Ausländische Künstler des 19. Jahrhunderts: die hellsten Köpfe der bildenden Kunst und ihr Vermächtnis. Die künstlerische Kultur Europas im 19. Jahrhundert Europäische Künstler des frühen 19. Jahrhunderts

Kunst Westeuropa erste Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Geschichte des 19. Jahrhunderts eröffnet nicht das Kalenderjahr 1801, sondern das 1789. Großartig Französische Revolution(1789-99), die die Monarchie zerstörte und eine Republik errichtete, bestimmte lange Zeit die Entwicklung der europäischen Kultur. Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit. Doch weniger als fünf Jahre später verwandelte sich die Freiheit in Willkür, die Idee der Gleichheit führte zu Massenexekutionen und Angriffskriege wurden im Namen der Brüderlichkeit aller Völker entfesselt. Und doch war die wichtigste Entdeckung des Jahrhunderts die Erkenntnis des einzigartigen Wertes der menschlichen Person.

In der Kunst der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. zwei Trends traten gegeneinander an Neoklassizismus und Romantik. Aufstieg des Neoklassizismus fiel auf die Jahre der Französischen Revolution und die Regierungszeit Napoleons I. Dieser Stil dominierte Architektur, bildende und dekorative Kunst in den ersten drei Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. Für die Menschen dieser Zeit war das Leben der alten Griechen und Römer nicht nur ein Schönheitsideal, sondern auch ein Modell der Welt, die sie zu bauen versuchten. Eine neue Richtung in der europäischen Kultur - Romantik(Französisch Romantisme) - brachte die Ansichten der jüngeren Generation zum Ausdruck die Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert, erlebte Enttäuschung über die allgemeinen Wahrheiten der Aufklärung. Die Welt der Romantiker ist geheimnisvoll, widersprüchlich und grenzenlos; Der Künstler musste ihre Vielfalt in seinem Werk verkörpern. Haupteingang romantische Arbeit- Gefühle und Vorstellungskraft des Autors. Für einen romantischen Künstler gab es und konnte es keine Gesetze in der Kunst geben, schließlich wurde alles, was er schuf, in den Tiefen seiner Seele geboren. Die einzige Regel, die er respektierte, war Loyalität zu sich selbst, Aufrichtigkeit künstlerische Sprache. Oft schockierten die Kreationen von Romantikern die Gesellschaft mit einer völligen Ablehnung des vorherrschenden Geschmacks, Nachlässigkeit und Unvollständigkeit.

Die Architektur

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts entfaltete sich in Europa eine Stadtplanung von beispiellosem Ausmaß. Die meisten europäischen Hauptstädte - Paris, St. Petersburg, Berlin - haben ihr charakteristisches Aussehen angenommen; In ihren architektonischen Ensembles nahm die Rolle öffentlicher Gebäude zu. Neoklassizismus in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. erlebte eine späte Blüte. Mitte des Jahrhunderts war das Hauptproblem der europäischen Architektur die Suche nach Stil. Aufgrund der romantischen Faszination für die Antike versuchten viele Meister, die Traditionen der Architektur der Vergangenheit wiederzubeleben - so geht es Neogotik, Neorenaissance, neobarock . Die Bemühungen der Architekten führten oft zu Eklektizismus - mechanische Verbindung von Elementen verschiedene Stile, alt mit neu.

Französische Architektur

In den Jahren der Französischen Revolution wurde in Frankreich kein einziges dauerhaftes Bauwerk gebaut. Dies war die Ära der temporären Gebäude. In der Kunst des napoleonischen Frankreich blieb die dominierende Rolle beim Neoklassizismus, gleichzeitig erlangten die architektonischen Formen einen besonderen Prunk und Feierlichkeit, und das Ausmaß der Konstruktion wurde grandios. Der Neoklassizismus der Zeit Napoleons I. wurde Empire (französisches Imperium - "Imperium") genannt. Es sollte die Größe und Macht des von General Bonaparte geschaffenen Staates symbolisieren. Napoleons Hauptereignis auf dem Gebiet der Architektur war der Wiederaufbau von Paris.

Gabriel Jacques Ange (1698-1782) - der größte Architekt Frankreichs des 18. Jahrhunderts. Einer der Begründer des Neoklassizismus.

Platz Louis XV (Place de la Concorde) in Paris. 1753-75

Kleines Trianon in Versailles. 1762-64

Schloss Compiègne. 1751-88

Militärschule in Paris. 1751-75

Souflot Jacques Germain (1713-1780) Französischer Architekt.

Vertreter des Neoklassizismus.

Jean Leper, Jacques Gonduin – Französische Architekten.

Die Siegessäule auf dem Place Vendôme wurde im Auftrag Napoleons zu Ehren des Sieges der französischen Truppen bei Austerlitz errichtet. Zuerst hieß es so - "Austerlitskaya", dann wurde es in "Siegessäule" und noch später in "Säule der Großen Armee" umbenannt.

Siegessäule auf dem Place Vendôme in Paris.

1806-10 Höhe 44 m; Basisbreite 3,67 m

Kirche St. Genevieve (Pantheon) in Paris. 1757-90er

Architektur Englands

In der Architektur Englands in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Der neugotische Stil wurde etabliert. Eines seiner beeindruckendsten Beispiele war das Parliament Ensemble in London (von 1840-1868), Architekt Sir Charles Barry (1795-1860)

Parlament 1840-68.

Architekt Jean François Chalgrin .

Arc de Triomphe am Karussellplatz in Paris.

1806-07 (17,6 x 10 x 14,6 m (Länge, Tiefe, Höhe)).

Architekten Ch. Persier, P.F.L. Fontaine.

Arc de Triomphe auf der Place Charles de Gaulle in Paris.

1806-37 Höhe 50 m, Breite 45 m

Arc de Triomphe auf dem Karussellplatz, auch bekannt als Eingangstor Der Tuilerienpalast wurde im Auftrag Napoleons zum Gedenken an die großen Siege der französischen Waffen errichtet. Die Reliefs, die den Bogen schmücken, zeigen Szenen der Siege der napoleonischen Armee bei Ulm und Austerlitz. Bis 1815 war der Bogen mit einem bronzenen Siegeswagen gekrönt, der zuvor die Fassade der Kathedrale San Marco in Venedig schmückte, dann wurde er durch eine Quadriga des Bildhauers F.J. Bosio.

Der Triumphbogen der Großen Armee wurde auf Befehl Napoleons zu Ehren des Sieges des französischen Kaisers in der Schlacht von Austerlitz (1805) über die vereinigten Truppen in der Mitte des zukünftigen Zvezda-Platzes (heute Charles-de-Gaulle-Platz) errichtet Österreich und Russland. Ihre Pylonen in den 30er Jahren. 19. Jahrhundert wurden mit skulpturalen Reliefs verziert; einschließlich der berühmten Komposition Francois Ruda (1784-1855) "Rede der Freiwilligen 1792 (Marseillaise)" (1833-36). Unter dem Gewölbe des Bogens befindet sich seit 1921 das Grab des Unbekannten Soldaten - eines Teilnehmers des Ersten Weltkriegs.

Deutsche Architektur Das größte Architekturzentrum in Deutschland in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. war Berlin. Die Entwicklung der deutschen Architekturschule dieser Zeit bestimmte maßgeblich das Schaffen zweier Meister - Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) und Leo von Klenze (1784-1864).

Altes Museum. 1824-28 Bogen. K. F. Shinkel.

Berliner Schauspielhaus.1819.Arch.K.F.Shinkel.

Neues Wachhaus.1816-18. Bogen. K. F. Shinkel.

Vender Kirche. 1824 In Berlin. Architekt K. F. Shinkel.

Europäische Skulptur in frühes XIX v.

Europäische Bildhauerei zu Beginn des 19. Jahrhunderts erlebt kurzer Zeitraum Blütezeit. Aber schon in den 20er Jahren. es wich Niedergang und Stagnation. Dominant und höchst fruchtbar Stil war der Neoklassizismus. Interesse an Kunst Antikes Griechenland und das antike Rom allgegenwärtig war, wurde der Besitz berühmter antiker Meisterwerke zu einem wichtigen Thema in der damaligen internationalen Politik.

Die Romantik brachte ein Interesse am Individuum in die Bildhauerei; Zahlreiche Denkmäler für große Persönlichkeiten der Vergangenheit, die in den 20-30er Jahren in verschiedenen europäischen Städten errichtet wurden, zeugen von seinem Einfluss. 19. Jahrhundert Überhaupt konnte die Bildhauerei mit ihrer verallgemeinerten Kunstsprache nicht die ganze Vielfalt der Eindrücke aus dem Leben fassen, das sich buchstäblich vor unseren Augen veränderte. Chef Kunst des 19 Jahrhundert war die Malerei, und die Bildhauerei musste lange Zeit, bis in die 80er Jahre, den Weg des kleinkarierten Naturalismus gehen. die französische Meisterin Auguste Rodin erwiderte ihr hohes Schicksal nicht.

Antonio Canova (1757-1822) -Italienischer Bildhauer und Maler.

Thorvaldsen Bertel (1768/1770-1844)- Dänischer Bildhauer.

Schadow Johann Gottfried (1754-1850) Deutscher Bildhauer, Vertreter des Neoklassizismus.

