Ιαπωνική Σύγχρονη Τέχνη: Anime και Manga. Mono no Avare

Παρά το γεγονός ότι η Ιαπωνία θεωρείται χώρα ανερχόμενων τεχνολογιών σε όλο τον κόσμο, η σύγχρονη τέχνη δεν βιάζεται να σπάσει τους δεσμούς με την παράδοση. Η έκθεση «Mono no Avare. The Charm of Things» είναι μια θλιβερή ιστορία για την ανθρώπινη κατάσταση στην εποχή του πλαστικού.

Το Mono no Avare είναι μια αισθητική αρχή που χαρακτηρίζει ιαπωνική κουλτούρα, που έδωσε τον τίτλο στην έκθεση, σημαίνει τη θλιβερή γοητεία των πραγμάτων, ένα αίσθημα γοητείας με την εμφανή και άρρητη ομορφιά των πραγμάτων και των φαινομένων, με μια υποχρεωτική απόχρωση παράλογης θλίψης που προκαλείται από την αίσθηση της απατηλής φύσης και της αδυναμίας των πάντων. ορατός. Είναι άρρηκτα συνδεδεμένο με την παραδοσιακή ιαπωνική θρησκεία του Σιντοϊσμού. Οι Σιντοϊστές πιστεύουν ότι όλα τα πράγματα είναι προικισμένα με την πνευματική ουσία «κάμι». Υπάρχει σε οποιοδήποτε αντικείμενο: και σε ξύλο και σε πέτρα. Τα «Κάμι» είναι αθάνατα και περιλαμβάνονται στον κύκλο ζωής και θανάτου, μέσα από τον οποίο τα πάντα στον κόσμο ενημερώνονται συνεχώς.

Και παρόλο που η σύγχρονη τέχνη μιλάει μια διεθνή γλώσσα, η ιαπωνική σύγχρονη τέχνη που παρουσιάζεται σε αυτήν την έκθεση φαίνεται καλύτερα από την οπτική γωνία των παραδόσεων τους.

Η εισαγωγική εγκατάσταση του καλλιτέχνη Hiraki Sawa καταλάμβανε μια ολόκληρη αίθουσα και είναι ένα θέατρο σκιών όπου οι ηθοποιοί είναι οικιακά σκεύη. Είναι χτισμένο στην αρχή των παιδιών ΣΙΔΗΡΟΔΡΟΜΙΚΗ ΓΡΑΜΜΗ. Ένα τρένο με φακό περνά μέσα από το τοπίο που δημιούργησε ο καλλιτέχνης, μια αχτίδα φωτός γεννά έναν μακρόκοσμο από τον μικρό κόσμο των πραγμάτων. Και τώρα είναι ήδη Birch Grove, όχι κατακόρυφα μολύβια. Και αυτά είναι καλώδια ρεύματος στα χωράφια, και όχι κρεμασμένα μανταλάκια. και μια ανεστραμμένη πλαστική λεκάνη με λαβές είναι μια σήραγγα. Το έργο ονομάζεται «Inside», είχε προβληθεί νωρίτερα στην Μπιενάλε της Βενετίας.

Ο πίνακας του Shinishiro Kano μπορεί να ονομαστεί πρωτόγονος σουρεαλισμός. Στη νεκρή φύση του Κάνο, μια μπάλα του μπάσκετ, ο πλανήτης Γη και τα φρούτα βρίσκονται σε ένα πιάτο.

Δεν υπάρχει κανένας πίνακας ζωγραφικής στον πίνακα, αλλά μόνο μια κορνίζα ζωγραφισμένη με λάδι. Στον έναν καμβά, μια φιγούρα μιας θεότητας με κόκκινο κιμονό συνδυάζεται με μια κόκκινη πετσέτα κρεμασμένη σε ένα γάντζο στον άλλο. Δεν είναι αυτή η εικονογραφική σειρά για την απατηλή φύση του κόσμου; Ή ίσως ότι κάθε πράγμα έχει ένα κάμι.

