„Ideale Städte“ der Renaissance. Technische Begründung von Projekten

Klassizismus in der Architektur Westeuropas

Überlassen wir es den Italienern

Leeres Lametta mit seinem falschen Glanz.

Gesamt Bedeutung ist wichtiger aber um zu ihm zu kommen,

Wir müssen Hindernisse und Wege überwinden,

Folgen Sie strikt dem markierten Weg:

Manchmal hat der Geist nur einen Weg...

Sie müssen über die Bedeutung nachdenken und erst dann schreiben!

N. Boileau. „Poetische Kunst“.

Übersetzung von V. Lipetskaya

So lehrte einer der wichtigsten Ideologen des Klassizismus, der Dichter Nicolas Boileau (1636-1711), seine Zeitgenossen. Die strengen Regeln des Klassizismus wurden in den Tragödien von Corneille und Racine, den Komödien von Molière und den Satiren von La Fontaine, der Musik von Lully und der Malerei von Poussin, der Architektur und Dekoration der Paläste und Ensembles von Paris verkörpert ...

Der Klassizismus manifestierte sich am deutlichsten in den Werken der Architektur, die sich auf die besten Errungenschaften der antiken Kultur konzentrierten – ein Ordnungssystem, strenge Symmetrie, eine klare Proportionalität der Teile der Komposition und ihre Unterordnung unter die Gesamtidee. Der „strenge Stil“ der klassizistischen Architektur schien dazu gedacht, ihre Idealformel von „edler Einfachheit und ruhiger Erhabenheit“ visuell zu verkörpern. In den architektonischen Strukturen des Klassizismus dominierten einfache und klare Formen, eine ruhige Harmonie der Proportionen. Bevorzugt wurden gerade Linien, unaufdringliches Dekor und die Wiederholung der Umrisse des Objekts. Die Einfachheit und Noblesse der Verarbeitung, Praktikabilität und Zweckmäßigkeit beeinflussten alles.

Basierend auf den Vorstellungen der Renaissance-Architekten von der „idealen Stadt“ schufen die Architekten des Klassizismus ein neuartiges grandioses Schloss- und Parkensemble, das strikt einem einzigen geometrischen Grundriss untergeordnet war. Eines der herausragenden architektonischen Bauwerke dieser Zeit war die Residenz der französischen Könige am Stadtrand von Paris – das Schloss Versailles.

„Märchentraum“ von Versailles

Mark Twain, der Mitte des 19. Jahrhunderts Versailles besuchte.

„Ich habe Ludwig XIV. ausgeschimpft, der 200 Millionen Dollar für Versailles ausgegeben hat, als die Leute nicht genug für Brot hatten, aber jetzt habe ich ihm vergeben. Es ist außergewöhnlich schön! Du starrst, öffnest einfach deine Augen und versuchst zu verstehen, dass du auf der Erde bist und nicht in den Gärten Eden. Und Sie sind fast bereit zu glauben, dass dies eine Fälschung ist, nur ein fabelhafter Traum.

Tatsächlich verblüfft der „Märchentraum“ von Versailles immer noch mit der Größe des regelmäßigen Grundrisses, der prächtigen Pracht der Fassaden und der Brillanz der dekorativen Dekoration der Innenräume. Versailles wurde zu einer sichtbaren Verkörperung der hochoffiziellen Architektur des Klassizismus und drückte die Idee eines rational geordneten Weltmodells aus.

Einhundert Hektar Land wurden in kürzester Zeit (1666-1680) in ein Stück Paradies für die französische Aristokratie verwandelt. Die Architekten Louis Leveaux (1612–1670), Jules Hardouin-Mansart (1646–1708) und André Le Nôtre(1613-1700). Im Laufe der Jahre wurde die Architektur stark umgebaut und verändert, so dass es sich heute um eine komplexe Verschmelzung mehrerer architektonischer Schichten handelt, die die charakteristischen Merkmale des Klassizismus aufnimmt.

Das Zentrum von Versailles ist der Große Palast, zu dem drei zusammenlaufende Alleen führen. Der Palast liegt auf einer bestimmten Höhe und nimmt eine beherrschende Stellung über das Gebiet ein. Seine Schöpfer teilten die fast einen halben Kilometer lange Fassade in einen Mittelteil und zwei Seitenflügel – den Risalit – und verliehen ihr so ​​eine besondere Feierlichkeit. Die Fassade besteht aus drei Etagen. Der erste, der die Rolle eines massiven Sockels spielt, ist mit Rustikaturen nach dem Vorbild italienischer Renaissancepaläste verziert. Auf der zweiten Vorderseite befinden sich hohe Bogenfenster, zwischen denen sich ionische Säulen und Pilaster befinden. Die das Gebäude krönende Etage verleiht dem Erscheinungsbild des Schlosses Monumentalität: Sie ist verkürzt und endet mit Skulpturengruppen, die dem Gebäude eine besondere Eleganz und Leichtigkeit verleihen. Der Rhythmus von Fenstern, Pilastern und Säulen an der Fassade unterstreicht ihre klassische Strenge und Pracht. Es ist kein Zufall, dass Molière über den Großen Palast von Versailles sagte:

„Die künstlerische Dekoration des Palastes steht so im Einklang mit der Perfektion, die die Natur ihm verleiht, dass man ihn als magisches Schloss bezeichnen kann.“

Die Innenräume des Großen Palastes sind im Barockstil dekoriert: Sie sind reich an skulpturalen Dekorationen, reichem Dekor in Form von vergoldetem Stuck und Schnitzereien, vielen Spiegeln und exquisiten Möbeln. Die Wände und Decken sind mit farbigen Marmorplatten mit klaren geometrischen Mustern bedeckt: Quadrate, Rechtecke und Kreise. Malerische Tafeln und Wandteppiche zu mythologischen Themen verherrlichen König Ludwig XIV. Massive Kronleuchter aus Bronze mit Vergoldung runden den Eindruck von Reichtum und Luxus ab.

Die Säle des Schlosses (es gibt etwa 700 davon) bilden endlose Enfiladen und sind für feierliche Umzüge, prächtige Feste und Maskenbälle gedacht. Im größten Festsaal des Schlosses – der Spiegelgalerie (73 m lang) – wird die Suche nach neuen Raum- und Lichteffekten deutlich. Zu den Fenstern auf der einen Seite der Halle passten Spiegel auf der anderen. Unter Sonnenlicht oder künstlicher Beleuchtung erzeugten vierhundert Spiegel eine außergewöhnliche Raumwirkung und vermittelten ein magisches Spiegelspiel.

Die dekorativen Kompositionen von Charles Lebrun (1619-1690) in Versailles und im Louvre beeindruckten durch ihre zeremonielle Pracht. Die von ihm proklamierte „Methode der Darstellung von Leidenschaften“, die pompöses Lob hochrangiger Persönlichkeiten beinhaltete, bescherte dem Künstler einen schwindelerregenden Erfolg. Im Jahr 1662 wurde er der erste Maler des Königs und dann Direktor der königlichen Manufaktur für Wandteppiche (handgewebte Teppichbilder oder Wandteppiche) und Leiter aller dekorativen Arbeiten im Schloss von Versailles. In der Spiegelgalerie des Palastes malte Lebrun

eine vergoldete Decke mit vielen allegorischen Kompositionen zu mythologischen Themen, die die Herrschaft des „Sonnenkönigs“ Ludwig XIV. verherrlichen. Gehäufte malerische Allegorien und Attribute, leuchtende Farben und dekorative Effekte des Barock bildeten einen deutlichen Kontrast zur Architektur des Klassizismus.

Das Schlafzimmer des Königs befindet sich im zentralen Teil des Palastes und ist nach vorne ausgerichtet aufgehende Sonne. Von hier aus öffnete sich der Blick auf drei von einem Punkt ausgehende Autobahnen, die symbolisch an das Hauptzentrum der Staatsmacht erinnerten. Vom Balkon aus eröffnete der Blick auf den König die ganze Schönheit des Parks von Versailles. Seinem Hauptschöpfer Andre Le Nôtre gelang es, die Elemente der Architektur und der Gartenkunst miteinander zu verbinden. Im Gegensatz zu Landschaftsparks (englisch), die die Idee der Einheit mit der Natur zum Ausdruck brachten, ordneten reguläre (französische) Parks die Natur dem Willen und den Absichten des Künstlers unter. Der Park von Versailles beeindruckt durch seine Klarheit und rationale Raumorganisation, seine Zeichnung wird vom Architekten mit Hilfe von Zirkel und Lineal genau überprüft.

Die Gassen des Parks werden als Fortsetzung der Säle des Schlosses wahrgenommen und enden jeweils mit einem Stausee. Viele Pools haben die richtige geometrische Form. Die glatten Wasserspiegel reflektieren in den Stunden vor Sonnenuntergang die Sonnenstrahlen und die skurrilen Schatten, die von würfel-, kegel-, zylinder- oder kugelförmig geschnittenen Büschen und Bäumen geworfen werden. Das Grün bildet manchmal feste, undurchdringliche Wände, manchmal breite Galerien, in denen skulpturale Kompositionen, Hermen (tetraedrische Säulen mit einem Kopf oder einer Büste) und zahlreiche Vasen mit Kaskaden dünner Wasserstrahlen platziert sind. Die allegorische Plastizität der von berühmten Meistern geschaffenen Brunnen soll die Herrschaft des absoluten Monarchen verherrlichen. Der „Sonnenkönig“ erschien in ihnen entweder in der Gestalt des Gottes Apollo oder Neptun, der in einem Streitwagen aus dem Wasser ritt oder sich zwischen den Nymphen in einer kühlen Grotte ausruhte.

Glatte Rasenteppiche überraschen mit leuchtenden und farbenfrohen Farben und einem bizarren Blumenornament. In Vasen (von denen es etwa 150.000 gab) befanden sich frische Blumen, die so verändert wurden, dass Versailles zu jeder Jahreszeit in ständiger Blüte stand. Die Wege des Parks sind mit farbigem Sand übersät. Einige von ihnen waren mit Porzellansplittern ausgekleidet, die in der Sonne glitzerten. All diese Pracht und Pracht der Natur wurde durch die Düfte von Mandeln, Jasmin, Granatapfel und Zitrone ergänzt, die sich aus Gewächshäusern verbreiteten.

In diesem Park gab es Natur

Wie unbelebt;

Wie mit einem erhabenen Sonett,

Sie spielten mit dem Gras herum.

Kein Tanz, keine süßen Himbeeren,

Le Nôtre und Jean Lully

In Gärten und Tänzen der Unordnung

Konnte es nicht ertragen.

Die Eiben erstarrten wie in Trance,

Die Büsche aufgereiht,

Und machte einen Knicks

Gelernte Blumen.

V. Hugo Übersetzung von E. L. Lipetskaya

N. M. Karamzin (1766-1826), der 1790 Versailles besuchte, sprach in den Briefen eines russischen Reisenden über seine Eindrücke:

„Die Unermesslichkeit, die vollkommene Harmonie der Teile, die Wirkung des Ganzen: Das ist es, was der Maler mit dem Pinsel nicht darstellen kann!“

Gehen wir in die Gärten, die Schöpfung von Le Nôtre, den das kühne Genie überall auf den Thron der stolzen Kunst setzte, und die bescheidene Na-tura warf ihn ihm wie einen armen Sklaven zu Füßen ...

Suchen Sie also nicht nach der Natur in den Gärten von Versailles; aber hier fesselt die Kunst auf Schritt und Tritt das Auge ...“

Architekturensembles Paris. Reich

Nach Abschluss der Hauptbauarbeiten in Versailles begann Andre Le Nôtre an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert mit aktiven Arbeiten zur Neugestaltung von Paris. Er führte die Aufgliederung des Tuilerienparks durch und legte die Mittelachse klar auf die Fortsetzung der Längsachse des Louvre-Ensembles fest. Nach Le Nôtre wurde der Louvre schließlich wieder aufgebaut und der Place de la Concorde geschaffen. Die große Achse von Paris gab eine völlig andere Interpretation der Stadt, die den Anforderungen an Größe, Grandiosität und Pracht entsprach. Die Zusammensetzung der offenen Stadträume, das System der architektonisch gestalteten Straßen und Plätze wurde zum bestimmenden Faktor in der Planung von Paris. Die Klarheit des geometrischen Musters von Straßen und Plätzen, die zu einem Ganzen verbunden sind, zeichnet sich ab lange Jahre wird zu einem Kriterium für die Bewertung der Perfektion des Stadtplans und der Fähigkeiten des Stadtplaners. Viele Städte auf der ganzen Welt werden in der Folge den Einfluss des klassischen Pariser Modells erfahren.

Ein neues Verständnis der Stadt als Objekt architektonischer Einflussnahme auf den Menschen findet in der Arbeit an städtischen Ensembles deutlichen Ausdruck. Im Prozess ihrer Konstruktion wurden die wichtigsten und grundlegenden Prinzipien der Stadtplanung des Klassizismus dargelegt – freie Entwicklung im Raum und organische Verbindung mit der Umwelt. Um das Chaos der Stadtentwicklung zu überwinden, wollten die Architekten Ensembles schaffen, die auf eine freie und freie Sicht ausgelegt sind.

Die Träume der Renaissance von der Schaffung einer „idealen Stadt“ wurden in der Bildung eines neuen Platztyps verkörpert, dessen Grenzen nicht mehr die Fassaden bestimmter Gebäude waren, sondern der Raum der angrenzenden Straßen und Viertel, Parks oder Gärten usw Flussufer. Architektur versucht, nicht nur unmittelbar benachbarte Gebäude, sondern auch weit entfernte Punkte der Stadt in einer gewissen Ensemble-Einheit zu verbinden.

Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts und das erste Drittel des 19. Jahrhunderts. in Frankreich markieren eine neue Etappe in der Entwicklung des Klassizismus und seiner Verbreitung in Europa - Neoklassizismus. Nach dem Großen Französische Revolution Und Vaterländischer Krieg Im Jahr 1812 traten neue Prioritäten in der Stadtplanung ein, die dem Zeitgeist entsprachen. Den markantesten Ausdruck fanden sie im Empire-Stil. Es zeichnete sich durch folgende Merkmale aus: zeremonielles Pathos kaiserlicher Größe, Monumentalität, Anziehungskraft auf die Kunst des kaiserlichen Roms und des alten Ägypten, Verwendung von Attributen der römischen Militärgeschichte als Hauptdekorationsmotive.

Die Essenz des neuen künstlerischen Stils wurde in den bedeutenden Worten Napoleon Bonapartes sehr treffend zum Ausdruck gebracht:

„Ich liebe Kraft, aber als Künstler … liebe ich es, daraus Klänge, Akkorde und Harmonien zu extrahieren.“

Empire-Stil wurde zur Personifizierung der politischen Macht und des militärischen Ruhms Napoleons und diente als eine Art Manifestation seines Kultes. Die neue Ideologie entsprach voll und ganz den politischen Interessen und dem künstlerischen Geschmack der neuen Zeit. Überall entstanden große architektonische Ensembles aus offenen Plätzen, breiten Straßen und Alleen, Brücken, Denkmäler und öffentliche Gebäude wurden errichtet, die die imperiale Größe und Macht der Macht demonstrierten.

Beispielsweise erinnerte die Austerlitzbrücke an die große Schlacht Napoleons und wurde aus den Steinen der Bastille erbaut. Am Place Carruzel erbaut wurde Triumphbogen zu Ehren des Sieges bei Austerlitz. Zwei weit voneinander entfernte Plätze (Zustimmung und Sterne) wurden durch architektonische Perspektiven verbunden.

Kirche der Heiligen Genevieve, errichtet von J. J. Soufflot, wurde zum Pantheon – der Ruhestätte des großen Volkes Frankreichs. Eines der spektakulärsten Monumente dieser Zeit ist die Kolonne der Großen Armee auf dem Place Vendôme. Ähnlich wie die antike römische Trajanssäule sollte sie nach dem Plan der Architekten J. Gonduin und J. B. Leper den Geist des Neuen Reiches und Napoleons Durst nach Größe zum Ausdruck bringen.

In der Innenausstattung von Palästen und öffentlichen Gebäuden wurde besonderer Wert auf Feierlichkeit und majestätischen Prunk gelegt, ihre Ausstattung war oft mit militärischen Utensilien überladen. Die vorherrschenden Motive waren kontrastierende Farbkombinationen, Elemente römischer und ägyptischer Ornamente: Adler, Greife, Urnen, Kränze, Fackeln, Grotesken. Der Empire-Stil zeigte sich am deutlichsten in den Innenräumen der kaiserlichen Residenzen Louvre und Malmaison.

Die Ära Napoleon Bonapartes endete 1815, und sehr bald begannen sie, seine Ideologie und seinen Geschmack aktiv auszurotten. Aus dem „wie ein Traum verschwundenen“ Imperium gab es Kunstwerke im Empire-Stil, die deutlich von seiner einstigen Größe zeugten.

Fragen und Aufgaben

1. Warum kann Versailles herausragende Werke zugeschrieben werden?

Als städtebauliche Ideen des Klassizismus des 18. Jahrhunderts. fanden ihre praktische Umsetzung in den Architekturensembles von Paris, zum Beispiel der Place de la Concorde? Was unterscheidet ihn von den italienischen Barockplätzen Roms im 17. Jahrhundert, etwa der Piazza del Popolo (siehe S. 74)?

2. Wie kam die Verbindung zwischen Barock und Klassizismus zum Ausdruck? Welche Ideen hat der Klassizismus vom Barock geerbt?

3. Was sind die historischen Hintergründe für die Entstehung des Empire-Stils? Welche neuen Ideen seiner Zeit wollte er in Kunstwerken zum Ausdruck bringen? Auf welchen künstlerischen Prinzipien beruht es?

Kreativwerkstatt

1. Geben Sie Ihren Klassenkameraden eine Führung durch Versailles. Für die Vorbereitung können Sie Videomaterialien aus dem Internet verwenden. Die Parks von Versailles und Peterhof werden oft verglichen. Was ist Ihrer Meinung nach die Grundlage für solche Vergleiche?

2. Versuchen Sie, das Bild der „idealen Stadt“ der Renaissance mit den klassizistischen Ensembles von Paris (St. Petersburg oder seine Vororte) zu vergleichen.

3. Vergleichen Sie das Design Innenausstattung(Innenräume) der Galerie von Franz I. in Fontainebleau und der Spiegelgalerie von Versailles.

4. Lernen Sie die Gemälde des russischen Künstlers A. N. Benois (1870-1960) aus dem Zyklus „Versailles“ kennen. Walk of the King“ (siehe S. 74). Wie vermitteln sie die allgemeine Atmosphäre des Hoflebens des französischen Königs Ludwig XIV.? Warum können sie als eigenartige Bildsymbole betrachtet werden?