Dädalus und Ikarus. 1777-79

Quadriga mit Siegesfigur auf dem Brandenburger Tor in Berlin. 1793

Denkmal für Nicolaus Copernicus in Warschau. 1829-30er Jahre

Theseus und der Minotaurus. 1781-83

Ganymed füttert den Adler des Zeus. 1817

Prinzessin Frederika. 1795

Spanien-Malerei Nach dem Aufblühen XVII Jahrhundert Die spanische Malerei war im Niedergang. Seine Künstler arbeiteten unter dem Einfluss italienischer und französischer Traditionen, und ihre Leinwände waren schwach und nachahmend. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Spanien hat sich verändert. König Karl III. (1759-88) aus der französischen Bourbonen-Dynastie vertrat für seine Zeit fortschrittliche Ansichten. Seine Berater, die versuchten, das Land im Geiste der Aufklärung umzugestalten, führten Reformen durch, die die Macht der Kirche einschränkten. Zu dieser Zeit wurde Talent gebildet Francisco Goja (1746-1828) -Spanischer Maler

Porträt der Herzogin von Alba. 1797

Verkäufer von Geschirr. 1778

Familie von König Karl IV. 1800

Malerei von Frankreich

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Französische Schule Malerei festigte ihren Vorrang in der Kunst Westeuropas. Theodore Géricault und Eugene Delacroix akzeptierten kreativ ihre freie Art und Farbe und bereiteten die Geburt des Impressionismus und damit des Ganzen vor moderne Malerei. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Der allgemein anerkannte Anführer unter den französischen Künstlern war Jacques Louis David (1748-1825) – der konsequenteste Vertreter des Neoklassizismus in der Malerei und ein sensibler Chronist seiner bewegten Zeit. Davids Werk hat eine ausgeprägte journalistische Ausrichtung, der Künstler sucht heroische Ideale durch die Bilder der Antike auszudrücken

Géricault Theodore (1791-1824) - französischer Maler und Diagramm.

Gründer romantische Richtung in der bildenden Kunst.

Offizier der berittenen Ranger der kaiserlichen Garde,

geht zum Angriff über. 1812

Floß "Medusa". 1818-19

Delacroix Eugen (1798-1863) - Französischer Maler und Grafiker. Kopf des romantischen Trends in der bildenden Kunst.

Tanger-Fanatiker. 1837-38

Freiheit führt das Volk (Freiheit auf den Barrikaden). 1830

David Jacques Louis (1746-1825) - Französischer Maler. In der vorrevolutionären Ära in Frankreich größter Vertreter sogenannten "revolutionären" Klassizismus.

Eid der Horatier. 1784

Napoleon überquert den Bernhardiner. 1800

Ingres Dominique (1780-1867) - Französischer Maler, Zeichner und Musiker. Vertreter des französischen Neoklassizismus. Ingres ist ein brillanter Meister Portrait-Genre. Neben Porträts schuf er Gemälde zu biblischen, mythologischen, allegorischen und literarischen Themen.

Gros Jean Antoine (1771-1835) - Französischer Maler und Grafiker. Der offizielle Maler von Napoleon I., dem Chronisten des napoleonischen Epos, hält seine wichtigsten Meilensteine ​​fest. Porträts erstellt und Kampfbilder, angefacht vom Geist der Heldentaten.

Napoleon auf dem Schlachtfeld von Eylau. 1808

Gräfin von Ossonville. 1845

Prinzessin von Brogli. 1851-53

Malerei Deutschlands

Deutschland zu Beginn des 19. Jahrhunderts erlebte einen gesellschaftlichen und politischen Aufschwung. Der Widerstand gegen die Eroberungen Napoleons und den Befreiungskrieg von 1813 machte den deutschen Patriotismus universell, und die Untertanen von dreihundert deutschen Zwergstaaten erkannten sich als ein einziges Volk an. In diesen Jahren gab es in Deutschland eine starke Leidenschaft für das Mittelalter, und das Interesse an nationaler Geschichte und Kultur nahm zu. Deutschland spielte eine herausragende Rolle in der Geschichte der Romantik – ein Trend in der europäischen Kultur des späten 18. bis zur ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Runge Philipp Otto (1777-1810)- Deutscher Maler, Grafiker und Kunsttheoretiker. Einer der Begründer und der größte Meister der Romantik in der deutschen Malerei.

Ruhen Sie sich auf dem Flug nach Ägypten aus. 1805-06

Porträt der Frau des Künstlers. 1807

Porträt der Eltern des Künstlers mit ihren Enkelkindern. 1806

Friedrich Caspar David (1774-1840) - Deutscher Maler, Zeichner und Kupferstecher. Vertreter der Romantik. Landschaftsmaler.

Riesige Berge. 1835

Der Tod von "Nadezhda" im Eis. 1824

Schwebende Wolken. Um 1820

Biedermeier-Malerei Biedermeier (deutsch Biedermeier) ist ein Stil in der Kunst Deutschlands und Österreichs, der sich in den 10-40er Jahren entwickelte. 19. Jahrhundert Der Name wurde ihm durch parodistische humoristische Gedichte von L. Eichrodt und A. Kussmaul verliehen, die 1855-57 veröffentlicht wurden. in einer der Münchener Zeitschriften. Ihr fiktiver Autor, der Lehrer Gottlieb Biedermeier, ist ein bescheidener Laie: selbstzufrieden, sentimental, unglücklich, ein Liebhaber des ruhigen Lebens und des Komforts. Die Biedermeiermalerei zeichnet sich durch ein kleines Format der Leinwände, eine in der Regel sorgfältige und filigrane Schreibweise, die Abwesenheit von Handlung in den dargestellten Szenen und eine Vorliebe für kleine Details aus. Das Biedermeier bewältigte die künstlerische Erfahrung der Romantik mit ihrer poetischen, zuweilen ironisch gefärbten Weltanschauung, glättete aber zugleich die Extreme dieses Stils, „domestizierte“ ihn gemäß der konfliktfreien Natur des Laien. Biedermeier-Meister versuchten sich an Porträts, Landschaften und anderen Genres, aber die Alltagsmalerei wurde zum klarsten Ausdruck des Stils.

Waldmüller Ferdinand Georg (1793-1865) Österreichischer Maler. Einer der größten Meister der europäischen Malerei Mitte des neunzehnten v. Ein typischer Vertreter des Biedermeier.

Blumenstrauß in einem antiken Krater. Um 1840

Berglandschaft bei Mödling. 1859

Nazarener ( Deutsch Nazarener), offiziell Lukasbund (deutsch) Lukasbund)

- Gruppierung Deutsche und österreichische Maler der Romantik des 19. Jahrhunderts die versuchten, den Stil der Meister des Mittelalters und der Frührenaissance wiederzubeleben, die sich an der Kunst des 15. Jahrhunderts orientierten. Die meisten ihrer Gemälde sind Gemälde zu christlichen, historischen oder allegorischen Themen, ihr Stil ist ein Erbe des Klassizismus und eine Reaktion darauf unter dem Einfluss der Ideologie der Romantik. Führende Persönlichkeiten der Bewegung waren Friedrich Overbeck und Peter Cornelius.

Johann Friedrich Overbeck ( 1789 - 1869 ) - Deutscher Künstler, Grafiker und Illustrator.

Freskenzyklus für das Haus Bartholdi in Rom

Peter Joseph von Kornelius ( 1783 - 1867 ) - Deutscher Künstler.

Weise und törichte Jungfrauen. OK. 1813

Wirtshaus, um 1820

England-Malerei

In der englischen Malerei behielt die akademische Schule, deren Grundstein im 18. Jahrhundert vom ersten Präsidenten der Royal Academy of Arts, Joshua Reynolds, gelegt wurde, ihre dominierende Stellung während der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Das auffälligste Phänomen dieser Jahre war jedoch die Landschaft, die im akademischen Umfeld als unbedeutendes Genre wahrgenommen wurde. Einerseits der Wunsch nach einem realen Abbild der Welt, die Behauptung des Eigenwerts einfacher ländlicher Landschaften und andererseits die Natur als Welt der Leidenschaften und heftigen Erfahrungen – all dies fand in der Werke englischer Künstler. Die Kunst Englands trat in die Ära der Romantik ein.

William Blake (1757-1827) -Englischer Dichter, Maler, Illustrator. Als komplexe und mehrdeutige Persönlichkeit war Blake eine Ikone seiner Zeit, die Verkörperung des Geistes der Romantik.

Schöpfer des Universums.

Frontispiz zum Gedicht "Europa". 1794

Eine Schande. Um 1795

Polizist John (1776-1837) - Englischer Maler. Constable porträtierte die gewöhnliche Landschaft in all ihrer Frische und Unmittelbarkeit und stellte das Zittern der Lichtluftumgebung wieder her.

Heuwagen. 1821

Weißes Pferd. 1819

William Turner (1775-1851) - Der englische Maler wandte sich biblischen, mythologischen und historischen Themen zu und offenbarte einen Hang zur romantischen Fantasie, zur Verkörperung des dramatischen Kampfes der Naturgewalten, zur Übertragung ungewöhnlicher Lichteffekte.

Maulwurf in Calais. Die Franzosen bereiten sich auf die Seefahrt vor: Ein englisches Passagierschiff kommt an. 1803

Sklavenschiff. 1840

Die letzte Reise des Schiffes "Brave". 1838

Pluralität künstlerische Richtungen im 19. Jahrhundert war das Ergebnis eines Modernisierungsprozesses. Das künstlerische Leben der Gesellschaft wurde nun nicht mehr nur von kirchlichen Geboten und der Mode höfischer Kreise bestimmt. Die Veränderung der Gesellschaftsstruktur führte zu einer veränderten Wahrnehmung von Kunst in der Gesellschaft: Es entstehen neue soziale Schichten von wohlhabenden und gebildeten Menschen, die in der Lage sind, Kunstwerke eigenständig zu beurteilen, wobei sie sich nur auf die Anforderung des Geschmacks konzentrieren. Es war im 19. Jahrhundert, dass die Gründung von Massenkultur; Zeitungen und Zeitschriften von Ausgabe zu Ausgabe, die lange Romane mit unterhaltsamer Handlung druckten, wurden zum Prototyp der Fernsehserien in der Kunst des 20. Jahrhunderts.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts entfaltete sich in Europa eine Stadtplanung von beispiellosem Ausmaß. Die meisten europäischen Hauptstädte - Paris, St. Petersburg, Berlin - haben ihr charakteristisches Aussehen angenommen; In ihren architektonischen Ensembles nahm die Rolle öffentlicher Gebäude zu. Der berühmte Eiffelturm, 1889 zur Eröffnung der Weltausstellung erbaut, ist zum Wahrzeichen von Paris geworden. Der Eiffelturm demonstrierte die technischen Fähigkeiten eines neuen Materials - Metall. Die ursprüngliche künstlerische Lösung wurde jedoch nicht sofort erkannt, der Turm wurde zum Abriss aufgefordert, als monströs bezeichnet.

