Das Genre der Programmsymphonischen Dichtung im Werk Liszts. Zwei berühmte symphonische Gedichte F
Die Merkmale idealistischer Abstraktion, Rhetorik und äußerlich rednerischen Pathos brechen durch. Gleichzeitig das Wesentliche symphonische Kreativität Liszt ist großartig: Er verfolgte konsequent seine Idee, „die Musik durch ihre Verbindung mit der Poesie zu erneuern“, und erreichte in einer Reihe von Kompositionen bemerkenswerte künstlerische Perfektion.
Der überwiegenden Mehrheit von Liszts symphonischen Werken liegt die Programmierung zugrunde. Die gewählte Handlung deutete auf Neues hin Ausdrucksmittel, inspirierte mutige Forschungen auf dem Gebiet der Form und Orchestrierung, die Liszt stets mit brillanter Klangfülle und Brillanz kennzeichnete. Der Komponist unterschied die drei Hauptgruppen des Orchesters – Streicher, Holzbläser und Blechbläser – meist klar und setzte die Solostimmen einfallsreich ein. Im Tutti klingt das Orchester harmonisch und ausgewogen, und in den Momenten des Höhepunkts setzte er, ähnlich wie Wagner, oft kräftige Blechbläser-Unisoni vor dem Hintergrund von Streicherfigurationen ein.
Liszt ging als Schöpfer eines neuen romantischen Genres in die Musikgeschichte ein – der „Symphonischen Dichtung“: Zum ersten Mal nannte er neun Werke, die bis 1854 fertiggestellt und 1856-1857 veröffentlicht wurden; vier weitere Gedichte wurden später geschrieben.
Liszts symphonische Dichtungen sind große Programmwerke in freier einsätziger Form. (Nur die letzte symphonische Dichtung – From the Cradle to the Grave (1882) – ist in drei kleine Teile gegliedert, die ohne Unterbrechung verlaufen.), wobei oft verschiedene Gestaltungsprinzipien kombiniert werden (Sonate, Variation, Rondo); manchmal „absorbiert“ diese Einstimmigkeit die Elemente eines vierteiligen symphonischen Zyklus. Entstehung dieses Genre wurde durch den gesamten Entwicklungsgang der romantischen Symphonie vorbereitet.
Einerseits gab es eine Tendenz zur Einheit des mehrteiligen Zyklus, seiner Vereinheitlichung durch übergreifende Themen, der Verschmelzung von Stimmen (Mendelssohns Schottische Symphonie, Schumanns Symphonie in d-moll und andere). Andererseits war der Vorgänger der symphonischen Dichtung die Programmkonzertouvertüre, die die Sonatenform frei interpretierte (Mendelssohns Ouvertüren und früher Beethovens Leonore Nr. 2 und Coriolan). Um diesen Zusammenhang zu betonen, nannte Liszt viele seiner zukünftigen symphonischen Gedichte in den ersten Fassungen Konzertouvertüren. Bereitete die Geburt eines neuen Genres und großer einsätziger Werke für Klavier ohne detailliertes Programm vor – Fantasien, Balladen usw. (Schubert, Schumann, Chopin).
Der Kreis der von Liszt in symphonischen Gedichten verkörperten Bilder ist sehr breit. Er war inspiriert Weltliteratur alle Altersgruppen und Völker - von alter Mythos(„Orpheus“, „Prometheus“), englische und deutsche Tragödien des 17.-18. Jahrhunderts („Hamlet“ von Shakespeare, „Tasso“ von Goethe) bis hin zu Gedichten französischer und ungarischer Zeitgenossen („Was man auf dem Berg hört“ und „Mazeppa“ von Hugo, „Präludien » Lamartine, „To Franz Liszt“ Vörösmarty). Wie in Klavierwerk Liszt verkörperte in seinen Gedichten oft die Bilder der Malerei („Hunnenschlacht“ basierend auf dem Gemälde). Deutscher Künstler Kaulbach, „Von der Wiege bis zur Bahre“ nach einer Zeichnung des ungarischen Künstlers Zichy) usw.
Doch in der bunten Vielfalt der Handlungsstränge wird die Anziehungskraft des heroischen Themas deutlich. Liszt wurde von darstellenden Handlungen angezogen stark im Geiste Menschen, Bilder großer Volksbewegungen, Schlachten und Siege. Er verkörperte in seiner Musik das Bild alter Held Prometheus, der zum Symbol für Mut und unbeugsamen Willen wurde. Wie die romantischen Dichter verschiedener Länder (Byron, Hugo, Slowaken) machte sich Liszt Sorgen um das Schicksal des jungen Mazepa, eines Mannes, der beispielloses Leid überwand und großen Ruhm erlangte. (Eine solche Aufmerksamkeit galt Mazepas Jugend (der Legende nach war er an den Hintern eines Pferdes gefesselt, das viele Tage und Nächte lang durch die Steppe rannte) und nicht dem historischen Schicksal des Hetmans der Ukraine – eines Verräters des Mutterlandes – ist im Gegensatz zu Puschkin typisch für ausländische Romantiker.). In „Hamlet“, „Tasso“, „Präludien“ verherrlichte der Komponist die menschliche Lebensleistung, seine ewigen Impulse zu Licht, Glück, Freiheit; in „Ungarn“ besang er die glorreiche Vergangenheit seines Landes, seinen heroischen Befreiungskampf; „Lament for Heroes“, gewidmet den revolutionären Kämpfern, die für die Freiheit ihres Heimatlandes gefallen sind; In der „Hunnenschlacht“ malte er ein Bild eines gigantischen Völkerkampfes (die Schlacht des christlichen Heeres mit den Horden Attilas im Jahr 451).
