyasyon (sol eli sağa atarak), aksine, daha cesurca süpürüyor. Andante grazioso'nun ilk yavaş temposunun çok yavaş olan Adagio ile değiştirildiği beşinci varyasyon, coloratura ile renklendirilmiş melodik bir enstrümantal aryadır. Ve sonra hızın oruca (Allegro) değiştirilmesi, son altıncı varyasyonun neşeli dans karakterine karşılık gelir. Sonatın ikinci bölümü Minuet'tir. Her zamanki gibi, ilk hareketin müziğinin tekrarında birebir tekrar ile üç hareketlik bir tekrar formunda inşa edilmiştir. Aralarında orta kısım (Trio) 35 bulunur. Minuet'in tüm bölümlerinde, erkeksi kararlı ve buyurgan süpürme tonlamaları, anlamlı lirik ünlemlere benzer şekilde kadınsı yumuşak ve yumuşak tonlamalarla karşılaştırılır. clavier Shiroko için A majör Sonat ünlü sonat Genellikle Türk Marşı Sonatı olarak adlandırılan A majör Mozart, alışılmadık şekilde oluşturulmuş bir döngüdür. Buradaki ilk hareket bir sonat allegro değil, hafif ve sakin, ustaca zarif bir tema üzerine altı varyasyon. Viyana müzik hayatında iyi, huzurlu bir havada söylenebilecek bir şarkı gibi duruyor. Hafifçe sallanan ritminde, eski bir İtalyan dansı veya dans şarkısı olan Siciliana'nın hareketine benzerlik var: Besteci sonatın üçüncü bölümünü (son) "A11a Turca" - "Türk usulü" olarak adlandırdı. Daha sonra bu finale "Türk Marşı" adı verildi. Türk halk ve profesyonel müziğinin Avrupa kulağına alışılmadık tonlama yapısıyla hiçbir ortak yanı yoktur. Ancak 18. yüzyılda, Avrupa'da, özellikle tiyatro müziğinde, geleneksel olarak "Türk" olarak adlandırılan marşlar için bir moda ortaya çıktı. Üflemeli ve vurmalı çalgıların - büyük ve trampet, ziller, üçgen - hakim olduğu "Yeniçeri" orkestrasının tını rengini kullanıyorlar. Türk ordusunun piyade birliklerinin askerlerine Yeniçeri deniyordu. Yürüyüşlerinin müziği Avrupalılar tarafından vahşi, gürültülü, "barbarca" olarak algılandı. Varyasyonlar arasında keskin kontrastlar yoktur, ancak hepsinin farklı bir karakteri vardır. İlk varyasyonda, zarif, tuhaf melodik hareket hakimdir, ikincisinde - zarif oyunculuk, mizahi bir renk tonuyla birleştirilir (sol taraftaki "yaramaz" zarif notalar dikkate değerdir). Üçüncü varyasyon - A majörde değil, A minörde yazılan tek varyasyon - sanki nazik bir utangaçlıkla eşit şekilde hareket eden biraz hüzünlü melodik figürlerle doludur: Üçlünün sonunda "Minuetto da capo" adı vardır. . İtalyanca - “kafadan”, “baştan”. 35 "Da capo" 42'den çevrilmiştir www.classON.ru Rus sanatı alanında çocukların eğitimi Final, alışılmadık bir biçimde yazılmıştır. Üç bölümlük bir koro (A majörde) olarak tanımlanabilir. Koronun tekrarlanan tekrarı, finalin yapısına bir rondonun özelliklerini verir. İlk hareket - kolayca "dönen" motiflerle (A minör) - ve orta hareket - melodik bir geçiş hareketiyle (F diyez minör) - doğal olarak zarif dans kabiliyetini net bir yürüyüş yürüyüşüyle ​​birleştirir: Uzun bir süre boyunca inanılıyordu ki Mozart, La majör sonatını 1778 yılının yazında Paris'te besteledi. Ancak bunun birkaç yıl sonra Viyana'da olduğu bilgisini keşfettiler. Bu tür bilgiler daha da makul çünkü 1782'de Mozart'ın "Saraydan Kız Kaçırma" adlı şarkının galası orada gerçekleşti. İçinde aksiyon Türkiye'de geçiyor ve uvertür müziğinde ve marş benzeri iki koroda "Yeniçeri" müziğinin taklidi dikkat çekiyor. Ayrıca, gürültülü mü? Mozart, A majörde dövme "Yeniçeri" coda'sını senatoların finaline ancak eser yayınlandığında 1784'te ekledi. "Saraydan Kız Kaçırma"da olduğu gibi sonatta da şarkı ve marş türlerinin büyük rol oynaması dikkat çekicidir. Bütün bunlarda, enstrümantal müziğin Mozart'ın çok karakteristik özelliği olan tiyatro müziği ile bağlantısı kendini gösterdi. Sorular ve görevler 1 . Mozart'ın A majör sonatındaki döngüde sıra dışı olan nedir? Bu çalışmanın ilk bölümünde bize temanın doğasını ve altı varyasyonunu anlatın. 