Wichtige Meilensteine ​​der Wiederbelebung in Italien und Europa. Renaissance in Westeuropa

Die Renaissance ist eine Zeit des Überdenkens des Erbes der Antike, der Wiederbelebung ihrer Ideen. Aber es ist falsch, diese Zeit als Wiederholung, als Nachahmung einer vergangenen Kultur zu betrachten. Die im Mittelalter während der Renaissance geborenen Ideen beeinflussten maßgeblich die Besonderheiten der Haltung eines Menschen dieser Zeit.

Die folgenden Bestimmungen können als Grundprinzipien der Haltung eines Renaissance-Menschen angesehen werden:

Die irdische Welt ist eine Hierarchie von Gottes Schöpfungen, wo nur der Mensch selbst die höchste Vollkommenheit hat; Theozentrismus der Weltanschauung wird durch Anthropozentrismus ersetzt;

Es gibt ein klares Bewusstsein für die Probleme des Lebens;

Zeit und Raum werden bereits durch den Rahmen der realen Existenz bewertet, der durch die Formen menschlicher Aktivität klar definiert ist. Der Raum wird sichtbar. Die Zeit ist wie die Gegenwart und schnell fließend. Der Renaissance-Persönlichkeitstyp zeichnet sich durch Titanismus (er erreicht in seinem Leben so viel aus, was sich viele nicht leisten können) und Universalität (entfaltet seine Fähigkeiten in einer Vielzahl von Bereichen);

Die Fähigkeit zu erschaffen wird zur höchsten Manifestation menschlicher Göttlichkeit, und der Künstler wird zur angesehensten Person in der Gesellschaft;

Kunst und Natur werden zu gleichwertigen Begriffen;

Die Schönheit der Welt wird in natürliche, natürliche Schönheit und künstliche, von Menschenhand geschaffene Schönheit unterteilt; menschliche Schönheit - auf das Geistige und Physische.

Die Renaissance ist die Geburt der Ideen des Humanismus und verherrlicht das kreative Potenzial des Menschen. Der Humanismus manifestiert sich deutlich in der Kunst. Humanisten entwickelten (eher praktisch als theoretisch) jene Komponente der Ästhetik, die wir heute angewandt nennen. Die Natur gilt als höchste Form der Schönheit. Kunst ist eine der Formen der Kreativität, die nach den Gesetzen der Schönheit der Natur ausgeführt wird. Wenn die mittelalterliche Ästhetik Kunst als eine Bindung an Materie betrachtet, dann

fertige Form, bereits in der Seele des Künstlers vorhanden und dort abgelegt Gott in der renaissance kommt dann erstmals die idee auf, dass der künstler ich selbst erstellt und erstellt dieses Formular. Kunst ist also keine einfache Nachahmung der Natur. Es ist ein völlig neues Phänomen, das ein Akt des kreativen Akts eines Menschen ist, der seinen Willen und seine Individualität durch Kunst manifestiert.

Kunst wird als einer der Kanäle des menschlichen Wissens über die Welt betrachtet. Kunst interagiert aktiv mit Wissenschaft. Die großen Titanen der Renaissance beschäftigen sich nicht nur mit künstlerischer Kreativität, sondern machen auch wissenschaftliche und technische Entdeckungen. Es genügt, den Namen Leonardo da Vinci zu nennen.

Die Kunst wurde nicht nur unabhängig, sondern begann auch ihre morphologische Struktur zu zeigen: Die Spezifität einzelner Kunstgattungen begann deutlich zu werden. Der Schöpfer wird zum Profi auf seinem Gebiet, in dem Können und Individualität besonders geschätzt werden.

So erhält die Kunst einen zunehmend säkularen Charakter, geprägt von Demokratie und dem Wunsch nach Realismus in der Weltspiegelung. Das Konzept entsteht "freie Aktivitäten" Dazu gehören Philosophie, Geschichte, Eloquenz, Musik und Poesie. Die Autorität des Künstlers in der Gesellschaft beginnt zu wachsen. Der Arbeitsaufwand und das notwendige Fachwissen werden zum Maßstab der Kunst. Literatur und bildende Kunst werden am meisten geschätzt.

In dieser Zeit ein neues - modernes Literatur. Das Wort wird als höchste Manifestation der Schönheit verstanden, die Arbeit an der Bildhaftigkeit des Wortes – als höchste menschliche Bestimmung. Die Literatur der Renaissance ist erfüllt von einem lebensbejahenden Charakter, Bewunderung für die Schönheit der Welt, des Menschen und seiner Leistungen. Sein Hauptthema ist das Thema Liebe.

Die Architektur Die Renaissance suchte nach einer Möglichkeit, durch die Schaffung neuer architektonischer Entwürfe eine ideale Lebensweise zu schaffen. Das Ideal des Lebens wurde im Florenz des 15. Jahrhunderts verwirklicht – der „idealen“ Stadt, modelliert durch die Vorstellungskraft und die Hände großer Schöpfer. Die „ideale“ Stadt wurde dank der Entdeckung der Perspektive geboren, die von skizziert wurde Brunelleschi und Leonardo da Vinci und auch aufgrund der verwirklichten Einheit von räumlich-plastischem und gesellschaftspolitischem Weltbild. Zum ersten Mal erschien der menschliche Raum im Gegensatz zum natürlichen Raum. Die Architektur der Stadt wird als Synthese der Stadt im Allgemeinen betrachtet: die objektive Welt der Stadt, das Leben der einzelnen Bürger, ihre öffentliches Leben mit Spielen, Spektakel und Theater.

Eine der Aufgaben bildende Kunst- die Wichtigkeit, den Kanon des Schönen zu beachten, der von den Alten gefunden wurde, aber so, dass der Realismus und die Vitalität des Bildes nicht leiden. Beherrschung des Bildes

Niya wird zum Beruf. Kunstschulen entwickeln sich. Die bildende Kunst der Renaissance zeichnet sich aus durch:

Themenwechsel - eine Person wird zum Gegenstand erhöhter Aufmerksamkeit;

Wechselnde Bildtechniken - direkte Perspektive, die Genauigkeit der Übertragung der Struktur des menschlichen Körpers;

Ersetzen einer reinen Farbe durch komplexe, zusammengesetzte Farben;

Das Hauptausdrucksmittel ist nicht Licht, sondern Schatten, der zur Entwicklung der Grafik in der bildenden Kunst beiträgt;

Besonderes Interesse an Landschaft;

Die Vorherrschaft der Staffeleimalerei und die Entstehung der weltlichen Malerei (Porträt);

Technologische Entwicklung Ölgemälde;

Interesse am Gravieren.

IN Skulptur Das Interesse am nackten Körper kehrt zurück. Bildhauer Donatello die erste (nach dem Mittelalter), die einen nackten Körper in Skulptur präsentiert, geschaffen neuer Typ runde Statue und Skulpturengruppe, malerisches Relief. Der nackte Körper der Renaissance-Skulpturen ist voller Ausdruck, Bewegung, Sinnlichkeit, Erotik. Die Körperhaltungen wurden dynamischer, die Muskeln angespannter, die Emotionen offener. Der Körper wird wie in der Antike als Spiegelbild der Seele gesehen. Aber die Betonung in der Darstellung des menschlichen Körpers ist schon eine andere: Er muss als Manifestation des Besonderen betrachtet werden Zustände Seelen. Aus diesem Grund studieren Bildhauer den menschlichen Körper so intensiv in verschiedenen psychologischen Situationen. Wenn wir uns die skulpturalen Bilder eines Renaissance-Mannes ansehen, können wir zunächst seine Seele, seinen Zustand und seine Emotionen sehen, die sich in seiner Haltung, angespannten Muskeln und seinem Gesichtsausdruck manifestieren.

Formation Theater Die Renaissance ist mit Namen verbunden William Shakespeare Und Lope de Bega. Die wichtigsten Theatergenres dieser Zeit sind Tragödie Und Komödie, Mysterium, Wunder, Farce und Honigwaben(Sorten von Komödien). Inhalte werden säkularer. Die Handlung findet überall statt (auf der Erde, im Himmel, in der Unterwelt) und umfasst Ereignisse, die sich über Jahre und Monate hinziehen. Gleichzeitig gibt es immer noch keine Integrität der Handlung und ausgewählter Charaktertypen. Antike Plots werden oft in Schulproduktionen ausgespielt und verfolgen eher erzieherische und erzieherische Ziele. Brille Theateraufführungen waren von der Handlungsentwicklung her recht langweilig, unterhielten das Publikum aber mit Tanzeinlagen, Dekorationen und Kostümen. Das Theater der Renaissance wurde glaubhaft, realistisch, bekam Züge einer Bühnenhandlung, die der Zuschauer wie von der Seite beobachtet.

Musik manifestiert sich zum ersten Mal als weltliche Kunst, die auf einem weltlichen Anfang basiert und ohne zusätzliche Bevormundung durch andere Künste oder Religionen existiert. Die Fähigkeit, zu singen und ein Musikinstrument zu spielen, wird zu einer unverzichtbaren Eigenschaft eines kultivierten Menschen.

In der Musik tauchen völlig neue Genres auf: Oper und Instrumentalregie. Die Improvisation genoss einen hohen Stellenwert. Auch neue Musikinstrumente werden immer beliebter: das Clavichord, die Laute und die Violine. Die Orgel galt als das geeignetste Instrument zur Wiedergabe von Bildern „hoher“ Kunst. In der Orgelkunst wurde der sogenannte Monumentalstil geboren – eine Parallele zum Barock in Malerei und Architektur, die sich im 16. Jahrhundert zu bilden begann. Im 16. Jahrhundert in Spanien erscheinen Erste Abhandlungen über die Kunst der Musik.

Die Wiederbelebung der Kunst bereitete die Gestaltung neuer künstlerischer Stilrichtungen vor: Barock, Klassizismus, Rokoko.

Um die Jahrhundertwende vom 15. zum 16. Jahrhundert, als Italien im Zentrum der internationalen Politik stand, drang der Geist der Renaissance auch in andere europäische Länder ein. Sie manifestierte sich insbesondere in dem starken italienischen Einfluss auf das politische Leben und die wirtschaftlichen Beziehungen, der den englischen Historiker A. Toynbee veranlasste, von der „Italianisierung“ Europas zu sprechen.

Anders verhielt es sich im Kulturbereich. Außerhalb Italiens, insbesondere im Norden Europas, spielte das antike Erbe eine viel bescheidenere Rolle als in der Wiege der Renaissance (lesen Sie über die italienische Renaissance). Von entscheidender Bedeutung waren die nationalen Traditionen und Besonderheiten der historischen Entwicklung verschiedener Völker.

Diese Umstände zeigten sich deutlich in Deutschland, wo eine breite kulturelle Bewegung entstand, die als Nordrenaissance bezeichnet wurde. Auf dem Höhepunkt der Renaissance wurde in Deutschland der Buchdruck erfunden. In der Mitte des XV Jahrhunderts. Johannes Gutenberg (ca. 1397-1468) veröffentlichte das erste gedruckte Buch der Welt, eine lateinische Ausgabe der Bibel. Der Druck verbreitete sich schnell in ganz Europa und wurde zu einem mächtigen Mittel zur Verbreitung humanistischer Ideen. Diese bahnbrechende Erfindung veränderte den gesamten Charakter Europäische Kultur.

Die Voraussetzungen für die Nordrenaissance wurden in den Niederlanden geschaffen, insbesondere in den reichen Städten der südlichen Provinz Flandern, wo fast gleichzeitig mit der italienischen Frührenaissance Elemente einer neuen Kultur geboren wurden, deren markantester Ausdruck die Malerei war. Ein weiteres Zeichen des Aufbruchs in neue Zeiten war der Appell der holländischen Theologen an Moralische Probleme christliche Religion, ihr Wunsch nach einer "neuen Frömmigkeit". Erasmus von Rotterdam (1469-1536), der größte Denker der nördlichen Renaissance, wuchs in solch einer spirituellen Atmosphäre auf. Der gebürtige Rotterdamer studierte in Paris, lebte in England, Italien, der Schweiz und erlangte mit seiner Arbeit europaweite Berühmtheit. Erasmus von Rotterdam wurde zum Begründer einer besonderen Richtung des humanistischen Denkens, dem christlichen Humanismus. Er verstand das Christentum in erster Linie als ein System moralischer Werte, das im Alltag befolgt werden musste.

Basierend auf einem eingehenden Studium der Bibel schuf der niederländische Denker sein eigenes theologisches System – die „Philosophie Christi“. Erasmus von Rotterdam lehrte: „Glaube nicht, dass Christus in Riten und Gottesdiensten konzentriert ist, egal wie du sie hältst, und in kirchlichen Einrichtungen. Ein Christ ist nicht derjenige, der besprengt wird, nicht derjenige, der gesalbt wird, nicht derjenige, der bei den Sakramenten anwesend ist, sondern derjenige, der von der Liebe zu Christus durchdrungen ist und sich in frommen Taten übt.

Gleichzeitig mit der Hochrenaissance in Italien blühte auch die Bildende Kunst in Deutschland auf. Im Mittelpunkt dieses Prozesses stand der geniale Künstler Albrecht Dürer (1471-1528). Seine Heimat war die Freie Stadt Nürnberg in Süddeutschland. Auf Reisen nach Italien und in die Niederlande hatte der deutsche Künstler Gelegenheit, die besten Beispiele zeitgenössischer europäischer Malerei kennenzulernen.

In Deutschland selbst war damals eine Art künstlerischer Kreativität wie Gravuren, eine auf ein Brett oder eine Metallplatte aufgebrachte Reliefzeichnung, weit verbreitet. Im Gegensatz zu Gemälden werden Stiche in Form von separaten Drucken reproduziert oder Buchillustrationen wurde Eigentum der weitesten Kreise der Bevölkerung.

Dürer perfektionierte die Graviertechnik. Der Zyklus seiner Holzschnitte "Apokalypse", der die wichtigsten biblischen Prophezeiungen illustriert, ist eines der größten Meisterwerke der grafischen Kunst.

Wie andere Meister der Renaissance ging Dürer als herausragender Porträtmaler in die Geschichte der Weltkultur ein. Als erster deutscher Künstler erhielt er europaweite Anerkennung. Große Berühmtheit erlangten auch die Künstler Lucas Cranach sen. (1472-1553), bekannt als Meister mythologischer und religiöser Szenen, und Hans Holbein jun. (1497/98-1543).