Liszt hat eine besondere Herangehensweise an die literarischen Werke, die die Grundlage des Programms der symphonischen Dichtung bildeten. Wie Berlioz leitet er die Partitur normalerweise mit einer detaillierten Darstellung der Handlung ein (oft sehr ausführlich, einschließlich der Entstehungsgeschichte der Idee und abstrakter philosophischer Überlegungen); manchmal - Auszüge aus einem Gedicht und sehr selten nur auf eine allgemeine Überschrift beschränkt („Hamlet“, „Festliche Glocken“). Aber im Gegensatz zu Berlioz interpretiert Liszt das detaillierte Programm verallgemeinert und vermittelt nicht die konsequente Entwicklung der Handlung durch Musik. Sein Ziel ist es normalerweise, ein helles, hervorstechendes Bild zu schaffen. zentraler Held und die ganze Aufmerksamkeit des Zuhörers auf seine Erlebnisse richten. Auch dieses zentrale Bild wird nicht in einem konkreten Alltag, sondern in einer verallgemeinerten, erhabenen Weise interpretiert, als Träger einer großen philosophischen Idee.
In den besten symphonischen Gedichten gelang es Liszt, einprägsame musikalische Bilder zu schaffen und diese in verschiedenen Formen darzustellen Lebenssituationen. Und je vielfältiger die Umstände sind, unter denen der Held kämpft und unter deren Einfluss sich verschiedene Aspekte seines Charakters offenbaren, desto heller kommt sein Erscheinungsbild zum Vorschein, desto gehaltvoller ist der Inhalt des Gesamtwerks.
Die Charakteristika dieser Lebensumstände werden durch eine Vielzahl musikalischer Ausdrucksmittel geschaffen. Eine wichtige Rolle spielt die Verallgemeinerung durch das Genre: Liszt verwendet bestimmte, historisch etablierte Genres wie Marsch, Choral, Menuett, Pastoral und andere, die zur Konkretisierung beitragen Musikalische Bilder und sie verständlicher zu machen. Oft benutzt er visuelle Techniken um Bilder von Stürmen, Schlachten, Rennen usw. zu erstellen.
Leitung zentrales Bild führt zum Prinzip des Monothematismus – das gesamte Werk basiert auf der Modifikation eines Leitthemas. So sind viele von Lists Heldengedichten aufgebaut („Tasso“, „Präludien“, „Mazeppa“). Monothematismus ist weitere Entwicklung Variationsprinzip: Anstelle einer schrittweisen Offenlegung der Möglichkeiten des Themas erfolgt ein direkter Vergleich seiner weit entfernten, oft gegensätzlichen Varianten. Dadurch entsteht ein einziges und zugleich vielschichtiges, wandelbares Bild des Helden. Die Transformation des Hauptthemas wird als Darstellung verschiedener Aspekte seines Charakters wahrgenommen – als Veränderungen, die sich aus bestimmten Lebensumständen ergeben. Abhängig von der konkreten Situation, in der der Held agiert, ändert sich auch die Struktur seines Themas.
Symphonisches Gedicht
Genre der symphonischen Programmmusik. Ein einstimmiges Orchesterwerk, ganz im Sinne der romantischen Idee vom Gesamtkunstwerk, das es ermöglicht verschiedene Quellen Programme (Literatur, Malerei, seltener Philosophie oder Geschichte). Der Schöpfer des Genres ist F. Liszt.
Wikipedia
Symphonisches Gedicht- Genre symphonische Musik Ausdruck der romantischen Idee des Gesamtkunstwerks. Eine Symphonische Dichtung ist ein einstimmiges Orchesterwerk, das verschiedene Programmquellen (Literatur und Malerei, seltener Philosophie oder Geschichte; Naturbilder) zulässt. Die symphonische Dichtung zeichnet sich durch freie Entfaltung aus Musikalisches Material, die verschiedene Gestaltungsprinzipien kombiniert, am häufigsten Sonate und Monothematismus mit Zyklizität und Variation.
Die Entstehung der symphonischen Dichtung als Gattung ist vor allem mit dem Namen Franz Liszt verbunden, der zwischen 1848 und 1881 zwölf Werke dieser Form schuf. Einige Forscher verweisen jedoch auf Cesar Francks Aufsatz „Was man auf dem Berg hört“ aus dem Jahr 1846, der auf einem Gedicht von Victor Hugo basiert und Liszts Komposition auf derselben Grundlage vorausgeht; Franks Gedicht blieb jedoch unvollendet und unveröffentlicht, und der Komponist wandte sich erst viel später wieder dieser Gattung zu. Liszts unmittelbarer Vorgänger ist Felix Mendelssohn, vor allem seine Hebriden-Ouvertüre (1830-1832).
