Wer hat die ersten Bilder gemalt? Wer malte die Bären zu Shishkin und andere Geheimnisse berühmter Gemälde Der Hintergrund ist wie aus dem Film „Der Herr der Ringe“, mit einem hellblauen Nebel. Gewelltes Haar und aristokratische Nase Madonna - Da Vinci

Bei fast jedem bedeutende Arbeit Kunst ist ein Mysterium, ein „doppelter Boden“ bzw geheime Geschichte die Sie öffnen möchten.

Musik auf dem Gesäß

Hieronymus Bosch, „Garten irdische Freuden", 1500-1510.

Fragment eines Triptychons

Streitigkeiten über die Bedeutungen und verborgene Bedeutungen berühmteste Werk Niederländischer Künstler sind seit ihrer Gründung nicht zurückgegangen. Auf dem rechten Flügel des als „Musikalische Hölle“ bezeichneten Triptychons sind Sünder dargestellt, die in der Unterwelt mit deren Hilfe gefoltert werden Musikinstrumente. Einer von ihnen hat Notizen auf seinem Gesäß aufgedruckt. Die Studentin der Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, die Malerei studierte, übersetzte die Notation des 16. Jahrhunderts in moderner Weg und nahm "ein Lied vom Arsch aus der Hölle auf, das 500 Jahre alt ist".

Nackte Mona Lisa

Die berühmte "Gioconda" existiert in zwei Versionen: Die Nacktversion heißt "Monna Vanna", sie wurde von geschrieben wenig bekannter Künstler Salai, der ein Schüler und Sitter des großen Leonardo da Vinci war. Viele Kunstkritiker sind sich sicher, dass er das Vorbild für Leonardos Gemälde „Johannes der Täufer“ und „Bacchus“ war. Es gibt auch Versionen, in denen Salai in ein Frauenkleid gekleidet war und als Abbild der Mona Lisa selbst diente.

Alter Fischer

1902 malte der ungarische Künstler Tivadar Kostka Chontvari das Gemälde „ Alter Fischer". Es scheint, dass das Bild nichts Ungewöhnliches ist, aber Tivadar legte einen Subtext hinein, der zu Lebzeiten des Künstlers nie enthüllt wurde.

Nur wenige dachten daran, einen Spiegel in die Mitte des Bildes zu stellen. In jeder Person kann es sowohl Gott (die rechte Schulter des alten Mannes wird dupliziert) als auch den Teufel geben (die linke Schulter des alten Mannes wird dupliziert).

Gab es einen Wal?

Hendrik van Antonissen "Szene am Ufer".

Es schien eine gewöhnliche Landschaft zu sein. Boote, Menschen am Ufer und das Wüstenmeer. Und nur eine Röntgenuntersuchung zeigte, dass sich Menschen aus einem bestimmten Grund am Ufer versammelten - im Original untersuchten sie den Kadaver eines an Land gespülten Wals.

Der Künstler entschied jedoch, dass niemand einen toten Wal sehen möchte, und übermalte das Gemälde neu.

Zwei "Frühstücke auf dem Rasen"

Edouard Manet, Frühstück im Gras, 1863.

Claude Monet, Frühstück im Gras, 1865.

Die Künstler Edouard Manet und Claude Monet sind manchmal verwirrt – schließlich waren sie beide Franzosen, lebten zur gleichen Zeit und arbeiteten im Stil des Impressionismus. Sogar den Namen eines von Manets berühmtesten Gemälden, „Breakfast on the Grass“, entlehnte Monet und schrieb sein „Breakfast on the Grass“.

Zwillinge beim Letzten Abendmahl

Leonardo da Vinci, " Das letzte Abendmahl", 1495-1498.

Als Leonardo da Vinci Das letzte Abendmahl schrieb, legte er besonderen Wert auf zwei Figuren: Christus und Judas. Er hat sehr lange nach Sittern für sie gesucht. Schließlich gelang es ihm, unter den jungen Sängern ein Vorbild für das Christusbild zu finden. Drei Jahre lang gelang es Leonardo nicht, einen Sitter für Judas zu finden. Aber eines Tages begegnete er einem Säufer, der im Rinnstein auf der Straße lag. Er war ein junger Mann, der durch starkes Trinken gealtert war. Leonardo lud ihn in eine Taverne ein, wo er sofort anfing, Judas von ihm zu schreiben. Als der Trunkenbold wieder zur Besinnung kam, sagte er dem Künstler, dass er schon einmal für ihn posiert habe. Es war vor ein paar Jahren, als er im Kirchenchor sang, schrieb Leonardo Christus von ihm.

„Nachtwache“ oder „Tagwache“?

Rembrandt“, Die Nachtwache", 1642.

Eines der berühmtesten Gemälde von Rembrandt, „Die Aufführung der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenbürg“, hing etwa zweihundert Jahre lang in verschiedenen Sälen und wurde erst im 19. Jahrhundert von Kunsthistorikern entdeckt. Da sich die Figuren von einem dunklen Hintergrund abzuheben schienen, wurde sie Nachtwache genannt und gelangte unter diesem Namen in die Schatzkammer der Weltkunst.

Und erst bei der 1947 durchgeführten Restaurierung stellte sich heraus, dass das Bild in der Halle mit einer Rußschicht überzogen war, die seine Farbe verfälschte. Nach der Räumung des Originalgemäldes stellte sich schließlich heraus, dass die von Rembrandt dargestellte Szene tatsächlich tagsüber stattfindet. Die Position des Schattens von der linken Hand von Kapitän Kok zeigt, dass die Dauer der Aktion nicht mehr als 14 Stunden beträgt.

gekentertes Boot

Henri Matisse, „Das Boot“, 1937.

Im New Yorker Museum of Modern Art wurde 1961 das Gemälde „The Boat“ von Henri Matisse ausgestellt. Erst nach 47 Tagen bemerkte jemand, dass das Bild verkehrt herum hing. Die Leinwand zeigt 10 violette Linien und zwei blaue Segel auf weißem Hintergrund. Der Künstler malte aus gutem Grund zwei Segel, das zweite Segel spiegelt das erste auf der Wasseroberfläche wider.
Um sich nicht zu irren, wie das Bild hängen soll, müssen Sie auf die Details achten. Das größere Segel sollte sich oben auf dem Gemälde befinden und die Spitze des Segels des Gemäldes sollte auf die obere rechte Ecke gerichtet sein.

