Ästhetik des Lebensschreibens In gleichem Maße, wie Bogdanovich die Vorliebe seiner literarischen Epoche für nationale Folklore teilte, würdigte er die allgemeine literarische Leidenschaft für das Lebensschreiben in seiner neuen ästhetischen Funktion, eine vollwertige materielle Umgebung zu schaffen, die dient

Philosophie. Ästhetik

I. Kunstgeschichte und Allgemeine Ästhetik<…>Die Poetik, der systematisch-philosophischen Ästhetik beraubt, wird in ihren Grundfesten unsicher und zufällig. Poetik, systematisch definiert, muss die Ästhetik des verbalen künstlerischen Schaffens sein. Diese Definition

Rezeptionsästhetik

Das Menschenbild in der Literatur des europäischen Klassizismus des 17. Jahrhunderts Neue literarische Ideen der Renaissance ließen sich nicht ins wirkliche Leben übersetzen. Die Enttäuschung über die Lehren der Humanisten führt zu sehr bedeutenden Veränderungen in der Darstellung des Klassikers

Das neue Weltbild eines Menschen des 17. Jahrhunderts. in verschiedenen Regionen Europas ihren Ausdruck in eigentümlichen Formen geistiger Kultur gefunden. In einigen Ländern beginnt nach der Krise der Renaissancekultur die Barockzeit (Italien, Flandern), in anderen bildet sich ein neuer Stil heraus - der Klassizismus. Zu Beginn des 17. Jahrhunderts wirkte der Barock bereits als einheitlicher Stil in allen Kunstgattungen, während der Klassizismus sich erst spät herausbildete. Das Stilsystem des Klassizismus kann nicht nur innerhalb des 17. Jahrhunderts beurteilt werden, da seine Verbreitung in modifizierten Formen in ganz Europa auf das 18. und frühe 19. Jahrhundert fällt. Aber die Theorie des Klassizismus war im Gegensatz zum Barock sehr weit entwickelt und übertraf sogar die künstlerische Praxis. Klassizismus insgesamt Kunstsystem stammt aus Frankreich. Es wird oft die Kultur des Absolutismus genannt, weil im 17. Jahrhundert. in Frankreich entwickelt sich klassisches Muster absolutistischer Staat. Aber die Kunst des Klassizismus darf nicht in den Dienst des Absolutismus gestellt werden. Der Klassizismus nahm in der ersten Hälfte des Jahrhunderts Gestalt an, als die Frage nach der Zukunft Frankreichs offen blieb. Es gab einen Prozess des staatlichen und nationalen Aufbaus, in dem die wichtigsten gesellschaftlichen Kräfte des Landes - die königliche Macht, der Adel und die wachsende Bourgeoisie - noch im Gleichgewicht waren. Es war nicht die königliche Macht an sich, sondern gerade dieses Gleichgewicht, das die Entstehung der klassischen Kunst ermöglichte, die nicht die absolute Unterwerfung unter den Monarchen, sondern die ideologische Staatsbürgerschaft verherrlichte. Diese Kunst forderte von allen - Herrschern und Untergebenen - vernünftiges Handeln, Sorge um soziales Gleichgewicht, Ordnung und Maß. Der Klassizismus ist eine reflektierende und konstruktive Kunst. Es versuchte, ideale Modelle einer gerechten und harmonischen Welt zu schaffen, die auf vernünftigen Vorstellungen vom Gemeinwohl basierten. Theoretiker des Klassizismus betrachteten die Bildung der Gesellschaft als die Hauptaufgabe der Kunst. Natürlich kann keine Kunst allein auf den Prinzipien der Vernunft aufgebaut werden, sonst würde sie aufhören, Kunst zu sein. Der Klassizismus ging aus dem Erbe der Renaissance und der Erfahrung der Moderne hervor, daher waren sowohl der Geist der Analyse als auch die Bewunderung für das Ideal für ihn gleichermaßen charakteristisch. Der Klassizismus tritt an die Stelle der Kultur der Renaissance, als sich diese Kultur selbst in einer Krise befand, als der Renaissance-Realismus in der ästhetisierten bedeutungslosen Kunst des Manierismus wiedergeboren wurde. Unter den historischen Bedingungen des XVII Jahrhunderts. der humanistische Glaube an den Sieg des Guten über das Böse, an das harmonische Prinzip der menschlichen Natur, ging verloren. Der Verlust dieses Glaubens führte zu einer direkten Krise des künstlerischen Schaffens, weil es sein Ideal verlor - eine Person mit einem reichen spirituellen Leben und einem edlen Ziel. Das wichtigste Bindeglied, das den Klassizismus mit der Kunst der Hochrenaissance verbindet, war daher die Rückkehr eines aktiven, starken Helden in die Moderne - ein zielstrebiger, energischer Mensch, der sich nach Glück sehnt und in das Leben verliebt ist. Aber im Gegensatz zum Renaissance-Ideal wirkte ein starkes moralisches Kriterium, das in der Gesellschaft existiert, auf dem Weg zum Glück des Helden des Neuen Zeitalters. Die öffentliche Moral sollte als unveränderliches Gesetz der Menschenwürde den Menschen inspirieren und sein Handeln leiten. Es ist ein solcher Held, der in den Tragödien von Corneille, Racine und den Komödien von Molière erscheint. Es ist kein Zufall, dass die ästhetische Theorie des Klassizismus hauptsächlich in entwickelt wird Französische Dramaturgie und Literatur. Die Abhandlungen französischer Schriftsteller und Dichter spielten eine herausragende Rolle bei der Entwicklung der wichtigsten Stilformen des Klassizismus. Parallel zur Theoriebildung entstanden die ersten klassizistischen Gesamtkunstwerke. Einer der ersten Theoretiker und Dichter des Klassizismus war Nicolas Boileau-Depreo (1636-1711). In seiner poetischen Abhandlung „Poetische Kunst“ wurden sie erstmals zusammengeführt theoretische Prinzipien Klassizismus. Die Normen und Kanons der Klassik werden in diesem Werk in lebendiger und verständlicher Form dargestellt. Das poetische System muss der Disziplin der Vernunft unterworfen werden. Die rationale Erschließung des Themas steht im Vordergrund. Boileaus Ausspruch „Liebesgedanken in Versen“ wurde zum großen Prinzip der klassischen Poesie. Die Hauptanforderung an einen Dichter besteht darin, seine Kreativität der Disziplin der Vernunft unterzuordnen. Vernunft muss über Gefühl und Vorstellungskraft herrschen. Aber nicht nur im Inhalt der