Neoklassizismus in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. erlebte eine späte Blütezeit, nun erhält es den Namen Empire (vom französischen „Empire“), dieser Stil drückte die Größe des von Napoleon geschaffenen Reiches aus. Mitte des Jahrhunderts war das Hauptproblem der europäischen Architektur die Suche nach Stil. Aufgrund der romantischen Faszination für die Antike versuchten viele Meister, die Traditionen der Architektur der Vergangenheit wiederzubeleben – so entstand die Neugotik, Neorenaissance, Neobarock. Die Bemühungen der Architekten führten oft zum Eklektizismus - einer mechanischen Kombination von Elementen verschiedener Stilrichtungen, alt und neu.

IN künstlerisches Leben In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts herrschte die Romantik vor, die die Enttäuschung über die Ideologie der Aufklärung widerspiegelt. Die Romantik ist zu einer besonderen Weltanschauung und Lebensweise geworden. Das romantische Ideal einer Person, die von der Gesellschaft nicht verstanden wird, prägt die Verhaltensweise ihrer Oberschicht. Die Romantik ist gekennzeichnet durch den Gegensatz zweier Welten: der realen und der imaginären. Die Realität wird als seelenlos, unmenschlich, eines Menschen unwürdig und ihm widerstrebend angesehen. Der „Lebensprosa“ der realen Welt steht die Welt der „poetischen Wirklichkeit“, der Welt der Ideale, Träume und Hoffnungen gegenüber. Die Romantik sieht die Welt der Laster in der heutigen Realität und versucht, einen Ausweg für den Menschen zu finden. Dieser Ausstieg ist zugleich ein Ausstieg aus der Gesellschaft verschiedene Optionen: Der Held geht in sein eigenes Innere, jenseits der Grenzen des realen Raums und der Fürsorge in einer anderen Zeit. Die Romantik beginnt, die Vergangenheit, insbesondere das Mittelalter, zu idealisieren und darin Realität, Kultur und Werte als Frost zu sehen.

Eugene Delacroix (1798-1863) war dazu bestimmt, das Oberhaupt der französischen Romantik in der Malerei zu werden. Die unerschöpfliche Vorstellungskraft dieses Künstlers schuf eine ganze Welt von Bildern, die mit ihrem intensiven, kämpferischen und leidenschaftsvollen Leben noch heute auf der Leinwand leben. Delacroix schöpfte oft Motive aus den Werken von William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, wandte sich den Ereignissen der Französischen Revolution zu, anderen Episoden der Nationalgeschichte ("Schlacht von Poitiers"). Delacroix hat zahlreiche Bilder der Menschen des Ostens aufgenommen, hauptsächlich Algerier und Marokkaner, die er während seiner Reise nach Afrika gesehen hat. In Das Massaker auf der Insel Chios (1824) spiegelte Delacroix den Kampf der Griechen gegen die türkische Herrschaft wider, die damals ganz Europa beunruhigte. Die Gruppe leidender gefangener Griechen im Vordergrund des Bildes, darunter eine vor Trauer verstörte Frau und ein Kind, das an die Brust einer toten Mutter kriecht, stellte der Künstler den arroganten und grausamen Gestalten der Bestrafer gegenüber; In der Ferne ist eine brennende zerstörte Stadt zu sehen. Das Bild beeindruckte die Zeitgenossen mit der atemberaubenden Kraft menschlichen Leidens und mit seiner ungewöhnlich kräftigen und klangvollen Farbgebung.

Die Ereignisse der Julirevolution von 1830, die mit der Niederlage der Revolution und der Wiederherstellung der Monarchie endeten, inspirierten Delacroix zu einem breiten Schaffen berühmtes Gemälde"Freiheit auf den Barrikaden" (1830). Die Frau, die das dreifarbige Banner der Französischen Republik gehisst hat, steht für Freiheit. Das Bild der Freiheit auf den Barrikaden 0 Personifikation des Kampfes.

Der spanische Künstler Francisco Goya (1746-1828) war ein weltberühmter Vertreter der Romantik, der sich relativ spät zu einem bedeutenden Künstler entwickelte. Der erste bedeutende Erfolg brachte ihm zwei Serien (1776-1791) zahlreicher Wandteppiche, die für die Königliche Manufaktur von Santa Barbara in Madrid geschaffen wurden ("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", " Hochzeit"). In den 90er Jahren. XVIII Jahrhundert in der Arbeit von Goya wachsen die Merkmale der Tragödie, die Feindseligkeit gegenüber dem feudal-klerikalen Spanien der "alten Ordnung". Die Hässlichkeit seiner moralischen, spirituellen und politischen Grundlagen offenbart Goya in grotesk-tragischer Form, sich aus folkloristischen Quellen nährend, in einer großen Radierungsserie „Caprichos“ (80 Blätter mit Kommentaren des Künstlers); die kühne Neuheit der künstlerischen Sprache, die scharfe Ausdruckskraft von Linien und Strichen, die Kontraste von Licht und Schatten, die Verbindung von Groteske und Realität, Allegorie und Fantasie, Gesellschaftssatire und eine nüchterne Analyse der Realität eröffneten neue Wege für die Entwicklung des europäischen Kupferstichs. In den 1790er - frühen 1800er Jahren erreichte Goyas Porträtarbeit eine außergewöhnliche Blüte, in der ein alarmierendes Gefühl der Einsamkeit (Porträt von Senora Bermudez), mutige Konfrontation und Herausforderung für die Umwelt (Porträt von F. Guimardet), der Duft von Geheimnis und Verborgenheit Sinnlichkeit ("Maja gekleidet" und "Nude Maha"). Mit erstaunlicher Überzeugungskraft hat der Künstler die Arroganz, den körperlichen und seelischen Elend der königlichen Familie eingefangen Gruppenporträt"Die Familie Karls IV". Tiefer Historismus, leidenschaftlicher Protest durchziehen Goyas große Gemälde, die dem Kampf gegen die französische Intervention gewidmet sind ("Aufstand am 2. Mai 1808 in Madrid", "Erschießung der Rebellen in der Nacht des 3. Mai 1808"), eine Reihe von philosophischen Radierungen Nachvollziehen des Schicksals der Menschen "Kriegskatastrophen" (82 Blatt, 1810-1820).

Francisco Goya „Caprichos“

Wenn in der Literatur die Subjektivität der künstlerischen Wahrnehmung durch den Symbolismus entdeckt wird, dann macht der Impressionismus in der Malerei eine ähnliche Entdeckung. Der Impressionismus (von französisch Impression - Impression) ist eine Strömung in der europäischen Malerei, die Mitte des 19. Jahrhunderts in Frankreich entstand. Die Impressionisten haben in der Zeichnung jegliche Details vermieden und versucht, den Gesamteindruck dessen einzufangen, was das Auge in einem bestimmten Moment sieht. Diesen Effekt erzielten sie mit Hilfe von Farbe und Textur. Dem künstlerischen Konzept des Impressionismus lag der Wunsch zugrunde, die umgebende Welt in ihrer Variabilität natürlich und selbstverständlich einzufangen und ihre flüchtigen Eindrücke zu vermitteln. Einen fruchtbaren Boden für die Entwicklung des Impressionismus bereiteten die Künstler der Barbizon-Schule: Sie waren die ersten, die Skizzen nach der Natur malten. Das Prinzip „das Gesehene inmitten von Licht und Luft zu malen“ bildete die Grundlage der Freilichtmalerei der Impressionisten.

In den 1860er Jahren versuchten die jungen Genremaler E. Manet, O. Renoir und E. Degas, die französische Malerei mit Frische und Unmittelbarkeit der Beobachtung des Lebens zu inspirieren, indem sie sofortige Situationen, Unstetigkeiten und Ungleichgewichte von Formen und Kompositionen, ungewöhnliche Winkel und Blickwinkel darstellten. Die Arbeit im Freien trug dazu bei, auf den Leinwänden das Gefühl von funkelndem Schnee, den Reichtum natürlicher Farben, die Auflösung von Objekten in der Umgebung, die Vibration von Licht und Luft zu erzeugen. Impressionistische Künstler widmeten der Beziehung eines Objekts zu seiner Umgebung besondere Aufmerksamkeit, Studien über die Veränderung von Farbe und Ton eines Objekts in einer sich ändernden Umgebung. Anders als die Romantiker und Realisten neigten sie nicht mehr dazu, die historische Vergangenheit darzustellen. Die Moderne war ihr Interessengebiet. Das Leben kleiner Pariser Cafés, lärmende Straßen, malerische Ufer der Seine, Bahnhöfe, Brücken, die unscheinbare Schönheit ländlicher Landschaften. Künstler sind nicht mehr bereit, akute gesellschaftliche Probleme anzusprechen.

Das Werk von Edouard Manet (1832-1883) nahm eine neue Richtung in der Malerei vorweg - den Impressionismus, aber der Künstler selbst schloss sich dieser Bewegung nicht an, obwohl er seine Meinung unter dem Einfluss der Impressionisten etwas änderte. kreative Weise. Manet erklärte sein Programm: „Lebe deine Zeit und stelle dar, was du vor dir siehst, entdecke wahre Schönheit und Poesie im täglichen Lauf des Lebens.“ Gleichzeitig gab es in den meisten Werken von Manet keine Handlung, nicht einmal eine minimale Handlung. Paris wird zu einem ständigen Motiv für Manets Arbeit: das Stadtvolk, Cafés und Theater, die Straßen der Hauptstadt.

Édouard Manet "Bar im Folies Bergère"

Edourd Manet „Musik in den Tuilerien“

Schon der Name Impressionismus verdankt seinen Ursprung der Landschaft von Claude Monet (1840-1926) „Impression. Sonnenaufgang".

Im Werk von Monet führender Wert das Element Licht erworben. Bis in die 70er. 19. Jahrhundert Der erstaunliche "Boulevard des Capucines" ist einer von ihnen, wo auf die Leinwand geworfene Pinselstriche sowohl die Perspektive einer belebten Straße, die in die Ferne geht, als auch einen endlosen Strom von Kutschen, die darauf fahren, und eine fröhliche festliche Menge vermitteln. Er malte viele Bilder mit dem gleichen, aber unterschiedlich beleuchteten Betrachtungsgegenstand. Zum Beispiel ein Heuhaufen morgens, mittags, abends, im Mondlicht, im Regen und so weiter.

