Herausragende Persönlichkeiten der Renaissancegeschichte. Menschen der Renaissance

Die Chronologie der italienischen Renaissance hängt mit der Definition der Hauptmerkmale zusammen - Renaissance . Die Zeit, in der die oben genannten Merkmale kaum auftauchen, wird als Vorrenaissance (Proto-Renaissance) bezeichnet, oder in der Bezeichnung durch die Namen der Jahrhunderte – Ducento (XIII. Jahrhundert) und Trecento (XIV. Jahrhundert). Der Zeitraum, in dem die kulturelle Tradition, die diese Merkmale erfüllt, eindeutig verfolgt werden kann, wurde als Frührenaissance (Quattrocento (XV. Jahrhundert)) bezeichnet. Die Zeit, die zur Blütezeit der Ideen und Prinzipien der italienischen Renaissancekultur sowie zum Vorabend von wurde ihre Krise wird allgemein als Hochrenaissance (Cinquecento (16. Jahrhundert)) bezeichnet. Die Kultur der italienischen Renaissance bescherte der Welt der Dichter Dante Alighieri, der Maler Giotto di Bondone, der Dichter, Humanist Francesco Petrarca, der Dichter, Schriftsteller und Humanist Giovanni Boccaccio , der Architekt Philip Bruneleschi, der Bildhauer Donatello, der Maler Masaccio, der Humanist, Schriftsteller Lorenzo Valla, Humanist, Schriftsteller Pico della Mirandola, Philosoph, Humanist Marsilio Ficino, Maler Sandro Botticelli, Maler, Wissenschaftler Leonardo da Vinci, Maler, Bildhauer, Architekt Michelangelo Buonarotti, der Maler Rafael Santi und viele andere prominente Persönlichkeiten.

Die Städte Italiens waren berühmt für ihr vielfältiges Handwerk und beteiligten sich außerdem aktiv am Transithandel. Offensichtlich basierte die Entwicklung der italienischen Städte auf ganz anderen Gründen, aber Exakt Die städtische Kultur brachte neue Menschen hervor. Allerdings zeichnete sich die Selbstbehauptung des Einzelnen in der Renaissance nicht durch einen vulgärmaterialistischen Inhalt aus, sondern war spiritueller Natur. Dabei hatte die christliche Tradition einen entscheidenden Einfluss. Die Zeit, in der die Erweckungsbefürworter lebten, ließ sie ihre Bedeutung und ihre Verantwortung für sich selbst erst richtig erkennen. Aber sie haben noch nicht aufgehört, Menschen des Mittelalters zu sein. Ohne Gott und den Glauben zu verlieren, betrachteten sie sich selbst nur aus einer neuen Perspektive. Und die Veränderung des mittelalterlichen Bewusstseins wurde von einem engen Interesse an der Antike überlagert, was eine einzigartige und unnachahmliche Kultur schuf, die natürlich das Vorrecht der Spitzen der Gesellschaft war.

Frühe Humanisten: der Dichter-Philosoph F. Petrarca (1304-1374), der Schriftsteller G. Boccaccio (1313-1375) - wollten eine schöne menschliche Persönlichkeit schaffen, frei von den Vorurteilen des Mittelalters, und deshalb vor allem Sie versuchten, das Bildungssystem zu verändern: es einzuführen Humanitäre Wissenschaften, mit Schwerpunkt auf dem Studium der antiken Literatur und Philosophie. Gleichzeitig haben die Humanisten die Religion keineswegs gestürzt, obwohl die Kirche selbst und ihre Geistlichen Gegenstand der Lächerlichkeit waren. Sie versuchten vielmehr, zwei Werteskalen zu kombinieren.

Künstler begannen, die Welt anders zu sehen: Flache, als ob unkörperliche Bilder mittelalterlicher Kunst einem dreidimensionalen, erhabenen, konvexen Raum Platz machten. Raphael Santi (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519) und Michelangelo Buonarroti (1475-1564) besungen mit ihrer Kreativität die perfekte Persönlichkeit, in der körperliche und geistige Schönheit gemäß den Anforderungen der antiken Ästhetik verschmelzen.

Ein Mann mit seinen irdischen Leidenschaften und Wünschen erschien auch in der Literatur. Das bisher verbotene Thema der fleischlichen Liebe, seine naturalistischen Beschreibungen haben ihre Daseinsberechtigung erlangt. Das Fleischliche unterdrückte jedoch nicht das Geistige. Wie Philosophen versuchten auch Schriftsteller, zwei Prinzipien in Einklang zu bringen oder sie zumindest auszubalancieren. In Boccaccios berühmtem Decameron wechseln sich schelmische, frivole Geschichten über Wollustfahrer mit tragischen Geschichten über unerwiderte oder selbstlose Liebe ab. In den Sonetten Petrarcas, die der schönen Laura gewidmet sind, werden irdische Züge der himmlischen Liebe verliehen, irdische Gefühle jedoch zur himmlischen Harmonie erhoben.

Die Figuren der Renaissance zeichneten das Ideal der menschlichen Persönlichkeit und betonten deren Freundlichkeit, Stärke, Heldentum und die Fähigkeit, eine neue Welt um sich herum zu erschaffen und zu erschaffen. Die italienischen Humanisten Lorenzo Valla (1407-1457) und L. Alberti (1404-1472) betrachteten das gesammelte Wissen, das einem Menschen hilft, eine Wahl zwischen Gut und Böse zu treffen, als unabdingbare Voraussetzung dafür. Die hohe Idee eines Menschen war untrennbar mit der Idee seines freien Willens verbunden: Der Mensch wählt seinen eigenen Lebensweg und ist für sein eigenes Schicksal verantwortlich. Der Wert eines Menschen wurde nun durch seine persönlichen Verdienste und nicht durch seine Stellung in der Gesellschaft bestimmt: „Adel ist wie eine Art Glanz, der von der Tugend ausgeht und seine Besitzer erleuchtet, egal welcher Herkunft sie sind.“ Es nahte die Ära der spontanen und gewaltsamen Selbstbestätigung der menschlichen Persönlichkeit, die sich vom mittelalterlichen Korporatismus und der Moral befreite und das Individuum dem Ganzen unterordnete. Es war die Zeit des Titanismus, der sich sowohl in der Kunst als auch im Leben manifestierte. Genug, um sich daran zu erinnern heroische Bilder, geschaffen von Michelangelo und ihrem Schöpfer selbst – einem Dichter, Künstler, Bildhauer. Menschen wie Michelangelo oder Leonardo da Vinci waren echte Beispiele für die grenzenlosen Möglichkeiten des Menschen.

Details Kategorie: Bildende Kunst und Architektur der Renaissance (Renaissance) Gepostet am 19.12.2016 16:20 Aufrufe: 9111

Die Renaissance ist eine Zeit kultureller Blüte, Die Blütezeit aller Künste, aber die schönen Künste drückten den Geist ihrer Zeit am besten aus.

Renaissance oder Renaissance(französisch „neu“ + „geboren“) war in der Geschichte der europäischen Kultur von weltweiter Bedeutung. Die Renaissance löste das Mittelalter ab und ging der Aufklärung voraus.
Die Hauptmerkmale der Renaissance- der säkulare Charakter von Kultur, Humanismus und Anthropozentrismus (Interesse an einer Person und ihren Aktivitäten). Während der Renaissance blühte das Interesse an der antiken Kultur auf und es kam sozusagen zu ihrer „Wiederbelebung“.
Die Wiederbelebung fand in Italien statt – ihre ersten Anzeichen traten bereits im 13.-14. Jahrhundert auf. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna und andere). Aber es wurde ab den 20er Jahren des 15. Jahrhunderts und bis zum Ende des 15. Jahrhunderts fest etabliert. seinen höchsten Höhepunkt erreicht.
In anderen Ländern begann die Renaissance viel später. Im 16. Jahrhundert. Die Krise der Ideen der Renaissance beginnt, die Folge dieser Krise ist die Entstehung von Manierismus und Barock.

Renaissance-Epochen

Die Renaissance ist in 4 Perioden unterteilt:

1. Proto-Renaissance (2. Hälfte des 13. Jahrhunderts – 14. Jahrhundert)
2. Frührenaissance (Anfang des 15. bis Ende des 15. Jahrhunderts)
3. Hochrenaissance (spätes 15. – erste 20 Jahre des 16. Jahrhunderts)
4. Spätrenaissance (Mitte 16.-90er Jahre des 16. Jahrhunderts)

Der Untergang des Byzantinischen Reiches spielte eine Rolle bei der Entstehung der Renaissance. Die Byzantiner, die nach Europa zogen, brachten ihre Bibliotheken und Kunstwerke mit, die im mittelalterlichen Europa unbekannt waren. Auch in Byzanz brach man nie mit der antiken Kultur.
Aussehen Humanismus(der sozialphilosophischen Bewegung, die den Menschen als höchsten Wert betrachtete) war mit dem Fehlen feudaler Beziehungen in den italienischen Stadtrepubliken verbunden.
In den Städten entstanden säkulare Wissenschafts- und Kunstzentren, die nicht von der Kirche kontrolliert wurden. deren Aktivitäten außerhalb der Kontrolle der Kirche lagen. In der Mitte des 15. Jahrhunderts. Die Typografie wurde erfunden, die eine wichtige Rolle bei der Verbreitung neuer Ansichten in ganz Europa spielte.

Kurze Merkmale der Renaissance

Proto-Renaissance

Die Proto-Renaissance ist der Vorläufer der Renaissance. Es ist noch immer eng mit dem Mittelalter, mit byzantinischen, romanischen und gotischen Traditionen verbunden. Es ist mit den Namen Giotto, Arnolfo di Cambio, den Brüdern Pisano und Andrea Pisano verbunden.

Andrea Pisano. Flachrelief „Erschaffung Adams“. Opera del Duomo (Florenz)

Die Malerei der Proto-Renaissance wird von zwei Kunstschulen vertreten: Florenz (Cimabue, Giotto) und Siena (Duccio, Simone Martini). Die zentrale Figur der Malerei war Giotto. Er galt als Reformator der Malerei: Er füllte religiöse Formen mit weltlichen Inhalten, vollzog einen allmählichen Übergang von Flächenbildern zu dreidimensionalen und Reliefbildern, wandte sich dem Realismus zu, führte das plastische Volumen von Figuren in die Malerei ein und stellte das Innere in der Malerei dar.

Frührenaissance

Dies ist der Zeitraum von 1420 bis 1500. Die Künstler der Frührenaissance Italiens schöpften Motive aus dem Leben und füllten traditionelle religiöse Themen mit irdischen Inhalten. In der Bildhauerei waren dies L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, die Familie della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. Freistehende Statuen, malerische Reliefs, Porträtbüsten und Reiterdenkmäler beginnen sich in ihrem Werk zu entwickeln.
In der italienischen Malerei des 15. Jahrhunderts. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino usw.) zeichnen sich durch einen Sinn für das aus harmonische Ordnung der Welt, Bekehrung zu den ethischen und bürgerlichen Idealen des Humanismus, freudige Wahrnehmung der Schönheit und Vielfalt der realen Welt.
Der Vorfahr der italienischen Renaissance-Architektur war Filippo Brunelleschi (1377-1446), ein Architekt, Bildhauer und Wissenschaftler, einer der Schöpfer der wissenschaftlichen Perspektiventheorie.

Einen besonderen Platz in der Geschichte der italienischen Architektur nimmt ein Leon Battista Alberti (1404-1472). Dieser italienische Gelehrte, Architekt, Schriftsteller und Musiker der Frührenaissance wurde in Padua ausgebildet, studierte Rechtswissenschaften in Bologna und lebte später in Florenz und Rom. Er verfasste theoretische Abhandlungen über die Statue (1435), über die Malerei (1435–1436) und über die Architektur (veröffentlicht 1485). Er verteidigte die „Volkssprache“ (Italienisch) als Literatursprache, in der ethischen Abhandlung „Über die Familie“ (1737-1441) entwickelte er das Ideal einer harmonisch entwickelten Persönlichkeit. In seiner architektonischen Arbeit tendierte Alberti zu mutigen experimentellen Lösungen. Er war einer der Pioniere der neuen europäischen Architektur.

Palazzo Rucellai

Leon Battista Alberti entworfen neuer Typ ein Palazzo mit einer bis zur gesamten Höhe rustizierten Fassade, die von drei Pilasterreihen gegliedert wird, die wie die strukturelle Basis des Gebäudes wirken (Palazzo Rucellai in Florenz, erbaut von B. Rossellino nach Albertis Plänen).
Gegenüber dem Palazzo steht die Rucellai-Loggia, wo Empfänge und Bankette für Handelspartner abgehalten und Hochzeiten gefeiert wurden.