Arbeit, im Sinn, sondern auch in ihrer Form. Um die Inhalte perfekt wiederzugeben, braucht es die richtige geprüfte Methode, hohe Fachkompetenz, Virtuosität. Die Einheit von Form und Inhalt ist eines der Grundprinzipien des Klassizismus. Der Klassizismus sah das ästhetische Schönheitsideal in der antiken Kultur. Antike Kunst wurde zur Norm sowohl für die Renaissance- als auch für die Barockkunst erklärt. Aber die Korrelation dieser Norm mit künstlerische Praxis Klassik ist grundlegend anders. Für die Renaissance antike kunst war eine Exzellenzschule und ein Anreiz für unabhängige kreative Suche und kein kanonisches Modell. Barocke Meister erkannten theoretisch die Kanons der Antike, aber in ihrer Arbeit waren sie weit davon entfernt. In der Kunst des Klassizismus erhalten die Normen der Antike die Bedeutung einer unbestreitbaren Wahrheit. Diesen Kanons unter den Bedingungen der Kultur des Neuen Zeitalters zu folgen, verurteilt die Kunst des Klassizismus zur „sekundären“ Natur der Wahrheit. Der Name selbst – Klassizismus, nicht Klassik – betont diese sekundäre Natur. Der Klassizismus sah in der antiken Kultur nicht nur ein ästhetisches, sondern auch ein ethisches Ideal. Die Kunst des antiken Griechenlands und Roms war ein Beispiel für die Kunst des großen sozialen Klangs, die hohe bürgerliche und moralische Ideale predigte. Der innere Kern der Verwendung antiker Kanons in der Kunst des Klassizismus war das rationale Prinzip. Auch im Schaffensprozess der Renaissance nahm dieses Element einen wichtigen Platz ein. Aber dann wurde der Rationalismus dem irrationalen Gefühl des Mittelalters als Hauptmittel zum Verständnis der Natur- und Kunstgesetze entgegengestellt. Im Klassizismus tritt die Vernunft nicht als natürliches Element auf Menschliche Aktivität sondern als Gegenstand der Anbetung. Der Rationalismus wurde zur Grundlage und Essenz der Theorie des Klassizismus. Die Vernunft wurde zum Hauptkriterium künstlerischer Wahrheit und Schönheit erklärt. Die Kunst des Klassizismus hat sich in der Schönheitswahrnehmung grundsätzlich von der Sphäre subjektiver Empfindungen getrennt. Der Klassizismus behauptete, absolute moralische Wahrheiten zu bekräftigen und unerschütterlich Kunstformen durch Vernunft festgelegt und in Regeln ausgedrückt. Kreativität muss Gesetzen gehorchen. Die Klassiker leiteten diese Gesetze aus ihren Beobachtungen antiker Kunst ab. Einer der ersten Theoretiker des Klassizismus, der große französische Dramatiker Pierre Corneille (1606-1684), versuchte, die Poetik des Aristoteles kommentierend und sich auf die historische Erfahrung von Jahrhunderten beziehend, die Formgesetze des Dramas abzuleiten. Eines der wichtigsten war das Gesetz der drei Einheiten – Zeit, Ort und Handlung. Corneilles Tätigkeit war eine echte Reform der Dramaturgie. Er ist Autor mehrerer Abhandlungen zur Theorie des Dramas und kritischer Analysen seiner eigenen Schriften. Corneilles Tragödie „Der Garten“ wurde zum Nationalstolz der Franzosen. Sehr schnell wurde es in viele übersetzt Europäische Sprachen. Der Ruhm des Stücks und seines Autors war außergewöhnlich. "Sid" und jetzt im festen Repertoire nicht nur französischer, sondern auch vieler anderer Theater in Europa. Die Handlungen seiner Stücke ("Horaz", "Cinna" usw.) Corneille machte dramatische Momente aus der historischen Vergangenheit, das Schicksal der Menschen in einer Zeit akuter politischer und sozialer Konflikte. Besonders häufig bediente er sich des Materials der römischen Geschichte, das ihm reichlich Stoff für politische Reflexionen lieferte zeitgenössische Themen. Der dramaturgische Hauptkonflikt von Corneilles Tragödien ist ein Aufeinanderprallen von Vernunft, ... und Gefühlen, Pflicht und Leidenschaft. Der Sieg war schon immer mit Vernunft und Pflicht verbunden. Ohne Widersprüche und Zweifel musste der Zuschauer das Theater verlassen. Die Quelle der Tragik ist extreme Leidenschaft, und der Zuschauer musste eine Lektion lernen - es ist notwendig, Leidenschaften im Zaum zu halten. In den Tragödien eines anderen berühmten Dramatikers, Jean Racine (1639-1699), sah das Publikum nicht nur einen majestätischen Helden, sondern eine Person mit Schwächen und Mängeln („Andromache“, „Berenik“, „Iphigenie in Aulis“). Rasi-nas Theaterstücke spiegelten das Salonleben von Versailles wider. Griechen und Römer, unvermeidlich durch die Forderungen klassische Poesie, schien der echte Franzose ihrer Zeit zu sein. Auf der Bühne traten sie mit gekräuselten Perücken, Dreispitz und mit Schwertern auf. Die Könige, die Racine auf die Bühne brachte, waren idealisierte Porträts Ludwigs XIV. Die Herrschaft des Königs dauerte mehr als 50 Jahre, und in Europäische Geschichte diese Zeit wurde sogar das Jahrhundert Ludwigs XIV. genannt. Unter günstigen Umständen stieg Frankreich zu einem solchen Höhepunkt der wirtschaftlichen und geistigen Entwicklung und der politischen Macht auf, dass es zur herausragenden europäischen Macht und zum Trendsetter von Geschmack und Mode für ganz Europa wurde. Die Etablierung des Absolutismus entsprach den persönlichen Neigungen des Königs. Machthungrig, narzisstisch, verwöhnt von den Schmeicheleien der Höflinge, wiederholte Louis gern den Satz „Der Staat bin ich“. Um das königliche Prestige zu steigern, wurde dem höfischen Leben besondere Aufmerksamkeit geschenkt. Strenge Etikette verteilte die königliche Zeit mit pünktlicher Kleinlichkeit, und die gewöhnlichste Handlung seines Lebens (z. B. das Ankleiden) war mit äußerster Feierlichkeit ausgestattet. Ludwig XIV. war mit der Bewunderung für sich selbst, die er von den Höflingen sah und hörte, nicht zufrieden, er fing an, sich anzuziehen prominente Schriftsteller, Franzosen und Ausländern, indem er ihnen Geldprämien und Pensionen gibt, damit sie sich und seine Herrschaft verherrlichen. Die französische