Holbein arbeitete mehrere Jahre in England, am Hof ​​von König Heinrich VIII., wo er eine ganze Galerie mit Porträts seiner berühmten Zeitgenossen schuf. Sein Werk markierte einen der Höhepunkte der künstlerischen Kultur der Renaissance.

Französische Renaissance

Die Kultur der Renaissance in Frankreich zeichnete sich auch durch ihre große Originalität aus. Nach dem Ende des Hundertjährigen Krieges erlebte das Land einen kulturellen Aufschwung und berief sich dabei auf die eigenen nationalen Traditionen.

Zur Blüte und Bereicherung der französischen Kultur beigetragen geographische Lage Länder, die Möglichkeiten für eine enge Bekanntschaft mit den kulturellen Errungenschaften der Niederlande, Deutschlands, Italiens eröffneten.

Die neue Kultur genoss in Frankreich königliche Unterstützung, besonders während der Regierungszeit von Franz I. (1515-1547). Mit der Nationalstaatsbildung und der Stärkung der königlichen Macht bildete sich eine besondere Hofkultur heraus, die sich in Architektur, Malerei und Literatur niederschlug. Im Flusstal An der Loire wurden mehrere Schlösser im Renaissancestil erbaut, unter denen Chambord hervorsticht. Das Loiretal wird sogar als „Schaufenster der französischen Renaissance“ bezeichnet. Während der Regierungszeit von Franz I. wurde die Landresidenz der französischen Könige von Fontainebleau gebaut, und der Bau des Louvre, eines neuen königlichen Palastes in Paris, begann. Der Bau wurde während der Regierungszeit von Karl IX abgeschlossen. Unter Karl IX. selbst begann der Bau des Tuilerienpalastes. Diese Schlösser und Burgen gehörten zu den bemerkenswertesten architektonischen Meisterwerken Frankreichs. Der Louvre ist heute eines der größten Museen der Welt.

Die Renaissance ist die Geburtsstunde des Porträtgenres, das sich lange Zeit durchsetzte französische Malerei. Die berühmtesten waren die Hofmaler Jean und Francois Clouet, die Bilder der französischen Könige von Franz I. bis Karl IX. und anderer berühmter Persönlichkeiten ihrer Zeit darstellten.

Das auffälligste Phänomen der französischen Renaissance ist das Werk des Schriftstellers Francois Rabelais (1494-1553), das sowohl die nationale Identität des Landes als auch den Einfluss der Renaissance widerspiegelt. Sein satirischer Roman „Gargantua und Pantagruel“ zeigt ein breites Panorama der damaligen französischen Realität.

Ein aktiver Teilnehmer am politischen Leben Frankreichs im späten XV - frühen XVI Jahrhundert. Philippe de Commines legte den Grundstein für das historische und politische Denken Frankreichs in der Neuzeit. Der größte Beitrag zu ihrer weitere Entwicklung wurde von dem bemerkenswerten Denker Jean Bodin (1530-1596) mit seinen Werken „Die Methode der leichten Kenntnis der Geschichte“ und „Sechs Bücher über den Staat“ eingeführt.

Englischer Humanismus

Die Oxford University, die eine lange Tradition klassischer Bildung hatte, wurde zum größten Zentrum humanistischer Kultur in England. Hier studierte er antike Literatur Thomas More (1478-1535), dessen Name zu einem Symbol des englischen Humanismus geworden ist. Sein Hauptwerk ist Utopia. Es zeichnet das Bild eines idealen Staates. Dieses Buch legte den Grundstein und gab einer Besonderheit den Namen Literarisches Genre- soziale Utopie. „Utopie“ bedeutet auf Griechisch „ein Land, das nicht existiert“.

More stellte eine ideale Gesellschaft dar und kontrastierte sie mit der zeitgenössischen englischen Realität. Tatsache ist, dass das New Age nicht nur unbestrittene Errungenschaften, sondern auch ernsthafte soziale Widersprüche mit sich brachte. Der englische Denker zeigte in seinem Werk erstmals die sozialen Folgen der kapitalistischen Transformation der englischen Wirtschaft: die massive Verarmung der Bevölkerung und die Spaltung der Gesellschaft in Arm und Reich.

Auf der Suche nach dem Grund für diese Situation kam er zu dem Schluss: "Wo es nur Privateigentum gibt, wo alles nach Geld bemessen wird, ist kaum je ein richtiger und erfolgreicher Gang der Staatsgeschäfte möglich." T. More war groß Politiker seiner Zeit, 1529-1532. Er diente sogar als Lordkanzler von England, wurde aber wegen Uneinigkeit mit der Religionspolitik von König Heinrich VIII. hingerichtet.

Alltag der Renaissance

Die Renaissance brachte große Veränderungen nicht nur für die künstlerische Kultur, sondern auch für die Alltagskultur, das tägliche Leben der Menschen. Damals tauchten viele Haushaltsgegenstände, die dem modernen Menschen vertraut sind, erstmals auf oder verbreiteten sich.

Eine wichtige Neuerung war das Erscheinen einer Vielzahl von Möbeln, die die einfachen und sperrigen Strukturen des Mittelalters ersetzten. Der Bedarf an solchen Möbeln führte neben der einfacheren Tischlerei zur Geburt eines neuen Handwerks - der Tischlerei.

Die Gerichte wurden reichhaltiger und qualitativ hochwertiger; Die Massenverteilung erhielt neben dem Messer auch Löffel und Gabeln. Auch die Lebensmittel wurden vielfältiger, deren Angebot durch Produkte aus neu entdeckten Ländern erheblich bereichert wurde. Das allgemeine Wachstum des Vermögens einerseits und starker Anstieg die Menge an Edelmetallen und Edelsteinen, die durch die großen geografischen Entdeckungen nach Europa geflutet wurden, führte dagegen zur Blüte Schmuckkunst. Das Leben im Italien der Renaissance wird raffinierter und schöner.

Das späte Mittelalter hinterließ Dinge wie Scheren und Knöpfe als Erbe der Renaissance und zu Beginn des XTV. Jahrhunderts. in Burgund, das damals in Europa die Mode diktierte, wurde die Schneiderei erfunden. Als besonderer Beruf zeichnete sich die Herstellung von Kleidern ab – das Schneiderhandwerk. All dies hat eine echte Revolution im Bereich der Mode bewirkt. Wenn sich frühere Kleidung sehr lange nicht veränderte, konnte sie jetzt leicht nach jedem Geschmack gestaltet werden. Die Italiener übernahmen die im Burgund entstandene Schnittmode, begannen sie weiterzuentwickeln und gaben für ganz Europa den Ton an.

Die historische Bedeutung der Renaissance

Das wichtigste Verdienst der Kultur der Renaissance war, dass sie erstmals offenbart wurde Innere Mann in seiner Gesamtheit.

Aufmerksamkeit auf menschliche Persönlichkeit und seine Originalität manifestierte sich buchstäblich in allem: in Lyrik und Prosa, in Malerei und Skulptur. In der bildenden Kunst erfreuten sich Porträt und Selbstporträt einer nie zuvor dagewesenen Beliebtheit. In der Literatur haben sich Genres wie Biografie und Autobiografie weit entwickelt.

Das Studium der Individualität, das heißt der Merkmale des Charakters und der psychologischen Beschaffenheit, die eine Person von einer anderen unterscheiden, ist zur wichtigsten Aufgabe von Kulturschaffenden geworden. Der Humanismus hat zu einer vielseitigen Bekanntschaft mit der menschlichen Individualität in all ihren Erscheinungsformen geführt. Die gesamte Renaissancekultur als Ganzes formte einen neuen Persönlichkeitstypus, dessen Kennzeichen der Individualismus war.

Gleichzeitig führte der Renaissance-Individualismus, der die hohe Würde der menschlichen Persönlichkeit bekräftigte, auch zur Offenlegung ihrer negativen Aspekte. So bemerkte einer der Historiker „den Neid der miteinander konkurrierenden Prominenten“, die ständig um ihre eigene Existenz kämpfen mussten. „Sobald die Humanisten sich zu erheben beginnen“, schrieb er, „steigen sie sofort ein der höchste Grad unterschiedslos in ihren Mitteln im Verhältnis zueinander. Während der Renaissance, folgerte ein anderer Forscher, „lieferte sich die menschliche Persönlichkeit, völlig sich selbst überlassen, der Macht ihrer eigenen egoistischen Interessen aus, und die Korruption der Moral wurde unvermeidlich.“

Ab Ende des 15. Jahrhunderts beginnt der Niedergang des italienischen Humanismus. Im Kontext der vielfältigen Konflikte, die für die Geschichte des 16. Jahrhunderts charakteristisch waren, brach die humanistische Kultur insgesamt zusammen. Das Hauptergebnis der Entwicklung des Humanismus war die Neuorientierung des Wissens auf die Probleme des menschlichen Erdenlebens. Die Erweckung als Ganzes war ein sehr komplexes und mehrdeutiges Phänomen, das den Beginn der modernen Phase in der Geschichte Westeuropas markierte.

Aus T. Mores Buch „Utopia“

Für das „öffentliche Wohlergehen gibt es nur einen Weg – in allem Gleichheit zu erklären. Ich weiß nicht, ob dies dort zu beobachten ist, wo jeder sein eigenes Eigentum hat. Denn wenn jemand sich aufgrund eines bestimmten Rechts so viel wie möglich aneignet, dann wird der Reichtum, egal wie groß er ist, vollständig unter wenigen aufgeteilt. Im übrigen überlassen sie die Armut ihrem Los; und es kommt fast immer vor, dass einige des Schicksals anderer viel würdiger sind, denn die ersteren sind räuberisch, unehrenhaft und zu nichts gut, während die letzteren im Gegenteil bescheidene, einfache Männer sind und mit ihrem täglichen Eifer bringen gut für die Gesellschaft mehr als für sich selbst. ".

Verweise:
VV Noskov, T.P. Andreevskaya / Geschichte vom Ende des 15. bis Ende des 18. Jahrhunderts

FRANCESCO PETRARCA (1304-1374) - der Begründer der italienischen Renaissance, großer Dichter und Denker und Politiker. Aus einer florentinischen Familie aus Popeln stammend, verbrachte er viele Jahre unter der päpstlichen Kurie in Avignon und den Rest seines Lebens in Italien. Petrarca reiste viel in Europa, war den Päpsten, Herrschern nahe. Seine politischen Ziele: Kirchenreform, Beendigung der Kriege, Einheit Italiens. Petrarca war ein Kenner der antiken Philosophie, er verdient das Verdienst, Manuskripte antiker Autoren zu sammeln, ihre textliche Verarbeitung.

Humanistische Ideen entwickelte Petrarca nicht nur in seiner brillanten, innovativen Poesie, sondern auch in lateinischen Prosaschriften – Abhandlungen, zahlreichen Briefen, darunter seine Hauptbriefschrift „Das Buch des Alltags“.

Es ist üblich, über Francesco Petrarca zu sagen, dass er stärker ist als jeder andere - zumindest zu seiner Zeit - der sich auf sich selbst konzentriert. Was nicht nur der erste „Individualist“ der Neuen Zeit war, sondern viel mehr als das – ein auffallend vollständiger Egozentriker.

In den Werken des Denkers wurden die theozentrischen Systeme des Mittelalters durch den Anthropozentrismus des Renaissance-Humanismus ersetzt. Petrarcas „Entdeckung des Menschen“ ermöglichte eine tiefere Menschenkenntnis in Wissenschaft, Literatur und Kunst.

LEONARDO DA VINCI (1454-1519) - brillanter italienischer Künstler, Bildhauer, Wissenschaftler, Ingenieur. Geboren in Anchiano, in der Nähe des Dorfes Vinci; sein Vater war Notar, der 1469 nach Florenz zog. Leonardos erster Lehrer war Andrea Verrocchio.

Leonardos Interesse an Mensch und Natur spricht für seine enge Verbindung zur humanistischen Kultur. Er hielt die schöpferischen Fähigkeiten des Menschen für unbegrenzt. Leonardo war einer der ersten, der die Idee der Erkennbarkeit der Welt durch Vernunft und Empfindungen begründete, die in den Ideen der Denker des 16. Jahrhunderts fest verankert war. Er selbst sagte über sich: "Ich würde alle Geheimnisse verstehen, auf den Grund gehen!"

Leonardos Forschung betraf ein breites Spektrum von Problemen in Mathematik, Physik, Astronomie, Botanik und anderen Wissenschaften. Seine zahlreichen Erfindungen basierten auf einem tiefen Studium der Natur, der Gesetze ihrer Entwicklung. Er war auch ein Innovator in der Theorie der Malerei. Leonardo sah die höchste Manifestation von Kreativität in der Tätigkeit eines Künstlers, der die Welt wissenschaftlich erfasst und auf Leinwand reproduziert. Der Beitrag des Denkers zur Renaissance-Ästhetik lässt sich an seinem „Buch der Malerei“ ablesen. Er war die Verkörperung des „universellen Menschen“, der von der Renaissance geschaffen wurde.

NICCOLO MACHIAVELLI (1469-1527) - Italienischer Denker, Diplomat, Historiker.

Florentiner, stammte aus einer alten, aber verarmten Patrizierfamilie. 14 Jahre lang diente er als Sekretär des Rates der Zehn, verantwortlich für die militärischen und auswärtigen Angelegenheiten der Republik Florenz. Nach der Restaurierung in Florenz wurden die Medici-Behörden aus der Staatstätigkeit entfernt. 1513-1520 war er im Exil. Diese Periode umfasst die Schaffung der bedeutendsten Werke von Machiavelli - "The Sovereign", "Diskurse über das erste Jahrzehnt von Titus Livius", "History of Florence", die ihm europäischen Ruhm einbrachten. Das politische Ideal von Machiavelli ist die Römische Republik, in der er die Idee eines starken Staates verkörperte, dessen Volk "die Souveräne sowohl an Tugend als auch an Ruhm weit übertrifft". ("Reden über das erste Jahrzehnt des Titus Livius").

Die Ideen von N. Machiavelli hatten einen sehr bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung politischer Doktrinen.

THOMAS MOP (1478-1535) - englischer Humanist, Schriftsteller, Staatsmann.

