Was ist der Unterschied zwischen einem Künstler und einem Wissenschaftler? Eine talentierte Person ist in allem talentiert, ein Künstler und ein Schriftsteller in einem.
Das vorherige zeigte, dass Kunst und Wissenschaft einander etwas zu präsentieren haben, anstatt zu gefallen und zu faszinieren. Deshalb werden zwischen ihnen breite Verkehrsadern gelegt, entlang derer ein ständiger Austausch des Erreichten stattfindet. So wie ein Wissenschaftler die Meister der Kunst mit erstklassigen wissenschaftlichen Informationen füttert, taucht er selbst in die Welt der Kunst ein und eignet sich ihre Werte an. Nur dank dieser gegenseitigen Unterstützung können sie ihren Aufenthalt auf der Erde in höchster Weise rechtfertigen.
Natürlich besetzen Wissenschaft und Kunst in der Kultur entgegengesetzte Pole, setzen sich konkrete Ziele und dienen unterschiedlichen menschlichen Bedürfnissen. Aber gerade weil sie anders sind, haben sie allen Grund, sich zur gegenseitigen Unterstützung zusammenzuschließen. Was dem Künstler fehlt, kann er von der Wissenschaft lernen und umgekehrt: Der Forscher gleicht den Mangel an Kommunikation mit der Kunst aus. Sie haben keinen Grund, inkonsequent zu leben. Kein Wunder, dass L. Tolstoi die Verbindung zwischen Wissenschaft und Kunst mit der Verbindung zwischen Lunge und Herz verglich: Wenn ein Organ krank ist, ist es schlecht für das andere.
Tatsächlich. Ist die Wissenschaft in der Lage, sich unabhängig von der Kunst zu entwickeln, ohne ihre lebensspendenden Schlüssel zu berühren? Dann läuft sie Gefahr, seelenlos und flügellos zu werden. Aber auch Kunst ohne wissenschaftlichen Bezug wird inhaltsleer, hohl sein. Sie sind so eng miteinander verbunden, dass ihre Erfolge praktisch alltäglich sind und Fortschritte auf einem Gebiet unweigerlich die Situation auf einem anderen beeinflussen. Um die Ereignisse zu verstehen, die beispielsweise in der Kunst stattgefunden haben, muss man sich daher der Wissenschaft zuwenden, und um die Wendungen des wissenschaftlichen und technischen Denkens zu enträtseln, lohnt es sich, genau hinzusehen, was in der Nähe passiert , in Kunst.
Ich möchte die Worte von Ch. Snow zeichnen. Trotz der Tatsache, dass Wissenschaft und Kunst oft getrennt sind, manchmal sogar in Konfrontation, konvergieren sie oft, und dann "das Aufeinanderprallen zweier Disziplinen, zweier Galaxien - wenn Sie sich nicht scheuen, so weit zu gehen! - kann nicht umhin, einen kreativen Funken zu schlagen. "
Und rechts. In der Menschheitsgeschichte sprühten hin und wieder Funken aus solchen Begegnungen, die sich zu echter kreativer Inspiration entzündeten. Die Wissenschaft hilft Menschen der Kunst, die Welt mit den Augen der Wahrheit zu sehen, gereinigt von Surrogaten und Vermutungen. Kunst wiederum, die die Welt im übertragenen Sinne widerspiegelt, bereichert den Wissenschaftler mit der Fähigkeit, seine Aufgabe aus anderen Höhen zu betrachten und mit der Schönheit der Suche zu fesseln. Dies bekräftigt eine enge, wenn auch nicht immer deutlich sichtbare Verbindung von Wissenschaft und Kunst.
Ihr Gemeinwesen entzündet sich am lebhaftesten dort, wo die Begabungen des Wissenschaftlers und des Künstlers in einer Person zusammenlaufen. Und wenn solche Menschen in beiden Bereichen gleichermaßen hervorragende Ergebnisse zur Welt bringen, lässt sich der Erfolg auch dadurch (oder hauptsächlich dadurch) erklären, dass wir eine gelungene Kombination der Neigungen dieser beiden Arten von Kreativität gleichzeitig vor uns haben.
Unsere Aufmerksamkeit wurde also von der Geschichte des menschlichen Denkens gefesselt, die großzügig die Talente zweier Dimensionen demonstrierte: Die eine bestimmt das Maß der Kunstfertigkeit einer Person, die andere - die Tiefe seiner Forschungsfähigkeiten. Schaffen, schaffen, so ein Mensch, der Wissenschaftler ist, hilft sich dadurch, dass er auch Künstler ist, und als Künstler stärkt er seine Gabe mit den Fähigkeiten eines Wissenschaftlers. Und auch wenn diese verbindenden Fäden äußerlich nicht so sichtbar sind, gibt es doch einen inneren Austausch von Talenten, Methoden der Weltbewältigung, Zugängen zur reflektierten und erlebten Wirklichkeit.
Lassen Sie uns zunächst über jene herausragenden Kunstschaffenden sprechen, die auch in der Wissenschaft spürbare, wenn auch vielleicht nicht so glänzende Spuren hinterlassen haben.
Einer der ersten in dieser Konstellation ist der große persische und tadschikische Dichter und Wissenschaftler des 11. Jahrhunderts Omar Khayyam. Er begann als Mathematiker und Astronom, vertiefte sich dann in andere Bereiche des Naturwissens und beherrschte viele Wissenschaften. Er galt als Schüler und Nachfolger des genialen Naturforschers Ibn Sina. Und nur Freizeit konnte sich der Poesie widmen. In der Poesie hat er sich jedoch höchstwahrscheinlich verewigt.
Lange Zeit, bis ins 19. Jahrhundert, kannte die Welt zwei Khayyams: den Dichter Omar Khayyam und den Mathematiker Al-Qayyami. Entweder ahnten sie es nicht, oder sie konnten einfach nicht glauben, dass dies eine Person war, die hieß: Giyas ad-Din Abu-l-Fath Omar ibn Ibrazhm al-Khayyam an-Naysubarn. So ungewöhnlich langer Name so dekodieren. "Ghiyath ad-Din" - der traditionelle Titel eines Wissenschaftlers, wörtlich "Hilfe des Glaubens". Als nächstes wird sein eigener Name geschrieben, dann der Name seines Vaters und seines Berufes (Khayyam, was "Zeltmeister" bedeutet). Schließlich wird der Wohnort angegeben - Naysubarn oder Nishapur (heute eine Stadt südlich von Aschgabat).
Einer der Gründe, warum es zwei O. Khayyams gab, ist vielleicht, dass er Gedichte in der Literatursprache Farsi schrieb, und wissenschaftliche Arbeiten- in "gelehrtem" Arabisch. Aber die Hauptrolle spielte vermutlich nur eine ungewöhnliche Kombination von mathematischen und poetischen Talenten. Auf die gleiche Weise glaubte Europa einst an zwei M. Lomonosovs. Dazu jedoch später mehr.
Der Dichter O. Khayyam hinterließ ungefähr vierhundert (genauer gesagt dreihundertzweiundachtzig) Rubai. Es sind Vierzeiler, in denen brillante philosophische Aphorismen, soziale Reflexionen mit einem zutiefst persönlichen, lyrischen Thema kombiniert werden.
Als Wissenschaftler ist er berühmt dafür, einen Kalender von erstaunlicher Genauigkeit zusammenzustellen, der es sogar mit dem heute verwendeten gregorianischen Kalender aufnehmen kann. Wenn sich in letzterem ein Fehler von einem Tag über 3300 Jahre ansammelt, dann im Kalender von O. Khayyam für 4500 Jahre! Leider hat es andere Unannehmlichkeiten und ist daher schwierig zu verwenden.
O. Khayyam kannte die Eigenschaft des sogenannten arithmetischen Dreiecks, das erst 16 Jahrhunderte später in Europa entdeckt wurde. Jede Zahl eines solchen Dreiecks ist gleich der Summe der Zahlen, die darüber stehen. O. Khayyam besaß auch eine systematische Überprüfung der Lösung von Gleichungen bis zum dritten Grad einschließlich, er drückte viele geometrische Ideen aus, die die Wahrheiten von Euklid usw. widerspiegelten. Mit einem Wort, wir haben einen Mann mit großen wissenschaftlichen und künstlerischen Talenten, der glücklich ist koexistierten in einer Person.