Literatur nahm allmählich einen höfischen Charakter an. 1635 wurde in Paris die Akademie der Literatur gegründet. Seit dieser Zeit ist der Klassizismus die offiziell vorherrschende Richtung in der Literatur geworden. Relativ weit vom Hof ​​entfernt stand Jean de La Fontaine (1621-1695). Es nimmt einen besonderen Platz in der Literatur des Klassizismus ein. Lafontaine scheut das Interesse an „niederen“ Genres nicht, setzt darauf Volksweisheit, Folklore, die tief definiert Volkscharakter seine Kreativität. Sein kreatives Erbe ist vielfältig, aber den Ruhm eines der größten Dichter Frankreichs verdankt er seinen Fabeln. (Die Traditionen von Lafontaine wurden von IA. Krylov verwendet.) In ihrer lehrreichen Moral sehen wir eine Manifestation eines der wichtigsten Prinzipien des Klassizismus - Kunst sollte erziehen und überzeugen. Das Figurensystem des klassischen Stils erwies sich für die Kunst der Lyrik, Malerei und Musik als unproduktiv. Die unstet veränderliche Sphäre der Gefühle war dem Klassizismus fremd. Die Prinzipien des neuen Stils sind „harmonische Balance der Formen und ideale Proportionen- waren im Wesentlichen die Prinzipien der Architektur. Auf dem Gebiet dieser Kunst liegen die wichtigsten Errungenschaften des Klassizismus, der seine Verbreitung über zwei Jahrhunderte europäischer Kultur bestimmt hat. In der Architektur des Klassizismus fanden die Grundprinzipien des Stils ihre organische Verkörperung. Klassische Architektur in Frankreich, England und Holland entwickelt. Idealerweise ist dieser Stil das genaue Gegenteil von Barock. Es zeichnet sich durch eine klare Geometrie der Formen, strenge Linien, klare Volumen und eine harmonische kompositorische Gestaltung aus. Der Klassizismus wandte sich den Formen der antiken Architektur zu, er verwendete nicht nur ihre Motive und einzelnen Elemente, sondern auch die Konstruktionsmuster. Grundlage der Architektursprache des Klassizismus war die eher der Antike als dem Barock zuzuordnende Formenordnung. Anstelle von spontanem irrationalem Barock sucht das architektonische Bild des Klassizismus Ideen über Logik, Ordnung und Maß auszudrücken. Aber im 17. Jahrhundert war die Architektur noch nicht zu einer konsequenten und klaren Verkörperung dieser Ideen gekommen. In der Praxis war die Verbindung zum barocken System noch sichtbar. Besonders diese Anleihen einiger barocker Techniken wurden in der Architektur Frankreichs gesehen. Streng klassische figurative Mittel konnten die von den Theoretikern der offiziellen Kunst gestellten Probleme der Verherrlichung der absoluten Monarchie nicht lösen. Daher griffen die Architekten des Klassizismus oft auf barocke Methoden der zeremoniellen Repräsentation zurück. Sie schmückten die Fassaden ihrer Gebäude im Geiste des Barock, was es einem ungeübten Betrachter manchmal schwer macht, den Stil genau zu definieren. Erst im 18. Jahrhundert, als die königliche Macht das Aussehen einer aufgeklärten Monarchie annahm und ihre Gesellschaftslehre änderte, entwickelte der Klassizismus eine völlig eigenständige Figurenstruktur. Das Frankreich des 17. Jahrhunderts ist geprägt von der Verflechtung von Merkmalen der Spätrenaissance, Gotik und Barock mit Merkmalen des Klassizismus. Aber die Hauptrichtung war der Klassizismus, der ganze Rest begleitete ihn. Im allgemeinen Verlauf der Kultur des Neuen Zeitalters gab es einen Prozess der allmählichen Umwandlung einer befestigten Burg in einen unbefestigten Palast. In der Stadt war es in die allgemeine Straßen- und Platzstruktur eingebunden, außerhalb der Stadt war es mit einem weitläufigen Park verbunden. Zugbrücken wurden durch steinerne ersetzt, Wassergräben wurden zu Elementen des Parks, Türme am Eingang wurden durch Pavillons ersetzt. Es entstanden die Garten- und Parkensembles der Tuilerien, Fontainebleau etc. Sie legten den Grundstein für die Kunst eines regelrechten französischen Gartens mit seinen Enfiladen begradigter Alleen, beschnitten mit Gräsern und Sträuchern, die gegeben wurden Geometrische Figur Kegel und Kugeln. Der Gärtner wurde Architekt und Bildhauer, begann in räumlichen Kategorien zu denken, lebendiges Material rationaler Gestaltung unterzuordnen. Der wachsende Wohnungsbedarf veränderte die Entwicklung der Stadt. Zu Beginn des Jahrhunderts entwickelte sich in Paris ein Hoteltypus, der zwei Jahrhunderte lang dominierte. Das sind Adelshäuser mit Hof und Garten. Sie kombinieren einfache und praktische Grundrisse mit Fassaden, die üppig mit Skulptur, Relief und Ordnung verziert sind. Im neuen Look der Stadthäuser sehr wichtig Dächer hatten, deren Design und Form sich veränderten. In den 30er Jahren des 17. Jahrhunderts. Architekt Mansart schlug eine gebrochene Dachform vor, die einen Dachboden als Wohnraum nutzte. Dieses System, benannt nach dem Autor des Dachbodens, hat sich in ganz Europa verbreitet. MIT Anfang XVII v. Die Architektur des englischen Klassizismus nimmt Gestalt an. Diese Periode fällt mit der Zeit der kräftigen industriellen Entwicklung des Landes und der Entstehung des Kapitalismus zusammen. Initiator und Schöpfer der ersten großformatigen Kompositionen des Klassizismus war der Architekt Inigo Jones. Ihm gehören die Projekte des berühmten Banqueting House (Gebäude für offizielle Empfänge) und des Lindsay House in London. Er war der Architekt von Quans House (Haus der Königin) in Greenwich. Dies ist ein brillantes Beispiel des Klassizismus in der Geschichte des Wohnungsbaus. In den strengsten Formen des Klassizismus wurde ein Gebäudeensemble des Royal Palace of Whitehall, ein Ensemble des Greenwich Hospital in London (Architekten Jones, Christopher Wren und andere) geschaffen. Der Klassizismus entwickelte neue Formen in verschiedene Gebiete- Schaffung von Stadtplätzen verschiedener Art (Covent Garden Square in London, Place Vendôme in