Viele der Errungenschaften des Impressionismus sind mit dem Werk von Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) verbunden, der als „Maler des Glücks“ in die Kunstgeschichte einging. Er hat in seinen Gemälden wirklich eine besondere Welt aus fesselnden Frauen und heiteren Kindern, fröhlicher Natur und wunderschönen Blumen geschaffen. Sein ganzes Leben lang malte Renoir Landschaften, aber seine Berufung blieb das Bild eines Mannes. Er malte gerne Genrebilder, in denen er mit erstaunlicher Lebendigkeit das Treiben der Pariser Straßen und Boulevards, den Müßiggang von Cafés und Theatern, die Lebendigkeit von Landspaziergängen und Urlauben unter freiem Himmel nachbildete. Alle diese im Freien gemalten Gemälde zeichnen sich durch die Klangfülle der Farbe aus. Das Gemälde „Moulin de la Galette“ (Volksball im Garten des Montmartre-Tanzsaals) ist ein Meisterwerk des Renoir-Impressionismus. Es erahnt den lebhaften Rhythmus des Tanzes, das Aufblitzen junger Gesichter. Es gibt keine abrupten Bewegungen in der Komposition, und durch den Rhythmus der Farbflecken entsteht ein Gefühl von Dynamik. Interessant ist die räumliche Organisation des Bildes: Der Vordergrund ist von oben gegeben, die sitzenden Figuren verdecken die Tänzer nicht. Zahlreiche Porträts werden von Kindern und jungen Mädchen dominiert, in diesen Porträts zeigte sich sein Können: „Junge mit Katze“, „Mädchen mit Fächer“.

Ein aktiver Teilnehmer an allen Ausstellungen, Edgar Degas (1834 - 1917), war weit entfernt von allen Prinzipien der Impressionisten: Er war ein Gegner des Freilichts, malte nicht nach dem Leben, suchte nicht die Natur verschiedener Zustände einzufangen von Natur. Einen bedeutenden Platz im Werk von Degas nimmt eine Reihe von Gemälden ein, die einen nackten weiblichen Körper darstellen. Viele seiner Bilder der letzten Jahre sind der „Frau auf der Toilette“ gewidmet. In vielen Arbeiten zeigt Degas die Besonderheit des Verhaltens und Aussehens von Menschen, die durch die Besonderheiten ihres Lebens erzeugt werden, enthüllt den Mechanismus einer professionellen Geste, Haltung, Bewegung einer Person, ihre plastische Schönheit („Bügeleisen“, „Wäscherinnen mit Leinen"). In der Bejahung der ästhetischen Bedeutung des Lebens der Menschen, ihrer alltäglichen Aktivitäten, spiegelt sich der eigentümliche Humanismus von Degas' Werk wider. Die Kunst von Degas liegt in der Kombination des Schönen, manchmal Phantastischen und des Prosaischen: in vielen Ballettszenen („Ballet Star“, „Ballet School“, „Dance Lesson“) den festlichen Geist des Theaters zu vermitteln.

Der Postimpressionismus umfasst die Zeit von 1886, als die letzte Impressionistenausstellung stattfand, die die ersten Werke der Neoimpressionisten präsentierte, bis in die 1910er Jahre, die mit den Formen des Kubismus und Fauvismus die Geburt einer völlig neuen Kunst einläuteten. Der Begriff „Postimpressionismus“ wurde vom englischen Kritiker Roger Fry eingeführt und drückte den allgemeinen Eindruck der Ausstellung moderner französischer Kunst aus, die er 1910 in London organisierte und Werke von Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne und anderen zeigte Künstler.

Post-Impressionisten, von denen sich viele zuvor dem Impressionismus angeschlossen hatten, begannen, nach Methoden zu suchen, um nicht nur das Momentane und Vergängliche auszudrücken – sie begannen jeden Moment, die langfristigen Zustände der Welt um sie herum zu verstehen. Der Postimpressionismus zeichnet sich durch unterschiedliche kreative Systeme und Techniken aus, die die spätere Entwicklung der bildenden Kunst beeinflussten. Van Goghs Werk nahm das Aufkommen des Expressionismus vorweg, Gauguin ebnete den Weg für den Jugendstil.

Vincent van Gogh (1853-1890) schuf das auffälligste künstlerische Bilder durch Synthetisieren (Kombinieren) von Muster und Farbe. Van Goghs Technik sind Punkte, Kommas, vertikale Linien, feste Punkte. Seine Straßen, Beete und Furchen laufen wirklich in die Ferne, und die Büsche brennen wie Feuer auf dem Boden. Er stellte nicht einen ergriffenen Moment dar, sondern die Kontinuität von Momenten. Er stellte nicht diesen Effekt eines vom Wind gebogenen Baumes dar, sondern das Wachstum eines Baumes aus dem Boden. Van Gogh wusste, wie man alles Zufällige in kosmisches verwandelt. Van Goghs Seele verlangte nach leuchtenden Farben, er beklagte sich ständig bei seinem Bruder über die mangelnde Kraft selbst seiner leuchtend gelben Lieblingsfarbe.

Sternennacht war nicht Van Goghs erster Versuch, den Nachthimmel darzustellen. 1888 malte er in Arles „Sternennacht über der Rhone“. Van Gogh wollte die sternenklare Nacht als Beispiel für die Kraft der Vorstellungskraft darstellen, die erstaunlichere Natur erschaffen kann, als wir beim Betrachten wahrnehmen können echte Welt.

Eine gesteigerte Realitätswahrnehmung und geistiges Ungleichgewicht führen Van Gogh dazu Geisteskrankheit. Gauguin kommt, um in Arles zu bleiben, aber kreative Differenzen verursachen einen Streit. Van Gogh wirft ein Glas auf den Kopf des Künstlers, dann wirft er sich nach Gauguins Erklärung seiner Absicht, zu gehen, mit einem Rasiermesser auf ihn. Am Abend desselben Tages schneidet sich der Künstler in einem Wahnsinnsanfall ein Ohr ab („Selbstbildnis mit verbundenem Ohr“).

Das Werk von Paul Gauguin (1848-1903) ist untrennbar mit seinem tragischen Schicksal verbunden. Das Wichtigste in Gauguins Stilkonzept war sein Farbverständnis. Auf ungefähr. Tahiti, wohin der Künstler 1891 aufbrach, malte er unter dem Einfluss der primitiven Formen der polynesischen Kunst Bilder, die sich durch Dekorativität, flache Formen und außergewöhnlich reine Farben auszeichnen. Gauguins „exotische“ Malerei – „Bist du eifersüchtig?“, „Ihr Name ist Vairaumati“, „Frau, die eine Frucht hält“ – spiegelt weniger die natürlichen Eigenschaften der Objekte als vielmehr den emotionalen Zustand des Künstlers wider symbolische Bedeutung die Bilder, die sie sich ausgedacht haben. Die Besonderheit von Gauguins Malstil ist ein ausgeprägter dekorativer Effekt, der Wunsch, große Flächen der Leinwand mit einer Farbe zu übermalen, in Liebe zur Ornamentik, die auf den Stoffen von Kleidern, auf Teppichen und im Landschaftshintergrund vorhanden war.

Paul Gauguin "Wann heiraten" "Frau mit Fötus"

Die wichtigste Errungenschaft der Kultur des 19. Jahrhunderts. ist die Entstehung der Kunst der Fotografie und des Designs. Die erste Kamera der Welt wurde 1839 von Louis Jacques Mande Daguerre hergestellt.

Daguerres frühe Versuche, eine funktionsfähige Kamera herzustellen, waren erfolglos. 1827 lernte er Joseph Niépce kennen, der ebenfalls versuchte (und bis dahin etwas erfolgreicher war), die Kamera zu erfinden. Zwei Jahre später wurden sie Partner. Niépce starb 1833, aber Daguerre arbeitete weiter hart. 1837 gelang es ihm schließlich, ein praktisches System der Fotografie namens Daguerreotypie zu entwickeln. Das Bild (Daguerreotypie) wurde auf einer mit Joddampf behandelten Silberplatte erhalten. Nach 3-4 Stunden Belichtung wurde die Platte in Quecksilberdampf entwickelt und mit einer heißen Kochsalz- oder Hyposulfitlösung fixiert. Die Daguerreotypien waren von sehr hoher Bildqualität, es konnte jedoch nur eine Aufnahme gemacht werden.

1839 veröffentlichte Daguerre seine Erfindung, reichte aber kein Patent ein. Als Reaktion darauf gewährte die französische Regierung ihm und Niépces Sohn lebenslange Renten. Die Ankündigung von Daguerres Erfindung erregte großes Aufsehen. Daguerre wurde zum Helden des Tages, Ruhm fiel auf ihn und die Daguerreotypie-Methode fand schnell breite Anwendung.

Die Entwicklung der Fotografie führte zu einer Überarbeitung künstlerische Prinzipien Grafik, Malerei, Skulptur, kombiniertes Künstlerisches und Dokumentarisches, was in anderen Kunstformen nicht zu erreichen ist. Die Grundlage für Design wurde 1850 durch die International Industrial Exhibition in London gelegt. Ihr Design markierte die Konvergenz von Kunst und Technologie und legte den Grundstein für eine neue Art von Kreativität.

Louis Daguerre, Nicephore Niepce und Niepces Camera Obscura

Joseph Nicephore Niepce. Das weltweit erste Foto, aufgenommen auf einer Legierung aus Zinn und Blei, 1826.

Daguerres "Atelier des Künstlers", 1837

In den 1870er Jahren entwickelten zwei Erfinder, Elisha Gray und Alexander Graham Bell, unabhängig voneinander Geräte, die Sprache über Elektrizität übertragen konnten, was sie später als Telefon bezeichneten. Beide schickten ihre jeweiligen Patente an die Patentämter, der Unterschied in den Anmeldungen betrug nur wenige Stunden. Allerdings erhielt Alexander Graham Bell) zuerst das Patent.