2. Sonatın ikinci bölümünde hangi dans türü kullanılır? 3. La majör sonatının finaline neden Türk Marşı dendiğini açıklayınız. Yapısının özelliği nedir? Ana temaları hakkında şarkı söyleyin. 4. Mozart'ın "Türk Marşı"nın müziği hangi müzikal ve tiyatro eseriyle yankılanıyor? Sol Minör Senfoni 1788'de Viyana'da bestelenen Sol minör Senfoni! (No. 40), büyük bestecinin en ilham verici eserlerinden biridir. Senfoninin ilk bölümü çok hızlı tempolu bir sonat allegrodur. Gizli, samimi lirik bir itiraf olarak hemen büyüleyen ana bölümün temasıyla başlar. Diğer telli çalgıların hafifçe sallanan eşliğinde kemanlarla söylenir. Melodisinde, Cherubino'nun Figaro'nun Düğünü operasındaki ilk aryasının başlangıcındakiyle aynı heyecanlı ritim tanınabilir (bkz. örnek 37). Ama şimdi daha “yetişkin”, ciddi ve cesur sözler: Koro (A majörde) üç kez çalar, bir tür “Yeniçeri gürültüsü nakarat” gibi, sol elin bir bölümünde davul rulo taklidi Duyulur: Bu bağlamda, bazen "Türk usulü Rondo" ("Rondo alla Turca") olarak adlandırılan "Türk Marşı". 36 43 www.classON.ru Rusya'da sanat alanında çocukların eğitimi Küçük bir gelişme). Ancak içinde hiçbir zıtlık yoktur, her şey yaylı çalgılarda ses çıkaran ana bölümde en başından belirlenen genel parlak ruh haline uyar: Karakterin erkekliği, ana bölümün geliştiği bağlantı bölümünde güçlendirilir. . Yan kısmın anahtarı olan Sol minöre paralel olarak B-bemol majörde bir modülasyon vardır. Teması, ana temaya göre daha hafif, daha zarif ve feminen. Telli ve nefesli çalgıların tınılarının değişmesinin yanı sıra kromatik tonlamalarla renklendirilir: Yedinci çubukta, burada iki otuz saniyelik notadan oluşan hafif "çırpınan" bir figür belirir. Gelecekte, tüm temaların melodik hatlarına nüfuz eder, sonra onları sarar, farklı enstrümanlarla farklı kayıtlarda belirir. Barışçıl doğanın seslerinin yankıları gibidir. Sadece bazen biraz rahatsız, şimdi yakından, sonra uzaktan duyuluyorlar. Yerleşik geleneğe göre senfoninin üçüncü bölümü Minuet'tir. Ancak içinde yalnızca orta kısım - Üçlü - açıkça gelenekseldir. Yumuşak hareketi, seslerin melodikliği ve sol majör tonalitesiyle Trio, bu Minuet'in lirik ve dramatik yoğunluk açısından genellikle alışılmadık olan sol minör ana, ekstrem bölümlerini başlatır. Görünüşe göre Andante'de somutlaşan sessiz doğa tefekküründen sonra, şimdi senfoninin ilk bölümüne hakim olan ruhsal kaygılar ve huzursuzluk dünyasına geri dönmek zorunda kaldım. Bu, senfoninin ana anahtarının dönüşüne karşılık gelir - Sol minör: Son bölümde yeni bir enerji patlaması meydana gelir. Burada başrol, ana parti temasının ilk - üç sesli - motifinin tekrarlanan ve ısrarlı gelişimine aittir. Oldukça kapsamlı bir gelişmenin başlamasıyla birlikte bulutlar endişeyle toplanıyor gibi görünüyor. Hafif B bemol majörden F diyez minörün kasvetli uzak anahtarına keskin bir dönüş var. Geliştirmede, ana partinin teması dramatik bir şekilde gelişiyor. Bir dizi anahtardan