Täuschung in einem Selbstporträt

Vincent van Gogh, Selbstbildnis mit Pfeife, 1889.

Es gibt Legenden, dass Van Gogh angeblich sein eigenes Ohr abgeschnitten hat. Die zuverlässigste Version ist nun, dass van Goghs Ohr bei einer kleinen Schlägerei unter Beteiligung eines anderen Künstlers, Paul Gauguin, beschädigt wurde.

Das Selbstporträt ist interessant, weil es die Realität verzerrt widerspiegelt: Der Künstler ist mit verbundenem rechten Ohr dargestellt, weil er bei der Arbeit einen Spiegel benutzte. Tatsächlich wurde das linke Ohr beschädigt.

außerirdische Bären

Ivan Shishkin, "Morgen im Kiefernwald", 1889.

Das berühmte Gemälde gehört nicht nur zum Pinsel von Shishkin. Viele befreundete Künstler griffen oft auf "die Hilfe eines Freundes" zurück, und Ivan Ivanovich, der sein ganzes Leben lang Landschaften malte, hatte Angst, dass das Berühren von Bären nicht so gelingen würde, wie er es brauchte. Daher wandte sich Shishkin an einen bekannten Tiermaler Konstantin Savitsky.

Savitsky malte vielleicht die besten Bären in der Geschichte der russischen Malerei, und Tretjakow befahl, seinen Namen von der Leinwand zu waschen, da alles auf dem Bild „von der Idee bis zur Ausführung alles von der Art der Malerei spricht, von kreative Methode charakteristisch für Shishkin.

Unschuldige Geschichte "Gothic"

Grant Holz, Amerikanische Gotik", 1930.

Grant Woods Werk gilt als eines der seltsamsten und deprimierendsten in der Geschichte der amerikanischen Malerei. Das Bild mit düsterem Vater und Tochter ist übersät mit Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückständigkeit der Dargestellten hinweisen.
Tatsächlich wollte der Künstler keine Schrecken darstellen: Während einer Reise nach Iowa bemerkte er ein kleines Haus in Gothic Style und entschloss sich, jene Menschen zu porträtieren, die seiner Meinung nach als Bewohner ideal geeignet wären. Grants Schwester und sein Zahnarzt sind in Form von Charakteren verewigt, die die Menschen in Iowa so beleidigt haben.

Rache von Salvador Dali

Das Gemälde „Figur am Fenster“ wurde 1925 gemalt, als Dali 21 Jahre alt war. Dann war Gala noch nicht in das Leben des Künstlers eingetreten, und seine Schwester Ana Maria war seine Muse. Das Verhältnis zwischen Bruder und Schwester verschlechterte sich, als er auf eines der Gemälde schrieb: "Manchmal spucke ich auf ein Porträt meiner eigenen Mutter, und es macht mir Freude." Ana Maria konnte solche Schocks nicht verzeihen.

In ihrem Buch Salvador Dali Through the Eyes of a Sister von 1949 schreibt sie ohne Lob über ihren Bruder. Das Buch machte El Salvador wütend. Für weitere zehn Jahre danach erinnerte er sich bei jeder Gelegenheit wütend an sie. Und so erscheint 1954 das Bild „Eine junge Jungfrau, die sich mit Hilfe der Hörner ihrer eigenen Keuschheit der Sodomy-Sünde hingibt“. Die Haltung der Frau, ihre Locken, die Landschaft vor dem Fenster und die Farbgebung des Gemäldes spiegeln deutlich die Figur am Fenster wider. Es gibt eine Version, dass Dali sich auf diese Weise an seiner Schwester für ihr Buch gerächt hat.

Danae mit zwei Gesichtern

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Viele Geheimnisse eines der berühmtesten Gemälde von Rembrandt wurden erst in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts gelüftet, als die Leinwand mit Röntgenstrahlen beleuchtet wurde. Zum Beispiel zeigten die Dreharbeiten, dass in der frühen Version das Gesicht der Prinzessin eintrat Liebesaffäre bei Zeus sah es aus wie das Gesicht von Saskia, der Frau des 1642 verstorbenen Malers. In der endgültigen Version des Gemäldes ähnelte es allmählich dem Gesicht von Gertier Dirks, Rembrandts Geliebte, mit der der Künstler nach dem Tod seiner Frau zusammenlebte.

Van Goghs gelbes Schlafzimmer

Vincent van Gogh, "Schlafzimmer in Arles", 1888 - 1889.

Im Mai 1888 erwarb Van Gogh eine kleine Werkstatt im südfranzösischen Arles, wohin er vor den Pariser Künstlern und Kritikern floh, die ihn nicht verstanden. In einem der vier Zimmer richtet Vincent ein Schlafzimmer ein. Im Oktober ist alles fertig und er beschließt, Van Goghs Schlafzimmer in Arles zu streichen. Für den Künstler war die Farbe, die Behaglichkeit des Raumes sehr wichtig: Alles sollte Entspannungsgedanken suggerieren. Gleichzeitig wird das Bild in störenden Gelbtönen gehalten.

Forscher von Van Goghs Kreativität erklären dies damit, dass der Künstler Fingerhut eingenommen hat, ein Mittel gegen Epilepsie, das die Farbwahrnehmung des Patienten stark verändert: Die gesamte umgebende Realität ist in grün-gelben Tönen gemalt.

Zahnlose Perfektion

Leonardo da Vinci, "Bildnis der Frau Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

Die allgemein anerkannte Meinung ist, dass Mona Lisa die Perfektion ist und ihr Lächeln in seiner Geheimniskrämerei schön ist. Der amerikanische Kunstkritiker (und Teilzeitzahnarzt) Joseph Borkowski glaubt jedoch, dass die Heldin, ihrem Gesichtsausdruck nach zu urteilen, viele ihrer Zähne verloren hat. Bei der Untersuchung vergrößerter Fotografien des Meisterwerks fand Borkowski auch Narben um ihren Mund. „Sie lächelt so sehr, gerade wegen dem, was ihr passiert ist“, glaubt der Experte. „Ihr Gesichtsausdruck ist typisch für Menschen, die ihre Vorderzähne verloren haben.“

Major auf Gesichtskontrolle

Pavel Fedotov, Matchmaking des Majors, 1848.