Nach Liszt arbeiteten viele andere Komponisten in diesem Genre – M. A. Balakirev, H. von Bülow, J. Gershwin, A. K. Glasunow, A. Dvorak, V. S. Kalinnikov, M. Karlovich, S. M. Lyapunov, S. S. Prokofiev, S. V. Rachmaninov, A. G. Rubinshtein, C . Saint-Saens, J. Sibelius, A. N. Skryabin, B. Smetana, J. Suk, Z. Fibich, S. Frank, P. I. Tschaikowski, M. K. Ciurlionis, A. Schönberg, E. Chausson, D. D. Schostakowitsch, R. Strauss, J . Enescu und andere.
„Gedicht“ für Violine und Orchester von E. Chausson entstand ebenfalls unter dem Einfluss der Gattung der symphonischen Dichtung.
„Choreografisches Gedicht“ „Walzer“ von M. Ravel ist ein symphonisches Gedicht, das die Möglichkeit einer Bühnenverkörperung nahelegt.
Das radikalste Umdenken des Genres der symphonischen Dichtung wurde von D. Ligeti in seiner Symphonischen Dichtung für 100 Metronome vorgeschlagen.
Auch andere Genres wurden in ihrer Entwicklung von der Symphonischen Dichtung beeinflusst –
Liszt ist ein Erneuerer und Schöpfer des Genres der symphonischen Dichtung.
Eine symphonische Dichtung ist eine programmatische Orchesterkomposition, ein Genre, das in der Ära der Romantik weit verbreitet war und Elemente einer Programmsymphonie und einer Konzertouvertüre umfasst. Dieses Genre wurde im Werk von F. Liszt, der diesen Namen einführte, vollständig entwickelt. Er gab es erstmals 1854 in der Tasso-Ouvertüre. Danach begann er, alle seine einteiligen symphonischen Kompositionen symphonische Dichtungen zu nennen. Der Name selbst weist auf die Verbindung zwischen Musik und Poesie hin. Auch eine wichtige Art von Programmmusik ist Software-Symphonie.
Liszt schrieb 13 symphonische Gedichte, die berühmtesten sind Präludien (1848), Tasso, Orpheus (1854), Hunnenschlacht (1857), Ideale (1867) und Hamlet (1858). Seine Gedichte vereinen unterschiedliche Strukturen und Merkmale verschiedener Instrumentalgattungen.
Monothematismus (von mono... und Thema), das Prinzip der Konstruktion eines Musikwerks, verbunden mit der Vereinheitlichung eines Themas des Sonaten-Sinfonie-Zyklus oder davon abgeleiteter einstimmiger Formen. Ein frühes Beispiel des Monothematismus - Beethovens 5. Symphonie, Ausgangsthema die sich in veränderter Form durch alle Teile hindurchzieht. höhere Entwicklung Der Monothematismus erreichte im Zeitalter der musikalischen Romantik seinen Höhepunkt Musikalische Werke G. Berlioz und F. Liszt. In den symphonischen Gedichten von F. Liszt, neuer Typ Formen, die die Merkmale des Sonaten-Allegro und des Sonaten-Sinfonie-Zyklus vereinen; Die Integrität der Werke wird durch die Verwendung eines Themas gewährleistet, das figurative Transformationen durchläuft und je nach unterschiedlichen Stadien der Handlungsentwicklung ein anderes Erscheinungsbild annimmt.
F. Liszt „Präludien“ – Symphonische Dichtung C-Dur (1854)
Das Gedicht war als Ouvertüre zu Vier gedacht Männerchöre basierend auf Otrans Gedichten „Die vier Elemente“ („Erde“, „Winde“, „Wellen“, „Sterne“). Die erste Version wurde 1848 fertiggestellt. Bis 1854 wurde es als eigenständiges Werk mit einem Epigraph von Lamartine überarbeitet. Liszts Gedicht ist viel heller und figurativer als sein Programm. Die Präludien sind eines der schönsten symphonischen Werke Liszts. Der Komponist ging als Schöpfer einer neuen romantischen Gattung in die Musikgeschichte ein – der „Symphonischen Dichtung“, einer Einstimmigkeit symphonisches Werk freie Form.
Liszt gilt als herausragende Persönlichkeit der Musikgeschichte. Als Komponist und Transkriptor schuf er über 1.300 Werke. Liszt gab bei seiner kompositorischen Tätigkeit dem Soloklavier die Hand. Wahrscheinlich am meisten beliebtes Werk Liszt – Träume der Liebe, und aus der grandiosen Liste seiner anderen Klavierwerke kann man 19 Ungarische Rhapsodien, einen Zyklus von 12 Transzendentalen Etüden und drei Zyklen kleiner Stücke mit dem Titel „Jahre der Wanderungen“ hervorheben. Liszt schrieb außerdem mehr als 60 Lieder und Romanzen für Gesang und Klavier sowie mehrere Orgelwerke, darunter eine Fantasie und eine Fuge über das BACH-Thema.
Der größte Teil des Klaviernachlasses des Komponisten besteht aus Transkriptionen und Paraphrasen von Musik anderer Autoren. Zu Liszts Transkriptionen gehören Klaviertranskriptionen von Beethovens Sinfonien und Fragmente aus Werken von Bach, Bellini, Berlioz, Wagner, Verdi, Glinka, Gounod, Meyerbeer, Mendelssohn, Mozart, Paganini, Rossini, Saint-Saëns, Chopin, Schubert, Schumann und anderen.