Loggia Rucellai

Hochrenaissance

Dies ist die Zeit der großartigsten Entwicklung des Renaissancestils. In Italien dauerte es etwa von 1500 bis 1527. Nun verlagert sich das Zentrum der italienischen Kunst dank der Thronbesteigung des Papstes von Florenz nach Rom. Julia II, ein ehrgeiziger, mutiger, unternehmungslustiger Mensch, der sich an seinen Hof zog beste Künstler Italien.

Raphael Santi „Porträt von Papst Julius II.“

In Rom werden viele monumentale Gebäude gebaut, prächtige Skulpturen geschaffen, Fresken und Gemälde gemalt, die noch immer als Meisterwerke der Malerei gelten. Die Antike wird immer noch hoch geschätzt und sorgfältig untersucht. Aber die Nachahmung der Antike beeinträchtigt nicht die Unabhängigkeit der Künstler.
Der Höhepunkt der Renaissance ist das Werk von Leonardo da Vinci (1452–1519), Michelangelo Buonarroti (1475–1564) und Raphael Santi (1483–1520).

Spätrenaissance

In Italien ist dies der Zeitraum von den 1530er bis 1590er bis 1620er Jahren. Die Kunst und Kultur dieser Zeit ist sehr vielfältig. Einige glauben (zum Beispiel britische Gelehrte), dass „die Renaissance als integrale historische Periode mit dem Fall Roms im Jahr 1527 endete.“ Die Kunst der Spätrenaissance ist ein sehr komplexes Bild des Kampfes verschiedener Strömungen. Viele Künstler versuchten nicht, die Natur und ihre Gesetze zu studieren, sondern versuchten nur äußerlich, die „Manieren“ der großen Meister zu assimilieren: Leonardo, Raffael und Michelangelo. Bei dieser Gelegenheit sagte der greise Michelangelo einst, als er beobachtete, wie Künstler sein „Jüngstes Gericht“ kopierten: „Meine Kunst wird viele zum Narren machen.“
IN Südeuropa die Gegenreformation triumphierte, die kein freies Denken, auch keine Gesänge, willkommen hieß menschlicher Körper und die Auferstehung der Ideale der Antike.
Berühmte Künstler dieser Zeit waren Giorgione (1477/1478–1510), Paolo Veronese (1528–1588), Caravaggio (1571–1610) und andere. Caravaggio gilt als Begründer des Barockstils.

Das Wort „Renaissance“ erinnert an den sagenhaften Vogel Phönix, der seit jeher den Prozess der ewigen, unveränderlichen Auferstehung verkörpert. Und der Ausdruck „Renaissance“ reicht nicht einmal dafür aus Wer kennt sich mit Geschichte aus? einer Person wird mit einer hellen und originellen Epoche der Geschichte in Verbindung gebracht. Diese Assoziationen sind im Allgemeinen richtig. Die Renaissance – die Zeit vom 14. bis 16. Jahrhundert in Italien (die Übergangszeit vom Mittelalter zur Neuzeit) ist voller außergewöhnlicher Ereignisse und wird von brillanten Schöpfern repräsentiert.

Der Begriff „Renaissance“ (Renaissance) wurde von G. Vasari, einem berühmten Maler, Architekten und Kunsthistoriker, eingeführt, um die Zeit der italienischen Kunst von 1250 bis 1550 als die Zeit der Wiederbelebung der Antike zu bezeichnen, obwohl das Konzept der Wiedergeburt ist seit der Antike Teil des alltäglichen historischen und philosophischen Denkens. Die Idee, sich der Antike zuzuwenden, entstand im Spätmittelalter. Die Figuren dieser Zeit dachten nicht an eine blinde Nachahmung der Antike, sondern betrachteten sich als Nachfolger der künstlich unterbrochenen antiken Geschichte. Bis zum 16. Jahrhundert Der Inhalt des Konzepts wurde eingegrenzt und in dem von Vasari vorgeschlagenen Begriff verkörpert. Seitdem bedeutete die Renaissance die Wiedergeburt der Antike als Idealmodell.

In der Zukunft entwickelte sich der Inhalt des Begriffs Renaissance weiter. Die Renaissance wurde als Emanzipation der Wissenschaft und Kunst von der Theologie verstanden, als allmähliche Abkühlung hin zur christlichen Ethik, als die Geburt von nationale Literaturen, der menschliche Wunsch nach Freiheit von den Beschränkungen der katholischen Kirche. Die Renaissance wurde eigentlich mit dem Beginn der Ära des Humanismus gleichgesetzt.

Forschungsschwerpunkte:

- die Besonderheiten des Kulturbegriffs in der Renaissance zu berücksichtigen;

- die Hauptmerkmale der Renaissancekultur zu analysieren;

der Begriff „Kultur“ in der Renaissance – der Beginn eines kulturellen Umbruchs in Europa

Der Begriff „Kultur der Neuzeit“ umfasst den historischen Zeitraum vom 14. Jahrhundert bis zur Gegenwart. Die interne Periodisierung umfasst die folgenden Schritte:

Bildung (XIV-XV Jahrhundert);

Kristallisation, Dekoration (XVI – Anfang XVII);

klassische Periode (XVII – XVIII Jahrhundert);

absteigende Entwicklungsstufe (19. Jahrhundert).

Die Grenze des Mittelalters ist das 13. Jahrhundert. Zu dieser Zeit gibt es ein einziges Europa, es hat eine Kultursprache – Latein, drei Kaiser, eine einzige Religion. Europa erlebt die Blütezeit der gotischen Architektur. Der Prozess der Bildung national unabhängiger Staaten beginnt. Die nationale Identität beginnt die religiöse zu überwiegen.

Ab dem 13. Jahrhundert begann die Produktion eine immer stärkere Rolle zu spielen. Dies ist der erste Schritt zur Überwindung des Zerfalls Europas. Europa wird reicher. Im 13. Jahrhundert. Die Bauern Nord- und Mittelitaliens werden persönlich frei, verlieren aber ihr Land und schließen sich den Armen an. Ein erheblicher Teil davon wird an die Städte geliefert.

XII-XIII Jahrhunderte - die Blütezeit der Städte, insbesondere in Südeuropa. Diese Periode ist durch den Beginn der protobürgerlichen Entwicklung gekennzeichnet. Bis zum 13. Jahrhundert. Viele der Städte werden unabhängige Staaten. Der Beginn der Kultur der Neuzeit ist direkt mit dem Übergang von der ländlichen Kultur zur städtischen Kultur verbunden.

Die Krise der mittelalterlichen Kultur wirkte sich am tiefsten auf ihre Grundlagen aus – den Bereich der Religion und der Kirche. Die Kirche beginnt, ihre moralische, finanzielle und militärische Autorität zu verlieren. Als Ausdruck des spirituellen Protests gegen die Säkularisierung der Kirche, ihre „Einbindung“ in die Wirtschaft beginnen sich in der Kirche verschiedene Strömungen zu kristallisieren. Die Form dieses Protests ist die Geburt von Befehlen. Dieses Phänomen wird größtenteils mit dem Namen Franz von Assisi (1182-1226) in Verbindung gebracht. Er stammte aus einer Kaufmannsfamilie und führte in seiner Jugend einen sehr freien Lebensstil. Dann entfernte er sich von leichtfertigem Verhalten, begann außergewöhnliche Askese zu predigen und wurde Oberhaupt des Franziskanerordens der Bettelorden. Die Religiosität von Franziskus war eigenartig. Zwei Merkmale kennzeichnen seine Religiosität: die Predigt der Armut und ein besonderer christlicher Pantheismus. Franziskus lehrte, dass die Gnade Gottes in jedem irdischen Geschöpf lebt; Er nannte Tiere Brüder des Menschen. Der Pantheismus von Franziskus enthielt bereits etwas Neues, das entfernt an den Pantheismus der alten Griechen erinnerte. Franziskus verurteilt die Welt nicht wegen ihrer Sündhaftigkeit, sondern bewundert ihre Harmonie. In einer Zeit intensiven Dramas Spätmittelalter Der Franziskanerismus vertrat eine ruhigere und hellere Weltanschauung, die die Vorläufer der Renaissance-Kultur anziehen musste. Viele Menschen folgten den Franziskanern in ihrer Predigt der Armut und opferten ihr Eigentum. Der zweite Bettelorden ist der Orden der Dominikaner (1215), benannt nach St. Dominic, ein spanischer Mönch. Im Jahr 1232 wurde die Inquisition diesem Orden übertragen.

Das 14. Jahrhundert erwies sich als schwierige Prüfung für Europa: Eine schreckliche Pestepidemie vernichtete drei Viertel seiner Bevölkerung und schuf den Hintergrund, vor dem das alte Europa zerfiel und neue Kulturräume entstanden. Die Welle des kulturellen Wandels beginnt im wohlhabenderen Süden Europas, in Italien. Hier nehmen sie die Form der Renaissance (Renaissance) an. Der Begriff „Renaissance“ im eigentlichen Sinne bezieht sich nur auf Italien des 13. bis 16. Jahrhunderts. Er fungiert als besonderer Fall Kultur des neuen Zeitalters. Die zweite Stufe der Kulturbildung der Neuzeit vollzieht sich später auf dem Gebiet des transalpinen Europas – vor allem in Deutschland, Frankreich und anderen Ländern.

Im weitesten Sinne ist „die Renaissance nicht die vergangene Periode unserer Geschichte, sondern ihr Wesen.“ Jede Bedeutungsfindung ist ein Schritt zur Renaissance, die in ihrer Aufgabe heute und in vergangenen Jahrhunderten eine ist. 1

Angesichts der Renaissance ist es sehr schwierig, Objektivität und Unparteilichkeit aufrechtzuerhalten, da die Renaissance selbst in jeder historischen Ära des New Age, einschließlich unserer, ständig pulsiert.

In der modernen Wissenschaft gibt es mehrere Standpunkte zum Begriff „ Wiedergeburt» . Im weitesten Sinne definiert dieser Begriff einen ethnokulturellen Aufschwung, eine Explosion des nationalen Bewusstseins, eine Intensivierung der Entwicklung der nationalen Kultur. Im engeren Sinne sprechen wir von einem bestimmten Zeitraum in der Entwicklung der weltweiten, vor allem europäischen Kultur vom Ende des 12. Jahrhunderts (Italien) bis zum Beginn des 17. Jahrhunderts (in einigen europäischen Ländern, zum Beispiel in England). , Portugal, Polen, Ukraine - etwas später) und verfolgt das Ziel, eine Reihe von Merkmalen zu ermitteln, die es ermöglichen, eine bestimmte Nationalkultur topologisch dem Typus der Renaissance zuzuordnen. Das ist die Bedeutung des Begriffs Wiedergeburt» (« Renaissance“) wird in dieser Arbeit übernommen.

Besonderes Augenmerk sollte auf die Tatsache gelegt werden, dass die Kultur der Renaissance keineswegs eine notwendige Entwicklungsstufe für eine nationale Kultur ist (im Gegensatz zu den mythologischen – antik-primitiven oder theozentrisch-mittelalterlichen Stadien). Einige charakteristische Merkmale der Renaissance erlebten einzelne Kulturen in späteren Entwicklungsstadien. Aus diesem Grund legen sich unter Historikern und Kulturwissenschaftlern die Streitigkeiten nicht nur über die Rolle und den Ort, sondern auch über die Muster der Epoche nicht ab

Renaissance in kultureller Prozess. Diese Standpunkte lassen sich wie folgt zusammenfassen:

Die Renaissance ist eine völlig eigenständige neue Etappe in der Geschichte der europäischen Kultur, die das Erbe des Mittelalters antritt, gleichzeitig aber als kulturelles Phänomen, das der griechisch-römischen Antike ähnelt, das geistige Gegenteil davon darstellt.


Die Renaissance stellt die letzte Stufe in der Entwicklung des Mittelalters dar, die Quintessenz all dessen, was die Kultur in zehn Jahren erarbeitet und verwirklicht hat. Mittelalter Europa (der herausragende niederländische Kulturwissenschaftler J. Huizinga nennt die Renaissance „den Herbst des Mittelalters“);


• Die Renaissance ist eine Übergangszeit vom Mittelalter zum New Age mit allen Widersprüchen, Widersprüchlichkeiten und Rückschritten, die einer solchen „Brücke“ innewohnen (z. B. die Phänomene der Reformation und Gegenreformation, der Säkularisierung und der Inquisition usw.). .).
  