geçer, ayrı cümlelere ve motiflere ayrılır ve bunlar genellikle orkestranın farklı seslerinde taklit edilir. Bu temanın ilk güdüsü çok gergin bir şekilde nabız gibi atıyor. Ama sonunda nabzı zayıflar, titremesini dizginler ve bir nüksetme gelir. Ancak gelişimde ulaşılan yüksek dramatik yoğunluğun etkisi ilk bölümün bu bölümünde yansıtılır. Burada bağlantı parçasının uzunluğu önemli ölçüde artar, yan ve son bölümlerin artık majörde değil, ana tonda sol minörde sunulmasına yol açar, bu da seslerini daha dramatik hale getirir. Senfoninin ikinci bölümü Mi bemol majör Andante'dir. Yumuşak ve nazik dinginliğiyle lirik-dramatik ilk bölümle tezat oluşturuyor. Andante formu da bir sonattır (Sol minör senfoninin ana anahtarı ve dördüncü bölümüdür - final, çok hızlı ilerlemektedir. Final sonat formunda yazılmıştır. Senfoninin bu bölümündeki ana tema: ana bölümün teması İlk bölümün ana bölümünün temasıyla birlikte, Ama ilk bölümdeki tema nazik ve saygılı bir lirik itiraf gibi geliyorsa, o zaman finalin teması tutkulu bir liriktir. -dramatik çekicilik, cesaret dolu ve biz karar vereceğiz 44 www.classON.ru Rus sanatı alanında çocuk eğitimi 2. Bize senfoninin ilk bölümünün ana konularını ve bunların gelişimini anlatın. 3. Senfoninin ikinci ve üçüncü bölümlerindeki müzik nasıl bir karaktere sahiptir? 4. Senfoninin finalindeki ana tema nedir? Karakteri, ilk hareketin ana bölümünün temasının karakterinden nasıl farklıdır? 5. Finalin ana bölümünün teması nasıl kurgulanmıştır? Geliştirmede gelişme neye dayalıdır? Ana Eserler Bu ateşli çekicilik, akor sesleri boyunca melodinin hızlı yükselişiyle yaratılır ve bir sesin etrafında dönen enerjik melodik figürler, onun dürtüsüne yanıt verir gibi görünür. Senfoninin ilk bölümünde olduğu gibi, finalin yan kısmının zarif teması, B bemol majörde icra edildiğinde özellikle sergide parlaktır: 19 opera Requiem Yaklaşık 50 senfoni clavier ve orkestra için 27 konçerto keman için 5 konçerto ve orkestra Orkestra eşliğinde flüt, klarnet, fagot, kornalar, arplı flütler için Konçertolar Yaylı dörtlüler (20'den fazla) ve beşliler clavier için sonatlar, keman ve clavier için Varyasyonlar, fanteziler, rondolar, clavier için minuetler. ana bölümün temasının ikinci unsuru. Finalin geliştirilmesinde, ana parti temasının ilk, çağrışım unsuru özellikle yoğun bir şekilde gelişir. Yüksek dramatik gerilim, harmonik ve polifonik geliştirme yöntemlerinin konsantrasyonuyla elde edilir - birçok tuşta ve taklit yoklamalarda yürütülür. Reprise'de sol minörün ana anahtarındaki yan parçanın icrası hüzünle biraz gölgelenmiştir. Ve ana bölümün temasının ikinci unsuru (olumlu, enerjik figürler), açıklamada olduğu gibi, tekrardaki son bölümün kalbinde geliyor. Sonuç olarak, Mazart'ın bu ustaca yaratımının finali, tüm sonat-senfoni döngüsünün parlak, lirik ve dramatik bir zirvesini oluşturur ve mecazi gelişim yoluyla amaçlılığı açısından eşi benzeri görülmemiştir. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Büyük Alman besteci Ludwig van Beethoven, Viyana klasiği olarak adlandırılan üç parlak müzisyenin en gencidir. Beethoven, 17. ve 19. yüzyılların başında, büyük toplumsal değişimler ve ayaklanmalar çağında yaşadı ve yarattı. Gençliği zamanlara denk geldi, Sorular ve ödevler 1 . Mozart Sol minör Senfoni No. 40'ı ne zaman ve nerede yarattı? 45 www.classON.ru Rusya'da çocukların sanat eğitimi