Das Publikum, das zum ersten Mal das Gemälde "Major's Matchmaking" sah, lachte herzlich: Der Künstler Fedotov füllte es mit ironischen Details, die für die damaligen Betrachter verständlich waren. Zum Beispiel ist der Major offensichtlich nicht mit den Regeln der noblen Etikette vertraut: Er erschien ohne die richtigen Blumensträuße für die Braut und ihre Mutter. Und die Braut selbst wurde von ihren Kaufmannseltern in ein abendliches Ballkleid entlassen, obwohl es Tag war (alle Lampen im Raum waren gelöscht). Das Mädchen hat offensichtlich zum ersten Mal ein tief ausgeschnittenes Kleid anprobiert, ist verlegen und versucht, in ihr Zimmer zu fliehen.

Warum Freiheit nackt ist

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Freiheit auf den Barrikaden, 1830.

Laut dem Kunsthistoriker Etienne Julie malte Delacroix das Gesicht einer Frau der berühmten Pariser Revolutionärin – der Wäscherin Anna-Charlotte, die nach dem Tod ihres Bruders durch königliche Soldaten auf die Barrikaden ging und neun Wachen tötete. Der Künstler stellte sie mit nacktem Oberkörper dar. Nach seinem Plan ist dies ein Symbol für Furchtlosigkeit und Selbstlosigkeit sowie den Triumph der Demokratie: Nackte Brüste zeigen, dass Swoboda wie ein Bürger kein Korsett trägt.

nicht quadratisch quadratisch

Kasimir Malewitsch, Schwarzer suprematistischer Platz, 1915.

Tatsächlich ist das "Schwarze Quadrat" überhaupt nicht schwarz und überhaupt nicht quadratisch: Keine der Seiten des Vierecks ist parallel zu einer seiner anderen Seiten, und keine der Seiten des quadratischen Rahmens, der das Bild einrahmt. A dunkle Farbe- Dies ist das Ergebnis des Mischens verschiedener Farben, unter denen es kein Schwarz gab. Es wird angenommen, dass dies nicht die Nachlässigkeit des Autors war, sondern eine prinzipielle Position, der Wunsch, eine dynamische, mobile Form zu schaffen.

Spezialisten der Tretjakow-Galerie haben die Inschrift des Autors auf einem berühmten Gemälde von Malewitsch entdeckt. Die Inschrift lautet: „Kampf der Neger in einer dunklen Höhle“. Dieser Satz bezieht sich auf den Namen des verspielten Gemäldes des französischen Journalisten, Schriftstellers und Künstlers Alphonse Allais „Kampf der Neger in einer dunklen Höhle in der Toten der Nacht“, das ein absolut schwarzes Rechteck war.

Melodram der österreichischen Mona Lisa

Gustav Klimt, „Bildnis der Adele Bloch-Bauer“, 1907.

Eines der bedeutendsten Gemälde Klimts zeigt die Frau des österreichischen Zuckermagnaten Ferdinand Bloch-Bauer. Ganz Wien diskutierte über die stürmische Romanze von Adele und berühmter Künstler. Der verwundete Ehemann wollte sich an seiner Geliebten rächen, entschied sich aber sehr für einen Auf ungewöhnliche Art und Weise: Er beschloss, ein Porträt von Adele für Klimt zu bestellen und ihn Hunderte von Skizzen machen zu lassen, bis der Künstler anfängt, sich von ihr abzuwenden.

Bloch-Bauer wollte, dass die Arbeit mehrere Jahre dauert, und das Model konnte sehen, wie Klimts Gefühle verblassen. Er machte dem Künstler ein großzügiges Angebot, das er nicht ablehnen konnte, und alles verlief nach dem Szenario des betrogenen Ehemanns: Die Arbeit war in 4 Jahren abgeschlossen, die Liebenden hatten sich längst abgekühlt. Adele Bloch-Bauer hat nie erfahren, dass ihr Mann von ihrer Beziehung zu Klimt wusste.

Das Gemälde, das Gauguin wieder zum Leben erweckte

Paul Gauguin, "Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?", 1897-1898.

Gauguins berühmtestes Gemälde hat ein Merkmal: Es wird nicht von links nach rechts, sondern von rechts nach links „gelesen“, wie kabbalistische Texte, die den Künstler interessierten. In dieser Reihenfolge entfaltet sich die Allegorie des geistigen und körperlichen Lebens eines Menschen: von der Geburt der Seele (ein schlafendes Kind in der unteren rechten Ecke) bis zur Unausweichlichkeit der Todesstunde (ein Vogel mit einer Eidechse darin seine Krallen in der unteren linken Ecke).

Das Gemälde wurde von Gauguin auf Tahiti gemalt, wohin der Künstler mehrfach vor der Zivilisation floh. Doch diesmal klappte das Leben auf der Insel nicht: Die totale Armut führte ihn in eine Depression. Nachdem Gauguin die Leinwand fertiggestellt hatte, die sein spirituelles Testament werden sollte, nahm er eine Kiste mit Arsen und ging in die Berge, um zu sterben. Er berechnete jedoch nicht die Dosis, und der Selbstmord schlug fehl. Am nächsten Morgen taumelte er zu seiner Hütte und schlief ein, und als er aufwachte, verspürte er einen vergessenen Durst nach Leben. Und im Jahr 1898 ging es mit seinen Angelegenheiten bergauf und in seiner Arbeit begann eine hellere Zeit.

112 Sprichwörter in einem Bild

Pieter Brueghel der Ältere, „Niederländische Sprichwörter“, 1559

Pieter Brueghel der Ältere stellte ein Land dar, das von wörtlichen Bildern der holländischen Sprichwörter jener Tage bewohnt wurde. Es gibt ungefähr 112 erkennbare Redewendungen in dem gemalten Bild. Einige davon werden noch heute verwendet, wie „gegen den Strom schwimmen“, „den Kopf gegen die Wand schlagen“, „bis an die Zähne bewaffnet“ und „großer Fisch frisst kleine“.

Andere Sprichwörter spiegeln menschliche Dummheit wider.

Subjektivität der Kunst

Paul Gauguin, Bretonisches Dorf unter dem Schnee, 1894

Gauguins Gemälde „Bretonisches Dorf im Schnee“ wurde nach dem Tod des Autors für nur sieben Franken und noch dazu unter dem Namen „Niagarafälle“ verkauft. Der Auktionator hängte das Gemälde versehentlich verkehrt herum auf, nachdem er einen Wasserfall darin gesehen hatte.

verstecktes Bild

Pablo Picasso, Das blaue Zimmer, 1901

Im Jahr 2008 zeigte Infrarot, dass ein weiteres Bild unter dem „Blauen Raum“ verborgen war – ein Porträt eines Mannes, der einen Anzug mit einem Schmetterling trägt und seinen Kopf auf seine Hand stützt. „Sobald es Picasso getan hatte neue Idee, er griff zum Pinsel und verkörperte ihn. Aber er hatte nicht bei jedem Besuch der Muse die Möglichkeit, eine neue Leinwand zu kaufen“, erklärt er Mögliche Ursache diese Kunsthistorikerin Patricia Favero.