Er wurde in die Familie eines Londoner Anwalts hineingeboren und an der Oxford University ausgebildet, wo er sich dem Kreis der Oxforder Humanisten anschloss. Unter Heinrich VIII. bekleidete er eine Reihe hoher Regierungsposten. Sehr wichtig für die Herausbildung und Entwicklung Mores als Humanist war seine Begegnung und Freundschaft mit Erasmus von Rotterdam. Er wurde des Hochverrats angeklagt und am 6. Juli 1535 hingerichtet.

Das berühmteste Werk von Thomas Morus ist „Utopia“, das sowohl die Leidenschaft des Autors für die antike griechische Literatur und Philosophie als auch den Einfluss des christlichen Denkens, insbesondere Augustins Abhandlung „Über die Stadt Gottes“, widerspiegelt und auch eine ideologische Verbindung nachzeichnet mit Erasmus von Rotterdam, dessen humanistisches Ideal More nahestand. Seine Ideen hatten einen starken Einfluss auf das soziale Denken.

ERASMUS VON ROTTERDAM (1469-1536) - einer der prominentesten Vertreter des europäischen Humanismus und der vielseitigste der damaligen Wissenschaftler.

Erasmus, der uneheliche Sohn eines armen Pfarrers, frühe Jahre verbrachte er im Augustinerkloster, das er 1493 verlassen konnte. Er studierte mit großem Enthusiasmus die Werke italienischer Humanisten und wissenschaftlicher Literatur und wurde zum größten Kenner des Griechischen und Lateinischen.

Erasmus' berühmtestes Werk ist die Satire Lob der Dummheit (1509) nach dem Vorbild von Lucian, die in nur einer Woche im Haus von Thomas More geschrieben wurde. Erasmus von Rotterdam versuchte, die kulturellen Traditionen der Antike und des frühen Christentums zu synthetisieren. Er glaubte an die natürliche Güte des Menschen, er wollte, dass sich die Menschen von den Erfordernissen der Vernunft leiten ließen; zu den spirituellen Werten von Erasmus - Geistesfreiheit, Abstinenz, Bildung, Einfachheit.

THOMAS MÜNTZER (um 1490-1525) - Deutscher Theologe und Ideologe der frühen Reformation und des Bauernkrieges von 1524-1526 in Deutschland.

Als Sohn eines Handwerkers studierte Müntzer an den Universitäten Leipzig und Frankfurt an der Oder, wo er mit dem Bachelor in Theologie abschloss, und wurde Prediger. Er wurde von Mystikern, Täufern und Hussiten beeinflusst. In den frühen Jahren der Reformation war Müntzer Anhänger und Anhänger Luthers. Dann entwickelte er seine Lehre von der Volksreformation.

Nach Müntzers Verständnis bestanden die Hauptaufgaben der Reformation nicht darin, ein neues kirchliches Dogma oder eine neue Form der Religiosität zu etablieren, sondern einen bevorstehenden gesellschaftspolitischen Umbruch zu proklamieren, der von einer Masse von Bauern und städtischen Armen getragen werden sollte. Thomas Müntzer strebte eine Republik gleichberechtigter Bürger an, in der die Menschen dafür sorgen würden, dass Gerechtigkeit und Recht herrschen.

Für Müntzer war die Heilige Schrift einer freien Interpretation im Kontext des Zeitgeschehens unterworfen, einer Interpretation, die sich direkt an die spirituelle Erfahrung des Lesers richtete.

Thomas Münzer wurde nach der Niederlage der Aufständischen in einer ungleichen Schlacht am 15. Mai 1525 gefangen genommen und nach schwerer Folter hingerichtet.

Abschluss

Basierend auf dem ersten Kapitel können wir schließen, dass die Hauptmerkmale der Renaissance-Kultur sind:

Anthropozentrismus,

Humanismus,

Modifikation der mittelalterlichen christlichen Tradition,

Eine besondere Haltung zur Antike ist die Wiederbelebung antiker Denkmäler und antiker Philosophie,

Neue Einstellung zur Welt.

Was den Humanismus betrifft, betonten seine Führer den Wert der menschlichen Person, die Unabhängigkeit der Würde des Individuums von Herkunft und Großzügigkeit, die Fähigkeit eines Menschen, sich ständig zu verbessern, und das Vertrauen in seine grenzenlosen Möglichkeiten.

Die Reformation spielte eine äußerst wichtige Rolle bei der Bildung der Weltzivilisation und Kultur im Allgemeinen. Es trug zum Entstehungsprozess eines Mannes der bürgerlichen Gesellschaft bei – eines autonomen Individuums mit moralischer Entscheidungsfreiheit, unabhängig und verantwortlich in seinen Überzeugungen und Handlungen, und bereitete so den Boden für die Idee der Menschenrechte. Die Träger protestantischer Ideen brachten einen neuen, bürgerlichen Persönlichkeitstypus mit einem neuen Weltbild zum Ausdruck.

Die Figuren der Renaissance haben uns ein umfangreiches kreatives Erbe hinterlassen, das Philosophie, Kunst, Politikwissenschaft, Geschichte, Literatur, Naturwissenschaften und viele andere Bereiche umfasst. Sie machten zahlreiche Entdeckungen, die einen großen Beitrag zur Entwicklung der Weltkultur leisten.

Somit ist die Renaissance ein Phänomen mit lokaler Reichweite, aber globaler Wirkung, das mit seinen Errungenschaften eine starke Auswirkung auf die Entwicklung der modernen westlichen Zivilisation und Kultur hatte: eine funktionierende Marktwirtschaft, eine Zivilgesellschaft, ein demokratischer Rechtsstaat, u zivilisierte Lebensweise, hohe spirituelle Kultur.

[Francis Bacons Doktrin der „Idole“

Idole und falsche Konzepte, die den menschlichen Verstand bereits gefesselt haben und tief darin verankert sind, beherrschen den Verstand der Menschen so sehr, dass sie es der Wahrheit erschweren, einzutreten, aber selbst wenn der Eintritt zu ihr erlaubt und gewährt wird, werden sie es wieder tun gerade der Erneuerung der Wissenschaften den Weg versperren und behindern werden, es sei denn, das Volk, gewarnt, wappnet sich nach Kräften gegen sie.

Es gibt vier Arten von Idolen, die den Geist der Menschen belagern. Um sie zu studieren, geben wir ihnen Namen. Nennen wir den ersten Typ die Idole des Clans, den zweiten - die Idole der Höhle, den dritten - die Idole des Platzes und den vierten - die Idole des Theaters.

Die Konstruktion von Begriffen und Axiomen durch wahre Induktion ist zweifellos das wahre Mittel zur Unterdrückung und Vertreibung von Götzen. Aber die Angabe von Idolen ist sehr nützlich. Die Götzenlehre ist für die Naturdeutung das, was die Lehre von der Widerlegung der Sophismen für die allgemein anerkannte Dialektik ist.

Idole des Clans finden ihre Grundlage in der Natur des Menschen, im Stamm oder in der Art der Menschen selbst, denn es ist falsch zu behaupten, dass die Gefühle des Menschen das Maß der Dinge sind. Im Gegenteil, alle Wahrnehmungen, sowohl der Sinne als auch des Geistes, beruhen auf der Analogie des Menschen und nicht auf der Analogie der Welt. Der menschliche Geist wird mit einem unebenen Spiegel verglichen, der, indem er seine eigene Natur mit der Natur der Dinge vermischt, die Dinge in einer verzerrten und entstellten Form widerspiegelt.

Höhlen-Idole Wesen der Täuschung des Individuums. Schließlich hat jeder neben den der Menschheit innewohnenden Fehlern seine eigene spezielle Höhle, die das Licht der Natur schwächt und verzerrt. Dies geschieht entweder durch die besonderen angeborenen Eigenschaften eines jeden oder durch Bildung und Gespräche mit anderen oder durch das Lesen von Büchern und durch Autoritäten, vor denen man sich verbeugt, oder aufgrund unterschiedlicher Eindrücke, je nachdem, ob sie von voreingenommenen und prädisponierten Seelen empfangen werden , oder Seelen kühl und ruhig, oder aus anderen Gründen. Der menschliche Geist ist also, je nachdem, wie er in einzelnen Menschen verortet ist, ein veränderliches, instabiles und gleichsam zufälliges Ding. Aus diesem Grund sagte Heraklit zu Recht, dass die Menschen das Wissen in den kleinen Welten suchen und nicht in der großen oder allgemeinen Welt.

Es gibt auch Idole, die sozusagen aufgrund der gegenseitigen Verbindung und Gemeinschaft von Menschen erscheinen. Wir nennen diese Idole und beziehen uns auf die Gemeinschaft und Gemeinschaft der Menschen, die sie entstehen lassen, die Idole des Platzes. Menschen sind durch Sprache vereint. Worte werden gemäß dem Verständnis der Menge festgelegt. Daher belagert eine schlechte und absurde Wortbildung den Geist auf wunderbare Weise. Die Definitionen und Erklärungen, mit denen Gelehrte sich zu wappnen und zu schützen gewohnt sind, helfen der Sache in keiner Weise. Worte zwingen den Verstand direkt auf, verwirren alles und führen die Menschen zu leeren und unzähligen Auseinandersetzungen und Interpretationen.

Schließlich gibt es Idole, die sich in den Seelen der Menschen aus verschiedenen Dogmen der Philosophie sowie aus den perversen Beweisgesetzen verwurzelt haben. Wir nennen sie Theater Idole, denn wir glauben, dass so viele philosophische Systeme akzeptiert oder erfunden werden, wie viele Komödien inszeniert und gespielt werden, die fiktive und künstliche Welten darstellen. Wir sagen dies nicht nur von den heute existierenden oder einst existierenden philosophischen Systemen, da Märchen dieser Art zu einer Vielzahl kombiniert und komponiert werden konnten; denn im allgemeinen haben sehr verschiedene Fehler fast dieselben Ursachen. Damit meinen wir nicht nur allgemeine philosophische Lehren, sondern auch zahlreiche Prinzipien und Axiome der Wissenschaften, die durch Tradition, Glauben und Sorglosigkeit gestärkt wurden. Jede dieser Arten von Idolen sollte jedoch genauer und definitiv getrennt gesagt werden, um den Verstand des Menschen zu warnen.

Der menschliche Geist nimmt aufgrund seiner Neigung leicht mehr Ordnung und Einheitlichkeit in den Dingen an, als er sie vorfindet. Und während vieles in der Natur singulär und völlig unähnlich ist, erfindet er Parallelen, Entsprechungen und Beziehungen, die es nicht gibt. Daher das Gerücht, dass sich alles in den Himmeln in perfekten Kreisen bewegt\...\

Der Verstand des Menschen zieht alles an, um das zu unterstützen und mit dem übereinzustimmen, was er einmal akzeptiert hat, sei es, weil es ein Gegenstand des gemeinsamen Glaubens ist, oder weil es ihm gefällt. Unabhängig von der Stärke und Anzahl der gegenteiligen Tatsachen bemerkt der Verstand sie entweder nicht oder vernachlässigt sie oder weist sie zurück und weist sie durch Unterscheidungskraft mit einem großen und schädlichen Vorurteil zurück, so dass die Zuverlässigkeit dieser früheren Schlussfolgerungen intakt bleibt . Und deshalb hat er richtig geantwortet, der, als sie ihm die im Tempel ausgestellten Bilder der durch ein Gelübde vor dem Schiffbruch geretteten zeigten und gleichzeitig eine Antwort suchten, ob er nun die Macht der Götter erkenne, fragte der Reihe nach: „Wo sind die Bilder derer, die umgekommen sind, nachdem sie ein Gelübde abgelegt hatten? Dies ist die Grundlage" fast aller Aberglauben - in der Astrologie, in Träumen, in Überzeugungen, in Vorhersagen und dergleichen. Menschen, die sich dieser Art von Aufhebens hingeben, bemerken das wahr gewordene Ereignis und ignorieren das betrogene, obwohl letzteres viel häufiger vorkommt. Dieses Übel dringt noch tiefer in die Philosophie und die Wissenschaften ein. In ihnen infiziert und unterjocht das einmal Erkannte den Rest, auch wenn dieser viel besser und stärker ist. Selbst wenn diese Voreingenommenheit und Eitelkeit, die wir angedeutet haben, nicht vorhanden waren, wird der menschliche Geist außerdem ständig getäuscht, dass er positiven Argumenten zugänglicher ist als negativen, während er in Gerechtigkeit beide gleich behandeln sollte; mehr noch, bei der Konstruktion aller wahren Axiome hat das negative Argument große Kraft.

Der menschliche Geist wird am meisten von dem beeinflusst, was ihn sofort und plötzlich treffen kann; das ist es, was normalerweise die Vorstellungskraft erregt und erfüllt. Den Rest verwandelt er unmerklich und stellt sich ihn vor wie das Wenige, das seinen Geist beherrscht. Sich fernen und heterogenen Argumenten zuzuwenden, mit denen die Axiome wie in Flammen auf die Probe gestellt werden, dazu ist der Verstand im Allgemeinen nicht geneigt und nicht in der Lage bis strenge Gesetze und starke Autorität es ihm diktieren.

Der menschliche Geist ist gierig. Er kann weder anhalten noch ruhen, sondern eilt immer weiter. Aber vergeblich! Daher vermag das Denken nicht die Grenze und das Ende der Welt zu erfassen, sondern repräsentiert immer wie notwendigerweise etwas noch weiter Vorhandenes. \...\ Diese Ohnmacht des Geistes führt zu viel schädlicheren Ergebnissen bei der Entdeckung von Ursachen, denn obwohl die allgemeinsten Prinzipien in der Natur so existieren müssen, wie sie gefunden wurden, und in Wirklichkeit keine Ursachen haben, so doch der menschliche Geist, Ich kenne keine Ruhe und suche hier nach berühmteren. Und so kehrt er, nach dem Weiteren strebend, zu dem zurück, was ihm näher ist, nämlich zu Endursachen, die ihren Ursprung mehr in der Natur des Menschen als in der Natur des Universums haben, und von dieser Quelle ausgehend sie haben die Philosophie auf erstaunliche Weise verzerrt. Aber wer Ursachen für das Allgemeine sucht, philosophiert leichtfertig und unwissend, ebenso wie derjenige, der keine niederen und untergeordneten Ursachen sucht.

