Ewige Farben: Dürers Selbstbildnis. Die letzten Selbstporträts von Albrecht Dürer

Selbstportrait,

Entstehungsjahr: 1500.

Holz, Öl.

Originalgröße: 67×49 cm.

Alte Pinakothek, München / Selbstbildnis im Pelzrock, 1500. Öl auf Holz. 67 × 49 cm. Alte Pinakothek, München.

Beschreibung des Gemäldes von Albrecht Dürer „Selbstbildnis“

Dieses wundervolle Bild wurde sehr lange von neugierigen Blicken ferngehalten. Die Familie wollte es nicht der Öffentlichkeit zeigen. Es wurde irgendwo im Jahr 1500 in voller Schrift geschrieben. Es war eine Neuerung. Früher wurden Porträts im Halbprofil im Profil dargestellt. In dieser Form konnten, wie Dürer malte, nur Bilder mit religiösem Bezug dargestellt werden. Und in unserer Zeit ist dieses Selbstporträt sehr beliebt und berühmt.

"Selbstporträt" oder anders heißt es "Selbstporträt in mit Pelz besetzter Kleidung" berühmtes Gemälde. Es zeigt einen jungen Mann. Nicht älter als 30 Jahre. Mit langem, welligem Haar, Bart und Schnurrbart. Haare, wie aufgewickelt, bevor sie auf Lockenwicklern posieren. Lippen junger Mann Schön. Der untere Teil der Lippe ist leicht plump. Ein kluger Blick, schöne, aber müde Augen, weiße zarte Hände zeugen von einem Jesus Christus ähnlichen Gesicht. Eine der Hände ruht auf dem Kragen des Morgenmantels. Das ist der Künstler selbst. Gekleidet in schicke, reiche Kleidung, ein mit Pelz besetzter Kragen.

Auf beiden Seiten befinden sich einige Notizen zum Bild. Üblicherweise wurden diese damals auf Ikonen ausgeführt. Die Ähnlichkeit des Künstlers mit der Erscheinung des Retters ist offensichtlich. Das klassische dünne Gesicht, Bart und Schnurrbart erinnern an Jesus.

Der Künstler wollte mit seinem Porträt einen Mann der neuen Zeit zeigen. Vergleichen Sie es mit Gott. Er wollte sein Gesicht in seiner Jugend auf der Leinwand hinterlassen. Der Tod sollte ihn nicht berühren, er wollte ein Selbstporträt für die Ewigkeit machen. Und er hat es großartig gemacht. Der Lack sollte über die Jahre nicht verblassen. Solche Gemälde waren sehr charakteristisch für die damalige Zeit. Der Künstler hinterließ damit für alle Generationen eine unvorstellbare Spur in seinem Erscheinungsbild. Er hat erreicht, was er wollte und worüber er zu seinen Zeitgenossen gesprochen hat. Proklamierte das Ideal des Menschen.

Das erste Drittel des 16. Jahrhunderts ist die Blütezeit der Porträtmalerei in Deutschland. Albrecht Dürer (1471-1528) ist zweifellos der Begründer des Renaissance-Porträts in seiner "humanistischen" Ikonographie.

Das Selbstbildnis von 1500 ist eines der bedeutendsten Werke Albrecht Dürers und markiert seine volle Schaffensreife. Alle Elemente der naiven Erzählung verschwinden aus diesem Porträt; es enthält keine Attribute, Details der Situation, nichts Nebensächliches, was die Aufmerksamkeit des Betrachters vom Bild einer Person ablenkt. Das Bild basiert auf dem Wunsch nach Verallgemeinerung des Bildes, Ordnung, äußerem und innerem Gleichgewicht.

Die größte kreative Ehrlichkeit von Dürer und die Aufrichtigkeit, die ihn niemals verrät, lassen ihn jedoch diesem Bild einen Hauch von Angst und Besorgnis hinzufügen. Eine leichte Falte zwischen den Augenbrauen, Konzentration und eine betonte Ernsthaftigkeit des Ausdrucks verleihen dem Gesicht einen Hauch von subtiler Traurigkeit. Unruhig ist die volle Dynamik der das Gesicht umrahmenden, leicht gelockten Haarsträhnen; dünne, ausdrucksstarke Finger scheinen sich nervös zu bewegen und das Fell des Kragens zu sortieren.

Auf dieses Porträt legte Dürer besonderen Wert. Er markierte es nicht nur mit seinem Monogramm, sondern versah es mit einer lateinischen Inschrift: „Ich, Albrecht Dürer, ein Nürnberger, malte mich in solchen ewigen Farben …“ Die Buchstaben sind in Goldfarbe geschrieben, sie spiegeln die goldenen Blitze wider das Haar und betonen die Feierlichkeit des Porträts.

Schauen Sie sich dieses Porträt an. Siehst du Christus? Und hier ist es nicht. Dies ist ein Selbstporträt Deutscher Künstler Albrecht Dürer 1500. Es scheint eine unerhörte Frechheit für den Beginn des 16. Jahrhunderts zu sein, als Menschen auf Porträts im Halbprofil oder im Profil dargestellt wurden. Was will uns Dürer damit sagen?
Dürer ist einer der größten Künstler der Renaissance, der Deutsche Leonardo da Vinci. Er ist eines von 18 (!) Kindern des Juweliers. Bereits im Alter von 13 Jahren vertraute ihm sein Vater an, Skizzen für zukünftigen Schmuck zu zeichnen. Dürer ist nicht nur ein vielseitiger Maler: Er malte in Öl, malte Stiche, fertigte Glasfenster an. Er hinterließ viele Werke zur Mathematik und Astrologie. Und jetzt ein Selbstporträt nach dem Bild Christi.
Dürer war ein glühender Christ. Dieses Selbstporträt ist die Krönung seiner philosophischen Reflexionen über die Stellung des Menschen in dieser Welt. Er stellt sich Gott gleich, weil er, Dürer, auch ein Schöpfer ist. Und es ist die Pflicht eines jeden Christen, wie Jesus Christus zu werden.
Dieses Selbstporträt ist in der Alten Pinakothek in München zu sehen.

Der Titan der westeuropäischen Renaissance, das Genie der Renaissance war Albrecht Dürer die hellsten Sterne im Himmel Deutsche Malerei. Der größte Künstler der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert wurde berühmt für seine Gravuren auf Holz und Kupfer; Landschaften in Aquarell und Gouache, realistische lebende Porträts. Er wurde der erste Kunsttheoretiker der Geschichte. Als vielseitiger Mensch schuf Albrecht Dürer nicht nur herausragende Werke, sondern geistige Meisterwerke. Darunter auch die Gravur „Melancholia“ mit ihrem magischen Quadrat.

Berühmt wurde der brillante Künstler durch seine Selbstporträts, in denen sowohl Können als auch die einzigartige Idee des Autors steckten. Albrecht Dürer hat zu Lebzeiten mindestens 50 solcher Werke geschaffen, aber nur wenige sind bis heute erhalten. Was ist das Bemerkenswerte an Dürers Selbstporträts? Warum lassen sie begeisterte Bewunderer seiner Arbeit immer noch erzittern?

