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Biographie des Choreografen Alexander Ekman. "Cactus" Choreografie ist interessant

Die Programme sind nach den Choreografen benannt. Nach dem ersten - „Lifar. Kilian. Forsythe“ – sie zeigten dem Tanzquartett: „Balanchine. Taylor. Garnier. Ekman. Insgesamt sieben Namen und sieben Ballette. Die Ideen des hartnäckigen Franzosen, Ex-Etoile der Pariser Oper, sind leicht zu lesen. Hilaire hat es nicht eilig, das ihm anvertraute Team auf den historisch etablierten Weg der mehraktigen Plot-Leinwände zu führen, er zieht ihnen eine Serpentine aus Einaktern unterschiedlicher Stilrichtungen vor (zwei weitere Programme ähnlichen Formats sind geplant). Die Truppe, die in der jüngeren Vergangenheit den Abgang von fast drei Dutzend jungen Künstlern überstanden hat, erholte sich in Rekordzeit und präsentiert sich würdig in Uraufführungen. Die Fortschritte sind besonders bemerkenswert, da Hilaire die Tore des Theaters noch nicht für "eingeladene" Künstler öffnet und sein eigenes Team fleißig fördert.

Der erste Teil der Premiere war die Serenade von George Balanchine, die die Stanislawiten noch nie zuvor getanzt hatten. Mit dieser romantischen Elegie zur Musik von Tschaikowsky beginnt die amerikanische Zeit des großen Choreografen, der Anfang 1934 eine Ballettschule in der Neuen Welt eröffnete. Für seine ersten Schüler, die die Grammatik des Tanzes noch nicht gut beherrschten, aber von den Klassikern träumten, inszenierte Balanchine die Serenade im russischen Geist. Kristallin, ätherisch, schwerelos. Die Künstler des Muztheaters leiten die Aufführung genauso wie die ersten Darsteller. Es ist, als würden sie einen zerbrechlichen Schatz behutsam berühren – ihnen fehlt auch die innere Beweglichkeit, auf die der Choreograf bestand, aber der Wunsch, etwas Neues zu begreifen, ist offensichtlich. Unterwürfigkeit und Ehrfurcht vor einer poetischen Schöpfung sind jedoch der Lebhaftigkeit und dem Mut vorzuziehen, mit denen die Truppen im Vertrauen auf ihr Können die Serenade tanzen. Corps de ballet der Frauen - die Hauptsache Schauspieler opus - erwacht in den Träumen einer schlaflosen Nacht zum Leben, wenn es schon vor der Morgendämmerung zurückgeht. Erika Mikirticheva, Oksana Kardash, Natalya Somova sowie die "Prinzen" Ivan Mikhalev und Sergey Manuilov, die von ihren namenlosen Heldinnen träumten, sehen in der handlungslosen Stimmungskomposition großartig aus.

Drei weitere Uraufführungen sind den Moskauern fremd. „Halo“ ist eine sonnige, lebensbejahende Geste von Paul Taylor, einem modernistischen Choreografen, der über die Natur der Bewegung spricht. Der dynamische, spektakuläre Tanz verwandelt sich ständig, erinnert an eine unabhängige Haltung, bricht die üblichen Posen und Sprünge, die Arme flechten entweder wie Äste oder springen auf wie Turner, die von Sportgeräten springen. Die vor einem halben Jahrhundert als innovativ empfundene Choreografie wird durch Tatendrang und Humor gerettet, blitzschnelles Wechseln von ernsten Maximen zu ironischen Eskapaden. Die barfüßigen Natalya Somova, Anastasia Pershenkova und Elena Solomyanko, gekleidet in weiße Kleider, zeigen eine Vorliebe für elegante Kontraste in der Komposition. Georgi Smilevsky, der Stolz des Theaters und seiner herausragenden Uraufführung, ist für den langsamen Teil verantwortlich, der dem Solo dramatische Spannung, Stil und festliche Schönheit verleihen kann. Dmitry Sobolevsky ist ein Virtuose, furchtlos und emotional. Überraschenderweise wird Händels zeremonielle Musik leicht von Taylors Fantasien „akzeptiert“ und entfaltet eine Realität Tanz-Marathon. Beide Aufführungen, neu erstellen verschiedene Stile Amerikanische Choreographie, begleitet von Symphonieorchester Theater unter der Leitung des talentierten Meisters Anton Grishanin.