Gehen wir schnell durch das Mittelalter, wenn wissenschaftlich und künstlerische Praxis vereinigt allgemeines Konzept"Sieben freie Künste". Dazu gehörten: Musik, Rhetorik (Eloquenz), Pädagogik, die die Kunst selbst verkörperte, sowie Arithmetik, Geometrie, Astronomie und Grammatik, die einen Teil der Wissenschaft bildeten. Nicht selten machten dieselben Leute Fortschritte in ihnen.
Und nun befinden wir uns sofort im 18. Jahrhundert, wo die Schöpfungen des Genies des deutschen Volkes, W. Goethe, auf uns warten.
Natürlich ist er in erster Linie Dichter und Schriftsteller. Und dieser Ruhm überschattete seinen anderen Ruhm - einen großen Wissenschaftler. So groß, dass, auch wenn W. Goethe nicht so wäre herausragende Persönlichkeit am Kunsthimmel würde er noch als Naturforscher in die Kulturgeschichte eingehen.
Sie hinterließen 14 Bände (!) wissenschaftliche Forschung. Dazu 45 Bände mit Briefen, Tagebüchern, Essays, in denen viele Seiten mit naturwissenschaftlichen Reflexionen enthalten sind. Kein Wunder, dass K. Timiryazev W. Goethe als das einzige Beispiel in der Geschichte des menschlichen Denkens betrachtete, das einen großen Dichter, Denker und einen herausragenden Wissenschaftler in einer Person vereinte. Offensichtlich präsentierte K. Timiryazev überschätzte Kriterien. In der Weltgeschichte ist W. Goethe nicht allein, aber er ist in der Tat eine herausragende Persönlichkeit.
Besonders wertvoll waren seine Investitionen in die Biologie. Im 19. Jahrhundert wurde die Morphologie (die Lehre von den Formen und der Struktur des Körpers) zum führenden Zweig der Wissenschaft vom Lebendigen, zu ihrer Grundlage und Meisterin. W. Goethe war einer von denen, die gewissermaßen an den Ursprüngen dieser Disziplin standen, und gilt mit Recht als ihr Theoretiker. Ihm gelang es, eine Reihe führender Gesetze in der Struktur der Pflanzenwelt zu identifizieren.
Überhaupt begann W. Goethe relativ spät mit dem Studium der Naturwissenschaften, im Alter von 30 Jahren, als er Minister des „Zwergfürstentums“ Weimar war, wo die Stadt Jena mit ihrer berühmten Universität lag. Doch schon bald veröffentlichte er das Werk „Erfahrung bei der Erklärung der Metamorphose der Pflanzen“, in dem vielleicht zum ersten Mal die Vorstellung von der Einheit des Pflanzenreichs und seiner Entwicklung von einer bestimmten ab Gemeinsamkeit. „Erfahrung“ wird nicht zufällig als Vorläufer des evolutionären Umgangs mit Pflanzen bezeichnet.
W. Goethe selbst formulierte die Hauptschlussfolgerung seiner Arbeit so: „Verschiedene Teile einer Pflanze entstehen aus einem identischen Organ, das, im Grunde gleich bleibend, durch fortschreitende Entwicklung modifiziert und verändert wird.“ Somit haben die Blätter eine gemeinsame Natur, obwohl sie sich in ihrer Lage am Stängel, in Form und Funktion unterscheiden. Es stellt sich heraus, dass die Blume auch ein Blatt ist, nur stark modifiziert. Der Dichter Goethe ließ es sich nicht nehmen, diese naturwissenschaftlichen Ergebnisse in einen poetischen Text zu übersetzen. So sind die "Metamorphosen der Pflanzen" entstanden, in denen wir prächtige Linien finden:
In jeder Blume gibt es eine Ähnlichkeit mit anderen, aber es gibt auch einen Unterschied: Es ist klar, dass im Ganzen ein wunderbares, mächtiges Gesetz verborgen ist, Ein wunderbares Rätsel verborgen ist.
W. Goethe wurde weder von Wissenschaftlern noch von Kunstschaffenden und Freunden verstanden. Seine Ansichten waren zu kühn für diejenigen, die an das alte präformistische Dogma gewöhnt waren. Nach seinen Postulaten enthält der Embryo bereits alle Organe, die ein erwachsenes Individuum hat, nur sind sie vernachlässigbar. Also, im Embryo eines Esels gibt es Ohren und Hufe und alles andere. In Zukunft findet nur noch eine einfache quantitative Erhöhung statt. Von einer qualitativen Entwicklung des Organismus, insbesondere der Evolution des Tieres, könne bei einem solchen Ansatz keine Rede sein.
W. Goethe wurde nicht anders verstanden. Es ist bekannt, dass er die Entdeckung des sogenannten Intermaxillarknochens beim Menschen besitzt, dessen Vorhandensein die Wissenschaftler einstimmig bestritten, weil sie glaubten, dass dies das ist, was Menschen von Tieren unterscheidet. Beim Vergleich der Schädel beider fand W. Goethe bei einer Person Nähte, die, wenn auch schwach, Spuren des Zwischenkieferknochens anzeigten. Er studierte auch Knochen auf zerbrochenen Schädeln, untersuchte die Schädel von Kindern und sogar Föten, mit einem Wort, er arbeitete als echter Naturforscher. Und er bewies seinen Standpunkt.
Ach! Der Artikel von W. Goethe wurde nicht gedruckt. Der prominente Anatom P. Camper beispielsweise begründete seine Ablehnung wie folgt: "Ich bin dennoch etwas beleidigt über die Annäherung unserer Rasse (dh des Menschen) an die Rinderrasse." Und erst 1820, also fast 40 Jahre nach dem Schreiben, wurde der Artikel veröffentlicht, und dann in spärlicher Form: ohne Abbildungen und Tabellen. Es erschien vollständig erst 1831. Aber zu diesem Zeitpunkt war die menschliche Prämaxilla bereits von anderen beschrieben worden.
Der Dichter befasste sich auch mit anderen Fragen der Naturwissenschaft. Ja, hat er entdeckt neue Form Wolken - Kamm, der damit die Artenvielfalt dieses interessanten Naturphänomens auffüllt. Der Himmel lockte ihn auch mit tieferen Distanzen: er lockte mit dem Geheimnis seiner Bläue. Ich wollte es enträtseln, und W. Goethe interessierte sich für die Lehre von der Farbe – Chromatik. So definierte er das Farbproblem. Ich forsche seit ungefähr zwanzig Jahren darüber. Das Ergebnis war seine eigene Theorie der Frage. Es wird in einem zweibändigen Werk (mehr als 1400 Seiten) mit einem Tabellenatlas, einer Beschreibung von Experimenten usw. vorgelegt. Dann hat er dieses Werk bis zu seinem Lebensende nicht verlassen und es mit Artikeln und Kommentaren ergänzt.
Die Schlussfolgerungen basierten auf der irrigen Vorstellung, dass I. Newtons optisches Konzept falsch sei und die Ergebnisse seiner Erfahrung der Zerlegung von weißem Licht in Regenbogenfarben und deren Synthese in weißes Licht unhaltbar seien. Die Theorie von I. Newton, sagte W. Goethe, ist eine alte Burg voller Ratten und Eulen, eine Burg, die ihre militärische Bedeutung verloren hat und dem Erdboden gleichgemacht werden muss.
Was hat er stattdessen vorgeschlagen? Farben kommen ihm zufolge nicht in Form von Strahlen zum Auge, sondern entstehen im Auge, werden von ihm erzeugt. Interessanterweise stellte W. Goethe seine eigene Theorie ziemlich weit über sein künstlerisches Schaffen. So diktierte er kurz vor seinem Tod seinem persönlichen Sekretär I. Eckerman: „Ich mache mir keine Illusionen über das, was ich als Dichter geschaffen habe, hervorragende Dichter haben mit mir gelebt, noch bessere haben vor mir gelebt und werden auch nach mir leben. dass ich in meinem Jahrhundert der einzige bin, der die Wahrheit in der schwierigen Farbenlehre kennt, darauf kann ich ein wenig stolz sein, und deshalb habe ich ein Gefühl der Überlegenheit über viele ... "
Anzumerken ist, dass W. Goethe nach Ansicht von Experten einige Zweideutigkeiten in dem damals vorherrschenden Korpuskularkonzept von I. Newton scharfsinnig gesehen hat. Er machte zum Beispiel als erster darauf aufmerksam, dass sie sich viele optische Effekte nicht erklären konnte, und erschütterte den Glauben an ihre Unfehlbarkeit.