Themen von Projekten, Abstracts oder Nachrichten

„Die Entstehung des Klassizismus in der französischen Architektur des 17.-18. Jahrhunderts“; „Versailles als Musterbeispiel für Harmonie und Schönheit der Welt“; „Ein Spaziergang durch Versailles: der Zusammenhang zwischen der Zusammensetzung des Schlosses und der Anlage des Parks“; „Meisterwerke der Architektur des westeuropäischen Klassizismus“; „Napoleonisches Reich in der Architektur Frankreichs“; „Versailles und Peterhof: Erfahrung vergleichender Merkmale“; „Künstlerische Entdeckungen in den Architekturensembles von Paris“; „Die Plätze von Paris und die Entwicklung der Prinzipien der regelmäßigen Stadtplanung“; „Klarheit der Komposition und Ausgewogenheit der Volumina der Kathedrale des Invalidendoms in Paris“; „Concord Square ist eine neue Etappe in der Entwicklung städtebaulicher Ideen des Klassizismus“; „Die strenge Ausdruckskraft der Volumina und die Geizigkeit des Dekors der Kirche St. Genevieve (Pantheon) von J. Soufflot“; „Merkmale des Klassizismus in der Architektur westeuropäischer Länder“; „Herausragende Architekten des westeuropäischen Klassizismus“.

Bücher zur zusätzlichen Lektüre

Arkin D. E. Bilder von Architektur und Bilder von Skulpturen. M., 1990. Kantor A. M. und andere. Kunst des 18. Jahrhunderts. M., 1977. (Kleine Kunstgeschichte).

Klassizismus und Romantik: Architektur. Skulptur. Malen. Zeichnung / Hrsg. R. Toman. M., 2000.

Kozhina E.F. Kunst Frankreichs des 18. Jahrhunderts. L., 1971.

LenotrJ. Alltag in Versailles unter den Königen. M., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Kultur der Aufklärung. M., 1996.

Watkin D. Geschichte der westeuropäischen Architektur. M., 1999. Fedotova E.D. Napoleonisches Reich. M., 2008.

Bei der Vorbereitung des Materials wurde der Text des Lehrbuchs „World Artistic Culture. Vom 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart“ (Autorin Danilova G. I.).

Die Schaffung einer idealen Stadt quälte Wissenschaftler und Architekten aus verschiedenen Ländern und Epochen, doch die ersten Versuche, eine solche Stadt zu entwerfen, gab es in der Renaissance. Zwar arbeiteten Wissenschaftler am Hofe der Pharaonen und römischen Kaiser, deren Arbeiten darauf abzielten, eine Art ideale Siedlung zu schaffen, in der nicht nur alles klar der Hierarchie gehorchen würde, sondern auch in der es für beide Herrscher angenehm wäre, zu leben und der einfache Handwerker. Erinnern Sie sich zumindest an Akhetaten, Mohenjo-Daro oder an ein fantastisches Projekt, das Stasikrates Alexander dem Großen vorgeschlagen hatte, wonach er vorschlug, eine Statue eines Kommandanten vom Berg Athos mit einer Stadt auf seinem Arm zu schnitzen. Das einzige Problem bestand darin, dass diese Siedlungen entweder auf dem Papier blieben oder zerstört wurden. Die Idee, eine ideale Stadt zu entwerfen, kam nicht nur Architekten, sondern auch vielen Künstlern. Es gibt Hinweise darauf, dass Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana und viele andere daran beteiligt waren.

Piero della Francesco war seinen Zeitgenossen vor allem als Autor von Kunstabhandlungen bekannt. Nur drei davon sind uns überliefert: „Abhandlung über den Abakus“, „Perspektive in der Malerei“, „Fünf regelmäßige Körper“. Er war es, der als Erster die Frage nach der Schaffung einer idealen Stadt aufwarf, in der alles mathematischen Berechnungen unterliegen würde, was Konstruktionen mit klarer Symmetrie versprach. Aus diesem Grund schreiben viele Gelehrte Pierrot das Bild „Ansicht einer idealen Stadt“ zu, das perfekt in die Prinzipien der Renaissance passt.

Leon Battista Alberti kam der Umsetzung eines solchen Großprojekts am nächsten. Zwar gelang es ihm nicht, seine Idee vollständig zu verwirklichen, aber er hinterließ zahlreiche Zeichnungen und Notizen, denen zufolge andere Künstler in Zukunft das erreichen konnten, was Leon nicht gelang. Insbesondere Bernardo Rosselino fungierte als Ausführender vieler seiner Projekte. Doch Leon setzte seine Prinzipien nicht nur schriftlich um, sondern auch am Beispiel vieler der von ihm errichteten Gebäude. Im Grunde handelt es sich dabei um zahlreiche Paläste, die für Adelsfamilien konzipiert wurden. In seiner Abhandlung „Über die Architektur“ offenbart der Architekt sein eigenes Beispiel einer idealen Stadt. Der Wissenschaftler schrieb dieses Werk bis zu seinem Lebensende. Es wurde posthum veröffentlicht und war das erste gedruckte Buch, das die Probleme der Architektur offenlegte. Laut Leon musste die ideale Stadt alle Bedürfnisse eines Menschen widerspiegeln und auf alle seine humanistischen Bedürfnisse eingehen. Und das ist kein Zufall, denn der führende philosophische Gedanke der Renaissance war der anthropozentrische Humanismus. Die Stadt sollte in Viertel unterteilt werden, die nach einem hierarchischen Prinzip oder nach der Art der Beschäftigung unterteilt würden. In der Mitte, auf dem Hauptplatz, befindet sich ein Gebäude, in dem sich die Macht der Stadt konzentrieren würde, sowie die Hauptkathedrale und Häuser von Adelsfamilien und Stadtverwaltern. Näher am Stadtrand befanden sich die Häuser von Kaufleuten und Handwerkern, und die Armen lebten direkt an der Grenze. Eine solche Anordnung der Gebäude stellte laut dem Architekten ein Hindernis für die Entstehung verschiedener sozialer Unruhen dar, da die Häuser der Reichen von den Wohnungen der armen Bürger getrennt würden. Ein weiterer wichtiger Planungsgrundsatz besteht darin, dass die Bedürfnisse aller Bürgergruppen berücksichtigt werden müssen, damit sowohl der Herrscher als auch der Geistliche in dieser Stadt bequem leben können. Es sollte alle Gebäude enthalten, von Schulen und Bibliotheken bis hin zu Märkten und Thermalbädern. Wichtig ist auch die öffentliche Zugänglichkeit solcher Gebäude. Selbst wenn wir alle ethischen und sozialen Grundsätze einer idealen Stadt ignorieren, bleiben äußere, künstlerische Werte bestehen. Der Grundriss musste regelmäßig sein, wonach die Stadt durch gerade Straßen in klare Viertel unterteilt war. Generell sollten alle architektonischen Strukturen geometrischen Formen unterworfen und entlang eines Lineals gezeichnet werden. Die Quadrate waren entweder rund oder rechteckig. Nach diesen Grundsätzen wurden in alten Städten wie Rom, Genua und Neapel die alten mittelalterlichen Straßen teilweise abgerissen und neue großzügige Viertel gebaut.

In einigen Abhandlungen findet sich eine ähnliche Bemerkung über die Freizeit der Menschen. Es betraf hauptsächlich Jungen. Es wurde vorgeschlagen, in den Städten Spielplätze und Kreuzungen so zu errichten, dass spielende Jugendliche unter ständiger Aufsicht von Erwachsenen stehen, die sie ungehindert beobachten können. Ziel dieser Vorsichtsmaßnahmen war es, junge Menschen zur Besonnenheit zu erziehen.

Die Kultur der Renaissance lieferte in vielerlei Hinsicht Anlass für weitere Überlegungen zur Struktur der idealen Stadt. Dies galt insbesondere für die Humanisten. Nach ihrer Weltanschauung sollte alles für den Menschen, für sein angenehmes Dasein, geschaffen werden. Wenn alle diese Bedingungen erfüllt sind, wird ein Mensch sozialen Frieden und spirituelles Glück erlangen. Daher in solchen
Die Gesellschaft kann einfach a priori keine Kriege oder Unruhen haben. Die Menschheit hat sich im Laufe ihres Bestehens auf ein solches Ergebnis zubewegt. Erinnern Sie sich zumindest an das berühmte „Utopia“ von Thomas More oder „1984“ von George Orwell. Werke dieser Art beeinflussten nicht nur funktionale Merkmale, sondern auch Überlegungen zu den Beziehungen, der Ordnung und Struktur der Gemeinschaft, die an diesem Ort lebte, nicht unbedingt einer Stadt, vielleicht sogar der Welt. Diese Grundlagen wurden jedoch bereits im 15. Jahrhundert gelegt, sodass wir mit Sicherheit sagen können, dass die Wissenschaftler der Renaissance umfassend gebildete Menschen ihrer Zeit waren.

Einführung

Wiederbelebung als neue Weltanschauung und ein neues Kunst Stil entstand Ende des 14. Jahrhunderts in Italien. Die ersten städtebaulichen Ideen stellten die Stadt als architektonische Einheit nach einem vorgegebenen Plan dar. Unter dem Einfluss dieser Ideen entstanden in italienischen Städten anstelle der schmalen und krummen mittelalterlichen Gassen gerade, breitere Straßen mit großen Gebäuden.

Die Anordnung und Architektur der Plätze während der Renaissance nahm im 15.-16. Jahrhundert Gestalt an. in Rom und anderen Großstädte Italien.

In dieser Zeit wurden hier mehrere Städte nach neuen städtebaulichen Grundsätzen wieder aufgebaut. In den meisten Fällen befanden sich Paläste in solchen Städten auf den zentralen Plätzen, was manchmal den Beginn dreistrahliger Kompositionen darstellte.

Renaissancestädte erhielten unter dem Einfluss gesellschaftlicher Veränderungen nach und nach neue Merkmale. Aufgrund des privaten Landbesitzes und der rückständigen Technologie war ein schneller Umzug von der Altstadt in die neue Stadt jedoch nicht möglich. In allen Epochen der Renaissance galten die Hauptbemühungen der Stadtplaner der Entwicklung des Stadtzentrums – des Platzes und der nächstgelegenen Viertel. Während der Blütezeit der monarchischen Staaten im 18. Jahrhundert. Den Ensembles der zentralen Plätze der Städte wurde als Hauptdekoration eine herausragende Bedeutung beigemessen. Stadtplätze hatten meist geometrisch korrekte Umrisse.

War die Architektur antiker griechischer und römischer Plätze durch Säulen und Portiken geprägt, so wurden für die Plätze der Renaissance die Arkaden zu neuen Elementen, die sich gleichzeitig mit der Entwicklung ganzer Platzsysteme entwickelten.

In den meisten mittelalterlichen Städten fehlte dekoratives Grün. In den Gärten der Klöster wurden Obstgärten angelegt; Obstgärten oder Weinberge der Stadtbewohner lagen hinter der Stadtbefestigung. in Paris im 18. Jahrhundert. Gassen, beschnittenes Grün, Blumengartenparterres erscheinen. Die Parks der Schlösser und Burgen befanden sich jedoch in Privatbesitz. Öffentliche Gärten entstanden in den meisten europäischen Städten erst Ende des 18. Jahrhunderts.

Wasserbecken stellten im Mittelalter im Wesentlichen ein Hindernis für die Entwicklung der Stadt dar, teilten ihre Bezirke und dienten eher praktischen Zwecken. Seit dem 18. Jahrhundert Flüsse wurden als Verbindungselemente von Städten und unter günstigen Bedingungen als Kompositionsachsen genutzt. Ein anschauliches Beispiel ist die kluge städtebauliche Nutzung der Flüsse Newa und Newka in St. Petersburg. Der Bau von Brücken und Dämmen festigte diese Richtung in der Stadtplanung.

Im Mittelalter wurde die Skyline der Stadt maßgeblich durch die spitzen Türme der Stadtverwaltungen, Kirchen und öffentlichen Gebäude bestimmt. Die Silhouette der Stadt wurde durch viele kleine und einige dominante Vertikalen bestimmt. Im Zusammenhang mit dem neuen künstlerischen Verständnis der Stadtsilhouette wurden hochmittelalterliche Dächer nach und nach beseitigt, Renaissancebauten wurden durch Dächer mit Attika und Balustraden ergänzt.

Mit zunehmender Größe von Gebäuden und neuen Arten von Abdeckungen wird die Silhouette der Stadt durch Kuppeln mit glatten Umrissen aufgeweicht, die eine dominierende Rolle in den Panoramen der Städte einnehmen. Ihr Wandel wurde maßgeblich von Gärten und Parks beeinflusst, deren Bäume die Gebäude weitgehend verdecken.

Die Architekten der Renaissance nutzten in der Stadtplanung strenge Ausdrucksmittel: harmonische Proportionen, die Größe eines Menschen als Maß für die ihn umgebende architektonische Umgebung.

Der ideologische Kampf des aufstrebenden italienischen Bürgertums gegen mittelalterliche Religions-, Moral- und Rechtsformen führte zu einer breiten fortschrittlichen Bewegung – dem Humanismus. Der Humanismus basierte auf bürgerschaftlichen lebensbejahenden Prinzipien: dem Wunsch, die menschliche Persönlichkeit von geistigen Zwängen zu befreien, dem Wissensdurst über die Welt und den Menschen selbst und daraus resultierend das Verlangen nach säkularen Formen des gesellschaftlichen Lebens, dem Wunsch nach Erkenntnis der Gesetze und Schönheit der Natur, nach einer allumfassenden harmonischen Verbesserung des Menschen. . Diese Veränderungen in der Weltanschauung führten zu einer Revolution in allen Bereichen des spirituellen Lebens – Kunst, Literatur, Philosophie, Wissenschaft. Bei ihren Aktivitäten stützten sich die Humanisten weitgehend auf antike Ideale und belebten oft nicht nur die Ideen, sondern auch die Formen selbst und die Ausdrucksmittel antiker Werke. In dieser Hinsicht die kulturelle Bewegung Italiens im XV.-XVI. Jahrhundert. Renaissance oder Auferstehung genannt

Die humanistische Weltanschauung stimulierte die Entwicklung des Einzelnen und erhöhte seine Bedeutung im öffentlichen Leben. Der individuelle Stil des Meisters spielte in der Entwicklung von Kunst und Architektur eine zunehmende Rolle. Die Kultur des Humanismus hat eine ganze Galaxie brillanter Architekten, Bildhauer und Künstler wie Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raffael, Michelangelo, Palladio und andere hervorgebracht.

Der Wunsch, ein „ideales Bild einer Person“ zu schaffen, verbunden mit der Suche nach Methoden der künstlerischen Erforschung der Welt, führte zu einer Art kognitiven Realismus der Renaissance, der auf einer engen Verbindung der Kunst mit einer sich schnell entwickelnden Wissenschaft beruhte. In der Architektur ist die Suche nach „idealen“ Gebäudeformen, basierend auf einer vollständigen und vollständigen Komposition, zu einem ihrer bestimmenden Trends geworden. Zusammen mit der Entwicklung neuer Arten ziviler und religiöser Gebäude schreitet die Entwicklung des architektonischen Denkens voran, es besteht ein dringender Bedarf an theoretischen Verallgemeinerungen moderner Erfahrungen, insbesondere historischer und vor allem antiker.

Drei Epochen Italienische Renaissance

Die Architektur der Renaissance in Italien ist in drei Hauptperioden unterteilt: frühe, hohe und späte. Architekturzentrum Frührenaissance war die Toskana mit der Hauptstadt Florenz. Dieser Zeitraum umfasst das zweite Viertel und die Mitte des 15. Jahrhunderts. Als Beginn der Renaissance in der Architektur gilt das Jahr 1420, als mit dem Bau der Kuppel über der Florentiner Kathedrale begonnen wurde. Bauliche Errungenschaften, die zur Schaffung einer riesigen zentrischen Form führten, sind zu einer Art Symbol der Architektur des New Age geworden.

1. Zeit der Frührenaissance

Die frühe Renaissance in der Architektur ist vor allem durch die Gebäudeformen des berühmten Architekten-Ingenieurs Filippo geprägt Brunellesco (erste Hälfte des 15. Jahrhunderts). Insbesondere verwendete er im Waisenhaus in Florenz einen leichten Halbkreis anstelle eines Spitzbogens. Rippengewölbe charakteristisch für gotische Architektur begann einem neuen Design Platz zu machen – einem modifizierten Kastengewölbe. Die Spitzbogenformen des Bogens wurden jedoch noch bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts verwendet.

Eines der herausragenden Bauwerke Brunellescos war die riesige Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz, die seit dem 14. Jahrhundert unvollendet blieb.

In der vom Architekten geschaffenen Form einer großen Kuppel ist ein Anklang an den gotischen Spitzbogen erkennbar. Die Spannweite der Kuppel dieser Kathedrale ist groß – 42 m. Die aus Ziegeln gefertigten Gewölbe der Kuppel ruhen auf einem achteckigen Sockel aus Baumstämmen, die mit Eisenblechen ummantelt sind. Aufgrund der günstigen Lage des Doms auf einem Hügel und seiner Hohe Höhe(115 m) Sein oberer Teil, insbesondere die Kuppel, verleiht dem architektonischen Panorama von Florenz Feierlichkeit und Originalität.

Die Zivilarchitektur nahm in der Architektur der italienischen Renaissance einen bedeutenden Platz ein. Es umfasst vor allem große Stadtpaläste (Palazzo), die neben Wohnraum auch für feierliche Empfänge gedacht waren. Mittelalterliche Paläste, die mit Hilfe von Marmorverkleidungen und Skulpturen nach und nach ihre strengen romanischen und gotischen Gewänder ablegten, erhielten ein fröhliches Aussehen.

Die Merkmale der Renaissancefassaden sind riesige, durch Säulen getrennte, gewölbte Fensteröffnungen, Rustisierung der ersten Stockwerke mit Steinen, obere Platten, große vorspringende Gesimse und fein gezeichnete Details. Im Gegensatz zu strengen Fassaden hat die Architektur heller Innenräume einen fröhlichen Charakter.

Zur Dekoration der Fassaden von Palästen Frührenaissance Oft wurde Rustikation verwendet. Steine ​​zur Rustisierung hatten meist eine unbearbeitete (abgesplitterte) Vorderseite mit einem sauber behauenen Randstreifen. Mit zunehmender Geschosszahl nahm das Relief der Rustikation ab. Später blieb die Verzierung mit Rustika nur noch bei der Bearbeitung von Sockeln und an Gebäudeecken erhalten.

Im 15. Jahrhundert. Italienische Architekten verwendeten häufig die korinthische Ordnung. Oft kam es vor, dass mehrere Ordnungen in einem Gebäude kombiniert wurden: für die unteren Stockwerke eine dorische Ordnung und für die oberen Stockwerke eine Komposition aus Kapitellen, die in Proportionen und Muster dem ionischen Typ nahe kamen.