Selbstbildnisse als Biografie Albrecht Dürers

Biographen sagen, dass der Meister Albrecht Dürer ein äußerst attraktiver junger Mann war und die Liebe zu Selbstporträts teilweise auf dem vergeblichen Wunsch beruhte, den Menschen zu gefallen. Dies war jedoch nicht ihr eigentlicher Zweck. Dürers Selbstporträts sind ein Spiegelbild seiner innere Welt und Ansichten über die Kunst, die Entwicklungsgeschichte des Geistes und die Entwicklung des künstlerischen Geschmacks. Auf ihnen lässt sich das gesamte Leben des Künstlers nachvollziehen. Jede ihrer Phasen ist ein neues Werk, das sich auffallend von der vorherigen unterscheidet. Dürer machte das Selbstbildnis zu einer eigenen Gattung in Bildende Kunst, und sein Gesamtwerk ist zu einer lebendigen Biographie des Künstlers geworden. Sie können manchmal mehr erzählen als jedes Buch.

Das erste Selbstporträt des großen Künstlers

Das erste Selbstbildnis von Albrecht Dürer entstand 1484. Damals war der Künstler erst dreizehn Jahre alt, aber er wusste bereits, wie man die Proportionen richtig wiedergibt und beherrschte die Silbernadel perfekt. Der junge Albrecht hat zum ersten Mal die Konturen seines Gesichts abgeleitet. Dieses Werkzeug hinterlässt auf grundiertem Papier eine silberne Spur. Mit der Zeit nimmt es eine braune Färbung an. Es ist fast unmöglich, es vom Blatt zu entfernen, ohne den Boden zu beschädigen. Der dreizehnjährige Albrecht jedoch malte ein Porträt von ihnen, dessen Erstellung selbst einem erfahrenen Künstler dieser Zeit Schwierigkeiten bereitet hätte.

Auf dem Bild wirkt der junge Dürer nachdenklich und streng zugleich. Sein Blick ist voller Traurigkeit und Entschlossenheit. Die Handgeste spricht von einem unüberbrückbaren Wunsch, sein Ziel zu erreichen – ein großer Meister seines Fachs zu werden. Eines Tages sah Albrechts Vater die Arbeit seines Sohnes. Dürers erstes Selbstporträt beeindruckte den talentierten Juwelier. Der Vater wollte immer, dass sein Sohn in seine Fußstapfen tritt, aber er schätzte die Arbeit von Albrecht und schickte ihn zum Studium in das Atelier des Künstlers Michael Wolgemuth. Dort lernte der junge Dürer die Grundlagen des Malens und Gravierens.

Frühes Selbstporträt in Feder

Am Ende der Ausbildung begab sich jeder Künstler nach damaliger Tradition auf eine Reise. Auf Reisen musste er Erfahrungen von Meistern aus fernen Ländern sammeln. Auch Albrecht Dürer ging diesen Weg. Ganz anders ist das Selbstporträt entstanden, das er während einer Europareise geschrieben hat. Es zeigt die Fähigkeit eines jungen Künstlers, auf Papier zu reflektieren internen Zustand menschliche Seele. Diesmal benutzte Dürer einen Stift, und seine Stimmung war anders. In der Zeichnung „Selbstbildnis mit Verband“ ist Albrechts Gesicht voller Qual und unverhohlenem Schmerz. Es ist mit Falten bedeckt, die das Bild düsterer machen. Der Grund für die Qualen ist nicht sicher bekannt, aber es besteht kein Zweifel, dass sie stattgefunden haben.

Selbstbildnis, 1493

Am Ende von Albrechts Wanderungen überholte ihn die Nachricht von seiner bevorstehenden Hochzeit. Dann, im 15. Jahrhundert, wählten die Eltern selbst ein Paar für ihre Kinder aus. Albrechts Vater fand eine Braut aus einem Nürnberger Adelsgeschlecht. Der junge Künstler hatte nichts dagegen, Agnes Frey zu heiraten. Es gibt einen Standpunkt, dass Dürer anlässlich eines solchen Ereignisses das Selbstbildnis mit einer Distel geschrieben hat. Damals galt es als üblich, dass sich zukünftige Ehepartner direkt bei der Hochzeit trafen, und so beschloss der junge Künstler, seiner zukünftigen Frau ein besonderes Geschenk zu machen.

Auf dem Porträt ist Albrecht 22 Jahre alt. Der junge Mann fixierte die Ferne. Er ist konzentriert und nachdenklich. Albrechts Augen schielen ein wenig, weil er an dem Porträt arbeitete und sich im Spiegel betrachtete. Der Künstler hält eine Distel in seinen Händen. Er wurde zum Gegenstand von Kontroversen zwischen Fans von Dürers Werk.

Kontroverse um „Selbstbildnis mit Disteln“

Das Äquivalent des Wortes "Distel" in Deutsch ist männertreu, was wörtlich übersetzt "männliche Treue" bedeutet. Dies weist eindeutig darauf hin, dass das Selbstporträt für Agnes Frey bestimmt war. Gegner dieser Sichtweise argumentieren jedoch, dass die Distel ein Symbol für die Passion Christi ist und die Dornen der Pflanze die Qual Jesu verkörpern. Außerdem schrieb Dürer zu einem Selbstporträt: „Der Allmächtige regelt meine Angelegenheiten.“ Und dies zeigt auch deutlich, dass dieses Bild Ausdruck der Demut und Hingabe des Künstlers an Gott ist und kein Geschenk an seine zukünftige Frau. Die Wahrheit kannte jedoch nur Dürer selbst.

Italienische Arbeit, 1498

Das nächste Werk von Meister Albrecht im Genre des Selbstporträts wurde bereits in Italien hergestellt. Der Künstler wollte schon immer in dieses Land gehen und die einzigartige Tradition kennenlernen Italienische Malerei. Die junge Frau und ihre Familie unterstützten die Idee des Reisens nicht, aber die Pestepidemie, die Nürnberg heimsuchte, machte die ersehnte Reise möglich. Dürer war beeindruckt von der leuchtenden Farbenpracht italienischer Landschaften. Er stellte die Natur für die damalige Zeit mit einer unglaublichen Klarheit dar. Dürer wurde der erste Landschaftsmaler der Kunstgeschichte. Sein Ideal war nun das richtige Bild, entsprechend der Natur und Geometrie. Die kreative Atmosphäre Italiens half ihm, sich als innovativer Künstler zu akzeptieren. Und das spiegelt sich voll und ganz in seinem italienischen Selbstporträt wider.

Es zeigt einen selbstbewussten Menschen, der seine Berufung, die Mission des Schöpfers des Schönen und das Credo des Denkers verwirklicht hat. Das war Dürer. Das Selbstporträt, dessen Beschreibung es ermöglicht, die Veränderungen seines Selbstbewusstseins zu beurteilen, wurde zu einem der berühmtesten Werke des Künstlers. Dürer ist voller Würde drauf. Seine Haltung ist gerade und sein Blick drückt Zuversicht aus. Albrecht ist reich gekleidet. Sein sorgfältig gelocktes Haar fällt ihm über die Schultern. Und im Hintergrund des Selbstporträts sieht man die italienische Landschaft – die pure Inspiration des Künstlers.

Vier Temperamente

Dürers nächstes Werk spiegelt seine Natur als Denker sowie seinen Wunsch nach Selbsterkenntnis vollständig wider. Das Selbstporträt ist der griechischen Lehre der vier Temperamente gewidmet. Ihm zufolge werden Menschen in Melancholiker und Phlegmatiker eingeteilt. Auf der Gravur Männerbad» großartiger Künstler verkörperte jede Art von Temperament in einer einzelnen Person. Dürer hielt sich für einen Melancholiker. Ein unbekannter Astrologe hat ihm einmal davon erzählt. Es kann davon ausgegangen werden, dass er in dieser Rolle auf dem Stich abgebildet ist. Der Künstler stellte sich als Flötist dar, der seine Freunde unterhielt.

