Lin Hwai-min Lin Hwai-min. Choreograf Lin Hwai-ming: „In vielen östlichen Kulturen bedeutet „Reis“ „Mutter von Lin Hwai-ming.“
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Direktor
Lin Hwai-min
Biografie:
Lin Hwai-ming wurde 1947 in Taiwan geboren. UMGründer und künstlerischer Leiter des taiwanesischen Heaven's Gate Dance Theatre. Studierte chinesische Opernbewegung in seiner Heimat Taiwan, modernen Tanz in New York, Klassischer Tanz in Japan und Korea. Er gründete die Truppe im Jahr 1973. Der berühmte, international bekannte Choreograf verwendet häufig Techniken der traditionellen asiatischen Kultur, was ihn nicht daran hindert, Werke innovativer Formen und moderner Klänge zu schaffen. Lin wurde von vielen bemerkt internationale Auszeichnungen und Auszeichnungen. Im Jahr 2003 wurde er zum „Herausragenden Bürger Taipehs“ erklärt. Das Magazin Dance Europe zeichnete Lin als „Chormeister des 20. Jahrhunderts“ aus und das internationale Magazin Ballet International wählte ihn im Jahr 2000 zusammen mit Merce Cunningham, Jiri Kylian, Pina Bausch und William Forsyth zur „Person des Jahres“. Lin - berühmter Autor, sein Roman „Cicada“ (Zikade) ist in Taiwan ein echter Bestseller, mehrere seiner Werke wurden ins Ausland übersetzt englische Sprache und in den USA veröffentlicht. Lin gründete die Tanzabteilung in Taiwan Nationaluniversität 1983 schloss er sein Studium der Künste in Taipeh ab und war dort fünf Jahre lang als Abteilungsleiter tätig. 1996 gab Lin Hwai-ming sein Debüt als Opernregisseur. Er hat sich erfolgreich platziert Opernhaus Oper „Rashomon“ in der österreichischen Stadt Graz. In 2002 - " T Osku“ mit dem National Symphonieorchester Taiwan, das in Taipeh zu einem Ereignis wurde. Seit 2000 ist Lin Art Director des Novel Hall-Programms Neuer Tanz» ( Novel Hall New Dance Series) , das berühmte Avantgarde-Gruppen und herausragende Tänzer der Welt vertritt.
Filme von Lin Hwai-ming:
Die Entwicklung der Tanzkunst in Taiwan spiegelt die bewegte Geschichte der Insel wider. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts kam ihm eine Schlüsselrolle bei der Entstehung zu moderner Tanz in Taiwan gespielt von Lin Hwai Ming.
Das Jahr 1947, in dem der zukünftige Choreograf geboren wurde, war sowohl für seine Familie als auch für Taiwan insgesamt schwierig. Die Rückkehr der Insel unter chinesische Herrschaft nach der Niederlage Japans im Zweiten Weltkrieg löste einen Aufstand aus, der brutal niedergeschlagen wurde, und das in diesem Jahr verhängte Kriegsrecht blieb vier Jahrzehnte lang in Kraft. Als Lin geboren wurde, hatten seine Eltern den Großteil des Familienunternehmens verloren, die Familie lebte jedoch nicht in Armut. Seine Kindheit verbrachte er in der kleinen malerischen Stadt Chiayi. Als intelligente Menschen ermöglichten die Eltern ihrem Sohn eine gute Ausbildung. Im Haus gab es viele Gemälde und Bücher, sowohl japanische als auch chinesische; mein Vater zeichnete leidenschaftlich gern, meine Mutter liebte Musik. Lin verspürte bereits in seiner Jugend ein Verlangen nach Kunst – er war erst vierzehn Jahre alt, als seine Geschichten und Gedichte in Zeitungen und Zeitschriften veröffentlicht wurden. In seiner Jugend interessierte er sich für verschiedene literarische Phänomene – von den Romanen von Leo Tolstoi und Ernst Hemingway bis hin zu den modernistischen Bewegungen Taiwans. Auch das Kino erregt seine Aufmerksamkeit, insbesondere Tanzfilme, und nach seinem Militärdienst interessierte sich Lin für das Tanzen. Er besuchte Seminare für Tänzer, die in den USA studierten, verband seine Zukunft jedoch zunächst nicht mit diesem Beruf. Er wollte Journalist werden und reiste zu diesem Zweck 1969 in die USA, um an der Universität zu studieren.