(değerlendirmeler: 3 , ortalama: 3,67 5 üzerinden)

Başlık: Müzikal Edebiyat yabancı ülkeler

I. A. Prokhorov'un "Yabancı Ülkelerin Müzik Edebiyatı" kitabı hakkında

I. Prokhorova tarafından derlenen "Yabancı Ülkelerin Müzikal Edebiyatı" adlı ders kitabı bağımsız çalışma için tasarlanmıştır. Bu, materyalin sunumunun kısalığını ve erişilebilirliğini açıklar.

"Yabancı Ülkelerin Müzikal Edebiyatı" kitabı, öğrencilere kısa biyografileri ve en iyi kreasyonları tanıtacaktır. ünlü besteciler. Çocuklar, I.S. gibi dahilerin hayatı ve çalışmaları hakkında bilgi sahibi olacaklar. Bach, J. Haydn, WA Mozart, L. Beethoven, F. Schubert ve F. Chopin. I. Prokhorova, yetenekli bestecilerin hikayelerini çok ayrıntılı olarak açıklamadı, ders kitabında yaşamın ana tarihlerini, kökenini, unvanlarını ve unvanlarını, faaliyet alanını, meslek seçimini etkileyen koşulları bulacaksınız. Kitap, müzisyenlerin yaşamının ve çalışmalarının ana aşamalarını, sosyal ve politik görüşlerini anlatacak.

"Yabancı Ülkelerin Müzik Edebiyatı" yayını, müzik okullarının öğrencilerine yöneliktir, ancak buna kayıtsız kalmayan herkes klasik eserler bu kitapta ilgi çekici bir şeyler bulacaktır. I. Prokhorova, metni bazı müzikal ve müzik dışı kavramların açıklamalarıyla zenginleştirdi, bu da onu daha az akademik kılıyor. Müzisyenlerin hayatını anlatan kısım, o dönem Avrupa ülkelerinin tarihi ve kültürel hayatı bağlamında sunulmaktadır. Bu, öğrencilere efsanevi bestecilerin yaşadığı ve çalıştığı koşulları daha derin ve daha geniş bir şekilde anlama fırsatı verir.

"Yabancı Ülkelerin Müzikal Edebiyatı" kitabı evde okunmaya yönelik olduğundan, içerdiği tüm senfonik eserler dört el dizilişinde sunulmaktadır. Programa göre yıl sonunda incelenen Bach'ın eseriyle ilgili hikayenin başta yer aldığını belirtmekte fayda var. Yazar, sunumun kronolojisini gözlemlemek adına bu adımı attı.

Bu kitabın derleyicisi, ders kitabının düzenli kullanımının öğrencilerde popüler ve bilimsel müzik literatürüyle tanışma zevkini uyandıracağından emindir. Ayrıca çocuklar, müzik eserlerini bir levhadan okuma becerilerini geliştirip güçlendirebilecek, ayrıca dört elde icra etmeye alışabilecekler.
Ünlü eserlerin kendi kendine öğrenilmesi, derslerde diğer çocukların huzurunda icra edilmelerine izin verecek, bu da toplu dersleri daha aktif hale getirecek ve klasik müzik algısını önemli ölçüde geliştirecektir.