Telefon und Telegraf sind elektrische Systeme, die auf Drähten basieren. Der Erfolg von Alexander Bell, oder besser gesagt seiner Erfindung, war ganz natürlich, da er mit der Erfindung des Telefons versuchte, den Telegrafen zu verbessern. Als Bell begann, mit elektrischen Signalen zu experimentieren, war der Telegraf bereits seit rund 30 Jahren als Kommunikationsmittel im Einsatz. Obwohl der Telegraf ein ziemlich erfolgreiches Kommunikationssystem war, das auf dem Morsecode mit seiner Anzeige von Buchstaben mit Punkten und Strichen basierte, bestand der große Nachteil des Telegrafen jedoch darin, dass die Informationen darauf beschränkt waren, jeweils eine Nachricht zu empfangen und zu senden.

Alexander Bell spricht im ersten Telefonmodell

Das erste Telefon, geschaffen von Alexander Graham Bell, war ein Gerät, durch das die Töne der menschlichen Sprache mit Hilfe von Elektrizität übertragen wurden (1875). Am 2. Juni 1875 entdeckte Alexander Graham Bell, als er mit seiner Technik experimentierte, die er den „harmonischen Telegraphen“ nannte, dass er Töne über ein Kabel hören konnte. Es war das Geräusch einer Uhr.

Bells größter Erfolg wurde am 10. März 1876 erzielt. Bell sprach über eine Röhre mit seinem Assistenten Thomas Watson, der sich im Nebenzimmer befand, und äußerte die Worte, die heute jedem bekannt sind: „Mr. Watson - komm her - ich will dich sehen “(Mr. Watson - komm her - ich will dich sehen). Zu dieser Zeit wurde nicht nur das Telefon geboren, auch der Mehrfachtelegraf starb. Das Potenzial der Kommunikation, zu demonstrieren, dass es möglich ist, durch Elektrizität zu sprechen, unterschied sich stark von dem, was der Telegraf mit seinem System der Informationsübertragung mit Punkten und Strichen bieten konnte.

Der Begriff des Kinos tauchte zum ersten Mal in seiner französischen Version auf – „Cinema“, ein System zur Erstellung und Vorführung eines Films, das von den Brüdern Louis Jean und Auguste Lumiere entwickelt wurde. Der erste Film wurde von dem Franzosen Louis Aimé Augustin Le Princy (1842–1890) im November 1888 in Großbritannien mit einer Filmkamera gedreht und bestand aus zwei Fragmenten: Der erste hatte 10-12 Bilder pro Sekunde, der zweite 20 Bilder pro Sekunde. Aber offiziell wird angenommen, dass das Kino am 28. Dezember 1895 entsteht. An diesem Tag fand im indischen Salon „Grand Cafe“ am Boulevard des Capucines (Paris, Frankreich) eine öffentliche Vorführung des „Kinematographen der Gebrüder Lumiere“ statt. 1896 machten die Brüder mit ihrer Erfindung eine Welttournee und besuchten London, New York und Bombay.

Louis Jean Lumiere absolvierte eine Gewerbeschule, war Fotograf und arbeitete in einer Fotofabrik seines Vaters. 1895 erfand Lumière die Filmkamera zum Aufnehmen und Projizieren von „bewegten Fotografien“. Sein Bruder Auguste Lumiere beteiligte sich aktiv an seiner Arbeit an der Erfindung des Kinos. Das Gerät wurde patentiert und hieß Kino. Lumieres erste Filmprogramme zeigten Szenen, die vor Ort gedreht wurden: „Ausgang der Arbeiter aus Lumieres Fabrik“, „Ankunft eines Zuges“, „Kinderfrühstück“, „Sprinkler“ und andere. Interessanterweise bedeutet das Wort lumiere auf Französisch „Licht“. Vielleicht ist es ein Unfall, oder vielleicht wurde das Schicksal der Schöpfer des Kinos im Voraus entschieden.

Aus den Vertretern der westeuropäischen Malerei des 19. Jahrhunderts geht hervor, dass Frankreich damals (seit dem 17. Jahrhundert) noch als kulturelles Zentrum der Welt galt und die Romantik als der künstlerische Stil galt, der die Ära eröffnete. Seltsamerweise ist es im Internet viel einfacher, Informationen über die Vertreter der Romantik im Allgemeinen zu finden als über die Franzosen des 19. Jahrhunderts. Sie können beispielsweise auf die Informationen auf der Website smollbay.ru verweisen, die romantische Künstler nicht nur in Frankreich, sondern auch in anderen Ländern auflistet. Übrigens sollte die Liste der Vertreter der Romantik in der Malerei des 19. Jahrhunderts mit einem ihrer Gründer beginnen - dem Spanier Francisco Goya. Auch hier sind die Namen von Jacques Louis David, dessen Werk im Grenzbereich zwischen Klassizismus und Romantik angesiedelt ist, und der „wahren Romantiker“ Theodore Géricault und Eugene Delacroix zu nennen.

Die Romantik wird von der realistischen Malerei abgelöst, die ihren Ursprung ebenfalls in Frankreich hat. Ziemlich umfangreich über diese Richtung ist in " Enzyklopädisches Wörterbuch Brockhaus und Efron“, dessen Text im Internet unter dic.academic.ru nachzulesen ist. Zu den Vertretern des Realismus in der bildenden Kunst Frankreichs zählen in erster Linie Honore Daumier, Gustave Courbet und Jean-Francois Millet.

Eine der hellsten Seiten der Geschichte französische Malerei- die Entstehung und Entwicklung des Impressionismus. Informationen über impressionistische Künstler finden Sie ganz einfach auf den Seiten hudojnik-impressionist.ru, impressionism.ru sowie in zahlreichen gedruckten Publikationen zu diesem Thema, z. B. „Impressionismus. Illustrierte Enzyklopädie“ von Ivan Mosin, „Impressionismus. Verzauberter Moment“ von Natalia Sinelnikova, „Geschichte der Weltmalerei. Impressionismus“ von Natalia Skorobogatko. Die führenden Meister hier sind Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgar Degas.

Nicht weniger verbreitet sind Informationen über Vertreter des Neoimpressionismus und des Postimpressionismus. Sie finden es auf der bereits erwähnten Seite smollbay.ru oder in Elena Zorinas Buch „The History of World Painting. Entwicklung des Impressionismus. Zunächst sollte die Liste mit den Namen von Georges Seurat, Paul Signac, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec ergänzt werden.
Ein solcher Trend in der englischen Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts als Präraffaelismus wird immer beliebter. Die Namen ihrer Vertreter finden sich auf den Websites dic.academic.ru, restorewiki.ru oder in den Büchern „Pre-Raphaelism“ von Ivan Mosin, „The History of World Painting. Viktorianische Malerei und die Präraffaeliten“ von Natalia Mayorova und Gennady Skokov. Die führenden Meister dieses Trends sind Dante Gabriel Rossetti, John Everett Milles, William Holman Hunt, William Morris, Edward Burne-Jones.

Meister der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts

Es ist viel einfacher, eine Liste russischer Künstler des 19. Jahrhunderts zusammenzustellen, indem Sie sich an Websites wie www.art-portrets.ru, art19.info oder eine der vielen Enzyklopädien der russischen Malerei wenden, um Informationen zu erhalten. Hier sollten wir die Vertreter der Romantik (Orest Kiprensky, Vasily Tropinin, Karl Bryullov), Künstler hervorheben, deren Werk den Übergang von der Romantik zum Realismus darstellt (Alexander Ivanov, Pavel Fedotov) und schließlich die berühmten Wanderers (Ilya Repin, Ivan Kramskoy, Vasily Perov, Vasily Surikov, Alexei Savrasov, Ivan Shishkin, Isaac Levitan, Viktor Vasnetsov und viele andere).

Das Erstellen einer Liste von Künstlern des 19. Jahrhunderts ist keine so schwierige Aufgabe, Sie müssen sich nur ein wenig anstrengen, um Informationen zu finden und zu organisieren.

Klassizismus, Kunststil in Europäische Kunst 17. bis frühen 19. Jahrhundert, dessen wichtigste Merkmale die Berufung auf die Formen der antiken Kunst als idealer ästhetischer und ethischer Standard war. Der Klassizismus, der sich in scharf polemischer Wechselwirkung mit dem Barock entwickelte, entwickelte sich zu einem integralen Stilsystem in der französischen Kunstkultur des 17. Jahrhunderts.

Der Klassizismus des 18. bis frühen 19. Jahrhunderts (in der ausländischen Kunstgeschichte oft als Neoklassizismus bezeichnet), der zu einem gesamteuropäischen Stil wurde, entstand ebenfalls hauptsächlich im Schoß der französischen Kultur, unter starkem Einfluss der Ideen der Aufklärung. In der Architektur wurden neue Typen eines exquisiten Herrenhauses, eines großen öffentlichen Gebäudes, eines offenen Stadtplatzes (Gabrielle Jacques Ange und Souflo Jacques Germain) bestimmt, die Suche nach neuen, ungeordneten Formen der Architektur, der Wunsch nach rauer Einfachheit im Werk von Ledoux Claude Nicolas nahm die Architektur der Spätphase des Klassizismus vorweg – Empire. Bürgerliches Pathos und Lyrik vereint in Plastik (Pigalle Jean Baptiste und Houdon Jean Antoine), dekorative Landschaften (Robert Hubert). Die mutige Dramatik von Historien- und Portraitbildern steckt in den Werken des Oberhauptes der französischen Klassik, des Malers Jacques Louis David. Im 19. Jahrhundert verkommt die Malerei des Klassizismus trotz der Aktivitäten einzelner großer Meister wie Jean Auguste Dominique Ingres zu einer offiziellen apologetischen oder prätentiös erotischen Salonkunst. Rom wurde im 18. - frühen 19. Jahrhundert zum internationalen Zentrum des europäischen Klassizismus, wo die Traditionen des Akademismus mit ihrer charakteristischen Kombination aus edlen Formen und kalter Idealisierung dominierten (deutscher Maler Anton Raphael Mengs, Bildhauer: Italiener Canova Antonio und Däne Thorvaldsen Bertel ). Die Architektur des deutschen Klassizismus ist geprägt von der strengen Monumentalität der Bauten von Karl Friedrich Schinkel, dafür die kontemplativ-elegische Grundstimmung von Malerei und bildender Kunst – Porträts von August und Wilhelm Tischbein, Skulpturen von Johann Gottfried Schadow. Im englischen Klassizismus fallen die Antiquitäten von Robert Adam, die palladianischen Parkanlagen von William Chambers, die exquisiten strengen Zeichnungen von J. Flaxman und die Keramik von J. Wedgwood auf. Eigene Varianten des Klassizismus entwickelten sich in der künstlerischen Kultur Italiens, Spaniens, Belgiens, der skandinavischen Länder, der USA; Einen herausragenden Platz in der Geschichte der Weltkunst nimmt der russische Klassizismus der 1760er-1840er Jahre ein.