  Jeder der ausgewählten Standpunkte hat gewichtige Argumente und unsere Aufgabe darin dieser Fall besteht darin, anhand ihres Beispiels die Diskrepanz zwischen den Inhalten des Begriffs in verschiedenen kulturellen Ansätzen aufzuzeigen. Achten wir auch darauf, dass wir beim Studium nicht der Wirtschafts- oder Sozialgeschichte, sondern konkret der Kulturologie Kultur nicht isoliert, sondern als kontinuierlichen Entwicklungsprozess wahrnehmen und keine Widersprüche zwischen verschiedenen Positionen in der Erforschung dieser Kulturepoche als etwas Besonderes sehen , aber gleichzeitig typisch. , weitgehend vorübergehend und daher kulturell mit Epochen wie dem Hellenismus, der Barockkultur, dem späteren 19. Jahrhundert und möglicherweise der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts verbunden.
  

  Der Begriff „Wiederbelebung“ zur Charakterisierung der Ära des XIV.-XVI. Jahrhunderts wurde von ihren Zeitgenossen – italienischen Humanisten – eingeführt. Genetisch mit dem religiösen und ethischen Konzept der „Erneuerung“ verbunden, erhält dieser Begriff in dieser Zeit eine grundlegend andere Bedeutung: die Erneuerung der Kultur, der Aufstieg von Literatur, Kunst, Wissenschaft nach ihrem langen Niedergang im Mittelalter – übrigens Auch der letzte Begriff war eine Schöpfung der Renaissance-Humanisten: „die Ära in der Mitte“ (zwischen Antike und Renaissance). So war die Renaissance bereits in den Einschätzungen der Figuren dieser Epoche von der „mittelalterlichen Barbarei“ geprägt (die, wie Sie wissen, zumindest unfair gegenüber der eigenen kulturellen Herkunft war). Der italienische Dichter Francesco Petrarca baut jedoch das Konzept des „dunklen Zeitalters“ auf, indem er nur tiefe Unterschiede zwischen der Kultur der Antike und der darauffolgenden Epoche des Mittelalters und umgekehrt eine enge erbliche Verbindung zwischen der Antike und der Antike sieht Neuzeit(Renaissancezeit). Die Humanisten der nächsten Generationen machten keinen Hehl aus ihrer Verachtung für die „Unwissenheit und Barbarei“ des Mittelalters und „belebten energisch alte Traditionen“ und glaubten, ihre direkten Nachfolger zu sein.
  

  Es ist klar, dass es in der Kulturgeschichte keine „herausragenderen“ oder „weniger herausragenden“ Epochen gegeben hat und auch nicht geben kann. Jede Phase der Existenz der Menschheit löst ihre eigenen Probleme, die für die Gesellschaft einer anderen Ära unproblematisch waren oder überhaupt nicht auftraten. Daher sollte die Renaissance nicht genau so wahrgenommen werden, wie die Menschen dieser in vielerlei Hinsicht innovativen Kulturepoche sie wahrgenommen haben. Was ihre ethischen und vor allem ästhetischen Ideale betrifft, so entsprechen sie sicherlich eher einem Menschen des 20. Jahrhunderts als beispielsweise den Idealen des Mittelalters.
  

  Tatsächlich wurde die Renaissance zu einer Art Magnet für nachfolgende Epochen. Vielleicht, weil zum ersten Mal in der Kulturgeschichte eine säkulare Kultur im modernen Sinne des Wortes auftauchte, die einen Menschen nicht zu Theateraufführungen einlud, nicht dazu Gladiatorenkämpfe, nicht in einer Zelle, sondern zum Smalltalk irgendwo in einer Villa, von wo aus man einen schönen Ausblick hat erneuerte Stadt. Ein Mann des New Age, der sich beispielsweise auf den Straßen von Florenz zwischen Palästen, Statuen und Gemälden befindet, fühlt sich in ein vertrauliches, ruhiges Gespräch verwickelt. Er, ein Erwachsener, scheint sein Kinderzimmer zu betreten, in dem er sich schon lange nicht mehr aufgehalten hat, in dem er sich aber scheinbar mit geschlossenen Augen zurechtfindet, alle Gegenstände benennen kann und weiß, wo und wie sie sollten lügen.
  

  Die Figuren der Renaissance selbst stellten die neue Ära dem Mittelalter als einer Zeit der Dunkelheit und Unwissenheit gegenüber. Aber die Originalität dieser Zeit ist vielmehr nicht die Bewegung der Zivilisation gegen die Wildheit, der Kultur gegen die Barbarei, des Wissens gegen die Unwissenheit, sondern die Manifestation einer anderen Zivilisation, einer anderen Kultur, eines anderen Wissens.
  

  Die Renaissance ist vor allem eine Revolution im Wertesystem, in der Bewertung von allem, was existiert, und in Bezug darauf. Es besteht die Überzeugung, dass der Mensch der höchste Wert ist. Eine solche Sicht auf eine Person bestimmte das wichtigste Merkmal der Kultur der Renaissance – die Entwicklung des Individualismus im Bereich der Weltanschauung und die umfassende Manifestation der Individualität im öffentlichen Leben.
  

  Eines der charakteristischen Merkmale der spirituellen Atmosphäre dieser Zeit war eine spürbare Wiederbelebung weltlicher Stimmungen. Cosimo Medici, der ungekrönte Herrscher von Florenz, sagte, dass derjenige, der im Himmel Unterstützung für die Leiter seines Lebens sucht, fallen wird, und dass er sie persönlich immer auf Erden gestärkt hat.
  

  Der säkulare Charakter ist auch einem so hellen Phänomen der Renaissancekultur wie dem Humanismus inhärent. Im weitesten Sinne des Wortes ist Humanismus eine Denkweise, die die Idee des Wohls des Menschen als Hauptziel der sozialen und kulturellen Entwicklung verkündet und den Wert des Menschen als Person verteidigt. In dieser Interpretation wird dieser Begriff in unserer Zeit verwendet. Aber als ganzheitliches System von Ansichten und als breiter Strom gesellschaftlichen Denkens entstand der Humanismus in der Renaissance.
  

  Das antike Kulturerbe spielte eine große Rolle bei der Entstehung des Renaissance-Denkens. Das Ergebnis des zunehmenden Interesses an der klassischen Kultur war das Studium antiker Texte und die Verwendung heidnischer Prototypen zur Verkörperung christlicher Bilder, die Sammlung von Kameen, Skulpturen und anderen Antiquitäten sowie die Wiederherstellung der römischen Tradition der Porträtbüsten. Tatsächlich gab die Wiederbelebung der Antike der gesamten Epoche ihren Namen (schließlich wird Renaissance mit Wiedergeburt übersetzt). Die Philosophie nimmt in der spirituellen Kultur dieser Zeit einen besonderen Platz ein und weist alle oben genannten Merkmale auf. Das wichtigste Merkmal Philosophie der Renaissance – die antischolastische Ausrichtung der Ansichten und Schriften der Denker dieser Zeit. Sein weiteres charakteristisches Merkmal ist die Schaffung eines neuen pantheistischen Weltbildes, das Gott und Natur identifiziert.
  

  Unter Renaissance verstehen wir also den Zeitraum in der Geschichte der europäischen Kultur, vor allem vom 14. bis einschließlich 16. Jahrhundert, der durch die Übertragung kultureller Interessen aus der Sphäre der höheren (himmlischen) Welt, vom Heiligen ins Materielle, gekennzeichnet ist Manifestationen des Lebens, also in die Sphäre entweihen- bis hin zur Schaffung von Kultur Anthropozentrismus(vom griechischen „anthropos“ – Mensch). Die Renaissance ist geprägt von einem Aufschwung künstlerischen Schaffens, vor allem im Bereich der bildenden Künste (Malerei, Bildhauerei), der Entstehung von Nationalsprachen auf der Grundlage von Kirchenlatein und lokalen Volksdialekten sowie der Bildung von Nationalstaaten auf der Grundlage feudaler Besitztümer , wirtschaftliche Entwicklung und auf ihrer Grundlage die Entwicklung von Städten und Gemeinden. Zivilisation, die mit ihnen verbunden ist, spirituell Säkularisierung(„Säkularisierung“) und das Anwachsen individualistischer Tendenzen im öffentlichen Leben und Alltag.
  

  Natürlich hat nicht jedes europäische Land in diesem Zeitraum eine solche Entwicklung sozusagen „vollständig“ vollzogen. Allerdings sind spirituelle Emanzipation, der Geist des Individualismus, die Säkularisierung spiritueller Werte, der Appell an den Menschen als zentrale Figur des Seins notwendige und ausreichende Zeichen erweckenden Typs für jede nationale Kultur.
  

  2. Merkmale der Renaissance. DER CHARAKTER DER RENAISSANCE-KULTUR
  

  Als der europäische Geist sein Streben nach dem Tod aufgab und sich dem Leben zuwandte, fand er gleich zu Beginn seiner Reise eine neue Kraftquelle für sich – in der Antike. Fast tausend Jahre lang entwickelte sich das mittelalterliche Europa auf den Ruinen von antike Kultur von den Barbaren verlassen. Das Mittelalter ist die gleiche Antike, aber in einer barbarischen Wahrnehmung und Ausführung. Allerdings sollte man nicht denken, dass die mittelalterliche Kultur irgendwie minderwertig sei, weil sie zu einer Kombination aus Ruinen der Antike und Barbarei geworden sei. Die Energie der Barbaren konnte eine der mächtigsten Kulturen der Geschichte zerstören und belebte dann wieder, was nicht zerstört werden konnte – den kreativen Geist der Antike. Ein neuer Impuls für die Entwicklung der europäischen Kultur kam in der Ära zum Ausdruck, die üblicherweise als Renaissance (Renaissance) bezeichnet wird. In verschiedenen Ländern Westeuropas deckt es den Zeitraum ab dem 14. Jahrhundert ab. bis zum Beginn des 17. Jahrhunderts. Die Kultur der Renaissance erbte vorchristliche Ideen und Bilder, aber das Christentum konnte nicht umhin, darin Spuren zu hinterlassen. Heidnische Vitalität und christliche Demut ergänzten sich in der Kultur der Renaissance, ihre Kombination brachte die Ideale der Harmonie und des Gleichgewichts hervor. Dies lässt sich anhand der Zeilen einer der größten Figuren der Renaissance veranschaulichen Leonardo da Vinci (1452-1519):
  

  Liebe ist erhaben, wenn sie in der Vereinigung zweier Menschen besteht
  

  Vor der Höhe der Seele verehrt sie.
  

  Die Liebe ist gering, wenn der Geist unbedeutend ist,
  

  Und niedrig ist die Welt dessen, der von ihr erwählt ist.
  

  Schenke Frieden und vertreibe die Angst
  

  Liebesuhr. Aber Sie sind markiert, wenn
  

  Die Natur behält klugerweise die Waage
  

  Liebe und Geist sind in perfekter Balance.
  

  Die Kultur der Renaissance wurde vom Bürgertum, aus dem das frühe Bürgertum hervorging, vom Adel, dessen Grundlage das mittelalterliche Rittertum war, und der städtischen Intelligenz geschaffen. Die Zusammenarbeit dieser gesellschaftlichen Schichten verlieh der Kultur einen universellen Charakter.
  

  Die Wiederbelebung erfolgte vor allem im Bereich des künstlerischen Schaffens selbstbestimmt. Als Epoche der europäischen Geschichte war sie von vielen bedeutenden Meilensteinen geprägt, darunter der Stärkung der wirtschaftlichen und sozialen Freiheiten der Städte, der geistigen Gärung, die schließlich zur Reformation und Gegenreformation führte, dem Bauernkrieg in Deutschland, der Entstehung von eine absolutistische Monarchie (die größte in Frankreich), der Beginn der Ära der großen geographischen Entdeckungen, die Erfindung des europäischen Buchdrucks, die Entdeckung des heliozentrischen Systems in der Kosmologie usw. Allerdings ihr erstes Zeichen, wie es den Zeitgenossen schien , war das „Aufblühen der Künste“ nach langen Jahrhunderten des mittelalterlichen „Niedergangs“, ein Aufblühen, das alte künstlerische Weisheit „wiederbelebte“, genau in diesem Sinne das Wort rinascita (von dem die französische Renaissance und alle ihre europäischen Analogien stammen) wird erstmals von J. Vasari verwendet.
  