Der menschliche Geist ist kein trockenes Licht, er ist mit Willen und Leidenschaften gesprenkelt, und dies lässt in der Wissenschaft das entstehen, was für alle wünschenswert ist. Ein Mensch glaubt eher an die Wahrheit dessen, was er bevorzugt. Er lehnt das Schwierige ab - weil es keine Geduld gibt, das Studium fortzusetzen; nüchtern - weil es Hoffnung fesselt; das Höchste in der Natur ist auf Aberglauben zurückzuführen; das Licht der Erfahrung - wegen Arroganz und Verachtung dafür, damit sich nicht herausstellt, dass der Geist in Niedrigkeit und Zerbrechlichkeit eingetaucht ist; Paradoxien - wegen der konventionellen Weisheit. Auf unendlich viele Arten, manchmal unmerklich, beschmutzen und verderben Leidenschaften den Geist.

Aber die Verwirrung und die Täuschungen des menschlichen Geistes stammen zum größten Teil aus Trägheit, Widersprüchlichkeit und Täuschung der Sinne, denn das, was die Sinne erregt, wird dem vorgezogen, was die Sinne nicht unmittelbar erregt, selbst wenn letzteres besser ist. Daher hört die Kontemplation auf, wenn das Sehen aufhört, so dass die Beobachtung unsichtbarer Dinge unzureichend ist oder ganz fehlt. Daher bleibt die ganze Bewegung der Geister, eingeschlossen in greifbaren Körpern, verborgen und den Menschen unzugänglich. Ebenso bleiben subtilere Transformationen in den Teilen fester Körper verborgen - was üblicherweise als Veränderung bezeichnet wird, während es sich eigentlich um die Bewegung kleinster Teilchen handelt. In der Zwischenzeit kann ohne Forschung und Aufklärung dieser beiden Dinge, von denen wir gesprochen haben, in praktischer Hinsicht nichts Bedeutendes in der Natur erreicht werden. Darüber hinaus ist die eigentliche Natur der Luft und aller Körper, die feiner als Luft sind (und es gibt viele davon), fast unbekannt. Das Gefühl an sich ist schwach und verblendet, und die Instrumente, die dazu bestimmt sind, die Sinne zu stärken und zu schärfen, sind von geringem Wert. Die genaueste Deutung der Natur wird durch Beobachtungen in geeigneten, zweckmäßig angesetzten Experimenten erreicht. Hier urteilt das Gefühl nur über die Erfahrung, während die Erfahrung über die Natur und die Sache selbst urteilt.

Der menschliche Geist wird von Natur aus zum Abstrakten hingezogen und hält das Fluid für beständig. Aber es ist besser, die Natur in Teile zu zerlegen, als zu abstrahieren. Das tat die Schule des Demokrit, die tiefer als andere in die Natur eindrang. Man sollte die Materie, ihren inneren Zustand und ihre Zustandsänderung, die reine Aktion und das Gesetz der Aktion oder Bewegung mehr studieren, denn Formen sind Erfindungen der menschlichen Seele, es sei denn, diese Aktionsgesetze werden Formen genannt.

Das sind die Idole, die wir anrufen Idole der Familie. Sie kommen entweder von der Einförmigkeit der Substanz des menschlichen Geistes oder von seinem Vorurteil oder von seinen Beschränkungen oder von seiner unerbittlichen Bewegung oder von der Suggestion der Leidenschaften oder von der Unfähigkeit der Sinne oder von der Mode der Wahrnehmung.

Höhlen-Idole kommen von den inhärenten Qualitäten sowohl der Seele als auch des Körpers, sowie von der Erziehung, von Gewohnheiten und Unfällen. Obwohl diese Art von Idolen vielfältig und zahlreich ist, werden wir doch auf diejenigen von ihnen hinweisen, die die größte Vorsicht erfordern und am besten geeignet sind, den Geist zu verderben und zu verschmutzen.

Die Menschen lieben entweder diese besonderen Wissenschaften und Theorien, für deren Autoren und Erfinder sie sich halten, oder diejenigen, in die sie die meiste Arbeit investiert haben und an die sie am meisten gewöhnt sind. Wenn sich solche Menschen der Philosophie und allgemeinen Theorien widmen, dann verzerren und verderben sie diese unter dem Einfluss ihrer bisherigen Entwürfe. \...\

Der größte und sozusagen grundlegende Unterschied zwischen den Köpfen in Bezug auf Philosophie und Wissenschaften ist der folgende. Einige Geister sind stärker und fitter darin, die Unterschiede in den Dingen zu bemerken, andere darin, die Ähnlichkeiten der Dinge zu bemerken. Harte und scharfe Köpfe können ihre Reflexionen fokussieren, verweilen und bei jeder Feinheit des Unterschieds verweilen. Und erhabene und bewegliche Geister erkennen und vergleichen die subtilsten Ähnlichkeiten der Dinge, die überall innewohnen. Aber beide Gedanken gehen leicht zu weit, wenn sie entweder nach Teilungen der Dinge oder nach Schatten suchen.

Betrachtungen der Natur und der Körper in ihrer Einfachheit pulverisieren und entspannen den Geist; Die Betrachtung der Natur und der Körper in ihrer Komplexität und Konfiguration betäubt und lähmt den Geist. \...\ Daher müssen diese Betrachtungen abwechseln und einander ersetzen, damit der Geist sowohl durchdringend als auch empfänglich wird und um die Gefahren, die wir angedeutet haben, und die Götzen, die daraus resultieren, zu vermeiden.

Vorsicht bei der Kontemplation muss so sein, dass die Idole der Höhle verhindert und verbannt werden, die überwiegend entweder aus der Dominanz vergangener Erfahrungen oder aus einem Übermaß an Vergleich und Trennung oder aus einer Neigung zum Zeitlichen oder aus der Weite stammen und Bedeutungslosigkeit von Gegenständen. Überhaupt sei jedem, der über die Natur der Dinge nachdenkt, das zweifelhaft, was ihn besonders stark ergriffen und gefesselt hat. Bei solchen Vorlieben ist große Sorgfalt erforderlich, damit der Geist ausgeglichen und rein bleibt.

Aber das Schlimmste überhaupt Idole des Platzes die zusammen mit Wörtern und Namen in den Geist eindringen. Die Menschen glauben, dass ihr Verstand Worte befiehlt. Aber es kommt auch vor, dass Worte ihre Macht gegen die Vernunft richten. Dies hat die Wissenschaften und die Philosophie sophistisch und wirkungslos gemacht. Der größte Teil der Wörter hat jedoch seinen Ursprung in der allgemeinen Meinung und trennt die Dinge innerhalb der Grenzen, die für den Verstand der Menge am offensichtlichsten sind. Wenn ein schärferer Verstand und eine sorgfältigere Beobachtung diese Grenzen neu definieren wollen, damit sie mehr im Einklang mit der Natur stehen, werden Worte zu einem Hindernis. Daraus folgt, dass die lauten und feierlichen Streitereien der Wissenschaftler oft in Wort- und Namensstreitigkeiten ausarten, und es wäre klug (nach der Gewohnheit und Weisheit der Mathematiker), mit ihnen zu beginnen, um sie durch Definitionen zu ordnen. Aber selbst solche Definitionen von natürlichen und materiellen Dingen können diese Krankheit nicht heilen, denn die Definitionen selbst bestehen aus Wörtern, und Wörter erzeugen Wörter, so dass es notwendig wäre, auf bestimmte Beispiele, ihre Reihen und Reihenfolge einzugehen, wie ich werde ich gleich sagen, wenn ich mich der Methode und dem Weg der Aufstellung von Begriffen und Axiomen zuwende.

Idole des Theaters sind nicht angeboren und dringen nicht heimlich in den Verstand ein, sondern werden von fiktiven Theorien und perversen Beweisgesetzen offen übermittelt und wahrgenommen. Ein Versuch, sie zu widerlegen, wäre jedoch entschieden unvereinbar mit dem, was wir gesagt haben. Denn wenn wir uns in der Begründung oder in den Beweisen nicht einig sind, dann gibt es kein besseres Argument. Die Ehre der Alten bleibt unangetastet, nichts wird ihnen genommen, denn die Frage betrifft nur den Weg. Wie sie sagen, übertrifft der Lahme, der auf der Straße geht, denjenigen, der ohne Straße läuft. Es ist auch offensichtlich, dass je wendiger und schneller der Läufer auf der Straße ist, desto mehr Irrwege werden sein.

Unsere Art, die Wissenschaften zu entdecken, ist so, dass sie der Schärfe und Stärke der Talente wenig überlässt, sondern sie fast gleichmacht. So wie beim Zeichnen einer geraden Linie oder beim Beschreiben eines perfekten Kreises bedeuten Festigkeit, Geschick und Prüfung der Hand viel, wenn Sie nur Ihre Hand verwenden, bedeutet es wenig oder nichts, wenn Sie einen Kompass und ein Lineal verwenden. So ist es mit unserer Methode. Obwohl hier gesonderte Widerlegungen nicht erforderlich sind, muss jedoch etwas über die Arten und Klassen dieser Art von Theorie gesagt werden. Dann auch über die äußeren Anzeichen ihrer Schwäche und schließlich über die Gründe für eine so unglückliche lange und universelle Übereinstimmung im Irrtum, damit der Zugang zur Wahrheit weniger schwierig wäre und damit der menschliche Geist bereiter wäre, sich zu reinigen selbst und lehnen Idole ab.

Die Idole des Theaters oder Theorien sind zahlreich, und es kann mehr geben, und eines Tages werden es vielleicht noch mehr sein. Wenn sich viele Jahrhunderte lang die Köpfe der Menschen nicht mit Religion und Theologie beschäftigt hätten und wenn die zivilen Behörden, insbesondere die monarchischen, solchen Neuerungen, auch spekulativen, nicht entgegengetreten wären und sich diesen Neuerungen zugewandt hätten, würden die Menschen nicht in Gefahr geraten und würden es tun keinen Schaden erleiden Wohlbefinden, nicht nur keine Auszeichnungen erhalten, sondern auch Verachtung und Böswilligkeit ausgesetzt, dann zweifellos viel mehr philosophisch und Theoretische Schulen wie jene, die einst bei den Griechen in großer Vielfalt blühten. Ebenso viele Annahmen können über die Phänomene des Himmelsäthers gemacht werden, ebenso und in noch größerem Maße können über die Phänomene der Philosophie verschiedene Dogmen gebildet und konstruiert werden. Die Fiktionen dieses Theaters sind wie die Theater der Dichter, wo Geschichten, die für die Bühne erfunden wurden, harmonischer und schöner sind und eher die Wünsche aller befriedigen als wahre Geschichten aus der Geschichte.

Der Inhalt der Philosophie hingegen wird im Allgemeinen dadurch gebildet, dass aus wenig viel oder aus viel wenig abgeleitet wird, so dass in beiden Fällen die Philosophie auf einer zu engen erfahrungs- und naturgeschichtlichen Grundlage aufgestellt ist und Entscheidungen trifft von weniger als es sollte. So entreißen Philosophen einer rationalistischen Richtung der Erfahrung verschiedene und triviale Tatsachen, ohne sie genau zu kennen, aber sie sorgfältig studiert und abgewogen zu haben. Alles andere legen sie auf die Reflexionen und Aktivitäten des Geistes.

Es gibt eine Reihe anderer Philosophen, die, nachdem sie einige Experimente fleißig und sorgfältig bearbeitet haben, es gewagt haben, ihre Philosophie daraus zu erfinden und abzuleiten, und alles andere in Bezug auf sie auf erstaunliche Weise pervertiert und interpretiert haben.

Es gibt auch eine dritte Klasse von Philosophen, die unter dem Einfluss von Glauben und Ehrfurcht Theologie und Tradition mit Philosophie vermischen. Die Eitelkeit einiger von ihnen hat den Punkt erreicht, an dem sie die Wissenschaften von Geistern und Genies ableiten. Die Wurzel der Irrtümer der falschen Philosophie ist also dreifach: Sophistik, Empirismus und Aberglaube.

\...\ Wenn sich die Menschen, angeregt durch unsere Anweisungen und nach dem Abschied von sophistischen Lehren, ernsthaft mit Erfahrungen beschäftigen, dann, aufgrund der vorzeitigen und vorschnellen Begeisterung des Geistes und seines Verlangens, zum Allgemeinen und zu den Prinzipien von Vielleicht geht von solchen Philosophien eine große Gefahr aus . Vor diesem Übel müssen wir jetzt warnen. Wir haben also bereits über bestimmte Arten von Idolen und ihre Manifestationen gesprochen. Sie alle müssen durch eine feste und feierliche Entscheidung zurückgewiesen und beiseite geschoben werden, und der Geist muss vollständig von ihnen befreit und gereinigt werden. Der Eintritt in das Königreich der Menschen, basierend auf den Wissenschaften, sollte fast derselbe sein wie der Eintritt in das Himmelreich, "wo es niemandem gegeben ist, einzutreten, ohne wie Kinder zu werden".