"Selbstbildnis nach Christus", 1500

Aus Italien kehrte Dürer nicht mehr als schüchterner Student, sondern als Meister seines Fachs zurück. Zu Hause erhielt Albrecht viele Aufträge, die ihm Ruhm einbrachten. Sein Werk war bereits über seine Heimatstadt Nürnberg hinaus bekannt, und der Künstler selbst stellte sein Geschäft auf eine kommerzielle Basis. Gleichzeitig nahte ein neues Jahrhundert, dessen Beginn das Ende der Welt markieren sollte. Die angespannte Zeit eschatologischer Erwartung hat Meister Albrecht stark geprägt. Und im Jahr 1500 am meisten bemerkenswerte Arbeit, das Dürer geschaffen hat - "Selbstbildnis nach dem Bilde Christi".

Er eroberte sich von vorne, was im 16. Jahrhundert eine unvorstellbare Kühnheit war. Alle Porträts dieser Zeit hatten eines gemeinsam: gewöhnliche Menschen immer mit halbem Gesicht dargestellt, und nur Jesus war eine Ausnahme. Dürer war der erste Künstler, der gegen dieses unausgesprochene Verbot verstieß. Welliges Haar perfekt, damit es wirklich wie Christus aussieht. Sogar die am unteren Rand der Leinwand abgebildete Hand ist in einer für den Heiligen Vater typischen Geste gefaltet. Die Farben auf dem Bild sind gedämpft. Vor einem Hintergrund aus Schwarz, Rot, Weiß und Brauntöne das Gesicht des Künstlers hebt sich hell ab. In pelzbesetzte Roben gekleidet, schien sich Meister Albrecht mit einem Schöpfer zu vergleichen, der mit Meißel und Pinsel seine eigene, geheimnisvolle und einzigartige Welt erschafft.

Religiöse Selbstporträts

Dürers spätere Selbstporträts hatten einen ausgeprägt religiösen Charakter. Das 16. Jahrhundert war voller Umwälzungen im Zusammenhang mit der Erkenntnis der Rolle Gottes im Leben eines gewöhnlichen Menschen. Einen brauchbaren Beitrag zu dieser Frage hat Martin Luther geleistet, der versuchte, den Menschen das Wesen der christlichen Lehre zu vermitteln. Und Dürer schrieb zahlreiche religiöse Kompositionen. Darunter sind das Rosenkranzfest und die Anbetung der Heiligen Dreifaltigkeit. Auf ihnen ist Dürer nicht nur Meister, sondern auch Teilnehmer an sakralen Handlungen. Auf diese Weise zollte er der Hingabe an Gott Tribut.

Das ehrlichste Selbstporträt

Eines der umstrittensten und mysteriösesten Werke des Künstlers, „Naked Self-Portrait“, trägt religiöse Untertöne. Albrecht Dürer porträtierte sich selbst als Christus den Märtyrer. Dies wird durch ein mageres Gesicht, einen ausgemergelten Körper, eine an Jesus während der Geißelung erinnernde Haltung belegt. Auch die vom Künstler dargestellte Hautfalte über dem rechten Oberschenkel kann eine symbolische Bedeutung haben. Da war eine der Wunden, die Christus erhielt.

Die Zeichnung erfolgt mit Feder und Pinsel auf getöntem grünem Papier. Genaue Uhrzeit die Entstehung eines Selbstporträts ist unbekannt, aufgrund des Alters des abgebildeten Künstlers ist jedoch davon auszugehen, dass er es im ersten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts malte. Es ist authentisch bekannt, dass der Autor das Werk zu Hause aufbewahrte und es nicht der Öffentlichkeit präsentierte. Kein einziger Künstler vor oder nach ihm hat sich völlig nackt dargestellt. Die durch ihre Offenheit schockierende Zeichnung findet sich kaum in kunstbezogenen Publikationen.

Die letzten Selbstporträts von Albrecht Dürer

Dürers spätere Selbstporträts sagten seinen bevorstehenden Tod voraus. In den Niederlanden wurde er von einer seltsamen Krankheit heimgesucht, von der damals niemand etwas ahnte. Jetzt können Historiker nur spekulieren, dass es Malaria war. Der Künstler hatte Probleme mit der Milz, die er im Selbstporträt „Dürer ist krank“ mit einem gelben Fleck deutlich machte. Er schickte diese Zeichnung an seinen Arzt und schrieb ihm Kurznachricht. Darin hieß es, dass die Stelle, an der der gelbe Fleck abgebildet ist, Schmerzen verursacht. Reflexion der körperlichen Verfassung des Künstlers und Fortsetzung religiöses Thema wurde „Selbstbildnis nach dem Bild des leidenden Christus“. Es zeigt Dürer, gequält von einer unbekannten Krankheit und seelischen Zwietracht, deren Ursache vielleicht die Reformation und die damit verbundenen Ereignisse waren.

Er starb bald und hinterließ seinen Nachkommen das größte Erbe seiner Zeit. Dürers Selbstporträts sind am meisten erhalten berühmte Galerien Welt, wie der Louvre in Paris und der Prado in Madrid, verblüffen immer noch mit ihren innere Stärke und fast mystischer Schönheit.

Albrecht Dürer war der erste in der Geschichte der deutschen (und im großen und ganzen europäischen) Malerei, der Selbstporträts malte. In chronologischer Reihenfolge betrachtet sind sie es einzigartige Geschichte menschliche Erkenntnis von sich selbst, der Natur und Gott.

Das erste Selbstporträt des 13-jährigen Dürer

Albrecht Dürer. Selbstportrait

Albrecht Dürer sen. (1, 2), ein ungarischer Siedler, hatte eine Schmuckwerkstatt in Nürnberg und 18 Töchter und Söhne, von denen vier überlebten. Das dritte der Dürer-Kinder, ebenfalls Albrecht, verbrachte wie sein Vater ab seinem zehnten Lebensjahr den ganzen Tag in der Werkstatt. Um die Wahrheit zu sagen, er hat zunächst nur aufmerksam zugesehen. Ich beobachtete, wie mehrfarbige Steine ​​in einen Rahmen eingefasst wurden und Teil eines Rings oder einer Halskette wurden; wie ein gewundenes Ornament aus Blättern und Knospen, dem Meißel des Vaters gehorchend, allmählich den Hals einer silbernen Vase umschlingt und ein bauchiger, vergoldeter Kelch (eine Kirchenschale für die Kommunion) mit einer Weinrebe und Trauben „überwächst“. Bereits im Alter von dreizehn Jahren hatte sein Vater Albrecht Jr. angewiesen, Skizzen für dieselbe Halskette, Krone oder Schale anzufertigen. Der dritte Sohn der Dürers hatte eine sichere Hand, ein hervorragendes Auge und Augenmaß. Sein gottesfürchtiger Vater konnte dem Himmel danken, dass das Familienunternehmen langfristig gute Perspektiven hatte.

Albrecht Dürer. doppelter Kelch

Albrecht Dürer. imperiale Krone
Schmuckskizzen fertigte Dürer schon im Erwachsenenalter an.