Paris), Bau Palastanlagen (Versailles, Whitehall), Kirchen (St. Paul's Cathedral in London - Architekt K. Wren, Invalides Cathedral - Architekt Hardouin-Mansart), öffentliche Gebäude - Rathäuser, Krankenhäuser, private Wohngebäude, Herrenhäuser des Adels, Gebäude von Handelsunternehmen (das Ensemble der Invalides - Architekt Bruant, Trinity College Library in Cambridge", das Zollgebäude in London - Architekt K. Ren; das Rathausgebäude in Augsburg - Architekt Elias Holl, das Rathaus in Amsterdam - Architekt J. van Kampen , der Waagenbau in Gouda usw.) Der Klassizismus entwickelte Formen der Architektursprache, die sowohl dem Geschmack der absoluten Monarchie als auch der bürgerlichen Gesellschaftsordnung entsprachen. Versailles, die neue Residenz Ludwigs XIV., nimmt einen besonderen Platz in der französischen Architektur ein. Versailles ist zu einer ästhetischen Stimmgabel des Stils der Epoche geworden.Dies ist ein architektonisches Ensemble des Palastes, das in Größe und Integrität beispiellos ist.Drei Alleen gehen von dem riesigen Platz vor dem Palast aus, die zentrale *-Achse erstreckt sich über 16 Kilometer durch die Stadt , Platz, Schloss und Park. Viele Architekten waren während mehrerer Bauperioden an der Entstehung des Versailler Ensembles beteiligt - Levo, Orbe, Mansart, Lebrun, Lenotre, Gabriel. Dieses Ensemble verkörperte konsequent die Prinzipien des Klassizismus - Regelmäßigkeit, strenge Symmetrie, Klarheit der Komposition, klare Unterordnung der Teile, ruhiger Rhythmus abwechselnder Fenster, Pilaster, Säulen. Gleichzeitig erinnern die üppigen Verzierungen vor allem im Innenraum an das Barock. Die Säle des Palastes befinden sich in Enfiladen, reich verziert mit skulpturalem Dekor, farbigem Marmor, vergoldeten Bronzereliefs, Fresken und Spiegeln. Der Park ist zu einem wichtigen Bestandteil des Ensembles geworden, untrennbar mit seiner architektonischen Ausdruckskraft. Es kann als Programmwerk einer neuen Kunstgattung – Landschaftsgärtnerei – betrachtet werden. André Linotre (1613-1700) vervollkommnete seine Kunst, die auf der Basis eines Ensembles Elemente aus Architektur, Bildhauerei, Gartenbau und Wasserbau verband. Zum ersten Mal in der Geschichte wurden von Künstlern gestaltete Landschaften zu Kunstwerken. Der Park wurde mit Skulpturen der berühmten Meister François Girandon (1628-1715) und Antoine Coisevox (1640-1720) geschmückt. Diese Skulptur hatte einen programmatischen Charakter - die Verherrlichung der Herrschaft des großen Monarchen. Die Bildhauer verwendeten barocke Motive in klassischer Weise: Sie strebten die Isolierung jeder Figur und ihre symmetrische Platzierung an. Ein typisches Beispiel klassizistischer Architektur war die Ostfassade des Louvre (manchmal auch „Kolonnade des Louvre“ genannt) des Architekten Claude Perrault (1613-1688). Mit ihrer rationalen Einfachheit, der harmonischen Ausgewogenheit der Teile, der Klarheit der Linien, der ruhigen und majestätischen Statik entsprach die Perrault-Kolonnade dem vorherrschenden Ideal der Zeit. 1677 wurde die Architekturakademie gegründet, deren Hauptaufgabe darin bestand, die gesammelten Erfahrungen der Architektur zu verallgemeinern, um "ideale ewige Gesetze der Schönheit" zu entwickeln. Diesen Gesetzen sollte der weitere Bau folgen. Der Klassizismus wurde offiziell als Leitstil der Architektur anerkannt. Kunst sollte die Größe der Monarchie, die Macht der Nation und des Staates in prachtvollen Schlössern und Parks, städtischen Ensembles und öffentlichen Gebäuden visuell zum Ausdruck bringen und verherrlichen. Die Akademie bewertete die Prinzipien des Barock kritisch und erkannte sie als für Frankreich inakzeptabel an. Proportionen waren die Grundlage der Schönheit. Als obligatorisch galt eine klare Geschossaufteilung nach Ordnung und die Zuordnung der Mittelachse des Gebäudes, die zwangsläufig dem Gesims des Gebäudes, einem Balkon oder einem Giebel entsprechen muss. Die Flügel der Fassade sollten von Pavillons umschlossen werden. Auch in der bildenden Kunst war das Diktat der offiziellen Klassik zu spüren. Der Schöpfer der klassizistischen Tendenz in der Malerei war Nicolas Poussin (1594-1665). Das französischer Künstler studierte und arbeitete in Rom (zwei Jahre auf Einladung Ludwigs XIII. in Paris am königlichen Hof waren für seine Arbeit nicht fruchtbar). Poussin verband einen herausragenden Theoretiker und Praktiker. In seiner römischen Werkstatt, wo sich Maler und Theoretiker versammelten, fanden die Gedanken des Künstlers einen fruchtbaren Boden zur Verbreitung. Poussin hat keine speziellen wissenschaftlichen Abhandlungen verfasst, die Gedanken des Künstlers über die Ziele und Möglichkeiten der Malerei sind uns in seiner Korrespondenz und Überlieferung durch andere Autoren überliefert. Er glaubte, dass die Kunst des "majestätischen Stils" aus 4 Elementen besteht - das sind Inhalt, Interpretation, Konstruktion und Stil. Die Hauptsache ist, dass der Inhalt und die Handlung majestätisch und schön sind. Dazu muss der Künstler alles Kleinliche ablegen, um dem erhabenen Sinn der Geschichte nicht zu widersprechen. Das Thema des Bildes muss auf die Idee der Schönheit "vorbereitet" werden, die Hauptsache bei dieser Vorbereitung ist Ordnung, Maß und Form. Ordnung und Form - davon spricht Poussin ständig, davon spricht auch Descartes, der Begründer der Philosophie des Rationalismus: "Dinge, die wir sehr klar und deutlich wahrnehmen, sind wahr." Nur eine vernünftige „Vorbereitung“ kann die Materie vergeistigen, damit sie wirklich schön wird. Die Natur in der Kunst soll in einer durch die Vernunft geadelten Form dargestellt werden, frei von dem, was nicht der Meinung über den vernünftigen Gang der Dinge, den Regeln des „Anstands“ und der guten Manieren entspricht. Die Landschaft soll die epische Kraft und Harmonie der Natur