Lifeinbooks.net kitaplarıyla ilgili sitemizde kayıt olmadan ücretsiz olarak indirebilir veya okuyabilirsiniz. çevrimiçi kitap I. A. Prokhorov'un "Yabancı Ülkelerin Müzikal Edebiyatı" iPad, iPhone, Android ve Kindle için epub, fb2, txt, rtf, pdf formatlarında. Kitap size çok keyifli anlar ve gerçek bir okuma zevki yaşatacak. Tam sürümü ortağımızdan satın alabilirsiniz. Ayrıca, burada bulacaksınız son haber edebiyat dünyasından en sevdiğiniz yazarların biyografilerini öğrenin. Acemi yazarlar için, yazmayı deneyebileceğiniz faydalı ipuçları ve püf noktaları, ilginç makaleler içeren ayrı bir bölüm var.

Yabancı ülkelerin müzik literatürüne ilişkin destekleyici notlar, müzik literatürü üzerine mevcut ders kitaplarına ek niteliğindedir. Kılavuzun içeriği, PO.02.UP.03 konusunun programına karşılık gelir. Müzik sanatı "Piyano", "Yaylı çalgılar", "Üflemeli ve vurmalı çalgılar", "Halk çalgıları", "alanındaki ek meslek öncesi genel eğitim programlarının "Müzik edebiyatı" koro şarkı”, Rusya Federasyonu Kültür Bakanlığı tarafından tavsiye edilmiştir.

Müzik literatürüne ilişkin destekleyici notlar, insani eğitim ve öğrencilerin özel yeterliliklerini geliştirmek için tasarlanmıştır, özellikle: "... müzikal düşünme, müzik eserlerini algılama ve analiz etme becerileri oluşturmak, müzik formunun kalıpları, müzik dilinin özellikleri, müziğin ifade araçları hakkında bilgi edinmek" 1 .

Ders kitabı, bestecilerin eserlerini kültürel ve tarihi dönemler bağlamında sunar, bestecilerle yakından bağlantılı olarak incelenir. tarihi olaylar ve ilgili sanatlar. Özet materyal, V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova ve diğer tanınmış müzikologların müzik tarihi ve müzik edebiyatı üzerine araştırmalarının ana tezleridir. tablolar, diyagramlar ve görsel destekler. Görsel destekler (ünlü ressamların tablolarının röprodüksiyonları, bestecilerin portreleri, akraba ve arkadaşları, seçkin figürler kültür-sanat, tarihi şahsiyetler vb.) sözlü bilgilere sadece eşlik ve tamamlayıcı olmakla kalmaz, aynı zamanda güzel sanatlar alanındaki bilgi taşıyıcılarıdır, müzikteki dönemler ve akımlarla doğrudan ilgilidir, bestecilerin eseridir, tarihi, kültürü yansıtır. ve Avrupa ülkelerinin sanatı.

Referans notlarının içeriği, sırasıyla Antik Yunan müzik kültüründen 19. yüzyılın romantik bestecilerinin eserlerine kadar Avrupa müziğinin gelişim dönemlerini kapsayan konulara bölünmüş dört bölümden oluşmaktadır. Bu nedenle ilk bölüm Antik Yunan, Orta Çağ ve Rönesans'ın müzik kültürünü incelemektedir. İkinci bölüm, J. S. Bach ve G. F. Handel'in çalışmaları olan Barok dönemini inceler. Üçüncü bölüm, vurgunun Viyana klasiklerinin - J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart ve L. Beethoven'ın çalışmalarına yapıldığı klasisizm dönemine ayrılmıştır. Dördüncü bölüm, romantizm çağına ilişkin materyalleri, F. Schubert ve F. Chopin'in çalışmalarını sunar. kısa inceleme 19. yüzyıl romantik bestecileri F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz'un eserleri, D. Verdi, R. Wagner, J. Brahms, J. Bizet.

Kılavuz ayrıca metinde bulunan anlam, terim ve kavramların sözlüklerini, incelenen eserlerin kısa bir analizini ve müzikal örneklerini içerir.