Einmal nahm der 13-jährige Albrecht mit einem silbernen Bleistift, der für einen Juwelierlehrling üblich ist und keine Korrekturen zulässt, sich selbst in Anspielung auf das Spiegelbild. Es stellte sich als nicht einfach heraus, die ganze Zeit vom Spiegelbild zum Papier und zurück zu schauen, um die gleiche Pose und den gleichen Gesichtsausdruck beizubehalten. Noch exotischer war es zu erkennen, dass gerade drei Albrechts im Atelier sind – der eine in einem Amalgam aus einem Spiegel, der zweite erscheint allmählich auf dem Papier, und der dritte versucht, mit geballter geistiger Kraft, die ersten beiden zu machen soweit wie möglich zusammenfallen. Er zeichnete einfach nicht seinen Zauberstift - er zeichnete nur einen zerbrechlichen Pinsel mit ausgestrecktem Finger, als würde er auf etwas zeigen, das für uns unsichtbar ist, oder versuchen, etwas zu messen.

Rechts obere Ecke Die Inschrift wurde gemacht: „Ich habe mich 1484 als Kind in einen Spiegel gemalt. Albrecht Dürer“. In Deutschland wurden Ende des 15. Jahrhunderts Selbstporträts nicht akzeptiert. Der 13-jährige Dürer konnte keine Proben sehen, genauso wie er nicht davon ausgehen konnte, dass es ihm einmal zu verdanken war Europäische Kunst das Genre des Selbstporträts wird etabliert. Mit dem für die Renaissance so charakteristischen Interesse eines Naturforschers fixierte Albrecht einfach das Objekt, das ihn interessierte - sein eigenes Gesicht - und versuchte nicht, sich selbst zu schmücken, zu heroisieren oder zu verkleiden (wie er es tun würde, wenn er erwachsen wäre).

„Dieses berührende Gesicht mit kindlich prallen Wangen und breit Augen auf , - beschreibt das erste Selbstporträt Dürers, des Kunsthistorikers Marcel Brion. — Diese hervorquellenden Augen, wie die Augen eines Raubvogels, die in der Lage sind, in die Sonne zu schauen, ohne zu blinzeln. Die Zeichnung an dieser Stelle ist etwas ungeschickt. Ein Silberstift, besser geeignet für die akribische Genauigkeit der Skizzen des Goldschmieds, umreißt scharf die Krümmung der Augenlider, den Glanz des Augapfels. Der Blick ist konzentriert und fast halluzinatorisch, was an einer Unbeholfenheit des jungen Zeichners liegen mag oder an einer erstaunlichen Intuition, die schon damals den Charakter des kleinen Dürer auszeichnete. Das Gesicht ist zu drei Vierteln gedreht und zeigt ein sanftes Oval voller Wangen, eine Hakennase, ähnlich einem Schnabel. Im Gesicht des Jungen liegt eine Art Unentschlossenheit und Unvollständigkeit, aber die Nase und die Augen zeugen von der außergewöhnlichen Individualität des Autors, selbstbewusst, Herr seiner Seele und seines Schicksals.“

Selbstporträt mit einer Studie einer Hand und einem Kissen und ein Selbstporträt mit Verband

Albrecht Dürer. Selbstbildnis mit Handstudie und Kissen (Vorderseite des Blattes)

Albrecht Dürer. Sechs Kissenstudien (Rückseite von "Selbstbildnis mit Hand- und Kissenstudien")

Albrecht Dürer. Selbstporträt mit Verband
1491

Die folgenden uns überlieferten zeichnerischen Selbstporträts von Albrecht Dürer sind in den Jahren 1491-1493 entstanden. Ihr Autor ist etwas über zwanzig. Hier wurde nicht schon ein Silberbleistift verwendet, sondern Feder und Tinte. Und Dürer selbst ist kein Juwelierlehrling mehr, sondern ein aufstrebender Künstler. Sein Vater bedauerte die vergeblichen Bemühungen, Albrecht im „Gold- und Silberhandwerk“ zu unterrichten, aber als er sah, mit welcher Beharrlichkeit sein Sohn danach strebte, Künstler zu werden, schickte er ihn zu dem Maler und Schnitzer Michael Wohlgemut, um ihn dann zu studieren Dürer ging, wie es damals hieß, auf eine kreative Reise. Die „Wanderjahre“, in denen diese Selbstporträts entstanden, werden ihn zu einem wahren Meister machen.

Ein Selbstporträt mit Handskizze und Kissen wirkt auf den ersten Blick wie eine Karikatur, eine freundliche Karikatur seiner selbst. Aber höchstwahrscheinlich nein geheime Bedeutung gibt es nicht, und es ist nur eine grafische Übung. Dürer „füllt seine Hand“, trainiert, mithilfe von Schraffuren vollwertige dreidimensionale Objekte zu schaffen und analysiert, wie die Striche ihre Verformungen fixieren: Auf der Rückseite des Selbstporträts befinden sich 6 unterschiedlich zerknitterte Kissen.

Gegenstand von Dürers intensiver Selbstporträt-Studie sind neben dem Gesicht auch die Hände. Als ausgezeichneter Zeichner betrachtete Dürer die Hände als eines der bedeutendsten und interessantesten Untersuchungs- und Darstellungsobjekte. Er hat nie verallgemeinert Hand angelegt, er hat immer sorgfältig das Relief der Haut herausgearbeitet, kleinste Linien und Fältchen. Berühmt als eigenständiges Werk ist beispielsweise eine Skizze zu einem Altarbild Dürers, Hände eines Gebets/Apostels (1508). Dünne Pinsel mit nach oben spitz zulaufenden langen Fingern, die Dürer selbst besaß, galten übrigens zu seiner Zeit als Zeichen hoher geistiger Vollkommenheit.

Kunsthistoriker lesen in diesen beiden Jugendporträts "Sorge, Aufregung, Selbstzweifel". In ihnen ist bereits ein emotionaler Zug erkennbar, der in allen weiteren Selbstporträts des Künstlers erhalten bleiben wird: In keinem von ihnen hat er sich freudig oder zumindest mit einem Schatten eines Lächelns dargestellt. Zum Teil war dies eine Hommage an die Bildtradition (in der mittelalterlichen Malerei lacht niemand), aber zum Teil spiegelte es den Charakter wider. Von seinem Vater eine unausweichliche familiäre Stille und Düsternis geerbt, ist Dürer immer ein vielschichtiges, intensiv denkendes Wesen geblieben, das der Selbstzufriedenheit fremd ist: Nicht umsonst wird Dürers berühmter Stich „Melancholia“ oft als sein spirituelles Selbstporträt bezeichnet.

Selbstporträt mit Stechpalme

Albrecht Dürer. Selbstbildnis mit einer Stechpalme (Selbstbildnis mit einer Distel)
1493, 56×44 cm

Während Dürer in die Nähe des Oberrheins reiste und sich verbesserte, lernte er sich kennen berühmte Künstler Deutschland und Ansichten von Städten und Bergen zeichnete, verlobte ihn sein Vater in Nürnberg mit einer Braut. Über die Eheschließung als vollendete Tatsachen informiert er seinen ahnungslosen Sohn, der sich gerade in Straßburg aufhält, per Brief. Über das Mädchen Agnes Frei schrieb der Vater Dürer fast nichts, aber er erzählte viel über ihre Eltern: Der zukünftige Schwiegervater Hans Frei, der Meister der Innenbrunnen, steht kurz vor der Ernennung Großer Rat Nürnberg, und die Schwiegermutter stammt in der Regel aus der patrizischen (wenn auch verarmten) Rummel-Dynastie.