verkörpern, sie ist eine komponierte Landschaft. Als Ausdruck dieser Schönheit entsteht die Welt von Poussins Arkadien, bewohnt von Himmlischen, Helden, Satyrn, Nymphen und schönen Menschen („Das Königreich der Flora“, „Die arkadischen Hirten“, „Landschaft mit Polyphenen“). Er schöpfte Themen aus der Mythologie, den Büchern der Heiligen Schrift und historischen Überlieferungen. Poussin wurde von starken Charakteren, majestätischen Taten, dem Triumph der Vernunft und der Gerechtigkeit angezogen. Er wählte Plots, die zum Nachdenken anregen, Tugend erziehen. Darin sah er den gesellschaftlichen Zweck der Kunst. Poussin bringt die Themen öffentliche Pflicht, moralische Notwendigkeit in den Vordergrund, präsentiert in Form einer dramatischen Handlung: Die Soldaten schwören Germanicus, der auf Befehl von Tiberius vergiftet wurde, Erminia schneidet ihr luxuriöses Haar ab, um den verwundeten Helden zu verbinden und rettet ihn, fungiert König Solomon als Träger der moralischen Gerechtigkeit in einem Streit zwischen zwei Müttern um ein Kind („Der Tod des Germanicus“, „Tancred und Erminia“, „Die Eroberung Jerusalems“, „Der Raub der Sabiner“) . Die Grundlage der klassizistischen Malerei sind die genauen unveränderlichen Gesetze der künstlerischen Organisation des Werkes. Poussins Kompositionen sind geordnet, ein klares konstruktives Schema ist in ihnen sichtbar, die Haupthandlung spielt sich immer im Vordergrund ab. Die Hauptbedeutung in der künstlerischen Sprache liegt bei der Form, der Zeichnung, der Linie. Die Fetischisierung des Geistes bedrohte die wahre Kunst. Eine Balance zwischen Berechnung und Inspiration, zwischen rational und emotional, intuitiv zu erreichen, ist eine sehr schwierige kreative Aufgabe. Poussin war der einzige Maler des 17. Jahrhunderts, in dessen Werk der Begriff des Klassizismus wirklich produktiv verkörpert war. Für andere Meister erwies sich die Aufgabe als überwältigend. Das abstrakte rationale Prinzip setzte sich durch und das klassizistische System wurde zu einem akademischen. Es wurde von einem dogmatischen Ansatz dominiert, der sich auf etablierte Kanons stützte. Die Französische Akademie der Künste wurde 1648 gegründet und stand unter der Aufsicht des ersten Ministers des Königs. In der Malerei, wie in allen anderen Kunstformen, gab es einen Prozess der strengen Regulierung und Unterordnung des künstlerischen Schaffens unter die Aufgaben des Absolutismus. Die Akademie wurde aufgefordert, die formalen Regeln der virtuosen Kunst zu entwickeln. Einige Künstler dieser Zeit argumentierten, dass nur Wissenschaftler Kunstkenner sein können. Die Idee, die Malerei durch Vernunft zu verbessern, war sehr stark. Es gab sogar mathematische Leistungstabellen für jeden Maler. Die Akademie traf sich zu regelmäßigen Treffen, bei denen prominente Künstler in Anwesenheit von Studenten Gemälde aus der königlichen Sammlung des Louvre aussortierten. Die Analysen der Gemälde basierten auf einer Klassifizierung. Alles wurde in Kategorien von Design, Proportion, Farbe, Komposition eingeteilt. Das höchste Genre der Malerei wurde als historisch angesehen, darunter Szenen aus der Bibel, antike Mythologie und berühmte literarische Werke. Nur das Vollkommene ist bildwürdig, alles Niedrige wurde, wie in der Poesie der Klassiker, als zufälliges, unnötiges und von der Hauptsache ablenkendes Detail verworfen. Porträt, Landschaft, Stillleben, häusliche Szenen galten als "kleines Genre". Akademiker haben ein ganzes System von Regeln entwickelt, das auf der Entsprechung von Bewegungen und Gesten zu bestimmten basiert mentale Zustände- Angst, Wut, Freude, Überraschung usw. In den klassischen Abhandlungen wurden genaue Anweisungen gegeben, wie bestimmte emotionale Zustände zu vermitteln sind, und Zeichnungen-Diagramme wurden beigefügt. Proportionen menschlicher Körper wurden nach alten Kanonen gebaut. Mit dem Primat der Zeichnung über die Malerei glichen die Figuren auf den Leinwänden der Klassiker antiken Skulpturen. Aber die Antike ist geworden natürliche Gestalt Ausdruck idealer, aber obligatorischer Requisiten für Werke "hohen Stils". Vernünftige und trockene Normativität führte zur Degeneration des Klassizismus zum Akademismus. Er verbannte Vorstellungskraft, Fantasie, individuelle Visionen aus der Kunst. Das Regelwerk des kreativen Prozesses trug zur Regulierung der Kunst bei und unterordnete sie der Kontrolle des Absolutismus. Die historisch notwendige Rolle des Klassizismus war die Entwicklung eines bewussten Prinzips, das jeder Kreativität innewohnt. Aber historisch bedingt hat dieser Trend einen zu trockenen und rationalen Ton angenommen. Das Bewußtsein des künstlerischen Schaffens ist zur mechanischen Zweckmäßigkeit geworden. Die Idee des Primats des Denkens verwandelte sich in ihr Gegenteil - den leblosen Formalismus. Besetzungsformeln haben sowohl eine positive als auch eine negative Rolle gespielt. Wir müssen in der Lage sein, die klassische Kunst in ihrer ganzen Fülle und Vielfalt ihrer Inhalte zu sehen. Die künstlerische Praxis ist immer reicher als die Theorie und überdauert in der Regel ihre Epoche. Die Dramen von Corneille und Racine, die Komödien von Molière und die Fabeln von La Fontaine, die Landschaften von Poussin und Lorrain sind noch immer lebendig und bestätigen ihre Unsterblichkeit in der Geschichte der Weltkultur. Fragen 1. Welche Gemeinsamkeiten hat der Stil des Klassizismus? 2. Wie hängen die kulturellen Ideale von Antike, Renaissance und Klassizismus zusammen? 3. Welche Rolle spielte das rationale Prinzip in der Kunst des Klassizismus? 4. Welche Prinzipien des Klassizismus wurden in der französischen Dramaturgie gebildet? 5. Wie haben die Theoretiker der Klassik die Hauptaufgabe der Kunst verstanden? 6. Was sind die Hauptmerkmale des klassizistischen Stils in Architektur und Malerei?