№ 14 Die Ära der Wiederbelebung Westeuropas. Wiedergeburt- dies ist eine Periode in der kulturellen und ideologischen Entwicklung der Länder West- und Mitteleuropas. Die Renaissance manifestierte sich am deutlichsten in Italien, weil. in Italien gab es (mit Ausnahme des Südens) keinen einheitlichen Staat. Die Hauptform der politischen Existenz - kleine Stadtstaaten mit republikanischer Regierungsform, Feudalherren, die mit Bankiers, wohlhabenden Kaufleuten und Industriellen verschmolzen sind. Daher nahm in Italien der Feudalismus in seiner vollen Form keine Gestalt an. Die Situation der Rivalität zwischen den Städten stellte an erster Stelle nicht die Herkunft, sondern persönliche Fähigkeiten und Vermögen. Es brauchte nicht nur tatkräftige und unternehmungslustige Menschen, sondern auch gebildete Menschen. Daher zeigt sich in Bildung und Weltanschauung eine humanistische Richtung. Revival wird normalerweise in Early (Anfang 14 - Ende 15) und High (Ende 15 - Erstes Viertel von 16.) unterteilt. Die größten Künstler Italiens gehören dieser Ära an - Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti(1475 -1564) und Raffael Santi(1483 - 1520). Diese Teilung gilt direkt für Italien, und obwohl die Renaissance auf der Apenninenhalbinsel ihren Höhepunkt erreichte, breitete sich ihr Phänomen auf andere Teile Europas aus. Ähnliche Prozesse werden nördlich der Alpen genannt « Nördliche Renaissance ». Ähnliche Prozesse fanden in Frankreich und in den Städten Deutschlands statt. Der mittelalterliche Mensch und die Menschen der Neuzeit suchten ihre Ideale in der Vergangenheit. Im Mittelalter glaubten die Menschen, dass sie weiter lebten. Das Römische Reich setzte sich fort, und die kulturelle Tradition: Latein, das Studium der römischen Literatur, der Unterschied war nur im religiösen Bereich zu spüren. Doch in der Renaissance änderte sich der Blick auf die Antike, die etwas grundlegend anderes sah als das Mittelalter, vor allem das Fehlen der allumfassenden Macht der Kirche, der geistigen Freiheit und der Einstellung zum Menschen als Mittelpunkt des Universums. Es waren diese Ideen, die im Weltbild der Humanisten zentral wurden. Die mit den neuen Entwicklungstendenzen so übereinstimmenden Ideale ließen den Wunsch aufkommen, die Antike vollständig wiederzubeleben, und gerade Italien mit seiner großen Zahl römischer Altertümer wurde dafür zum fruchtbaren Boden. Die Renaissance manifestierte sich und ging als eine Zeit des außergewöhnlichen Aufstiegs der Kunst in die Geschichte ein. Dienten früher Kunstwerke kirchlichen Interessen, waren sie also Kultobjekte, so werden heute Werke zur Befriedigung ästhetischer Bedürfnisse geschaffen. Die Humanisten glaubten, dass das Leben Freude bereiten sollte, und die mittelalterliche klösterliche Askese wurde von ihnen abgelehnt. Eine große Rolle bei der Bildung der Ideologie des Humanismus spielten solche italienischen Schriftsteller und Dichter, als Dante Alighieri (1265 - 1321), Francesco Petrarca (1304 - 1374), Giovanni Boccaccio(1313 - 1375). Tatsächlich waren sie, insbesondere Petrarca, die Begründer sowohl der Renaissanceliteratur als auch des Humanismus selbst. Humanisten empfanden ihre Ära als eine Zeit des Wohlstands, des Glücks und der Schönheit. Dies bedeutet jedoch nicht, dass es frei von Kontroversen war. Der Hauptgrund war, dass es die Ideologie der Elite blieb, neue Ideen drangen nicht in die Massen der Menschen ein. Und die Humanisten selbst waren manchmal pessimistisch gestimmt. Angst vor der Zukunft, Enttäuschung über die menschliche Natur, die Unmöglichkeit, ein Ideal in der Gesellschaftsstruktur zu erreichen, durchziehen die Stimmungen vieler Persönlichkeiten der Renaissance. Am aufschlussreichsten in diesem Sinne war vielleicht die angespannte Erwartung Weltuntergang im Jahr 1500. Die Renaissance legte den Grundstein für eine neue europäische Kultur, eine neue europäische säkulare Weltanschauung, eine neue europäische unabhängige Persönlichkeit.

Einführung

Die Renaissance ist eine qualitativ neue Etappe in der Geschichte der westeuropäischen Kultur. Sein Wesen ist der Übergang von der Ära der mittelalterlichen Weltanschauung zur Kultur der Neuzeit. Dieser Übergang vollzog sich in allen Bereichen des Weltbildes und Weltbildes des Menschen – in Wissenschaft, Religion, Kunst.

Renaissance, eine Ära in der Geschichte der europäischen Kultur des 13. bis 14. Jahrhunderts, die den Beginn des Neuen Zeitalters markierte. Selbstbestimmt verlief die Wiederbelebung vor allem im Bereich des künstlerischen Schaffens. Als Epoche der europäischen Geschichte ist sie von vielen bedeutenden Meilensteinen geprägt - darunter die Stärkung der wirtschaftlichen und sozialen Freiheiten der Städte, die geistige Suche, die schließlich zur Reformation und zum Bauernkrieg in Deutschland führte, die Bildung einer absolutistischen Monarchie ( das größte in Frankreich), der Beginn des Zeitalters der Entdeckungen, die Erfindung des europäischen Buchdrucks, die Entdeckung des heliozentrischen Systems in der Kosmologie usw. Ihr erstes Anzeichen war jedoch, wie es den Zeitgenossen schien, das „Aufblühen der Künste“ nach langen Jahrhunderten des mittelalterlichen „Niedergangs“, ein Aufblühen, das alte künstlerische Weisheit „wiederbelebte“, in diesem Sinne ist das Wort rinascita (von die der französischen Renaissance und all ihren europäischen Analoga entstammen) wird zum ersten Mal verwendet.) J. Vasari. Die Periodisierung der Entwicklungsstufen der Renaissance in Italien und in Ländern nördlich der Alpen fällt in der Regel nicht zusammen. Der allgemein akzeptierte, aber bedingte Begriff der „nördlichen Renaissance“ wird in Analogie zur italienischen Renaissance auf die Kultur und Kunst Deutschlands, der Niederlande und Frankreichs übertragen. Eines der Hauptmerkmale der künstlerischen Kultur dieser Länder ist ihre genetische Verbindung mit der Kunst der Spätgotik. Die Ursprünge der "nördlichen Renaissance" sollten an der Wende des 14. und 15. Jahrhunderts gesucht werden. in Burgund.

Im XV Jahrhundert. Unter den nordeuropäischen Kunstschulen nahm die niederländische Malerei den Spitzenplatz ein. Die Malerei der nördlichen Renaissance ist interessant für ihre detaillierte Beschreibung der Oberflächen von Objekten, die durch genau bemerkte und erfolgreich angewendete Lichteffekte erreichte Plastizität und die seit der Antike nicht mehr gesehene Natürlichkeit. Am deutlichsten drückte sich diese "Kulturrevolution" in einer Änderung der Ziele und Methoden aus Kreative Aktivitäten. Neue Methoden der wissenschaftlichen Erkenntnisgewinnung und Bildung, ein neues visuelles System in der Malerei, neue Gattungen in der Literatur, neue Formen des Sozialverhaltens. Es entstand ein Dialog zwischen antiker Philosophie und Ästhetik, dem christlichen Weltbild und dem realistischen Bewusstsein der werdenden bürgerlichen Gesellschaft. In diesem Dialog wurde die Harmonie des Realen und Idealen, des Materiell-Natürlichen und des Spirituell-Göttlichen geboren, eine neue Art von ästhetischem Bewusstsein wurde geboren.

Selbst dem Uneingeweihten ist bekannt, dass das Phänomen der Renaissance zuerst in Italien entstand, Gestalt annahm und eine beispiellose Pracht erreichte (sie manifestierte sich am deutlichsten). Obwohl daran erinnert werden sollte, dass nach allgemeiner Anerkennung der meisten modernen Forscher der Begriff "Renaissance-Kultur" nicht identisch, nicht äquivalent ist mit dem Konzept der "Renaissance-Kultur", da sich das erste dieser Konzepte auf die neue, eigentliche Renaissance bezieht Phänomene. Und die zweite ist viel umfassender und umfasst (zusammen mit der Kultur der Renaissance) andere kulturelle Phänomene ihrer Zeit (einschließlich der kulturellen Prozesse des Mittelalters, der Zeit außerhalb der Renaissance, die weiter existierten. Wir sollten nicht vergessen, dass der chronologische Rahmen der Renaissance ist nicht dasselbe für verschiedene Regionen Westeuropas und sogar die Sphären der Kultur).

Italien ist der Geburtsort der klassischen Renaissance. Chronologischer Rahmen Italienische Renaissance- 30-40s. XIV Jahrhundert (oder ab Mitte des 11. Jahrhunderts) - Ende des 16. Jahrhunderts. (oder die ersten Jahrzehnte des 17. Jahrhunderts). Renaissance in anderen Ländern Westeuropas - wie Französisch, Deutsch, Niederländisch oder die sogenannte Nordrenaissance (in der ausländischen Wissenschaft bedeutet Nordeuropa traditionell Länder und Gebiete, die nördlich der Alpen liegen, dh nördlich von Italien - die Niederlande, Frankreich, Deutschland usw.). Daher das Konzept der "Nördlichen Renaissance", das auf die Kultur und Kunst dieser Länder angewendet wird und weniger den Charakter einer geografischen als vielmehr einer historischen, kulturellen und künstlerischen Definition hat.

Der Zweck dieser Kursarbeit ist es, die Merkmale der Renaissance zu analysieren, die am stärksten in Italien des 12. bis 16. Jahrhunderts zum Ausdruck kommen. Im Laufe des Studiums gilt es, innovative Merkmale im Bereich Architektur, Bildhauerei und Malerei der prominentesten Vertreter zu identifizieren.

Literatur zum Forschungsthema studieren;

die Merkmale der Kunst der Renaissance beschreiben;

analysieren das Werk von Filippo Brunneleschi, Donatello, Masaccio, Jan van Eyck, Hieronymus Bosch, Pieter Brueghel, Albrecht Dürer.

Der Aufbau der Arbeit - Kursarbeit besteht aus einer Einleitung, 2 Kapiteln, Schlussfolgerungen und Anwendungen. Die Einleitung beschreibt kurz die Hauptaspekte der gesamten Studie und legt Ziele und Zielsetzungen fest. Kapitel I beschreibt allgemeine Bedeutung die Renaissance, die Probleme in der Kunst dieser Epoche, auch die Innovationen, die Künstler in der Kunst gemacht haben. Kapitel II untersucht die Kultur der nördlichen Renaissance, „Traditionalismus“ und „Romantik“ in der Malerei der Niederlande sowie die Erscheinungsformen der Renaissance in Deutschland und Frankreich.

1. Renaissance - neues Aussehen Frieden in der Kultur

.1 Allgemeine Probleme der europäischen Renaissancekunst

In der damaligen europäischen Kultur werden die Askese und der Dogmatismus des Mittelalters durch neue Empfindungen des Sinns des Lebens ersetzt, durch die weiten Möglichkeiten des menschlichen Geistes und Erlebens. Die Formen der Antike erscheinen zuerst in der Architektur italienischer Städte, in den Innenräumen von Gebäuden. Meister der italienischen Renaissance schaffen wunderschöne Tempel, Theater, Paläste in Florenz, Venedig, Siena, Mantua und anderen Italienische Städte. Unter dem Einfluss der örtlichen Gegebenheiten nehmen deutlich unterscheidbare italienische, französische, niederländische, deutsche, englische und spanische Varianten des neuen Stils Gestalt an.

Die Formensprache der antiken Kunst wurde in den Dienst der Ideale der neuen Zeit gestellt. Der aufkommende neue Baustil erwies sich wie der altrömische als sehr eklektisch, und seine formalen Elemente waren eindeutig dem Arsenal griechisch-römischer Orden entlehnt. Die ruhigen horizontalen Formteilungen der Bauten der neuen Architektur stehen nun den aufstrebenden Linien der Gotik gegenüber. Dächer werden flach; Anstelle von Türmen und Spitzen erscheinen häufig Kuppeln, Trommeln, Segel, Doppelordnungen usw.

Das Problem der Renaissance besteht darin, dass sich die im Bereich der Kunst so kraftvoll und großartig verwirklichte Einstellung zur Individualität später als destruktiv für das soziale und politische Leben der Gesellschaft herausstellte. Die spontane Selbstbejahung der Individualität erwies sich oft als sehr weit entfernt vom edlen Erweckungshumanismus. Hier verwandelt sich Individualität in einen ausgeprägten Individualismus, eine zoologische Behauptung nur der eigenen Bedürfnisse und Wünsche, eine allmähliche Degradation humanistischer Moral in verschiedene Formen von Situationsethik. Die Probleme der Bürgerpflicht, der hohen moralischen Qualitäten, des Heldentums, des Bildes eines harmonisch entwickelten, stark im Geist und der Körper eines menschlichen Helden, der es geschafft hat, sich über das Niveau des Alltags zu erheben. Die Kunst der Hochrenaissance verzichtet im Namen eines Gesamtbildes auf Kleinigkeiten und strebt nach Harmonie der schönen Seiten des Lebens. Entwicklung Porträtgemälde und wird zu einer der wichtigsten Errungenschaften der Renaissance.

Eine Person hat nur dann einen Reflexionsspiegel, wenn eine äußere Grenze gezogen wird, eine Grenze, aufgrund derer die Anstrengung der Selbsterkenntnis beginnt. Das Renaissance-Individuum ist zuallererst ein natürliches, sich spontan selbst zum Ausdruck bringendes Wesen.

Es ist nicht schwer, eine ähnliche Parallele zu unserer modernen Gesellschaft zu ziehen. Das erhabene Ideal eines Menschen, der nicht nur Patriotismus, sondern auch Pflichtgefühl, Gewissen und Moral besitzt, das so lange von der sowjetischen Ideologie geprägt wurde, ist einem Menschen gewichen, der nach materiellen Gütern strebt und sich nach leichtem und schnellem Gewinn sehnt , fleischliche Freuden. Ausschweifung und Eigenwille, Übersättigung und Individualismus (wenn jeder für sich ist) - Dies ist eine bei weitem nicht vollständige Liste von Merkmalen, die sowohl dem modernen Menschen als auch dem Menschen der Renaissance innewohnen.

1.2 Innovative Merkmale in Architektur, Malerei und Bildhauerei in Italien

Die Renaissance hat ihren Ursprung in Italien und durchlief mehrere Phasen, während sie einen großen Einfluss auf die Kunst und Kultur anderer westeuropäischer Länder hatte. In der Kunstgeschichte können wir über die Entwicklung der bildenden Kunst und Skulptur im Rahmen der Frührenaissance im 14. Jahrhundert sprechen. In der Architekturgeschichte ist das anders. Aufgrund der Wirtschaftskrise des 14. Jahrhunderts begann die Renaissance in der Architektur erst zu Beginn des 15. Jahrhunderts und dauerte in Italien bis Anfang des 17. Jahrhunderts und länger darüber hinaus.

Durch die Fülle an talentierten Handwerkern, den Umfang des künstlerischen Schaffens, war Italien im 15. Jahrhundert allen anderen europäischen Ländern voraus. Die Ideen der Renaissance bedeuteten nicht nur eine Veränderung Stilrichtungen und Kunstgeschmack, sondern führte auch zu tiefgreifenden Veränderungen in allen Bereichen des Lebens dieser Gesellschaft.