Unzugängliche marokkanische Frauen

Zinaida Serebryakova, Nackt, 1928

Eines Tages erhielt Zinaida Serebryakova ein verlockendes Angebot - auf eine kreative Reise zu gehen, um die nackten Gestalten orientalischer Mädchen darzustellen. Aber es stellte sich heraus, dass es an diesen Orten einfach unmöglich war, Modelle zu finden. Ein Dolmetscher für Zinaida kam zur Rettung - er brachte seine Schwestern und seine Braut zu ihr. Niemand davor und danach war in der Lage, die geschlossenen orientalischen Frauen nackt einzufangen.

Spontane Einsicht

Valentin Serov, "Porträt von Nikolaus II. In einer Jacke", 1900

Lange Zeit Serov konnte kein Porträt des Zaren malen. Als der Künstler komplett aufgab, entschuldigte er sich bei Nikolai. Nikolai war etwas verärgert, setzte sich an den Tisch und streckte die Hände vor sich aus ... Und dann dämmerte es dem Künstler - hier ist er! Ein einfacher Soldat in einer Offiziersjacke mit klaren und traurigen Augen. Dieses Porträt gilt als die beste Darstellung des letzten Kaisers.

Wieder zwei

© Fedor Reshetnikov

Das berühmte Gemälde „Again deuce“ ist nur der zweite Teil der künstlerischen Trilogie.

Der erste Teil ist "Angekommen für die Feiertage". Offensichtlich eine wohlhabende Familie, Winterferien, ein fröhlicher, ausgezeichneter Student.

Der zweite Teil ist "Wieder die Zwei". Eine arme Familie aus den Randbezirken der Arbeiterklasse, der Höhepunkt des Schuljahres, eine stumpfe Wucht, die wieder eine Zwei schnappte. In der linken obere Ecke das Bild „Angekommen für die Feiertage“ ist sichtbar.

Der dritte Teil ist "Nachprüfung". Landhaus, Sommer, alle laufen, ein bösartiger Ignorant, der die Jahresprüfung nicht bestanden hat, wird gezwungen, in vier Wänden zu sitzen und zu pauken. In der oberen linken Ecke sehen Sie das Bild "Again deuce".

Wie Meisterwerke entstehen

Joseph Turner, Regen, Dampf und Geschwindigkeit, 1844

1842 reiste Frau Simon mit dem Zug durch England. Plötzlich setzte ein heftiger Platzregen ein. Der ihr gegenüber sitzende ältere Herr stand auf, öffnete das Fenster, streckte den Kopf hinaus und starrte etwa zehn Minuten lang so. Unfähig, ihre Neugier zu zügeln, öffnete auch die Frau das Fenster und blickte nach vorn. Ein Jahr später entdeckte sie bei einer Ausstellung in der Royal Academy of Arts das Gemälde „Rain, Steam and Speed“ und konnte darin genau die Episode im Zug erkennen.

Anatomiestunde von Michelangelo

Michelangelo, Die Erschaffung Adams, 1511

Ein paar amerikanische Neuroanatomie-Experten glauben, dass Michelangelo tatsächlich einige anatomische Illustrationen in einem seiner berühmtesten Werke hinterlassen hat. Sie glauben, dass auf der rechten Seite des Bildes ein riesiges Gehirn abgebildet ist. Überraschenderweise können sogar komplexe Komponenten wie Kleinhirn, Sehnerven und Hypophyse gefunden werden. Und das auffällige grüne Band passt perfekt zur Position der A. vertebralis.

Das letzte Abendmahl von Van Gogh

Vincent van Gogh, Nachtterrasse Café", 1888

Der Forscher Jared Baxter glaubt, dass Van Goghs Café Terrace at Night eine Widmung an Leonardo da Vincis „Das letzte Abendmahl“ enthält. In der Bildmitte steht ein Kellner mit lange Haare und in einer weißen Tunika, die an die Kleidung Christi erinnert, und um ihn herum genau 12 Café-Besucher. Baxter lenkt die Aufmerksamkeit auch auf das Kreuz, das sich in Weiß direkt hinter dem Rücken des Kellners befindet.

Dalis Erinnerungsbild

Salvador Dali, Die Beständigkeit der Erinnerung, 1931

Es ist kein Geheimnis, dass die Gedanken, die Dali während der Entstehung seiner Meisterwerke durchströmten, immer in Form von sehr realistischen Bildern waren, die der Künstler dann auf die Leinwand übertrug. So wurde das Gemälde „Die Beständigkeit der Erinnerung“ nach eigenen Angaben des Autors als Ergebnis von Assoziationen gemalt, die beim Anblick von Schmelzkäse auftauchten.

Was schreit Munch

Edvard Munch, „Der Schrei“, 1893.

Munch sprach über die Entstehung seiner Idee von einer der größten geheimnisvolle Gemälde in der Weltmalerei: "Ich ging mit zwei Freunden den Weg entlang - die Sonne ging unter - plötzlich färbte sich der Himmel blutrot, ich blieb erschöpft stehen und lehnte mich an den Zaun - ich betrachtete das Blut und die Flammen über dem bläulichen- schwarzer Fjord und die Stadt - meine Freunde gingen weiter, und ich stand zitternd vor Aufregung und spürte den endlosen Schrei, der die Natur durchdrang. Aber was für ein Sonnenuntergang könnte den Künstler so erschrecken?

Es gibt eine Version, dass die Idee von "Scream" von Munch im Jahr 1883 geboren wurde, als es mehrere stärkste Ausbrüche des Krakatau-Vulkans gab - so stark, dass sie die Temperatur der Erdatmosphäre um ein Grad veränderten. Unmengen von Staub und Asche breiteten sich über den Globus aus und reichten sogar bis nach Norwegen. Mehrere Abende hintereinander sahen die Sonnenuntergänge aus, als würde die Apokalypse bevorstehen - einer davon wurde zur Inspirationsquelle für den Künstler.

Schriftsteller unter den Leuten

Alexander Iwanow, „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“, 1837-1857.