Nach Tschaikowsky und Händel - ein Tonträger und ein Duett der Akkordeonisten Christian Pache und Gerard Baraton, die eine 12-minütige Miniatur des französischen Choreografen Jacques Garnier "Onis" "begleiten". Die Aufführung zur Musik von Maurice Pasha wurde vom Ex-Regisseur einstudiert Balletttruppe Paris Opera und Laurent Hilaires Mitarbeiterin Brigitte Lefevre. Im von ihr gemeinsam mit Jacques Garnier gegründeten Theater of Silence, in einer Reihe von Experimenten mit moderner Choreografie, fand vor vierzig Jahren die erste Show von Onis statt. Der Choreograf widmete es seinem Bruder und führte es selbst auf. Später überarbeitete er die Komposition für drei Solisten, deren Tanz in der aktuellen Aufführung an herben hausgemachten Wein erinnert und leicht auf den Kopf trifft. Die Jungs, wenn nicht durch Verwandtschaft, dann durch starke Freundschaft verbunden, erzählen provokativ und ohne zu jammern, wie sie aufgewachsen sind, sich verliebt haben, geheiratet haben, Kinder gestillt, gearbeitet und Spaß hatten. Eine unkomplizierte Aktion zur unprätentiösen Aufzählung von Nuggets-„Harmonisten“, die normalerweise an Dorffesten erklingen, findet in Onys, einer kleinen Provinz Frankreichs, statt. Yevgeny Zhukov, Georgi Smilevsky Jr., Innokenty Yuldashev sind jugendlich spontan und treten mit Leidenschaft auf. Sortennummer gewürzt mit Folklore-Geschmack.

Der Schwede Alexander Ekman ist als Spaßvogel und Kuriositätenmeister bekannt. Beim Festival Benois de la Danse wollte er für seinen Lake of the Swans die Hauptleitung installieren Russisches Theater ein Becken mit sechstausend Liter Wasser und dort tanzende Künstler laufen. Wurde abgelehnt und improvisierte ein lustiges Solo mit einem Glas Wasser und nannte es "Was ich denke an in Bolschoi-Theater". An eine Streuung exzentrischer Funde erinnerte auch sein "Cactus".

In „Tulle“ seziert Ekman nicht den Tanz, sondern das Theaterleben selbst. Zeigt seine schweißtreibende, rituelle Grundlage, ironisiert die Ambitionen und Klischees der Darsteller. Ein Aufseher in Schwarz bei Anastasia Pershenkovas wackelndem Gang auf Spitzenschuhen, von denen ihre Truppe heldenhaft nicht absteigt, mäht unter einer koketten Model-Diva nieder. Die Künstler konzentrieren sich auf die Dummheiten der naiven Pantomime, wiederholen immer wieder langweilige Übungsschritte. Das müde Corps de Ballet verfällt in Verzweiflung – erschöpfte Künstler verlieren den Gleichlauf, krümmen sich, stampfen mit den Füßen, klatschen heftig und mit vollen Füßen auf die Bühne. Wie können Sie glauben, dass sie Ihnen kürzlich auf die Fingerspitzen gerutscht sind?