Eines der Beispiele der Palastarchitektur der Mitte des 15. Jahrhunderts. In Florenz kann der dreistöckige Medici-Ricardi-Palast dienen, der nach dem Projekt des Architekten Michelozzo di Bartolomeo in der Zeit von 1444 bis 1452 im Auftrag von Cosimo Medici, dem Herrscher von Florenz, erbaut wurde. Nach dem Schema der Fassade des Medici-Palastes wurden später Hunderte von Palästen in anderen Städten gebaut.

Eine Weiterentwicklung der Palastkomposition ist der Palazzo Rucchelai in Florenz erbaut 1446–1451 entworfen von Leon Battista Alberti (1404–1472). Wie das antike römische Kolosseum ist seine Fassade durch Ordnungen in Stockwerke unterteilt, mit einem Übergang von der einfachsten dorischen Ordnung in der unteren Etage zur subtileren und reichhaltigeren korinthischen Ordnung in der oberen Etage.

Der Eindruck der Aufhellung des Gebäudes nach oben, der im Palazzo Medici-Riccardi mit Hilfe der Rustizierung der Wände entstand, kommt hier in Form eines nach oben aufhellenden, abgestuften Ordnungssystems zum Ausdruck. Gleichzeitig korreliert das große krönende Gesims nicht mit der Höhe der oberen Etage, sondern mit der Höhe des gesamten Gebäudes, wodurch die Komposition die Merkmale von Vollständigkeit und Statik erhält. Bei der Entwicklung der Fassade sind traditionelle Motive erhalten geblieben: Doppelbogenfenster, die der mittelalterlichen Fensterform entstammen, Rustikierung der Wände, die allgemeine Monumentalität der Wolke usw.

Pazzi-Kapelle (1430-1443) – ein Kuppelbau im Innenhof des Klosters. In der Komposition der Fassade wurde eine durch eine Ordnung zergliederte innere Struktur dargestellt, wobei das Volumen der Halle mit einer Kuppel auf Segeln dominiert wurde. Die Kolonnade, die entlang der Achse durch einen Bogen geschnitten und durch eine fein zergliederte Attika vervollständigt wird, wird durch kartellierte Pilaster an der Innenwand der Loggia und hervorstehende Bogengliederungen an der gewölbten Decke ergänzt.

Die Übereinstimmung der Ordnungen und die Wiederholung kleiner Kuppeln in der Loggia und im Altarteil tragen zur organischen Verbindung der Fassade mit dem Innenraum bei. Die Wände im Inneren werden von flachen, aber farblich hervorgehobenen Pilastern zergliedert, die, in der Unterteilung der Gewölbe fortgeführt, eine Vorstellung von der Logik des Bauraums, dem tektonischen System, vermitteln. Die Ordnung entwickelt sich dreidimensional und betont die Einheit und Unterordnung der Hauptteile. Das optische „Gerüst“ prägt auch die Zergliederung der Kuppel von innen, die ein wenig an die Struktur der gotischen Nervengewölbe erinnert. Die Harmonie der Ordnungsformen und die Klarheit der tektonischen Struktur, Ausgewogenheit und Vergleichbarkeit mit dem Menschen sprechen jedoch vom Triumph neuer architektonischer Ideale über die Prinzipien des Mittelalters.

Neben Brunellesco und Michelozzo da Bartolomeo spielten auch andere Meister (Rosselino, Benedetto da Maiano usw.), deren Werk hauptsächlich mit der Toskana und Norditalien in Verbindung gebracht wurde, eine wichtige Rolle bei der Entwicklung neuer Architektur. Alberti, der neben dem Palazzo Ruccellai eine Reihe großer Bauwerke errichtete (die Fassade der Kirche Santa Maria Novella, die Kirche Sant'Andrea in Mantua usw.), vollendet diese Periode.

2. Die Zeit der Hochrenaissance

Die Zeit der Hochrenaissance umfasst das Ende des 15. bis zur ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Zu diesem Zeitpunkt erlebte Italien aufgrund der Verlagerung der Haupthandelsrouten vom Mittelmeer zum Atlantik einen bekannten wirtschaftlichen Niedergang und einen Rückgang der Industrieproduktion. Oftmals kaufte das Bürgertum Land auf und verwandelte sich in Wucherer und Grundbesitzer. Der Prozess der Feudalisierung des Bürgertums geht mit einer allgemeinen Aristokratisierung der Kultur einher, der Schwerpunkt verlagert sich auf den Hofkreis des Adels: Herzöge, Fürsten, Päpste. Rom wird zum Zentrum der Kultur – zur Residenz der Päpste, die oft aus Vertretern der humanistisch gesinnten Aristokratie gewählt werden. In Rom sind gewaltige Bauarbeiten im Gange. In diesem Unterfangen des päpstlichen Hofes zur Steigerung des eigenen Ansehens erlebte die humanistische Gemeinschaft die Erfahrung, die Größe des antiken Roms und damit der Größe ganz Italiens wiederzubeleben. Am Hofe, der 1503 den Thron bestieg. Der Humanist von Papst Julius II. war das Werk der bedeutendsten Architekten – darunter Bramante, Raffael, Michelangelo, Antonio da Sangallo und andere.

In der Architektur dieser Zeit finden die Hauptmerkmale und Tendenzen der Renaissance ihren vollendeten Ausdruck. Es entstehen die vollkommensten zentrischen Kompositionen. Endlich nimmt der Typus des städtischen Palazzo Gestalt an, der in dieser Zeit nicht nur die Züge eines privaten, sondern auch öffentlichen Gebäudes annimmt und so in einem bestimmten Bereich zum Prototyp vieler späterer öffentlicher Gebäude wird. die Charakteristik überwinden frühe Periode Wiederbelebungskontrast (zwischen den architektonischen Merkmalen des äußeren Erscheinungsbildes des Palazzo und seines Innenhofs. Unter dem Einfluss einer systematischeren und archäologisch genaueren Kenntnis antiker Denkmäler werden die Ordnungskompositionen strenger: zusammen mit ionischen und korinthischen Ordnungen einfacher und monumentaler Ordnungen sind weit verbreitet – römisch-dorische und toskanische, und eine fein gestaltete Arkade auf Säulen weicht einer monumentaleren Ordnungsarkade. Im Allgemeinen erlangen die Kompositionen der Hochrenaissance größere Bedeutung, Strenge und Monumentalität. Das Problem der Schaffung eines regelmäßigen Stadtbildes Das Ensemble wird auf eine reale Basis gestellt. Landvillen werden als integrale architektonische Komplexe gebaut.

Der bedeutendste Architekt dieser Zeit war Donato d'Angelo Bramante (1444-1514). Das Bramante zugeschriebene Cancelleria-Gebäude (das wichtigste päpstliche Amt) in Rom – eines der herausragenden Palastgebäude – ist ein riesiges Parallelepiped mit einem rechteckigen, von Arkaden umgebenen Innenhof. Die harmonische Komposition der Fassaden entwickelt die im Palazzo Ruccellai festgelegten Prinzipien weiter, die rhythmische Gesamtstruktur schafft jedoch ein komplexeres und feierlicheres Bild. Das als Untergeschoss genutzte Erdgeschoss verstärkte den Kontrast durch eine leichte Decke. Rhythmisch angeordnete plastische Akzente, die durch große Öffnungen und sie umrahmende Platbands erzeugt wurden, erlangten in der Komposition große Bedeutung. Der Rhythmus der horizontalen Artikulationen wurde noch deutlicher.

Unter den religiösen Gebäuden von Bramante sticht eine kleine Kapelle namens Tempietto im Innenhof des Klosters San Pietro in Montrrio hervor. (1502) – ein Gebäude in einem eher engen Innenhof, der im Grundriss von einer kreisförmigen Arkade umgeben sein sollte.

Die Kapelle ist eine gewölbte Rotunde, die von einer römisch-dorischen Kolonnade umgeben ist. Das Gebäude zeichnet sich durch die Perfektion der Proportionen aus, die Ordnung wird streng und konstruktiv interpretiert. Im Vergleich zu den zentrischen Gebäuden der Frührenaissance, bei denen eine linear-flächige Wandbebauung vorherrscht (Pazzi-Kapelle), ist das Volumen von Tempietto plastisch: Seine geordnete Plastizität entspricht der tektonischen Integrität der Komposition. Der Kontrast zwischen dem monolithischen Kern der Rotunde und der Kolonnade, zwischen der Glätte der Wand und der Plastizität tiefer Nischen und Pilaster unterstreicht die Ausdruckskraft der Komposition, völlige Harmonie und Vollständigkeit. Trotz seiner geringen Größe vermittelt Tempietto den Eindruck von Monumentalität. Bereits von Zeitgenossen Bramantes wurde dieses Gebäude als eines der Meisterwerke der Architektur anerkannt.

Als Chefarchitekt am Hofe von Papst Julius II. Bramante ab 1505. arbeitet am Wiederaufbau des Vatikans. Es wurde ein grandioser Komplex aus Prunkgebäuden und feierlichen Höfen auf verschiedenen Ebenen konzipiert, der einer einzigen Achse untergeordnet ist und von der majestätischen Exedra des Belvedere abgeschlossen wird. In diesem im Wesentlichen ersten Renaissance-Ensemble von solch grandiosem Design wurden die Kompositionstechniken der antiken römischen Foren meisterhaft eingesetzt. Die päpstliche Residenz sollte mit einem anderen grandiosen Gebäude in Rom verbunden werden – der Kathedrale von Petrus, für deren Bau auch das Bramante-Projekt angenommen wurde. Die Perfektion der zentralen Komposition und der grandiose Umfang des Projekts der Kathedrale von Peter Bramante geben Anlass, dieses Werk als Höhepunkt der Entwicklung der Renaissance-Architektur zu betrachten. Das Projekt sollte jedoch nicht in Form von Sachleistungen verwirklicht werden: Zu Bramantes Lebzeiten wurde erst mit dem Bau der Kathedrale begonnen, die ab 1546, 32 Jahre nach dem Tod des Architekten, auf Michelangelo übertragen wurde.

Der große Künstler und Architekt Rafael Santi beteiligte sich zusammen mit Bramante, der die berühmten Loggien des Vatikans baute und bemalte, am Wettbewerb für die Gestaltung des Petersdoms sowie am Bau und der Bemalung der Gebäude des Vatikans seinen Namen („Raphaels Loggien“) sowie eine Reihe bemerkenswerter Bauwerke sowohl in Rom selbst als auch außerhalb (der Bau und die Bemalung der Villa Madama in Rom, des Pandolfini-Palastes in Florenz usw.).

Einer der besten Schüler Bramantes – der Architekt Antonio da Sangallo Jr. – besitzt das Projekt des Palazzo Farnese in Rom , Die Entwicklung des Renaissance-Palastes wurde gewissermaßen abgeschlossen.

Bei der Gestaltung der Fassade wurde auf traditionelle Rustikationen und vertikale Gliederungen verzichtet. Auf der glatten, mit Ziegeln verputzten Oberfläche der Wand zeichnen sich deutlich breite, über die gesamte Fassade verlaufende horizontale Bänder ab; Als würden sie sich daran lehnen, sind die Fenster mit geprägten Architraven in Form einer antiken „Ädikula“ zu sehen. Die Fenster des ersten Stockwerks haben im Gegensatz zu den Florentiner Palästen die gleichen Abmessungen wie die Fenster der oberen Stockwerke. Das Gebäude wurde von der Festungsisolation befreit, die noch immer den Palästen der Frührenaissance innewohnt. Im Gegensatz zu den Palästen des 15. Jahrhunderts, wo der Hof von leichten Bogengalerien auf Säulen umgeben war, erscheint hier eine monumentale Ordnungsarkade mit Halbsäulen. Die Ordnung der Galerie ist etwas schwerer und erhält die Züge von Feierlichkeit und Repräsentativität. Der schmale Durchgang zwischen Hof und Straße wurde durch einen offenen „Vorraum“ ersetzt, der den Blick auf den Vorgarten freigibt.

3. Spätrenaissance

Als Spätzeit der Renaissance gilt üblicherweise die Mitte und das Ende des 16. Jahrhunderts. Zu diesem Zeitpunkt hielt der wirtschaftliche Abschwung in Italien an. Die Rolle des feudalen Adels und der kirchlich-katholischen Organisationen nahm zu. Um die Reformation und alle Erscheinungsformen eines antireligiösen Geistes zu bekämpfen, wurde die Inquisition gegründet. Unter diesen Bedingungen begannen Humanisten Verfolgung zu erfahren. Ein erheblicher Teil von ihnen zog, verfolgt von der Inquisition, in die nördlichen Städte Italiens, insbesondere nach Venedig, das noch die Rechte einer unabhängigen Republik behielt, wo der Einfluss der religiösen Gegenreformation nicht so stark war. In dieser Hinsicht waren in der Spätrenaissance zwei Schulen am auffälligsten – die römische und die venezianische. In Rom, wo der ideologische Druck der Gegenreformation die Entwicklung der Architektur sowie die Entwicklung der Prinzipien der Hochrenaissance stark beeinflusste, gibt es eine Abkehr von den Klassikern hin zu komplexeren Kompositionen, größerer Dekorativität und einer Verletzung der Klarheit der Formen, des Maßstabs und der Tektonizität. In Venedig blieb trotz des teilweisen Eindringens neuer Trends in die Architektur die klassische Grundlage der architektonischen Komposition besser erhalten.

Ein prominenter Vertreter der römischen Schule war der große Michelangelo Buonarroti (1475-1564). In seinen architektonischen Werken werden die Grundlagen eines für diese Zeit charakteristischen neuen Formverständnisses gelegt, das sich durch großen Ausdruck, Dynamik und plastische Ausdruckskraft auszeichnet. Sein Werk, das in Rom und Florenz stattfand, spiegelte mit besonderer Eindringlichkeit die Suche nach Bildern wider, die die allgemeine Krise des Humanismus und die innere Angst ausdrücken konnten, die die fortschrittlichen Kreise der Gesellschaft damals vor den drohenden Kräften der Reaktion erlebten. Als brillanter Bildhauer und Maler gelang es Michelangelo, leuchtende plastische Mittel zu finden, um die innere Stärke seiner Helden, den ungelösten Konflikt ihrer geistigen Welt und die gigantischen Anstrengungen im Kampf in der Kunst auszudrücken. Im architektonischen Schaffen entsprach dies der betonten Identifikation der Plastizität von Formen und ihrer intensiven Dynamik. Michelangelos Auftrag verlor oft seine tektonische Bedeutung und verwandelte sich in ein Mittel zur Wanddekoration, wodurch vergrößerte Massen entstanden, die den Menschen durch ihre Größe und Plastizität in Erstaunen versetzen. Indem Michelangelo kühn gegen die architektonischen Prinzipien der Renaissance verstieß, war er gewissermaßen der Begründer eines kreativen Stils, der später in der Architektur des italienischen Barock aufgegriffen wurde. Zu den größten gehört die Fertigstellung des Petersdoms in Rom nach Bramantes Tod architektonische Werke von Michelangelo. Michelangelo, der ein zentrisches Schema zugrunde legte, das Bramantes Plan nahe kam, führte neue Merkmale in seine Interpretation ein: Er vereinfachte den Plan und verallgemeinerte den Innenraum, machte die Stützen und Wände massiver und fügte von der Westseite einen Portikus mit einer feierlichen Kolonnade hinzu Fassade. In der dreidimensionalen Komposition werden das ruhige Gleichgewicht und die Unterordnung der Räume von Bramantes Projekt in die betonte Dominanz der Hauptkuppel und des Unterkuppelraums übersetzt. Bei der Komposition der Fassaden wurden Klarheit und Einfachheit durch komplexere und große plastische Formen ersetzt, die Wände werden durch Leisten und Pilaster in großer Form zergliedert Korinthischer Orden mit mächtigem Gebälk und hoher Attika; Zwischen den Pilastern sind Fensteröffnungen, Nischen und verschiedene dekorative Elemente (Gesimse, Konsolen, Sandriks, Statuen usw.) sozusagen in die Pfeiler eingequetscht, was den Wänden eine fast skulpturale Plastizität verleiht.

In der Zusammensetzung der Medici-Kapelle In der Kirche San Lorenzo in Florenz (1520) verschmolzen der Innenraum und die Skulpturen von Michelangelo zu einem Ganzen. Skulpturale und architektonische Formen sind voller innerer Spannung und Dramatik. Ihre scharfe emotionale Ausdruckskraft überwiegt die tektonische Grundlage, die Ordnung wird als Element der allgemeinen skulpturalen Konzeption des Künstlers interpretiert.

Einer der herausragenden römischen Architekten der Spätrenaissance ist auch Vignola, der Autor der Abhandlung „Die Regel der fünf Ordnungen der Architektur“. Die bedeutendsten seiner Werke sind das Schloss von Caprarola und die Villa von Papst Julius II. . Während der Renaissance erfuhr der Villentyp eine bedeutende Entwicklung, die mit einer Änderung seines funktionalen Inhalts einherging. Schon zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Es war ein Landsitz, der oft von Mauern umgeben war und manchmal sogar Wehrtürme besaß. Bis zum Ende des 15. Jahrhunderts. Die Villa wird ab dem 16. Jahrhundert zu einem Ort der Landruhe für wohlhabende Bürger (Villa Medici bei Florenz). Es wird oft zur Residenz großer Feudalherren und höherer Geistlicher. Die Villa verliert ihre Intimität und nimmt den Charakter einer frontal-axialen Struktur an, die sich zur umgebenden Natur hin öffnet.

Ein Beispiel für diesen Typ ist die Villa von Papst Julius II. Seine streng axiale und rechteckige Komposition verläuft in Felsvorsprüngen den Berghang hinab und schafft so ein komplexes Spiel aus offenen, halboffenen und geschlossenen Räumen auf verschiedenen Ebenen. Die Komposition ist von den antiken römischen Foren und Höfen des Vatikans beeinflusst.

Die herausragenden Meister der venezianischen Schule der Spätrenaissance waren Sansovino, der das Gebäude der Bibliothek von San Marco in Venedig (begonnen 1536) errichtete – ein wichtiger Bestandteil des bemerkenswerten Ensembles des venezianischen Zentrums und der prominenteste Vertreter davon die klassische Renaissance-Schule - der Architekt Palladio.