Στον πίνακα του Masaya Chiba, με φόντο μια πανέμορφη ζούγκλα, υπάρχουν δύο φιγούρες: ανθρωπόμορφα πλάσματα εξασθενημένα από τη λευκή ουσία, που μόλις και μετά βίας μοιάζουν με άνδρα και γυναίκα. Στερεώνονται σε ξυλάκια σαν ανατολίτικα θεατρικές μαριονέτες. Η ύλη είναι θνητή, είναι μόνο ένα κέλυφος - σαν να θέλει να μας πει ο συγγραφέας. Περίπου το ίδιο είναι και το άλλο ζωγραφικό του έργο «Sleeping Man». Δεν υπάρχει κανένα πρόσωπο στην εικόνα, μόνο μια χούφτα πράγματα στον οθωμανικό: παλιές φωτογραφίες και καρτ ποστάλ, καλλιεργημένοι κάκτοι, γάντια, αγαπημένες ταινίες, ένα βάζο με μπαχαρικά και ένα σετ εργαλείων.

Ο καλλιτέχνης Teppei Kanueji «γλύπτει» (χτισμένο αντικείμενο) το πρόσωπό του σύμφωνα με την ίδια αρχή: κολλά οικιακά σκουπίδια με τη μορφή ενός ανθρωπόμορφου πλάσματος και τα καλύπτει με λευκή μπογιά.

Ένα τεράστιο μάνταλα είναι επενδεδυμένο με αλάτι στο πάτωμα· αυτό είναι ένα παραδοσιακό τελετουργικό ναού για την Ιαπωνία, προφανώς προερχόμενο από τον Βουδισμό. Ένα τέτοιο κόσμημα αιχμαλωτίζει το πνεύμα είτε ενός λαβύρινθου είτε ενός χάρτη μιας μυστηριώδους χώρας και πόσο καλό είναι που δεν φυσάει άνεμος στο μουσείο. Αυτή η εγκατάσταση είναι μοναδική, ο καλλιτέχνης την έκανε για αρκετές μέρες μέσα στους τοίχους του μουσείου. Υπάρχει επίσης μια ενδιαφέρουσα ιαπωνική παράδοση: πριν από τον αγώνα, οι παλαιστές του σούμο ρίχνουν αλάτι στο έδαφος.

Η εγκατάσταση του Hiroaki Morita «From Evian to Volvik» ανοίγει αρκετά ενδιαφέρον θέμαμοντέρνο για την Ιαπωνία - πλαστική επεξεργασία. Στο γυάλινο ράφι βρίσκεται ένα μπουκάλι με νερό Evian, η σκιά από αυτό πέφτει ακριβώς στο λαιμό ενός άλλου μπουκαλιού Volvik που στέκεται στο πάτωμα. Δημιουργεί την ψευδαίσθηση ότι το νερό χύνεται από μπουκάλι σε μπουκάλι. Παράλογο με την πρώτη ματιά. Για τους Ιάπωνες, αυτό το εννοιολογικό έργο δεν συμβολίζει μόνο τον κύκλο του «kami», δηλαδή την πνευματική ουσία, αλλά και Κυριολεκτικάτην αρχή της ανακύκλωσης - ανακύκλωσης. Ως νησιωτικό έθνος, η Ιαπωνία ήταν ένα από τα πρώτα που έμαθε πώς να συλλέγει, να ταξινομεί και να ανακυκλώνει πλαστικά απόβλητα. Από το υλικό που προκύπτει, όχι μόνο κατασκευάζονται εκ νέου νέα μπουκάλια και αθλητικά παπούτσια, αλλά δημιουργούνται ακόμη και τεχνητές νησίδες.

Η εγκατάσταση του Teppei Kuneuji με την πρώτη ματιά μοιάζει με σταθμό διαλογής σκουπιδιών. Εδώ, τα πλαστικά αντικείμενα τοποθετούνται σε διαφορετικές ακολουθίες: σέσουλες, καλούπια, διαφορετικά παιχνίδια, κρεμάστρες, χρωματιστές οδοντόβουρτσες, μάνικες, ποτήρια και άλλα. Πασπαλισμένα με λευκή σκόνη, φαίνεται ότι βρίσκονται εδώ για μια αιωνιότητα. Όταν περπατάς ανάμεσα σε αυτά τα γνωστά αντικείμενα, αλλά τώρα μη χρησιμοποιημένα, σκεπτόμενος τα ήδη αποκομμένα, νιώθεις την αίσθηση του διαλογισμού σε έναν βραχόκηπο. Στα κολάζ φωτογραφιών του, ο Teppei Kuneuji κατασκευάζει «διανοητικά» πυργίσκους από συντρίμμια. Αλλά αυτές δεν είναι τόσο κινητικές αλυσίδες όπως αυτές του καλλιτεχνικού ντουέτου Fishli και Weiss, αλλά σαν ένα βουδιστικό ιερό κτίριο στο οποίο η πέτρα στηρίζεται σε πέτρα χωρίς να κολλάει υλικό.