Filippo Brunelleschi. (1337-1446) - einer der größten italienischen Architekten des 15. Jahrhunderts. Es schlägt ein neues Kapitel in der Geschichte der Architektur auf -

Entstehung des Renaissancestils. Die innovative Rolle des Meisters wurde sogar von seinen Zeitgenossen bemerkt. Als Leon Battista Alberti 1434 in Florenz ankam, war er beeindruckt von dem Erscheinen von Künstlern, die "keinen der alten und berühmten Meister der Kunst" nachstanden. Den ersten unter diesen Künstlern nannte er Brunelleschi. Laut dem frühesten Biografen des Meisters, Antonio Manetti, „erneuerte und brachte Brunelleschi jenen Architekturstil in Umlauf, der als römisch oder klassisch bezeichnet wird“, während sie vor ihm und zu seiner Zeit nur in „deutscher“ oder „moderner“ Bauweise bauten ( das heißt, gotische) Weise. Hundert Jahre später argumentierte Vasari, der große Florentiner Architekt sei auf die Welt gekommen, „um der Architektur eine neue Form zu geben“.

Brunelleschi brach mit der Gotik und stützte sich weniger auf antike Klassiker als vielmehr auf die Architektur der Proto-Renaissance und die nationale Tradition der italienischen Architektur, die Elemente der Klassiker während des gesamten Mittelalters bewahrte. Brunelleschis Werk steht an der Wende zweier Epochen: Gleichzeitig vollendet es die Tradition der Proto-Renaissance und legt den Grundstein für einen neuen Weg in der Entwicklung der Architektur.

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts widmeten die florentinischen Herrscher, Zunftorganisationen und Kaufmannszünfte der Vollendung des Baus und der Dekoration der Florentiner Kathedrale Santa Maria del Fiore große Aufmerksamkeit. Im Grunde war das Gebäude bereits errichtet, aber die im 14. Jahrhundert geplante riesige Kuppel wurde nicht realisiert. Seit 1404 war Brunelleschi an der Ausarbeitung der Kuppel beteiligt. Am Ende erhielt er den Auftrag, die Arbeit auszuführen und wurde ihr Leiter. Die Hauptschwierigkeit, mit der der Meister konfrontiert war, wurde durch die gigantische Größe der Spannweite des Mittelkreuzes (über 48 Meter) verursacht, die besondere Anstrengungen erforderte, um das Spreizen zu erleichtern. Durch die Anwendung eines genialen Designs löste Brunelleschi das Problem, indem er, mit den Worten von Leon Battista Albert, „eine äußerst geniale Erfindung schuf, die in unserer Zeit tatsächlich so unglaublich ist, wie sie nur sein könnte, sie war den Menschen des Altertums unbekannt und unzugänglich ." Die Kuppel wurde 1420 begonnen und 1436 ohne Laterne fertiggestellt, die nach den Zeichnungen von Brunelleschi nach dem Tod des Meisters fertiggestellt wurde. Dieses Werk des Florentiner Architekten markierte den Beginn des Baus der Kuppelkirchen der italienischen Renaissance bis hin zu St. Peter, gekrönt von der Kuppel von Michelangelo.

Eines der Hauptwerke Brunelleschis ist die von ihm wieder aufgebaute Kirche San Lorenzo in Florenz. Er begann damit, eine Seite aufzubauen

Kapelle, die später den Namen der alten Sakristei erhielt, in der er eine Art Renaissance-Zentralbau mit quadratischem Grundriss und einer auf Segeln ruhenden Kuppel schuf. Das Kirchengebäude selbst ist eine dreitägige Basilika.

Die Ideen der Kuppelstruktur, die in der alten Sakristei von San Lorenzo niedergelegt waren, wurden in einer der berühmtesten und vollkommensten Schöpfungen von Brunelleschi weiterentwickelt - der Pazzi-Kapelle (1430-1443). Es zeichnet sich durch die Klarheit der räumlichen Komposition, die Reinheit der Linien, die Eleganz der Proportionen und der Dekoration aus. Der zentrale Charakter des Gebäudes, dessen gesamte Volumen sich um den Kuppelraum gruppieren, die Einfachheit und Klarheit der architektonischen Formen, die harmonische Ausgewogenheit der Teile machen die Pazzi-Kapelle zu einem Fokus der neuen Prinzipien der Renaissance-Architektur. Brunelleschis letzte Werke – das Oratorium der Kirche Santa Maria degli Angeli, die Kirche San Spirito und einige andere – blieben unvollendet.

Neue Strömungen in der bildenden Kunst manifestierten sich zunächst in der Bildhauerei. Zu Beginn des 15. Jahrhunderts zogen große Aufträge zur Dekoration der größten Gebäude der Stadt - der Kathedrale, des Baptisteriums und der Kirche Or San Mekele - aus den reichsten und einflussreichsten Werkstätten und Kaufmannszünften der Stadt viele junge Menschen an Künstler, aus denen bald eine Reihe herausragender Meister hervorgingen.

Donatello (1386-1466) - der große florentinische Bildhauer, der die Meister anführte, die die Blüte der Renaissance einleiteten. In ist-

Im Laufe seiner Zeit agierte er als wahrer Erneuerer.

Basierend auf einem gründlichen Studium der Natur und unter geschickter Nutzung des antiken Erbes war Donatello der erste Meister der Renaissance, der das Problem der stabilen Figureneinstellung löste, um die organische Integrität des Körpers, seine Schwere und Masse zu vermitteln. Seine Arbeit besticht durch die Vielfalt der Neuanfänge. Er hat das Bild der Nacktheit in der Statuenplastik wiederbelebt, den Grundstein für ein skulpturales Porträt gelegt, das erste gegossen bronzenes Denkmal, schuf eine neue Art von Grabstein, versuchte das Problem einer freistehenden Gruppe zu lösen. Er war einer der ersten, der die Theorie in seinen Werken verwendete. Geradlinige Perspektive. Die im Werk Donatellos skizzierten Probleme bestimmten lange Zeit die Entwicklung der europäischen Bildhauerei.

Bereits 1406 führte Donatello den Marmor "David" für die Kathedrale aus (1408-1409, Florenz, Nationalmuseum).

Aufgeben traditionelles Bild König David in Form eines alten Mannes mit einer Leier oder einer Schriftrolle des Islam in den Händen, präsentierte Donatello David als jungen Mann im Moment des Triumphs über den besiegten Goliath. Stolz auf das Bewusstsein seines Sieges stellt sich David auf die Hüften und trampelt mit den Füßen auf dem abgehackten Kopf des Feindes herum. Donatello schuf dieses Bild des biblischen Helden und versuchte, sich auf alte Traditionen zu stützen. Der Einfluss alter Prototypen bei der Interpretation von Gesicht und Haar war besonders auffällig: das Gesicht Davids im Rahmen lange Haare, bedeckt von der Krempe eines Hirtenhutes, ist durch die leichte Neigung des Kopfes fast unsichtbar. Es gibt in dieser Statue - die Inszenierung der Figur, die Biegung des Oberkörpers, die Bewegung der Hände - auch Anklänge an die Gotik. Ein mutiger Impuls, Bewegung, Spiritualität lassen Sie jedoch bereits das Temperament von Donatello spüren.

Donatello strebte in seinen Werken nicht nur nach objektiver Korrektheit der Proportionen und der Konstruktion der Figur, sondern berücksichtigte stets den Eindruck, den eine Statue machen würde, wenn sie an ihrem vorgesehenen Platz aufgestellt würde.

Die Statue von George ist einer der Höhepunkte von Donatellos Werk. Hier schafft er ein zutiefst individuelles Image und verkörpert gleichzeitig das Ideal einer starken Persönlichkeit, kraftvoll und schöne Person, die sehr zeitgemäß war und sich später in vielen Werken der Meister der italienischen Renaissance widerspiegelte. Dies ist ein typisches Merkmal der Kunst der frühen Renaissance, aufgrund des Wunsches des Künstlers, sich vom mittelalterlichen Kanon zu befreien, der die menschliche Persönlichkeit nivellierte.

In der Mitte des Jahrhunderts verliert die Skulptur von Florenz ihren monumentalen Charakter und ihre dramatischen Ausdrucksmerkmale. Weltliche und alltägliche Motive finden immer mehr Verbreitung, ein skulpturales Porträt taucht auf und breitet sich schnell aus.

Die Malerei von Florenz im ersten Drittel des 15. Jahrhunderts ist kontrastreich. Wie in der Bildhauerei vollzieht sich auch hier ein entscheidender Wandel vom bekannten Einfluss der gotischen Kunst der späten Trecento-Kunst zur Kunst der Renaissance. Der Kopf der neuen Richtung war Masaccio, dessen Tätigkeit auf das dritte Jahrzehnt des 15. Jahrhunderts fällt. Seine radikalen und mutigen Neuerungen hinterließen großen Eindruck bei Künstlern, wurden aber nur teilweise akzeptiert.

Masaccio (1401-1428) - ein von Kunst besessener Mann, gleichgültig gegenüber allem, was jenseits seiner Grenzen lag, sorglos und zerstreut, und für diese Zerstreutheit erhielt er den Spitznamen Masaccio, was auf Italienisch Muff bedeutet.

Die Kunst von Giotto sowie der kreative Kontakt mit dem Bildhauer Donatello und dem Architekten Brunelleschi hatten einen großen Einfluss auf den jungen Künstler. Masaccio führte zusammen mit Brunelleschi und Donatello den realistischen Trend in der florentinischen Renaissancekunst an.

Als sein frühestes erhaltenes Werk gilt Madonna mit Kind und der Heiligen Anna und Engeln (um 1420).

1426 malte Masaccio ein großes Altarpolyptychon für die Carline-Kirche in Pisa. Etwa zur gleichen Zeit (1426-1427) in der alten gotischen Kirche Santa Maria Novella in Florenz entstanden, spiegelt das Fresko „Dreifaltigkeit“ eine neue Etappe im Werk Masaccios wider. Bei der Komposition des Freskos wurde erstmals konsequent das linearperspektivische System verwendet, an dem Brunelleschi damals arbeitete. Die ersten Pläne davon sind vom Kreuz mit dem gekreuzigten Christus und den kommenden Maria und Johannes besetzt, im zweiten Plan ist die Gestalt des Gottvaters oben hinter Christus sichtbar.

Die Neuheit von Masaccios Fresken liegt nicht nur an der geschickten Verwendung der linearen Perspektive und den majestätischen Architekturformen der Renaissance, die er malte. Neu waren die Kürze der Komposition, die fast skulpturale Realität der Formen und die Ausdruckskraft der Gesichter.

Eines der berühmtesten Werke Masaccios in der Bracacci-Kapelle ist Die Vertreibung aus dem Paradies. Vor dem Hintergrund einer sparsam umrissenen Landschaft treten deutlich die aus den Toren des Paradieses hervortretenden Figuren von Adam und Eva hervor, über denen ein Engel mit Schwert schwebt. Zum ersten Mal in der Geschichte der Malerei Renaissance-Masaccio schaffte es, einen nackten Körper überzeugend auszuführen, ihm natürliche Proportionen zu geben, ihn fest und stabil auf den Boden zu stellen. In Bezug auf die Ausdruckskraft hat dieses Fresko keine Entsprechungen in der Kunst seiner Zeit.

Die Fresken von Masaccio in der Bracacci-Kapelle sind von nüchternem Realismus durchdrungen. Masaccio erzählt Wunder und beraubt die von ihm dargestellten Szenen jeglicher Mystik. Sein Christus, Petrus und die Apostel sind irdische Menschen, ihre Gesichter sind individualisiert und von menschlichen Gefühlen geprägt, ihre Handlungen werden von natürlichen menschlichen Impulsen diktiert.

Masaccio stapelt die Figuren nicht wie seine Vorgänger in Reih und Glied, sondern gruppiert sie gemäß der Intention seiner Erzählung und platziert sie frei in der Landschaft. Mit Hilfe von Licht und Farbe modelliert er souverän die Formen von Objekten. Außerdem fällt das Licht, wie bei der „Vertreibung aus dem Paradies“, nach der Richtung des natürlichen Lichts, dessen Quelle die rechts hoch gelegenen Fenster der Kapelle sind.

Was von ihm geschaffen wurde, wurde zu einem Wendepunkt in der Geschichte Italienische Malerei. Mehr als ein Jahrhundert nach seinem Tod war die Bracacci-Kapelle ein Wallfahrtsort und eine Schule für Maler.

2. Nationale Identität der Kultur der nördlichen Renaissance

.1 „Traditionalismus“ und „Romanismus“ in der niederländischen Malerei

Ein kleines Land, das das Gebiet des heutigen Belgiens und der Niederlande umfasste, war dazu bestimmt, im 15. Jahrhundert das strahlendste Zentrum der europäischen Kunst in Italien zu werden. Die holländischen Städte waren, obwohl sie politisch nicht unabhängig waren, seit langem reich und stärker geworden, hatten ausgedehnten Handel betrieben und dann die Herstellung von Stoffen, Teppichen und Glas entwickelt. Hauptzentrum internationaler Handel da war das alte Brügge, die poetische Kanalstadt; Ende des 15. Jahrhunderts starb es aus und machte dem lebhaften Antwerpen Platz.

Die gotische Architektur der Niederlande besteht nicht nur aus Tempeln, sondern noch mehr aus Rathäusern, Stadtmauern und -türmen, Kaufmannshäusern.

Und Handwerkszünfte Einkaufszentren, Speicher und schließlich Wohnhäuser eines charakteristischen, alteingesessenen Typs: mit schmalen Fassaden und hohen Dreiecks- oder Treppengiebeln.

Da Kirchen mehr aus Ziegeln als aus Stein gebaut wurden, blieb die Kirchenskulptur erhalten tolle Entwicklung. Klaus Sluter und seine Schüler sind in der niederländischen Kultur eine glänzende Ausnahme geblieben. Seine künstlerische Hauptkraft im Mittelalter manifestierte sich in etwas anderem - in der Miniaturmalerei. Im 15. Jahrhundert erreichte die Miniatur einen hohen Grad an Perfektion, wie aus dem berühmten Stundenbuch des Herzogs von Berry, illustriert von den Brüdern Limburg, hervorgeht.