Die Aktivitäten von Andrea Palladio (1508 - 1580) fanden hauptsächlich in der Stadt Vicenza unweit von Venedig statt, wo er Palastgebäude und Villen errichtete, sowie in Venedig, wo er hauptsächlich Kirchengebäude errichtete. Sein Wirken in zahlreichen Bauwerken war eine Reaktion auf die antiklassizistischen Tendenzen der Spätrenaissance. In dem Bemühen, die Reinheit der klassischen Prinzipien zu bewahren, verlässt sich Palladio auf die reiche Erfahrung, die er bei der Erforschung des antiken Erbes gesammelt hat. Er versucht, nicht nur Ordnungsformen, sondern ganze Elemente und sogar Gebäudetypen der Antike wiederzubeleben. Die strukturgetreue Ordnung des Portikus wird zum Hauptthema vieler seiner Werke.

In der Villa Rotonda , In der Nähe von Vicenza erbaut (Baubeginn 1551), erreichte der Meister eine außergewöhnliche Integrität und Harmonie der Komposition. Auf einem Hügel gelegen und von weitem gut sichtbar, bilden die vier Fassaden der Villa mit allseitigen Portiken zusammen mit der Kuppel eine klare zentrische Komposition.

In der Mitte befindet sich eine runde Kuppelhalle, von der aus Ausgänge unter den Portiken führen. Breite Portikustreppen verbinden das Gebäude mit umliegende Natur. Die zentrische Komposition spiegelt den allgemeinen Anspruch der Architekten der Renaissance nach absoluter Vollständigkeit der Komposition, Klarheit und Geometrie der Formen, der harmonischen Verbindung einzelner Teile mit dem Ganzen und der organischen Verschmelzung des Gebäudes mit der Natur wider.

Aber dieses „ideale“ Kompositionsschema blieb einzigartig. Beim eigentlichen Bau zahlreicher Villen achtete Palladio stärker auf das sogenannte dreiteilige Schema, bestehend aus dem Hauptvolumen und einstöckigen Ordnungsgalerien, die sich von diesem zu den Seiten erstrecken und der Kommunikation mit den Dienstleistungen des Anwesens und dienen Gestaltung des Vorhofs vor der Fassade der Villa. Es war dieses Schema eines Landhauses, das später zahlreiche Anhänger beim Bau von Herrenpalästen fand.

Im Gegensatz zur freien Entwicklung der Volumen von Landvillen weisen Palladios Stadtpaläste meist eine strenge und lakonische Komposition mit einer großformatigen und monumentalen Hauptfassade auf. Der Architekt verwendet häufig einen Großauftrag und interpretiert ihn als eine Art „Säulen-Wand“-System. Ein markantes Beispiel ist der Palazzo Capitanio (1576), dessen Wände mit Säulen großer zusammengesetzter Ordnung mit einem mächtigen, lockeren Gebälk verziert sind. Das in Form eines Überbaus (Dachgeschoss) ausgebaute Obergeschoss verlieh dem Gebäude Vollständigkeit und Monumentalität,

Palladio nutzte in seinen Stadtpalästen auch häufig die zweistufige Aufteilung der Fassaden mit Ordnungen sowie eine Anordnung auf einem hohen, rostigen Kellergeschoss – eine Technik, die zuerst von Bramante verwendet wurde und später in der klassizistischen Architektur weit verbreitet war.

Abschluss

Die moderne Architektur verhehlt bei der Suche nach Formen ihrer eigenen stilistischen Ausprägung nicht, dass sie sich des historischen Erbes bedient. Am häufigsten bezieht sie sich auf jene theoretischen Konzepte und Gestaltungsprinzipien, die in der Vergangenheit die größte stilistische Reinheit erreicht haben. Manchmal scheint es sogar so, als ob alles, was das 20. Jahrhundert zuvor erlebte, in neuer Form zurückkehrte und sich schnell wieder wiederholte.

Vieles, was ein Mensch in der Architektur schätzt, bezieht sich nicht so sehr auf eine sorgfältige Analyse einzelner Teile eines Objekts, sondern auf sein synthetisches, ganzheitliches Bild, auf den Bereich der emotionalen Wahrnehmung. Das heißt, Architektur ist Kunst oder enthält auf jeden Fall Elemente der Kunst.

Manchmal wird Architektur als Mutter der Künste bezeichnet, was bedeutet, dass sich Malerei und Bildhauerei lange Zeit in einer untrennbaren organischen Verbindung mit der Architektur entwickelten. Der Architekt und der Künstler hatten in ihrer Arbeit schon immer viele Gemeinsamkeiten und manchmal verstanden sie sich auch gut in einer Person. Der antike griechische Bildhauer Phidias gilt zu Recht als einer der Schöpfer des Parthenon. Der anmutige Glockenturm der Hauptkathedrale von Florenz, Santa Maria del Fiore, wurde „nach der Zeichnung“ des großen Malers Giotto erbaut. Michelangelo, der als Architekt, Bildhauer und Maler gleichermaßen großartig war. Auch im architektonischen Bereich war Raphael erfolgreich tätig. Ihr Zeitgenosse, der Maler Giorgio Vasari, baute die Uffizien in Florenz. Eine solche Synthese des Talents des Künstlers und Architekten fand sich nicht nur bei den Titanen der Renaissance, sie prägte auch die neue Zeit. Einen großen Beitrag zur Entwicklung leisteten der Engländer William Morris und der Belgier Van de Velde moderne Architektur. Corbusier war ein talentierter Maler und Alexander Vesnin ein brillanter Theaterkünstler. Sowjetische Künstler K. Malewitsch und L. Lissitzky experimentierten interessanterweise mit architektonischen Formen, und ihr Kollege und Zeitgenosse Wladimir Tatlin wurde zum Autor des legendären Projekts des 111 International Tower. Der Autor des berühmten Projekts des Palastes der Sowjets, der Architekt B. Iofan, gilt zusammen mit der bemerkenswerten sowjetischen Künstlerin Vera Mukhina zu Recht als Co-Autor der Skulptur „Arbeiterin und Kolchosmädchen“.

Grafische Darstellung und dreidimensionale Gestaltung sind die Hauptmittel, mit denen der Architekt seine Entscheidungen sucht und verteidigt. Die Entdeckung der linearen Perspektive in der Renaissance beeinflusste maßgeblich das Raumkonzept der Architektur dieser Zeit. Letztlich führte das Verständnis der linearen Perspektive zur Verknüpfung des Platzes, der Treppen, des Gebäudes zu einer einzigen Raumkomposition und in der Folge zur Entstehung gigantischer Architekturensembles aus Barock und Hochklassizismus. Viele Jahre später hatten die Experimente kubistischer Künstler großen Einfluss auf die Entwicklung der architektonischen Formengestaltung. Sie versuchten, ein Objekt aus verschiedenen Blickwinkeln darzustellen, seine dreidimensionale Wahrnehmung durch Überlagerung mehrerer Bilder zu erreichen, die Möglichkeiten der räumlichen Wahrnehmung durch die Einführung einer vierten Dimension – der Zeit – zu erweitern. Diese dreidimensionale Wahrnehmung diente als Ausgangspunkt für die formale Suche nach moderner Architektur, die der flachen Fassade ein komplexes Spiel aus frei im Raum liegenden Volumen und Flächen gegenüberstellte.

Skulptur und Malerei erlangten nicht sofort eine Unabhängigkeit von der Architektur. Zunächst waren sie nur Elemente einer architektonischen Struktur. Es dauerte mehr als ein Jahrhundert, bis sich das Gemälde von der Wand oder der Ikonostase löste. Am Ende der Renaissance drängen sich auf der Piazza della Signoria in Florenz noch immer schüchtern Skulpturen um die Gebäude, als hätten sie Angst, völlig mit den Fassaden zu brechen. Michelangelo stellt den ersten Platz Reiterstandbild im Zentrum des Kapitolinischen Platzes in Rom. Wir schreiben das Jahr 1546. Seitdem erwirbt das Denkmal, die monumentale Skulptur die Rechte eines eigenständigen Elements der Komposition, das den Stadtraum organisiert. Zwar lebt die skulpturale Form noch einige Zeit an den Wänden des architektonischen Bauwerks weiter, doch diese letzten Spuren des „ehemaligen Luxus“ verschwinden nach und nach von ihnen.

Corbusier bestätigt diese Komposition moderner Architektur mit seiner charakteristischen Sicherheit: „Ich erkenne weder Skulptur noch Malerei als Dekoration an. Ich gebe zu, dass beides beim Betrachter tiefe Emotionen hervorrufen kann, genauso wie Musik und Theater auf einen wirken – es hängt alles von der Qualität des Werkes ab, aber ich bin definitiv gegen Dekoration. Betrachtet man andererseits ein architektonisches Werk und insbesondere die Plattform, auf der es errichtet ist, erkennt man, dass bestimmte Stellen des Gebäudes selbst und um es herum bestimmte intensive mathematische Orte sind, die sich sozusagen als Schlüssel erweisen auf die Proportionen des Werkes und seiner Umgebung. Dies sind die Orte höchster Intensität, und an diesen Orten kann der konkrete Zweck des Architekten verwirklicht werden – sei es in Form eines Pools, eines Steinblocks oder einer Statue. Wir können sagen, dass an diesem Ort alle Bedingungen für eine Rede, die Rede eines Künstlers, eine plastische Rede, vereint sind.

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts kam es in Italien zu großen Veränderungen im Leben und in der Kultur. Seit dem 12. Jahrhundert führen die Bürger, Kaufleute und Handwerker Italiens einen heldenhaften Kampf gegen die feudale Abhängigkeit. Durch die Entwicklung von Handel und Produktion wurden die Städter nach und nach reicher, entledigten sich der Macht der Feudalherren und organisierten freie Stadtstaaten. Diese freien italienischen Städte wurden sehr mächtig. Ihre Bürger waren stolz auf ihre Eroberungen. Der enorme Reichtum der unabhängigen italienischen Städte ließ sie aufblühen. Die italienische Bourgeoisie betrachtete die Welt mit anderen Augen, sie glaubte fest an sich selbst, an ihre eigene Stärke. Der Wunsch nach Leiden, Demut, die Ablehnung aller irdischen Freuden, die ihnen bisher gepredigt wurden, waren ihnen fremd. Der Respekt vor dem irdischen Menschen, der die Freuden des Lebens genießt, wuchs. Die Menschen begannen, eine aktive Lebenseinstellung einzunehmen, eifrig die Welt zu erkunden und ihre Schönheit zu bewundern. In dieser Zeit entstehen verschiedene Wissenschaften und die Kunst entwickelt sich.

In Italien sind daher viele Denkmäler der Kunst des antiken Roms erhalten geblieben Antike wurde wieder als Vorbild verehrt, antike Kunst wurde zum Objekt der Bewunderung. Nachahmung der Antike und gab Anlass, diese Epoche in der Kunst zu nennen - Wiedergeburt was auf Französisch bedeutet "Renaissance". Natürlich handelte es sich hierbei nicht um eine blinde, exakte Wiederholung antiker Kunst, es handelte sich bereits um neue Kunst, die jedoch auf antiken Vorbildern basierte. Die italienische Renaissance ist in drei Phasen unterteilt: VIII. - XIV. Jahrhundert - Vorrenaissance (Proto-Renaissance oder Trecento).- damit.); XV Jahrhundert - Frührenaissance (Quattrocento); Ende des 15. – Anfang des 16. Jahrhunderts – Hochrenaissance.

In ganz Italien wurden archäologische Ausgrabungen auf der Suche nach antiken Denkmälern durchgeführt. Die neu entdeckten Statuen, Münzen, Gebrauchsgegenstände und Waffen wurden sorgfältig konserviert und in eigens dafür geschaffenen Museen gesammelt. Künstler studierten diese antiken Muster und zeichneten sie aus dem Leben.

Trecento (Vorrenaissance)

Mit dem Namen ist der wahre Beginn der Renaissance verbunden Giotto di Bondone (1266? - 1337). Er gilt als Begründer der Renaissance-Malerei. Der Florentiner Giotto hat große Beiträge zur Kunstgeschichte geleistet. Er war ein Erneuerer, der Urvater der gesamten europäischen Malerei nach dem Mittelalter. Giotto hat Gospelszenen Leben eingehaucht, Bilder geschaffen echte Menschen, vergeistigt, aber irdisch.

Giotto schafft erstmals Volumen mit Hilfe von Hell-Dunkel. Er mag klare, helle Farben in kalten Farbtönen: Rosa, Perlgrau, blasses Lila und helles Flieder. Die Menschen auf den Fresken von Giotto sind stämmig und mit kräftigem Schritt. Sie haben große Gesichtszüge, breite Wangenknochen und schmale Augen. Sein Mann ist freundlich, rücksichtsvoll, ernst.

Von den Werken Giottos sind die Fresken in den Tempeln von Padua am besten erhalten. Evangeliumsgeschichten er präsentierte es hier als existierend, irdisch, real. In diesen Werken erzählt er von den Problemen, die die Menschen zu jeder Zeit beschäftigen: von Freundlichkeit und gegenseitigem Verständnis, Betrug und Verrat, von Tiefe, Trauer, Sanftmut, Demut und ewiger, alles verzehrender Mutterliebe.

Anstelle disparater Einzelfiguren wie in der mittelalterlichen Malerei gelang es Giotto, eine zusammenhängende Geschichte zu schaffen, eine ganze Erzählung über das komplexe Innenleben der Charaktere. Anstelle eines herkömmlichen goldenen Hintergrunds Byzantinische Mosaike Giotto führt einen Landschaftshintergrund ein. Und wenn in der byzantinischen Malerei die Figuren sozusagen schwebten, im Raum hingen, dann fanden die Helden von Giottos Fresken festen Boden unter ihren Füßen. Giottos Suche nach Raumübertragung, Plastizität der Figuren, Ausdruckskraft der Bewegung machte seine Kunst zu einer ganzen Etappe der Renaissance.

Ein von berühmte Meister vor der Wiederbelebung -

Simone Martini (1284 - 1344).

In seinem Gemälde blieben die Merkmale der Nordgotik erhalten: Martinis Figuren sind länglich und in der Regel auf goldenem Grund. Aber Martini schafft Bilder mit Hilfe von Hell-Dunkel, verleiht ihnen eine natürliche Bewegung, versucht einen bestimmten psychologischen Zustand zu vermitteln.

Quattrocento (Frührenaissance)

Die Antike spielte eine große Rolle bei der Entstehung der säkularen Kultur der Frührenaissance. In Florenz wird die Platonische Akademie eröffnet, die Laurentianische Bibliothek enthält die reichste Sammlung antiker Manuskripte. Es entstehen die ersten Kunstmuseen, gefüllt mit Statuen, Fragmenten antiker Architektur, Marmor, Münzen und Keramik. In der Renaissance stachen die wichtigsten Zentren des künstlerischen Lebens Italiens hervor – Florenz, Rom, Venedig.

Eines der größten Zentren und Geburtsort einer neuen, realistischen Kunst war Florenz. Im 15. Jahrhundert lebten, studierten und arbeiteten hier viele berühmte Meister der Renaissance.

Architektur der Frührenaissance

Die Einwohner von Florenz hatten ein Hochgefühl künstlerische Kultur Sie beteiligten sich aktiv an der Schaffung städtischer Denkmäler und diskutierten Möglichkeiten für den Bau schöner Gebäude. Architekten verzichteten auf alles, was der Gotik ähnelte. Unter dem Einfluss der Antike galten mit einer Kuppel gekrönte Gebäude als die vollkommensten. Vorbild war hier das römische Pantheon.

Florenz ist eine der schönsten Städte der Welt, eine Museumsstadt. Die Architektur aus der Antike ist nahezu vollständig erhalten geblieben, die schönsten Gebäude wurden überwiegend in der Renaissance erbaut. Über den roten Ziegeldächern der antiken Gebäude von Florenz erhebt sich das riesige Gebäude der Kathedrale der Stadt Santa Maria del Fiore, die oft einfach als Kathedrale von Florenz bezeichnet wird. Seine Höhe erreicht 107 Meter. Eine prächtige Kuppel, deren Harmonie durch weiße Steinrippen betont wird, krönt die Kathedrale. Die Kuppel ist von beeindruckender Größe (ihr Durchmesser beträgt 43 m) und krönt das gesamte Panorama der Stadt. Die Kathedrale ist von fast jeder Straße in Florenz aus sichtbar und ragt deutlich in den Himmel. Dieses prächtige Bauwerk wurde vom Architekten erbaut

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Der prächtigste und berühmteste Kuppelbau der Renaissance war Petersdom in Rom. Es wurde über 100 Jahre gebaut. Die Schöpfer des ursprünglichen Projekts waren Architekten Bramante und Michelangelo.

Renaissancegebäude sind mit Säulen, Pilastern, Löwenköpfen usw. geschmückt „Putten“(nackte Babys), Gipskränze aus Blumen und Früchten, Blättern und vielen Details, von denen Proben in den Ruinen antiker römischer Gebäude gefunden wurden. Zurück in Mode Halbkreisbogen. Wohlhabende Menschen begannen, schönere und komfortablere Häuser zu bauen. Statt eng aneinander gedrängt wirkten die Häuser luxuriös Paläste - Palazzo.

Skulptur der Frührenaissance

Im 15. Jahrhundert arbeiteten zwei berühmte Bildhauer in Florenz - Donatello und Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- einer der ersten Bildhauer Italiens, der die Erfahrungen der antiken Kunst nutzte. Er schuf eines der schönsten Werke der Frührenaissance – die Davidstatue.

Der biblischen Legende zufolge besiegte der junge David, ein einfacher Hirte, den Riesen Goliath und rettete dadurch die Bewohner Judäas vor der Versklavung und wurde später König. David war eines der Lieblingsbilder der Renaissance. Er wird vom Bildhauer nicht als bescheidener Heiliger aus der Bibel dargestellt, sondern als junger Held, Sieger, Verteidiger seiner Heimatstadt. In seiner Skulptur besingt Donatello den Menschen als das Ideal einer schönen Heldenpersönlichkeit, die in der Renaissance entstand. David wird mit dem Lorbeerkranz des Siegers gekrönt. Donatello scheute sich nicht, ein Detail wie einen Hirtenhut einzuführen – ein Zeichen seiner einfachen Herkunft. Im Mittelalter verbot die Kirche die Darstellung eines nackten Körpers, da sie ihn als Gefäß des Bösen betrachtete. Donatello war der erste Meister, der mutig gegen dieses Verbot verstieß. Er behauptet damit, dass der menschliche Körper schön ist. Die Davidstatue ist die erste runde Skulptur dieser Zeit.