Lin Hwai Ming studierte in Missouri, dann in Iowa. Doch nicht nur sein Studium beschäftigte ihn zu dieser Zeit. In den Kursen von Marcia Thayer studierte er modernen Tanz und trat anschließend in einem von ihr geleiteten Ensemble auf. Moderner Tanz weckt bei ihm immer mehr Interesse, und zwar nach Abschluss Trainingskurs in Iowa ging er nach New York, wo er sowohl bei als auch bei studierte. Parallel dazu studierte er moderne Literatur, besuchte Theater und Museen. Um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten, musste er Teilzeit in Restaurants arbeiten, und doch wurden drei Jahre in New York für Lin zur glücklichsten Zeit, doch das Gleiche gilt nicht für sein Heimatland: Taiwan, international als Teil Chinas anerkannt, verlor seine Heimat Souveränität, was für seine Bewohner ein großer Schock war. Lin Hwai Min kehrte – wie viele seiner Landsleute, die zu dieser Zeit im Ausland studierten – in seine Heimat zurück und versuchte, in dieser schwierigen Zeit bei seinem Volk zu sein.
Nachdem der Choreograf seine Karriere als Choreograph in seinem Heimatland begonnen hatte, stellte er die Weichen für die Schaffung moderner choreografischer Produktionen auf der Grundlage dieser nationale Musik. 1973 gründete er das erste zeitgenössische Tanztheater in Taiwan. Das Theater erhielt den Namen Cloud Gate, nach dem ältesten chinesischen Tanz, dessen Geschichte fünftausend Jahre zurückreicht. In seinen ersten Produktionen – zum Beispiel „Das Märchen von der weißen Schlange“ – verwendete der Choreograf viele Elemente des Traditionellen chinesische Kultur: kreisende Bewegungen (Kreis spielt eine wichtige Rolle bei Chinesische Philosophie), ein Fächer als Symbol der Liebe, ein Regenschirm als Zeichen der Trennung. Frühe Periode Der Choreograf beschrieb seine Arbeit als „sehr chinesisch“.
1978 schuf Lin Hwai Ming das epische Stück Succession, das die Geschichte von Siedlern erzählt, die vor drei Jahrhunderten von China nach Taiwan reisten, um dort zu bauen neues Leben. Die choreografische Darbietung enthält Elemente aus Gymnastik, traditionellen chinesischen Tänzen und sogar Karate. Die Werke der Folgejahre – „Nirvana“ nach buddhistischer Philosophie, „Traum in der Roten Kammer“ nach dem gleichnamigen chinesischen Roman und andere – zielen auf die Suche nach nationaler Identität ab.
Aufgrund finanzieller Probleme wurde die Tätigkeit der Truppe 1988 für drei Jahre unterbrochen. In diesen Jahren reiste der Choreograf viel. Er besuchte Korea, Japan, Bali, Indien und Nepal. Die während der Reisen gewonnenen Eindrücke spiegelten sich in den Werken der Folgejahre wider – so ist „Das Lied der Wanderer“ beispielsweise mit einem Besuch im indischen Raum verbunden, wo der Legende nach Gautama Buddha die Erleuchtung erlangte. MIT Buddhistische Philosophie Damit verbunden ist auch das Ballett „Mondwasser“, dessen Titel das Sprichwort widerspiegelt: „Blumen im Spiegel und der Mond im Wasser sind illusorisch.“ Gleichzeitig wird dieser Name mit Tai Chi in Verbindung gebracht, einem alten chinesischen Komplex psychophysischer Übungen. Innerhalb dieses Systems wird der anzustrebende ideale menschliche Zustand wie folgt beschrieben: „Energie fließt wie Wasser, Geist scheint wie der Mond.“ Das fünfzigminütige Ballett mit seiner „fließenden“ Plastizität ist äußerst besinnlich.