Und doch ist dies nicht die Hauptsache. Eine Reihe von Wissenschaftlern unterstützte damals und später die Ideen von W. Goethe nicht nur im kritischen, sondern auch im positiven Teil. Um nur einige zu nennen: G. Helmholtz, V. Ostwald, K. Timiryazev, A. Stoletov, V. Vernadsky, V. Heisenberg, M. Born ... stimmen zu, dass jeder eine Autorität ist, jeder ein Star des Ersten Größe.
Was ist los? W. Goethe legte den Grundstein für eine neue Lehre - die psychophysiologische Farbenlehre. Bereits in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts erklärten sich prominente Physiologen, der Tscheche J. Purkine (Spitzname „Erwecker“) und der Deutsche I. Müller, zu Anhängern und Schülern W. Goethes und setzten seine Arbeit fort.
I. Müller zum Beispiel glaubt, dass W. Goethe Recht hat, ebenso wie I. Newton Recht hat. Aber sie untersuchten verschiedene Farbebenen: die erste - ihre Psychophysiologie (der Mechanismus der nervösen Empfindungsbildung), die zweite - die Physik äußerer Reize, die eine optische Farbempfindung hervorrufen. Sie widersprechen sich nicht, sondern ergänzen sich.
Wie wir sehen, ist W. Goethe auch in der Naturwissenschaft kein Unbekannter. Hier haben sie noch viel übrig. So kombinierte er erfolgreich einen Dichter und einen Wissenschaftler, was sich offensichtlich sowohl in seinen literarischen als auch in seinen wissenschaftlichen Angelegenheiten auf die günstigste Weise manifestierte.
Fortsetzung der Geschichte über großartige Künstler, der in der Wissenschaft Zeichen gesetzt hat, möchte ich JI erwähnen. Carroll, Autor hochkarätiger literarischer Meisterwerke. Zusätzlich zu den Abenteuern von Alice im Wunderland, über die wir geschrieben haben, hinterließ er ein weiteres Buch, „Durch die Spiegel und was Alice dort sah“, oder „Alice hinter den Spiegeln“.
Allerdings wussten zu seinen Lebzeiten (und auch später) nur wenige, dass die Person, die die großartigen Kindermärchen geschaffen hat, die Erwachsenen zum Lesen vorlesen, ein Mathematiker ist, der auch in der Wissenschaft ernsthafte Erfolge erzielt hat. 26 Jahre lang war er Professor an der berühmten Universität Oxford. Sie sagen, als Königin Victoria, die zur Freude von "Alice" gekommen war, alles lesen wollte, was von JI geschrieben wurde. Carroll, sie haben ihr einen Stapel Abhandlungen über Geometrie hingelegt. Aber lasst uns hören, was die Experten zu sagen haben. Der bekannte sowjetische Geometer I. Yaglom stellt fest, dass L. Carroll „ein außergewöhnliches literarisches Talent und eine bemerkenswerte logische Raffinesse“ hat. Letzteres ermöglichte ihm eine Reihe interessanter mathematischer Ergebnisse, die jedoch von geringerem Rang waren als seine künstlerischen Entdeckungen.
Jetzt bleibt es uns, den richtigen Namen davon mitzuteilen interessante Person-Charles Dodgson. Und Lewis Carroll ist ein Pseudonym. Er kam auf eine ziemlich lustige Art und Weise darauf. Zunächst übersetzte er seinen Vornamen Charles – „Carolus“ – aus dem Englischen ins Lateinische. Dann übersetzte er Lutwidges zweiten Vornamen – „Ludvikus“. (Notiere dass der Europäische Nationen Bei der Geburt erhält ein Kind normalerweise mehrere Namen - zu Ehren von Verwandten, Freunden, Bekannten. Zum Beispiel hat Hegel drei Namen: Georg, Friedrich, Wilhelm.) Also stellte sich heraus "Carolus Ludvikus". Diese neu anordnen lateinische namen Orte und deren erneute Übersetzung ins Englische bekam Lewis Carroll sein Pseudonym. Er verdrängte bald seinen wahren Namen, den Namen eines Geometrielehrers, der gezwungen war, trockene Vorlesungen zu halten und mit praktischen Übungen Melancholie zu machen. Sie sagen, dass einer seiner Schüler einige Jahre später bemerkte: "Denken Sie nur! Damals komponierte er" Alice "..."
Der österreichische Schriftsteller R. Musil, ein Klassiker der deutschsprachigen Literatur des 20. Jahrhunderts, hat in Peru eine Reihe herausragender Werke vorzuweisen. Besonders berühmt ist sein dreibändiger Satireroman „Ein Mann ohne Eigenschaften“, der die traditionelle bildliche Darstellung mit einer tiefen philosophischen Analyse verbindet. Der Leser entfaltet eine großformatige Leinwand des Zusammenbruchs des österreichisch-ungarischen Staates als eine Art "Modell" der allgemeinen Krise des bürgerlichen Europas.
Aber anders als viele seiner Kollegen war R. Musil ein Vertreter des exakten Wissens. Er erhielt eine militärtechnische Ausbildung und studierte gründlich Mathematik, Physik und experimentelle Psychologie. Und obwohl er hier auch etwas bekam, fiel ihm der Haupterfolg in der literarischen Arbeit zu.
Unter den Menschen, die neben dem Talent eines Wissenschaftlers eine künstlerische Begabung hatten, nennen wir gerne den Namen eines Landsmanns, eines wunderbaren Schriftstellers I. Efremov. Er ist nicht nur diplomierter Bergbauingenieur, ein guter Geologe, sondern auch Doktor der Biowissenschaften und ein ausgezeichneter Geschichte kennen. Wahrscheinlich erlaubte ihm diese vielseitige Wissenschaft, diese Kombination von Geologe, Biologe und Historiker in einer Person, ein ziemlich gewichtiges Wort in der Wissenschaft zu sagen. I. Efremov wird als Schöpfer einer neuen Disziplin - der Taphonomie - aufgeführt. Dies ist ein Abschnitt der historischen Geologie, der die Muster des Auftretens der Überreste antiker Organismen in Schichten untersucht Erdkruste. Hier war eine biologisch-historisch-geologische Sichtweise gefragt. 1952 erhielt er für sein Buch „Taphonomy and the Geological Chronicle“ den Staatspreis.
Darüber hinaus war I. Efremov der Leiter einer Reihe von Expeditionen. In einem davon, in der Wüste Gobi, entdeckte er den weltgrößten „Drachenfriedhof“ (Ansammlung von Dinosaurierknochen). Mit einem Wort, wir haben es mit einem herausragenden Naturforscher zu tun. Diese Kombination von Talenten verstärkte und verstärkte seine Neigungen sowohl als Schriftsteller als auch als Wissenschaftler gegenseitig.
Je mehr Zeit uns vom Leben großer Menschen wie Platon, Perikles, Pythagoras trennt, desto bedeutsamer und höher treten die Bilder dieser Titanen des Geistes und Gedankens vor uns auf. Unter ihnen ist zweifellos der große Künstler, brillante Wissenschaftler, der größte Humanist seiner Zeit, Leonardo da Vinci.
Seine Zeitgenossen nannten ihn den „universellen Mann“. Schon damals war klar, dass alles, was er im spirituellen und sozialen Leben dieser Zeit tat, einzigartig und ungewöhnlich war. Dieser Mann vereinte viele Talente und erstaunliche Talente. Er war nicht nur ein großer Künstler, ein großer Mathematiker, Mechaniker und Ingenieur, dem die unterschiedlichsten Wissenschaftszweige Entdeckungen verdanken. Er war auch ein ebenso herausragender Astronom und Kosmograph, Geologe und Botaniker, Anatom und Linguist, Lexikograph und Dichter, Romancier und realistischer Schriftsteller, ein weitsichtiger Denker, der humanistische Kriterien in alles einführte, was den Raum seiner Arbeit ausmachte.