Eine weitere schöne Skulptur von Donatello ist ebenfalls bekannt – eine Kriegerstatue , Kommandant von Gattamelata. Es war das erste Reiterdenkmal der Renaissance. Dieses vor 500 Jahren errichtete Denkmal steht noch immer auf einem hohen Sockel und schmückt den Platz der Stadt Padua. Zum ersten Mal wurde in der Skulptur kein Gott, kein Heiliger, kein edler und reicher Mann verewigt, sondern ein edler, tapferer und beeindruckender Krieger mit einer großen Seele, der für große Taten Ruhm verdiente. In einer antiken Rüstung sitzt Gattemelata (das ist sein Spitzname, der „gefleckte Katze“ bedeutet) in ruhiger, majestätischer Pose auf einem mächtigen Pferd. Die Gesichtszüge des Kriegers unterstreichen einen entschlossenen, festen Charakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Der berühmteste Schüler Donatellos, der das berühmte Reiterdenkmal für den Condottiere Colleoni schuf, das in Venedig auf dem Platz in der Nähe der Kirche San Giovanni aufgestellt wurde. Das Hauptaugenmerk des Denkmals liegt auf der gemeinsamen energischen Bewegung von Pferd und Reiter. Das Pferd saust sozusagen über den Marmorsockel hinaus, auf dem das Denkmal errichtet ist. Colleoni, in den Steigbügeln stehend, blickt ausgestreckt mit erhobenem Kopf in die Ferne. Eine Grimasse aus Wut und Anspannung erstarrte auf seinem Gesicht. In seiner Körperhaltung spürt man einen gewaltigen Willen, sein Gesicht gleicht einem Raubvogel. Das Bild ist erfüllt von unzerstörbarer Kraft, Energie und strenger Autorität.

Malerei der Frührenaissance

Die Renaissance erneuerte auch die Kunst der Malerei. Maler haben gelernt, Raum, Licht und Schatten, natürliche Posen und verschiedene menschliche Gefühle richtig zu vermitteln. Die Zeit der Anhäufung dieser Kenntnisse und Fähigkeiten war die Frührenaissance. Die Gemälde dieser Zeit sind von Licht und Hochstimmung durchdrungen. Der Hintergrund ist oft in hellen Farben gemalt, während Gebäude und Naturmotive mit scharfen Linien umrissen werden, es dominieren reine Farben. Mit naiver Sorgfalt werden alle Details des Geschehens dargestellt, die Figuren sind meist aneinandergereiht und durch klare Konturen vom Hintergrund abgegrenzt.

Die Malerei der Frührenaissance strebte nur nach Perfektion, berührt aber dank ihrer Aufrichtigkeit die Seele des Betrachters.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, bekannt unter diesem Namen Masaccio (1401 - 1428)

Er gilt als Anhänger Giottos und als erster Meister der Malerei der Frührenaissance. Masaccio lebte nur 28 Jahre, aber für ihn kurzes Leben hat in der Kunst Spuren hinterlassen, die kaum zu überschätzen sind. Es gelang ihm, die von Giotto begonnenen revolutionären Veränderungen in der Malerei zu vollenden. Seine Malerei zeichnet sich durch eine dunkle und tiefe Farbe aus. Die Menschen in den Fresken von Masaccio sind viel dichter und kraftvoller als in den Gemälden der Gotik.

Masaccio war der erste, der Objekte im Raum unter Berücksichtigung der Perspektive richtig anordnete; er begann, Menschen nach den Gesetzen der Anatomie darzustellen.

Er verstand es, Figuren und Landschaft in einer einzigen Handlung zu verbinden, das Leben der Natur und der Menschen auf dramatische und zugleich ganz natürliche Weise darzustellen – und darin liegt das große Verdienst des Malers.

Dies ist eine der wenigen Staffeleiarbeiten, die Masaccio 1426 für die Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Pisa in Auftrag gab.

Die Madonna sitzt auf einem Thron, der streng nach den Gesetzen von Giottos Perspektive gebaut ist. Ihre Figur ist mit souveränen und klaren Strichen gezeichnet, wodurch der Eindruck eines skulpturalen Volumens entsteht. Ihr Gesicht ist ruhig und traurig, ihr distanzierter Blick ist nirgendwohin gerichtet. In einen dunkelblauen Mantel gehüllt, hält die Jungfrau Maria das Kind auf ihren Armen, dessen goldene Gestalt sich deutlich vom dunklen Hintergrund abhebt. Die tiefen Falten des Umhangs ermöglichen dem Künstler ein Spiel mit Hell-Dunkel, was auch einen besonderen visuellen Effekt erzeugt. Das Baby isst schwarze Weintrauben – ein Symbol der Gemeinschaft. Tadellos gezeichnete Engel (der Künstler kannte die menschliche Anatomie perfekt) rund um die Madonna verleihen dem Bild einen zusätzlichen emotionalen Klang.

Die einzige von Masaccio bemalte Schärpe für ein doppelseitiges Triptychon. Nach dem frühen Tod des Malers wurde der Rest des von Papst Martin V. für die Kirche Santa Maria in Rom in Auftrag gegebenen Werks vom Künstler Masolino fertiggestellt. Dargestellt sind zwei streng, monumental ausgeführte, ganz in Rot gekleidete Heiligenfiguren. Hieronymus hält ein offenes Buch und ein Modell der Basilika, zu seinen Füßen liegt ein Löwe. Johannes der Täufer wird in seiner üblichen Form dargestellt: Er ist barfuß und hält ein Kreuz in der Hand. Beide Figuren bestechen durch anatomische Präzision und ein fast skulpturales Volumengefühl.

Das Interesse an einem Menschen und die Bewunderung für seine Schönheit waren in der Renaissance so groß, dass dies zur Entstehung einer neuen Gattung in der Malerei führte – der Gattung des Porträts.

Pinturicchio (Variante von Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Ein gebürtiger Einwohner von Perugia in Italien. Eine Zeit lang malte er Miniaturen und half Pietro Perugino, die Sixtinische Kapelle in Rom mit Fresken zu schmücken. Sammelte Erfahrung in der komplexesten Form der dekorativen und monumentalen Wandmalerei. Einige Jahre später wurde Pinturicchio ein unabhängiger Wandmaler. Er arbeitete an Fresken in den Borgia-Apartments im Vatikan. Er fertigte Wandgemälde in der Bibliothek des Doms in Siena an.

Der Künstler vermittelt nicht nur eine Porträtähnlichkeit, sondern versucht auch, den inneren Zustand einer Person zu offenbaren. Vor uns steht ein Teenager, gekleidet in ein strenges rosafarbenes Stadtkleid, mit einer kleinen blauen Mütze auf dem Kopf. Braunes Haar fällt bis zu den Schultern und umrahmt ein zartes Gesicht, der aufmerksame Blick der braunen Augen ist nachdenklich, ein wenig ängstlich. Hinter dem Jungen liegt eine umbrische Landschaft mit dünnen Bäumen, einem silbernen Fluss und einem Himmel, der sich am Horizont rosa färbt. Die frühlingshafte Zärtlichkeit der Natur als Echo des Charakters des Helden steht im Einklang mit der Poesie und dem Charme des Helden.

Das Bild des Jungen ist im Vordergrund dargestellt, groß und nimmt fast die gesamte Bildfläche ein, und die Landschaft ist im Hintergrund gemalt und sehr klein. Dadurch entsteht der Eindruck von der Bedeutung des Menschen, seiner Dominanz über die umgebende Natur und der Behauptung, der Mensch sei die schönste Schöpfung der Erde.

Hier wird die feierliche Abreise von Kardinal Kapranik in das Basler Münster dargestellt, die fast 18 Jahre dauerte, von 1431 bis 1449, zunächst in Basel, dann in Lausanne. Auch der junge Piccolomini befand sich im Gefolge des Kardinals. In einem eleganten Rahmen eines Halbkreisbogens wird eine Gruppe Reiter präsentiert, begleitet von Pagen und Dienern. Das Ereignis ist nicht so real und zuverlässig, sondern ritterlich raffiniert, fast fantastisch. Im Vordergrund blickt ein schöner Reiter auf einem weißen Pferd in luxuriösem Kleid und Hut den Betrachter an – das ist Aeneas Silvio. Mit Freude malt der Künstler reiche Kleidung, schöne Pferde in Samtdecken. Die gestreckten Proportionen der Figuren, die leicht manierierten Bewegungen und die leichten Neigungen des Kopfes kommen dem Hofideal nahe. Das Leben von Papst Pius II. war voller glanzvoller Ereignisse, und Pinturicchio sprach über die Treffen des Papstes mit dem König von Schottland und Kaiser Friedrich III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Es gab Legenden über Lippis Leben. Er selbst war Mönch, verließ aber das Kloster, wurde Wanderkünstler, entführte eine Nonne aus dem Kloster und starb vergiftet durch die Verwandten einer jungen Frau, in die er sich im fortgeschrittenen Alter verliebte.

Er malte Bilder der Madonna mit Kind, erfüllt von lebendigen menschlichen Gefühlen und Erfahrungen. In seinen Gemälden stellte er viele Details dar: Haushaltsgegenstände, Umfeld Daher ähnelten seine religiösen Motive weltlichen Gemälden.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Er malte nicht nur religiöse Themen, sondern auch Szenen aus dem Leben des Florentiner Adels, seinem Reichtum und Luxus, Porträts von Adligen.

Vor uns steht die Frau eines wohlhabenden Florentiners, einer Freundin des Künstlers. In dieser nicht sehr schönen, luxuriös gekleideten jungen Frau drückte der Künstler Ruhe aus, einen Moment der Stille und Stille. Der Gesichtsausdruck der Frau ist kalt, gleichgültig gegenüber allem, es scheint, als würde sie ihren bevorstehenden Tod vorhersehen: Bald nach dem Malen des Porträts wird sie sterben. Die Darstellung der Frau erfolgt im Profil, was für viele Porträts dieser Zeit typisch ist.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Einer der bedeutendsten Namen der italienischen Malerei des 15. Jahrhunderts. Er führte zahlreiche Transformationen in den Methoden zur Konstruktion der Perspektive eines malerischen Raums durch.

Das Bild ist mit Eitempera auf eine Pappelplatte gemalt – offensichtlich hatte der Künstler die Geheimnisse zu diesem Zeitpunkt noch nicht gemeistert Ölgemälde, in der Technik, in der seine späteren Werke geschrieben werden.

Der Künstler hat die Manifestation des Geheimnisses der Heiligen Dreifaltigkeit zur Zeit der Taufe Christi eingefangen. Die weiße Taube, die ihre Flügel über dem Haupt Christi ausbreitet, symbolisiert die Herabkunft des Heiligen Geistes auf den Erretter. Die Figuren von Christus, Johannes dem Täufer und den daneben stehenden Engeln sind in zurückhaltenden Farben bemalt.
Seine Fresken sind feierlich, erhaben und majestätisch. Francesca glaubte an die hohe Bestimmung des Menschen und in seinen Werken vollbrachten die Menschen immer wunderbare Dinge. Er verwendete subtile, sanfte Farbübergänge. Francesca war die erste, die en plein air (in der Luft) malte.

Stadtplanung und die Stadt als Gegenstand besonderer Forschung weckten das Interesse vieler führender Architekten. Als weniger bedeutsam gilt der Beitrag Italiens im Bereich der praktischen Stadtplanung. Zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Die Stadtgemeinden Mittel- und Norditaliens waren bereits seit langem etablierte architektonische Organismen. Darüber hinaus die Republiken und Tyrannenherrschaften des 15. und 16. Jahrhunderts. (mit Ausnahme der größten – wie Florenz, Mailand, Venedig und natürlich päpstliches Rom) verfügten nicht über ausreichende Mittel, um neue große Ensembles zu schaffen, zumal weiterhin alle Aufmerksamkeit auf den Bau oder die Fertigstellung von Kathedralen als wichtigstem religiösen Zentrum der Stadt gerichtet war. Nur wenige integrale Stadtentwicklungen wie das Zentrum von Pienza verbinden neue Trends mit mittelalterlichen Bautraditionen.

Dennoch unterschätzt die allgemein akzeptierte Sichtweise die Veränderungen, die im XV.-XVI. Jahrhundert stattfanden, etwas. in italienischen Städten. Neben Versuchen, theoretisch zu verstehen, was auf dem Gebiet der Stadtplanung bereits praktisch getan wurde, sind auch Versuche zu beobachten, bestehende theoretische Stadtplanungsvorstellungen in die Praxis umzusetzen. So entstand beispielsweise in Ferrara ein neuer Stadtteil mit einem regelmäßigen Straßennetz; In den Städten Bari, Terra del Sole, Castro und auch in einigen anderen wurde versucht, gleichzeitig einen ganzheitlichen städtischen Organismus zu schaffen.

Entstand im Mittelalter das architektonische Erscheinungsbild der Stadt im Prozess der Kreativität und Bautätigkeit der gesamten Stadtbevölkerung, so spiegelte der Städtebau in der Renaissance immer mehr die Wünsche einzelner Auftraggeber und Architekten wider.

Mit dem wachsenden Einfluss der reichsten Familien beeinflussten deren persönliche Ansprüche und Vorlieben zunehmend das architektonische Erscheinungsbild der gesamten Stadt. Von großer Bedeutung beim Bau von Palästen, Villen, Kirchen, Gräbern und Loggien war der Wunsch, sich selbst zu verewigen und zu verherrlichen, oder der Wettbewerb um Reichtum und Pracht mit den Nachbarn (Gonzaga - d'Este, d'Este - Sforza usw.). und der unveränderliche Wunsch, luxuriös zu leben. Gleichzeitig zeigten die Kunden ein gewisses Interesse an der Verbesserung der Stadt und stellten Mittel für den Wiederaufbau ihrer Ensembles, für den Bau öffentlicher Gebäude, Brunnen usw. bereit.

Ein erheblicher Teil des Palast- und Tempelbaus fiel in die Jahre der Wirtschaftskrise, die mit dem Verlust der Ostmärkte verbunden war, und wurde auf Kosten des bereits gesammelten Reichtums durchgeführt, der in der Zeit des Niedergangs des Handwerks entstand Handel mit unproduktivem Kapital. Am Bau waren die bekanntesten und bekanntesten Architekten, Künstler, Bildhauer beteiligt, die für die Umsetzung der ihnen anvertrauten Arbeiten große Mittel erhielten und durch die Befriedigung der persönlichen Wünsche der Kunden ihre schöpferische Individualität in größerem Maße zur Geltung bringen konnten.

Deshalb sind die italienischen Städte der Renaissance reich an originellen, unterschiedlichen Architekturensembles. Diese Ensembles basierten jedoch auf Werken derselben Epoche mit etablierten ästhetischen Ansichten allgemeine Grundsätze Kompositionen.

Die neuen Anforderungen an die volumetrische und räumliche Organisation der Stadt und ihrer Elemente beruhten auf einer sinnvollen, kritischen Wahrnehmung mittelalterlicher Traditionen, auf dem Studium von Denkmälern und Kompositionen der Antike. Die Hauptkriterien waren die Klarheit der räumlichen Organisation, die logische Verbindung von Haupt- und Nebenraum, die proportionale Einheit der sie umgebenden Strukturen und Räume, die Verbindung einzelner Räume und das alles in einem der Person angemessenen Maßstab. neue Kultur der Renaissance drangen zunächst geringfügig, dann immer aktiver in die Stadtplanung ein. Die mittelalterliche Stadt, die die Grundlage der Städte der Renaissance bildete, konnte nicht wesentlich verändert werden, daher wurden auf ihrem Territorium nur Wiederaufbauarbeiten durchgeführt, es wurden separate öffentliche und private Gebäude errichtet, was manchmal einige Planungsarbeiten erforderte; Das Wachstum der Stadt, das sich im 16. Jahrhundert etwas verlangsamte, ging meist zu Lasten der Erweiterung ihres Territoriums.

Die Renaissance brachte keine offensichtlichen Veränderungen in der Stadtplanung mit sich, veränderte jedoch ihr volumetrisches und räumliches Erscheinungsbild erheblich und löste eine Reihe städtebaulicher Probleme auf neue Weise.

Abb.1. Ferrara. Schematischer Plan der Stadt: 1 - Schloss d'Este; 2 - Ariosto-Platz; 3 - Kartäuserkloster; 4 – Kirche Santa Maria Nuova degli Aldigieri; 5 - Kirche San Giuliano; c – Kirche San Benedetto; 7 - Kirche San Francesco; 8 – Palazzo dei Diamanti; 9 - Kathedrale

Abb.2. Verona. Schematischer Plan der Stadt: 1 - Kirche San Zeno; 2 - Kirche San Bernardino; 3 – Bereich der Krankenhäuser und Fort San Spirito; 4 – Gran Guardia Vecchia; 5 - Castello Vecchio; 6 - Palazzo Malfatti; 7 – Bereich delle Erbe; 8 - Piazza dei Signori; 9 – Santa-Anastasia-Platz; 10 - Kathedrale; 11 - Bischofspalast; 12 - antikes Amphitheater; 13 - der Palast von Pompeji; 14 – Palazzo Bevilacqua

Eines der ersten Beispiele einer neuen Anlage an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert. Ferrara kann dienen (Abb. 1). Sein nördlicher Teil wurde nach dem Projekt von Biagio Rossetti (erwähnt 1465-1516) erbaut. Die Hauptlinien des neuen Straßennetzes verbanden die Eingangstore der von ihm errichteten Befestigungsanlagen. An den Kreuzungen der Straßen befanden sich Paläste (Palazzo dei Diamanti usw.) und Kirchen, die vom selben Architekten oder unter seiner direkten Aufsicht errichtet wurden. Das mittelalterliche Zentrum mit der von einem Wassergraben umgebenen Burg d'Este, dem Palazzo del Comune und anderen Gebäuden aus dem 12.-15. Jahrhundert sowie der angrenzende Handels- und Handwerksteil der Stadt blieben unberührt. Der neue Teil der Stadt, der in Richtung d'Este mit Häusern einer bestimmten Anzahl von Stockwerken bebaut wurde, erhielt einen weltlicheren, aristokratischeren Charakter, und seine geraden, breiten Straßen mit Renaissancepalästen und -kirchen gaben Ferrara ein anderes Aussehen als das mittelalterliche Stadt. Kein Wunder, dass Burckhardt schrieb, dass Ferrara die erste moderne Stadt Europas sei.

Aber auch ohne die Planung neuer Gebiete machten die Bauherren der Renaissance mit die größte Kunst nutzte alle Elemente der Verbesserung und kleinen architektonischen Formen der Stadt, von Kanälen über Arkaden, Brunnen bis hin zu Pflastersteinen ( Ein charakteristisches Beispiel aus dem 15. Jahrhundert ist ein Brunnen auf dem Domplatz in Pienza; Im 16. Jahrhundert Die Rolle des Brunnens in Ensembles wird komplizierter (z. B. die von Vignola in Rom, Viterbo und in den in ihrer Nähe gelegenen Villen installierten Brunnen). ) – zur allgemeinen Verbesserung und ästhetischen Bereicherung des architektonischen Erscheinungsbildes auch kleiner Städte oder einzelner Ensembles. In einer Reihe von Städten, wie Mailand, Rom, wurden die Straßen begradigt und verbreitert.