Den liebevollen, fleißigen, poetischen Blick auf die Welt erbte die große Malerei des 15. Jahrhunderts, begonnen von Jan van Eyck, von der Miniatur. Kleine Bilder, die Manuskripte schmücken, sind zu großen Gemälden herangewachsen, die die Türen von Altären schmücken. Gleichzeitig entstanden neue künstlerische Qualitäten. Es tauchte etwas auf, das nicht klein sein konnte: derselbe konzentrierte Blick auf einen Menschen, auf sein Gesicht, in die Tiefe seiner Augen.

Die Eremitage hat ein Gemälde des prominenten holländischen Meisters Rogier van der Weyden „St. Lukas malt die Madonna“ (der Evangelist Lukas galt als Künstler und Mäzen der Malerwerkstatt). Es enthält viele Kompositionen, die für den niederländischen Favoriten typisch sind: ein Panorama der Stadt und des Kanals, so klein, zart und sorgfältig gemalt, mit zwei nachdenklichen menschlichen Figuren auf der Brücke. Aber das Bemerkenswerteste sind das Gesicht und die Hände von Lukas, der die Madonna „nach der Natur“ malt. Er hat einen besonderen Ausdruck – den vorsichtig und zitternd lauschenden Ausdruck eines Mannes, der ganz in die Kontemplation gegangen ist. So betrachteten die alten niederländischen Meister die Natur.

Gehen wir zurück zu Jan van Eyck. Er begann als Miniaturmaler und arbeitete mit seinem älteren Bruder Hubert zusammen. Den Brüdern van Eyck wurde traditionell die Erfindung der Technik der Ölmalerei zugeschrieben; das ist ungenau - das Verfahren der Verwendung von Pflanzenölen als Bindemittel war bereits bekannt, aber die van Eycks verbesserten es und gaben seiner Verbreitung Auftrieb. Öl verdrängte bald Tempera.

Ölfarben dunkeln mit dem Alter nach. Die alten Gemälde, die wir in Museen sehen, sahen anders aus, als sie auftauchten, viel heller und heller. Aber die Malerei der van Eycks hat wirklich ungewöhnliche technische Qualitäten: Die Farben trocknen nicht aus und behalten ihre Frische über Jahrhunderte. Sie leuchten fast und erinnern an den Glanz von Buntglasfenstern.

Das berühmteste Werk der van Eycks – der große Genter Altar – wurde von Hubert begonnen und nach seinem Tod 1432 von Jan. Die Flügel des grandiosen Altars sind innen und außen in zwei Ebenen bemalt. An den Außenseiten befinden sich eine Verkündigung und kniende Figuren von Spendern (Kunden): So sah der Altar an Wochentagen geschlossen aus. An Feiertagen wurden die Türen aufgerissen, beim Öffnen wurde der Altar sechsmal größer, und vor den Gemeindemitgliedern entstand im ganzen Glanz der Van-Eyck-Farben ein Spektakel, das in der Gesamtheit seiner Szenen verkörpern sollte die Idee der Erlösung menschlicher Sünden und der kommenden Erleuchtung. Oben in der Mitte ist die Deesis - Gott der Vater auf dem Thron mit Maria und Johannes dem Täufer an den Seiten. Diese Zahlen sind größer als das menschliche Wachstum. Dann nackte Adam und Eva im menschlichen Wachstum und Gruppen von musikalischen und singenden Engeln. In der unteren Reihe - eine überfüllte Szene der Anbetung des Lammes, in viel kleinerem Maßstab gelöst, sehr räumlich, unter den weiten blühende Landschaft, und auf den Seitenflügeln - Prozessionen von Pilgern. Die Handlung der Anbetung des Lammes ist der „Offenbarung des Johannes“ entnommen, die besagt, dass nach dem Ende der sündigen Welt die Stadt Gottes auf die Erde herabsteigen wird, in der es keine Nacht geben wird, sondern ewiges Licht, und der Fluss des Lebens „so hell wie Kristall“, und der Baum des Lebens, jeden Monat fruchtbar, und die Stadt ist „reines Gold, wie durchsichtiges Glas“. Das Lamm ist ein mystisches Symbol der Apotheose, die den Gerechten erwartet. Und offensichtlich versuchten die Künstler, all ihre Liebe für die Reize der Erde, für menschliche Gesichter, für Kräuter, Bäume, Gewässer in die Gemälde des Genter Altars einzubringen, um den goldenen Traum ihrer Ewigkeit und Unbestechlichkeit zu verkörpern.

Jan van Eyck war auch ein hervorragender Porträtmaler. In seinem Paarbildnis der Arnolfini-Ehegatten wirkt das Bild des damals recht prätentiös gekleideten einfachen Volkes in einem gewöhnlichen Zimmer mit Kronleuchter, Baldachin, Spiegel und Schoßhund wie eine Art wunderbares Sakrament. Es ist, als würde er die Flamme einer Kerze und das Erröten von Äpfeln und einen konvexen Spiegel anbeten; er ist in jeden Zug des langen, blassen Gesichts von Arnolfini verliebt, der seine sanftmütige Frau an der Hand hält, als würde er eine geheime Zeremonie vollziehen. Sowohl Menschen als auch Gegenstände - alles erstarrte in feierlicher Erwartung, in ehrfürchtigem Ernst; Alle Dinge haben eine verborgene Bedeutung, die auf die Heiligkeit des Ehegelübdes und des Herdes hinweist.

So begann die Alltagsmalerei der Bürger. Diese subtile Skrupellosigkeit, Bequemlichkeitsliebe, fast religiöse Verbundenheit mit der Welt der Dinge. Aber je weiter, desto mehr Prosa kam heraus und Poesie trat zurück. Niemals später wurde das Leben der Bürger in solch poetischen Tönen von Heiligkeit und Würde dargestellt.

Die frühen Bürger der nordischen Länder waren auch nicht so "bürgerlich beschränkt" wie ihre späteren Nachkommen. Freilich, Umfang und Vielseitigkeit der Italiener sind ihm nicht eigen, aber auch im engeren Maßstab der Weltanschauung ist dem Bürger eine besondere Art bescheidener Größe nicht fremd. Schließlich war er es, der Bürger, der die Städte schuf, er verteidigte ihre Freiheit vor den Feudalherren, und er musste sie noch verteidigen vor fremden Monarchen und der habgierigen katholischen Kirche. Auf den Schultern der Bürger lagen große historische Taten, die herausragende Charaktere formten, die neben gesteigertem Respekt vor materiellen Werten auch Resilienz, unternehmerischen Zusammenhalt, Pflicht- und Worttreue, Selbstwertgefühl entwickelten. Wie Thomas Mann sagt, war der Bürger „ein Durchschnittsmensch im höchsten Sinne des Wortes“.

Diese Definition passt nicht zu den Italienern der Renaissance: Sie fühlten sich nicht einmal im hohen Sinne als Durchschnittsmenschen. Arnolfini, dargestellt von Jan van Eyck, war ein in den Niederlanden lebender Italiener; Hätte es ein Landsmann gemalt, wäre das Porträt wahrscheinlich anders ausgefallen. Ein tiefes Interesse am Individuum, an seinem Aussehen und Charakter – das verbindet die Künstler der italienischen und nördlichen Renaissance. Aber sie interessieren sich auf unterschiedliche Weise dafür und sehen unterschiedliche Dinge darin. Die Holländer haben keinen Sinn für Titanismus und Allmacht der menschlichen Person: Sie sehen ihren Wert in der bürgerlichen Integrität, in Eigenschaften, unter denen Demut und Frömmigkeit, das Bewusstsein der eigenen Kleinheit angesichts des Universums jedoch nicht die letzten sind Auch in dieser Demut verschwindet die Würde des Individuums nicht, sondern wird geradezu unterstrichen.

In der Mitte und in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts arbeiteten viele hervorragende Maler in den Niederlanden: der bereits erwähnte Rogier van der Weyden, Dirk Boats, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth Sint Jans. Ihre künstlerischen Individualitäten sind deutlich erkennbar, wenn auch nicht mit dem gleichen Maß an individuellem Stil wie bei den italienischen Quattrocentisten. Sie malten hauptsächlich Altäre und Porträts und malten Staffeleibilder im Auftrag wohlhabender Bürger. Ihre Kompositionen, die von einer sanften, nachdenklichen Stimmung durchdrungen sind, haben einen besonderen Charme. Sie liebten die Verschwörungen von Weihnachten und die Anbetung des Babys, diese Verschwörungen werden von ihnen subtil und naiv gelöst. In „Die Anbetung der Hirten“ von Hugo van der Goes ist das Baby mager und elend, wie jedes neugeborene Kind, die Umgebung schaut es an, hilflos und verdreht, mit tiefer seelischer Zärtlichkeit, die Madonna ist still, wie eine Nonne Sie hebt den Blick nicht, aber man spürt, dass sie voller bescheidenem Mutterstolz ist. Und außerhalb der Gärtnerei sieht man die Landschaft der Niederlande, weit, hügelig, mit kurvenreichen Straßen, seltenen Bäumen, Türmen, Brücken.

Hier gibt es viel Berührendes, aber keine Süße: Die gotische Kantigkeit der Formen fällt auf, etwas von ihrer Starrheit. Die Gesichter der Hirten in van der Goes sind charakteristisch und hässlich, wie es in den Werken der Gotik üblich ist. Sogar Engel - und die sind hässlich.

Niederländische Künstler stellen selten Menschen mit schönen, regelmäßigen Gesichtern und Figuren dar, und auch dies unterscheidet sich von italienischen. Die einfache Überlegung, dass die Italiener, direkte Nachkommen der Römer, im Allgemeinen schöner waren als die blassen und schlaffen Söhne des Nordens, kann natürlich berücksichtigt werden, aber der Hauptgrund ist immer noch nicht das, sondern der Unterschied in das allgemeine künstlerische Konzept. Der italienische Humanismus ist vom Pathos des Großen im Menschen und einer Leidenschaft für klassische Formen durchdrungen, die Holländer poetisieren den „Durchschnittsmann“, mit klassischer Schönheit und harmonischen Proportionen haben sie wenig zu tun.

Die Niederländer haben eine Liebe zum Detail. Sie sind für sie Träger einer geheimen Bedeutung. Eine Lilie in einer Vase, ein Handtuch, eine Teekanne, ein Buch – alle Details, abgesehen von den direkten, haben auch eine versteckte Bedeutung. Die Dinge sind liebevoll dargestellt und wirken inspiriert.

Der Respekt vor sich selbst, vor dem eigenen Alltag, vor der Welt der Dinge wurde durch ein religiöses Weltbild gebrochen. Das war der Geist der protestantischen Reformen, unter denen die niederländische Renaissance stattfindet.

Die im Vergleich zu den Italienern weniger anthropomorphe Wahrnehmung, die Vorherrschaft des pantheistischen Prinzips und die direkte Kontinuität aus der Gotik wirken sich auf alle Komponenten des Stils der niederländischen Malerei aus. Bei den italienischen Quattrocentisten tendiert jede noch so detailreiche Komposition zu mehr oder weniger strenger Tektonik. Gruppen sind wie ein Flachrelief aufgebaut, das heißt, der Künstler versucht meist, die Hauptfiguren auf einer relativ schmalen Frontfläche in einem klar definierten geschlossenen Raum zu platzieren; er balanciert sie architektonisch aus, sie stehen fest auf den Beinen: all diese Eigenschaften finden wir bereits bei Giotto. Die Kompositionen der Holländer sind weniger geschlossen und weniger tektonisch. Sie werden von Tiefe und Distanz angezogen, ihr Raumgefühl ist lebendiger, luftiger als in der italienischen Malerei. Die Figuren sind eher skurril und unsicher, ihre Tektonik wird durch fächerförmig nach unten divergierende, gebrochene Falten der Gewänder gestört. Die Holländer lieben das Spiel der Linien, aber sie dienen nicht der bildhauerischen Aufgabe der Volumenkonstruktion, sondern der Ornamentik.

Die Niederländer haben keine deutliche Betonung des Zentrums der Komposition, eine verstärkte Betonung der Hauptfiguren. Die Aufmerksamkeit des Künstlers wird durch eine Vielzahl von Motiven zerstreut, alles erscheint ihm verlockend, und die Welt ist vielfältig und interessant. Eine Szene im Hintergrund behauptet, eine separate Handlungskomposition zu sein.

Schließlich gibt es auch eine Kompositionsart, bei der es überhaupt kein Zentrum gibt und der Raum mit vielen gleichberechtigten Gruppen und Szenen gefüllt ist. Gleichzeitig die Hauptsache Figuren manchmal landen sie irgendwo in der ecke.

Ähnliche Kompositionen finden sich Ende des 15. Jahrhunderts bei Hieronymus Bosch. Bosch (1450-1516) ist ein bemerkenswert eigenwilliger Künstler. Rein holländische Aufmerksamkeit und Beobachtung verbinden sich mit einer ungewöhnlich produktiven Fantasie und sehr schwarzem Humor. Eine seiner Lieblingsgeschichten ist „Die Versuchung des heiligen Antonius“, in der der Einsiedler von Teufeln belagert wird. Bosch bevölkerte seine Bilder mit Legionen kleiner kriechender, ängstlicher Kreaturen. Absolut gruselig wird es, wenn man bei diesen Monstern menschliche Körperteile bemerkt. Diese ganze Kunstkammer der ausgefallenen Dämonen unterscheidet sich erheblich von den mittelalterlichen Chimären: Sie waren majestätischer und weit davon entfernt, so unheimlich zu sein. Die Apotheose von Boschs Dämonologie ist seine „Musikalische Hölle“, einem Foltergarten ähnlich: Nackte Menschen, gemischt mit Monstern, die von allen Seiten auf sie klettern, winden sich in quälender Lust, sie werden an den Saiten einiger riesiger Musikinstrumente gekreuzigt, gequetscht und in mysteriöse Geräte zersägt, in Gruben geschoben, geschluckt.

Die seltsamen Phantasmagorien von Bosch sind aus den philosophischen Bemühungen des Geistes geboren. Er stand an der Schwelle zum 16. Jahrhundert, und das war eine Ära, die einem schmerzlich zu denken gab. Bosch überwältigten offenbar Gedanken über die Vitalität und Allgegenwart des Weltübels, das wie ein Blutegel an allen Lebewesen haftet, über den ewigen Kreislauf von Leben und Tod, über die unbegreifliche Verschwendung der Natur, die Larven und Keime sät des Lebens überall - sowohl auf der Erde als auch im Untergrund und in einem fauligen, stagnierenden Sumpf. Bosch beobachtete die Natur, vielleicht schärfer und wachsamer als andere, fand in ihr aber weder Harmonie noch Perfektion. Warum ist der Mensch, die Krone der Natur, dem Tode und dem Verfall geweiht, warum ist er schwach und elend, warum quält er sich und andere, wird ständig gequält?