Der ältere Dürer, der selbst aus den ungarischen Getreidebauern stammte, wollte Albrecht unbedingt ein gutes Match machen und forderte deshalb seinen Sohn auf, alle unerledigten Geschäfte zu erledigen und nach Nürnberg zurückzukehren, und sei er inzwischen Künstler oder Künstler WHO? - ein eigenes Porträt für Agnes schreiben und schicken, damit sich die Braut vorstellen kann, wie ihr Verlobter aussieht, den sie noch nie zuvor gesehen hat.

Ein fertiges Porträt Familienleben Als „Selbstbildnis mit Stechpalme“ (1493) gilt Dürer die Rolle als eine Art „Vorschau“. Es wurde nicht auf Holz geschrieben, wie die meisten Porträts der damaligen Zeit, sondern auf Pergament (sie geben zu, dass es einfacher war, das Porträt in dieser Form zu versenden), erst 1840 wurde das Bild auf Leinwand übertragen. Dürer ist hier 22 Jahre alt. Zum ersten Mal in einem Selbstporträt besteht seine Aufgabe nicht darin, sich selbst zu kennen, sondern sich anderen zu zeigen, als wollte er der Welt sein Aussehen und seine Persönlichkeit „präsentieren“. Und für Dürer eine interessante Herausforderung, der er sich mit besonderer künstlerischer Leidenschaft stellt. Dürer inszeniert sich mit einer trotzigen, karnevalstheatralischen Eleganz: Sein dünnes weißes Hemd ist mit malvenfarbenen Kordeln gebunden, die Ärmel seines Überkleides sind mit Schlitzen verziert, und sein extravaganter roter Hut sieht eher aus wie eine Dahlienblüte als wie ein Kopfschmuck.

Dürer drückt mit seinen Fingern einen eleganten Dorn, dessen Wesen und Symbolik umstritten sind. Auf Russisch klebt hinter dem Bild der Name „Selbstporträt mit Stechpalme“, aber die Pflanze, die auf Russisch Stechpalme (oder Stechpalme) heißt, blüht und sieht etwas anders aus. Aus Sicht der Botaniker hält Dürer in seinen Händen Eryngium amethystinum – ein Amethyst-Eryngium, es wird auch „Blaue Distel“ genannt. Einer Version zufolge weist der fromme Dürer auf sein „Glaubensbekenntnis“ hin – die Dornenkrone Christi. Eine andere Version besagt, dass das Eryngium in Deutschland in einem der Dialekte Männer treu heißt, was bedeutet, dass Dürer deutlich macht, dass er nicht mit seinem Vater streiten wird, und Agnes verspricht, es zu sein treuer Ehemann. Die Inschrift auf dunklem Grund heißt My sach die gat / Als es oben schtat "Meine Taten werden von oben bestimmt"(es gibt auch eine gereimte Übersetzung: "Mein Geschäft geht weiter, wie es der Himmel befohlen hat"). Es kann auch als Ausdruck der Unterwerfung unter das Schicksal und den elterlichen Willen interpretiert werden. Aber das Kostüm sagt: „Ich werde tun, was mein Vater sagt, aber das wird mich nicht daran hindern, ich selbst zu sein und den eingeschlagenen Weg zu gehen.“.

Albrecht Dürer. Frau Agnes

Albrecht Dürer. Agnes Dürer

Grafische Porträts von Agnes Dürer (1495 und 1521), die ihr Mann im Abstand von einem Vierteljahrhundert anfertigte

Albrecht und Agnes werden bald heiraten, wie es ihre Eltern wollten, und zusammenleben langes Leben, die wenige glücklich zu nennen wagen: Die beiden Hälften des kinderlosen Ehepaars Dürer erwiesen sich als zu unterschiedlicher Natur. „Zwischen ihm und seiner Frau hat es wahrscheinlich nie eine Einigung gegeben, - schreibt Galina Matvievskaya in der Monographie "Albrecht Dürer - Wissenschaftler". — Agnes, praktisch und umsichtig, war offenbar sehr enttäuscht, dass der ganze Weg ihres neuen Lebens überhaupt nicht dem gewohnten Zuhause ihres Vaters entsprach. Im Bemühen um ein geordnetes bürgerliches Leben, das einfachen und klaren Regeln unterworfen war, unterstützte sie Dürer tatkräftig in allen wirtschaftlichen Angelegenheiten, kümmerte sich um das materielle Wohl des Hauses, doch die Wünsche und Ideale ihres Mannes blieben ihr fremd. Zweifellos war es nicht einfach für sie: Obwohl Dürer in der Nähe war, lebte er sein eigenes Leben, das für sie unverständlich war ... Mit der Zeit verhärtete sie sich, wurde gefühllos und geizig, und offensichtliche Feindseligkeit schlich sich in ihre Beziehung ein ".

"Magnificent Dürer": Selbstporträt aus dem Prado

Albrecht Dürer. Selbstportrait
1498, 41×52 cm Öl, Holz

Das malt ich nach meiner Gestalt / Ich war sex und zwenzig Jor alt / Albrecht Dürer - „Das habe ich von mir selbst geschrieben. Ich war 26 Jahre alt. Albrecht Dürer“. Zwischen zwei Selbstporträts – diesem und dem vorherigen – vergingen nur fünf Jahre, und sie waren sehr wichtige Jahre Biographie von Dürer. In diesen fünf Jahren hat Dürer nicht nur geheiratet, sondern ist auch berühmt geworden, ist nicht nur gereift, sondern hat es geschafft, sich als großer Künstler, als universelle Persönlichkeit zu verwirklichen, für die der Rahmen eng wurde Heimatort, denn jetzt braucht Dürer die ganze Welt. In diesem Selbstporträt aus dem Prado, in Dürers Blick selbst, in seiner ruhigen und selbstbewussten Haltung und in der Art, wie seine Hände auf der Brüstung ruhen, liegt eine besondere, bewusste Würde.

Dürer war zum Zeitpunkt der Niederschrift des Selbstporträts kurz zuvor von seiner zweiten Italienreise zurückgekehrt. Im Norden Europas ist er als exzellenter Kupferstecher bekannt, dessen Apokalypse-Zyklus, gedruckt in der Druckerei seines Patenonkels Anton Koberger, in großer Auflage verkauft wurde. In Italien, dieser Wiege der Kunst, wird Dürer böswillig kopiert, und er verklagt Fälscher, verteidigt seinen ehrlichen Namen und beweist auch zweifelnden Italienern, dass er in der Malerei ebenso großartig ist wie in der Gravur, indem er das Gemälde „Das Fest des Rosenkranzes“ gemalt hat “ (hier erzählen wir die Geschichte ausführlich). Das neue Selbstporträt ist eine Art Bekenntnis, dass Dürer kein Handwerker mehr ist (und Künstler in seiner Heimat Nürnberg immer noch als Vertreter der Handwerkerklasse gelten) – er ist ein Künstler und damit ein Auserwählter Gottes.