Es wäre eine hoffnungslose Aufgabe, in wenigen Worten alles zusammenfassen zu wollen, was den Namen dieses unübertroffenen Schöpfers seiner Zeit verherrlichte, ihn in den Augen der Nachwelt ewig lebendig machte. Lassen Sie uns nur die Hauptsache hervorheben, die unserer Meinung nach die Grundlage seines Weltruhms bildete - Wissenschaft und Kunst. In den Augen des Künstlers waren Wissenschaft und Kunst nur unterschiedliche Seiten eines einzigen kreativen Prozesses. Einer half dem anderen: Kunst konnte ohne Wissenschaft keine Vollendung erreichen, der Hauch der Kunst musste in der Wissenschaft präsent sein.
Und heute ist das Werk von Leonardo da Vinci für uns das noch unerreichbare Modell, in dem die Qualitäten eines Wissenschaftler-Schöpfers und eines Künstler-Denkers verschmolzen sind. Der Gedanke eines Wissenschaftlers, kombiniert mit dem höchsten spirituellen Potenzial des Einzelnen, führte zu brillanten Ideen, die von unschätzbarem Wert geschaffen wurden Kunstwerke unerwartete und brillante Entdeckungen gemacht.
George Vasari, der erste Kunsthistoriker im wahrsten Sinne des Wortes, scheute sich nicht davor, Leonardo da Vinci als „himmlisch“ und „göttlich“ zu bezeichnen. Heute, nach mehr als fünfhundert Jahren, können wir uns seinen Worten mit noch größerem Grund anschließen. Denn heute erreicht uns die Erkenntnis dieser wahrhaft planetarischen Bedeutung, die alle großen Persönlichkeiten verkörpern. Erst heute fangen wir an, das alles zu verstehen prominente Personen, alle großen Talente sind Brennpunkte höherer Energien, in denen treibende Kraft Evolution. Sie sind es, die den Ruhm und die Vitalität ihrer Länder schaffen. Durch sie und durch sie werden evolutionäre Verschiebungen im Leben des Planeten verwirklicht.
Jahrhunderte vergehen, eine Ära löst die andere ab, gekrönte Personen besetzen Throne und verlassen sie ... Aber sie bleiben nicht im Gedächtnis der Menschheit, sondern diejenigen, die mit der Kraft der Kunst, der Kraft ihres Genies, der Größe ihres Geistes erschaffen wahre Geschichte. Leonardo da Vinci gehört zweifellos zu diesen großen Architekten des Planeten.
Die Geschichte listet die vielfältigen, erstaunlichen Werke von Leonardo da Vinci in allen Lebensbereichen auf. Er hinterließ erstaunliche mathematische Aufzeichnungen, erforschte die Natur der Luftfahrt und stürzte sich in medizinische Überlegungen. Er hat erfunden Musikinstrumente, studierte Farbenchemie, liebte die Wunder der Naturkunde. Er schmückte die Städte mit Prachtbauten, Palästen, Schulen, Buchdepots; baute umfangreiche Kasernen für Truppen; grub einen Hafen, den besten an der gesamten Westküste der Adria, und baute große Kanäle; legte mächtige Festungen; gebaute Kampffahrzeuge; gemalte Militärbilder ... Große Vielfalt!
Aber nach allem Bemerkenswerten blieb Leonardo in der Weltanschauung ein Künstler, ein großer Künstler. Ist das nicht ein Sieg der Kreativität?!
Diese Frage zu beantworten ist so schwierig wie zum Beispiel zu sagen, wie sich ein Delphin von einer Gazelle unterscheidet. Aber die Antwort ist nicht ohne Bedeutung: Biologisch gesehen ist ein Delfin mit einer Gazelle näher verwandt als etwa ein Pferd, das ihr viel ähnlicher sieht. Nur damit diese Ähnlichkeit offensichtlich wird, müssen Sie sehr tief in die Essenz des Problems einsteigen, die Evolutionstheorie anwenden und lernen, wie man scheinbar indirekte, aber tatsächlich Schlüsselmerkmale vergleicht. Um vollständig zu antworten, bräuchte man daher ein Buch, vielleicht mehr als eines, aber hier kann man nur einige Skizzen geben.
Zuallererst müssen wir das Medium berücksichtigen, auf dem die Schöpfung für andere verfügbar wird – eine Art „Lebensraum“. Für einen Künstler ist dies eine Leinwand, ein Foto, eine Datei mit einem Bild ... jemand stickt sogar fotografisch genaue Porträts mit Fäden. Für einen Wissenschaftler, in erster Linie einen Theoretiker, ist ein Medium kein kniffliges Gerät oder eine Substanz, wie sie in Cartoons dargestellt wird. Hauptprinzip Wissenschaft - die Reproduzierbarkeit der Experimente und der erzielten Ergebnisse. Die Frucht der Tätigkeit eines Wissenschaftlers ist also zunächst ein Artikel in wissenschaftliche Zeitschrift oder im öffentlichen Bereich. Je höher der Grad der Wissenschaft (sprich: Mathematik) ist, desto weniger Gelegenheit bleibt außerdem, einige sichtbare Illustrationen zu geben. Und wenn das Bild zumindest äußerlich von mehr oder weniger allen wahrgenommen werden kann, dann ist für das Verständnis des Artikels die Qualifikation für oberflächliche Bekanntschaft viel höher.
Aus diesem Grund kann ein moderner Wissenschaftler, anders als ein Künstler, seine Arbeit nicht mit irgendwelchen versteckten Bedeutungen, Symbolen, versehen, aus denen letztendlich ein Kunstwerk besteht. Auch wenn es für Fachleute schwierig ist, sich mit Arbeiten zu ähnlichen Themen auseinanderzusetzen, dann sollten diese Arbeiten möglichst übersichtlich und übersichtlich in allgemein anerkannten Begriffen dargestellt werden.
Aber hier beginnt der Spaß – die Ähnlichkeiten beginnen. Lassen Sie das Bild in erster Linie auf Gefühle wirken, es muss wie der Artikel verstanden werden. Nicht unbedingt von allen, wenn auch nur von der Zielgruppe, auch wenn diese Zielgruppe aus anderthalb Underground-Freunden besteht – aber verstanden. Das heißt, die "Sprache" des Bildes sollte am Ende vorhanden sein, ebenso wie die Terminologie eines wissenschaftlichen Artikels.
Um die richtige Wirkung zu erzielen, muss das Bild komponiert sein – das gilt aber auch für Artikel. Wie das Material im Artikel zu ordnen ist, worauf zu achten ist, welche Berechnungen und Schlussfolgerungen weggelassen werden, weil sie für das Publikum verständlich sind, und welches Material aufgenommen werden soll, weil es dem Publikum normalerweise unbekannt ist – dem muss man sich ständig stellen. Eleganz ist ein Wort, das der Wissenschaft alles andere als fremd ist, und viele bedeutende Wissenschaftler weisen darauf hin, dass Einfachheit, Schönheit und Wahrheit normalerweise Hand in Hand gehen.
Der letzte Vergleich bezieht sich vielmehr auf den abstraktesten Teil der Wissenschaft – die theoretische Physik und Mathematik. Der Punkt ist das was weniger Wissenschaft gebunden echte Welt- wo die Physik über die Grenzen von Schwarzen Löchern und unter den Planck-Radius hinausgeht, und schon früher für die Mathematik - desto mehr Freiraum für Kreativität entsteht. Kreativität liegt in der Wahl der Axiome und Ansätze, die zur Entwicklung der Theorie verwendet werden. Dennoch sollte es mit Beobachtungen und früheren Ergebnissen übereinstimmen. Und hier möchte ich unwillkürlich eine Analogie nicht nur zur Kunst, sondern zur holländischen Malerei ziehen.