Und Ekman verblüfft immer wieder mit Eklektizismus und bringt entweder ein Paar aus dem Hofballett des „Sonnenkönigs“ Ludwigs XIV. Oder neugierige Touristen mit Kameras auf die Bühne. Vor dem Hintergrund des Massenwahnsinns, der die Bühne verschlang, „springt“ sie auf und ab Orchestergraben, die Bildschirmbilder unbekannter Augen und Gesichter wechseln, die Lauflinie der Übersetzung eilt umher. Von Mikael Karlsson zusammengestellte Partitur aus Hits Tanzrhythmen, Kabeljau und Lärm, das Klappern von Spitzenschuhen und Klatschen, die Partituren im Proberaum und das Brüllen des Corps de Ballet, das den Schwanenschritt übt, macht schwindelig. Übermaß schadet der Harmonie einer humorvollen Handlung, der Geschmack leidet. Gut, dass sich die Künstler in diesem massenhaften choreografischen Spaß nicht verlieren. Jeder badet in den Elementen eines spielerischen Spiels, macht sich freudig und liebevoll über die verrückte Welt hinter den Kulissen lustig. Die beste Szene von Tulle ist der groteske Zirkus pas de deux. Oksana Kardash und Dmitry Sobolevsky in Clown-Outfits vergnügen sich mit ihren Tricks, umgeben von Kollegen, die die Anzahl der Fouetten und Pirouetten zählen. So wie im Film „Big“ von Valery Todorovsky.

Das stets experimentierfreudige Musiktheater bewältigt mühelos die ungewohnten Weiten der Weltchoreografie. Das Ziel – zu zeigen, wie sich der Tanz entwickelt hat und wie sich die Vorlieben von Profis und Publikum verändert haben – ist erreicht. Auch die Aufführungen sind streng chronologisch geordnet: 1935 – „Serenade“, 1962 – „Halo“, 1979 – „Onis“, 2012 – „Tulle“. Insgesamt - fast acht Jahrzehnte. Das Bild erweist sich als kurios: vom klassischen Meisterwerk von Balanchine über die raffinierte Moderne von Paul Taylor und die folkloristische Stilisierung von Jacques Garnier bis hin zur Schlägerei von Alexander Ekman.

Foto auf der Ankündigung: Svetlana Avvakum

Programm XXVII Internationales Fest des nach R. Nureyev benannten klassischen Balletts in Kasan gab es drei moderne Ballette in einem Akt Der schwedische Choreograf Alexander Ekman, darunter das Ballett Cacti.

Ballette Deutsches Theater, kombiniert in das Triptychon-Programm, sorgte bei Ballettliebhabern für eine zwiespältige Einschätzung. Wir haben die Möglichkeit, unsere Leser mit der genauen Sichtweise einer professionellen Ballerina Tatarsky vertraut zu machen akademisches Theater Oper und Ballett nach M. Jalil benannt.

Obwohl das Hauptballettereignis der Saison als Festival des klassischen Balletts positioniert ist, in verschiedene Jahre Künstler und Ensembles, die moderne Choreographien tanzten, kamen nach Kasan. So freuten sich die Balletomanes dieses Jahr über etwas „Ungewöhnliches“.

Überhaupt Zeitgenössische Choreographie, oder moderner Tanz, in letztes Jahrzehnt gewinnt in Russland an Relevanz. Im Westen entwickelt sich der zeitgenössische Tanz – ein anderer Name für modernen Tanz – seit langem und lebt ein reiches Leben. Theaterleben, es hat bestimmte Formen angenommen. Einige Richtungen und Stile verschiedener Choreografen sind zu Klassikern des Genres geworden. Und doch erstaunt der moderne Tanz immer wieder.

Für das Kasaner Publikum war die Ankunft des Dortmunder Balletts eine angenehme Überraschung. Eine Truppe aus Deutschland führte an zwei Festivaltagen vier Ballette auf. Von diesen kann meiner Meinung nach das Ballett "Cacti" definitiv als die auffälligste Aufführung bezeichnet werden.