Das ist nicht mehr das Selbstbewusstsein eines mittelalterlichen Meisters, sondern eines Renaissance-Künstlers. Dürer, nicht ohne Herausforderung, porträtiert sich in einem italienischen Outfit, edel und teuer: Sein gerafftes Hemd aus weißer Seide ist am Kragen mit goldener Stickerei verziert, breite schwarze Streifen auf einer Mütze mit Quasten reimen sich mit schwarzem Kontrastbesatz der Kleidung, a Ein brauner Umhang aus schwerem, teurem Stoff wird in Höhe der Schlüsselbeine mit einer geflochtenen Kordel gehalten, die in die Ösen eingefädelt ist. Dürer hat sich einen gepflegten Bart zugelegt, der noch nach venezianischem Parfüm zu duften scheint, und sein goldrotes Haar ist sorgfältig gelockt, was unter pragmatischen Landsleuten für Spott sorgt. In Nürnberg versteckte seine Frau oder Mutter solche Outfits in einer Truhe: Als Vertreter der Handwerkerklasse hatte Dürer, wie Biographen schreiben, kein Recht, sich einen solch trotzigen Luxus zu leisten. Und mit diesem Selbstporträt erklärt er polemisch: Der Künstler sei kein Handwerker, seine Position in der gesellschaftlichen Hierarchie sei viel höher. Seine schönen Samthandschuhe von feiner Verarbeitung schreien ungefähr dasselbe. "Weiße Handschuhe, auch aus Italien mitgebracht, - schreibt Dürers Biograph Stanislav Zarnitsky, - verstecken die ehrlichen Hände des Arbeiters, bedeckt mit Abschürfungen, Schnitten, Flecken von eingegrabener Farbe"). Seine Handschuhe sind ein Symbol seines neuen Status. Ein teurer Anzug im venezianischen Stil und eine Berglandschaft vor dem Fenster (eine Hommage an den Mentor Giovanni Bellini) weisen darauf hin, dass Dürer sich nicht länger als provinzieller Handwerker versteht, der durch die Konventionen von Zeit und Raum begrenzt ist.

Selbstbildnis in pelzbesetzter Kleidung („Selbstbildnis im Alter von 28 Jahren“,
"Selbstbildnis im Pelzmantel"

Albrecht Dürer. Selbstportrait
1500, 67×49 cm Öl, Holz

Dieselbe Tendenz, den Künstler nicht als einfachen Handwerker, sondern als universelle Persönlichkeit zu betrachten, bringt Dürer in dem Bild, das später zum berühmtesten seiner Selbstporträts wurde, an seine logische Grenze. So wird sein Aussehen beschrieben biografischer Roman Dürer von Stanislav Zarnitsky:

„Als der alte Dürer das Atelier seines Sohnes betrat, sah er ein Bild, das er gerade fertiggestellt hatte. Herrgott - so schien es dem Goldschmied, dessen Augenlicht völlig nachgelassen hatte. Aber als er genauer hinsah, sah er nicht Jesus vor sich, sondern seinen Albrecht. Auf dem Porträt war sein Sohn reich gekleidet Pelzmantel. Eine Hand mit blassen Fingern, hilflos in ihrer Magerkeit, zog eiskalt an ihren Seiten. Aus dem düsteren Hintergrund, wie aus Nichtexistenz, ragte nicht nur ein Gesicht hervor - das Gesicht eines Heiligen. Eine überirdische Trauer erstarrte in seinen Augen. Die Inschrift ist klein geschrieben: „So habe ich, Albrecht Dürer aus Nürnberg, mich mit 28 Jahren mit ewigen Farben bemalt.“

Erstmals stellt sich Dürer nicht in einer Dreiviertelansicht, sondern streng frontal dar – es war nicht üblich, weltliche Porträts zu malen, nur Heiligenbilder. Mit einem transparenten „Blick in die Ewigkeit“, der Schönheit seiner ganzen Erscheinung und einer Handbewegung, die einer Segensgeste gleicht, vergleicht er sich bewusst mit Christus. War es eine besondere Kühnheit des Künstlers, sich nach dem Bild des Erlösers zu malen? Dürer war als eifriger Christ bekannt und war sich sicher, dass es für einen Gläubigen nicht nur eine Lebensaufgabe, sondern auch eine Pflicht ist, wie Christus zu werden. „Wegen des christlichen Glaubens müssen wir Beleidigungen und Gefahren ausgesetzt werden“ sagte Dürer.

Einige Forscher weisen darauf hin, dass das Bild im Jahr 1500 gemalt wurde, als die Menschheit erneut das Ende der Welt erwartete, daher ist dieses Selbstporträt eine Art spirituelles Testament von Dürer.

Selbstbildnis im das Bild der Toten Christus?

Albrecht Dürer. Der tote Christus trägt eine Dornenkrone
1503

Der tote Christus in der Dornenkrone Dürers Zeichnung mit dem zurückgeworfenen Haupt des toten Jesus wird von manchen als Selbstporträt angesehen. Es wird gesagt, dass Dürer im "Alter Christi" oder so sehr krank wurde und dem Tod nahe war. Mehrere Tage zitterte er vor Fieber, Dürer lag erschöpft da, mit ausgetrockneten Lippen und eingefallenen Augen. In diesem Moment dachten alle, dass der fromme Künstler nach dem Priester schicken würde. Aber er verlangte, einen kleinen Spiegel mitzubringen, legte ihn auf seine Brust und fand, kaum die Kraft findend, den Kopf zu heben, lange Zeit sein Spiegelbild. Das erschreckte Dürers Angehörige: Vielleicht dachten sie, er sei unter dem Einfluss der Krankheit verrückt geworden, weil es niemandem auf dem Sterbebett eingefallen war, sich selbst im Spiegel zu bewundern. Als Dürer sich erholte, fertigte er diese Zeichnung an, basierend auf dem, was er sah. Im unteren Drittel des Blattes sehen wir ein großes Monogramm des Künstlers - die Buchstaben A und D übereinander und die Jahreszahl - 1503 (Dürer wurde 1471 geboren).

Selbstporträts von Albrecht Dürer, die nur in Worten bekannt sind

Zwei höchst interessante Hinweise auf Dürers verschollene Selbstbildnisse sind uns überliefert. Beide gehören zu den Zeitgenossen des Künstlers. Der erste ist der Italiener Giorgio Vasari, der Verfasser der berühmten „Biographien“, und der zweite der Deutsche, der in Nürnberg bekannte Jurist Christoph Scheirl, der 1508 die Broschüre „Ein Buch zum Lobe Deutschlands“ herausgab.

Beide sprechen anhand von Live-Beispielen von Dürers Virtuosität, und daher verdienen ihre Beschreibungen Aufmerksamkeit, obwohl wir nicht wissen, von welchen Selbstporträts wir sprechen.

Vasari erzählt wie Dürer, den er anruft "der erstaunlichste deutsche Maler und Kupferstecher, der die schönsten Drucke herstellt“, an seinen jüngeren Kollegen Rafael geschickt „ein Kopf-Selbstporträt, von ihm in Gouache auf feinstem Stoff angefertigt, damit es von beiden Seiten gleichermaßen betrachtet werden konnte, und die Glanzlichter ohne Weiß und transparent waren und die anderen hellen Bereiche des Bildes mit der Erwartung unberührt blieben ein durchscheinender Stoff, der nur leicht getönt und mit Farbaquarell berührt wird. Raffael kam diese Sache erstaunlich vor, und so schickte er ihm viele Blätter mit eigenen Zeichnungen, die Albrecht besonders schätzte..