Allein die Tatsache, dass Bosch solche Fragen stellt, spricht von erwachter Neugier – ein Phänomen, das den Humanismus begleitet. Humanismus bedeutet nicht nur Verherrlichung alles Menschlichen. Es bedeutet auch den Wunsch, in die Essenz der Dinge einzudringen, die Geheimnisse des Universums zu enträtseln. Bei Bosch war dieses Verlangen in düsteren Tönen gemalt, aber es war ein Symptom des geistigen Durstes, der Leonardo da Vinci dazu veranlasste, alles zu erkunden - Schönes und Hässliches. Der mächtige Intellekt von Leonardo nahm die Welt als Ganzes wahr, fühlte Einheit in ihr. In Boschs Vorstellung spiegelte sich die Welt fragmentiert wider, zerbrochen in Tausende von Fragmenten, die unverständliche Kombinationen eingehen.

Erwähnenswert sind jedoch die romantischen Strömungen, das heißt, beeinflusst vom italienischen Cinquecento, begannen sie sich im 16. Jahrhundert in den Niederlanden auszubreiten. Ihr Mangel an Originalität ist sehr auffällig. Das Bild der „klassischen Nacktheit“, das bei den Italienern schön war, war den Niederlanden definitiv nicht gegeben und sah sogar etwas komisch aus, wie Jan Gossaerts „Neptun und Amphitrite“ mit ihren prächtigen geschwollenen Körpern. Die Niederländer hatten auch ihren eigenen provinziellen "Manierismus".

Wir stellen die Entwicklung der Genres der hergestellten Haushalts- und Landschaftsstaffeleibilder fest Niederländische Künstler Im 16. Jahrhundert. Ihre Entwicklung wurde dadurch erleichtert, dass die meisten weite Kreise Aus Hass auf das Papsttum und den katholischen Klerus wandten sie sich zunehmend vom Katholizismus ab und forderten Kirchenreformen. Und die Reformen von Luther und Calvin enthielten ein Element des Bildersturms; Die Innenräume protestantischer Kirchen sollten völlig einfach und kahl sein – nichts wie die reiche und spektakuläre Dekoration in katholischen Kirchen. religiöse Kunst stark im Volumen reduziert, hörte auf, ein Kult zu sein.

Begann sauber zu erscheinen Genrebilder mit dem Bild von Kaufleuten in Geschäften, Geldwechslern in Büros, Bauern auf dem Markt, Kartenspielern. Das häusliche Genre erwuchs aus dem Porträtgenre, und das Landschaftsgenre entstand aus jenen Landschaftshintergründen, die die holländischen Meister so sehr liebten. Die Hintergründe wuchsen, und es war nur noch ein Schritt zu einer reinen Landschaft.

Alles erlöst und konzentriert jedoch das kolossale Talent von Pieter Brueghel (1525-1569). Er besaß im höchsten Maße das, was man nationale Identität nennt: Alle bemerkenswerten Merkmale seiner Kunst gehen auf die ursprünglichen holländischen Traditionen zurück. Wie kein anderer drückte Brueghel den Geist seiner Zeit und ihren Folkloregeschmack aus. Er ist überall beliebt: Als zweifellos künstlerischer Denker denkt er aphoristisch und metaphorisch. Die in seinen Allegorien enthaltene Lebensphilosophie ist bitter, ironisch, aber auch mutig. Bregels bevorzugte Kompositionsart ist ein großer Raum, wie von oben gesehen, so dass die Menschen klein aussehen und in den Tälern herumhuschen, trotzdem alles detailliert und klar geschrieben ist. Die Erzählung wird normalerweise mit Folklore in Verbindung gebracht, Brueghel malte Parabelbilder.

Bruegel verwendet die in den Niederlanden übliche Art der Raum-Landschafts-Komposition, ohne die Hauptpersonen und Ereignisse so hervorzuheben, dass sich darin eine ganze Lebensphilosophie offenbart. Der Sturz des Ikarus ist hier besonders interessant. Brueghels Gemälde zeigt eine friedliche Landschaft am Meeresufer: Ein Pflüger folgt einem Pflug, ein Hirte hütet Schafe, ein Fischer sitzt mit einer Angelrute und Schiffe segeln auf dem Meer. Wo ist Ikarus und was hat sein Sturz damit zu tun? Sie müssen genau hinsehen, um in der rechten Ecke erbärmliche nackte Beine zu sehen, die aus dem Wasser ragen. Ikarus fiel vom Himmel, aber niemand bemerkte es. Das gewöhnliche Leben fließt wie immer. Für einen Bauern ist sein Ackerland, für einen Hirten seine Herde viel wichtiger als die Höhen und Tiefen eines Menschen. Die Bedeutung außergewöhnlicher Ereignisse erschließt sich nicht so schnell, Zeitgenossen nehmen sie nicht wahr, versunken in Alltagssorgen.

Wiederbelebungskunst Malerei Skulptur

2.2 Renaissance in der deutschen und französischen Kunst

An der Wende des XIV-XV Jahrhunderts. Deutschland war noch stärker zersplittert als in früheren Perioden, was zur Vitalität der feudalen Grundlagen in Deutschland beitrug.

Auch gegenüber den Niederlanden hinkte die Entwicklung der deutschen Städte hinterher, und die deutsche Renaissance bildete sich im Vergleich zur italienischen ein ganzes Jahrhundert später heraus. Am Beispiel der Arbeit vieler Künstler des 15. Jahrhunderts. Sie können nachvollziehen, wie die Renaissance in Deutschland geformt wurde: Das sind Konrad Witz, Michael Pacher, dann Martin Schongauer. In ihren Altarbildern tauchen narrative Elemente auf, der Wunsch, menschliche Gefühle auf einem religiösen Grundstück zu offenbaren (der Altar des Hl. Wolfgang M. Pacher in der Kirche St. Wolfgang in der gleichnamigen Stadt, 1481). Aber auch das Raumverständnis, die Einführung goldener Hintergründe, die Fragmentierung der Zeichnung, der unruhige Rhythmus der Bruchlinien sowie

gewissenhaftes Aufschreiben des Wichtigsten und Besonderen - all das spricht dafür

Mangelnde Konsequenz im künstlerischen Weltbild dieser Meister und enge Verbindung zur mittelalterlichen Tradition Das Jahrhundert für Deutschland beginnt mit einer mächtigen revolutionären Bewegung der Bauernschaft, des Rittertums und des Bürgertums gegen die Fürstenmacht und den Katholizismus. Die Thesen des deutschen Reformationsoberhauptes Martin Luther gegen die Feudalkirche von 1517 „hatten eine Brandwirkung wie ein Blitzschlag auf ein Pulverfass“. revolutionäre Bewegung in Deutschland war bereits 1525 besiegt, aber die Zeit des Bauernkrieges war eine Zeit des hohen geistigen Aufschwungs und der Blüte des deutschen Humanismus, der weltlichen Wissenschaften und der deutschen Kultur. In diese Zeit fällt das Schaffen des größten Künstlers der deutschen Renaissance, Albrecht Dürer (1471-1528).

Im Werk Dürers schienen die Recherchen vieler deutscher Meister ineinander übergegangen zu sein: Naturbeobachtungen, Menschen, Probleme der Beziehung von Objekten im Raum, Existenz menschliche Figur in der Landschaft, im räumlichen Umfeld. In der Vielseitigkeit, in der Begabungsskala, in der Weite der Wirklichkeitswahrnehmung ist Dürer ein typischer Künstler der Hochrenaissance. Er war Maler, Graveur, Mathematiker, Anatom, Perspektivist und Ingenieur. Er reiste zweimal nach Italien, einmal in die Niederlande, reiste zu seinem Heimatland. Sein Erbe besteht aus 80 Staffeleiarbeiten, mehr als zweihundert Stichen, mehr als 1000 Zeichnungen, Skulpturen und handschriftlichen Materialien. Dürer war der größte Humanist der Renaissance, aber sein Menschenbild unterscheidet sich vom italienischen. Zutiefst nationale Bilder von Dürer sind voller Kraft, aber auch Zweifel, manchmal ernst

Reflexionen fehlt ihnen die klare Harmonie Raffaels oder Leonardos.

Die künstlerische Sprache ist kompliziert, allegorisch.

Noch während des Hundertjährigen Krieges begann der Prozess der französischen Nationbildung, die Geburt des französischen Nationalstaates. Die politische Einigung des Landes wurde vor allem unter Ludwig XI. vollzogen. Mitte des 15. Jahrhunderts. bezieht sich auch auf den Beginn der französischen Renaissance, die in der Frühphase noch eng mit der Gotik verbunden war. Die Feldzüge der französischen Könige in Italien eingeleitet Französische Künstler mit italienischer Kunst und vom Ende des XV

v. beginnt ein entscheidender Bruch mit der gotischen Tradition, italienisch

Kunst wird im Zusammenhang mit ihren eigenen nationalen Aufgaben neu gedacht.

Die französische Renaissance hatte den Charakter höfischer Kultur. (Der volkstümliche Charakter war am deutlichsten in der französischen Renaissanceliteratur, vor allem in den Werken von François Rabelais, mit seiner vollblütigen Bildsprache, seinem typisch gallischen Witz und seiner Fröhlichkeit.) Wie in der niederländischen Kunst sind realistische Tendenzen zu beobachten,

vor allem in Miniatur aus theologischen und weltlichen Büchern. Erste

ein bedeutender Künstler der französischen Renaissance - Jean Fouquet (ca. 1420-1481), Hofmaler von Karl VII. und Ludwig XI. Sowohl in Porträts (Porträt Karls VII., um 1445) als auch in religiösen Kompositionen (Diptychon aus Melun) verbindet sich Gründlichkeit des Schreibens mit Monumentalität in der Bildinterpretation. Diese Monumentalität entsteht durch das Jagen von Formen, die Isolation und Integrität der Silhouette, die statische Haltung und die Lakonie der Farbe. Tatsächlich wurde die Madonna des Melen-Diptychons nur in zwei Farben gemalt – leuchtend rot und blau (das Modell dafür war die Geliebte Karls VII. – eine Tatsache, die in der mittelalterlichen Kunst unmöglich war). Die gleiche kompositorische Klarheit und Genauigkeit der Zeichnung, die Klangfülle der Farbe sind charakteristisch für Fouquets zahlreiche Miniaturen (Boccaccio, Das Leben berühmter Männer und Frauen, um 1458). Die Felder der Manuskripte sind gefüllt mit dem Bild des modernen Fouquet der Menge, den Landschaften seiner Heimat Touraine.

Abschluss

Die Renaissance oder die Renaissance ist also eine Ära im Leben der Menschheit, die durch einen kolossalen Aufstieg in Kunst und Wissenschaft gekennzeichnet ist.

Die Kunst der Renaissance, die auf der Grundlage des Humanismus entstand – einer Strömung des sozialen Denkens, die dem Menschen den höchsten Wert des Lebens proklamierte. In Kunst Hauptthema wurde ein schöner, harmonisch entwickelter Mensch, der unbegrenzte geistige und geistige Fähigkeiten besaß kreative Möglichkeiten. Künstler begannen, die Welt anders zu sehen: Flache, als ob körperlose Bilder mittelalterlicher Kunst einem dreidimensionalen, reliefierten, konvexen Raum Platz machten. Sie sangen mit ihrer Kreativität eine vollkommene Persönlichkeit, in der körperliche und seelische Schönheit gemäß den Anforderungen antiker Ästhetik miteinander verschmelzen. Viele Maler, Dichter, Bildhauer und Architekten gaben die Ideen des Humanismus auf und versuchten, nur die "Art" der großen Persönlichkeiten der Renaissance zu lernen. So manifestierten sich die Merkmale der Krise der künstlerischen Ideale der Renaissance im Manierismus (Anmaßung, Manierismen), der sich am Ende der Renaissance entwickelte - offensichtliche Nachahmung, sekundärer Stil, Übertreibung einzelner Details, manchmal sogar im Titel zum Ausdruck gebracht des Werks („Madonna mit langem Hals“), Verletzung der Proportionen, Disharmonie, Deformation, die an sich dem Wesen der Kunst der italienischen Renaissance fremd ist.

Die Kunst der Renaissance legte den Grundstein für die europäische Kultur des Neuen Zeitalters und veränderte alle Hauptarten der Kunst radikal. Kreativ überarbeitete Prinzipien des antiken Ordnungssystems wurden in der Architektur etabliert und neue Typen öffentlicher Gebäude geformt. Die Malerei wurde durch lineares und bereichert Aerial Perspektive Kenntnisse der Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers. Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Verstärktes Interesse an antiker Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaften, Porträts. Zusammen mit den monumentalen Wandmalereien, die sie schmücken architektonische Strukturen, ein Bild erschien, Ölgemälde entstand. An erster Stelle in der Kunst stand die schöpferische Individualität des in der Regel universell begabten Künstlers.

In der Kunst der Renaissance waren die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Ihre Erkenntnisbedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in ihrem Streben nach Natürlichkeit verfiel sie nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.

Das Thema der Renaissance ist reich und unerschöpflich. Diese mächtige Bewegung bestimmte viele Jahre lang die Entwicklung der gesamten europäischen Zivilisation. Wir versuchen nur, in die Essenz der laufenden Prozesse einzudringen. Um zu verstehen, müssen wir die psychologische Stimmung des Renaissance-Menschen genauer wiederherstellen, Bücher dieser Zeit lesen, besuchen Kunstgalerien. Die Ideen des Humanismus sind die geistige Grundlage für das Aufblühen der Kunst der Renaissance. Die Kunst der Renaissance ist von den Idealen des Humanismus durchdrungen, sie schuf das Bild eines schönen, harmonisch entwickelten Menschen. Die Kunst dieser Ära wird die Menschheit endlos erfreuen, mit ihrer Vitalität und Fähigkeit, Geist und Herz zu erobern, verblüffen. Es war die Zeit des Titanismus, der sich sowohl in der Kunst als auch im Leben manifestierte. Natürlich ist die Renaissance eine der schönsten Epochen der Menschheitsgeschichte.

Referenzliste

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