Das Stück beginnt mit einem leicht absurden Voice-Over-Philosophieren. Eine pathetisch vorgetragene Stimme denkt nach moderner Tanz und über die Rolle von Kunstkritikern in der heutigen Gesellschaft, und die Meinung eines von ihnen kann die Wahrnehmung vieler Betrachter beeinflussen.

Ekman selbst nennt in einem seiner Interviews das satirische Ballett "Cacti" den letzten Kommentar zur Meinung solcher Kritiker. Er hofft auch, dass der Zuschauer seinen witzigen Hinweis versteht. Seiner Meinung nach, moderne Kunst sollte nicht sehr ernst genommen werden.

Dann beginnt die spannende Action! 16 Tänzer, im Schachbrettmuster auf weißen Podesten sitzend, beginnen schweigend so etwas wie Yoga-Atemübungen zu machen, frieren von Zeit zu Zeit in bizarren Posen ein.

Die musikalische Landschaft der Aufführung ist ebenso faszinierend wie die Plastizität der Tänzer. Lebendig Streichquartett, das eine Collage aus der Musik der großen Komponisten Beethoven, Haydn und Schubert spielt, verleiht der „Kaktus“-Choreografie eine besondere Stimmung und Schärfe. Die Tänzer wiederum nutzen ihren ganzen Körper und den umgebenden Raum, klatschen in die Hände auf den Boden, schreien im Takt, erzeugen einen ansteckenden Rhythmus und werden zu einem integralen Bestandteil des menschlichen Orchesters.

Weiße Sockel von 1 Meter mal 1 Meter, auf denen die Künstler tatsächlich tanzen, symbolisieren die Dualität von Freiheit und Begrenzung. Einerseits ist jeder durch seinen eigenen Raum begrenzt, andererseits steht es jedem frei, sich auf seiner kleinen Insel zu manifestieren. Besonders beeindruckend ist die Arbeit mit Licht und Schatten. Hier muss man dem Lichtdesigner „Bravo“ sagen, der im richtigen Moment den richtigen Tänzer in seinem Monolog herausgeschnappt hat.

Hooligan-Choreograf Ekman scheint es zu lieben, das Publikum zu überraschen, und das zu Recht. Wenn auf der Bühne etwas Außergewöhnliches passiert, wie zum Beispiel eine ausgestopfte Katze, die während eines einfachen Dialogtanzes eines gewöhnlichen Paares vom Himmel fällt, reagiert der Zuschauer sofort lebhaft. Also eintauchen ungewöhnliche Leistung, machen Menschen eine Pause von alltäglichen Problemen, und vielleicht inspiriert sie das dazu, alltägliche Dinge (z. B. dieselben Kakteen) aus einem anderen Blickwinkel zu betrachten.

Obwohl das moderne Meisterwerk den Eindruck von Leichtigkeit, Ironie und Leichtigkeit hinterlässt, kann man nur versuchen, sich vorzustellen, welche körperliche Vorbereitung diese Choreographie den Künstlern abverlangt. Die Tänzerinnen und Tänzer des Dortmunder Balletts haben diese Aufgabe mit Bravour gemeistert! Die Choreografie ähnelte stellenweise den Stammestänzen der Afrikaner, so stark war die Energie des hektischen Tanzes. Es war ein solches Gefühl, dass sich die Tänzer ganz auf das Element des Tanzens einließen, aber dennoch jeden Muskel des Körpers gekonnt kontrollieren.

Am Ende der Aufführung bauen alle Charaktere eine erstaunliche Komposition aus denselben Plattformkisten, die den Gesetzen der Schwerkraft zu trotzen und irgendwie auf der Kante zu stehen scheinen. Jeder hat einen Kaktus in der Hand - ein Symbol und eine Allegorie für Moderne Menschen, jeder in seinem eigenen Topf lebend, genauso stachelig und unprätentiös, aber immer noch stark, bereit, selbst den steinernen Asphaltboden zu durchbrechen, würde es nur einen Lichtstrahl geben.