Was ist die Besonderheit von Rembrandts Malerei, was macht ihn einzigartig im Vergleich zu seinen Zeitgenossen? Tatsache ist, dass man in der damaligen holländischen Malerei nach Hyperrealismus strebte - der Künstler arbeitete mit einem Pinsel in einem Haar und reproduzierte jeden Fussel auf dem Teppich, alle Reflexionen und Brechungen einer komplexen Golddekoration in einem noch komplexeren Glasgefäß ... Und dann kommt Rembrandt und schreibt menschliches Auge in drei Strichen. Stellt das Haar dar, kratzt die dunkle Schicht mit der Rückseite des Pinsels und enthüllt die zuvor helle Schicht. Er zeichnet Kleidung und trägt so viel Farbe auf, dass ein Relief entsteht. Stellen Sie sich die Auseinandersetzungen vor, die er mit anderen Künstlern über die Rechtfertigung seiner Technik geführt hat.
Und ich erinnere mich an einen Streit, den ich einmal mit meinem Freund und Kollegen, einem Landsmann von Rembrandt, hatte. Der Streit ging darum, was - in dem verallgemeinerten Fall, an dem wir damals arbeiteten - unter den sogenannten glatten Funktionen zu verstehen sei. Brahm – so heißt sein Kollege – glaubte, dass dies durch bereits existierende Objekte bestimmt werden sollte, für die bereits eine andere Methode erfunden wurde, ich – dass diese Definition allgemein aus dem Finger gesaugt werden kann und die Theorie angepasst werden kann Wahl bereits getroffen. Da gerieten wir fast in Streit. Aber obwohl es in unserem Streit um ein sehr abstraktes Gebiet der Wissenschaft ging, waren unsere Argumente nicht wissenschaftlicher Natur – sie waren ausschließlich ästhetisch. Am Ende hatten wir einfach unterschiedliche Stile, mit ihm zu arbeiten. Ebenso ist es wünschenswert, dass jeder Künstler seinen eigenen Stil entwickelt.
Dieser Stil - der Stil des Künstlers - kann alles sein: von Hyperrealismus und Nachahmung der Klassiker - bis hin zu Dadaismus und Malewitschs Quadrat. Aber ebenso unterscheiden sich die Stile in der Mathematik – von Metamathematik, Beweistheorie – bis hin zu recht angewandten Disziplinen, die in direktem Zusammenhang mit der Geschwindigkeit und Genauigkeit von Berechnungen physikalischer Prozesse in Ingenieurproblemen stehen. Jeder wählt für sich Ansätze und Werkzeuge, manchmal gibt es wenn nicht unüberbrückbare Widersprüche, dann doch zumindest gravierende Missverständnisse zwischen Menschen, die unterschiedliche Richtungen entwickeln – so wie in verschiedene Stile Kunst.
Und auf dieser tiefen Ebene wird der Unterschied zwischen dem Künstler und dem Wissenschaftler gelöscht, genauso wie der Unterschied zwischen einem Delphin, einer Gazelle und einer Infusorie gelöscht wird – schließlich sind sie alle letztendlich Eukaryoten.
Leonardo da Vinci (1452-1519) - die größte Figur, das facettenreiche Genie der Renaissance, der Gründer von Hochrenaissance. Bekannt als Künstler, Wissenschaftler, Ingenieur, Erfinder.
Leonardo da Vinci wurde am 15. April 1452 in der Stadt Anchiano in der Nähe der Stadt Vinci in der Nähe von Florenz geboren. Sein Vater war Piero da Vinci, ein Notar, der aus einer angesehenen Familie in der Stadt Vinci stammte. Nach einer Version war die Mutter eine Bäuerin, nach einer anderen - die Besitzerin der Taverne, bekannt als Katerina.
Im Alter von etwa 4,5 Jahren wurde Leonardo in das Haus seines Vaters gebracht, und in den damaligen Dokumenten wird er als unehelicher Sohn von Piero bezeichnet.
1469 trat er in die Werkstatt ein berühmter Künstler, Bildhauer und Juwelier Andrea del Verrocchio (1435/36–1488). Hier durchlief Leonardo den gesamten Lehrweg: vom Reiben von Farben bis zur Arbeit als Lehrling. Nach Erzählungen von Zeitgenossen malte er in Verrocchios Gemälde "Taufe" (um 1476, Uffizien, Florenz) die linke Figur eines Engels, die sofort Aufmerksamkeit erregte. Die Natürlichkeit der Bewegung, die Glätte der Linien, die Weichheit des Hell-Dunkels – unterscheidet die Figur eines Engels von der strengeren Schrift Verrocchios. Leonardo lebte im Haus des Meisters, und nachdem er 1472 in die Lukasgilde aufgenommen wurde, in die Gilde der Maler.
Eine der wenigen datierten Zeichnungen Leonardos entstand im August 1473. Der Blick auf das Arno-Tal aus großer Höhe wurde mit einem Stift mit schnellen Strichen gemacht, der Vibrationen von Licht und Luft überträgt, was darauf hinweist, dass die Zeichnung aus der Natur stammt (Galerie der Uffizien, Florenz).
Das erste Gemälde, das Leonardo zugeschrieben wird, obwohl seine Urheberschaft von einigen Experten bestritten wird, ist Die Verkündigung (um 1472, Uffizien, Florenz). Leider, unbekannter Autor nachträgliche Korrekturen vorgenommen, die die Qualität der Arbeit erheblich verschlechterten.
"Bildnis der Ginevra de Benci" (1473-1474, Nationalgallerie, Washington) ist von melancholischer Stimmung durchdrungen. Ein Teil des Bildes unten ist abgeschnitten: Wahrscheinlich waren dort die Hände des Modells abgebildet. Die Konturen der Figur werden mit Hilfe des Sfumato-Effekts weicher, der vor Leonardo geschaffen wurde, aber er war es, der das Genie dieser Technik wurde. Sfumato (it. sfumato - neblig, rauchig) - eine in der Renaissance in Malerei und Grafik entwickelte Technik, mit der Sie die Weichheit der Modellierung, die Schwerfassbarkeit von Objektumrissen und das Gefühl der Luftumgebung vermitteln können.
Zwischen 1476 und 1478 Leonardo eröffnet seine Werkstatt. Diese Periode umfasst "Madonna mit einer Blume", die sogenannte. Benois-Madonna (um 1478, Staatliche Eremitage, Sankt Petersburg). Die lächelnde Madonna spricht das auf ihrem Schoß sitzende Jesuskind an, die Bewegungen der Figuren sind natürlich und plastisch. In diesem Bild besteht ein charakteristisches Interesse an der Kunst Leonardos, die innere Welt zu zeigen.
Zu den frühen Arbeiten gehört auch das unvollendete Gemälde Die Anbetung der Könige (1481–1482, Uffizien, Florenz). Den zentralen Platz nimmt die ein Vordergrund Gruppe - Madonna mit Kind und Könige.
1482 reiste Leonardo unter der Schirmherrschaft von Lodovico Sforza (1452–1508), der die Armee unterstützte, nach Mailand, der reichsten Stadt der damaligen Zeit, und gab Unsummen für prunkvolle Feste und den Ankauf von Kunstwerken aus. Leonardo stellt sich seinem zukünftigen Gönner vor und spricht von sich selbst als Musiker, Militärexperte, Erfinder von Waffen, Streitwagen, Maschinen und erst dann von sich selbst als Künstler. Leonardo lebte bis 1498 in Mailand, und diese Zeit seines Lebens war die fruchtbarste.
Der erste Auftrag, den Leonardo erhielt, war die Schaffung einer Reiterstatue zu Ehren von Francesco Sforza (1401–1466), dem Vater von Lodovico Sforza. Leonardo arbeitete 16 Jahre daran und schuf viele Zeichnungen sowie ein acht Meter langes Tonmodell. In dem Bemühen, alle bestehenden Reiterstatuen zu übertreffen, wollte Leonardo eine grandiose Skulptur in der Größe schaffen, um ein sich aufbäumendes Pferd zu zeigen. Aber angesichts technischer Schwierigkeiten änderte Leonardo die Idee und beschloss, ein gehendes Pferd darzustellen.
Im November 1493 wurde das Modell des Reiterlosen Pferdes öffentlich ausgestellt, und dieses Ereignis machte Leonardo da Vinci berühmt.