Dutzende Sitter posierten für Alexander Ivanov für seine Hauptbild. Einer von ihnen ist nicht weniger bekannt als der Künstler selbst. Im Hintergrund kann man zwischen Reisenden und römischen Reitern, die die Predigt von Johannes dem Täufer noch nicht gehört haben, eine Figur in einer braunen Tunika erkennen. Sein Ivanov schrieb mit Nikolai Gogol. Der Schriftsteller stand in engem Austausch mit dem Künstler in Italien, insbesondere in religiösen Fragen, und beriet ihn beim Malprozess. Gogol glaubte, dass Iwanow "längst für die ganze Welt gestorben war, außer für seine Arbeit".

Michelangelos gicht

Raffael Santi, Die Schule von Athen, 1511.

Raffael schuf das berühmte Fresko „Die Schule von Athen“ und verewigte seine Freunde und Bekannten in den Bildern der antiken griechischen Philosophen. Einer von ihnen war Michelangelo Buonarroti „in der Rolle“ des Heraklit. Mehrere Jahrhunderte lang bewahrte das Fresko die Geheimnisse von Michelangelos Privatleben, und moderne Forscher vermuten, dass das seltsam eckige Knie des Künstlers auf eine Gelenkerkrankung hindeutet.

Angesichts der Besonderheiten des Lebensstils und der Arbeitsbedingungen von Renaissance-Künstlern und Michelangelos chronischer Arbeitssucht ist dies ziemlich wahrscheinlich.

Spiegel der Arnolfinis

Jan van Eyck, „Bildnis der Arnolfinis“, 1434

Im Spiegel hinter dem Arnolfinis können Sie das Spiegelbild von zwei weiteren Personen im Raum sehen. Höchstwahrscheinlich sind dies Zeugen, die beim Vertragsabschluss anwesend sind. Einer von ihnen ist van Eyck, wie die entgegen der Tradition über dem Spiegel in der Mitte der Komposition angebrachte lateinische Inschrift belegt: „Jan van Eyck war hier“. So wurden die Verträge meist besiegelt.

Wie aus einem Fehler ein Talent wurde

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Selbstporträt im Alter von 63 Jahren, 1669.

Die Forscherin Margaret Livingston studierte alle Selbstporträts von Rembrandt und stellte fest, dass der Künstler an Schielen litt: Auf den Bildern blicken seine Augen in verschiedene Richtungen, was der Meister bei den Porträts anderer Personen nicht beobachtet. Die Krankheit führte dazu, dass der Künstler die Realität in zwei Dimensionen besser wahrnehmen konnte als Menschen mit normalem Sehvermögen. Dieses Phänomen wird „Stereoblindheit“ genannt – die Unfähigkeit, die Welt in 3D zu sehen. Da der Maler aber mit einem zweidimensionalen Bild arbeiten muss, könnte gerade dieser Mangel Rembrandts eine der Erklärungen für sein phänomenales Talent sein.

Sündenlose Venus

Sandro Botticelli, Die Geburt der Venus, 1482-1486.

Vor dem Aufkommen der Geburt der Venus das Bild des Nackten Weiblicher Körper in der Malerei symbolisierte es nur die Idee der Erbsünde. Sandro Botticelli war der erste europäische Maler, der an ihm nichts Sündiges fand. Darüber hinaus sind sich Kunstkritiker sicher, dass die heidnische Liebesgöttin das Fresko symbolisiert christliches Bild: Ihre Erscheinung ist eine Allegorie der Wiedergeburt der Seele, die den Ritus der Taufe bestanden hat.

Lautenspieler oder Lautenspieler?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Der Lautenspieler, 1596.

Lange Zeit war das Gemälde unter dem Titel „Lautenspieler“ in der Eremitage ausgestellt. Erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren sich Kunsthistoriker einig, dass die Leinwand noch einen jungen Mann darstellt (wahrscheinlich wurde Caravaggio von seinem befreundeten Künstler Mario Minniti posiert): Auf den Noten vor dem Musiker ist eine Aufnahme des Bassparts zu sehen das Madrigal von Jacob Arcadelt „Du weißt, dass ich dich liebe“ ist zu sehen. Eine Frau könnte eine solche Wahl kaum treffen - es ist nur schwer für die Kehle. Zudem galt die Laute, wie die Violine ganz am Bildrand, in der Ära Caravaggios als männliches Instrument.

23.04.2017 20:25 426

Wer malte die allerersten Bilder.

Liebst du es zu zeichnen? Höchstwahrscheinlich wird die Antwort "Ja" sein. Und sicher waren Sie schon im Museum, wo Gemäldeausstellungen stattfinden. Und vielleicht haben sie sogar Erwachsenen eine solche Frage gestellt: "Wer war der Autor des allerersten Gemäldes der Welt?"

Die allerersten Künstler auf der Erde können zu Recht in Betracht gezogen werden antike Menschen die in den Höhlen lebten. In Südfrankreich sowie in Spanien haben Forscher farbige Zeichnungen von Tieren entdeckt, die auf Höhlenwände gemalt sind.

Archäologen zufolge könnten diese Bilder etwa 20-30.000 Jahre vor unserer Zeitrechnung gezeichnet worden sein. Alte Menschen stellten wilde Tiere dar, die sie umgaben.

Überraschenderweise sind viele der Zeichnungen trotz ihres Alters gut erhalten. Dies wurde möglich, weil die Höhlen diese speichern primitive Malerei, waren den Menschen viele Jahrhunderte lang nicht bekannt.

Auch in Afrika und in Ostspanien wurden eher unvollkommen dargestellte menschliche Figuren gefunden. Ihre Posen waren jedoch, als ob sie am Leben wären.

Primitive Künstler verwendeten in ihren Zeichnungen verschiedene leuchtende Farben. Als Farbstoff diente Erdocker - Eisenoxid (oder einfach Rost) in verschiedenen Schattierungen - von leuchtend gelb bis dunkelorange. Auch Mangan ist ein Metallelement.

Diese Substanzen wurden von alten Menschen zu Pulver zerkleinert, dann mit Fett oder tierischem Fett vermischt, wonach sie mit etwas Ähnlichem wie Pinseln auf die Wände der Höhle aufgetragen wurden.

Aber die ersten Leute hatten auch ähnliche Geräte moderne Bleistifte. Es waren mit Farbstoffen gefüllte Holzstäbchen, die zuvor zu Pulver gemahlen und mit Schmalz vermischt wurden.