  Gleichzeitig werden künstlerisches Schaffen und insbesondere bildende Kunst heute als eine universelle Sprache verstanden, die es einem ermöglicht, die Geheimnisse der „göttlichen Natur“ kennenzulernen. Durch die Nachahmung der Natur, indem er sie nicht konventionell, sondern natürlich, auf mittelalterliche Weise reproduziert, tritt der Künstler in Konkurrenz mit dem Höchsten Schöpfer. Kunst erscheint gleichermaßen als Labor und Tempel, in dem sich die Wege der Naturwissenschaft und der Gotteserkenntnis (sowie des ästhetischen Gefühls, des „Schönheitssinns“, der sich erst in seinem letzten Selbstwert bildet) ständig kreuzen .
  

  Der universelle Anspruch der Kunst, die im Idealfall „für alles zugänglich“ sein sollte, steht den Prinzipien der neuen Renaissance-Philosophie sehr nahe. Seine größten Vertreter – Nikolaus von Kues, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola, Paracelsus, Giordano Bruno – richten den Fokus ihrer Gedanken auf das Problem der spirituellen Kreativität, die alle Sphären des Seins umfasst und dabei mit ihrer unendlichen Energie das beweist Das Recht des Menschen, „der zweite Gott“ oder „wie ein Gott“ genannt zu werden. Ein solcher intellektueller und kreativer Anspruch kann neben der antiken und biblisch-evangelischen Tradition auch rein unorthodoxe Elemente des Gnostizismus und der Magie (die sogenannte „natürliche Magie“, die Naturphilosophie mit Astrologie, Alchemie und anderen okkulten Disziplinen verbindet) umfassen Jahrhunderte ist eng mit den Anfängen einer neuen, experimentellen Naturwissenschaft verknüpft. Das Problem des Menschen (oder des menschlichen Bewusstseins) und seiner Verwurzelung in Gott bleibt jedoch immer noch allen gemeinsam, obwohl die Schlussfolgerungen daraus unterschiedlichster, kompromissmäßiger und unverschämter „ketzerischer“ Natur sein können.
  

  Das Bewusstsein befindet sich in einem Zustand der Wahl – ihm sind sowohl die Meditationen von Philosophen als auch die Reden religiöser Persönlichkeiten aller Konfessionen gewidmet: von den Führern der Reformation M. Luther und J. Calvin bis hin zu Erasmus von Rotterdam (der den „Dritten“ predigte). Weg" christlich-humanistischer religiöser Toleranz) bis hin zu Ignatius Loyola, dem Ordensgründer der Jesuiten, einem der Initiatoren der Gegenreformation. Darüber hinaus hat der Begriff „Renaissance“ selbst im Kontext kirchlicher Reformen eine zweite Bedeutung, die nicht nur die „Erneuerung der Künste“, sondern auch die „Erneuerung des Menschen“, seiner moralischen Verfassung, kennzeichnet.
  

  Die Aufgabe, den „neuen Menschen“ zu erziehen, wird als Hauptaufgabe der Zeit anerkannt. Das griechische Wort („Bildung“) ist das deutlichste Analogon zum lateinischen Wort „humanitas“ (woher „Humanismus“ stammt). Humanitas bedeutet in der Renaissance-Konzeption nicht nur die Beherrschung der antiken Weisheit, die von großer Bedeutung war, sondern auch Selbsterkenntnis und Selbstverbesserung. Humanitäre und wissenschaftliche und menschliche, wissenschaftliche und weltliche Erfahrung müssen in einem Zustand idealer Virtualität vereint werden (auf Italienisch sowohl „Tugend“ als auch „Tapferkeit“ – weshalb das Wort eine mittelalterliche ritterliche Konnotation trägt). Indem sie diese Ideale naturnah widerspiegelt, verleiht die Kunst der Renaissance den Bildungsbestrebungen der Zeit eine überzeugend sinnliche Klarheit.
  

  Hier gibt es die Antike (also das antike Erbe), das Mittelalter (mit seiner Religiosität sowie dem weltlichen Ehrenkodex) und das New Age (das den menschlichen Geist, seine schöpferische Energie in den Mittelpunkt seiner Interessen stellt). in einem Zustand des sensiblen und kontinuierlichen Dialogs.
  

  Die Periodisierung der Renaissance wird durch die herausragende Rolle der bildenden Kunst in ihrer Kultur bestimmt. Als wichtigster Ausgangspunkt dienten lange Zeit Etappen der Kunstgeschichte in Italien – dem Geburtsort der Renaissance. Sie werden besonders unterschieden: die Einführungszeit, die Proto-Renaissance, „die Ära von Dante und Giotto“, etwa 1260-1320, teilweise zeitgleich mit der Ducento-Zeit (13. Jahrhundert), sowie das Trecento (14. Jahrhundert), Quattrocento (15. Jahrhundert) und Cinquecento (16. Jahrhundert). Häufigere Perioden sind die Frührenaissance (14.-15. Jahrhundert), in der neue Strömungen aktiv mit der Gotik interagieren und diese überwinden und kreativ umwandeln. sowie die mittlere (oder Hoch-) und Spätrenaissance, in der der Manierismus eine besondere Phase darstellte. Die neue Kultur der Länder nördlich und westlich der Alpen (Frankreich, Niederlande, germanischsprachige Länder) wird zusammenfassend als nördliche Renaissance bezeichnet; Hier war die Rolle der Spätgotik (einschließlich einer so wichtigen „Mittelalter-Renaissance“-Phase wie der „internationalen Gotik“ oder des „weichen Stils“ des späten 14.-15. Jahrhunderts) von besonderer Bedeutung. Die charakteristischen Merkmale der Renaissance zeigten sich auch in den Ländern Osteuropas (Tschechische Republik, Ungarn, Polen usw.) deutlich und betrafen Skandinavien. In Spanien, Portugal und England entwickelte sich eine ursprüngliche Renaissancekultur.
  

  Von großer praktischer Bedeutung sind die Theorie der Linear- und Luftperspektive, der Proportionen, Probleme der Anatomie sowie der Licht- und Schattenmodellierung. Das Zentrum der Renaissance-Innovationen, der künstlerische „Spiegel der Epoche“, war ein illusorisch-natürliches Gemälde religiöse Kunst es ersetzt die Ikone und führt in der weltlichen Kunst zu eigenständigen Genres der Landschaft, der Alltagsmalerei und des Porträts (letzteres spielte eine primäre Rolle bei der visuellen Bestätigung der Ideale der humanistischen Virtue).
  

  Die Kunst des gedruckten Gravierens auf Holz und Metall, die während der Reformation wirklich massiv wurde, erhält ihren endgültigen Wert. Das Zeichnen nach einer Arbeitsskizze wird zu einer eigenständigen Art der Kreativität; die individuelle Art des Pinselstrichs, Strichs sowie die Textur und der Effekt der Unvollständigkeit (non-finito) werden zunehmend als eigenständige künstlerische Effekte geschätzt.
  

  Auch die monumentale Malerei wird malerisch, illusorisch-plastisch und gewinnt immer mehr visuelle Unabhängigkeit vom Wandmassiv. Alle Arten von bildender Kunst verletzen heute auf die eine oder andere Weise die monolithische mittelalterliche Synthese (wo die Architektur dominierte) und erlangen vergleichsweise Unabhängigkeit. Es entstehen Formen einer absolut runden Statue, die einen besonderen Umweg erfordert, eines Reiterdenkmals, einer Porträtbüste (in vielerlei Hinsicht eine Wiederbelebung der alten Tradition), eine völlig neue Art von feierlichem skulpturalem und architektonischem Grabstein.
  

  Das antike Ordnungssystem gibt die neue Architektur vor, deren Haupttypen der in den Proportionen harmonisch klare und zugleich plastisch ausdrucksstarke Palast und Tempel sind (die Idee eines im Grundriss zentrischen Tempelbaus fasziniert Architekten besonders) . Die für die Renaissance charakteristischen utopischen Träume finden in der Stadtplanung keine vollständige Verkörperung, sondern vergeistigen implizit neue. Architekturensembles, dessen Umfang die „irdischen“, zentrisch-perspektivisch organisierten Horizontalen betont, und nicht den gotischen Vertikalanspruch nach oben.
  

  Verschiedene Arten dekorativer Kunst sowie Moden erhalten eine besondere, auf ihre Weise „bildliche“ Bildhaftigkeit. Unter den Ornamenten spielt das Groteske eine besonders wichtige semantische Rolle.
  

  In der Literatur koexistiert die Liebe zum Lateinischen als der universellen Sprache humanistischen Lernens (der sie in ihrem antiken Ausdrucksreichtum wiederherstellen wollen) mit der stilistischen Verbesserung nationaler Volkssprachen. Die urbane Kurzgeschichte und der Schelmenroman bringen den lebendigen und provokanten Universalismus der Renaissance-Persönlichkeit am deutlichsten zum Ausdruck, der sozusagen überall an seinem Platz ist. Charakteristisch für die Epoche sind auch der Roman als solcher und das Heldengedicht (eng verbunden mit der mittelalterlichen abenteuerlichen Rittertradition), satirische Poesie und Prosa (das Bild des weisen Narren erlangt mittlerweile zentrale Bedeutung), verschiedene Liebeslyrik, Pastoral als Volkslied artenübergreifendes Thema. Im Theater stechen vor dem Hintergrund der rasanten Entwicklung verschiedener Schauspielformen prächtige Hofextravaganzen und Stadtfeste hervor, die ein farbenfrohes Gesamtkunstwerk entstehen lassen.
  

  Bereits in der Zeit der Frührenaissance erreichte die musikalische Polyphonie eines strengen Stils ihren Höhepunkt (siehe niederländische Schule). Die Kompositionstechniken werden komplexer und führen zu frühen Formen von Opern, Oratorien, Ouvertüren, Suiten und Sonaten. Neben der religiösen spielt auch die professionelle säkulare Musikkultur, die eng mit der Folklore verwandt ist, eine zunehmende Rolle.
  

  Der Barock, der die Renaissance erbte, ist eng mit ihren späteren Phasen verbunden: Eine Reihe von Schlüsselfiguren der europäischen Kultur, darunter Cervantes und Shakespeare, gehören in dieser Hinsicht sowohl zur Renaissance als auch zum Barock.
  

  Humanismus, ein Appell an das kulturelle Erbe der Antike, als ob es dessen „Wiederbelebung“ wäre (daher der Name). Die Wiederbelebung erfolgte und manifestierte sich am deutlichsten in Italien, wo bereits an der Wende vom 13. zum 14. Jahrhundert. (siehe Proto-Renaissance) ihre Vorläufer waren der Dichter Dante, der Künstler Giotto und andere. Das Werk der Renaissance-Figuren ist vom Glauben an sie durchdrungen endlose Möglichkeiten Der Mensch, sein Wille und seine Vernunft, die Ablehnung von Scholastik und Askese (die humanistische Ethik der Italiener Lorenzo Valla, Pico della Mirandola usw.). Das Pathos, das Ideal eines harmonischen, befreiten Menschen zu bekräftigen kreative Persönlichkeit, die Schönheit und Harmonie der Realität, der Appell an den Menschen als höchstes Seinsprinzip, das Gefühl der Ganzheit und die harmonischen Gesetze des Universums verleihen der Kunst der Renaissance große ideologische Bedeutung, ein majestätisches heroisches Ausmaß. In der Architektur begannen weltliche Bauwerke eine führende Rolle zu spielen – öffentliche Gebäude, Paläste, Stadthäuser. Mithilfe der Ordnungsteilung der Mauer, gewölbter Galerien, Kolonnaden, Gewölbe, Kuppeln verliehen Architekten (Brunelleschi, Alberti, Bramante, Palladio in Italien, Lescaut, Delorme in Frankreich) ihren Gebäuden majestätische Klarheit, Harmonie und Proportionalität gegenüber dem Menschen. Künstler (Donatello, Masaccio, Piero della Francesca, Mantegna, Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo, Tizian, Veronese, Tintoretto in Italien; Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Brueghel in den Niederlanden; Dürer, Niethardt, Holbein in Deutschland; Fouquet, Goujon, Clouet in Frankreich) beherrschte konsequent die künstlerische Reflexion des gesamten Reichtums der Realität – die Übertragung von Volumen, Raum, Licht, dem Bild einer menschlichen Figur (einschließlich einer nackten) und der realen Umgebung – einem Innenraum, a Landschaft. Die Literatur der Renaissance schuf Denkmäler von bleibendem Wert wie „Gargantua und Pantagruel“ (1533–52) von Rabelais, Shakespeares Dramen, den Roman „Don Quijote“ (1605–15) von Cervantes usw., die das Interesse an der Antike organisch mit einem Appell an die Volkskultur verbanden , das Pathos des Komischen mit der Tragödie des Seins. Petrarcas Sonette, Boccaccios Kurzgeschichten, Ariosts Heldengedicht, die philosophische Groteske (Erasmus von Rotterdams Abhandlung Lob der Dummheit, 1511), Montaignes Essays in verschiedenen Genres, individuellen Formen und nationalen Varianten verkörperten die Ideen der Renaissance. In der von einer humanistischen Weltanschauung durchdrungenen Musik entwickelt sich vokale und instrumentale Polyphonie, es entstehen neue Genres weltlicher Vokalmusik (Frottola und Villanella in Italien, Villancico in Spanien, Ballade in England, Madrigal) und Instrumentalmusik; Die Ära endet mit der Entstehung von Musikgenres wie Sololied, Kantate, Oratorium und Oper, die zur Etablierung der Homophonie beitrugen.
  