Ende des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts schwand die führende Rolle des Klassizismus fast überall, er wurde durch verschiedene Formen des architektonischen Eklektizismus ersetzt. Die künstlerische Tradition des Klassizismus wird im Neoklassizismus des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts lebendig.

Jean-Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Französischer Künstler, allgemein anerkannter Führer des europäischen Akademismus des 19. Jahrhunderts.
Im Werk von Ingres - die Suche nach reiner Harmonie.
Studium an der Akademie von Toulouse Bildende Kunst. Nach seinem Abschluss an der Akademie zog er nach Paris, wo er 1797 Schüler von Jacques-Louis David wurde. 1806-1820 studierte und arbeitete er in Rom, zog dann nach Florenz, wo er weitere vier Jahre verbrachte. 1824 kehrte er nach Paris zurück und eröffnete eine Malschule. 1835 kehrte er als Direktor der Französischen Akademie erneut nach Rom zurück. Von 1841 bis zu seinem Lebensende lebte er in Paris.

Der Akademismus (fr. academisme) ist ein Trend in der europäischen Malerei des 17. bis 19. Jahrhunderts. Die akademische Malerei entstand während der Entwicklung der Kunstakademien in Europa. Die stilistische Grundlage der akademischen Malerei zu Beginn des 19. Jahrhunderts war der Klassizismus, in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts der Eklektizismus.
Der Akademismus wuchs aus der Gefolgschaft äußere Formen klassische Kunst. Anhänger charakterisierten diesen Stil als Reflexion über die Kunstform der Antike und der Renaissance.

Ingr. Porträts der Familie Riviere. 1804-05

Romantik

Romantik- ein vom bürgerlichen System erzeugtes Phänomen. Wie Ausblick und Stil künstlerische Kreativität es spiegelt seine Widersprüche wider: die Kluft zwischen dem Eigenen und dem Wirklichen, dem Ideal und der Realität. Das Bewusstsein um die Unrealisierbarkeit der humanistischen Ideale und Werte der Aufklärung ließ zwei Alternativen entstehen weltanschauliche Positionen. Die Essenz der ersten besteht darin, die grundlegende Realität zu verachten und sich in die Hülle reiner Ideale einzuschließen. Die Essenz der zweiten besteht darin, die empirische Realität anzuerkennen und alle Argumente über das Ideal zu verwerfen. Ausgangspunkt des romantischen Weltbildes ist eine offene Absage an die Realität, die Erkenntnis eines unüberwindbaren Abgrunds zwischen Ideal und Wirklichkeit, die Unvernunft der Dingwelt.

Sie ist gekennzeichnet durch eine negative Einstellung zur Realität, Pessimismus, die Interpretation historischer Kräfte als außerhalb der realen Alltagswirklichkeit stehend, Mystifizierung und Mythologisierung. All dies veranlasste die Suche nach der Auflösung von Widersprüchen nicht in der realen Welt, sondern in der Welt der Fantasie.

Die romantische Weltanschauung umfasste alle Bereiche des spirituellen Lebens - Wissenschaft, Philosophie, Kunst, Religion. Es kam in zwei Versionen:

Die erste - darin erschien die Welt als unendliche, gesichtslose, kosmische Subjektivität. Die schöpferische Energie des Geistes wirkt hier als Anfang, der Weltharmonie schafft. Diese Version des romantischen Weltbildes ist geprägt von einem pantheistischen Weltbild, Optimismus und erhabenen Gefühlen.

Zweitens wird darin die menschliche Subjektivität individuell und persönlich betrachtet, sie wird verstanden als die innere, in sich tiefe Welt eines Menschen, der im Konflikt mit der Außenwelt steht. Diese Haltung ist geprägt von Pessimismus, einer lyrisch traurigen Einstellung zur Welt.

Das ursprüngliche Prinzip der Romantik war "zwei Welten": Vergleich und Gegenüberstellung der realen und der imaginären Welt. Symbolismus war die Art, diese duale Welt auszudrücken.

Die romantische Symbolik stellte eine organische Kombination aus illusorischer und realer Welt dar, die sich im Auftreten von Metaphern, Übertreibungen und poetischen Vergleichen manifestierte. Die Romantik war trotz ihrer engen Verbindung mit der Religion geprägt von Humor, Ironie, Verträumtheit. Die Romantik erklärte die Musik zum Vorbild und zur Norm für alle Bereiche der Kunst, in denen nach der Romantik das Element des Lebens erklang, das Element der Freiheit und der Triumph der Gefühle.

Die Entstehung der Romantik war auf eine Reihe von Faktoren zurückzuführen. Erstens gesellschaftspolitisch: die Französische Revolution von 1769-1793, die Napoleonischen Kriege, der Unabhängigkeitskrieg Lateinamerika. Zweitens wirtschaftlich: die industrielle Revolution, die Entwicklung des Kapitalismus. Drittens ist sie unter dem Einfluss der klassischen deutschen Philosophie entstanden. Viertens wurde es auf der Grundlage und im Rahmen des Bestehenden gebildet Literarische Stile: Aufklärung, Sentimentalität.

Die Blütezeit der Romantik fällt in die Zeit von 1795 bis 1830. - Die Zeit der europäischen Revolutionen und nationalen Befreiungsbewegungen sowie der Romantik war in der Kultur Deutschlands, Englands, Russlands, Italiens, Frankreichs und Spaniens besonders ausgeprägt.

Der romantische Trend hatte einen großen Einfluss auf den humanitären Bereich und der positivistische auf die Naturwissenschaften, technisch und praktisch.

Jean Louis André Theodore Géricault (1791-1824).
Kurze Zeit Schüler von C. Vernet (1808-1810) und dann P. Guerin (1810-1811), der sich darüber aufregte, dass seine Methoden der Naturübertragung nicht den Prinzipien der Schule von Jacques-Louis David entsprachen und Abhängigkeit von Rubens, erkannte aber später Gericaults Bestrebungen der Rationalität.
Gericault, der in den königlichen Musketieren diente, schrieb hauptsächlich Kampfszenen, aber nachdem er 1817-19 nach Italien gereist war. er fertigte ein großes und komplexes Gemälde „Das Floß der Medusa“ (im Louvre, Paris) an, das zu einer völligen Ablehnung des davidischen Trends und einer beredten Predigt des Realismus wurde. Die Neuheit der Handlung, die tiefe Dramatik der Komposition und die Lebenswahrheit dieses meisterhaft geschriebenen Werks wurden nicht sofort gewürdigt, aber bald wurde es sogar von Anhängern des akademischen Stils anerkannt und brachte dem Künstler Ruhm als talentierter und mutiger Erneuerer .

Tragische Spannung und Dramatik 1818 arbeitete Gericault an dem Gemälde Das Floß der Medusa, das den Beginn der französischen Romantik markierte. Delacroix, der für seinen Freund posierte, war Zeuge der Geburt einer Komposition, die mit allen üblichen Vorstellungen von Malerei bricht. Delacroix erinnerte sich später, dass er, als er das fertige Gemälde sah, "vor Freude wie ein Verrückter rannte und nicht bis zum Haus anhalten konnte".
Die Handlung des Bildes basiert auf einem realen Vorfall, der sich am 2. Juli 1816 vor der Küste Senegals ereignete. Dann wurde die Fregatte Medusa in den Untiefen von Argen, 40 Meilen von der afrikanischen Küste entfernt, zerstört. 140 Passagiere und Besatzungsmitglieder versuchten, durch Einsteigen in das Floß zu entkommen. Nur 15 von ihnen überlebten und wurden am zwölften Tag ihrer Wanderung von der Argus-Brigg abgeholt. Die Details der Reise der Überlebenden schockierten die Moderne öffentliche Meinung, und der Absturz selbst wurde in der französischen Regierung aufgrund der Inkompetenz des Schiffskapitäns und der unzureichenden Versuche, die Opfer zu retten, zu einem Skandal.

bildliche Lösung
Die gigantische Leinwand beeindruckt durch ihre Ausdruckskraft. Gericault gelang es, ein lebendiges Bild zu schaffen, indem er die Toten und die Lebenden, Hoffnung und Verzweiflung in einem Bild vereinte. Dem Bild ging eine gewaltige Vorarbeit voraus. Gericault fertigte zahlreiche Skizzen der Sterbenden in Krankenhäusern und der Leichen der Hingerichteten an. Das Floß der Medusa war das letzte von Géricaults vollendeten Werken.
Als Gericault 1818 an dem Gemälde „Das Floß der Medusa“ arbeitete, das den Beginn der französischen Romantik markierte, wurde Eugene Delacroix, der für seinen Freund posierte, Zeuge der Geburt einer Komposition, die mit allen gängigen Vorstellungen von Malerei brach. Delacroix erinnerte sich später, dass er, als er das fertige Gemälde sah, "vor Freude wie ein Verrückter rannte und nicht bis zum Haus anhalten konnte".

Öffentliche Reaktion
Als Géricault 1819 Das Floß der Medusa im Salon ausstellte, erregte das Gemälde öffentliche Empörung, weil der Künstler entgegen den akademischen Normen der Zeit kein so großes Format verwendete, um ein heroisches, moralisierendes oder klassisches Thema darzustellen.
Das Gemälde wurde 1824 erworben und befindet sich derzeit in Raum 77 im 1. Stock der Denon-Galerie im Louvre.