Der Choreograf beschränkt sich nicht nur auf die Schaffung von Performances, sondern beschäftigt sich auch damit pädagogische Tätigkeit, und es beschränkt sich nicht nur auf die Berufsausbildung. Zusammen mit der choreografischen Abteilung des National Institute of Arts gründete er mehr als zwanzig Schulen in verschiedenen Städten Taiwans. In diesen Schulen, die von Kindern, Erwachsenen und älteren Menschen besucht werden, unterrichten seine Anhänger nach dem von ihm entwickelten System, das er „Pause des Lebens“ nannte. Es soll einem Menschen helfen, durch die Kenntnis seines Körpers zu kommen im Einklang mit der Natur und anderen Menschen.
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Am 21. Mai fanden in Moskau im Rahmen des Tschechow-Festivals die Uraufführungen zweier Produktionen des taiwanesischen Choreografen Lin Hwai-Ming statt: „White Water“ und „Ashes“. Beide inhaltlich und in der Umsetzung unterschiedlichen Produktionen wurden letztes Jahr erstmals in Europa beim Movimentos-Kunstfestival in Deutschland präsentiert. Ein Jahr vor dem Festival traf sich Lin mit den Organisatoren in Dresden, um das Programm zu besprechen. Da erinnerte er sich: „ Streichquartett Nr. 8 c-Moll“ von Dmitri Schostakowitsch (die Komposition entstand 1960 in Dresden). So entstand „Ashes“, dessen zweiter Name „Requiem“ ist. Laut Lin ist die Produktion eine Art Katharsis von den Schrecken der Vergangenheit und dieses Jahrhunderts: Kriege, Völkermorde, Repressionen, Umweltkatastrophen. Wie der Choreograf später erfuhr, konzipierte Schostakowitsch sein Werk als Requiem.
Auf der Bühne des Mossovet zeigten sie zunächst das 55-minütige „White Water“ zur Musik von Satie, Roussel, Saigun, Oana und Iber. Wie in vielen Produktionen von Lin Hwai-Ming geht es auch in dieser um die Natur und damit um das Leben im Allgemeinen. Wildwasser ist ein brodelnder (Bach, Wasserfall), Wasserschaum. Die Tänzer, jeweils in weißer oder hellgrauer lockerer Kleidung, wie es bei Lean üblich ist, synchronisieren sich mit ihrer eigenen Atmung und nicht mit der Musik – als ob die Musik aus ihrer Bewegung entsteht und nicht umgekehrt. Sprünge in Hülle und Fülle, nach innen gedrehte Füße und halbgebeugtes Laufen – all diese Cloud-Gate-Klassiker sind auch hier präsent. Nachdem sie zum Wasser eines Flusses oder Wasserfalls geworden sind, das auf der Videoprojektion im hinteren Teil der Bühne sprudelt, vermischen sich die Tänzer entweder schnell oder verlangsamen sich so stark, dass es den Anschein hat, als sei die Zeit anders geflossen. Kompositionswechsel und technisch anspruchsvolle Soli lassen Sie in einen zen-buddhistischen Geisteszustand eintauchen – kontemplativ.