Der von Sheirl beschriebene Fall scheint eine naive Kuriosität zu sein und erzählt von Dürer und seinem Hund:

„... Einmal, als er sein eigenes Porträt mit einem Spiegel malte und ein noch frisches Bild in die Sonne stellte, leckte ihn sein Hund, der gerade vorbeilief, und glaubte, sie sei ihrem Herrn begegnet (für nur Hunde, lt derselbe Plinius, kennen ihre Namen und erkennen ihren Meister, auch wenn er ganz unerwartet auftaucht). Und ich kann bezeugen, dass es bis heute eine Spur davon gibt. Wie oft haben die Mägde überdies versucht, die Spinnweben zu löschen, die er mühsam geschrieben hatte!“

Cameo-Selbstporträts (Dürer in mehrfigurigen Gemälden als er selbst)

Dürer war ein Innovator, der Solo-Selbstporträts aufführte. Aber manchmal agierte er traditioneller, wie viele seiner Vorgänger und Zeitgenossen – er brachte sein eigenes Bild in vielfigurige Kompositionen ein. Es war eine gängige Praxis für Künstler zu Dürers Zeit, sich an der Altartür oder in einer dichten Menge von "betenden und bevorstehenden" Künstlern zu platzieren.

Albrecht Dürer. Fest des Rosenkranzes (Fest der Rosenkränze)
1506, 162 × 194,5 cm Öl, Holz

In der rechten Ecke des von der Deutschen Gemeinde in Venedig in Auftrag gegebenen Altarbildes „Das Fest des Rosenkranzes“ zeigt sich der Künstler in prächtigem Gewand. In seinen Händen hält er eine Schriftrolle, die besagt, dass Albrecht Dürer das Gemälde in fünf Monaten fertig gestellt hat, obwohl die Arbeit daran mindestens acht Monate gedauert hat: Dürer war es wichtig, den zweifelnden Italienern zu beweisen, dass er ebenso gut im Malen war wie beim Gravieren.

Albrecht Dürer. Altar von Hiob (Altar von Yabakh). Wiederaufbau
1504

Der Jabach-Altar (manchmal auch „Job-Altar“ genannt) wurde wahrscheinlich von Kurfürst Friedrich III. von Sachsen für das Schloss in Wittenberg zur Erinnerung an das Ende der Pest von 1503 bei Dürer bestellt. Später erwarb die Kölner Familie Yabach den Altar, bis ins 18. Jahrhundert war er in Köln, dann wurde er geteilt, sein Mittelteil ging verloren. So sahen die verstreuten Außenflügel jetzt aus: Links sind der leidende Hiob und seine Frau dargestellt, rechts die Musikanten, die kamen, um Hiob zu trösten. Dürer porträtierte sich als Schlagzeuger. In Wirklichkeit interessierte sich der Künstler für Musik, versuchte, Laute zu spielen, aber in diesem Bild steckt noch etwas Unzweifelhafteres - seine inhärente Extravaganz bei der Wahl der Kleidung. Dürer, der Schlagzeuger, zeigt sich mit schwarzem Turban und einem kurzen orangefarbenen Umhang mit ungewöhnlichem Schnitt.

Angebliche Selbstporträts von Dürer finden sich in seinen Werken „Die Qual der zehntausend Christen“, „Gellers Altar“ und „Anbetung der Dreifaltigkeit“.

Albrecht Dürer. Martyrium von zehntausend Christen
1508, 99×87 cm

Albrecht Dürer. Geller Altar (Altar Mariä Himmelfahrt). Wiederaufbau
1500er, 190×260 cm Öl, Tempera, Holz

Albrecht Dürer. Anbetung der Heiligen Dreifaltigkeit (Landauer Altar)
1511, 135×123 cm

Und hier sind Fragmente der oben genannten Arbeiten mit Dürers Selbstporträts:

Dürer nackt

Albrecht Dürer. Selbstporträt im Akt
1509, 29×15 cm Tinte, Papier

Der deutsche Philologe und Historiker des 16. Jahrhunderts, Joachim Camerarius der Ältere, verfasste für die Veröffentlichung von Dürers Proportionsbuch einen Essay über Leben und Werk des Künstlers. Das Auftreten Dürers darin beschrieb Camerarius wie folgt: „Die Natur schenkte ihm einen Körper, der sich durch seine Schlankheit und Haltung auszeichnete und dem edlen Geist in ihm durchaus entsprach ... Er hatte ein ausdrucksvolles Gesicht, funkelnde Augen, eine Nase von edler Form, ... einen ziemlich langen Hals, eine sehr breite Brust, ein straffer Bauch, muskulöse Oberschenkel, kräftige und schlanke Beine . Aber Sie würden sagen, Sie haben noch nie etwas Anmutigeres gesehen als seine Finger. Seine Rede war so süß und witzig, dass nichts seine Zuhörer so sehr aufregte wie sein Ende..

Die Offenheit, mit der Dürer nicht fremde, sondern seine eigene Nacktheit darstellt, blieb bis ins 20. Jahrhundert und ähnliche Experimente von Lucian Freud etwas Unerhörtes und so schockierend, dass dieses generationsübergreifende Selbstporträt Dürers in vielen Veröffentlichungen verschämt auf Hüfthöhe abgeschnitten wurde .

Allerdings muss man verstehen, dass Dürers Strategie nicht darin bestand, jemanden zu schockieren. Vielmehr trieb ihn das gleiche Renaissance-Interesse des Naturforschers an, der den späteren Künstler im Alter von 13 Jahren dazu brachte, sich für sein eigenes Gesicht zu interessieren und sofort zu prüfen, ob er die „Natur verdoppeln“ könne, indem er das Gesehene in der Zeichnung festhalte. Außerdem wurde in Deutschland zur Zeit Dürers das Bild eines nackten Körpers aus der Natur vertreten ernstes Problem: Im Gegensatz zu Italien, wo es nicht schwierig war, Modelle beiderlei Geschlechts zu finden, und nicht zu viel kostete, war es für die Deutschen nicht üblich, nackt für Künstler zu posieren. Und Dürer selbst hat viel darüber geklagt, dass er gezwungen war, das Zeichnen des menschlichen Körpers nach den Werken von Italienern (Andrea Mantegna und anderen) zu lernen, und Vasari in Marcantonios Biografie gibt sogar eine so herablassend ätzende Passage in Bezug auf Dürers Fähigkeiten zu um einen nackten Körper darzustellen:

„... Ich bin bereit zu glauben, dass Albrecht es vielleicht nicht besser hätte machen können, denn da er keine andere Gelegenheit hatte, war er gezwungen, einen nackten Körper darzustellen, um seine eigenen Schüler zu kopieren, die wie die meisten Deutschen hässlich waren Körper, obwohl die gekleideten Menschen dieser Länder sehr schön erscheinen “.

Auch wenn wir Vasaris Angriff auf die Hässlichkeit deutscher Figuren empört zurückweisen, liegt die Vermutung nahe, dass Dürer, der von Natur aus über hervorragende Proportionen verfügt, seinen eigenen Körper aktiv für seine künstlerischen und anthropometrischen Studien nutzte. Strukturelle Probleme menschlicher Körper und das Verhältnis seiner Teile im Laufe der Zeit wurde zu einem der wichtigsten in der Arbeit und Weltanschauung von Dürer.