Dieses ungewöhnlich leichte, frische, dynamische Ballett, das den Zuschauer wie ein Wirbelwind in die Welt des erstaunlichen Choreografen und Künstlers seiner Zeit, Alexander Ekman, entführt.

Dieses Ballett ist hellster Vertreter neue Kunst - empfohlen für die obligatorische Betrachtung sowohl für Zuschauer als auch für Fachleute.

Der Autor der Rezension absolvierte 2011 die Kazan Choreographic School (Klasse von I.Sh. Khakimova) und wurde in die Truppe des TAGTOiB aufgenommen. M. Jalil. Sie ist in mehr als 10 Theateraufführungen tätig. Zuletzt haben wir sie im Ballett gesehen“ Goldene Horde": v Orientalischer Tanz Sie erschien als Pfau. Sie tanzte die Rolle der Wolfsmutter in Spartakus, die Braut in Schwanensee. Sie ging mit der Theatertruppe auf Tournee in europäische Länder.

Aisylu ist eine Studentin im 3. Jahr der Higher School of Arts, benannt nach S. Saidashev IFMK.

Ballette in einem Akt des Nationalen Tanztheaters von Madrid
14.07.11.

Ich beginne mit dem Unangenehmen, aber leicht Beschreibbaren.

"Flockarbeit" 14.07.11.
Ich habe nach Ekmans Opus ehrlich applaudiert.
Natürlich nicht der Schöpfung, sondern den Künstlern, die unter dieser Hässlichkeit leiden müssen. Sie, die armen Kerle, haben mit diesem Dreck gearbeitet, versucht, sich geradezu gequält. Wie angewidert müssen sie gewesen sein!

Auch das Publikum, das sich natürlich wegen Duato versammelt hatte, applaudierte ziemlich einhellig. Was meiner Meinung nach Dankbarkeit für die selbstlose Arbeit der Tänzer war, die sich in die beiden vorherigen Ballette verliebt hatten.
Tatsächlich schien mir die Öffentlichkeit ziemlich skeptisch zu sein. Als der Künstler - "Lachen" herauskam und versuchte, das Publikum zum Lachen zu bringen, kicherte er leicht, und dann ertönte irgendwo in der Nähe meiner Loge eine Bemerkung: "Du wirst nicht warten ..." (praktisch "No pasaran!") , Dann- Jeder, der es hörte, lachte :)

Die Ähnlichkeit zwischen Ekmans Werk und Preljokajs „Creation“ war deutlich zu erkennen: Dort wurden Fahnen gewaschen, hier Fässer gewaschen, dort Wände verschoben, hier Tische, hier und da komplettes Grau von Kostümen und Gefolge. Und zum Schluss, sobald ich dachte: "Gut, dass es hier keine Nacktheit gibt" - und buchstäblich drei Minuten später begannen, Dias mit Bildern von nackten Künstlern beiderlei Geschlechts bis zur Hüfte auf die Kulisse zu projizieren. Gleichzeitig tanzten Live-Künstler ohne Grund weiter (wenn man das so nennen kann). Hier war es entweder auf Video notwendig nackten Brüste starren oder nach Tänzern Ausschau halten. Im Allgemeinen interessiert sich Ekman überhaupt nicht für die Arbeit von Künstlern, ganz zu schweigen von ihrem Potenzial.
Dieser „junge, vielversprechende“ unglückliche Choreograf hat überhaupt nichts zu sagen, also schlägt er eine halbe Stunde tot, so gut er kann. Und Fantasie ist nicht genug.

Und neben Duatos Balletten sieht Ekmans Fehler noch wertloser aus.
So schön Duato auch ist, Ekman ist genauso erbärmlich und abstoßend. Das Programm ist vielleicht eigens nach dem Prinzip „feel the difference“ zusammengestellt: Wo ist das Genie – und wo ist der Mensch, der sich ohne Grund danach sehnt, Choreograf zu sein?
(Vielleicht hat Duatos ehemaliger Assistent, der jetzt die Truppe leitet und sie sofort verlässt, nachdem Martinez an die Macht gekommen ist, solche "Demonstrationsauftritte" aus einem bestimmten Grund arrangiert?)