Das komplette Gegenteil ist die 22-minütige Produktion „Ashes“. Es ist unmöglich, die verdrehten Zombies, die auf die Bühne kriechen, als diese raffinierten Kreaturen in schneeweißen Gewändern mit geradem Rücken und leuchtenden Augen zu erkennen. Die Haare sind zerzaust, die Gesichter scheinen mit Ruß verschmiert zu sein, statt Kleidung gibt es schwarze Lumpen, der Körper scheint in allen Gelenken gebrochen zu sein. Sie bewegen ihre Gliedmaßen, einige allein, einige stützen sich auf andere, fallen wie trockene Äste, ihre Körper werden von einem epileptischen Krampf erschüttert. So wie der Wind brennende Asche über den Boden bewegt, rollen die Tänzer, als ob sie langsam ausbrennen würden, über die Bühne. Entweder zittern sie krampfhaft und ringen unnatürlich die Hände, oder sie versteifen sich in schrecklichen, ungeschickten Posen. Bevor das Licht ausging, erstarrten sie mit offenem Mund – ein stiller Schrei, der noch immer in der Dunkelheit widerhallte. Als die Lichter wieder angingen und das Publikum tosend applaudierte, standen die Tänzer wie eine Mauer da, Händchen haltend, mit ernsten Gesichtern, ohne sich zu bewegen. Die Lichter gingen aus und wieder an – sie standen auf, das Publikum applaudierte lauter und rief „Bravo!“, der Vorhang schloss sich und öffnete sich – kein einziger Muskel bewegte sich auf ihrem Gesicht. Dies verstärkte das Gefühl für die Ernsthaftigkeit des Themas und die Gefühle, die es hervorruft – das ist kein Witz, kein Theater. Sie verneigten sich nie.
Beide Produktionen sind weiß und schwarz im Yin-Yang-Zeichen. Bei „White Water“ geht es um Leben, Bewegung, Licht, bei „Ashes“ um Tod, Leid und die Grausamkeit der Welt. Lin Hwai-Ming scheint zu sagen: „Schau dir das Leben an, es ist flüchtig und schön, du kannst es nicht wegnehmen, verbrennen oder in Asche verwandeln.“
Kultur
Am Donnerstag, dem 11. Juni, hatten Woronesch-Journalisten im Kunstzentrum Kommuna das Glück, mit dem legendären taiwanesischen Choreografen Lin Hwai-ming zu sprechen. Seine Tanzgruppe wurde zur ersten professionellen Gruppe in China. Beim Platonow-Festival brachte der legendäre Regisseur gemeinsam mit dem Cloud Gate Dance Theatre ein Werk mit dem lakonischen Titel „Rice“ auf den Markt.
Lin Hwai-ming begann die Pressekonferenz, indem er über die Ursprünge der Produktion sprach:
Die Idee zu dieser Aufführung kam mir, als ich ein interessantes asiatisches Dorf besuchte, in dem Bauern Subsistenzwirtschaft betreiben. An diesem Ort scheint die Zeit stehen geblieben zu sein, es gibt nicht einmal Strom, aber doch genaue Aufmerksamkeit Bewohner zu Natur und Landschaft. Vor meinen Augen offenbarte sich ein mehrere Hektar großes Reisfeld, dessen Schönheit mich buchstäblich in seinen Bann zog. Ich sah in all dem eine gewisse Plastizität, die ich auf der Bühne verkörpern wollte.
Lin Hwai-ming sagte, dass er sogar extra einen Kameramann zum Filmen in dieses Dorf geschickt habe unterschiedliche Bühnen Reis reift. Das dabei entstandene Material wurde als Hintergrundvideoinstallation für die Performance verwendet.
Ich wollte in meiner Produktion die zyklische Natur des Lebens, seine Kontinuität vermitteln. Wir setzen alle Lebewesen gleich: Die Künstler der Truppe stellen wachsende Reissträucher dar, gleichzeitig kann dies aber auch als Metapher für die Reifung des Menschen verstanden werden.
Der Regisseur teilte auch seine Erfahrungen im Umgang mit Kampfkünstlern, die persönlich mit den Tänzern des Cloud Gate Theaters zusammengearbeitet haben:
Als ich mich zum ersten Mal hilfesuchend an sie wandte, gaben sie mir einen entschiedenen Vorwurf: Wir unterrichten keinen Tanz. Aber es gelang mir, die Meister davon zu überzeugen, dass es mir wichtig war, die Künstler geistig und körperlich vorzubereiten und ihnen den Stil der bildenden Kunst beizubringen. Und am Ende haben wir beeindruckende Ergebnisse erzielt, und ich betone, dass die Integrität der Darbietung größtenteils nicht mein Verdienst ist, sondern eine Folge der fruchtbaren Zusammenarbeit von Tänzern und Kampfsportgurus.