Albrecht Dürer. Männerbad

Im Stich „Männerbad“ findet Dürer einen „legalen“ und gelungenen Anlass zur Darstellung eines Aktes, der keineswegs gegen die öffentliche Moral verstößt und vor Vorwürfen von Konservativen oder Heuchlern warnt. Bäder sind ein besonderer Stolz deutscher Städte. Sie dienen, wie die römischen Bäder, als Ort freundlicher Begegnungen und bedeutungsvoller Gespräche. Aber Blei in der Badewanne, niemand ist angezogen! An Vordergrund Kupferstich Dürer zeigt seinen Mentor Michael Wolgemuth und seinen engsten Freund Willibald Pirckheimer. Auch ein Selbstportrait von Dürer findet sich hier: Sein muskulöser Körper geht aus dem Hintergrund auf den Flötisten über.

Selbstporträts von Dürer als „Schmerzensmann“

Albrecht Dürer. Schmerzensmann (Selbstbildnis)
1522, 40,8 × 29 cm Bleistift, Papier

„Ich selbst habe ein graues Haar an mir gefunden, es ist aus Armut gewachsen und weil ich so sehr leide. Ich fühle mich, als wäre ich geboren, um in Schwierigkeiten zu geraten.". Die zitierten Worte sind ein Zitat aus Dürers Brief an einen Freund und vielleicht der intimste Ausdruck dessen, was er über sein eigenes Leben denkt.

Dieses späte Selbstporträt verbindet paradoxerweise zwei Haltungen früherer Selbstporträts: den nackten Körper als Natur zu nutzen und sich in gewisser Weise mit Christus zu identifizieren. Dürer zeichnet seinen nicht mehr jungen Körper und sein vom Alter berührtes Gesicht, fixiert, wie Muskeln und Haut allmählich schlaff werden, bildet Hautfalten, wo sie gestern noch nicht da waren, fixiert mit nüchterner Sachlichkeit die Veränderungen, die sich vollziehen, fertigt Dürer gleichzeitig dieses Selbstporträt an nach dem ikonografischen Typ „Schmerzensmann“. Diese aus dem alttestamentlichen Buch Jesaja stammende Definition bezeichnete den gequälten Christus – in der Dornenkrone, halb bekleidet, geschlagen, bespuckt, mit einer blutigen Wunde unter den Rippen (1, 2).

Albrecht Dürer. Selbstportrait
1521

Und dieses Selbstporträt ist kein Gemälde oder Stich, sondern eine Visualisierung der Diagnose aus einem Brief Dürers an den Arzt, bei dem er sich beraten lassen wollte. Ganz oben steht eine Erklärung: „Wo der gelbe Fleck ist und wo mein Finger hinzeigt, tut es mir weh.“

Armut, Krankheit, Kundenstreitigkeiten und die Verhaftung geliebter, der Gottlosigkeit angeklagter Studenten, die Weigerung der Nürnberger Behörden, dem Künstler die vom verstorbenen Kaiser Maximilian festgesetzte Jahrespauschale zu zahlen, das Unverständnis in der Familie - letzten Jahren Dürer waren nicht einfach und voller Traurigkeit. Nach einer langen Reise zu einem an Land gespülten Wal wird der 50-jährige Dürer an Malaria erkranken, von deren Folgen er sich bis zum Tod nicht erholen kann. Eine schwere Krankheit (möglicherweise ein Tumor der Bauchspeicheldrüse) führte dazu, dass Dürer, so Willibald Pirkheimer, „wie ein Bündel Stroh“ vertrocknete. Und wenn er begraben wird (ohne besondere Ehrungen - der Nürnberger Handwerker hatte kein Recht darauf), würden die unvernünftigen Bewunderer des Genies, das sich selbst verwirklicht hat, auf einer Exhumierung bestehen, um ihm die Totenmaske abzunehmen. Und seine berühmten welligen Locken werden als Andenken abgeschnitten und aussortiert. Als ob die Erinnerung an ihn diese Requisiten aus seinem sterblichen Fleisch brauchte, während Dürer unsterbliche Zeugnisse von sich selbst hinterlassen hat - Stiche, Gemälde, Bücher und schließlich Selbstporträts.

Albrecht Dürer(deutsch Albrecht Dürer, 21. Mai 1471, Nürnberg - 6. April 1528, Nürnberg) - Deutscher Maler und Grafiker, einer der größten Meister der westeuropäischen Renaissance. Anerkannt als größter europäischer Meister des Holzschnitts, der ihn zur Kunst erhoben hat. Der erste Kunsttheoretiker des Nordens Europäische Künstler, Autor praktischer Leitfadenüber bildende und dekorative Kunst in deutscher Sprache, was die Notwendigkeit einer vielseitigen Entwicklung von Künstlern förderte. Begründer der vergleichenden Anthropometrie. Der erste europäische Künstler, der eine Autobiografie verfasste. Der Name Dürer ist mit der Entstehung des nordeuropäischen Selbstporträts als verbunden eigenständiges Genre. Als einer der besten Porträtmaler seiner Zeit schätzte er die Malerei sehr, weil sie es ermöglichte, das Bild zu bewahren. spezielle Person für zukünftige Generationen.

Dürers Schaffensweg fiel mit dem Höhepunkt der deutschen Renaissance zusammen, deren komplexe, weitgehend disharmonische Natur seine gesamte Kunst prägte. Es sammelt den Reichtum und die Originalität deutscher künstlerischer Traditionen, die sich ständig im Auftreten von Dürers Figuren manifestieren, fernab des klassischen Schönheitsideals, zugunsten scharfer Charaktere, in Aufmerksamkeit für einzelne Details. Gleichzeitig nimmt Dürer Kontakt auf Italienische Kunst, das Geheimnis der Harmonie und Perfektion, das er zu begreifen versuchte. Er ist der einzige Meister der nördlichen Renaissance, der in der Ausrichtung und Vielseitigkeit seiner Interessen, dem Bestreben, die Gesetze der Kunst zu beherrschen, der Entwicklung perfekter Proportionen der menschlichen Figur und den Regeln der perspektivischen Konstruktion, vergleichbar ist mit die größten Meister Italienische Renaissance.

Albrecht Dürer „Selbstbildnis“, Öl auf Holz, 67 × 49 cm, 1500

Dieses Selbstporträt hinterließ bei den Betrachtern einen unvergesslichen Eindruck. Schon im Anfangsstadium der Arbeit an dem Porträt beging Albrecht aus Sicht des mittelalterlichen Kunstkanons eine echte Blasphemie: Er begann, sich von vorne zu malen – aus einer Perspektive, die für die Darstellung von Normalsterblichen, selbst von Großen, undenkbar war Maler. Es durfte also nur Gott geschrieben werden. Aber Dürer ging noch weiter: Er gab seinem Aussehen die Züge Jesu Christi. Unfall? Es ist unwahrscheinlich, da bekannt ist, dass sich der Künstler in späteren Arbeiten immer wieder selbst als Modell für die Darstellung Christi verwendet hat.

Das Gerücht über die neue Schöpfung des Künstlers, obwohl sie nie öffentlich ausgestellt wurde und immer Eigentum des Meisters blieb, verbreitete sich in der ganzen Stadt und ging bald darüber hinaus. Es gab allen Grund, Dürer übertriebenen Stolz vorzuwerfen, gerade in dieser schrecklichen Zeit (1500 - die Erwartung des Weltuntergangs). Aber sogar sein Stolz wurde ihm verziehen. Das Bild öffnete sich nicht nur neue Bühne in der deutschen Porträtmalerei. Sie schien zu sagen, dass der Mensch Gott nach seinem Ebenbild geschaffen hat.

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