Ich habe es nur in ein paar halbminütigen Episoden genossen, als aktive, wenn auch einfache Tänze begannen - es war schwer, meine Augen von den Plastikspaniern abzuwenden! Die restlichen 24 Minuten krabbelten, joggten, unterhielten sie sich, rückten Möbel um, badeten, wälzten sich vor Lachen.
Inkl. Ich konnte ihnen nur applaudieren: Künstler sind Zwangsmenschen. Es ist nicht ihre Schuld, dass sie Duato verloren und Ekman bekommen haben.

Heute habe ich die Reise wiederholt. Für die Seele.
Auf Ekman blieb natürlich nicht.
Inkl. musste den Armen wunderbar Nationaltheater Dance of Spain verzichten auf meinen Applaus am Ende des Programms.

Alexander Ekmann. Foto - Yuri Martyanov / Kommersant

Choreograf Alexander Ekman Zeitgenössisches Ballett und soziale Netzwerke.

Im Repertoire Musiktheater benannt nach Stanislavsky und Nemirovich-Danchenko, erschien Tulle – das erste Ballett in Russland von Alexander Ekman, einem 34-jährigen Schweden, dem produktivsten, gefragtesten und talentiertesten Choreografen seiner Generation, der bereits 45 Ballette rund um die Uhr unterrichtet hat Welt, der letzte von ihnen - an der Pariser Oper.

– Sie haben eine seltene Begabung für die Inszenierung handlungsloser komischer Ballette: In Tulle zum Beispiel sind nicht die Charaktere und ihre Beziehungen lustig, sondern die Kombinationen klassischer Bewegungen und die Besonderheiten ihrer Aufführung. In deinem, klassisches Ballett veraltet?

Ich liebe klassisches Ballett, es ist großartig. Und doch ist es nur ein Tanz, es soll Spaß machen, es soll ein Spiel geben. Ich verzerre die klassischen Bewegungen nicht, ich zeige sie nur aus einem etwas anderen Blickwinkel - es stellt sich als so eine leichte Absurdität heraus. Und gerade bei Künstlern kann es zu Missverständnissen kommen: Das Arbeiten wie in einem Schauspiel ist für sie ungewohnt. Ich sage ihnen immer: „Macht keine Comedy. Nicht du sollst lustig sein, sondern Situationen.

- Das Theater ist also doch etwas für dich wichtiger als Ballett?

„Ein Theater ist ein Raum, in dem sich zweitausend Menschen miteinander verbunden fühlen, dieselben Gefühle erleben und dann darüber diskutieren können: „Hast du das gesehen? Cool was? Solche menschliche Einheit ist das Schönste am Theater.

- Sie führen Sprache in Ihre Ballette ein - Repliken, Monologe, Dialoge. Glaubst du, das Publikum versteht deine Idee nicht ohne Worte?

„Ich denke einfach, dass es so mehr Spaß macht. Ich präsentiere gerne Überraschungen, Überraschungen, überrasche das Publikum. Betrachten Sie Sprache als mein Markenzeichen.

Sie haben eine seltene Begabung für die Inszenierung von handlungslosen komischen Balletten: In Tulle zum Beispiel sind nicht die Figuren und ihre Beziehungen lustig, sondern die Kombinationen klassischer Bewegungen und die Besonderheiten ihrer Aufführung. Klassisches Ballett ist Ihrer Meinung nach veraltet?

Theater ist Ihnen also immer noch wichtiger als Ballett?

Das Theater ist ein Ort, an dem sich zweitausend Menschen miteinander verbinden, dieselben Gefühle erleben und dann darüber diskutieren können: „Hast du das gesehen? Cool was? Solche menschliche Einheit ist das Schönste am Theater.