Eugène Delacroix(1798 - 1863) - Französischer Maler und Grafiker, Kopf der romantischen Richtung in der europäischen Malerei.
Aber der Louvre und die Kommunikation mit dem jungen Maler Theodore Gericault wurden für Delacroix zu den eigentlichen Universitäten. Im Louvre faszinierten ihn die Werke alter Meister. Damals konnte man dort viele Gemälde sehen, die während der Napoleonischen Kriege erbeutet und ihren Besitzern noch nicht zurückgegeben wurden. Vor allem der Anfänger wurde von den großen Koloristen Rubens, Veronese und Tizian angezogen. Aber den größten Einfluss auf Delacroix hatte Theodore Géricault.

Im Juli 1830 rebellierte Paris gegen die Bourbonenmonarchie. Delacroix sympathisierte mit den Rebellen, und dies spiegelte sich in seiner „Liberty Leading the People“ wider (wir kennen dieses Werk auch als „Freedom on the Barricades“). Die Leinwand wurde 1831 im Salon ausgestellt und löste einen Sturm der öffentlichen Zustimmung aus. Die neue Regierung kaufte das Gemälde, ordnete aber gleichzeitig sofort dessen Entfernung an, zu gefährlich schien sein Pathos.

17.3 Europäische Malerei 19. Jahrhundert

17.3.1 Französische Malerei . ersten zwei Jahrzehnten des neunzehnten Jahrhunderts. in der Geschichte der französischen Malerei werden als revolutionärer Klassizismus bezeichnet. Ihr prominenter Vertreter war J.L. David (1748- 1825), dessen Hauptwerke im 18. Jahrhundert von ihm geschaffen wurden. Werke des 19. Jahrhunderts. - ist Arbeit bei Hofmaler Napoleon- "Napoleon am St. Bernhard", "Krönung", "Leonidas bei den Thermopylen". David ist auch Autor hervorragender Porträts, wie des Porträts von Madame Recamier. Er schuf eine große Schule von Schülern und bestimmte die Eigenschaften künstlerisch aus dem Empire-Stil.

Davids Schüler war J.O. Ingres (1780- 1867), der den Klassizismus zur akademischen Kunst machte und viele Jahre lang entgegen Romantiker. Ingres ist der Autor von Truthful scharf Porträts („L. F. Bertin“, „Madame Rivière“, etc.) und Gemälde im Stil u akademischer Klassizismus ("Die Apotheose des Homer", "Jupiter und Themis").

Romantik der französischen Malerei in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts- dies sind die Gemälde von T. Gericault (1791 - 1824) ("Das Floß der Medusa" und "Derby in Epsom und andere") und E. Delacroix (1798-1863), Autor des berühmten Gemäldes Liberty Leading the People.

Die realistische Tendenz in der Malerei der ersten Hälfte des Jahrhunderts wird durch die Werke von G. Courbet (1819- 1877), der Autor des Begriffs "Realismus" und der Gemälde "Stone Crushers" und "Funeral in Ornan", sowie die Werke von J. F . Millet (1814 - 1875), Schriftsteller des bäuerlichen Lebens und ("Die Ohrensammler", "Der Mann mit der Hacke", "Der Sämann").

Ein wichtiges Phänomen der europäischen Kultur in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. war der künstlerische Stil des Impressionismus, der sich nicht nur in der Malerei, sondern auch in Musik und Belletristik verbreitete. Und doch entstand es in der Malerei.

In temporalen Künsten entfaltet sich die Handlung in der Zeit. Die Malerei ist sozusagen in der Lage, nur einen einzigen Moment festzuhalten. Im Gegensatz zum Kino hat es immer einen „Rahmen“. Wie vermittelt man Bewegung darin? Einer dieser Versuche, die reale Welt in ihrer Beweglichkeit und Variabilität einzufangen, war der Versuch der Schöpfer der Richtung in der Malerei, genannt Impressionismus (vom französischen Impression). Diese Richtung brachte verschiedene Künstler zusammen, von denen jeder wie folgt charakterisiert werden kann. Impressionist ist ein Künstler, der seine vermittelt Direkte Eindruck der Natur, sieht in ihr die Schönheit der Veränderlichkeit und Vergänglichkeit, in schafft ein visuelles Gefühl von hellem Sonnenlicht, das Spiel farbiger Schatten, indem eine Palette reiner, unvermischter Farben verwendet wird, aus der Schwarz und Grau verbannt sind.

In den Gemälden von Impressionisten wie C. Monet (1840-1926) und O. Renoir (1841-1919) in den frühen 70er Jahren des 19. Jahrhunderts. Luftmaterie erscheint, die nicht nur eine gewisse raumfüllende Dichte, sondern auch Beweglichkeit besitzt. Sonnenlicht strömt, Dämpfe steigen aus der feuchten Erde. Wasser, schmelzender Schnee, gepflügtes Land, schwankendes Gras auf den Wiesen haben keine klaren gefrorenen Umrisse. Bewegung, die früher als Bild bewegter Figuren in die Landschaft eingeführt wurde, als Folge der Einwirkung von Naturkräften- der Wind, jagende Wolken, schwankende Bäume, wird jetzt durch Frieden ersetzt. Aber dieser Frieden unbelebter Materie ist eine der Formen ihrer Bewegung, die durch die Textur der Malerei selbst vermittelt wird – dynamische Striche in verschiedenen Farben, die nicht durch die starren Linien der Zeichnung eingeschränkt werden.

Der neue Malstil wurde von der Öffentlichkeit nicht sofort akzeptiert, die den Künstlern vorwarf, nicht zeichnen zu können und von der Palette abgekratzte Farbe auf die Leinwand zu werfen. Die rosafarbenen Kathedralen von Rouen von Monet schienen sowohl dem Publikum als auch den Künstlerkollegen unglaubwürdig.- das Beste aus der Bildserie des Künstlers ("Morgen", "Mit den ersten Sonnenstrahlen", "Mittag"). Der Künstler ist es nicht versuchte, den Dom zu verschiedenen Tageszeiten auf Leinwand darzustellen- er konkurrierte mit den Meistern der Gotik, um den Betrachter mit der Betrachtung magischer Licht- und Farbeffekte zu fesseln. Die Fassade der Kathedrale von Rouen verbirgt, wie die meisten gotischen Kathedralen, ein mystisches Schauspiel x vor dem Sonnenlicht der bunten Buntglasfenster des Innenraums. Die Beleuchtung in den Kathedralen variiert je nachdem, aus welcher Richtung die Sonne scheint, ob bewölktes oder klares Wetter. Die Sonnenstrahlen, die durch die intensive blaue, rote Farbe der Buntglasfenster dringen, werden gemalt und legen sich mit farbigen Highlights auf den Boden.

Eines von Monets Gemälden verdankt sein Aussehen dem Wort „Impressionismus“. Diese Leinwand war in der Tat ein extremer Ausdruck der Innovation der aufkommenden Bildmethode und wurde „Sonnenaufgang in Le Havre“ genannt. Der Verfasser des Gemäldekatalogs für eine der Ausstellungen schlug vor, dass der Künstler es anders nennen sollte, und Monet, der „in Le Havre“ durchgestrichen hatte, fügte den „Eindruck“ hinzu. Und einige Jahre nach dem Erscheinen seiner Werke schrieben sie, dass Monet "ein Leben offenbart, das niemand vor ihm erfassen konnte, von dem niemand etwas wusste". In den Gemälden von Monet begann der störende Geburtsgeist zu bemerken neue Ära. So erschien in seinem Werk „seriell“ als neues Phänomen der Malerei. Und sie machte auf das Problem der Zeit aufmerksam. Das Gemälde des Künstlers reißt, wie bereits erwähnt, einen "Rahmen" aus dem Leben mit all seiner Unvollständigkeit und Unvollständigkeit. Und dies gab der Entwicklung der Serie als aufeinanderfolgende Aufnahmen Auftrieb. Zusätzlich zu " Kathedralen von Rouen» Monet schafft die Serie „Gare Saint-Lazare“, in der die Gemälde miteinander verbunden sind und sich gegenseitig ergänzen. Es war jedoch unmöglich, die „Rahmen“ des Lebens in der Malerei zu einem einzigen Eindrucksband zu kombinieren. Das ist die Aufgabe des Kinos geworden. Filmhistoriker glauben, dass der Grund für seine Entstehung und weite Verbreitung nicht nur technische Entdeckungen waren, sondern auch ein dringendes künstlerisches Bedürfnis nach einem bewegten Bild. Und die Gemälde der Impressionisten, insbesondere Monets, wurden zum Symptom dieses Bedürfnisses. Es ist bekannt, dass eine der Handlungen der ersten Filmsession der Geschichte, die 1895 von den Brüdern Lumiere arrangiert wurde, "Arrival of the Train" war. Dampflokomotiven, Bahnhof, Schienen waren Gegenstand einer Serie von sieben Gemälden „Gare Saint-Lazare“ von Monet, die 1877 ausgestellt wurden.

O. Renoir war ein hervorragender impressionistischer Künstler. Zu seinen Werken („Blumen“, „Ein junger Mann, der mit Hunden im Wald von Fontainebleau spazieren geht“, „Blumenvase“, „Baden in der Seine“, „Lisa mit Regenschirm“, „Dame im Boot“, „ Reiter im Bois de Boulogne“, „Ball in Le Moulin de la Galette“, „Porträt von Jeanne Samary“ und viele andere) die Worte des französischen Künstlers E. Delacroix „Die erste Würde eines jeden Bildes ist durchaus zutreffend- Feiertag sein m für die Augen. Renoir-Namen- ein Synonym für Schönheit und Jugend, jene Zeit des menschlichen Lebens, in der geistige Frische und das Aufblühen körperlicher Kraft in vollkommenem Einklang stehen. Er lebte in einer Zeit akuter sozialer Konflikte und ließ sie außerhalb seiner Leinwände, um sich zu konzentrieren Aufwachen auf den schönen und hellen Seiten der menschlichen Existenz. Und in dieser Position war er nicht allein unter den Künstlern. Bereits zweihundert Jahre vor ihm malte der große flämische Künstler Peter Paul Rubens Bilder eines gewaltigen lebensbejahenden Anfangs („Perseus und Andromeda“). Bilder wie diese geben den Menschen Hoffnung. Jeder Mensch hat das Recht auf Glück und Hauptpunkt Die Kunst von Renoir besteht darin, dass jedes seiner Bilder die Unantastbarkeit dieses Rechts bekräftigt.