Außerdem verwendeten sie scharf geschliffene Feuersteinmeißel, um Linien zu ritzen. Die alten Bewohner unseres Planeten stellten Pinsel zum Zeichnen aus Tierhaaren oder Pflanzenfasern her.

IN Antikes Ägypten primitive Künstler schufen Gemälde, um die Pyramiden sowie die Gräber der Pharaonen und anderer wichtiger Persönlichkeiten zu schmücken.

An den Wänden der Gräber verewigten Künstler mit ihren Kunstwerken Szenen aus dem Leben eines dort bestatteten Adligen. Zu diesem Zweck wurden altägyptische Maler verwendet Aquarellfarben und weiß.

Andere alte Zivilisation- Ägäis, erzielte auch große Erfolge in der Entwicklung der Malkunst. Ägäische Künstler schufen in einem freien und anmutigen Stil.

In den Gemälden zeigten sie Tiere, Blumen und das Leben im Meer. Und auch das Thema ihrer Werke waren Sport Spiele. Sie schufen ihre Zeichnungen auf nassem Gips. Heutzutage wird diese Art der Malerei als Fresko bezeichnet.

Wie ihr sehen könnt, hat die Kunst des Zeichnens und Malens eine sehr alte Geschichte.

3. Dezember 1961 im New York Museum Zeitgenössische Kunst Ein bedeutendes Ereignis fand statt - das Matisse-Gemälde "Das Boot", das 46 Tage lang verkehrt herum hing, wurde ordnungsgemäß aufgehängt. Es ist erwähnenswert, dass dies kein einziger amüsanter Fall ist, der mit den Gemälden großer Künstler in Verbindung gebracht wird.

Pablo Picasso malte eines seiner berühmten Porträts in weniger als 5 Minuten

Einmal sagte einer von Pablo Picassos Bekannten beim Betrachten seiner neuen Werke aufrichtig zu dem Künstler: „Es tut mir leid, aber ich kann das nicht verstehen. Diese Dinge existieren einfach nicht." Darauf entgegnete Picasso: „Du verstehst auch kein Chinesisch. Aber es gibt sie noch." Picasso wurde jedoch von vielen nicht verstanden. Einmal schlug er dem russischen Schriftsteller Ehrenburg vor, sein guter Freund, male sein Porträt. Er stimmte glücklich zu, hatte aber keine Zeit, sich in einen Sessel zu setzen, um zu posieren, als der Künstler verkündete, dass alles bereit sei.

Ehrenburg zeigte sich überrascht über die Geschwindigkeit der Ausführung der Arbeit, immerhin waren keine 5 Minuten vergangen, woraufhin Picasso antwortete: „Ich kenne Sie seit 40 Jahren. Und all diese 40 Jahre habe ich gelernt, Porträts in 5 Minuten zu malen.

Ilya Repin half beim Verkauf eines Gemäldes, das er nicht gemalt hatte

Eine Dame kaufte auf dem Markt für nur 10 Rubel ein völlig mittelmäßiges Gemälde, auf dem stolz die Unterschrift „I. Repin“ prangte. Als ein Kenner der Malerei Ilya Efimovich diese Arbeit zeigte, lachte er und fügte hinzu: „Das ist nicht Repin“ und gab sein Autogramm. Nach einiger Zeit verkaufte die unternehmungslustige Dame das Gemälde unbekannter Künstler mit dem Autogramm des großen Meisters schon für 100 Rubel.

Die Bären in dem berühmten Gemälde von Shishkin wurden von einem anderen Künstler gemalt

Unter Künstlern gilt ein unausgesprochenes Gesetz – die professionelle gegenseitige Hilfeleistung. Schließlich hat jeder von ihnen nicht nur Lieblingsgeschichten und Starke Seiten, aber auch Schwachpunkte warum also nicht einander helfen. Es ist also mit Sicherheit bekannt, dass für das Gemälde „Puschkin an der Küste“ von Aivazovsky die Figur des großen Dichters von Repin und für das Gemälde von Levitan „Herbsttag. Sokolniki, eine Dame in Schwarz, wurde von Nikolai Tschechow gemalt. Der Landschaftsmaler Shishkin, der jeden Grashalm und jede Nadel in seine Bilder zeichnen konnte, schuf bei der Entstehung des Gemäldes „Morgen herein Kiefernwald„Bären haben sich in keiner Weise herausgestellt. Deshalb malte Savitsky Bären für die berühmte Shishkin-Leinwand.

Eine Faserplatte, über die einfach Farbe gegossen wurde, wurde zu einem der teuersten Gemälde

Das teuerste Gemälde der Welt im Jahr 2006 war Jackson Polocks Nummer 5, 1948. Bei einer der Auktionen erzielte das Gemälde 140 Millionen Dollar. Es mag komisch erscheinen, aber der Künstler „kümmerte“ sich nicht besonders um die Erstellung dieses Bildes: Er goss einfach Farbe über ein Stück Faserplatte, das auf dem Boden ausgebreitet war.

Das Entstehungsdatum seines Gemäldes Rubens von den Sternen verschlüsselt

Kunstkritiker und Wissenschaftler konnten lange Zeit das Entstehungsdatum eines der meisten nicht feststellen Berühmte Gemälde Rubens - das Gemälde "Das Fest der Götter auf dem Olymp". Das Rätsel wurde erst gelöst, nachdem sich Astronomen das Bild genauer angeschaut hatten. Es stellte sich heraus, dass sich die Zeichen auf dem Bild in genau derselben Reihenfolge befanden wie die Planeten im Jahr 1602 am Himmel.

Das Chupa-Chups-Logo wurde von dem weltberühmten Surrealisten gezeichnet

1961 bat Enrique Bernata, der Besitzer der Firma Chupa Chups, den Künstler Salvador Dali, ein Bild für eine Bonbonverpackung zu entwerfen. Gab die Anfrage erfüllt. Heute ist dieses Bild, wenn auch in leicht abgewandelter Form, auf den Lutschern des Unternehmens zu erkennen.

Es ist erwähnenswert, dass es 1967 in Italien mit dem Segen des Papstes mit Illustrationen von Salvador Dali veröffentlicht wurde.

Das teuerste Malmehl bringt Unglück

Munchs Gemälde „Der Schrei“ wurde für 120 Millionen Dollar versteigert und ist heute das teuerste Gemälde dieses Künstlers. Munch soll es sein Lebensweg die eine Reihe von Tragödien ist, steckt so viel Trauer darin, dass das Bild negative Energie absorbiert und sich an den Tätern rächt.