El kitabı, materyallerin tablolar ve şemalar halinde katı bir şekilde sunumunun yanı sıra, çocukların algısını ve dikkatini tazeleyen renkli sanatsal çizimler eşliğinde, bir anlatı şeklinde sunulan ve bestecilerin hayatından ilginç gerçekleri içeriyor.

Yabancı ülkelerin müzik literatürüne ilişkin destekleyici notlar, alanda ek meslek öncesi genel eğitim programları okuyan Çocuk Sanat Okulu, Çocuk Müzik Okulu ikinci ve üçüncü eğitim yıllarındaki (5. ve 6. sınıflar) öğrencilerine yöneliktir. müzik sanatının. Çocuk sanat okullarının, çocuk sanat okullarının müzik-teorik ve özel disiplinlerinin öğretmenleri, ders kitabını yeni materyalleri incelerken, kapsanan konuları tekrar ederken ve sistematik hale getirirken, öğrencilerin ara ve son sertifikasyonuna hazırlanırken, müzik-teorik olimpiyatlara hazırlanırken, bağımsız çalışma için kullanabilirler. öğrenciler, grup ve bireysel eğitim, kısmen ek genel gelişim programlarını uygularken müzik sanatının alanlarında, kültürel ve eğitim faaliyetlerinde.

Referans notlarına, sınıfta çalışmak üzere tasarlanmış bir çalışma kitabı eşlik eder.

Aşağıda "Yabancı Ülkelerin Müzikal Edebiyatı Üzerine Destekleyici Notlar" kılavuzunun parçaları bulunmaktadır.

Tatyana Guryevna Savelyeva'nın "Yabancı Ülkelerin Müzik Edebiyatına İlişkin Referans Notları" adlı el kitabını satın almak için lütfen şu adresten yazarla iletişime geçin: [e-posta korumalı]

_____________________________________________

1 PO.02 konusu için örnek program. YUKARI.03. Müzik Edebiyatı. - Moskova 2012

______________________________________________________

DERİCİLERDEN
Bu kitap, 19. yüzyılın son on yıllarında başlayan o tarihsel dönemin müzik literatürü üzerine bir ders kitabıdır. İlk kez böyle bir ders kitabı çıkıyor: Beşinci sayı, bildiğiniz gibi K-Debussy ve M. Ravel'in çalışmalarıyla bitiyor.
Kitap, genel yapısını belirleyen çeşitli ulusal müzik okullarının bir tanımını içerir. Birinci bölüm, farklı ülkelerin müzik sanatlarında ve farklı kişiliklere sahip bestecilerin eserlerinde kendine özgü bir şekilde uygulanan genel süreçlerin bir tanımını vermektedir. Sonraki her bölüm, belirli bir ülkenin müzik kültürüne genel bir bakışın yanı sıra bu okulun en önemli bestecilerinin çalışmalarına ayrılmış bir monografik bölümden oluşur. Yalnızca I. Stravinsky'nin çalışmasına ayrılan bölüm yapısı bakımından farklılık gösterir: giriş niteliğinde bir inceleme içermez. Ve bu anlaşılabilir bir durumdur: Sonuçta, özel koşullar nedeniyle hayatının çoğunu Rusya dışında geçiren Stravinsky, bir Rus ustası olarak kaldı ve hiçbir yabancı okula ait değildi. Belirleyici etkisi yaratıcı ilkeler yüzyılımızın önde gelen müzisyenlerinin neredeyse tamamı Stravinsky'nin gruptan çıkarılmasına izin vermiyor. genel resim XX yüzyılın müzik sanatının gelişimi. Bu monografik bölümün yabancı müzik literatürü ders kitabına dahil edilmesi, aynı zamanda okuldaki müfredatın özelliklerinden kaynaklanmaktadır: çalışma sırasında yabancı müzik 20. yüzyılda öğrenciler, I. Stravinsky'nin kişiliğine veya müziğine hiç aşina değiller. Müzik sanatının bu sayfasına ancak bestecinin eserinin yalnızca ilk Rus döneminin ele alındığı dördüncü kursun sonunda dönecekler.