Sie führen Sprache in Ihre Ballette ein - Zeilen, Monologe, Dialoge. Glaubst du, das Publikum versteht deine Idee nicht ohne Worte?

Ich denke, so macht es einfach mehr Spaß. Ich präsentiere gerne Überraschungen, Überraschungen, überrasche das Publikum. Betrachten Sie Sprache als mein Markenzeichen.

In meiner Rezension habe ich Ihr „Tulle“ als ironisches Klassenkonzert des 21. Jahrhunderts bezeichnet. Darin wird erstens die Hierarchie der Balletttruppe dargestellt und zweitens alle Bereiche des klassischen Simulators mit Ausnahme der Barre.

Ich weiß nicht, irgendwie wollte ich nicht ironisch über Ballettkunst sein. Ich habe gerade eine Produktion von „Das Spiel“ an der Pariser Oper aufgeführt, und während ich dort war, wuchs mein Respekt vor dem Ballett zu Bewunderung. Befindet man sich in dieser Truppe, sieht man, wie die Künstler sich tragen, wie die Etikette den Saal betritt - mit königlicher Haltung, mit einer Art königlichem Selbstbewusstsein - kommen ganz erstaunliche Assoziationen auf. Das Klassensystem, der Königshof, Ludwig die Sonne – das ist es. An der Pariser Oper erkennt man sofort, wer Etikette, Solist, Koryphäe ist – an der Art, wie sie sich tragen, wie sie sich bewegen, wie sie mit anderen Menschen umgehen. All dies spiegelt ihre Stellung in der Gesellschaft, ihren Status wider. Und ich erkannte, dass dies primär ist – so funktioniert die Natur selbst. Sie betreten zum Beispiel den Hühnerstall und sehen sofort den Haupthahn - er ist absolut schön. Vielleicht nur in Frankreich und Russland kann man diesen Schatten des Absolutismus in den Theatern sehen. In diesen Ländern wird Ballett geschätzt, ja Nationalstolz, und deshalb scheint es mir, dass es eine tiefe Verbindung zwischen der französischen und der russischen Kultur gibt.

Und wie haben Sie mit den Pariser Hähnen gearbeitet? Bist du mit fertigen Kombinationen in die Halle gekommen oder hast du improvisiert? Oder gezwungen, Künstler zu improvisieren?

In irgendeiner Weise. Ich habe immer eine klare Vorstellung davon, was ich kreieren möchte, aber Besonderheiten werden auf dem Weg geboren. Aber wenn Sie 40 Leute im Saal haben, können Sie sie nicht warten lassen, bis Sie eine bestimmte Kombination komponiert haben. Sonst werden sie dich so ansehen - sie sagen, ist das alles, wozu du fähig bist? - dass die Reste der Fantasie sofort verschwinden werden. An der Pariser Oper hatte ich eine Gruppe von fünf oder sechs Tänzern, wir haben mit ihnen den Stoff erarbeitet – und ich habe die fertige Zeichnung an das Corps de Ballet übertragen. Wenn Sie ein Ballett inszenieren, wissen Sie nie, was am Ende passieren wird – Sie werden von dem Entsetzen heimgesucht, es nicht zu wissen. Der Prozess ist spannend, aber sehr anstrengend. Nach Paris habe ich mich für eine Auszeit entschieden.

Für wie lange?

Seit einem halben Jahr. Oder für ein Jahr. Mein ganzes Leben lang habe ich sehr intensiv inszeniert: in 12 Jahren – 45 Ballette. Es war ein ständiges Rennen, am Ende schien es mir, als würde ich eine endlose Produktion machen. Mich hat der Erfolg getrieben – wir sind alle karriereorientiert. Ich nahm eine Barriere nach der anderen Pariser Oper war mein Ziel, der Höhepunkt des Weges. Und hier wird sie genommen. Der erste Akt meines Lebensballetts ist vollbracht. Jetzt ist Pause.