Der Klassizismus ist eine ästhetisch bedeutende Richtung in der Kunst, die im 17. Jahrhundert entstand, sich im 18. Jahrhundert entwickelte und bis ins 19. Jahrhundert zurückverfolgt werden kann. Es zeichnet sich durch eine Berufung auf die antiken Klassiker als streng normatives Modell perfekter Harmonie aus. ästhetische Vorstellungen Klassizismus sind in der Ader des Rationalismus gebildet, der in dieser Zeit seine Dominanz ausbreitete - eine philosophische und wissenschaftliche Lehre, nach der die Vernunft die höchste menschliche Fähigkeit ist, die es ihm ermöglicht, die Welt zu erkennen und sogar zu verändern und teilweise auf eine Stufe mit Gott zu treten , Gesellschaften neu organisieren. Vernunft ist aus Sicht des Rationalismus nicht nur die wichtigste, sondern auch die einzig vollkommen adäquate Fähigkeit des menschlichen Geistes. Gefühle sind nur die Voraussetzung rationalen Denkens und verschleiern an sich die klare Wahrheit; mystische Intuition ist wertvoll für ihre Einbeziehung in das System der rationalen Argumentation. Eine solche Sichtweise musste die Beziehung zwischen den Kulturbereichen beeinflussen, die sich in den höchsten Gesellschaftskreisen der europäischen Länder herauszubilden begannen: Naturwissenschaften, Philosophie und Mathematik im Besonderen – sie sind die Hauptantriebskräfte für den Fortschritt des Wissens; der Kunst wird eine bescheidenere Nebenrolle des sentimentalen Genusses zugewiesen, leichte Unterhaltung und verständliche, beeindruckende Erbauung; traditionelle Religion, nicht "aufgeklärt" durch die rationalen Ideen des philosophischen Deismus, ist der für den sozialen Organismus nützliche Glaube eines einfachen ungebildeten Volkes - eine Art Stabilisator im Bereich der sozialen Sitten.
Der Klassizismus basiert auf einer normativen ästhetischen Theorie. Schon Rene Descartes, ein französischer Mathematiker und Philosoph der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts, plädiert in seinen Originalwerken für die damalige Zeit „Diskurs über die Methode“, „Kompendium der Musik“ etc. dafür, dass die Kunst einer strengen Regulierung unterworfen werden muss durch den Verstand. Gleichzeitig sollte sich die Sprache der Kunstwerke nach R. Descartes durch Rationalität auszeichnen, die Komposition sollte sich an streng festgelegten Regeln orientieren. Die Hauptaufgabe des Künstlers besteht darin, vor allem durch die Kraft und Logik der Gedanken zu überzeugen. Die normative ästhetische Theorie des Klassizismus ist geprägt von Rationalismus, ausgewogener Klarheit, formalem Kalkül mit Fokus auf Verhältnismäßigkeit, Integrität, Einheit, Ausgewogenheit und Vollständigkeit der Formen, Verbindung mit den Ideen des politischen Absolutismus und dem moralischen Imperativ. Die normativen Prinzipien des Klassizismus implizierten eine klare Trennung in hohe und niedrige Gattungen.
Diese Prinzipien des Klassizismus manifestieren sich in allen Arten von Kunst: Im Theater, das an den ideologischen Verallgemeinerungen von N. Boileau festhielt (Cornel, Racine, Moliere, Lope de Vega und andere); in der Literatur (Lafontaine) in der Architektur, besonders weltlich - Schloss und Park (das Bild von Versailles) und bürgerlich und kirchlich (Levo, Hardouin-Mansart, Lebrun, Le Nôtre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossi, usw. .); in der Malerei (Poussin, Velasquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): in der Bildhauerei (Canova, Thorvaldsen etc.) in der Musik (Gluck, Haydn, Mozart, früher Beethoven etc.) Tiefe expressive Ideen gingen über die strenge Normativität des Klassizismus hinaus, die von ihm die Trennung von hohen und niedrigen Genres postulierte, aber ihre Arbeit ist immer noch durch die für diese Epoche charakteristischen Prinzipien der expressiven Klarheit, Prägnanz und Harmonie des Stils verbunden.
Der prominenteste Vertreter der ästhetischen Kunsttheorie jener Zeit war Nicolas Boileau (1636 – 1711) – ein französischer Satiriker, Dichter, Theoretiker des Klassizismus, dessen Normen und Regeln von ihm in der poetischen Abhandlung „Poetische Kunst“ niedergelegt sind – u eine Art Unterricht für einen Novizendichter, Künstler.
N. Boileau ist ein Befürworter der Vorherrschaft der intellektuellen Sphäre gegenüber der emotionalen im Werk des Dichters (und in der Kunst im Allgemeinen). Er glaubt, dass Kunstwerke sich weniger an das Gefühl als an die Vernunft richten. Das wichtigste Zeichen von Schönheit – etwas, das leicht vom Verstand erfasst werden kann – ist Klarheit, Deutlichkeit. Alles ist unverständlich und hässlich zugleich. Die Idee des Werkes, seine Verkörperung sollen klar sein, die Teile und die ganze Architektur des Werkes sollen klar und deutlich sein. Einfachheit und Klarheit – das ist das Motiv des berühmten Prinzips der „drei Einheiten“, erweitert von N. Boileau auf Poesie und Dramaturgie in ihrer perfekten Komposition: Einheit des Ortes (die Handlung ist geographisch lokalisiert, obwohl sie einen Szenenwechsel beinhaltet) , Einheit der Zeit (die Handlung muss in einen Tag, einen Tag passen), Einheit der Handlung (die aufeinanderfolgenden Szenen müssen der zeitlichen Reihenfolge der Ereignisse entsprechen). Gleichzeitig dürfen sich die dargestellten Charaktere während der gesamten Arbeit nicht verändern. Diese Prinzipien sind laut N. Boileau direkte Manifestationen der Gesetze der Vernunft, der Disziplin kreative Möglichkeiten Dichter und ermöglichen es dem Leser oder Betrachter, den übertragenen Inhalt leicht und daher zufriedenstellend vollständig zu verstehen.
Plausibilität ist der Schlüsselbegriff der Kunstästhetik N. Boileaus. Denn N. Boileau präsentiert das Schöne als vernünftig und natürlich. Die Vernunft ist die Grundlage der universellen Gültigkeit der Geschmacksnormen. So gehorcht das Schöne irgendwie der Wahrheit. Aber die Wahrheit des Lebens ist auch eine normative Idealisierung und nicht nur eine korrekte Reflexion. Schönheit wird nach N. Boileau durch eine Art rationales spirituelles Prinzip in die Welt eingeführt, und ein Kunstwerk erweist sich als Produkt rationaler Aktivität als vollkommener als die Schöpfungen der Natur. Spirituelle Schönheit steht über dem Physischen und Kunst über der Natur.