Liszt wurde zum Schöpfer der Gattung der einsätzigen halbprogrammierten symphonischen Form, die er symphonische Dichtung nannte. Dieses Genre sollte nichtmusikalische Ideen ausdrücken oder nacherzählen Musikalische Mittel Werke der Literatur und Bildende Kunst. Die Einheit der Komposition wurde durch die Einführung von Leitmotiven oder Leitmotiven erreicht, die sich durch das gesamte Gedicht ziehen. Unter Liszts Orchesterwerken (oder Stücken mit Orchester) sind die symphonischen Dichtungen am interessantesten, insbesondere die Präludien (1854), Orpheus (1854) und Ideale (1857).
Für verschiedene Formulierungen Unter Mitwirkung von Solisten, Chor und Orchester komponierte Liszt mehrere Messen, Psalmen und das Oratorium Die Legende der Heiligen Elisabeth (1861). Darüber hinaus sind die Faust-Symphonie mit Chorfinale (1857) und die Sinfonie zu erwähnen Göttliche Komödie Dante mit Frauenchor am Ende (1867): Beide Werke lehnen sich stark an die Prinzipien der symphonischen Dichtungen an. Bis heute werden Liszts Klavierkonzerte aufgeführt – in A-Dur (1839, Ausgaben 1849, 1853, 1857, 1861) und in Es-Dur (1849, Ausgaben 1853, 1856). Liszts einzige Oper, der einaktige Don Sancho, wurde von einem 14-jährigen Komponisten geschrieben und gleichzeitig inszeniert (überstanden fünf Aufführungen). Opernpartitur, lange Zeit Es gilt als verschollen und wurde 1903 entdeckt.
Die von Liszt verwendeten Chromismen bereicherten nicht nur den romantischen Stil des letzten Jahrhunderts, sondern, was noch wichtiger ist, nahmen die Krise der traditionellen Tonalität im 20. Jahrhundert vorweg. Liszt war ein Anhänger der Idee des Gesamtkunstwerkes als höchste Form des künstlerischen Ausdrucks.
In den 30er und 40er Jahren des 19. Jahrhunderts tauchten neue Ideen in der Kultur der Romantik auf. Musikgenres: * einsätzige programmatische symphonische Dichtung, * Transkriptionen, Paraphrasen, Rhapsodien, für Klavier. Der Schöpfer dieser Genres ist der Komponist Franz Liszt (1811 - 1886). Gründer des ungarischen Profis klassische Musik. Liszt war: ein Komponist, herausragender Pianist, zusammen mit Chopin - bester Pianist Europa. Liszt hat wie Chopin die Technik des Klavierspiels erheblich bereichert. Zur Entwicklung der Klaviertechnik schuf er den Zyklus „Etüden der höchsten Spielkunst“. Hat den größten Teil seines Lebens verbracht Solokonzerte V verschiedene Länder Europa. Derijer, Propagandist symphonischer Musik verschiedener Stilrichtungen und Epochen. Blatt Musikkritiker, ein Musikwissenschaftler, veröffentlichte eine Reihe von Artikeln über Komponisten, hauptsächlich über Romantiker. Lehrer an den Konservatorien Weimar und Genf, begrüßte junge Komponisten und machte Musik populär. mächtige Handvoll". Einsätzige programmatische symphonische Dichtung von Liszt. In diesem Genre verdichtete Liszt die Merkmale der Symphonie in einem. Jedes der Gedichte ist nach einem bestimmten Thema geschrieben Literarische Arbeit: „Hamlet“, „Tasso“, „Prometheus“, „Ideale“, „Orpheus“, „Was ist auf dem Berg zu hören?“, „Präludien“, „Ungarn“, Mazepa – die Hauptübertragung der allgemeinen Idee.
„Präludien“ – Gedichte von Lamartin, das Leben – ein Vorspiel zum Tod. Sonatenform, in Exposition Hauptpartei das Bild einer Person wird präsentiert, im Sekundärteil - das Thema Liebe, in der Entwicklung - eine Naturszene, in der Reprise - ein Marsch zur Überwindung aller Lebensschwierigkeiten, + ein feierlicher GP und PP, mit erstem PP, dann GP – eine Spiegel-Reprise.
Neuerung: 1) Ouvertüre – Einleitung – 3 Töne, der Eindruck ist, als würde das Instrument gestimmt, und daraus entsteht das Thema Mensch und Liebe. Als Geburt verschiedener Themen werden Melodien ab dem 1. und gleicher Intonation bezeichnet Monothematismus. Die Genres Paraphrase und Transkription sind nicht neu; sie wurden in der Barockmusik im Werk von I.S. gefunden. Bach. Transkription– eine neue Interpretation der geschaffenen Musik, ein anderer Autor, Klavierfassung Orchesterkonzerte unter Beibehaltung der Klänge des Originals. Das Blatt tut dasselbe. Im Barock entstand ein Genre (Bach verlagerte sich vom Konzert ins Heim – „Arrangements“). Paraphrase- + ein Element für sich. Liszt übernimmt seine Lieblingsstücke aus Opern => Teile der Oper auf das Klavier übertragen, + Durchführungselemente einführen (er schrieb das Quartett ab und variierte Schuberts Serenade). Rhapsodie - Rapsod - Volkswandermusiker, es werden Volksmotive verwendet. Freie Fantasie über die Menschen. Angesichts des kraftvollen Orchesterstils Liszts wurden seine Rhapsodien für das Symphonieorchester arrangiert.