Einer der Angestellten des Munch-Museums ließ das Gemälde aus Versehen fallen, woraufhin er unter schrecklichen Kopfschmerzen litt, die diesen Mann zum Selbstmord führten. Ein anderer Mitarbeiter des Museums, der das Gemälde nicht halten konnte, geriet nur wenige Tage später in einen schrecklichen Autounfall. Und ein Besucher des Museums, der sich erlaubte, das Gemälde zu berühren, verbrannte nach einiger Zeit lebendig in einem Feuer. Es ist jedoch möglich, dass dies nur Zufälle sind.

Malewitschs „Schwarzes Quadrat“ hat einen „älteren Bruder“

"Schwarzes Quadrat", das ist vielleicht das Beste berühmtes Gemälde Kazimir Malevich ist eine Leinwand von 79,5 * 79,5 Zentimetern, auf der ein schwarzes Quadrat auf weißem Hintergrund abgebildet ist. Malewitsch malte sein Gemälde im Jahr 1915. Und 1893, 20 Jahre vor Malewitsch, zeichnete Alphonse Allais, ein französischer Humorist, sein „schwarzes Quadrat“. Es stimmt, Alle's Gemälde hieß "Die Schlacht der Neger in einer tiefen Höhle in einer dunklen Nacht".

Christus und Judas haben in Da Vincis Gemälde dasselbe Gesicht

Es wird gesagt, dass die Schaffung des Gemäldes „Das letzte Abendmahl“ eine titanische Anstrengung von Leonardo da Vinci erforderte. Der Künstler fand schnell die Person, von der das Christusbild gemalt wurde. Einer der Kirchenchorsänger näherte sich dieser Rolle. Aber "Judas" da Vinci suchte drei Jahre lang.

Auf der Straße angekommen, sah der Künstler einen Betrunkenen, der erfolglos versuchte, aus der Senkgrube herauszukommen. Da Vinci führte ihn zu einem der Trinklokale, setzte ihn hin und begann zu zeichnen. Was war die Überraschung des Künstlers, als der Betrunkene, nachdem er sich geöffnet hatte, zugab, dass er vor einigen Jahren bereits für ihn posiert hatte. Es stellte sich heraus, dass dies derselbe Sänger ist.

Die Nonne von Ilya Repin

Ilja Repin. Nonne. 1878. Staatliche Tretjakow-Galerie / Porträt im Röntgenbild

Ein junges Mädchen in strenger Klosterkleidung blickt den Betrachter vom Porträt nachdenklich an. Das Bild ist klassisch und vertraut - es hätte wahrscheinlich kein Interesse bei Kunstkritikern geweckt, wenn es nicht die Memoiren von Lyudmila Alekseevna Shevtsova-Spore, der Nichte von Repins Frau, gegeben hätte. Sie haben eine interessante Geschichte.

Sophia Repina, geb. Shevtsova, posierte für Ilya Repin für The Nun. Das Mädchen war die Schwägerin des Künstlers - und Repin selbst war einmal ernsthaft in sie verliebt, heiratete sie aber jüngere Schwester Glaube. Sophia wurde auch die Frau von Repins Bruder Vasily, einem Orchestermitglied des Mariinsky-Theaters.

Dies hinderte den Künstler nicht daran, Sophia immer wieder zu porträtieren. Für eine von ihnen posierte das Mädchen in einem zeremoniellen Ballsaal: ein leichtes, elegantes Kleid, Spitzenärmel, hohe Haare. Während der Arbeit an dem Gemälde stritt sich Repin ernsthaft mit dem Modell. Wie Sie wissen, kann jeder einen Künstler beleidigen, aber nur wenige können sich so erfinderisch rächen wie Repin. Der beleidigte Künstler "kleidete" Sophia auf dem Porträt in klösterliche Kleidung.

Die Geschichte, ähnlich einem Witz, wurde durch eine Röntgenaufnahme bestätigt. Die Forscher hatten Glück: Repin säuberte das Original nicht Farbschicht, was es uns ermöglichte, das ursprüngliche Outfit der Heldin im Detail zu betrachten.

„Park Alley“ von Isaac Brodsky

Isaak Brodsky. Parkgasse. 1930. Privatsammlung / Isaac Brodsky. Parkgasse in Rom. 1911

Nicht weniger interessantes Rätsel von Repins Schüler Isaac Brodsky für Forscher hinterlassen. Die Tretjakow-Galerie besitzt sein auf den ersten Blick unscheinbares Gemälde „Park Alley“: Brodsky hatte viele Werke zum Thema „Park“. Allerdings, je weiter in den Park hinein, desto mehr bunte Schichten.

Einer der Forscher bemerkte, dass die Komposition des Gemäldes verdächtig an ein anderes Werk des Künstlers erinnerte - „Park Alley in Rome“ (Brodsky war geizig Originaltitel). Dieses Gemälde galt lange Zeit als verschollen, und seine Reproduktion wurde nur in einer eher seltenen Auflage von 1929 veröffentlicht. Mit Hilfe eines Röntgenbildes wurde eine auf mysteriöse Weise verschwundene römische Gasse gefunden - direkt unter der sowjetischen. Der Künstler reinigte das bereits fertige Bild nicht und nahm einfach eine Reihe einfacher Änderungen daran vor: Er kleidete Passanten in der Mode der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts, „nahm“ Serso von Kindern weg, entfernte es Marmorstatuen und die Bäume ein wenig modifiziert. So wurde aus dem sonnigen italienischen Park mit ein paar leichten Handgriffen ein vorbildlicher sowjetischer.

Auf die Frage, warum Brodsky beschlossen habe, seine Römergasse zu verstecken, fanden sie keine Antwort. Es ist aber davon auszugehen, dass die Darstellung des „bescheidenen Charmes des Bürgertums“ schon 1930 aus ideologischer Sicht unangemessen war. Dennoch ist "Park Alley" von allen postrevolutionären Landschaftsarbeiten Brodskys das interessanteste: Trotz der Veränderungen behielt das Bild die charmante Eleganz der Moderne, die leider nicht mehr im sowjetischen Realismus war.