Kanäle wurden nicht nur zur Bewässerung von Feldern gebaut, sondern auch in Städten (zur Verteidigung, Transport, Wasserversorgung, Hochwasserschutz, für die Produktion – Wolle waschen usw.), wo sie ein gut geplantes System darstellten (Mailand), oft einschließlich Dämmen und Schleusen und mit städtischen Verteidigungsanlagen verbunden (Verona, Mantua, Bologna, Livorno usw., Abb. 2, 3, 5, 21).

Straßenarkaden, die auch im Mittelalter zu finden waren, erstreckten sich teilweise über ganze Straßenzüge (Bologna, Abb. 4) oder entlang der Platzseiten (Florenz, Vigevano, Abb. 7).

Die Renaissance hat uns wundervolle städtische Komplexe und Ensembles hinterlassen, die sich in zwei Hauptgruppen einteilen lassen: Ensembles, die sich historisch entwickelt haben (sie stammen hauptsächlich aus dem 15. Jahrhundert) und Ensembles, die gleichzeitig oder über mehrere Bauperioden hinweg entstanden sind nach dem Plan eines Architekten, teilweise in der Renaissance (zumeist im 16. Jahrhundert) vollständig fertiggestellt.

Ein bemerkenswertes Beispiel für Ensembles der ersten Gruppe ist das Ensemble von Piazza San Marco und Piazzetta in Venedig.

In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts. Teile des Dogenpalastes wurden gebaut und überblickten sowohl die Piazzetta als auch den Canal San Marco. Zu Beginn des gleichen Jahrhunderts entstand die Marmorpflasterung des Markusplatzes, die ihn später mit der Piazzetta verband. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts. Die Umbauarbeiten am zentralen Platz der Stadt lockten die bedeutendsten Architekten an: Bartolomeo Bon erhöhte die Höhe des Glockenturms von 60 auf 100 m und krönte ihn mit einer Zeltüberdachung; Pietro Lombardo und andere bauen die Alten Prokurationen und den Glockenturm; 1529 werden die Stände von der Piazzetta entfernt, was den Blick auf die Lagune und das Kloster San Giorgio Maggiore freigibt. Als räumlicher Übergang von der Weite der Lagune zum zentralen Platz spielt die Piazzetta eine wichtige Rolle und unterstreicht deren Größe und kompositorische Bedeutung im Stadtgefüge. Dann erweitert Sansovino den Platz nach Süden, indem er das Gebäude der von ihm errichteten Bibliothek auf der Piazzetta, 10 Meter vom Glockenturm entfernt, platziert und am Fuße des Loggetta-Turms errichtet. Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts. Scamozzi errichtet neue Prokurationen. Allerdings wurde die Westseite des Platzes erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts fertiggestellt.

Die Entwicklung des Markusplatzes am Ufer der Lagune an der Mündung des Canal Grande ist sowohl funktional – der Bequemlichkeit der Warenlieferung an den Ort der wichtigsten venezianischen Messen als auch der Ausschiffung von Ehrengästen vor dem Palast und – bedingt die Kathedrale – und künstlerisch: Der Hauptplatz vor der Stadt öffnet sich feierlich für diejenigen, die vom Meer herkommen, und gleicht einer Empfangshalle der Stadt; Wie das Platzensemble des antiken Milet zeigte der Markusplatz den Ankömmlingen, wie reich und schön die Hauptstadt der Republik Venedig war.

Eine neue Einstellung zum Bauen als Teil eines Ganzen, die Fähigkeit, Gebäude mit dem umgebenden Raum zu verbinden und eine kontrastierende, für beide Seiten vorteilhafte Kombination unterschiedlicher Strukturen zu finden, führten zur Entstehung eines der besten Ensembles nicht nur der Renaissance, sondern auch der Weltarchitektur.

Die hohe Baukultur Venedigs manifestierte sich auch in den nach und nach entstehenden Ensembles der Piazza Santi Giovanni e Paolo (mit dem Colleoni-Denkmal von Verrocchio) und Einkaufszentrum Städte.

Als Beispiel für die konsequente Entwicklung des Ensembles können die Piazza della Signoria in Florenz sowie der zentrale Platzkomplex in Bologna dienen, an dem sich zu dieser Zeit interessante städtebauliche Traditionen entwickelt hatten.

Abb.5. Bologna. Schematischer Plan der Stadt: 1 - Malpighi-Gebiet; 2 - Ravenyan-Platz; 3 - Piazza Maggiore; 4 - Neptungebiet; 5 - Arcijinnacio-Platz; 6 - Kirche San Petronio; 7 - Palazzo Publico; 8 - Palazzo Legata; 9 – Palazzo del Podesta; 10 - Portikus dei Banki; 11 – Palazzo dei Notai; 12 - Palazzo Arciginnasio; 13 – Palazzo del Re Enzo; 14 - Mercantia; 15 - isolanische Paläste; 16 – Kirche San Giacomo; 17 - Casa Grassi; 18- Palazzo Fava; 19 – Palazzo Armorini; 20-Collegio di Spagna; 21 – Palazzo Bevilacqua; 22 – Palazzo Tanari

Der Grundriss von Bologna hat die Spuren seiner jahrhundertealten Geschichte bewahrt (Abb. 5). Das Stadtzentrum stammt aus der Zeit des römischen Militärlagers. Im Mittelalter entstanden die radial divergierenden Straßen der östlichen und westlichen Regionen, die die alten Tore (nicht erhalten) mit den Toren der neuen Befestigungsanlagen (XIV. Jahrhundert) verbanden.

Die frühe Entwicklung der Zunftproduktion aus feinen dunkelroten Ziegeln und Terrakotta-Gebäudedetails sowie die Ausbreitung von Arkaden an den Seiten vieler Straßen (sie wurden vor dem 15. Jahrhundert erbaut) verliehen den Stadtgebäuden eine bemerkenswerte Gemeinsamkeit. Diese Merkmale entwickelten sich auch in der Renaissance, als der Stadtrat dem Bauwesen große Aufmerksamkeit schenkte (siehe die auf Beschluss des Rates entwickelten Modellprojekte von Häusern für die Vororte mit primitiven Portiken, die sich in Straßenarkaden falten sollten – Abb. 6). .

Piazza Maggiore, im Herzen der Altstadt gelegen, mit dem riesigen, schlossähnlichen Palazzo Publico darüber, der eine Reihe öffentlicher Gebäude der mittelalterlichen Gemeinde und der Kathedrale aus dem 15. und 16. Jahrhundert vereint. erhielt durch den Neptunplatz eine organische Verbindung mit der Hauptstraße (der Brunnen, der ihm seinen Namen gab, wurde im 16. Jahrhundert von G. da Bologna erbaut) und veränderte sein Erscheinungsbild im Geiste des neuen Stils erheblich: im 15. Jahrhundert. Fioravante wirkte hier, baute im 16. Jahrhundert den Palazzo del Podesta wieder auf. - Vignola, das die Gebäude auf der Ostseite des Platzes mit einer gemeinsamen Fassade mit einem monumentalen Arkadengang (Portico dei Banki) vereint.

Die zweite Gruppe von Ensembles, die vollständig einem einzigen kompositorischen Entwurf untergeordnet sind, umfasst hauptsächlich architektonische Komplexe des 16. und der folgenden Jahrhunderte.

Die Piazza Santissima Annunziata in Florenz ist trotz ihrer einheitlichen Entwicklung ein Beispiel für ein Ensemble mittleren Typs, da sie nicht von einem Meister konzipiert wurde. Allerdings bestimmte der schlichte, helle und zugleich monumentale Arkadengang des Brunellesco-Waisenhauses (1419–1444) das Erscheinungsbild des Platzes; Eine ähnliche Arkade wiederholte sich auf der Westseite vor dem Kloster Servi di Maria (Sangallo der Ältere und Baccio d'Agnolo, 1517-1525). Der spätere Portikus vor der Kirche Santissima Annunziata (Giovanni Caccini, 1599-1601) über den beiden seitlichen und zusammen mit dem Reiterdenkmal Ferdinands I. (G. da Bologna, 1608) und Brunnen (1629) zeugen von einem Neuen Trend beim Bau von Ensembles: Betonen Sie die Rolle der Kirche und identifizieren Sie die dominierende kompositorische Achse.

Mit der Anhäufung von Reichtum versuchten die einflussreichsten Vertreter des jungen Bürgertums, sich die Anerkennung ihrer Mitbürger zu verdienen, indem sie ihre Heimatstadt schmückten und gleichzeitig ihre Macht durch Architektur zum Ausdruck brachten, indem sie prächtige Paläste für sich selbst bauten, aber auch Geld spendeten den Wiederaufbau und sogar den vollständigen Umbau ihrer Pfarrkirche und anschließend den Bau weiterer Gebäude in der Pfarrei. So entstanden beispielsweise um die Paläste der Medici und Rucellai in Florenz eigentümliche Gebäudegruppen; der erste umfasste neben dem Palast die Kirche San Lorenzo mit einer Kapelle – dem Grab der Medici und der Laurenzianischen Bibliothek, der zweite bestand aus dem Rucellai-Palast mit einer Loggia gegenüber und der Rucellai-Kapelle in der Kirche San Pancrazio.

Von der Errichtung einer solchen Gebäudegruppe war es nur noch ein Schritt bis zur Schaffung eines ganzen Ensembles, das die Heimatstadt schmückte, auf Kosten des „Vaters der Stadt“.

Ein Beispiel für einen solchen Wiederaufbau ist das Fabriano Center, wohin Papst Nikolaus V. mit seinem Gefolge während der Pest in Rom zog. Der Wiederaufbau von Fabriano wurde 1451 Bernardo Rosselino anvertraut. Ohne die Konfiguration des zentralen Platzes zu ändern, der im Mittelalter noch geschlossen blieb, versucht Rosselino, seine Entwicklung etwas zu rationalisieren, indem er die Seiten mit Portiken umschließt. Die Umrahmung des Platzes durch Galerien, die die Aufmerksamkeit des Publikums auf den strengen, mit Zinnen gekrönten Palazzo Podestà lenken, weist darauf hin, dass dieses alte Zivilgebäude trotz der Ankunft des Papstes in der Stadt das wichtigste Gebäude auf dem Platz bleibt. Der Wiederaufbau des Fabriano Center ist einer der ersten städtebaulichen Versuche der Renaissance, den Platzraum nach dem Prinzip der Regelmäßigkeit zu ordnen.

Ein weiteres Beispiel für eine einmalige Rekonstruktion des zentralen Platzes und der gesamten Stadt ist Pienza, wo nur ein Teil der von demselben Bernardo Rosselino vorgesehenen Arbeiten ausgeführt wurde.

Pienza-Platz, mit einer klaren Aufteilung der dort befindlichen Gebäude in Haupt- und Nebengebäude, mit einem regelmäßigen Grundriss und einer bewussten Erweiterung des Platzgebiets in Richtung der Kathedrale, um Freiraum um ihn herum zu schaffen, mit gemustertem Pflaster, das das eigentliche Trapez trennt Von der entlang verlaufenden Straße aus gesehen ist der Platz mit der sorgfältig durchdachten Farbgestaltung aller den Platz umrahmenden Gebäude eines der charakteristischsten und bekanntesten Ensembles des 15. Jahrhunderts.

Ein interessantes Beispiel ist der regelmäßige Bau des Platzes in Vigevano (1493-1494). Der Platz, auf dem sich die Kathedrale und der Haupteingang zum Schloss Sforzesco befanden, war von einem durchgehenden Arkadengang umgeben, über den sich eine einzige Fassade erstreckte, die mit Gemälden und farbiger Terrakotta verziert war (Abb. 7).

Die Weiterentwicklung der Ensembles ging in die Richtung einer zunehmenden Isolation vom öffentlichen Leben der Stadt, da jedem von ihnen eine bestimmte Aufgabe untergeordnet und mit ausgeprägter Individualität gelöst und von der Umwelt abgegrenzt wurde. Plätze aus dem 16. Jahrhundert waren keine öffentlichen Plätze mehr der Kommunalstädte der Frührenaissance, die für Paradeumzüge und Feiertage gedacht waren. Trotz der Komplexität der Raumkompositionen und der weit offenen Perspektiven spielten sie vor allem die Rolle eines offenen Vestibüls vor dem Hauptgebäude. Wie im Mittelalter, allerdings mit einer anderen räumlichen Organisation und kompositorischen Bauweise, wurde der Platz wieder dem Gebäude – dem Leitgebäude des Ensembles – untergeordnet.

Zu den ersten Ensembles des 16. Jahrhunderts, in denen die zuvor skizzierten Kompositionstechniken bewusst angewendet wurden einziges Konzept Dazu gehören der Belvedere-Komplex im päpstlichen Vatikan, dann der Platz vor dem Farnese-Palast in Rom (der Plan des Ensembles sah eine nicht realisierte Brücke über den Tiber vor), das römische Kapitol und den Komplex des erweiterten Pitti-Palastes mit den Boboli-Gärten Florenz.

Die Mitte des 16. Jahrhunderts fertiggestellte rechteckige Piazza Farnese sowie der von Antonio de Sangallo d Ensemble Santissima Annunziata.

Drei kurze Parallelstraßen führen vom Campo di Fiori zur Piazza Farnese, deren mittlere breiter ist als die seitlichen, was sozusagen die Symmetrie des Ensembles vorgibt. Das Portal des Farnese-Palastes fällt mit der Achse des Gartenportals und der Mitte der hinteren Loggia zusammen. Die Zusammensetzung des Ensembles wurde durch die Aufstellung zweier Brunnen (für die Vignola Bronzebäder aus den Caracalla-Thermen übernahm) vervollständigt, die symmetrisch zum Haupteingang und etwas zur Ostseite des Platzes verschoben platziert waren. Eine solche Anordnung der Brunnen schafft gewissermaßen Platz vor dem Palast und verwandelt den Stadtplatz in eine Art Atrium vor dem Wohnsitz einer mächtigen Familie (vgl. den zentralen Platz in Vigevano).

Eines der bemerkenswertesten Beispiele eines architektonischen Ensembles nicht nur des 16. Jahrhunderts. In Italien, aber auch in der gesamten Weltarchitektur gibt es den Kapitolplatz in Rom, der nach dem Plan von Michelangelo geschaffen wurde und die soziohistorische Bedeutung dieses Ortes zum Ausdruck bringt (Abb. 9).

Die zentrale Lage des Senatorenpalastes mit Turm und Doppeltreppe, die trapezförmige Form des Platzes und der zu ihm führenden Rampe, die Symmetrie der Seitenpaläste, schließlich das Pflastermuster des Platzes und die zentrale Lage des Reiterskulptur - all dies stärkte die Bedeutung des Hauptgebäudes und der dominanten Achse des Ensembles, betonte die Bedeutung und die eigenständige Stellung dieses Platzes in der Stadt, von dem aus sich am Fuße des Platzes ein weiter Blick auf Rom ausbreitete Hügel geöffnet. Die Offenlegung einer Seite des Platzes, seine klar zum Ausdruck gebrachte Ausrichtung auf die Stadt bei gleichzeitiger Unterordnung des Platzraumes unter das Hauptgebäude – das ist ein von Michelangelo eingeführtes neues Merkmal in der Architektur städtischer Ensembles.

Die Werke, die Rom erheblich veränderten und es aus den Ruinen des Mittelalters wiederauferstanden, hatten erhebliche Auswirkungen auf die Architektur Italiens und ganz Europas. Die über das gesamte Gebiet der antiken Hauptstadt verstreuten Ensembles der Renaissance wurden erst viel später von der Stadt erfasst und als ihre Elemente in ein einziges System integriert, bildeten jedoch das Rückgrat, das die weitere architektonische und räumliche Organisation Roms als Ganzes bestimmte .

Die Ruinen der antiken Stadt gaben den Maßstab und die Monumentalität der angelegten Straßen und Gebäude der führenden Ensembles vor. Die Architekten studierten und beherrschten die Prinzipien regelmäßiger antiker Stadtplanungskompositionen. Neue Wege in der Stadtplanung basierten auf einer bewussten Suche nach besseren, bequemeren und rationelleren Grundrissen, auf sinnvollen Rekonstruktionen alter Gebäude, auf einer durchdachten Synthese von bildender Kunst und Architektur (Abb. 9, 10).

Die herausragenden Architekten der Renaissance – Brunellesco, Alberti, Rosselino, Leonardo da Vinci, Bramante, Michelangelo – konzipierten eine Reihe grandioser Stadtumgestaltungen. Hier sind einige dieser Projekte.

Im Jahr 1445, zum Jahrestag von 1450, waren in Rom bedeutende Arbeiten zum Wiederaufbau des Borgo-Gebiets geplant. Die Autoren des Projekts (Rosselino und möglicherweise Alberti) sahen offenbar Verteidigungsanlagen und die Verbesserung der Stadt sowie den Wiederaufbau des Borgo-Viertels und einer Reihe von Kirchen vor. Doch das Projekt erforderte viel Geld und blieb unerfüllt.

Leonardo da Vinci war Zeuge des Unglücks, das Mailand ereilte – der Pest von 1484-1485, die mehr als 50.000 Einwohner tötete. Die Ausbreitung der Krankheit wurde durch Überfüllung, Überfüllung und unhygienische Bedingungen der Stadt erleichtert. Der Architekt schlug einen neuen Grundriss Mailands innerhalb der erweiterbaren Stadtmauern vor, in dem nur wichtige Bürger verbleiben sollten, die gezwungen waren, ihre Besitztümer wieder aufzubauen. Gleichzeitig sollen laut Leonardo in der Nähe von Mailand zwanzig kleinere Städte mit jeweils 30.000 Einwohnern und 5.000 Häusern gegründet worden sein. Leonardo hielt es für notwendig: „Diese riesige Menschenmenge zu trennen, die wie Schafe in einer Herde einen üblen Geruch verbreitet und ein fruchtbarer Boden für Epidemien und Tod ist.“ Zu Leonardos Skizzen gehörten Straßen auf zwei Ebenen, Viadukte auf den Zufahrten vom Land, ein ausgedehntes Kanalnetz, das die Städte ständig mit Frischwasser versorgte, und vieles mehr (Abb. 11).

In den gleichen Jahren arbeitete Leonardo da Vinci an einem Plan für den Wiederaufbau, oder besser gesagt, die radikale Umstrukturierung von Florenz, indem er es in ein regelmäßiges Dekaeder aus Mauern einschloss und entlang seines Durchmessers unter Verwendung eines Flusses einen grandiosen Kanal gleicher Breite anlegte zum Arno (Abb. 12). Der Entwurf dieses Kanals, der eine Reihe von Dämmen und kleineren Umleitungskanälen umfasste, die dazu dienten, alle Straßen der Stadt zu spülen, war eindeutig utopischer Natur. Trotz der von Leonardo vorgeschlagenen sozialen (standesrechtlichen) Siedlung in der Stadt war der Architekt bestrebt, gesunde und komfortable Lebensbedingungen für alle Einwohner von Florenz zu schaffen.