  Während der Renaissance verbreitete es sich philosophische Ideen Neuplatonismus (Ficino) und Pantheismus (Patrici, Bruno usw.) wurden herausragende wissenschaftliche Entdeckungen auf dem Gebiet der Geographie (Geographische Entdeckungen), Astronomie (Entwicklung des heliozentrischen Weltsystems durch Kopernikus), Anatomie (Vesalius) gemacht.
  

  3. HERAUSRAGENDE PERSONEN DER RENAISSANCE
  

  Es ist selbstverständlich, dass die Zeit, die der „göttlichen“ menschlichen Kreativität eine zentrale Bedeutung beimaß, in der Kunst Persönlichkeiten hervorbrachte, die – bei aller Fülle an Talenten dieser Zeit – zur Personifizierung ganzer Epochen der nationalen Kultur wurden (Persönlichkeiten – „Titanen“, wie sie später romantisch genannt wurden). Giotto wurde zur Personifikation der Proto-Renaissance, die gegensätzlichen Aspekte des Quattrocento – konstruktive Strenge und aufrichtige Lyrik – wurden jeweils von Masaccio und Fra Angelico mit Botticelli zum Ausdruck gebracht. Die „Titanen“ der mittleren (oder „hohen“) Renaissance Leonardo da Vinci, Raffael und Michelangelo sind Künstler – Symbole des großen Meilensteins des New Age als solchen. Meilensteine Die Architektur der italienischen Renaissance – Früh-, Mittel- und Spätarchitektur – ist in den Werken von F. Brunelleschi, D. Bramante und A. Palladio monumental verkörpert. J. Van Eyck, J. Bosch und P. Brueghel der Ältere verkörpern mit ihrem Werk die frühen, mittleren und späten Stadien der Malerei der niederländischen Renaissance. A. Dürer, Grunewald (M. Nithardt), L. Cranach der Ältere, H. Holbein der Jüngere billigten die Prinzipien der neuen bildenden Künste in Deutschland. In der Literatur leisteten F. Petrarca, F. Rabelais, Cervantes und W. Shakespeare – um nur die größten Namen zu nennen – nicht nur einen außergewöhnlichen, wahrhaft epochalen Beitrag zur Bildung nationaler Literatursprachen, sondern wurden auch zu deren Begründern moderne Lyrik, Roman und Drama als solches.
  

  Das ursprüngliche Epos der Hochrenaissance, ein umfassendes Bild der Gesellschaft und ihrer heroischen Ideale in volksmärchenhafter und philosophisch-komischer Form, war das Werk F. Rabelais „Gargantua und Pantagruel“. In der Spätrenaissance, die von einer Krise des Humanismusbegriffs und der Entstehung einer prosaischen aufstrebenden bürgerlichen Gesellschaft geprägt war, entwickelten sich die pastoralen Genres Roman und Drama. Der höchste Aufstieg der Spätrenaissance - die Dramen von Shakespeare und die Romane von Cervantes, basierend auf tragischen oder tragikomischen Konflikten zwischen einer heroischen Persönlichkeit und einem einer Person unwürdigen System des gesellschaftlichen Lebens.
  

  Der fortschrittliche humanistische Inhalt der Kultur der Renaissance kam in der Theaterkunst, die maßgeblich vom antiken Drama beeinflusst wurde, anschaulich zum Ausdruck. Er zeichnet sich durch ein Interesse an der inneren Welt eines Menschen aus, der mit Merkmalen einer starken Individualität ausgestattet ist. Unterscheidungsmerkmale Die Theaterkunst der Renaissance war die Weiterentwicklung der Traditionen der Volkskunst, lebensbejahendes Pathos, eine kühne Kombination aus tragischen und komischen, poetischen und albernen Elementen. So ist das Theater Italiens, Spaniens und Englands. höchste Errungenschaft Italienisches Theater war die improvisierte Commedia dell'arte (16. Jahrhundert). Das größte blühende Theater der Renaissance erreichte es in den Werken Shakespeares.
  

  In der Renaissance verliert die professionelle Musik den Charakter einer rein kirchlichen Kunst und wird von der Volksmusik beeinflusst, die von einer neuen humanistischen Weltanschauung durchdrungen ist. Es treten verschiedene Genres weltlicher Musikkunst auf: Frottola und Villanella in Italien, Villancico in Spanien, Ballade in England, Madrigal, das seinen Ursprung in Italien hat, aber weit verbreitet ist. Säkulare humanistische Bestrebungen durchdringen auch die Kultmusik. Neue Genres der Instrumentalmusik entstehen, nationale Schulen Aufführungen auf Laute, Orgel. Die Renaissance endet mit der Entstehung neuer Musikgenres – Sololieder, Oratorien, Opern.
  

  Das ästhetische und künstlerische Ideal der Renaissance kam jedoch am besten in Architektur, Skulptur und Malerei zum Ausdruck. Beachten Sie, dass es im Kunstsystem in dieser Zeit zu einer Schwerpunktverlagerung kommt. Die Architektur ist nicht mehr der „Dirigent“ des Orchesters und der Künste. Die Malerei rückt in den Vordergrund. Und das ist kein Zufall: Die Kunst der Renaissance versuchte, die reale Welt, ihre Schönheit, ihren Reichtum und ihre Vielfalt kennenzulernen und darzustellen. Und darin malen Im Vergleich zu anderen Künsten gab es keine größeren Möglichkeiten.
  

  Unser Landsmann, ein bemerkenswerter Kenner der italienischen Renaissance, P. Muratov, schrieb darüber so: „Die Menschheit war noch nie so sorglos gegenüber der Ursache der Dinge und noch nie war sie so sensibel gegenüber ihren Phänomenen.“ Die Welt ist dem Menschen geschenkt, und da es eine kleine Welt ist, ist alles in ihr kostbar, jede Bewegung unseres Körpers, jede Locke eines Weinblattes, jede Perle im Kleid einer Frau. Für das Auge des Künstlers gab es im Schauspiel des Lebens nichts Kleines und Unbedeutendes. Für ihn war alles ein Gegenstand der Erkenntnis. 1 .
  

  Künstler der Renaissance entwickeln Prinzipien und entdecken die Gesetze der direkten linearen Perspektive. Die Schöpfer der Perspektiventheorie waren Brunelleschi, Masaccio, Alberta, Leonardo da Vinci. Durch eine perspektivische Konstruktion wird das Gesamtbild zu einer Art Fenster, durch das wir auf die Welt blicken. Der Raum entwickelt sich sanft in die Tiefe und fließt unmerklich von einer Ebene zur anderen. Die Entdeckung der Perspektive war von großer Bedeutung: Sie trug dazu bei, das Spektrum der dargestellten Phänomene zu erweitern und Raum, Landschaft und Architektur in die Malerei einzubeziehen.
  

  Die Vereinigung eines Wissenschaftlers und eines Künstlers in einer Person, in einer schöpferischen Persönlichkeit war in der Renaissance möglich und wird später unmöglich sein. Meister der Renaissance werden wegen ihrer Vielseitigkeit oft als Titanen bezeichnet. „Es war eine Ära, die Titanen brauchte und sie in Bezug auf Gedankenkraft, Leidenschaft und Charakter, in Bezug auf Vielseitigkeit und Gelehrsamkeit hervorbrachte“, schrieb F. Engels 2 . Leonardo da Vinci(1452-1519) war Maler, Bildhauer, Architekt, Schriftsteller, Musiker, Kunsttheoretiker, Militäringenieur, Erfinder, Mathematiker, Anatom und Botaniker. Er erforschte fast alle Bereiche der Naturwissenschaften und sah viele Dinge voraus, an die man damals noch nicht dachte.
  

  Als sie begannen, seine Manuskripte und unzähligen Zeichnungen zu analysieren, entdeckten sie die Entdeckungen der Mechanik des 19. Jahrhunderts. Vasari schrieb voller Bewunderung über Leonardo da Vinci:
  

  „... In ihm steckte so viel Talent, und dieses Talent war so groß, dass er, ganz gleich mit welchen Schwierigkeiten sich sein Geist auch konfrontierte, sie mit Leichtigkeit löste ... Seine Gedanken und sein Wagemut waren immer königlich und großzügig und der Ruhm von Sein Name wuchs so sehr, dass er nicht nur zu seiner Zeit, sondern auch nach seinem Tod geschätzt wurde.
  

  Michelangelo Buonarroti(1475-1564) - andere Großartiger Meister der Renaissance, ein vielseitiger, vielseitiger Mensch: Bildhauer, Architekt, Künstler, Dichter. Die Poesie war Michelangelos jüngste Muse. Über 200 seiner Gedichte sind uns überliefert.
  

  Rafael Santi(1483-1520) – nicht nur ein talentierter, sondern auch ein vielseitiger Künstler: ein Architekt und Wandmaler, ein Porträtmeister und ein Dekorateur.
  

  Albrecht Dürer(1471-1528) - der Begründer und größte Vertreter der deutschen Renaissance, „nördlicher Leonardo da Vinci“, schuf mehrere Dutzend Gemälde, mehr als hundert Stiche, etwa 250 Holzschnitte, viele hundert Zeichnungen, Aquarelle. Dürer war auch ein Kunsttheoretiker und der erste in Deutschland, der ein Werk über Perspektive und Schreiben schuf „Vier Bücher über menschliche Proportionen“.
  

  Diese Beispiele ließen sich fortsetzen. So waren Universalität, Vielseitigkeit und kreatives Talent charakteristische Merkmale der Meister der Renaissance.
  

  Abschluss
  

  So,
  Wiederbelebung oder Renaissance – eine Ära im Leben der Menschheit, die von einem kolossalen Aufstieg in Kunst und Wissenschaft geprägt ist. Die Kunst der Renaissance, die auf der Grundlage des Humanismus entstand – einer Strömung des gesellschaftlichen Denkens, die dem Menschen den höchsten Wert des Lebens verkündete. In der Kunst ist das Hauptthema ein schöner, harmonisch entwickelter Mensch mit unbegrenzten spirituellen und kreativen Möglichkeiten geworden. Die Kunst der Renaissance legte den Grundstein für die europäische Kultur des New Age und veränderte alle wichtigen Kunstarten radikal. In der Architektur wurden gestalterisch überarbeitete Prinzipien des antiken Ordnungssystems etabliert und neue Typen öffentlicher Gebäude entstanden. Die Malerei wurde durch lineare und bereichert Aerial Perspektive Kenntnisse über die Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers. Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Erhöhtes Interesse an antike Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaft, Porträt. Zusammen mit den monumentalen Wandgemälden, die schmücken architektonische Strukturen, ein Bild erschien, Ölgemälde entstand. Platz eins in der Kategorie Kunst kreative Individualität Der Künstler ist normalerweise ein universell begabter Mensch.
  

  In der Kunst der Renaissance waren die Wege der wissenschaftlichen und künstlerischen Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine kognitive Bedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel es nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.
  