N. Boileau konkretisiert die im Klassizismus entwickelte Theorie der Gattungen, wenn sie in höhere und niedrigere unterteilt werden: So sollte die Tragödie das Hohe und Heroische und die Komödie das Niedrige und Bösartige darstellen. Die Helden der Komödie sind einfache Menschen, die ihre Gedanken nicht in der pompösen Sprache der Rhetorik ausdrücken, sondern in einer leichten modernen weltlichen Sprache.
Die neuen Ideen der Aufklärung waren weitgehend mit den Prinzipien des Klassizismus verbunden und stellten in vielen kulturellen Phänomenen des 18. Jahrhunderts eine organische Einheit mit ihm dar. Das Zeitalter der Aufklärung ist in seinen axiomatischen Prinzipien ebenso rationalistisch wie das entstehende Weltbild des 17. Jahrhunderts, aber anders als der frühe Rationalismus ist die Aufklärung ein ganzes Programm, das weniger auf die Beherrschung der Naturgewalten auf deren Kosten abzielt wissenschaftliches Wissen seine Gesetze (dieser Prozess, der im 17. Jahrhundert begann, setzte sich natürlich fort), sondern auf die Transformation der gesamten Kultur und der gesamten Gesellschaft auf der Grundlage der Vernunft, auf der Grundlage neuer wissenschaftlicher Erkenntnisse, die in vielerlei Hinsicht widersprachen spirituelle Tradition, die in den Geisteshaltungen des Mittelalters wurzelte. Aufklärungsprojekt, dessen Autoren französische, englische und deutsche Denker sind (D. Diderot, Voltaire (M. F. Arue), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder und andere, von denen viele waren Mitglieder geheimer mystischer Gesellschaften rationalistischer Überzeugung, wie etwa der Illuminaten (von lat. illuminatio - Erleuchtung) - bestanden in einer Reihe miteinander verbundener Bereiche: der Festigung wissenschaftlicher Erkenntnisse und der Verbreitung rationalen Wissens neuer Art zu Fragen des philosophischen Verständnisses des Menschen, der Gesellschaft, der Kultur, einschließlich der Kunst; Verbreitung wissenschaftlicher Erkenntnisse und Werte der neuen Generation in der breiten Öffentlichkeit, Appell an eine gebildete Öffentlichkeit; Verbesserung der Gesetze, nach denen die Gesellschaft lebt, bis hin zu revolutionären Veränderungen.
In dieser Hinsicht ist eine der Linien der Philosophie der Aufklärung die Identifizierung der Grenzen des erkennenden Geistes und seiner Verbindung mit anderen erkennenden und aktiven Kräften des Menschen, wie dem begreifenden Gefühl – daher die Entstehung der philosophischen Ästhetik als einer eigenständige Disziplin, wie etwa der Wille, deren Geltungsbereich als praktischer Geist gedeutet wurde. Das Verhältnis von Natürlichkeit und Kultur wurde von den Aufklärern unterschiedlich verstanden: Den vorherrschenden Vorstellungen des kulturellen und zivilisatorischen Progressivismus stand die These von der Natürlichkeit des Menschen gegenüber, die in dem Aufruf von Jean-Jacques Rousseau hell zum Ausdruck kam: „Zurück zur Natur. " Ein weiterer Aspekt im Zusammenhang mit der Umsetzung der Programmaufgaben der Aufklärung ist die Entstehung von Erkenntnissen über die Horizonte der Weltkultur, der Beginn der Entwicklung außereuropäischer Kultur-, Kunst- und Religionserfahrungen und insbesondere die Entstehung von der Begriff der künstlerischen Weltkultur (J. Goethe).
Die Ideen der Aufklärung in der Kunst drückten sich in einer Reihe neuer Phänomene im künstlerischen Leben des 18. Jahrhunderts aus. - in der Demokratie - das Aufkommen von Kunst jenseits säkularer Salons, Büros und Paläste in öffentliche Konzertsäle, Bibliotheken, Galerien, in der Auseinandersetzung mit Themen Volksleben Und nationale Geschichte, in der Ablehnung der heroischen Aristokratie und dem Singen von Bildern von Bürgern, in einer Mischung aus hohen und niedrigen Genres, in der Popularität des Alltagsgenres und des Genres der Komödie; Interesse an öffentliches Leben und Fortschritt; in Antiklerikalismus und karikativ-ironischer Kritik an heruntergekommenen, auch von persönlicher Frömmigkeit verschleierten Überbleibseln des Mittelalters und verdorbener Sitten; im Liberalismus - die Predigt der Freiheit des Einzelnen und gleichzeitig in der moralischen Predigt die Einfachheit und Natürlichkeit des Menschen, abgestimmt auf das Wohl der Gesellschaft; in breiten enzyklopädischen Interessen und Aufmerksamkeit für außereuropäische Kulturen; im Realismus - eine einfache Natur, einen sozialen Kontext und eine psychologische Aura menschlicher Bilder zeigen, in einer idyllischen Verpflichtung zur Natürlichkeit und Treue zum menschlichen Gefühl, im Gegensatz zu dem Verstand, der Fehler machen kann.
In Literatur und Theater spiegelte sich dies in den Werken von Beaumarchais, Lessing, Sheridan, Goldoni, Gozzi, Schiller, Goethe, Defoe, Swift wider; in der Malerei - Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Grez, David, Goya, Levitsky; in der Bildhauerei - Houdon, Shubin usw.
Viele Ideen der Aufklärung wurden in den von der Ästhetik des Klassizismus entwickelten Kunstformen umgesetzt, so dass wir mit einer gewissen ideologischen Abgrenzung ihrer Prinzipien von der wirklichen Ähnlichkeit dieser Stile sprechen können. Einige pädagogische Motive standen im Einklang mit dem verspielten und raffinierten Hofstil des Rokoko. Im Rahmen der Ideen der Spätaufklärung bildete sich (insbesondere in Poesie und Malerei) ein ursprünglicher Stil der Sentimentalität heraus, der sich durch Verträumtheit, Sensibilität, die besondere Rolle des vermittelten Gefühls für das Verständnis des Lebens und Mitgefühl (Sympathie) auszeichnete moralische Erziehung, natürliche Konformität und idyllische Seelsorge - ganz im Sinne der Philosophie von J.J. Rousseau. Sentimentalismus einerseits und ausdrucksstarke Symbolbilder von Kunstschaffenden des späten 18. Jahrhunderts wie F. Schiller, J. Goethe, F. Goya, J.-L. David lassen von einer Sonderstufe sprechen der Vorromantik, vorbereitet in den Tiefen der Ästhetik und des Lebens der Aufklärung.