Nach einem Brand, der 1514 den Markt in der Nähe der Rialtobrücke in Venedig zerstörte, erstellte Fra Giocondo ein Projekt zum Wiederaufbau dieses Gebiets. Die von Kanälen eingerahmte viereckige Insel hatte eine viereckige Form und sollte entlang des Umfangs mit zweistöckigen Geschäften bebaut werden. In der Mitte befand sich ein Platz mit vier gewölbten Toren an den Seiten. Die Zentralität der Komposition wurde durch die in der Mitte platzierte Kirche San Matteo betont.

Die Vorschläge von Fra Giocondo waren aus städtebaulicher Sicht interessant und neu, blieben jedoch unerfüllt.

Michelangelo, der die Freiheit seines geliebten Florenz verteidigte und offenbar den Geist der Demokratie bewahren wollte, der ihm früher so innewohnte, schlug ein Projekt zum Wiederaufbau seines Zentrums vor. Aller Wahrscheinlichkeit nach dienten die öffentlichen Zentren der Antike, die Peristyle der Politik, als Prototyp für den neuen Platz.

Michelangelo wollte die Piazza della Signoria mit Galerien umgeben, die alle zuvor errichteten Paläste, Handelskammern, Zunft- und Werkstatthäuser verbergen und mit ihrer Einheitlichkeit die Erhabenheit des Signoria-Palastes betonen. Die gigantischen Ausmaße der Loggia dei Lanzi, die als Motiv für die Arkaden dieser Galerien dienen sollte, und die monumentalen Gewölbedecken der den Platz überblickenden Straßen entsprachen dem Umfang der römischen Foren. Die Herzöge von Florenz brauchten eine solche Umstrukturierung nicht, wichtiger war der Bau der Uffizien mit Übergängen von der Verwaltung des Herzogtums – dem Palazzo Vecchio – zu den persönlichen Gemächern der Herrscher – dem Pitti-Palast. Auch das Projekt des großen Meisters wurde nicht umgesetzt.

Die oben genannten Projektbeispiele sowie die durchgeführten Arbeiten deuten darauf hin, dass nach und nach eine neue Idee der Gesamtstadt heranreifte: ein Ganzes, in dem alle Teile miteinander verbunden sind. Das Konzept der Stadt entwickelte sich parallel mit der Entstehung der Idee eines Zentralstaates, einer Autokratie, die neu entstehen könnte historische Bedingungen eine sinnvolle Stadtsanierung durchzuführen. In der Entwicklung der Stadtplanung kam die Besonderheit der Renaissancekultur deutlich zum Ausdruck, in der Kunst und Wissenschaft untrennbar miteinander verbunden waren, was den Realismus der Kunst vorgab. neue Ära. Als einer der wichtigsten Typen soziale Aktivitäten, Stadtplanung erforderte von den Architekten der Renaissance erhebliche wissenschaftliche, technische und spezifische künstlerische Kenntnisse. Die Neugestaltung der Städte war größtenteils mit der veränderten Kampftechnik, der Einführung von Schusswaffen und Artillerie verbunden, die den Wiederaufbau der Verteidigungsstrukturen fast aller mittelalterlichen Städte erzwang. Ein einfacher Mauergürtel, der meist dem Gelände folgte, wurde durch Mauern mit Bastionen ersetzt, die den sternförmigen Umfang der Stadtmauer bestimmten.

Städte dieser Art tauchen ab dem zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts auf und zeugen von der erfolgreichen Entwicklung des theoretischen Denkens.

Der Beitrag der Meister der italienischen Renaissance zur Theorie der Stadtplanung ist sehr bedeutsam. Trotz des unvermeidlichen Utopismus in der Formulierung dieser Probleme unter den damaligen Bedingungen wurden sie dennoch mit großem Mut und Vollständigkeit in allen Abhandlungen und theoretischen Dokumenten des 15. Jahrhunderts entwickelt, ganz zu schweigen von den städtischen Fantasien in Bildende Kunst. Dies sind die Abhandlungen von Filarete, Alberti, Francesco di Giorgio Martini und sogar Polifilos fantastischer Roman Hypnerotomachia (veröffentlicht 1499) mit ihren Entwürfen einer idealen Stadt; ebenso die zahlreichen Notizen und Zeichnungen von Leonardo da Vinci.

Die Renaissance-Abhandlungen über Architektur und Stadtplanung gingen von der Notwendigkeit aus, den Bedürfnissen der städtischen Neuordnung gerecht zu werden, und stützten sich vor allem auf die wissenschaftlichen und technischen Errungenschaften und ästhetischen Ansichten ihrer Zeit sowie auf das Studium der neu entdeckten Werke antiker Denker Vitruv.

Vitruv betrachtete die Planung und Entwicklung von Städten im Hinblick auf Annehmlichkeiten, Gesundheit und Schönheit, was mit den neuen Ansichten der Renaissance übereinstimmte.

Die durchgeführten Rekonstruktionen und nicht realisierten Projekte der Stadtumgestaltung stimulierten auch die Entwicklung der Stadtplanungswissenschaft. Die Schwierigkeiten grundlegender Transformationen in den bereits etablierten Städten Italiens verliehen den städtischen Theorien jedoch einen utopischen Charakter.

Urbane Theorien und Projekte ideale Städte Die Renaissance kann in zwei Hauptphasen unterteilt werden: von 1450 bis 1550 (von Alberti bis Pietro Cataneo), als die Probleme der Stadtplanung sehr breit und umfassend betrachtet wurden, und von 1550 bis 1615 (von Bartolomeo Ammanati bis Vincenzo Scamozzi), als Fragen der Verteidigung und zugleich der Ästhetik begannen sich durchzusetzen.

In den Abhandlungen und Projekten der Städte wurde in der ersten Periode der Auswahl der Gebiete für den Standort der Städte und den Aufgaben ihrer allgemeinen Neuordnung große Aufmerksamkeit gewidmet: der Umsiedlung der Bewohner nach beruflichen und sozialen Gesichtspunkten, der Planung, Verbesserung und Entwicklung. Ebenso wichtig war in dieser Zeit die Lösung ästhetischer Probleme sowie die architektonische und räumliche Organisation sowohl der gesamten Stadt als Ganzes als auch ihrer Elemente. Allmählich, bis zum Ende des 15. Jahrhunderts, alle Größerer Wert widmet sich Fragen der allgemeinen Verteidigung und dem Bau von Befestigungsanlagen.

Vernünftige und überzeugende Urteile über die Standortwahl von Städten waren in der Praxis völlig unbrauchbar, da neue Städte selten an Orten errichtet wurden, die durch die wirtschaftliche Entwicklung oder Strategie vorgegeben waren.

Die Abhandlungen von Architekten und ihre Projekte drücken die neue Weltanschauung der Ära aus, in der sie geboren wurden, in der es vor allem darum geht, sich um eine Person zu kümmern, aber um eine auserwählte, edle und reiche Person. Die Klassenschichtung der Renaissance-Gesellschaft führte dementsprechend zur Entstehung einer Wissenschaft, die dem Nutzen der besitzenden Klasse diente. Für die Umsiedlung der „Adligen“ wurden die besten Gebiete der Idealstadt zugewiesen.

Das zweite Prinzip der Organisation des Stadtgebietes ist die berufsgruppenmäßige Ansiedlung der übrigen Bevölkerung, was auf einen erheblichen Einfluss mittelalterlicher Traditionen auf die Urteile der Architekten des 15. Jahrhunderts hinweist. Handwerker verwandter Berufe mussten in unmittelbarer Nähe zueinander wohnen, und ihr Wohnsitz richtete sich nach dem „Adel“ ihres Handwerks oder Berufs. Im zentralen Bereich nahe dem Hauptplatz konnten Kaufleute, Geldwechsler, Juweliere und Wucherer wohnen; Schiffbauer und Kabelarbeiter hatten das Recht, sich nur in den Außenbezirken der Stadt hinter der Ringstraße niederzulassen; In der Nähe der Eingangstore zur Stadt sollten Maurer, Schmiede, Sattler usw. errichtet werden. Handwerker, die für alle Bevölkerungsschichten notwendig waren, wie Friseure, Apotheker, Schneider, mussten gleichmäßig in der Stadt angesiedelt werden.

Das dritte Prinzip der Stadtorganisation war die Aufteilung des Territoriums in Wohn-, Industrie-, Gewerbe- und öffentliche Komplexe. Sie sorgten durch ihre sinnvolle Verbindung untereinander und manchmal auch durch ihre Kombination für eine möglichst umfassende Versorgung der Stadt als Ganzes und die Nutzung ihrer Wirtschafts- und Naturdaten. Dies ist das Projekt der idealen Stadt Filarete – „Sforzinda“.

Die Planung von Städten musste nach Ansicht der Stadtplanungstheoretiker unbedingt regelmäßig sein. Manchmal wählten die Autoren eine radial-zirkuläre (Filarete, F. di Giorgio Martini, Fra Giocondo, Antonio da Sangallo Jr., Francesco de Marchi, Abb. 13), manchmal eine orthogonale (Martini, Marchi, Abb. 14) und eine Zahl der von den Autoren vorgeschlagenen Projekte, die beide Systeme kombinieren (Peruzzi, Pietro Cataneo). Allerdings war die Wahl des Grundrisses in der Regel kein rein formaler, mechanischer Vorgang, da die meisten Autoren ihn in erster Linie durch natürliche Gegebenheiten bestimmten: Gelände, Vorhandensein von Gewässern, Fluss, vorherrschende Winde usw. (Abb. 15).

Normalerweise befand sich der öffentliche Hauptplatz im Zentrum der Stadt, zunächst mit dem Schloss, später mit dem Rathaus und der Kathedrale in der Mitte. Handels- und Religionsgebiete von Bezirksbedeutung in Radialstädten befanden sich an der Kreuzung von Radialstraßen mit einer der Ring- oder Umgehungsstraßen der Stadt (Abb. 16).

Nach Ansicht der Architekten, die diese Projekte erstellt haben, musste das Stadtgebiet landschaftlich gestaltet werden. Die Überfüllung und die unhygienischen Bedingungen mittelalterlicher Städte sowie die Ausbreitung von Epidemien, die Tausende von Bürgern töteten, ließen uns über die Neuordnung von Gebäuden, über die grundlegende Wasserversorgung und Sauberkeit in der Stadt und über ihre maximale Erholung, zumindest innerhalb der Stadtmauern, nachdenken. Die Autoren von Theorien und Projekten schlugen vor, die Gebäude zu entschärfen, die Straßen zu begradigen, Kanäle entlang der Hauptstraßen zu verlegen und empfahlen, die Straßen, Plätze und Böschungen auf jede erdenkliche Weise zu begrünen.

In der imaginären „Sforzinda“ von Filarete mussten die Straßen also ein Gefälle zum Stadtrand hin aufweisen, damit Regenwasser abfließen und mit Wasser aus dem Stausee im Stadtzentrum gespült werden konnte. Entlang der acht Hauptsternstraßen und rund um die Plätze wurden Fahrrinnen angelegt, die für Ruhe im zentralen Teil der Stadt sorgten, wo die Einfahrt von Radfahrzeugen verboten werden sollte. Die radialen Straßen mussten landschaftlich gestaltet werden, während die Hauptstraßen (25 m breit) von Galerien entlang der Kanäle eingerahmt wurden.

Die in seinen zahlreichen Skizzen zum Ausdruck gebrachten städtebaulichen Ideen Leonardo da Vincis sprechen von einer außergewöhnlich breiten und mutigen Herangehensweise an die Probleme der Stadt und weisen gleichzeitig auf konkrete technische Lösungen für diese Probleme hin. So legte er das Verhältnis der Höhe der Gebäude und der Lücken zwischen ihnen fest, um die beste Sonneneinstrahlung und Belüftung zu gewährleisten, und entwickelte Straßen mit Verkehr auf verschiedenen Ebenen (außerdem waren die oberen – von der Sonne beleuchteten und verkehrsfreien – für die Straßen bestimmt "reich").

Antonio da Sangallo der Jüngere schlug in seinem Projekt eine umlaufende Quartiersbebauung mit einem gut belüfteten, begrünten Innenraum vor. Hier wurden offenbar die von Leonardo da Vinci geäußerten Ideen zur Verbesserung und Verbesserung des Stadtgebiets entwickelt.

Skizzen von Häusern in der idealen Stadt Francesco de Marcha sind deutlich von früheren Epochen beeinflusst oder behalten vielmehr den aus dem Mittelalter übernommenen Charakter des Gebäudes bei, der in den Städten der Renaissance vorherrscht – schmal, mehrstöckige Häuser mit nach vorne verschobenen Obergeschossen (siehe Abb. 16).

Neben den aufgezeigten funktionalen und utilitaristischen Problemen spielten Architekten des 15. und frühen 16. Jahrhunderts eine bedeutende Rolle in den Projekten idealer Städte. beschäftigen sich auch mit ästhetischen Fragen der volumenräumlichen Organisation der Stadt. In den Abhandlungen kommen die Autoren immer wieder darauf zurück, dass die Stadt mit schönen Straßen, Plätzen und einzelnen Gebäuden geschmückt werden sollte.

Als er von Häusern, Straßen und Plätzen sprach, erwähnte Alberti mehr als einmal, dass sie sowohl in ihrer Größe als auch auf ihre eigene Art und Weise sein sollten. Aussehen miteinander einverstanden. F. di Giorgio Martini schrieb, dass alle Teile der Stadt mit Bedacht organisiert sein sollten, dass sie in Beziehung zueinander stehen sollten, ähnlich wie Teile des menschlichen Körpers.

Die Straßen idealer Städte waren oft von Arkaden mit komplexen Bogengängen an ihren Kreuzungen eingerahmt, die nicht nur funktional waren (Schutz vor Regen und sengender Sonne), sondern auch sauber waren künstlerischer Wert. Dies belegen die Vorschläge von Alberti, das Projekt einer ovalen Stadt und des zentralen rechteckigen Stadtplatzes von F. de Marchi und anderen (siehe Abb. 14).

Ab dem Ende des 15. Jahrhunderts erlangte die Technik der zentrischen Städtekomposition (Fra Giocondo) nach und nach immer größere Bedeutung im Schaffen von Architekten, die an den Entwürfen idealer Städte arbeiteten. Die Idee der Stadt als ein einziger Organismus, der einem gemeinsamen Plan unterliegt, entstand im 16. Jahrhundert. dominiert die Theorie der Stadtplanung.

Ein Beispiel für eine solche Lösung ist die ideale Stadt Peruzzi, die von zwei Mauern umgeben und nach einem radialen Schema gebaut ist, mit einer eigenartig gestalteten Umgehungsstraße in Form eines Quadrats. Wehrtürme, die sich sowohl in den Ecken als auch in der Mitte der Komposition befinden, verstärken die Zentralität nicht nur des Hauptgebäudes, sondern der gesamten Stadt als Ganzes.

Das Bild der idealen Stadt von Antonio da Sangallo dem Jüngeren ähnelt mit seinen sternförmigen Mauern und radialen Straßen mit einer gemeinsamen ringförmigen Autobahn der Stadt Filarete. Allerdings ist der runde Platz mit einem runden Gebäude in der Mitte eine Weiterentwicklung der Ideen der Vorgänger von Antonio da Sangallo Jr. und führt sozusagen die Idee einer zentrischen Komposition in Bezug auf die Stadt fort. Dies war weder in der Radialstadt Filaret (das Zentrum ist ein Komplex aus asymmetrisch angeordneten rechteckigen Quadraten) noch in den Radial- und Serpentinenstädten von Francesco di Giorgio Martini der Fall.

Der letzte Vertreter der Renaissance-Theoretiker, der alle Fragen der Stadtplanung umfassend abdeckte, war Pietro Cataneo, ein bekannter Festungsbauer, der ab 1554 begann, seine Abhandlung über Architektur in Teilen zu veröffentlichen. Cataneo nennt fünf Grundbedingungen, die seiner Meinung nach bei der Gestaltung und dem Bau der Stadt berücksichtigt werden müssen: Klima, Fruchtbarkeit, Bequemlichkeit, Wachstum und die beste Verteidigung. Unter dem Gesichtspunkt der Verteidigung hält der Autor der Abhandlung polygonale Städte für am geeignetsten und argumentiert, dass die Form der Stadt eine Ableitung der Größe des von ihnen besetzten Territoriums sei (je kleiner die Stadt, desto einfacher ihre Konfiguration). ). Der Innenraum der Stadt Cataneo besteht jedoch unabhängig von seiner äußeren Konfiguration aus rechteckigen und quadratischen Wohnblöcken. Auch bei ihm dominiert der Gedanke der Autokratie: Für den Herrscher der Stadt sorgte Cataneo für die Schaffung einer ruhigen und gut geschützten Burg, sowohl vor inneren als auch äußeren Feinden.

Seit der Mitte des 16. Jahrhunderts. Fragen der Stadtplanung und idealer Städte waren nicht mehr Gegenstand spezieller Arbeiten, sondern wurden in Abhandlungen zu allgemeinen Fragen der Architektur behandelt. In diesen Abhandlungen variieren bereits bekannte Methoden der Planung und volumetrischen Zusammensetzung. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die rein äußere Seite des Entwurfs des Projekts und die Zeichnung von Details werden fast zum Selbstzweck (Buonayuto Lorini, Vasari). Manchmal wurden nur einzelne Elemente der Stadt entwickelt, ohne deren Gesamtkonzept zu berücksichtigen (Ammanati). Die gleichen Tendenzen zeichnen sich bereits in der Mitte des 16. Jahrhunderts ab. und in der Praxis der Stadtplanung.

Palladios Abhandlung über die Architektur (1570) ist das letzte theoretische Werk des 15. Jahrhunderts, das viele interessante und tiefgreifende Urteile auch zur Stadtplanung enthält. Ebenso wie Alberti hinterließ Palladio kein Projekt einer idealen Stadt und äußerte in seiner Abhandlung lediglich Wünsche darüber, wie die Straßen geplant und bebaut werden sollten, wie die Plätze der Stadt aussehen sollten und welchen Eindruck ihre einzelnen Gebäude hatten und Ensembles machen sollten.

Die letzten Vertreter der italienischen Stadttheoretiker waren Vasari der Jüngere und Scamozzi.

Giorgio Vasari der Jüngere stellte bei der Erstellung seines Stadtprojekts (1598) ästhetische Aufgaben in den Vordergrund. In seinem Grundriss stechen die Prinzipien der Regelmäßigkeit und der strengen Symmetrie hervor (Abb. 17).