  Die Renaissance ist eine Zeit großer wirtschaftlicher und sozialer Veränderungen im Leben vieler europäischer Staaten, eine Ära radikaler Veränderungen in Ideologie und Kultur, eine Ära des Humanismus und der Aufklärung. Während dieser Zeit erweitert und verändert sich das Wissen eines Menschen über die Welt um ihn herum erheblich. Wissenschaft, Literatur und Kunst erleben eine Hochblüte. Den alten kirchlichen Dogmen und schulischen Lehren wird ein vernichtender Schlag versetzt. In verschiedenen Lebensbereichen der menschlichen Gesellschaft entstehen günstige Bedingungen für einen beispiellosen Aufstieg der Kultur. Die Entwicklung von Wissenschaft und Technik, die großen geographischen Entdeckungen, die Bewegung von Handelswegen und die Entstehung neuer Handels- und Industriezentren, die Einbeziehung neuer Rohstoffquellen und neuer Märkte in den Produktionsbereich haben die Vorstellungen des Menschen über die Welt erheblich erweitert und verändert Welt um ihn herum.
  Bruno Santi. Leonardo da Vinci. M., 1977. REVIVAL-ÄSTHETIK ALS INDIVIDUALISTISCHE ÄSTHETIKPHÄNOMEN DER KÜNSTLERISCHEN KULTUR UND FAKTOREN, DIE SEINE ENTWICKLUNG BEEINFLUSSEN

  2014-12-09

Inhalt 12+

Am Ende des XIV. - Anfang des XV. Jahrhunderts. In Europa und insbesondere in Italien beginnt sich die Kultur des frühen Bürgertums herauszubilden, die als Renaissance (Renaissance) bezeichnet wird. In dieser Zeit zeigt die Gesellschaft ein reges Interesse am kulturellen Erbe der Antike, des antiken Griechenlands und Roms. Schon der Begriff „Renaissance“ spricht von der Verbindung der neuen Kultur mit dem vergangenen Goldenen Zeitalter. Überall und überall beginnen die Suche und Restaurierung von Manuskripten und Kunstwerken der antiken „Titanen“ der Antike.

Im Vergleich zur Zeit des Frühmittelalters erleben die Menschen der Renaissance sehr bedeutende Veränderungen in der Weltanschauung. Säkulare, staatsbürgerliche Motive verstärken sich, Diverse Orte das Leben der Gesellschaft – Philosophie, Bildung, Wissenschaft, Literatur und Kunst – wird autark und frei von kirchlichen Dogmen.

Die Kontinuität der großen antiken Kultur, die Bekräftigung der Ideale des Humanismus – das wird üblicherweise als Renaissance bezeichnet. Das Menschenrecht auf Freiheit, Glück, die Anerkennung des Wohls des Menschen als Grundlage der Gesellschaftsordnung, die Durchsetzung der Grundsätze der Gleichheit, Gerechtigkeit, Menschlichkeit in den Beziehungen zwischen Menschen, Befreiung von religiösen Fesseln – das verkündet der wahre Humanismus . Vertreter der Renaissance glaubten, dass die Grenzen des menschlichen Wissens nicht existieren, weil der menschliche Geist mit dem Geist einer Gottheit identisch ist und das Individuum selbst als sterblicher Gott existiert.

Persönliche Eigenschaften wie Intelligenz, schöpferische Energie, Unternehmertum, Selbstwertgefühl, Wille, Bildung sind viel wichtiger als die Herkunft oder die soziale Stellung des Einzelnen. Der Mensch der Renaissance erschafft sich selbst und damit auch die Welt um ihn herum. Er ist ein aktives Wesen, in ihm kreuzen sich alle Seinsbereiche. Von den Humanisten der Renaissance besungen, sei der Mensch eine freie, universelle Persönlichkeit. Schöpfer, Schöpfer der neuen Welt.

Der Hauptanwendungspunkt spiritueller Kräfte war damals die Kunst, da sie eine möglichst vollständige Befreiung ermöglichte. Selbstausdruck, die Fähigkeit, in Ihrer Arbeit eine wirklich existierende Welt zu erschaffen, zu erschaffen und zu reflektieren. Die vorherrschenden Bereiche der Kunst, die großes Interesse erregten, waren Literatur, Musik und Theater. Aber die lebendigste, einprägsamste und tiefste Art des Ausdrucks menschliches Ideal werden Architektur, Skulptur und natürlich Malerei. Dennoch waren alle Arten von Kunst für die brillanten Schöpfer der Renaissance gleichermaßen wertvoll und wichtig.

Ich ziehe den Tod der Müdigkeit vor.

Ich werde nie müde, anderen zu dienen.

L. da Vinci

Eines der schönsten Beispiele des „universellen Menschen“, der über ein vielseitiges Talent verfügt, ist zweifellos Leonardo da Vinci – die größte Figur der italienischen Hochrenaissance. Er war nicht nur ein großer Vertreter der Kunst – ein Schriftsteller, Bildhauer, Maler, Musiker, sondern auch ein Wissenschaftler, Techniker, Erfinder, Ingenieur. In Italien nannte man ihn einen Zauberer, einen Zauberer, einen Mann, der alles kann!

Das weltberühmte Genie wurde am 15. April 1452 unweit von Florenz in der kleinen Stadt Vinci (daher sein Name) geboren. Sein Vater war ein wohlhabender Notar, Ser Piero di Antonio da Vinci, und seine Mutter war eine einfache Bäuerin namens Catarina. Obwohl der kleine Leonardo ein uneheliches Kind war, lebte und wuchs er im Haus seines Vaters auf. Antonio da Vinci hoffte, dass der heranwachsende Sohn in seine Fußstapfen treten würde, doch das gesellschaftliche Leben schien für den Jungen uninteressant. Obwohl es wahrscheinlich ist, dass die Berufe eines Anwalts und eines Arztes unehelichen Kindern nicht zur Verfügung standen, wurde daher das Handwerk des Künstlers gewählt.

Nachdem die Familie 1469 nach Florenz gezogen war, bekam Leonardo eine Anstellung als Lehrling in einer Werkstatt berühmter Meister Andrea del Verrocchio. Sechs Jahre lang studierte da Vinci die Geheimnisse der Kunst und Bildhauerei. Der Mentor erkannte schnell das herausragende Talent seines Schülers und prophezeite ihm eine große Zukunft.

Die Bekanntschaft mit dem berühmten Astronomen Paolo Toscanelli war ein wichtiger Schritt, um das Interesse des jungen Leonardo an verschiedenen Wissenschaften zu wecken. Im Alter von zwanzig Jahren begann er, selbständig zu arbeiten. Großer, schlanker, attraktiver junger Mann mit beachtlichem Besitz körperliche Stärke, mit den Händen gebogene Hufeisen, im Fechten war er unübertroffen, Frauen bewunderten ihn. Im Jahr 1472 war da Vinci bereits Mitglied der Florentiner Künstlergilde und 1473 wird sein erstes eigenständiges künstlerisches Werk zugeschrieben. Einige Jahre später (1476) eröffnete Leonardo seine eigene Werkstatt. Schon in den ersten Werken („Verkündigung“, „Madonna Benois“, „Anbetung der Könige“) wurde klar, dass die Welt existierte toller Maler, und weitere Arbeiten steigerten seinen Ruhm nur.

Im Jahr 1482 zog Leonardo da Vinci von Florenz nach Mailand. Der Grund für diesen Schritt war, dass das Oberhaupt von Florenz, Lorenzo Medici der Prächtige, einen anderen bevormundete berühmter Künstler der damaligen Zeit Botticelli. Leonardo wollte nicht in der zweiten Rolle sein und ging nach Mailand. Dort trat er in die Dienste des Herzogs Ludovico Sforza. Die Liste seiner offiziellen Aufgaben war sehr umfangreich: Da Vinci beschäftigte sich mit Malerei, Bildhauerei und Militärtechnik.


Gleichzeitig war er Organisator von Festen, Erfinder verschiedener mechanischer „Wunder“. Darüber hinaus arbeitet Leonardo aktiv an eigenen Projekten in verschiedenen Bereichen (z. B. an einer Unterwasserglocke, einem Flugzeug usw.). Dann begann er mit der Arbeit an seinem nächsten Meisterwerk – dem Fresko „Das letzte Abendmahl“ im Kloster Santa Maria delle Grazia. Es stellte die letzte Phase im Leben Christi dar. Wie Zeitgenossen feststellten, zeigte sich Leonardo da Vinci in diesem Werk als subtiler Psychologe, es gelang ihm, die Spannung der Situation und die unterschiedlichen Gefühle zu vermitteln, mit denen die Jünger Jesu nach seinem sakramentalen Satz überwältigt wurden: „Einer von euch wird verraten.“ Mich."

Im Jahr 1499 eroberten die Truppen Ludwigs XII. Mailand und Leonardo zog nach Venedig, wo er in die Dienste eines Militäringenieurs und Architekten von Cesare Borgia trat.

1503 kehrt der Künstler nach Florenz zurück. Es ist üblich, die Entstehung seines vielleicht berühmtesten Gemäldes, „Mona Lisa“ („Gioconda“), diesen Jahren zuzuschreiben. Dieses Werk markierte den Beginn des Genres psychologisches Porträt In allem Europäische Kunst. Bei seiner Entstehung nutzte der große Meister auf brillante Weise das gesamte Arsenal künstlerischer Ausdrucksmittel: scharfe Kontraste und weiche Untertöne, gefrorene Unbeweglichkeit und allgemeine Fließfähigkeit und Variabilität. Das ganze Genie Leonardos liegt im erstaunlich lebendigen Aussehen von Mona Lisa, ihrem geheimnisvollen und rätselhaften Lächeln. Dieses Werk ist eines der seltensten Meisterwerke der Kunst.

Im Jahr 1513 kam da Vinci auf Einladung des Papstes nach Rom, um an der Ausmalung des Belvedere-Palastes mitzuwirken.

Im Jahr 1516 folgte der große Künstler der Einladung des französischen Königs Franz I. und lebte den Rest seiner Tage im königlichen Schloss Cloux in der Nähe der Stadt Amboise. In dieser Zeit seines Lebens malte er das Bild „Johannes der Täufer“, fertigte eine Reihe von Zeichnungen zu biblischen Themen an und erfand ein Gerät zur Messung der Windstärke und der Schiffsgeschwindigkeit. Zu seinen Werken gehörten Projekte von Erdbewegungsmaschinen und einem U-Boot. Offiziell erhielt er den Titel des ersten königlichen Malers, Architekten und Ingenieurs. Er arbeitete am Plan der königlichen Gemächer und fungierte als Berater und Weiser.

Zwei Jahre nach seiner Ankunft in Frankreich erkrankte da Vinci schwer, es fiel ihm schwer, sich alleine zu bewegen, seine rechte Hand wurde taub und in nächstes Jahr er brach völlig zusammen. Am 2. Mai 1519 starb der große „universelle Mann“, umgeben von seinen Jüngern. Er wurde im nahegelegenen Königsschloss von Amboise beigesetzt.

Ein herausragender Künstler, ein brillanter Maler, Autor von Meisterwerken wie „Anbetung der Könige“, „Das letzte Abendmahl“, „Heilige Familie“ und „Madonna Liti“. „Mona Lisa“ ist das Verdienst zahlreicher Entdeckungen auf dem Gebiet der Kunsttheorie, Mechanik, Naturwissenschaften und Mathematik. Leonardo da Vinci wurde zur Verkörperung des Ideals der italienischen Renaissance und wurde von nachfolgenden Generationen als eine Art Symbol für kreative Bestrebungen wahrgenommen.

Am Ende des XIII. - Anfang des XIV. Jahrhunderts. In Europa, nämlich in Italien, begann sich eine frühe bürgerliche Kultur herauszubilden, die „ Kultur der Renaissance"(Renaissance). Der Begriff „Renaissance“ deutete auf die Verbindung der neuen Kultur mit der Antike hin. Zu dieser Zeit begann sich die italienische Gesellschaft aktiv für die Kultur des antiken Griechenlands und Roms zu interessieren, man suchte nach Manuskripten antiker Schriftsteller , so wurden die Schriften von Cicero und Titus Livius gefunden. Die Renaissance war im Vergleich zum Mittelalter durch viele sehr bedeutende Veränderungen in der Denkweise der Menschen gekennzeichnet... Säkulare Motive verstärken sich in der europäischen Kultur, verschiedenen Bereichen der Gesellschaft – Kunst, Philosophie, Literatur , Bildung, Wissenschaft – werden immer unabhängiger und unabhängiger von der Kirche. Die Weltanschauung der Träger dieser Kultur wird mit dem Begriff „ humanistisch„(von lat. humanus – Mensch).

Humanisten der Renaissance glaubten, dass es bei einem Menschen nicht auf seine Herkunft oder seinen sozialen Status ankommt, sondern auf persönliche Qualitäten wie Intelligenz, kreative Energie, Unternehmungsgeist, Selbstwertgefühl, Wille, Bildung und Schönheit. Als „idealer Mensch“ wurde eine starke, talentierte und umfassend entwickelte Persönlichkeit anerkannt, ein Mensch, der Schöpfer seiner selbst und seines Schicksals ist. Während der Renaissance menschliche Persönlichkeit erlangt einen beispiellosen Wert, der Individualismus wird zum wichtigsten Merkmal der humanistischen Lebenseinstellung, die zur Verbreitung der Ideen des Liberalismus und zur allgemeinen Erhöhung des Freiheitsgrades der Menschen in der Gesellschaft beiträgt. Es ist kein Zufall, dass Humanisten, die im Allgemeinen keine Gegner der Religion sind und die grundlegenden Bestimmungen des Christentums nicht bestreiten, Gott die Rolle des Schöpfers zuschreiben, der die Welt in Bewegung setzt und sich nicht weiter in das Leben der Menschen einmischt.