„Morgen im Kiefernwald“ von Ivan Shishkin

Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky. Morgen in einem Kiefernwald. 1889. Staatliche Tretjakow-Galerie

Eine Waldlandschaft mit Jungen, die auf einem umgestürzten Baum spielen, ist vielleicht das Beste bemerkenswerte Arbeit Künstler. Das ist nur die Idee der Landschaft, die Ivan Shishkin zu einem anderen Künstler veranlasste - Konstantin Savitsky. Er malte auch eine Bärin mit drei Jungen: Bären, ein Experte für den Wald, Shishkin, gelang es in keiner Weise.

Shishkin verstand die Waldflora tadellos, bemerkte die kleinsten Fehler in den Zeichnungen seiner Schüler - entweder ist die Birkenrinde nicht auf die gleiche Weise dargestellt oder die Kiefer sieht aus wie eine Fälschung. Menschen und Tiere in seinem Werk waren jedoch schon immer eine Seltenheit. Hier kam Savitsky zur Rettung. Übrigens hat er ein paar hinterlassen vorbereitende Zeichnungen und Skizzen mit Jungen - ich suchte nach geeigneten Posen. „Morgen in einem Kiefernwald“ war ursprünglich nicht „Morgen“: Das Gemälde hieß „Bärenfamilie im Wald“, und es waren nur zwei Bären darauf. Als Co-Autor setzte Savitsky seine Unterschrift auf die Leinwand.

Als die Leinwand an den Kaufmann Pavel Tretyakov geliefert wurde, war er empört: Er bezahlte Shishkin (bestellt Werk des Autors), erhielt aber Shishkin und Savitsky. Schischkin, wie gerechter Mann, hat sich selbst keine Urheberschaft zugeschrieben. Aber Tretjakow ging aus Prinzip vor und löschte blasphemisch Savitskys Unterschrift mit Terpentin vom Bild. Savitsky lehnte später das Urheberrecht edel ab, und die Bären wurden Shishkin lange Zeit zugeschrieben.

„Porträt eines Chormädchens“ von Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Portrait eines Chormädchens. 1887. Staatliche Tretjakow-Galerie / Rückseite des Porträts

Auf der Rückseite der Leinwand fanden die Forscher eine Nachricht von Konstantin Korovin auf Karton, die sich als fast interessanter herausstellte als das Gemälde selbst:

„1883 in Charkow ein Porträt eines Chormädchens. Geschrieben auf einem Balkon in einem kommerziellen öffentlichen Garten. Repin sagte, als ihm diese Skizze von Mamontov S.I. gezeigt wurde, dass er, Korovin, schreibt und nach etwas anderem sucht, aber wozu – das ist nur Malerei für Malerei. Serow hatte damals noch keine Porträts gemalt. Und die Bemalung dieser Skizze wurde für unverständlich befunden??!! Also bat mich Polenov, diese Skizze aus der Ausstellung zu entfernen, da sie weder den Künstlern noch den Mitgliedern – Mr. Mosolov und einigen anderen – gefällt. Das Model war eine hässliche Frau, sogar etwas hässlich.

Konstantin Korovin

Der „Brief“ entwaffnete mit seiner Direktheit und kühnen Herausforderung an die gesamte Künstlergemeinschaft: „Serov hatte damals noch keine Porträts gemalt“ – aber sie wurden von ihm, Konstantin Korovin, gemalt. Und er war angeblich der erste, der Techniken verwendete, die für den Stil charakteristisch sind, der später als russischer Impressionismus bezeichnet wurde. All dies stellte sich jedoch als Mythos heraus, den der Künstler absichtlich geschaffen hatte.

Die harmonische Theorie "Korovin - der Vorläufer des russischen Impressionismus" wurde durch objektive technische und technologische Forschung gnadenlos zerstört. Auf der Vorderseite des Porträts fanden sie die Unterschrift des Künstlers in Farbe, etwas tiefer - in Tinte: "1883, Charkow". In Charkow arbeitete der Künstler von Mai bis Juni 1887: Er malte Kulissen für die Aufführungen der russischen privaten Mamontov-Oper. Darüber hinaus fanden Kunstkritiker heraus, dass das "Porträt einer Chorfrau" auf eine bestimmte künstlerische Weise - a la prima - hergestellt wurde. Diese Technik Ölgemälde erlaubt, ein Bild in einer Sitzung zu malen. Korovin begann diese Technik erst in den späten 1880er Jahren anzuwenden.

Nach der Analyse dieser beiden Ungereimtheiten kamen die Mitarbeiter der Tretjakow-Galerie zu dem Schluss, dass das Porträt erst 1887 gemalt wurde, und Korovin fügte ein früheres Datum hinzu, um seine eigene Innovation hervorzuheben.

„Der Mensch und die Wiege“ von Ivan Yakimov

Iwan Jakimow. Mensch und Wiege.1770. Staatliche Tretjakow-Galerie / Vollversion arbeiten

Das Gemälde "Ein Mann und eine Wiege" von Ivan Yakimov hat Kunstkritiker lange Zeit verwirrt. Dabei ging es nicht einmal darum, dass diese Art von Alltagsskizzen absolut untypisch sind Gemälde XVIII Jahrhunderts - das Schaukelpferd in der rechten unteren Bildecke hat ein zu unnatürlich gespanntes Seil, das logischerweise auf dem Boden hätte liegen müssen. Ja, und es war zu früh für ein Kind von der Wiege, um solche Spielzeuge zu spielen. Außerdem passte der Kamin nicht einmal zur Hälfte auf die Leinwand, was sehr seltsam aussah.

"Aufgeklärt" die Situation - im wahrsten Sinne des Wortes - Röntgen. Sie zeigte, dass die Leinwand rechts und oben geschnitten war.

IN Tretjakow-Galerie Das Gemälde entstand nach dem Verkauf der Sammlung von Pavel Petrovich Tugogoi-Svinin. Er besaß das sogenannte "Russische Museum" - eine Sammlung von Gemälden, Skulpturen und Antiquitäten. Doch 1834 musste die Sammlung aufgrund finanzieller Probleme verkauft werden – und das Gemälde „Ein Mann und eine Wiege“ landete in der Tretjakow-Galerie: nicht vollständig, sondern nur die linke Hälfte. Das rechte ist leider verloren gegangen, aber Sie können das Werk dank einer weiteren einzigartigen Ausstellung der Tretjakow-Galerie noch vollständig sehen. Die vollständige Version von Yakimovs Werk wurde im Album "Collection of excellent works" gefunden Russische Künstler and Curious Domestic Antiquities“, das Zeichnungen von den meisten Gemälden enthält, die Teil der Svinin-Sammlung waren.