IN spätes XIX Jahrhunderts bildete sich der Postimpressionismus in der europäischen Malerei heraus. Seine Vertreter- P . Cézanne (1839 - 1906), W. Van Gogh (1853 - 1890), P . Gauguin (1848 - 1903), Übernahme von Impressionisten Farbreinheit, gesucht dauerhafte Anfänge des Seins, verallgemeinernde Bildmethoden, philosophische und symbolische Aspekte der Kreativität. Gemälde von Cézanne- dies sind Porträts ("Raucher"), Landschaften ("Ufer der Marne"), Stillleben ("Stillleben mit Obstkorb").

Van-Gogh-Gemälde- "Hütten", "Overs nach dem Regen", "Gefangenengang".

Gauguin hat die Züge der ideologischen Romantik. IN letzten Jahren Fasziniert vom Leben der polynesischen Stämme, die seiner Meinung nach ihre primitive Reinheit und Integrität bewahrten, reist er zu den Inseln Polynesiens, wo er mehrere Gemälde schafft, deren Grundlage die Primitivierung der Form war, der Wunsch zu bekommen näher an künstlerische Traditionen Ureinwohner ("Frau mit einer Frucht", "Tahitian pastoral", "Wunderbare Quelle").

Großer Bildhauer des 19. Jahrhunderts war O. Rodin (1840- 1917), kombiniert in seiner Arbeit impressionistisch Romantik und Expressionismus realistisch sucht. Lebendigkeit der Bilder, Dramatik, Ausdruckskraft eines angespannten Innenlebens, sich in Raum und Zeit fortsetzende Gesten (was machst du es ist nicht möglich, diese Skulptur mit Musik und Ballett zu vertonen), um die Instabilität des Moments einzufangen- all dies zusammen ergibt ein im Wesentlichen romantisches Bild und vollständig impressionistisch Vision . Der Wunsch nach tiefen philosophischen Verallgemeinerungen ("Die Bronzezeit", " Citizens of Calais“, eine Skulptur, die dem Helden des Hundertjährigen Krieges gewidmet ist, der sich opferte, um die belagerte Stadt zu retten, für die Gates of Hell arbeitete, einschließlich The Thinker) und dem Wunsch, Momente absoluter Schönheit und Glücks zu zeigen („ Ewiger Frühling“, „Pas de -de“)– die Hauptmerkmale der Arbeit dieses Künstlers.

17.3.2 Englische Malerei. Bildende Kunst Englands in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. ist ein Landschaftsgemälde, hell Vertreter das waren J. Constable (1776 - 1837), englischer Vorgänger Impressionisten("Der Heukarren überquert die Furt" und "Das Roggenfeld") und U. Turner (1775 - 1851), dessen Gemälde wie "Rain, Steam and Speed" "Schiffswrack", zeichnet eine Vorliebe für bunte Fantasieberge aus.

In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts schuf F.M. Brown seine Werke (1821- 1893), der zu Recht als "Holbein des 19. Jahrhunderts" galt. Brown ist bekannt für seine historischen Werke („Chaucer in the court of Edward III“ und „Lear and Cordelia“) sowie Gemälde über die Tat Alltagsthemen („Last look at England“, „Labour“).

1848 entstand die kreative Vereinigung „Pre-Raphaelite Brotherhood“ („Präraffaeliten“). Obwohl der verbindende Kern die Leidenschaft für die Werke der Künstler der Frührenaissance (vor Raffael) war, hatte jedes Mitglied dieser Bruderschaft ein eigenes Thema und künstlerisches Credo. Der Theoretiker der Bruderschaft war der englische Kulturologe und Ästhetiker J. Ruskin, der den Begriff der Romantik in Bezug auf die Bedingungen Englands in der Mitte des Jahrhunderts skizzierte.

Ruskin, der Kunst in seinen Werken mit dem allgemeinen Kulturniveau des Landes verband und Kunst als Manifestation moralischer, wirtschaftlicher und sozialer Faktoren betrachtete, versuchte, die Briten davon zu überzeugen, dass die Voraussetzungen für Schönheit Bescheidenheit, Gerechtigkeit, Ehrlichkeit, Reinheit und Schlichtheit sind .

Die Präraffaeliten schufen Gemälde zu religiösen und literarischen Themen, gestalteten Bücher künstlerisch und entwickelten dekorative Kunst, versuchten die Prinzipien des mittelalterlichen Handwerks wiederzubeleben. Erkennen der Gefahr dekorative Kunst Trend- seine Entpersönlichung durch maschinelle Produktion, englischer Künstler, Dichter und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens W. Morris (1834 - 1896) organisierte künstlerische und industrielle Werkstätten zur Herstellung von Wandteppichen, Stoffen, Buntglasfenstern und anderen Haushaltsgegenständen, für die Zeichnungen verwendet werden er selbst und die präraffaelitischen Künstler vollendeten.

17.3.3 Spanische Malerei. Goja . Das Werk von Francisco Goya (1746- 1828) gehört zu zwei Jahrhunderten - XVIII und XIX. Sie war von großer Bedeutung für die Herausbildung der europäischen Romantik. kreative uns Die Ladyschaft des Künstlers ist reich und vielfältig: Malerei, Porträts, Grafiken, Fresken, Stiche, Radierungen.

Goya verwendet die demokratischsten Themen (Räuber, Schmuggler, Bettler, Teilnehmer an Straßenkämpfen und Spielen).- die Charaktere seiner Bilder). 1789 erhalten Titel von adv Als berühmter Maler führt Goya eine Vielzahl von Porträts auf: den König, die Königin, Höflinge („Die Familie von König Karl IV.“). Der sich verschlechternde Gesundheitszustand des Künstlers führte zu einer inhaltlichen Veränderung der Arbeiten. So werden Gemälde, die sich durch Spaß und bizarre Fantasie auszeichnen („Carnival“, „Blind Man's Bluff“) durch Leinwände voller Tragik ersetzt („Tribunal of the Inquisition“, „House of Lunatics“). Und es folgen 80 Radierungen „Capriccios“, an denen der Künstler über fünf Jahre gearbeitet hat. Die Bedeutung vieler von ihnen ist bis heute unklar, andere wurden gemäß den ideologischen Anforderungen ihrer Zeit interpretiert.

In einer symbolischen, allegorischen Sprache zeichnet Goya ein erschreckendes Bild des Landes um die Jahrhundertwende: Ignoranz, Aberglaube, begrenzte Menschen, Gewalt, Obskurantismus, Böses. Radierung "Der Schlaf der Vernunft bringt Ungeheuer hervor"- Schreckliche Monster umgeben eine schlafende Person, Fledermäuse, Eulen und andere böse Geister. Der Künstler selbst gibt zu seiner Arbeit folgende Erklärung ab: „Überzeugt, dass Kritik menschlichLasterUndWahnvorstellungen, ObwohlUndscheintdas Gebiet der Redekunst und Poesie, kann auch Gegenstand einer lebhaften Beschreibung sein, die der Künstler für seine Arbeit aus den vielen Torheiten und Absurditäten auswählte, die jeder Zivilgesellschaft innewohnen, sowie aus den Vorurteilen und dem Aberglauben des einfachen Volkes, legitimiert durch Sitten, Ignoranz oder Eigennutz, die er für besonders geeignet hielt, um sich lächerlich zu machen und gleichzeitig die eigene Vorstellungskraft zu trainieren.

17.3.4 Modern – Finale Stil europäisch malen XIX v . bei den meisten Berühmte Werke geschaffen in der europäischen Malerei des XIX Jahrhunderts. im Jugendstil, waren die Werke des englischen Künstlers O. Beardsley (1872– 1898). ErillustriertarbeitenUM. wild ("Salome"), erstelltelegantGrafikFantasien, verzaubertganzGenerationEuropäer. NurSchwarzUndWeisswarWerkzeugz.Büber Arbeit: ein Blatt weißes Papier und eine Flasche schwarze Tinte und eine Technik, die der feinsten Spitze ähnelt („The Mysterious Rose Garden“, 1895). Beardsleys Illustrationen sind von japanischen Drucken und dem französischen Rokoko sowie dem dekorativen Manierismus des Jugendstils beeinflusst.

Jugendstil, entstanden um 1890– 1910 gg., charakterisiertGegenwartWicklungLinien, erinnerndLockenHaar, stilisiertBlumenUndPflanzen, SprachenFlamme. StilDasWarbreitweit verbreitetUndvmalenUndvdie Architektur. DasIllustrationenEngländerSeirdsli, Plakate und Werbetafeln des Tschechen A. Mucha, Gemälde des Österreichers G. Klimt, Lampen und Metallprodukte von Tiffany, Architektur des Spaniers A. Gaudi.

Ein weiteres herausragendes Phänomen der Moderne des Fin de Siècle– norwegischKünstlerE. Münch (1863 – 1944). berühmtmalenMünch« Schrei (1893)– zusammengesetztTeilseingrundlegendZyklus"FriesLeben", überwelcheKünstlerhabe gearbeitetlangJahre. Anschließendarbeiten"Schrei"MünchwiederholtvLithographien. Malen"Schrei"überträgtZustandextrememotionalStromspannungmenschlich, sieGesichterschafft die Verzweiflung eines einsamen Menschen und seinen Hilferuf, den niemand erlösen kann.

Am meisten Hauptkünstler Finnland A. Galen-Kallela (1865– 1931) vStilmodernillustriertEpos"Kalevali". AnSpracheempirischWirklichkeites ist verbotenerzählenüber den legendären alten Mann– SchmiedIlmarinen, welchegeschmiedetHimmel, zusammengeklopftFirmament, angekettetausFeuerAdler; ÖMütterLemminkäinen, auferstandenseingetötetSohn; ÖSängerVäinämöinien, welche"summtegoldenWeihnachtsbaum", Gallel- Callelagelang esaushändigenKojeeine Kraft der alten karelischen Runen in der modernen Sprache.