Der ideale Mensch ist laut Humanisten „ universeller Mensch", Menschenschöpfer, Enzyklopädist. Die Humanisten der Renaissance glaubten, dass die Möglichkeiten des menschlichen Wissens endlos sind, weil der menschliche Geist wie der göttliche Geist ist und der Mensch selbst wie ein sterblicher Gott, und am Ende werden die Menschen eintreten das Territorium der Himmelskörper und lassen sich dort nieder und werden wie Götter. Gebildete und begabte Menschen waren in dieser Zeit von einer Atmosphäre allgemeiner Bewunderung und Anbetung umgeben, sie wurden wie im Mittelalter als Heilige geehrt. Die Freude am irdischen Dasein ist eine unverzichtbarer Bestandteil der Kultur der Renaissance.

Dante, Francesco Petrarca(1304-1374) und Giovanni Boccaccio(1313-1375) – berühmte Dichter der Renaissance, waren die Schöpfer der italienischen Literatursprache. Zu ihren Lebzeiten erlangten ihre Werke nicht nur in Italien, sondern weit über die Grenzen hinaus große Bekanntheit und gelangten in die Schatzkammer der Weltliteratur. weltweiter Ruhm empfing Petrarcas Sonette über Leben und Tod der Madonna Laura.

Die Renaissance ist geprägt vom Schönheitskult, insbesondere der Schönheit des Menschen. Die italienische Malerei, die zeitweise zur führenden Kunstform wurde, zeigt schöne, perfekte Menschen. Das erste war Giotto(1266-1337), der die italienische Freskenmalerei vom Einfluss der Byzantiner befreite. realistische Art und Weise Bild, das Giotto zu Beginn des 15. Jahrhunderts innewohnte. fortgeführt und weiterentwickelt Masaccio(1401-1428). Mithilfe der Gesetze der Perspektive gelang es ihm, Figurenbilder voluminös zu gestalten.

Einer der berühmtesten Bildhauer dieser Zeit war Donatello (1386-1466), der Autor einer Reihe realistischer Werke des Porträttyps, der erstmals nach der Antike wieder einen nackten Körper in der Skulptur präsentierte. Der größte Architekt der Frührenaissance - Brunelleschi(1377-1446). Er versuchte, Elemente des antiken römischen und gotischen Stils zu kombinieren, baute Tempel, Paläste und Kapellen. Die Malerei der Renaissance wird durch Kreativität repräsentiert Botticelli(1445-1510), der Werke zu religiösen und mythologischen Themen schuf, darunter die Gemälde „Frühling“ und „Die Geburt der Venus“.

Epoche Frührenaissance Ende des XIV. Jahrhunderts endete es und wurde durch die Hochrenaissance ersetzt – die Zeit der höchsten Blüte der humanistischen Kultur Italiens. Damals wurden die Vorstellungen über die Ehre und Würde des Menschen, seine hohe Bestimmung auf Erden, mit größter Fülle und Kraft zum Ausdruck gebracht. Titan der Hochrenaissance Leonardo da Vinci(1456-1519), einer der bedeutendsten wundervolle Menschen in der Geschichte der Menschheit, der über vielseitige Fähigkeiten und Talente verfügt. Leonardo war gleichzeitig Künstler, Kunsttheoretiker, Bildhauer, Architekt, Mathematiker, Physiker, Astronom, Physiologe, Anatom, und dies ist keine vollständige Liste der Hauptbereiche seiner Tätigkeit; er bereicherte fast alle Bereiche der Wissenschaft mit brillanten Vermutungen. Zu seinen bedeutendsten künstlerischen Werken zählen Das Letzte Abendmahl, ein Fresko im Mailänder Kloster Site Maria della Grazie, das den Moment des Abendmahls nach den Worten Christi darstellt: „Einer von euch wird mich verraten“, sowie die Welt- berühmtes Porträt der jungen Florentiner Mona Lisa, die einen anderen Namen hat – „La Gioconda“, nach dem Namen ihres Mannes.

Der große Maler war auch ein Titan der Hochrenaissance Rafael Santi(1483-1520), Schöpfer der „Sixtinischen Madonna“, größte Arbeit Weltmalerei: Die junge Madonna, die leicht barfuß auf den Wolken tritt, trägt ihren kleinen Sohn, das Christuskind, zu den Menschen, erwartet seinen Tod, trauert darüber und versteht die Notwendigkeit, dieses Opfer im Namen der Sühne für die Sünden von zu bringen Menschheit.

Der letzte große Vertreter der Kultur der Hochrenaissance war Michelangelo Buonarroti(1475-1564) – Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter, Schöpfer berühmte Statue David, Skulpturenfiguren „Morgen“, „Abend“, „Tag“, „Nacht“, angefertigt für die Gräber in der Medici-Kapelle. Michelangelo malte die Decke und Wände der Sixtinischen Kapelle des Vatikanpalastes; Eines der beeindruckendsten Fresken ist die Szene des Jüngsten Gerichts. In Michelangelos Werk klingen deutlicher als bei seinen Vorgängern Leonardo da Vinci und Rafael Santi tragische Töne, die durch die Erkenntnis der dem Menschen gesetzten Grenzen, das Verständnis der Grenzen menschlicher Fähigkeiten, die Unmöglichkeit, „die Natur zu übertreffen“, entstehen. "

Tolle Künstler Venezianische Renaissance war Giorgione(1477-1510), der die berühmten Gemälde „Judith“ und „Schlafende Venus“ schuf, und Tizian(1477-1576), der die Schönheit der umgebenden Welt und des Menschen besang. Er schuf auch eine Galerie mit großartigen Porträts mächtiger und wohlhabender Zeitgenossen.

Bis zum Ende des 15. – ersten Drittels des 16. Jahrhunderts. bezieht sich auf das Aufblühen der Kreativität Ariosto(1474-1537), ein bemerkenswerter italienischer Dichter, Autor des in seiner Form fabelhaften und im Geiste optimistischen Gedichts „Der wütende Roland“, dessen Helden Roland, die schöne Prinzessin Angelica, Zauberer, Feen, geflügelte Pferde und Monster waren, die außergewöhnliche Abenteuer erlebten.

Die nächste Stufe in der Kultur der Renaissance - Spätrenaissance, die, wie allgemein angenommen wird, seit den 40er Jahren andauerte. 16. Jahrhundert bis zum Ende des 16. Jahrhunderts - den ersten Jahren des 17. Jahrhunderts.

Italien, der Geburtsort der Renaissance, war auch das erste Land, in dem die Renaissance stattfand katholische Reaktion. In den 40er Jahren. 16. Jahrhundert Hier wurde die Inquisition neu organisiert und gestärkt und verfolgte die Persönlichkeiten der humanistischen Bewegung. In der Mitte des 16. Jahrhunderts. Papst Paul IV. hat das „Verzeichnis der verbotenen Bücher“ zusammengestellt und anschließend mehrfach mit neuen Werken ergänzt. Der „Index“ umfasst auch die Werke einiger italienischer Humanisten, insbesondere Giovanni Boccaccio. Verbotene Bücher wurden verbrannt, das gleiche Schicksal hätte ihren Autoren ebenso widerfahren können wie allen Dissidenten, die ihre Ansichten aktiv verteidigen und keine Kompromisse mit der katholischen Kirche eingehen wollen. Viele fortgeschrittene Denker und Wissenschaftler starben auf dem Scheiterhaufen. So, im Jahr 1600 in Rom, auf dem Blumenplatz, der Große Giordano Bruno(1548-1600), Autor des berühmten Aufsatzes „Über die Unendlichkeit, das Universum und die Welten“.

Viele Maler, Dichter, Bildhauer und Architekten gaben die Ideen des Humanismus auf und versuchten, nur die „Manieren“ der großen Persönlichkeiten der Renaissance kennenzulernen. Die bedeutendsten Künstler waren die im Stil des Manierismus arbeitenden Künstler Pontormo (1494-1557), Bronzino(1503-1572), Bildhauer Cellini(1500-1573). Ihre Werke zeichneten sich durch Komplexität und Intensität der Bilder aus. Gleichzeitig entwickeln einige Künstler die realistische Tradition in der Malerei weiter: Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594), Caravaggio(1573-1610), Gebrüder Caracci. Das Werk einiger von ihnen, wie etwa Caravaggio, hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der Malerei nicht nur in Italien, sondern auch in Frankreich, Spanien, Flandern und Holland. Die gegenseitige Durchdringung der Kulturen wurde immer tiefer und bildete so eine gesamteuropäische Kultur, eine gesamteuropäische Zivilisation.

Die humanistische Bewegung war ein europaweites Phänomen: im 15. Jahrhundert. Der Humanismus geht über die Grenzen Italiens hinaus und verbreitet sich rasch in allen westeuropäischen Ländern. Jedes Land hatte seine eigenen Merkmale bei der Bildung der Renaissance-Kultur, seinen nationalen Errungenschaften und seinen Führern.

In Deutschland wurden die Ideen des Humanismus Mitte des 15. Jahrhunderts bekannt und übten starken Einfluss auf Universitätskreise und die fortschrittliche Intelligenz aus.

Ein prominenter Vertreter der deutschen humanistischen Literatur war Johann Reuchlin(1455-1522), der das Göttliche im Menschen selbst zeigen wollte. Er ist der Autor des berühmten satirisches Werk„Briefe dunkler Menschen“, in denen eine Reihe unwissender, dunkler Menschen dargestellt wird – Meister und Junggesellen, die übrigens einen akademischen Abschluss haben.

Die Wiederbelebung in Deutschland ist untrennbar mit dem Phänomen der Reformation verbunden – der Bewegung für die Reform (von lat. reformatio – Umgestaltung) der katholischen Kirche, für die Schaffung einer „billigen Kirche“ ohne Erpressungen und Gebühren für Rituale, für die Reinigung der christlichen Lehre von allen möglichen Fehlbestimmungen, die in der jahrhundertealten Geschichte des Christentums unvermeidlich sind. Leitete die Reformationsbewegung in Deutschland Martin Luther(1483–1546), Doktor der Theologie und Mönch eines Augustinerklosters. Er glaubte, dass der Glaube ein innerer Zustand eines Menschen sei, dass die Erlösung einem Menschen direkt von Gott gegeben werde und dass es möglich sei, ohne die Vermittlung des katholischen Klerus zu Gott zu gelangen. Luther und seine Anhänger weigerten sich, in den Schoß der katholischen Kirche zurückzukehren und protestierten gegen die Forderung, ihre Ansichten aufzugeben, was den Beginn der protestantischen Strömung im Christentum markierte. Martin Luther war der Erste, der übersetzte deutsche Sprache Bibel, die wesentlich zum Erfolg der Reformation beitrug.

Der Sieg der Reformation in der Mitte des 16. Jahrhunderts. verursachte einen öffentlichen Aufschwung und das Wachstum der nationalen Kultur. Die bildenden Künste blühten bemerkenswert auf. Der berühmte Maler und Kupferstecher war in dieser Gegend tätig. Albrecht Dürer(1471-1528), Maler Hans Holbein der Jüngere (1497-1543), Lucas Cranach der Ältere (1472-1553).

Es gab einen deutlichen Anstieg Deutsche Literatur. Die bedeutendsten deutschen Dichter der Reformation waren Hans Sachs(1494-1576), der viele erbauliche Fabeln, Lieder, Schwanken, dramatische Werke usw. schrieb Johann Fishart(1546-1590) – Autor geistreicher satirischer Werke, letzter Vertreter der deutschen Renaissance.

Der Begründer der Reformation in der Schweiz war Ulrich Zwingli(1484-1531). 1523 führte er in Zürich eine Kirchenreform durch, bei der kirchliche Riten und Gottesdienste vereinfacht, mehrere kirchliche Feiertage gestrichen, einige Klöster geschlossen und Kirchenland säkularisiert wurden. Anschließend verlegte sich das Zentrum der Schweizer Reformation nach Genf, und die Reformbewegung wurde von Calvin (1509-1562) angeführt, dem Schöpfer der konsequentesten Reformbewegung.