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts. (1615) Vincenzo Scamozzi wandte sich der Gestaltung idealer Städte zu. Es ist davon auszugehen, dass er bei der Gestaltung der Stadt im Gegensatz zu Vasari von Befestigungsüberlegungen ausging. Der Autor regelt in gewissem Umfang sowohl die Besiedlung der Stadt als auch ihre Handels- und Handwerksorganisation. Der Grundriss von Scamozzi ist jedoch immer noch mechanistisch und weder mit der Form des zwölfeckigen Grundrisses noch mit dem Schema der Verteidigungsanlagen organisch verbunden. Dies ist nur ein wunderschön gezeichneter Umriss des Masterplans. Das Verhältnis der Flächengrößen einzeln und im Vergleich zueinander wurde nicht ermittelt. Der Zeichnung fehlt die feine Proportionierung, die Vasari in seinem Projekt anwendet. Die Plätze der Stadt Scamozzi sind zu groß, wodurch das gesamte Projekt an Maßstab verliert, wovor Palladio warnte und sagte, dass der Platz in der Stadt nicht zu geräumig sein dürfe. Es ist anzumerken, dass in der Stadt Sabbioneta, an deren Planung und Entwicklung Scamozzi im Auftrag von Gonzago aktiv beteiligt war, der Maßstab der Straßen und Plätze sehr überzeugend gewählt wurde. Scamozzi folgt der gleichen Methode der Gestaltung des zentralen Platzes, die von Lupicini und Lorini entworfen wurde. Er baut es nicht auf, sondern platziert die Hauptgebäude auf dem Territorium der an den Platz angrenzenden Viertel, so dass sie mit ihren Hauptfassaden dem Platz zugewandt sind. Eine solche Technik ist typisch für die Renaissance und wird von Stadttheoretikern und in den Plänen idealer Städte legitimiert.

In der Zeit des allgemeinen wirtschaftlichen Niedergangs und der sozialen Krise Mitte des 16. Jahrhunderts. Zweitrangige Themen beginnen in der Stadtplanungstheorie vorherrschend zu werden. Eine umfassende Betrachtung der Probleme der Stadt gerät nach und nach aus dem Blickfeld der Meister. Sie lösten bestimmte Probleme: die Zusammensetzung der Randgebiete (Ammanati), neues System Entwicklung des Zentrums (Lupicini, Lorini), sorgfältige Entwicklung des Entwurfs von Verteidigungsanlagen und des Gesamtplans (Maggi, Lorini, Vasari) usw. Allmählich, mit dem Verlust eines breiten Ansatzes für die Entwicklung funktionaler und künstlerischer Aufgaben in In der städtischen Wissenschaft und Praxis zeichnet sich auch ein beruflicher Niedergang ab, der sich in ästhetischem Formalismus und der Willkür mancher Planungsentscheidungen äußert.

Die theoretischen Lehren der Renaissance zur Stadtplanung hatten trotz ihres utopischen Charakters dennoch einen gewissen Einfluss auf die Praxis der Stadtplanung. Dies machte sich besonders beim Bau von Befestigungsanlagen in kleinen Hafen- und Grenzstädten-Festungen bemerkbar, die in Italien im 16. und sogar im 17. Jahrhundert errichtet wurden. innerhalb kürzester Zeit.

Am Bau dieser Festungen waren fast alle bedeutendsten Architekten dieser Zeit beteiligt: ​​Giuliano und Antonio da Sangallo der Ältere, Sanmicheli, Michelangelo und viele andere. Unter den vielen Festungen, die Antonio da Sangallo der Jüngere errichtete, ist die zwischen 1534 und 1546 erbaute Stadt Castro am Bolsenasee hervorzuheben. im Auftrag von Papst Paul III. (Alessandro Farnese). Sangallo entwarf und realisierte die gesamte Stadt, wobei er insbesondere die Paläste des Papstes und seines Gefolges, öffentliche Gebäude mit großzügigen Galerien, eine Kirche und eine Münzstätte hervorhob und platzierte. Auch im Übrigen gelang es ihm laut Vasari, ausreichende Annehmlichkeiten zu schaffen. Castro wurde 1649 zerstört und ist hauptsächlich aus den Skizzen des Meisters bekannt.

Der zentrische Aufbau idealer Städte wurde von Architekten nicht ignoriert, die große architektonische Komplexe schufen, in denen die Residenz des Feudalherrn dominieren sollte. So wurde die Stadt Caprarola tatsächlich von Vignola gegründet – nur die Annäherung an den Farnese-Palast. Enge Gassen, niedrige Häuser, kleine Kirchen – wie am Fuße des prächtigen Schlosses Farnese. Die Enge und Bescheidenheit der Stadt unterstreicht die Erhabenheit und Monumentalität des Palastes. Dieses logisch einfache Schema drückt mit größter Klarheit die Absicht des Autors aus, der es geschafft hat, das Haupt- und das Nebengebäude in der in der Architektur der Renaissance so üblichen Kontrastkombination darzustellen.

Fast gleichzeitig errichteten die Italiener auf Malta, das seit 1530 zum Malteserorden gehörte, die befestigte Stadt La Valletta, die zu Ehren des Sieges über die Türken (1566) gegründet wurde. Die Stadt wurde auf einem Kap gegründet, das von tief in das Inselgebiet eingeschnittenen Buchten umspült und durch Festungen geschützt wurde, die die Hafeneingänge umrahmten. Aus verteidigungstechnischer Sicht wurde das Stadtgebiet in höchstem Maße sinnvoll ausgewählt. Der Befestigungsgürtel bestand aus mächtigen Mauern und hohen Bastionen, umgeben von tiefen, in den Felsen gehauenen Wassergräben, auf denen die Stadt ruhte. In den Verteidigungsanlagen wurden Ausgänge direkt zum Meer eingerichtet und im nordöstlichen Teil ein künstlicher Innenhafen angelegt, der von einem Ring aus Stadtmauern umgeben ist. Der ursprünglich geplante rechteckige Grundriss wurde nicht vollständig umgesetzt, da die Stadt ein felsiges Fundament hatte, was es schwierig machte, die Straßen zu verfolgen und die Häuser selbst zu bauen (Abb. 18).

Von Nordosten nach Südwesten wurde die Stadt von der Hauptlängsstraße durchzogen, die vom Haupttor auf dem Festland bis zum Platz vor der Zitadelle von Valletta führte. Parallel zu dieser Hauptstraße wurden auf beiden Seiten symmetrisch drei weitere Längsstraßen angelegt, die von senkrecht zu den Hauptstraßen verlaufenden Querstraßen gekreuzt wurden; Sie waren nicht begehbar, da es sich um in den Fels gehauene Treppen handelte. Die Anordnung der Straßen war so gestaltet, dass man von den Längsstraßen aus von jeder Kreuzung entlang der vier sich rechtwinklig kreuzenden Straßen das Erscheinungsbild des Feindes beobachten konnte, also eines der Grundprinzipien, die der Gestaltung des Ideals zugrunde liegen Städte wurde hier voll beachtet, insbesondere von Alberti zum Ausdruck gebracht.

Die geometrische Starrheit des Plans wurde durch die komplexe Form der Verteidigungsstrukturen und die Platzierung einer Reihe kleiner Blöcke gemildert, deren Größe aufgrund der Komplexität des Küstengeländes vom freien Raum in den Randgebieten der Stadt abhing die Lage der Stadtmauern. Valletta wurde fast gleichzeitig mit sehr ähnlichen Wohngebäuden gleicher Höhe und einer geringen Anzahl von Fenstern in Form von Schießscharten bebaut. Das Gebäude erstreckte sich entlang des Viertels und der Rest des Territoriums der Wohnblöcke wurde landschaftlich gestaltet. Eckhäuser hatten notwendigerweise Wohntürme, die mit Verteidigungsplattformen ausgestattet waren, wo ein Vorrat an Steinen und anderen Mitteln zum Schutz vor dem Einbruch des Feindes in die Stadt gelagert wurde.

Tatsächlich war Valletta eine der ersten, fast vollständig verwirklichten Idealstädte der Renaissance. Sein allgemeines Erscheinungsbild weist darauf hin, dass die spezifischen natürlichen Bedingungen, die Ziele einer bestimmten Strategie, die bequeme Kommunikation mit Häfen und viele andere direkt vom Leben diktierte Bedingungen es notwendig machten, eine Stadt nicht in Form eines abstrakten Schemas mit einem bizarren Muster zu errichten von Plätzen und Kreuzungen, sondern in Form eines rationalen, wirtschaftlichen Schemas, das sich deutlich an die Anforderungen der Realität im Bauprozess anpasst.

Im Jahr 1564 baute Bernardo Buontalenti an der Nordgrenze der Romagna (in der Nähe von Forlì) die befestigte Stadt Terra del Sole, ein Beispiel für die Verwirklichung einer idealen Renaissancestadt mit regelmäßigem Grundriss. Die Umrisse der Befestigungsanlagen, der Plan der Stadt selbst und die Lage des Zentrums ähneln den Zeichnungen von Cataneo (Abb. 19).

Bernardo Buontalenti war einer der bedeutendsten Stadtplaner und Festungsbauer seiner Zeit, dem es gelang, das Problem des Baus einer befestigten Stadt umfassend zu lösen. Sein umfassender Blick auf die Stadt als einen einheitlichen Organismus wird auch durch seine Arbeit in Livorno bestätigt.

Die sternförmige Form der Festung, die Umgehungskanäle, der orthogonale Grundriss, die axiale Konstruktion des Hauptplatzes, eingerahmt von Galerien und die Schwelle der Kathedrale – all dies weist darauf hin, dass Livorno die Verwirklichung der idealen Stadt ist Renaissance. Lediglich das Vorhandensein einer gewundenen Küstenlinie und die Gestaltung des Hafens verstoßen etwas gegen die geometrische Richtigkeit des idealen Schemas (Abb. 20, 21).

Abb.22. Links - Palma Nuova, 1595; rechts - Grammikele (Luftaufnahmen)

Eine der letzten in der Natur verwirklichten Idealstädte der Renaissance ist die nordöstliche venezianische Festungsstadt Palma Nuova. Der Autor des Projekts ist unbekannt (vermutlich Lorini oder Scamozzi). Laut Merian, einem deutschen Geographen aus dem 17. Jahrhundert, wurde Palma Nuova 1593 von den Venezianern gegründet und 1595 fertiggestellt.

Der Gesamtplan der Stadt, umgeben von mächtigen Verteidigungsanlagen, ist ein radiales Diagramm der idealen Städte der Renaissance (Abb. 22) und kommt der Zeichnung zufolge dem Lorini-Projekt von 1592 am nächsten.

Der Grundriss von Palma Nuova sieht ein Neun-Ecken-Gebiet mit achtzehn radialen Straßen vor, die zu einer Ringstraße führen, die sich ganz in der Nähe des Zentrums befindet. Sechs davon sind dem sechseckigen Hauptquadrat zugewandt. Das Können des Autors des Projekts zeigt sich in der Anordnung der Straßen, wodurch die Kombination des Sechsecks des Außenumfangs der Mauern und des Sechsecks des zentralen Platzes der Stadt völlig organisch wirkt.

Vor jeder Bastion und jedem Eingangstor wurden zwölf Plätze angelegt, und an der Kreuzung der dritten Ringautobahn mit radialen Straßen, die nicht zum zentralen Platz führten, wurden sechs zusätzliche bezirksinterne Plätze angelegt.

Wenn die Nachzeichnung der Straßen von Palma Nuova fast genau nach dem Projekt durchgeführt wurde, dann wurden die Verteidigungsanlagen viel mächtiger errichtet als vorgesehen. Die Entwicklung der Stadt ist nicht ganz regelmäßig und sehr vielfältig, was jedoch nicht gegen die innere Ordnung von Palma Nuova verstößt.

Die Zentralität der Komposition wird durch einfachste Mittel betont: Der sechseckige Platz ist begrünt und hatte in der Mitte anstelle des unbebauten Hauptgebäudes einen Fahnenmast, an dem sich die Achsen aller dem Platz zugewandten radialen Straßen orientierten.

Unter dem Einfluss städtebaulicher Theorien der Renaissance entstand der Grundriss von Grammikele auf Sizilien, der 1693 in Form eines Sechsecks angelegt wurde (Abb. 22).

Im Allgemeinen zeigt die Geschichte der italienischen Stadtplanung des 15.-16. Jahrhunderts, die uns eine Reihe architektonischer Ensembles von Weltrang und viele kleinere Komplexe und städtische Zentren voller einzigartiger Reize hinterlassen hat, immer noch ein eher gemischtes Bild.

Bis zur zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, als die Städte noch eine gewisse Unabhängigkeit genossen, waren die Traditionen des Mittelalters in der Stadtplanung stark vertreten, obwohl die Architekten versuchten, den bestehenden Städten ein neues, meist regelmäßigeres Aussehen zu verleihen.

Aus der Mitte des 15. Jahrhunderts. Neben dem öffentlichen Kunden in der Person der Stadt wird der einzelne Kunde, der über die Mittel, die Macht, den individuellen Geschmack und die Bedürfnisse verfügt, immer wichtiger. Der Testamentsvollstrecker war keine Werkstatt mehr, sondern ein Architekt. Mehr noch als der Kunde hatte er eine eigene Individualität, ein besonderes Talent, ein bestimmtes kreatives Credo und bedeutende Kräfte des Kunden. Daher sind die Städte Italiens dieser Zeit trotz größerer wirtschaftlicher, sozialer und kultureller Einheit als im Mittelalter sehr individuell und unterschiedlich.

Aus dem zweiten Viertel des 16. Jahrhunderts. Mit der Entwicklung zentralisierter Staaten, mit der Straffung des Autokratiegedankens werden die Anforderungen an die Stadt als ganzheitlichen Organismus immer klarer umrissen.

Während dieser ganzen Zeit entwickelte sich parallel zur praktischen Tätigkeit von Architekten, die nur im Auftrag von Senioren bauten, die Wissenschaft der Stadtplanung, die in der Regel in Abhandlungen über ideale Städte, ihre Befestigungen und die Schönheit ihrer Zusammensetzung zum Ausdruck kam und zu vielen anderen verwandten Themen. Diese Ideen wurden jedoch nicht immer in die Realität umgesetzt, so dass sich die Stadtplanung praktisch in zwei Richtungen entwickelte: den Bau einer Reihe großer Ensembles in bestehenden Städten und den Bau von Festungsstädten in den am stärksten gefährdeten Gebieten einzelner Staaten und Herzogtümer Italiens.

Von Beginn der Renaissance an wurde jedes Element der Stadt und des Ensembles komplex durchdacht, nicht nur von der funktionalen, sondern auch von der künstlerischen Seite.

Einfachheit und Klarheit der räumlichen Organisation – rechteckige Quadrate, oft mit mehreren Verhältnissen, eingerahmt von Galerien (Carpi, Vigevano, Florenz – Piazza Santissima Annunziata); logische Auswahl der Hauptsache, wenn alle Gebäude des Ensembles, ohne ihre Individualität zu verlieren, eine integrale Komposition bildeten (Pienza, Bologna, Venedig); proportionale und großräumige Einheitlichkeit der Strukturen und der sie umgebenden Räume, die die Bedeutung einer bestimmten Struktur hervorheben (Inszenierung der Kathedrale in Pienza, eines trapezförmigen Platzes vor der Kathedrale in Venedig); Teilung und Kombination einzelner Räume, die miteinander verbunden und einander untergeordnet sind (die zentralen Plätze von Bologna, Piazza della Signoria in Florenz, Piazzetta, Piazza San Marco in Venedig); die weit verbreitete Verwendung von Brunnen, Skulpturen und kleinen Formen (Säulen auf der Piazzetta, Masten vor der Kathedrale und das Denkmal für Colleoni in Venedig, das Denkmal für Gattamelate in Padua, der Neptunbrunnen in Bologna, das Denkmal für Marcus Aurelius). das Kapitol in Rom) - das sind die wichtigsten Kompositionsmethoden des architektonischen Ensembles, die während der Renaissance in Italien weit verbreitet waren. Und obwohl das Leben einen radikalen Zusammenbruch und eine Umstrukturierung bestehender Städte nicht zuließ, erhielten die zentralen Ensembles vieler von ihnen ein neues, wahrhaft Renaissance-Gesicht.

Nach und nach strebten die Meister der Renaissance nach Einheitlichkeit bei der Entwicklung ganzer Komplexe (Florenz, Vigevano, Carpi, Venedig, Rom) und gingen noch weiter, indem sie die architektonische und räumliche Komposition verkomplizierten und die komplexen Probleme der Einbeziehung neuer repräsentativer Ensembles lösten der Bau der Stadt (Kapitol, Petersdom).

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Es entstand ein neues Verständnis des Ensembles: Es entsteht um eine Struktur herum, in der Regel mit symmetrischem Aufbau. Die Einfachheit und Klarheit der alten Kompositionen werden nach und nach durch ausgefeilte Methoden der architektonischen und räumlichen Organisation ersetzt. Der Platz wird zunehmend als offenes Vestibül, als untergeordneter Raum interpretiert, der sich vor den repräsentativen Gebäuden des feudalen Adels oder der Kirche öffnet. Schließlich besteht der Wunsch, die Bewegung des Betrachters zu berücksichtigen und dementsprechend neue Elemente der dynamischen Entwicklung in das Ensemble (Kapitol in Rom) einzuführen – eine Technik, die bereits in der nächsten Ära entwickelt wurde.

Auch in den Stadttheorien der Architekten der Renaissance finden Veränderungen statt. Ob im 15. und in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Diese Theorien erfassten das Problem der Stadt umfassend, damals in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die Autoren konzentrieren sich in erster Linie auf einzelne Fragestellungen, ohne jedoch die Idee der Stadt als einen einzigen Organismus zu verlieren.

Wir sehen, dass die Renaissance nicht nur der Entwicklung städtebaulicher Ideen, sondern auch dem praktischen Bau bequemerer und gesünderer Städte Impulse gab und Städte auf eine neue Existenzperiode, auf eine Periode der kapitalistischen Entwicklung, vorbereitete. Doch die kurze Dauer dieser Ära, der rasche wirtschaftliche Niedergang und die Verschärfung der feudalen Reaktion, die Errichtung eines monarchischen Regimes in einer Reihe von Gebieten und ausländische Eroberungen unterbrachen diese Entwicklung.

Kapitel „Ergebnisse der Entwicklung der italienischen Architektur im 15.-16. Jahrhundert“, Abschnitt „Renaissance-Architektur in Italien“, Enzyklopädie „Allgemeine Architekturgeschichte“. Band V. Architektur Westeuropas XV-XVI Jahrhundert. Renaissance". Chefredakteur: V.F. Marcuson. Autoren: V.F. Markuzon (Ergebnisse der Architekturentwicklung), T.N. Kozina (Stadtplanung, ideale Städte), A.I. Opochinskaya (Villen und Gärten). Moskau, Stroyizdat, 1967