Obwohl, danach Premierenshow„Risa“, als wir stehende Ovationen erhielten, kam zuerst ein Sensei auf mich zu, umgeben von Freunden, und sagte: „Herzlichen Glückwunsch, das Publikum ist begeistert.“ Als jedoch alle gingen, empörte er sich: „Du hast alles falsch gemacht!“ Aber das ist seine berufliche Gewissenhaftigkeit – wir hatten nicht die Absicht, den Termin zu verschieben Kampfsportarten unverändert auf der Bühne.
Lin Hwai Ming glaubt, dass die Tanzästhetik eines Landes ein Spiegelbild seiner Kultur ist. Klassisches Ballett, so der Choreograf, sei ein Produkt davon Europäische Kulturen der hoch bauen wollte Kathedralen. Deshalb gibt es darin so viele vertikal gerichtete Stufen. Doch die asiatische Kultur, die unter anderem mit dem Sammeln von Reis in gebeugter Haltung verbunden ist, spiegelt sich im Ungewöhnlichen wider moderne Choreografieöstliche Länder.
Und im Allgemeinen ist „Reis“ für China, Indonesien und viele andere Länder ein Synonym für das Wort „Mutter“. Ich habe Sänger getroffen, die die Reisgöttin lobpreisen, die in Form von Feldfrüchten gebiert. Dieses Motiv spiegelte sich übrigens plastisch in unserer Produktion wider.
Das Interessante ist das hier Tanzkunst Lin Hwai-mings Leben ist nicht begrenzt. Er ist ein umfassend entwickelter Mensch – im Alter von 14 Jahren veröffentlichte der Choreograf einen Erzählband:
Es ist wunderbar, ein junger Schriftsteller zu sein. Vor allem, weil Sie weiterhin lebenslange Tantiemen erhalten. Es stimmt, ich habe die Worte schon vor langer Zeit vergessen, daher ist es unwahrscheinlich, dass ich zur verbalen Kreativität zurückkehren werde. Jetzt tanzt meine Sprache.
Es wird angenommen, dass der Grundsatz „Einen gesehen, alle gesehen“ auf Khwai-Mings Auftritte anwendbar ist, und eine solche Meinung ist zugegebenermaßen nicht ganz unbegründet. „Cloud Gate“ erreicht Moskau regelmäßig und bringt unterschiedliche Titel mit, aber im Format, im plastischen Design und vor allem konzeptionell unterscheidet sich eine Produktion nicht wesentlich von der anderen, unabhängig davon, ob es sich um die Feinheiten des kalligraphischen Schreibens oder die Schwierigkeiten des Wachstums handelt Reis. In der Regel wird das Thema im Titel genannt, die Choreografie selbst ist jedoch nicht reich an Fundstücken, universell und wird mehr oder weniger mechanisch darauf angewendet, lediglich die Kostüme und Videobilder im Hintergrund ändern sich. Normalerweise handelt es sich bei einer Aufführung eines taiwanesischen Tanztheaters jedoch um einen Einakter von etwas mehr als einer Stunde Dauer in diesem Fall- ein Diptychon (Premiere 2014) aus zwei unabhängigen Werken, und das allein schien interessant.