19. Romantische Instrumentalminiaturen.
(siehe Schumann)
20. Romantische Gesangsminiaturen.
(siehe Schubert)
21. Musikalische Helden von F. Schuberts Ballade „Der Fuchszar“.
Siehe Schubert
22. „Präludien“ von F. Liszt – die Besonderheit des Genres.
(Literatur und Malerei, seltener - Philosophie oder Geschichte; Naturbilder). Eine symphonische Dichtung zeichnet sich durch die freie Entwicklung des musikalischen Materials aus, das verschiedene Gestaltungsprinzipien kombiniert, meist Sonate und Monothematismus mit Zyklizität und Variation.
Die Entstehung der symphonischen Dichtung als Gattung ist vor allem mit dem Namen Franz Liszt verbunden, der in den Jahren 12 Werke dieser Form schuf. Einige Forscher verweisen jedoch auf das Werk von César Franck im Zusammenhang mit der Stadt „Was auf dem Berg zu hören ist“ (fr. Ce qu "on endend sur la montagne ), basierend auf einem Gedicht von Victor Hugo und vor Liszts Gedicht auf derselben Grundlage; Franks Gedicht blieb jedoch unvollendet und unveröffentlicht, und der Komponist wandte sich erst viel später wieder dieser Gattung zu. Liszts unmittelbarer Vorgänger ist Felix Mendelssohn, vor allem seine Hebriden-Ouvertüre (-).
Nach Liszt arbeiteten viele andere Komponisten in diesem Genre – M. A. Balakirev, H. von Bülow, J. Gershwin, A. K. Glasunow, A. Dvorak, V. S. Kalinnikov, M. Karlovich, S. M. Lyapunov S. S. Prokofiev, P. I. Tschaikowsky, M. K. Chiurlionis, A. Schönberg, E. Shosson, D. D. Schostakowitsch, R. Strauss, J. Enescu und andere.
Auch andere Genres – Sinfonie, Konzert, Gedicht, Sonate – wurden von der symphonischen Dichtung beeinflusst.
Schreiben Sie eine Rezension zum Artikel „Symphonische Dichtung“
Ein Auszug, der das Symphonische Gedicht charakterisiert
Um zehn Uhr waren bereits zwanzig Menschen aus der Batterie weggetragen worden; Zwei Geschütze gingen kaputt, immer mehr Granaten trafen die Batterie und flogen, summend und pfeifend, weitreichende Geschosse. Aber die Leute, die an der Batterie waren, schienen das nicht zu bemerken; Von allen Seiten waren fröhliche Gespräche und Witze zu hören.- Chinenko! - schrie der Soldat die herannahende, pfeifende Granate an. - Nicht hier! Zur Infanterie! - fügte ein anderer lachend hinzu, als er bemerkte, dass die Granate vorbeiflog und die Reihen der Deckung traf.
- Welcher Freund? - lachte ein anderer Soldat über den hockenden Bauern unter der fliegenden Kanonenkugel.
Mehrere Soldaten versammelten sich am Wall und beobachteten, was vor ihnen geschah.
„Und sie haben die Kette abgenommen, sehen Sie, sie sind zurückgegangen“, sagten sie und zeigten über den Schacht.
„Sehen Sie sich Ihr Geschäft an“, rief ihnen der alte Unteroffizier zu. - Sie sind zurückgegangen, was bedeutet, dass es wieder Arbeit gibt. - Und der Unteroffizier packte einen der Soldaten an der Schulter und schubste ihn mit dem Knie. Gelächter war zu hören.
- Weiter zur fünften Waffe! schrie von einer Seite.
„Gemeinsam, freundschaftlicher, in Burlatski“, waren die fröhlichen Rufe derjenigen zu hören, die die Waffe wechselten.
„Ja, ich hätte unserem Herrn fast den Hut abgerissen“, lachte der rotgesichtige Witzbold Pierre an und zeigte dabei seine Zähne. „Oh, ungeschickt“, fügte er vorwurfsvoll zu dem Ball hinzu, der in das Rad und das Bein eines Mannes gefallen war.
- Na ja, ihr Füchse! ein anderer lachte über die sich windenden Milizsoldaten, die die Batterie für die Verwundeten betraten.
- Al ist kein leckerer Brei? Ah, Krähen, schwankte! - schrien sie die Miliz an, die vor einem Soldaten mit abgetrenntem Bein zögerte.
„So etwas in der Art, Kleiner“, ahmten die Bauern nach. - Sie mögen keine Leidenschaft.
Pierre bemerkte, wie nach jedem getroffenen Schuss, nach jedem Verlust eine allgemeine Erweckung immer stärker aufflammte.
Wie aus einer vorrückenden Gewitterwolke blitzten auf den Gesichtern all dieser Menschen (wie in Abneigung gegen das Geschehen) immer häufiger und immer heller Blitze verborgenen, aufflammenden Feuers auf.
Pierre schaute nicht nach vorne auf das Schlachtfeld und war nicht daran interessiert zu wissen, was dort geschah: Er war völlig in die Betrachtung dieses immer brennenderen Feuers vertieft, das auf die gleiche Weise (wie er fühlte) in seiner Seele aufflammte.