Die philosophischen Ideen der Ästhetik der Aufklärung kamen in den Werken einer Reihe bedeutender Denker des 18. Jahrhunderts klar zum Ausdruck, darunter:
Alexander Baumgarten (1714 - 1762) - Deutscher Philosoph, Anhänger von Leibniz und Wolff, Begründer der Ästhetik der deutschen klassischen Philosophie. 1735
A. Baumgarten führte erstmals den Begriff „Ästhetik“ ein, den er als die philosophische Wissenschaft der sinnlichen Erkenntnis bezeichnete, die Schönheit begreift und schafft und in den Bildern der Kunst zum Ausdruck bringt. Baumgartens ästhetische Ansichten werden in den Werken „Philosophische Reflexionen zu einigen Fragen eines poetischen Werkes“, „Ästhetik“ dargelegt.
Gotthold Ephraim Lessing (1729 - 1781) - Deutscher Philosoph - Pädagoge, Dramatiker, Literaturkritiker, Kunsttheoretiker, der sich für die Annäherung von Literatur und Kunst an das Leben einsetzte; für ihre Befreiung von den Fesseln klassenaristokratischer Normativität. Kunst ist nach Lessing die Nachahmung der Natur, weit gefasst als Erkenntnis des Lebens. Die Begründung der Theorie der realistischen Kunst stützt sich auf die Terminologie von Aristoteles und Shakespeares Werk zur Bekämpfung des Klassizismus. Das theoretische Hauptwerk von Lessing: „Laokoon. Über die Grenzen von Malerei und Poesie.
Johann Goethe (1749-1832)- Deutscher Dichter, Gründer Deutsche Literatur Neue Zeit, Denker und Naturforscher. Goethe war in seiner Jugend einer der Anführer der Sturm-und-Drang-Bewegung. Die Kunst, so Goethe, ist aufgerufen, veralteten Konventionen, maroden Moralvorstellungen zu widerstehen, gegen die Unterdrückung des Individuums zu kämpfen. I. Goethe interpretierte Kunst als "Nachahmung" der Natur. Tatsächlich formulierte er die Idee der „Typisierung“. Um irgendeine schöpferische Kraft zu bezeichnen, führte Goethe den Begriff „dämonisch“ ein. Die Hauptwerke von I. Goethe: „Eine einfache Nachahmung der Natur. Benehmen. Stil“, „Die Lehre vom Licht“.
Immanuel Kant (1724 - 1804) - der Begründer der deutschen klassischen Philosophie. Das Hauptwerk von I. Kant zu den Problemen der Ästhetik ist die „Kritik der Urteilsfähigkeit“. Das ästhetische Prinzip entpuppt sich für I. Kant als eine fundamentale a priori (Bewusstseinskonstitution vor jeder empirischen Erfahrung bestimmende) Form – eine universell anwendbare Form eines uneigennützigen Geschmacksurteils. Das Geschmacksurteil ist mit der Fähigkeit, Lust oder Unlust zu empfinden, auf der Grundlage des Prinzips der "Zweckmäßigkeit ohne Zweck" verbunden, dessen Ableitungen die praktische Zweckmäßigkeit des Handelns des menschlichen Willens und die Gesetzmäßigkeit des Handelns des menschlichen Willens sind Geist. Die Hauptkategorien von Kants Ästhetik sind Zweckmäßigkeit (die harmonische Verbindung von Teilen und Ganzem), das Schöne und das Erhabene. Kant zerstreute rationalistische und utilitaristische Vorstellungen von Schönheit, indem er den Schönheitssinn auf das „selbstlose“ Vergnügen reduzierte, das aus der Betrachtung ästhetischer Form entsteht. Gleichzeitig ist der Hauptvorteil eines Kunstwerks nach I. Kant weniger sein vitaler Inhalt als vielmehr eine perfekte Form, die die experimentelle ästhetische Fähigkeit eines Menschen anspricht. Das Wesen des Erhabenen verstößt nach Kant gegen das übliche Maß. Das Urteil über das Erhabene erfordert eine entwickelte Vorstellungskraft und eine hohe Moral. Für die Wahrnehmung von Kunst braucht man Geschmack, für die Schöpfung - ein Genie - eine einzigartige Persönlichkeit ein hohes Maß kreative Vorstellungskraft.
Georg Hegel (1770 - 1831) - ein herausragender Vertreter der deutschen klassischen Philosophie, dessen Ansichten unter dem Einfluss des für die Aufklärung charakteristischen Rationalismus entstanden sind. G. Hegel jedoch hat in seinem wirklich universellen philosophischen System den Rahmen der aufklärerischen Ideen überwunden. Bei der Ausformung seiner ursprünglichen Methodik wurde er auch von frühromantischen Motiven beeinflusst, die sich in den Konzepten deutscher Philosophen des frühen 19. Jahrhunderts bemerkbar machten. I. Fichte und F. Schelling. G. Hegel perfektionierte die Methode der rationalen Reflexion, die in der Lage war, die Widersprüche von Sein und Bewusstsein zu verstehen, und integrierte in sich sowohl streng rational-logische als auch spezifisch ästhetische und sogar mystische Modelle der Denkbewegung, die laut Hegel passen in die breiteren Koordinaten der dialektischen Logik und damit in Modalitäten des Geistes. G. Hegel ist der Schöpfer des Systems des objektiven Idealismus auf der Grundlage der Methode der Dialektik.
In der Frühzeit des Schaffens glaubte G. Hegel, dass der höchste Akt der Vernunft, der alle Ideen umfasst, ein ästhetischer Akt ist und dass Wahrheit und Güte nur in der Schönheit durch Familienbande vereint sind. Später erscheint G. Hegels Ästhetik als Kunstphilosophie. Die Kunst tritt gegenüber der Philosophie als absoluter Form der Selbsterkenntnis des Geistes einen untergeordneten Schritt ein historische Entwicklung historisches Bewusstsein.
Das Neue an G. Hegels Ästhetik der reifen Zeit bestand darin, die Verbindung von Kunst und Schönheit mit menschlicher Aktivität und mit der Entwicklung des "objektiven Geistes", dh der Kultur der Gesellschaft als Ganzes, zu betonen. Schönheit ist nach Hegel immer menschlich. Die allgemeinste ästhetische Kategorie bei Hegel ist das Schöne. Die Ästhetik Hegels ist inhärent historisches Prinzip Berücksichtigung des Materials. Den dialektischen Dreiklang der Selbstentfaltung der Kunst bilden ihre im Laufe der Geschichte sukzessive wechselnden Formen: symbolisch (Alter Orient), klassisch (Antike) und romantisch (christliches Europa). In Hegels Ästhetik wurden Kunstformen ausführlich betrachtet. Überall versuchte er, das Entwicklungsprinzip zu erfassen. Das Hauptwerk, das das ästhetische Konzept von G. Hegel umreißt, sind Vorlesungen über Ästhetik.