Ders kitabını derleyenlerin ve yazarların dikkati, hem incelenen dönemin genel müzikal ve tarihsel süreçlerini göstermeye hem de yüzyılımızın klasiği haline gelen en seçkin eserleri analiz etmeye odaklanmıştır. 20. yüzyıl müzik sanatı olaylarının olağanüstü karmaşıklığı, heterojenlikleri, karşılıklı kesişimleri ve hızlı değişimleri göz önüne alındığında, inceleme bölümleri bu kitapta önceki baskılara göre çok daha geniş bir yer işgal etti. Bununla birlikte, konunun metodolojik ilkelerine uygun olarak, derleyiciler, bu durumda yaratıcı yöntemlerin çeşitliliğini, düşünme biçimlerini, farklı üslup kararlarını ve çoğulluğunu ortaya çıkarmak için tasarlanmış müzik eserlerinin analizlerine odaklanmaya çalıştılar. yüzyılımızın ustalarının besteci teknikleri.

Kitabın müzik sanatının geniş bir panoramasını sunduğu ve analizin çoğu durumda çok karmaşık olduğu (bu büyük ölçüde malzemenin kendisi tarafından önceden belirlenir) gerçeği göz önüne alındığında, derleyiciler bu ders kitabını yalnızca öğrencilere değil, öğrencilere de hitap etmenin mümkün olduğunu düşünüyorlar. performans, aynı zamanda teorik bölümler. müzik okulları. Kitabın içeriği, eğitim sürecinde ona seçici bir yaklaşım sağlar; Bölüm çalışmalarının derinliği ve detayı, öğrencilerin hazırlık düzeyine, eğitim sürecinin notlar ve müzik kayıtları ile maddi donanımına ve müfredatın bu bölüm için ayırdığı saat sayısına bağlı olarak öğretmenlerin kendileri tarafından belirlenir. elbette.
Bu kitap üzerinde geniş bir yazar grubu çalıştı. Malzemeyi sunmanın farklı yollarının kaçınılmazlığı buradan kaynaklanır; aynı zamanda, derleyiciler ona yaklaşırken tek tip metodolojik ilkeleri korumaya çalıştılar.

İÇERİK
Derleyicilerden
XX yüzyılın yabancı müzik sanatının gelişim yolları.
Avusturya'nın müzik kültürü
Gustav Mahler
Vokal yaratıcılık. "Gezgin Bir Çırağın Şarkıları"
Senfonik yaratıcılık. İlk Senfoni
ARNOLD SCHENBERG
Yaşam ve yaratıcı yol
"Varşova'dan Kurtulan"
ALBAN BERG
Yaşam ve yaratıcı yol
Müzikal dram Wozzeck
keman ve orkestra için konçerto
ANTON WEBERN.
Yaşam ve yaratıcı yol
Almanya'nın müzik kültürü
RICHARD STRAUSS
Yaşam ve yaratıcı yol
Senfonik yaratıcılık. Senfonik şiirler "Don Juan" ve "Til Ulenspiegel"
PAUL HİNDEMİT
Yaşam ve yaratıcı yol
Senfonik yaratıcılık. Senfoni "Sanatçı Mathis".
CARL ORF
Yaşam ve yaratıcı yol
Karl Orff'un çalışmalarının ana türleri ve özellikleri.
Opera "Zeki Kız"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVİNSKİ
Yaşam ve yaratıcı yol
"Mezmurlar Senfonisi"
Opera "Oedipus Rex"
Fransa'nın müzik kültürü.
ARTHUR ONEGGER
Yaşam ve yaratıcı yol
Teatral ve hitabet yaratıcılığı. Oratoryo "Joan of Arc tehlikede"
Senfonik yaratıcılık. Üçüncü Senfoni ("Liturjik")
DARIUS MIJO
Yaşam ve yaratıcı yol
Vokal-enstrümantal, yaratıcılık. "Ateş Kalesi"
Francis Poulenc
Yaşam ve yaratıcı yol
İnsan Sesi Operası
İspanya'nın müzik kültürü
MANUEL DE FALLA
Yaşam ve yaratıcı yol
Bale "Aşk bir büyücüdür"
Opera "Kısa Ömür"