Sie haben sich schon einmal eine Auszeit vom Ballett gegönnt: Ihre Installationen wurden im Stockholm Museum of Modern Art präsentiert.

Nun, kritische Kritik ist anders. Einige sind sogar angenehm.

Die dich lieben. Zum Beispiel Moskau: Wir loben immer Ihre Auftritte, verehren „Cacti“ und erinnern uns, wie schön Sie im Bolschoi beim Benois de la Danse-Konzert unter Ihrem eigenen Monolog „Woran ich im Bolschoi-Theater denke“ getanzt haben. Dann wurden Sie für Schwanensee nominiert, aber sie haben Ihnen keinen Preis gegeben und die Leistung nicht gezeigt: Sie wollten nicht 6.000 Liter Wasser auf die Bühne des Bolschoi gießen. Was hat Sie dazu bewogen, das russische Hauptballett in Oslo zu inszenieren, und wie schneidet es im Vergleich zum Prototyp ab?

Auf keinen Fall. Am Anfang stand die Idee, viel Wasser auf die Bühne zu gießen. Dann dachten wir: Welches der Ballette hat mit Wasser zu tun? Natürlich Schwanensee. Und jetzt weiß ich nicht, ob es schlau war, meinen Auftritt so zu nennen, da er nichts mit dem Schwanensee-Ballett zu tun hat.

Sie haben Schwanensee mit dem berühmten schwedischen Designer Hendrik Wibskov gemacht. Tanzen wollte er übrigens auch schon als Kind – und gewann sogar einen Preis für Hip-Hop.

Ja? Wußte nicht. Hendrik ist großartig, ich vermisse ihn so sehr. Er und ich stimmen kreativ völlig überein – beide scheinen in eine Richtung verdreht zu sein, um etwas so Verrücktes zu erschaffen. Er hat auch gerne Spaß, kann spielen, seine Modenschauen sind wie Performances. In Paris haben wir mit ihm eine Modenschau in Form von " Schwanensee“: Sie gossen ein Wasserbecken, stellten ein Podium darauf, die Models gingen wie Wasser und Tänzer in Kostümen aus unserer Aufführung bewegten sich zwischen ihnen.

Und postest du alle deine Spiele auf Instagram? Du bist sehr aktiv in den sozialen Medien.

Soziale Netzwerke sind eine sehr bequeme Sache für kreative Person. Ich kann meine fertige Arbeit präsentieren, ich kann zeigen, woran ich gerade arbeite – es ist wie ein Portfolio. Wird für Instagram benötigt besondere Sprache, und ich denke, dass meine Produktionen, die viele visuelle Effekte haben, gut für Instagram sind. Aber ich mag es nicht, wenn Leute Fotos hochladen wie "schau, ich sitze hier mit dem und dem". Realität muss gelebt, nicht gezeigt werden. Netzwerke entstanden neue Form Kommunikation, und es entstand eine neue Sucht - die Leute haben verlernt, miteinander zu reden, aber sie schauen jede Minute auf das Telefon: Wie viele Likes habe ich da?

Sie haben eine Menge: mehr als dreißigtausend Follower auf Instagram – doppelt so viele wie zum Beispiel Paul Lightfoot und Sol Leon, die Hauptchoreografen des berühmten NDT.

Ich will noch mehr. Aber auf der Arbeitsseite. Ich werde die private löschen, weil ich damit dasselbe mache wie alle anderen: Hey, schau, wie schön ich mich amüsiere.

Zurück zur Realität: Wurde Ihnen hier in Moskau eine Produktion angeboten? Oder zumindest die Übertragung einer bereits fertigen Sache?

Ich möchte hier etwas tun. Aber ich habe Pause. Obwohl es ehrlich gesagt in den Proberaum zieht.

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