Im 16. Jahrhundert siegte in der Schweiz die Reformation, und dieser Sieg bestimmte maßgeblich die allgemeine kulturelle Atmosphäre in der Gesellschaft: Übermäßiger Luxus, prächtige Feste, Vergnügungen wurden verurteilt, Ehrlichkeit, Fleiß, Hingabe und strenge Moral anerkannt. Besonders verbreitet sind diese Ideen in den nordischen Ländern.

Der größte Vertreter der Renaissancekultur in den Niederlanden war Erasmus von Rotterdam(1496-1536). Der Wert der Werke des großen Humanisten und Pädagogen, einschließlich seines berühmten „Lobs der Dummheit“, für die Erziehung zum freien Denken, einer kritischen Haltung gegenüber der Scholastik und dem Aberglauben ist wirklich von unschätzbarem Wert.

Es kann als einer der Vorläufer und Begründer des Liberalismus angesehen werden Dirk Koornhert, ein Sprecher der Ideen von Freiheit, religiöser Toleranz und Weltoffenheit. Kreativität gehört zur gleichen Zeit. Philippa Aldejonde, Autor der Nationalhymne der Niederlande, Künstler Pieter Brueghel (1525-1569), Frans Hals (1580-1660).

In England war das Zentrum humanistischer Ideen die Universität Oxford, an der die führenden Wissenschaftler dieser Zeit arbeiteten.

Die Entwicklung humanistischer Ansichten auf dem Gebiet der Sozialphilosophie ist mit dem Namen Thomas More (1478-1535) verbunden, dem Autor von Utopia, der dem Leser seiner Meinung nach das Ideal präsentierte: menschliche Gesellschaft: Darin sind alle gleich, es gibt kein Privateigentum und Gold ist kein Wert – es wird zur Herstellung von Ketten für Kriminelle verwendet. Die bekanntesten Autoren waren Philip Cindy (1554-1586), Edmund Spencer (1552-1599).

Die größte Figur der englischen Renaissance war William Shakespeare(1564-1616), Schöpfer der Welt berühmte Tragödien„Hamlet“, „König Lear“, „Othello“, historische Stücke „Heinrich VI“, „Richard III“, Sonette. Shakespeare war Dramatiker am Londoner Globe Theatre, das bei der Bevölkerung sehr beliebt war.

Der Aufstieg der Theaterkunst, ihr öffentlicher und demokratischer Charakter, trugen zur Entwicklung demokratischer Strukturen in der englischen Gesellschaft bei.

Die Wiederbelebung in Spanien war umstrittener als in anderen europäischen Ländern: Viele Humanisten hier stellten sich nicht gegen den Katholizismus und die katholische Kirche. Weit verbreitet Ritterromane , und auch Schelmenromane. Uraufführung in diesem Genre Fernando de Rojas, Autor der berühmten Tragikomödie Celestina (geschrieben um 1492-1497). Diese Linie wurde vom spanischen Schriftsteller fortgeführt und weiterentwickelt Miguel de Cervantes(1547-1616), Autor des unsterblichen Don Quijote, satirischer Schriftsteller Francisco de Quevedo(1580-1645), der den berühmten Roman „Die Geschichte vom Leben eines Schurken“ verfasste.

Der Begründer des spanischen Nationaldramas ist der Große Lope de Vega(1562-1635), Autor von mehr als 1800 literarischen Werken, darunter „Hund in der Krippe“ und „Tanzlehrer“.

Die spanische Malerei erzielte bedeutende Erfolge. Es nimmt einen besonderen Platz ein El Greco(1541-1614) und Diego Velazquez(1599-1660), dessen Werk einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Malerei nicht nur in Spanien, sondern auch in anderen Ländern hatte.

In Frankreich begann sich die humanistische Bewegung erst zu Beginn des 16. Jahrhunderts auszubreiten. Ein herausragender Vertreter des französischen Humanismus war Francois Rabelais(1494-1553), der den satirischen Roman Gargantua und Pantagruel schrieb. In den 40er Jahren des 16. Jahrhunderts. entsteht in Frankreich literarische Leitung, das unter dem Namen „ Plejaden". Diese Richtung wurde von berühmten Dichtern geleitet Pierre de Ronsard(1524-1585) und Joaquin Du Bellay(1522-1566). Andere berühmte Dichter Französische Renaissance waren Agrippa d'Aubigne(1552-1630) und Louise Labe (1525-1565).

Das wichtigste Thema der Poesie war der Gesang der Liebe. Bezeichnend hierfür sind die Sonette von Pierre Ronsard, der den Spitznamen „Fürst der Dichter“ trägt und einen sehr starken Einfluss auf die Entwicklung der gesamten französischen Poesie hatte.

Der größte Vertreter der Kultur Frankreichs des 16. Jahrhunderts. War Michel de Montaigne(1533-1592). Sein Hauptwerk – „Experimente“ – war eine Reflexion über philosophische, historische und ethische Themen. Montaigne bewies die Bedeutung experimentellen Wissens und verherrlichte die Natur als Mentor des Menschen. „Experimente“ Montaignes richteten sich gegen Scholastik und Dogmatismus, argumentierten die Ideen des Rationalismus; Diese Arbeit hatte einen erheblichen Einfluss auf die spätere Entwicklung des westeuropäischen Denkens.

Die Renaissance ist vorbei. Westeuropa ist in eine neue Periode seiner Geschichte eingetreten. Die für sie charakteristischen Ideen und Weltanschauungen verloren jedoch auch im 17. Jahrhundert nicht an Bedeutung und Anziehungskraft. Im Einklang mit ihren inhärenten Idealen schufen zwei große Vertreter der einst vereinten Kunstschule der Niederlande ihre wunderbaren Werke – Peter Paul Rubens(1577-1640), das die Kunst Flanderns darstellt, und Rembrandt van Rijn(1606–1669), Chefmaler der niederländischen Schule. (Wie Sie wissen, spalteten sich die Niederlande nach der bürgerlichen Revolution Ende des 16. Jahrhunderts in zwei Teile – das königliche Flandern und das bürgerliche Holland). Diese Künstler, die durch die Kraft und Originalität ihres Talents zusammengebracht wurden, schafften es, und zu verkörpern biblische Geschichten und Bilder von Zeitgenossen.

Es ist auch unmöglich, sich nicht zu erinnern Klassizismus, Stil und Richtung in Literatur und Kunst, die im 17. Jahrhundert entstanden. und wandte sich dem antiken Erbe als Norm und Idealmodell zu. Der Klassizismus bezog sich nicht auf die Antike im Allgemeinen, sondern direkt auf die antiken griechischen Klassiker – die harmonischste, verhältnismäßigste und ruhigste Periode der Geschichte. antike griechische Kultur. Der Klassizismus, der in der Zeit der Herrschaft des „Sonnenkönigs“ Ludwig .

Der Klassizismus wurde vor allem von den absolutistischen Staaten übernommen; Sie konnten nicht umhin, von der Idee der herrschaftlichen Ordnung, der strengen Unterordnung und der beeindruckenden Einheit beeindruckt zu sein; der Staat behauptete, „vernünftig“ zu sein, wollte in ihm als ausgleichendes, einigendes und heroisch erhabenes Prinzip gesehen werden. Im offiziellen, höfischen Klassizismus steckt viel Falsches und Schmeichelhaftes, und mit antiken Idealen, denen er sich künstlich annähern will, hat er natürlich nichts gemein. Der Begriff „Pflicht“, „Dienst“, der sich wie ein roter Faden durch die Ästhetik des Klassizismus zieht, ist der Antike mit ihrem Kult der natürlichen und ungezwungenen Manifestation normaler menschlicher Bestrebungen und Gefühle völlig fremd. Der Klassizismus entwickelte die andere Seite humanistischer Ideale – den Wunsch nach einer vernünftigen, harmonischen Lebensordnung.

Es ist natürlich, dass diese Idee im Zeitalter der nationalen Einheit und der Überwindung der feudalen Zersplitterung tief im Bewusstsein der Menschen lebte. Es stand dem französischen Volk nahe: Klare Rationalität und Nüchternheit des Geistes, harmonische Einfachheit der Gefühlsstruktur gelten nicht ohne Grund als Merkmal des französischen Nationalgenies. Kräftig Corneille, erhaben, rassisch, demokratisch Molière und verträumt Poussin verkörpern es auf ihre eigene Art und Weise. Generell vollzieht sich in dieser Epoche ein Prozess der Kristallisation nationaler Merkmale des ästhetischen Bewusstseins der Völker, der einen deutlichen Eindruck in der gesamten weiteren Kunstgeschichte hinterlässt.

Im Klassizismus XVII Jahrhundert Am wahrsten war vielleicht, dass das Ideal des rationalen Seins als Traum dargestellt wurde. Schließlich ist es der Traum eines goldenen Zeitalters, der vor uns liegt Gemälde von Poussin Und Landschaften von Claude Lorrain. Und im Gegenteil, die Leinwände waren falsch und stellten die moderne französische Monarchie und ihre Führer allegorisch als ein bereits verkörpertes Ideal klassischer Tugenden dar.

Was kennzeichnet die Interpretation der Antike durch die französischen Klassiker? Die Hauptsache ist, dass sie das antike Maß neu überdachten, das die Ästhetik der Renaissance im Geiste interpretierte innere Harmonie angeblich dem Menschen von Natur aus innewohnend. Klassizisten suchen auch nach Harmonie zwischen dem Persönlichen und dem Öffentlichen. Aber sie suchen es in der Unterordnung des Individuums unter ein abstraktes Staatsprinzip.

Bekannt wurde er vor allem als Theoretiker des Klassizismus Nicolo Boileau(1636-1711). Er legte seine Theorie in der poetischen Abhandlung „Poetische Kunst“ (1674) dar.

In seinen Urteilen beruft sich Boileau auf Kartesische Philosophie (Descartes) sowie auf die bereits etablierte künstlerische Praxis (Cornel, Racine, Molière). Eines der Hauptprinzipien von Boileaus Ästhetik ist die Forderung, sich in allem an die Antike zu halten. Corneille und Racine greifen in ihren Werken zwar sehr häufig antike Themen auf, interpretieren diese jedoch modern. Boileau glaubte, dass nur eine Art von Epos, Tragödie oder Komödie, perfekt sein kann. Jeder andere Typ wurde als Abweichung von der Perfektion deklariert. Er betrachtete ein Muster dieser oder jener Art und Gattung, das ihm gefiel, der Vernunft selbst entsprach.

Basierend auf den apriorischen Gesetzen der Vernunft formuliert Boileau eine Reihe unbestreitbarer Regeln poetischer Kreativität. Takovo Herrschaft der drei Einheiten- die Einheit von Ort, Zeit und Handlung - die er als das Gesetz des Geistes selbst betrachtet.

Aber trotz aller Mängel und historischen Einschränkungen enthielt die Ästhetik des Klassizismus rationale Momente. Das Hauptverdienst der Klassiker ist Kult der Vernunft. Indem sie den Geist auf das Podest des höchsten Richters im Bereich des künstlerischen Schaffens stellten, versetzten sie der feudalen Anarchie und dem feudal-religiösen Autoritarismus in der Theorie und Praxis der Kunst einen vernichtenden Schlag. Die Erhebung des Geistes über die Prinzipien des Klassizismus hinaus beseitigte die Autorität der „heiligen Schrift“, der kirchlichen Tradition künstlerische Kreativität. Boileaus Forderung, die christliche Mythologie mit ihren Wundern und Mystik aus der Kunst auszuschließen, war zweifellos fortschrittlich.

So dogmatisch die von den Klassikern formulierten Normen auch sein mögen, viele von ihnen haben bis heute ihre Bedeutung nicht verloren. Dies sind zum Beispiel ihre Anforderungen an eine klare Charakterisierung des Typus, die Harmonie der Komposition des Werkes, die Klarheit und Genauigkeit der Sprache, die Plausibilität und Zuverlässigkeit des Dargestellten. Alle diese Forderungen haben, ihrer dogmatischen Färbung beraubt, eine rationale Bedeutung und verdienen eine sorgfältige Untersuchung. Auch die Forderung nach drei Einheiten, gegen die sich die Romantiker besonders vehement wehrten, entbehrt nicht eines rationalen Gehalts. In dogmatischer Form kommt hier die Idee zum Ausdruck, Phänomene in ihrem objektiven räumlich-zeitlichen Zusammenhang darzustellen.

Der französische Klassizismus hatte großen Einfluss auf die Theorie und Praxis der Kunst in anderen Ländern. Die französischen Klassiker hatten Anhänger in England (Dryden und andere), in Deutschland (Gotsched und andere) und in Russland (Trediakovsky, Sumarokov und andere). In jedem Land wurde die Theorie des Klassizismus entsprechend den nationalen Besonderheiten gebrochen.