Es wurden etwa 90 Tonnen Bronze benötigt, um die Skulptur zu gießen. Die begonnene Metallsammlung wurde unterbrochen, und Reiterstandbild wurde nie gecastet.
1499 wurde Mailand von den Franzosen erobert, die die Skulptur als Ziel benutzten. Nach einer Weile brach es zusammen. Das Pferd – ein grandioses, aber nie vollendetes Projekt – ist eines der bedeutendsten Werke der monumentalen Plastikkunst des 16 schöneres und majestätischeres Werk“, nannte das Monument „großer Koloss“.
Am Hof von Sforza arbeitete Leonardo auch als Dekorateur für viele Festlichkeiten, schuf bisher ungesehene Kulissen und Mechanismen und fertigte Kostüme für allegorische Figuren an.
Leonardos unvollendetes Gemälde „Der heilige Hieronymus“ (1481, Vatikanische Museen, Rom) zeigt den Heiligen im Moment der Buße in einer komplexen Wendung mit einem Löwen zu seinen Füßen. Das Bild wurde in schwarz-weiß gemalt. Aber nach dem Lackieren im 19. Jahrhundert wurden die Farben oliv und golden.
"Madonna in den Felsen" (1483-1484, Louvre, Paris) - berühmtes Gemälde Leonardo, von ihm in Mailand gemalt. Das Bild der Madonna, des Jesuskindes, des kleinen Johannes des Täufers und eines Engels in einer Landschaft ist ein neues Motiv in Italienische Malerei diese Zeit. In der Öffnung des Felsens wird eine Landschaft sichtbar, die erhaben ideelle Züge erhält und in der sich die Errungenschaften der Linear- und Luftperspektive zeigen. Obwohl die Höhle schwach beleuchtet ist, ist das Bild nicht dunkel, Gesichter und Gestalten treten sanft aus dem Schatten hervor. Das dünnste Hell-Dunkel (Sfumato) erweckt den Eindruck eines schwachen Streulichts, modelliert Gesichter und Hände. Leonardo verbindet die Figuren nicht nur mit einer gemeinsamen Stimmung, sondern auch mit der Einheit des Raumes.
„Dame mit dem Hermelin“ (1484, Czartoryski-Museum, Krakau) ist eines der ersten Werke von Leonardo als Hofporträtmaler. Das Gemälde zeigt die Geliebte von Lodovik Cecilia Gallerani mit dem Wappen der Familie Sforza, einem Hermelin. Die komplexe Drehung des Kopfes und die exquisite Biegung der Hand der Dame, die geschwungene Haltung des Tieres - alles spricht für die Urheberschaft Leonardos. Der Hintergrund wurde von einem anderen Künstler neu gemalt.
"Porträt eines Musikers" (1484, Pinacoteca Ambrosiana, Mailand). Nur das Gesicht des jungen Mannes ist fertig, der Rest des Bildes ist nicht ausbuchstabiert. Der Gesichtstyp ist den Gesichtern von Leonardos Engeln nahe, nur mutiger ausgeführt.
Noch eine einzigartige Arbeit wurde von Leonardo in einem der Säle des Sforza-Palastes geschaffen, der "Esel" genannt wird. Auf die Gewölbe und Wände dieser Halle malte er Weidenkronen, deren Zweige kunstvoll ineinander verschlungen und mit dekorativen Seilen zusammengebunden sind. Anschließend bröckelte ein Teil der Farbschicht, aber ein wesentlicher Teil wurde erhalten und restauriert.
1495 begann Leonardo mit der Arbeit am Abendmahl (Fläche 4,5 × 8,6 m). Das Fresko befindet sich an der Wand des Refektoriums des Dominikanerklosters Santa Maria delle Grazie in Mailand in einer Höhe von 3 m über dem Boden und nimmt die gesamte Stirnwand des Raumes ein. Leonardo richtete die Perspektive des Freskos auf den Betrachter aus, wodurch es sich organisch in das Innere des Refektoriums einfügt: Die im Fresko dargestellte perspektivische Reduktion der Seitenwände setzt den realen Raum des Refektoriums fort. 13 Personen sitzen an einem Tisch parallel zur Wand. In der Mitte steht Jesus Christus, links und rechts von ihm seine Jünger. Der dramatische Moment der Aufdeckung und Verurteilung des Verrats wird gezeigt, der Moment, in dem Christus gerade die Worte aussprach: „Einer von euch wird mich verraten“, und unterschiedliche emotionale Reaktionen der Apostel auf diese Worte. Die Komposition basiert auf einer streng überprüften mathematischen Berechnung: Im Zentrum steht Christus, dargestellt vor dem Hintergrund der mittleren, größten Öffnung der Rückwand, der Fluchtpunkt der Perspektive fällt mit seinem Kopf zusammen. Die zwölf Apostel sind in vier Gruppen zu je drei Figuren eingeteilt. Jedem wird durch ausdrucksstarke Gesten und Bewegungen eine lebendige Charakteristik verliehen. Die Hauptaufgabe bestand darin, Judas zu zeigen, um ihn von den übrigen Aposteln zu trennen. Indem er ihn mit allen Aposteln auf dieselbe Tischlinie stellte, trennte Leonardo ihn psychologisch durch Einsamkeit.
Die Entstehung des Letzten Abendmahls war zu dieser Zeit ein bemerkenswertes Ereignis im künstlerischen Leben Italiens. Als wahrer Erneuerer und Experimentator gab Leonardo die Freskentechnik auf. Er bedeckte die Wand mit einer speziellen Zusammensetzung aus Harz und Mastix und malte in Tempera. Diese Experimente führten zu größte Tragödie: das Refektorium, das im Auftrag von Sforza eilig repariert wurde, die malerischen Neuerungen von Leonardo, die Niederung, in der sich das Refektorium befand - all dies leistete einen traurigen Dienst für die Erhaltung des Letzten Abendmahls. Die Farbe begann abzublättern, wie schon Vasari 1556 erwähnte.
Das letzte Abendmahl wurde im 17. und 18. Jahrhundert wiederholt restauriert, aber die Restaurierungen waren nicht fachmännisch (die Farbschichten wurden einfach neu aufgetragen).
Mitte des 20. Jahrhunderts, als das Gemälde in einen erbärmlichen Zustand geriet, begannen sie damit wissenschaftliche Restaurierung: alles wurde zuerst behoben Farbschicht, dann wurden spätere Schichten entfernt, Leonardos Temperamalerei wurde geöffnet. Und obwohl das Werk stark beschädigt war, konnten diese Restaurierungsarbeiten sagen, dass dieses Meisterwerk der Renaissance gerettet wurde. Leonardo arbeitete drei Jahre lang an dem Fresko und schuf die größte Schöpfung der Renaissance.
Nach dem Fall von Sforzas Macht im Jahr 1499 reist Leonardo nach Florenz und macht unterwegs Halt in Mantua und Venedig. In Mantua erstellt er einen Karton mit einem Porträt von Isabella d'Este (1500, Louvre, Paris), hergestellt in schwarzer Kreide, Kohle und Pastell.
Im Frühjahr 1500 traf Leonardo in Florenz ein, wo er bald den Auftrag erhielt, im Kloster der Verkündigung ein Altarbild zu malen. Die Bestellung wurde nie abgeschlossen, aber eine der Optionen ist die sogenannte. Burlington House Karton (1499, National Gallery, London).
Einer der bedeutenden Aufträge, die Leonardo 1502 erhielt, um die Wand des Ratssaals der Signoria in Florenz zu schmücken, war die „Schlacht von Anghiari“ (nicht erhalten). Eine weitere Wand zur Dekoration wurde Michelangelo Buonarroti (1475-1564) geschenkt, der dort das Gemälde „Die Schlacht von Cascine“ malte.
Skizzen von Leonardo, die heute verschollen sind, zeigten das Panorama der Schlacht, in deren Mitte der Kampf um das Banner stattfand. Die 1505 ausgestellten Karikaturen von Leonardo und Michelangelo waren ein voller Erfolg. Wie beim letzten Abendmahl experimentierte Leonardo mit Farben, wodurch die Farbschicht allmählich abbröckelte. Jedoch, vorbereitende Zeichnungen, Kopien, die teilweise den Umfang dieser Arbeit erahnen lassen. Insbesondere ist eine Zeichnung von Peter Paul Rubens (1577–1640) erhalten, die die zentrale Szene der Komposition zeigt (um 1615, Louvre, Paris).