Um zehn Uhr zogen sich die Infanteriesoldaten, die im Gebüsch und am Fluss Kamenka vor der Batterie standen, zurück. Von der Batterie aus war zu sehen, wie sie mit den Verwundeten auf ihren Gewehren daran vorbeirannten. Ein General betrat mit seinem Gefolge den Hügel und ging nach einem Gespräch mit dem Oberst, der Pierre wütend ansah, wieder hinunter und befahl der Infanteriedeckung, die hinter der Batterie stand, sich hinzulegen, um den Schüssen weniger ausgesetzt zu sein. Anschließend waren in den Reihen der Infanterie rechts von der Batterie Trommeln und Befehlsrufe zu hören, und aus der Batterie war deutlich zu erkennen, wie sich die Reihen der Infanterie vorwärts bewegten.
Pierre blickte über den Schacht. Ein Gesicht fiel ihm besonders ins Auge. Es war ein Offizier, der mit einem blassen, jungen Gesicht rückwärts ging, ein gesenktes Schwert trug und sich unruhig umsah.
Die Reihen der Infanteriesoldaten verschwanden im Rauch, ihr langgezogenes Geschrei und das häufige Abfeuern von Waffen waren zu hören. Wenige Minuten später kamen Scharen von Verwundeten und Krankentragen von dort vorbei. Die Granaten trafen die Batterie noch häufiger. Mehrere Menschen lagen ungereinigt da. In der Nähe der Kanonen bewegten sich die Soldaten geschäftiger und lebhafter. Niemand schenkte Pierre mehr Beachtung. Ein- oder zweimal wurde er wütend angeschrien, weil er unterwegs war. Der leitende Offizier bewegte sich mit einem Stirnrunzeln im Gesicht mit großen, schnellen Schritten von einer Waffe zur nächsten. Der junge Offizier, noch roter geworden, kommandierte die Soldaten noch eifriger. Die Soldaten feuerten, drehten sich um, luden und erledigten ihre Arbeit mit großem Elan. Sie hüpften auf dem Weg wie auf Federn.
Symphonisches Gedicht
(deutsch symphonische Dichtung, französisch poime symphonique, englisch symphonisches Gedicht, italienisch poeta sinfonica) ist eine einstimmige Software-Symphonie. arbeiten. Das Genre des S. p. wurde im Werk von F. Liszt vollständig entwickelt. Der Name selbst stammt von ihm. „S. p.“ Zum ersten Mal gab Liszt es 1854 mit seiner bereits 1849 geschriebenen Tasso-Ouvertüre, woraufhin er als bekannt wurde. S. p. alle ihre einstimmigen Programmsymphonien. Aufsätze. Name „S. p.“ weist auf einen Zusammenhang bei dieser Art von Produkt hin. Musik und Poesie - im Sinne der Umsetzung der Handlung des einen oder anderen lit. Kompositionen und im Sinne der Ähnlichkeit von S. p. mit demselben Namen. Genre der Poesie. Klage. S. p. ist der wichtigste. Art Symbol. Programmmusik. Werke wie S. p. bekommen manchmal andere Namen – symphonische Fantasie, Symphonie. Legenden, Balladen usw. Schließen Sie S. p., besitzen Sie jedoch ein spezifisches. Merkmale der Vielfalt der Programmmusik - Ouvertüre und symphonisches Bild. DR. die wichtigste Art von Symphonie. Programmmusik ist eine Programmsymphonie, die einen Zyklus aus 4 (und manchmal 5 oder mehr) Teilen darstellt.
13 S. S. sind auf einem Blatt geschrieben. Die bekanntesten davon sind Präludien (nach A. Lamartine, um 1848, letzte Ausgabe 1854), Tasso (nach I. V. Goethe), Orpheus (1854), „Schlacht von „Die Hunnen“ (nach dem Gemälde von W. Kaulbach, 1857), „Ideale“ (nach F. Schiller, 1857), „Hamlet“ (nach W. Shakespeare, 1858). In Lisztian S. werden Elemente frei kombiniert, zerlegt. Strukturen, Merkmale zersetzen. Instr. Genres. Besonders charakteristisch für sie ist die einstimmige Kombination von Sonatenallegro und Sonatensinfonie. Zyklus. Hauptsächlich Teil des Symbols Das Gedicht besteht normalerweise aus einer Reihe verschiedener Episoden, die aus der Sicht der Sonate Allegro Kap. Teil, Nebenteil und Durchführung, und aus Sicht des Zyklus - der erste (schnelle), zweite (lyrische) und dritte (Scherzo) Teil. Beendet die Produktion. die Rückkehr in einer komprimierten und bildlich transformierten Form der vorherigen Episoden, ähnlich in ihrer Ausdruckskraft, was der Reprise aus der Sicht der Allegro-Sonate und dem Finale aus der Sicht des Zyklus entspricht. Im Vergleich zum üblichen Sonaten-Allegro sind die Episoden von S. p. eigenständiger und innerlich abgeschlossener. Die komprimierte Rückführung am Ende des gleichen Materials erweist sich als starkes Formfixierungsmittel. In S. p. kann der Kontrast zwischen Episoden schärfer sein als in Sonata Allegro, und es können mehr als drei Episoden selbst vorhanden sein. Dies gibt dem Komponisten eine größere Freiheit, Programmideen umzusetzen und verschiedene darzustellen. Arten von Geschichten. In Verbindung mit dieser Art von „Synthetik“. Strukturen List wandte oft das Prinzip des Monothematismus an – alles DOS. Themen erweisen sich in diesen Fällen als freie Varianten desselben Leitthemas oder Themas. Ausbildung. Das Prinzip des Monothematismus sorgt für Komplementärität. Befestigung der Form jedoch mit Nachfolge. Anwendung kann zu Intonation führen. Verarmung des Ganzen, da die Transformation in erster Linie rhythmisch ist. Zeichnung, Harmonisierung, Textur der Begleitstimmen, jedoch nicht die Intonation. Themenumrisse.