Genau wie Hwai-mins „Rice“, das letztes Jahr beim Tschechowfest gezeigt wurde, um Reis ging –
- „White Water“, das ist nicht schwer zu erraten, ist dem Wasser gewidmet. Auf der Hintergrundleinwand wechseln sich Videoinstallationen mit Bildern von Flussläufen unaufdringlich und langsam ab, und auf der Bühne wechseln sich Corps de Ballet-Episoden mit Solo- und Duett-Episoden ab. Die fünfzigminütige Aufführung besteht aus eineinhalb Dutzend kurzen Fragmenten, die mit Klavierminiaturen vertont sind. Französische Komponisten Anfang des 20. Jahrhunderts - hauptsächlich Satie, aber auch Roussel und Iber, daneben mehrere Werke im gleichen Geiste unbekannter asiatischer Autoren. Mädchen in weißen Sommerkleidern, Jungen in weiten Hosen und ärmellosen T-Shirts, Stoffe und Gliedmaßen „fließen“, in den allgemeinen Tänzen sieht man auf Wunsch einen Hauch von „Strömungen“ und „Steinen“, niedlichen weiblichen Solos und amüsant männliches Duett unter Satie sind völlig abstrakt, aber so oder so – und Dramaturgie, die den meisten „handlungslosen“ sicherlich innewohnt Ballettaufführungen, Hwai-ming fehlt hier als Tatsache, und dies ist eine bewusste Haltung gegenüber der Ablehnung jeglicher Entwicklung. Man kann „White Water“ nicht einmal als Divertissement bezeichnen, dafür sind die Episoden nicht kontrastreich genug. Es gibt etwas weniger ruhige und etwas ausdrucksstärkere, aber im Allgemeinen ist die Veranstaltung nicht jedermanns Sache: Sie plätschert und plätschert nicht wie ein stürmischer Bach, sondern fließt ganz ruhig, ohne klar definierte Spritzer und Strudel, mal langsam, mal langsam etwas schneller, ohne Schwall und ohne Verzögerung, obwohl solch reine Kontemplation vielleicht auch das Auge erfreuen kann, besonders wenn man es nicht gewohnt ist.
„Ashes“ basiert auf ähnlichen Bewegungen, langsam und halbgebeugt ausgeführt, aber auf seine Weise lakonisch und „programmatisch“. Es basiert auf der Musik von Schostakowitschs 8. Quartett und ist einer bestimmten (unspezifischen) Massentragödie, einer humanitären Katastrophe, gewidmet: den Folgen eines Bombenangriffs oder Völkermords, der ohne Beteiligung der Luftfahrt begangen wurde, oder vielleicht eines Atomschlags „Weltuntergang“ auf lokaler oder globaler Ebene, vom Menschen verursacht oder spontan, aber auf jeden Fall soll das Bild eindeutig postapokalyptisch sein. Alle Teilnehmer der Performance tragen „schmutziges“ Make-up, Lumpenkostüme, im Gegensatz zur „fließenden“ Plastizität von „White Water“ sind hier in „Ashes“ die Bewegungen scharf, kantig, krampfhaft, das Licht gedämpft und das gibt es viel Rauch. Aber die Hauptsache ist, dass für Soli und Duette kein Platz ist; wenn einzelne Solisten oder Paare sich aus der Masse mit gefalteten Händen hervorheben, dann nicht für eine eigenständige Tanz-„Nummer“, sondern nur, um das totale Leiden hervorzuheben. einschließlich körperlicher Schmerzen, Gewalt gegen den Körper und nicht nur seelischer Qual. Diese Aufgabe ist jedoch mit einfachsten Mitteln in etwa dreißig Sekunden gelöst, und eine zwanzigminütige Aufführung, die wiederum zunächst keine dramatische Entwicklung impliziert, wird sofort zu einer halben Aufführung, einer halben Installation, deren Timing nicht durch interne Faktoren bestimmt wird Logik, nicht durch plastischen Reichtum, sondern allein durch Dauer Musikstück, das als Material für den Soundtrack diente. Die Kontemplation in „Ashes“ ist keineswegs so glückselig wie in „White Water“, aber schon im Vorfeld ist klar: Es ist sinnlos zu erwarten, dass aus „Ashes“ ein Diamant funkelt, die Künstler lockern auch dann nicht die Hände Verbeugung, als ob wir zeigen würden, dass wir auf einmal reich sind, aber pasaran .