Zum ersten Mal in der Geschichte der Schlachtenmalerei zeigte Leonardo das Drama und die Wut der Schlacht.
"Mona Lisa" - das berühmteste Werk von Leonardo da Vinci (1503-1506, Louvre, Paris). Mona Lisa (kurz für Madonna Lisa) war die dritte Frau des Florentiner Kaufmanns Francesco di Bartolomeo del Giocondo. Jetzt ist das Bild leicht verändert: Säulen wurden ursprünglich links und rechts gezeichnet, jetzt abgeschnitten. Klein im Format wirkt das Bild monumental: Mona Lisa wird vor dem Hintergrund einer Landschaft gezeigt, in der sich die Tiefe des Raumes, der Luftschleier in höchster Perfektion ausdrücken. Leonardos berühmte Sfumato-Technik wird hier auf beispiellose Höhen gebracht: Der dünnste, wie schmelzende Hell-Dunkel-Schleier, der die Figur umhüllt, mildert die Konturen und Schatten. In einem leichten Lächeln, in der Lebendigkeit des Gesichtsausdrucks, in der würdevollen Ruhe der Pose, in der Stille der glatten Linien der Hände liegt etwas Flüchtiges, Bezauberndes und Anziehendes.
1506 erhielt Leonardo von Ludwig XII. von Frankreich (1462-1515) eine Einladung nach Mailand.
Nachdem die neuen Gönner Leonardo völlige Handlungsfreiheit gelassen und ihn regelmäßig bezahlt hatten, forderten sie bestimmte Jobs nicht von ihm. Leonardo liebt wissenschaftliche Forschung und wendet sich manchmal der Malerei zu. Dann wurde die zweite Version der Madonna in the Rocks geschrieben (1506–1508, British National Gallery, London).
„Heilige Anna mit Maria und dem Christuskind“ (1500–1510, Louvre, Paris) ist eines der Themen in Leonardos Werk, dem er sich immer wieder zuwendet. Die letzte Entwicklung dieses Themas blieb unvollendet.
1513 reist Leonardo nach Rom, in den Vatikan, an den Hof von Papst Leo X. (1513-1521), verliert aber bald die Gunst des Papstes. Er studiert Pflanzen Botanischer Garten, entwirft Pläne zur Trockenlegung der Pontinischen Sümpfe, schreibt Notizen zu einer Abhandlung über den Aufbau der menschlichen Stimme. Zu dieser Zeit schuf er das einzige „Selbstbildnis“ (1514, Reale Library, Turin), gefüllt mit Röteln, das einen grauhaarigen alten Mann mit langem Bart und einem Blick zeigt.
Leonardos letztes Gemälde wurde ebenfalls in Rom gemalt – „Der heilige Johannes der Täufer“ (1515, Louvre, Paris).
Erneut erhält Leonardo vom französischen König, diesmal von Franz I. (1494-1547), dem Nachfolger Ludwigs XII., ein Angebot, nach Frankreich zu ziehen, auf ein Anwesen in der Nähe des königlichen Schlosses von Amboise.
1516 oder 1517 kommt Leonardo nach Frankreich, wo ihm Wohnungen im Anwesen Cloux zugewiesen werden. Umgeben von der respektvollen Bewunderung des Königs erhält er den Titel „Der erste Künstler, Ingenieur und Architekt des Königs“. Leonardo beschäftigt sich trotz seines Alters und seiner Krankheit mit dem Zeichnen von Kanälen im Loiretal und beteiligt sich an der Vorbereitung von Hoffesten.
Leonardo da Vinci starb am 2. Mai 1519 und hinterließ seine Zeichnungen und Papiere Francesco Melzi, einem Lehrling, der sie sein ganzes Leben lang aufbewahrte. Nach seinem Tod wurden jedoch alle unzähligen Papiere auf der ganzen Welt verteilt, einige gingen verloren, einige lagern in verschiedenen Städten, in Museen auf der ganzen Welt.
Als Naturwissenschaftler aus Berufung beeindruckt Leonardo auch heute noch durch die Breite und Vielfalt seiner wissenschaftlichen Interessen. Seine Forschung auf dem Gebiet des Flugzeugdesigns ist einzigartig. Er studierte den Flug, die Planung von Vögeln, die Struktur ihrer Flügel und schuf die sogenannte. Ornithopter, ein Flugzeug mit Schlagflügeln und ein nicht realisiertes Projekt.
Leonardo schuf einen pyramidenförmigen Fallschirm, ein Modell eines Spiralpropellers (eine Variante des modernen Propellers). Durch die Beobachtung der Natur wurde er zum Experten auf dem Gebiet der Botanik: Er beschrieb als erster die Gesetze der Phyllotaxie (die Gesetze der Anordnung der Blätter an einem Stängel), des Heliotropismus und des Geotropismus (die Gesetze des Einflusses der Sonne und der Schwerkraft). an Pflanzen) entdeckten einen Weg, das Alter von Bäumen anhand von Jahresringen zu bestimmen.
Er war ein Experte auf dem Gebiet der Anatomie: Er beschrieb als erster die Klappe der rechten Herzkammer, demonstrierte Anatomie usw. Er schuf ein System von Zeichnungen, die den Schülern noch heute helfen, die Struktur zu verstehen menschlicher Körper: zeigte ein Objekt in vier Ansichten, um es von allen Seiten zu untersuchen, schuf ein System zur Darstellung von Organen und Körpern im Querschnitt.
Seine Forschungen auf dem Gebiet der Geologie sind interessant: Er gab Beschreibungen von Sedimentgesteinen, Erklärungen von Meeresablagerungen in den Bergen Italiens.
Als Optiker wusste er, dass visuelle Bilder auf der Hornhaut des Auges verkehrt herum projiziert werden. Er war wahrscheinlich der erste, der eine Camera obscura zum Skizzieren von Landschaften verwendete (von lateinisch camera - Raum, obscurus - dunkel) - eine geschlossene Schachtel mit einem kleinen Loch in einer der Wände; Lichtstrahlen werden auf dem Milchglas auf der anderen Seite des Kastens reflektiert und erzeugen ein umgekehrtes Farbbild, das von Landschaftsmalern des 18. Jahrhunderts verwendet wurde, um Ansichten genau wiederzugeben).
In den Zeichnungen von Leonardo gibt es ein Projekt für ein Instrument zur Messung der Lichtintensität, ein Photometer, das erst drei Jahrhunderte später zum Leben erweckt wurde. Er entwarf Kanäle, Schleusen, Dämme. Unter seinen Ideen sind zu sehen: Leichte Schuhe zum Gehen auf dem Wasser, eine Rettungsboje, Schwimmhandschuhe mit Schwimmhäuten, ein Unterwasserbewegungsgerät ähnlich einem modernen Raumanzug, Maschinen zur Herstellung von Seilen, Schleifmaschinen und vieles mehr.
Durch die Kommunikation mit dem Mathematiker Luca Pacioli, der das Lehrbuch „On Divine Proportion“ geschrieben hat, interessierte sich Leonardo für diese Wissenschaft und schuf Illustrationen für dieses Lehrbuch.
Leonardo fungierte auch als Architekt, aber keines seiner Projekte wurde jemals zum Leben erweckt. Er nahm am Wettbewerb für die Gestaltung der zentralen Kuppel des Mailänder Doms teil, entwarf das Mausoleum für Mitglieder der königlichen Familie im ägyptischen Stil, ein Projekt, das er dem türkischen Sultan vorschlug, um eine riesige Brücke über den Bosporus zu bauen, unter der Schiffe könnten passieren.
Eine große Anzahl von Leonardos Zeichnungen blieb erhalten, die mit Rötel, Buntstiften, Pastellkreide (Leonardo wird die Erfindung der Pastellkreide zugeschrieben), Silberstift und Kreide angefertigt.