Die Voraussetzungen für die Entstehung des Genres S. p. lassen sich über viele Jahrzehnte zurückverfolgen. Versuche, die Teile der Sonaten-Symphonie strukturell zu verbinden. Zyklen wurden bereits vor Liszt unternommen, obwohl sie häufig auf „äußere“ Methoden der Vereinheitlichung zurückgriffen (z. B. die Einführung von Verbindungskonstruktionen zwischen einzelnen Teilen des Zyklus oder den Übergang von Attaca von einem Teil zum nächsten). Der eigentliche Anreiz für eine solche Vereinigung ist mit der Entwicklung der Programmmusik verbunden, mit der Offenlegung in der Produktion. Einzelgrundstück. Lange vor Liszt erschienen auch Sonaten und Sinfonien. Zyklen, die beispielsweise Züge des Monothematismus aufwiesen. Symphonien, OS. Die Themen aller Teile des To-Rykh offenbarten Intonation und Rhythmus. usw. Einheit. Eines der frühesten Beispiele einer solchen Symphonie war Beethovens 5. Symphonie. Das Genre, auf dessen Grundlage die Entstehung von S. p. erfolgte, ist die Ouvertüre. Erweiterung des Umfangs, verbunden mit Programmideen, ext. thematisch Die Bereicherung verwandelte die Ouvertüre nach und nach in eine S. p. Meilensteine Auf diesem Weg sind viele. Ouvertüren von F. Mendelssohn. Bezeichnenderweise schuf Liszt auch seine frühen S. p. als Ouvertüren zu c.-l. zündete. prod., und zunächst trugen sie sogar den Namen. Ouvertüren („Tasso“, „Prometheus“).
Nach Liszt wenden sich auch andere westeuropäische Künstler dem Genre des S. p. zu. Komponisten, Vertreter verschiedener nat. Schulen. Unter ihnen - B. Smetana ("Richard III", 1858; "Camp Wallenstein", 1859; "Gekon Jarl", 1861; bestehend aus 6 S. S. Zyklus "Mein Mutterland", 1874-70), K. Sen - Sane („Omphala’s Distaff“, 1871; „Phaeton“, 1873; „Dance of Death“, 1874; „Youth of Hercules“, 1877), S. Frank („Zolides“, 1876; „Genies“, 1885; „Psyche ", 1886, mit Chor), X. Wolf ("Pentesilea", 1883-85).
Die wichtigste Etappe die Entwicklung des Genres S. p. in Westeuropa. Die Kunst ist mit dem Werk von R. Strauss verbunden, dem Autor von 7 S. S. Die bedeutendsten von ihnen sind Don Juan (1888), Tod und Aufklärung (1889), Til Ulenspiegel (1895), Also sprach Zarathustra "( 1896), „Don Quijote“ (1897). Neben der Kunst. S.s Zeichen und. Habe auch seine Symphonie. Fantasien „Aus Italien“ (1886), „Heimatsinfonie“ (1903) und „Alpensinfonie“ (1915). Erstellt von R. Strauss S. und. zeichnet sich durch Helligkeit, „Auffälligkeit“ der Bilder, meisterhaften Einsatz der Möglichkeiten des Orchesters aus – sowohl ausdrucksstark als auch bildhaft. R. Strauss hält sich nicht immer an das typische Strukturschema von Liszts Musikkompositionen. So basiert sein Don Giovanni auf dem Sonaten-Allegro-Schema; der Untertitel des Werkes lautet „Symphonische Variationen über ein Thema mit ritterlichem Charakter“).
Nach R. Strauss sind Vertreter anderer nat. Schulen. J. Sibelius schuf eine Reihe von S. p., aber die Motive von Nar. Flosse. Epos „Kalevala“ („Saga“, 1892; „Kullervo“, 1892; das letzte – „Tapiola“ bezieht sich auf 1925). 5 S. p. wurde 1896 von A. Dvorak geschrieben (Wasser, Mittag, Goldenes Spinnrad, Taube, Heldenlied).
Im 20. Jahrhundert im Ausland, zusätzlich zu J. Sibelius, prod. Nur wenige Komponisten schufen das Genre der Musikkomposition: B. Bartok (Kossuth, 1903), A. Schönberg (Pelléas et Melisande, 1903), E. Elgar (Falstaff, 1913) und M. Reger (4 S. Artikel basierend auf dem Gemälde von Böcklin, 1913), O. Respighi (Trilogie: Die Brunnen von Rom, 1916; Die Pinien von Rom, 1924; Feiertage von Rom, 1929). S. p. in Westeuropa. Musik wird intern verändert; Es verliert die Merkmale der Handlung und nähert sich allmählich der Symphonik. Bild. In diesem Zusammenhang geben Komponisten häufig ihr Symphonieprogramm vor. Prod. neutralere Namen (Präludium „Afternoon of a Faun“, 1895, und 3 symphonische Skizzen „The Sea“, 1903, Debussy; „sinfonische Sätze“ „Pacific 231“, 1922, und „Rugby“, 1928, Honegger usw.) .