In Mailand beginnt Leonardo mit der Abfassung einer „Abhandlung über die Malerei“, an der er sein ganzes Leben lang arbeitet, aber nie abgeschlossen wird. In diesem mehrbändigen Leitfaden hat Leonardo darüber geschrieben, wie man auf Leinwand nachbildet die Umwelt, über lineare und Aerial Perspektive, Proportionen, Anatomie, Geometrie, Mechanik, Optik, Zusammenspiel von Farben, Reflexe.
Leben und Werk von Leonardo da Vinci haben nicht nur in der Kunst, sondern auch in Wissenschaft und Technik kolossale Spuren hinterlassen. Maler, Bildhauer, Architekt – er war Naturforscher, Mechaniker, Ingenieur, Mathematiker, machte viele Entdeckungen für zukünftige Generationen.
Leonardo da Vinci ist die größte Persönlichkeit der Renaissance.
Durch literarische Kreativität hätten sie ihre Entdeckungen nicht in der Wissenschaft gemacht. Vielleicht liegt es an der emotionalen Aufwallung künstlerische Tätigkeit vorbereitet und zu einem kreativen Durchbruch in der Wissenschaft gedrängt.
Um die Proportionsgesetze des Goldenen Schnitts sowohl für die Wissenschaft als auch für die Kunst zu entdecken, mussten die antiken griechischen Wissenschaftler Künstler in ihrer Seele sein. Und das ist es tatsächlich. Pythagoras interessierte sich für musikalische Proportionen und Verhältnisse. Außerdem war die Musik die Grundlage der gesamten pythagoräischen Zahlenlehre. Es ist bekannt, dass A. Einstein im zwanzigsten Jahrhundert. viele Etablierten umstürzen wissenschaftliche Ideen, Musik half bei seiner Arbeit. Das Geigenspiel machte ihm ebenso viel Freude wie die Arbeit.
Viele Entdeckungen von Wissenschaftlern haben der Kunst einen unschätzbaren Dienst erwiesen.
Französischer Physiker des 19. Jahrhunderts Pierre Curie forschte über die Symmetrie von Kristallen. Er entdeckte etwas Interessantes und Wichtiges für Wissenschaft und Kunst: Eine teilweise Abwesenheit von Symmetrie führt zur Entwicklung eines Objekts, während vollständige Symmetrie sein Aussehen und seinen Zustand stabilisiert. Dieses Phänomen wurde Dissymmetrie (nicht Symmetrie) genannt. Das Curie-Gesetz besagt: Dissymmetrie erzeugt ein Phänomen.
In der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts. in der Wissenschaft tauchte auch der Begriff der „Antisymmetrie“ auf, also gegen die (Gegen-)Symmetrie. Wenn der allgemein akzeptierte Begriff „Asymmetrie“ für Wissenschaft und Kunst „nicht ganz exakte Symmetrie“ bedeutet, dann ist Antisymmetrie eine bestimmte Eigenschaft und ihre Negation, also Opposition. Im Leben und in der Kunst sind das ewige Gegensätze: Gut – Böse, Leben – Tod, Links – Rechts, Oben – Unten usw.
„Sie haben vergessen, dass sich die Wissenschaft aus der Poesie entwickelt hat: Sie haben die Überlegung nicht berücksichtigt, dass sich beide im Laufe der Zeit auf einer höheren Ebene zum gegenseitigen Nutzen perfekt wieder treffen können.“ I.-V. Goethe
Heute wird diese Prophezeiung wahr. Synthese von wissenschaftlichen und künstlerisches Wissen führt zur Entstehung neuer Wissenschaften (Synergetik, fraktale Geometrie usw.), bildet eine neue künstlerische Sprache Kunst.
Der niederländische Künstler und Geometer Maurits Escher (1898-1972) baute seine dekorativen Arbeiten auf der Grundlage der Antisymmetrie auf. Er war, genau wie Bach in der Musik, ein sehr starker Mathematiker in der Grafik. Das Bild der Stadt in der Gravur "Day and Night" ist spiegelsymmetrisch, aber auf der linken Seite ist es Tag, auf der rechten Seite - Nacht. Die Bilder von weißen Vögeln, die in die Nacht fliegen, bilden die Silhouetten von schwarzen Vögeln, die in den Tag eilen. Besonders interessant ist es zu beobachten, wie aus den unregelmäßigen asymmetrischen Formen des Hintergrunds allmählich Figuren hervortreten.
Finden Sie in der Referenzliteratur die Begriffe "Synergetik", "Fraktal", "fraktale Geometrie". Überlegen Sie, wie sich diese neuen Wissenschaften auf die Kunst beziehen.
Erinnern Sie sich an das Ihnen bekannte Phänomen der Farbmusik, das dank der Arbeit des Komponisten des 20. Jahrhunderts weit verbreitet wurde. A. N. Skrjabin.
Wie verstehen Sie die Aussage von A. Einstein: "Der wahre Wert ist im Wesentlichen nur die Intuition."
Name literarische Werke mit antisymmetrischen Namen (Beispiel "Der Prinz und der Bettelknabe"). Erinnern Sie sich an die Volksmärchen, deren Handlung auf antisymmetrischen Ereignissen basierte.
Künstlerische und kreative Aufgabe
Hören Sie sich Beispiele klassischer, elektronischer und populärer Musik auf Ihrem Computer an, indem Sie die Visualisierungsfunktion aktivieren. Wählen Sie ein Bild, das zur Musik passt: Tanz der bizarren Kreise, Weltraumflug, Appeasement, Flash usw.
Unter dem Einfluss der Entdeckungen von Radioaktivität und ultravioletten Strahlen in der Wissenschaft gründete der russische Künstler Mikhail Fedorovich Larionov (1881-1964) 1912 eine der ersten abstrakten Bewegungen in Russland - den Rayonismus. Er glaubte, dass es notwendig sei, nicht die Objekte selbst darzustellen, sondern die von ihnen ausgehenden Energieströme in Form von Strahlen.
Die Beschäftigung mit den Problemen der optischen Wahrnehmung veranlasste den französischen Maler Robert Delaunay (1885-1941) zu Beginn des 20. Jahrhunderts. auf die Idee der Bildung charakteristischer kreisförmiger Flächen und Ebenen, die den Bildraum dynamisch in Besitz nehmen, indem sie einen vielfarbigen Sturm erzeugen. Der abstrakte Farbrhythmus weckte die Emotionen des Publikums. Die Durchdringung der Hauptfarben des Spektrums und der Schnittpunkt gekrümmter Flächen in den Werken von Delaunay erzeugen Dynamik und wahrhaftig musikalische Entwicklung Rhythmus.
Eines seiner ersten Werke war eine farbige Scheibe, die wie eine Zielscheibe geformt ist, aber die Farbübergänge ihrer benachbarten Elemente haben zusätzliche Farben, was der Scheibe eine außergewöhnliche Energie verleiht.
Der russische Künstler Pavel Nikolayevich Filonov (1882-1941) wurde in den 20er Jahren fertiggestellt. 20. Jahrhundert grafische Komposition - eine der "Formeln des Universums". Darin sagte er die Bewegung subatomarer Teilchen voraus, mit deren Hilfe moderne Physiker versuchen, sie zu finden
Formel des Universums.
Sehen Sie sich die berühmtesten Stiche von M. Escher „Tag und Nacht“, „Sonne und Mond“ an. Welche emotionalen Zustände vermitteln sie? Erkläre warum. Geben Sie eine Interpretation der Handlung der Gravuren.
Hören Sie sich einen Ausschnitt an Symphonisches Gedicht A. Skrjabin "Prometheus". Zeichnen Sie eine Farbpunktzahl für dieses Stück.
Künstlerische und gestalterische Aufgaben
> Skizzieren Sie ein Wappen, eine Marke oder ein Emblem (Bleistift, Kugelschreiber, Tinte;Collage oderApplikationen ;
Computergrafik ) verwenden verschiedene Typen Symmetrie.
> Stellen Sie sich irgendein Objekt oder Phänomen in Form von Energieströmen vor, die davon ausgehen, wie es die strahlenden Künstler taten. Führen Sie eine Komposition in einer beliebigen Technik durch. Wählen Sie die Musik aus, die dieser Komposition zugeordnet ist.
> Führen Sie dekorative Arbeiten mit Antisymmetrie als Prinzip der Bildgewinnung durch (ähnlich den Stichen von M. Escher).