Rus. Komponisten haben viele geschaffen Werke vom Typ S. p., obwohl sie diesen Begriff nicht immer zur Definition ihres Genres verwendeten. Unter ihnen sind M. A. Balakirev (S. S. „Rus“, 1887, in der 1. Auflage von 1862 die Ouvertüre „A Thousand Years“ genannt; „Tamara“, 1882), P. I. Tschaikowsky (S. S. „Fatum“, 1868 ; Ouvertüre-Fantasie „Romeo und Julia“, 1869, 3. Auflage 1880; symphonische Fantasie „Francesca da Rimini“, 1870; (symphonische) Fantasie „Der Sturm“, 1873; Ouvertüre-Fantasie „Hamlet“, 1885; symphonische Ballade „Voevoda ", 1891), N. A. Rimsky-Korsakov ("Märchen", 1880), A. K. Glasunow ("Stenka Razin", 1885), A. N. Skrjabin ("Träume", 1898; "Gedicht der Ekstase", 1907; "Gedicht des Feuers". „, oder „Prometheus“, mit Klavier und Chor, 1910). Unter den Eulen Komponisten, die sich dem Genre der Musikkomposition zuwandten - A. I. Khachaturian (Sinfoniegedicht, 1947), K. Karaev („Leyli und Majnun“, 1947), A. A. Muravlev („Asow-Berg“, 1949), A. G. Svechnikov („Shchors ", 1949), G. G. Galynin ("Epic Poem", 1950), A. D. Gadzhiev ("For Peace", 1951), V. Mukhatov ("My Motherland", 1951).
Literatur: Popova T., Symphonische Dichtung, M.-L., 1952, M., 1963; Wagner R., Ober Fr. Liszts Symphonische Dichtungen, Brief an M. Wittgenstein vom 17. Februar 1837, im Buch: Wagner R., Gesammelte Schriften und Dichtungen, Bd 5, Lpz., 1898; Raabe P., Entstehungsgeschichte der ersten Orchesterwerke Fr. Liszts, Jena, 1916 (Diss.); Hcinrichs J., Über den Sinn der Lisztschen Programmmusik, Bonn, 1929 (Diss.); Bergfeld J., Die formale Struktur der symphonischen Dichtungen Fr. Liszts, Eisenach, 1931; Mendl R., Art der symphonischen Dichtung, „MQ“, 1932, Vers 18, Nr. 3; Wachten E., Das Formproblem in der sinfonischen Dichtungen von R. Strauss, B., 1933 (Diss.); Chantavoine J., Le poème symphonique, P .. 1950; siehe auch Referenzen unter den Artikeln Programmmusik, Liszt F., Strauss G.
Musik-Enzyklopädie. - M.: Sowjetische Enzyklopädie, sowjetischer Komponist. Ed. Yu. V. Keldysha. 1973-1982 .
Sehen Sie, was „Sinfonische Dichtung“ in anderen Wörterbüchern ist:
Genre der symphonischen Programmmusik. Ein einsätziges Orchesterwerk, ganz im Sinne der romantischen Idee des Gesamtkunstwerks, das vielfältige Programmquellen (Literatur, Malerei, seltener Philosophie oder Geschichte) berücksichtigt. Der Schöpfer der F... Groß Enzyklopädisches Wörterbuch
Dieses Konzept erschien in Musikalische Kunst 1854: Der ungarische Komponist Franz Liszt definierte für sein ursprünglich als Ouvertüre konzipiertes Orchesterwerk „Tasso“ die „Symphonische Dichtung“. Mit dieser Definition wollte er ... ... Musikwörterbuch
- (deutsche symphonische Dichtung) eine Gattung symphonischer Musik, die die romantische Idee des Gesamtkunstwerks zum Ausdruck bringt. Eine Symphonische Dichtung ist ein einstimmiges Orchesterwerk, das verschiedene Programmquellen (Literatur ... ... Wikipedia) zulässt
Genre der symphonischen Programmmusik. Ein einsätziges Orchesterwerk, ganz im Sinne der romantischen Idee des Gesamtkunstwerks, das vielfältige Programmquellen (Literatur, Malerei, seltener Philosophie oder Geschichte) berücksichtigt. Genre-Schöpfer... Enzyklopädisches Wörterbuch
Eine Orchesterkomposition, deren Bestandteile in enger und untrennbarer Verbindung stehen. S. Auf dem Programm steht ein Gedicht, für das einige poetische Werke ausgewählt werden. Das Programm beeinflusst auch die Form dieser Art von S.-Arbeit, nicht ... ... Enzyklopädisches Wörterbuch F.A. Brockhaus und I.A. Efron
Sinfonische Dichtung für 100 Metronome von György Ligeti (1962). Das Stück wird von Hunderten von Metronomen „gespielt“, die auf ein bestimmtes Tempo vorprogrammiert sind Zeitstempel. Alle Metronome beginnen zu spielen ... ... Wikipedia
- ... Wikipedia
Dieser Begriff hat andere Bedeutungen, siehe Also sprach Zarathustra (Bedeutungen). Also sprach Zarathustra (deutsch: Also sprach Zarathustra), symphonisches Gedicht Deutscher Komponist Richard Strauss. Geschrieben im Jahr 1896 unter dem Eindruck ... Wikipedia
Dieser Begriff hat andere Bedeutungen, siehe Insel der Toten ... Wikipedia