Ο καλλιτέχνης Suda Yoshihiro τοποθέτησε ένα επιδέξια ξύλινο ροζ τριαντάφυλλο με ένα πεσμένο πέταλο ανάμεσα στα τζάμια στη βιτρίνα του μουσείου με θέα στο Moika. Βλέποντας αυτή την πολύ λεπτή και ποιητική παρέμβαση στο μουσείο, θέλω να αρχίσω να μιλάω με ιαπωνικούς στίχους στο είδος του χαϊκού, όπως: «Χειμώνας. Ακόμα και ένα τριαντάφυλλο σε ένα μουσείο ανθίζει για πάντα».

Ένα άλλο όχι λιγότερο ποιητικό έργο, το αντίθετο του όγκου, του Onishi Yasuaki αναφέρεται στο έργο του μεσαιωνικού ζωγράφου και μοναχού του Zen Toyo Sesshu. Αυτό το ιαπωνικό κλασικό είναι διάσημο για τη μεταφορά κινεζικών μονόχρωμων σχεδίων με μελάνι στη Χώρα του Ανατέλλοντος Ήλιου.

Η εγκατάσταση του Yasuaki είναι μια γκρι τρισδιάστατη σιλουέτα από πολυαιθυλένιο ενός βουνού, με πίδακες (σαν βροχή) παγωμένου υγρού πλαστικού να πέφτουν πάνω του από την οροφή. Λένε να κάνουμε ένα βουνό «άδειο» κάτω από μια νεροποντή, σαν μονόχρωμη Πίνακες Toyo Sessu, ο καλλιτέχνης έπρεπε να φτιάξει ένα βουνό από κουτιά, να το καλύψει με λεπτό πολυαιθυλένιο και στη συνέχεια να στάζει ζεστό πλαστικό από την οροφή.

Τέλος, η εγκατάσταση Kengo Kito: γιρλάντες από χρωματιστούς πλαστικούς αθλητικούς κρίκους που κρέμονται κάτω, σαν «ιαπωνικοί χαιρετισμοί», μεταφέρθηκαν στη Ρωσία στο Ολυμπιακοί αγώνες. Είναι αξιοπερίεργο ότι η έκθεση «The Charm of Things» χρησιμοποιεί το πλαστικό ως υλικό με το οποίο οι Ιάπωνες καλλιτέχνες αγγίζουν όχι μόνο περιβαλλοντικά αλλά και πνευματικά ζητήματα.

Οι Ιάπωνες ανακάλυψαν την ομορφιά που κρύβεται στα πράγματα τον 9ο-12ο αιώνα, στην εποχή Heian (794-1185) και μάλιστα την ονόμασαν με την ειδική έννοια του "mono no aware" (物の哀れ (もののあわれ)), που σημαίνει " θλιβερή γοητεία των πραγμάτων. Το Charm of Things είναι ένα από τα παλαιότερα Ιαπωνική λογοτεχνίαορισμούς της ομορφιάς, συνδέεται με την σιντοϊστική πεποίθηση ότι κάθε πράγμα έχει τη δική του θεότητα - το κάμι - και τη δική του μοναδική γοητεία. Το Avare είναι η εσωτερική ουσία των πραγμάτων, αυτό που προκαλεί απόλαυση, ενθουσιασμό.

- Washi (wasi) ή wagami (wagami).
Χειροκίνητη κατασκευή χαρτιού. Οι μεσαιωνικοί Ιάπωνες εκτιμούσαν το washi όχι μόνο για τις πρακτικές του ιδιότητες, αλλά και για την ομορφιά του. Φημιζόταν για τη λεπτότητα, τη σχεδόν διαφάνειά της, που όμως δεν της στέρησε τη δύναμη. Το Washi φτιάχνεται από το φλοιό του δέντρου kozo (μουριά) και ορισμένων άλλων δέντρων.
Το χαρτί Washi έχει διατηρηθεί για αιώνες, απόδειξη αυτού είναι τα άλμπουμ και οι τόμοι της αρχαίας ιαπωνικής καλλιγραφίας, οι πίνακες ζωγραφικής, οι οθόνες, τα χαρακτικά που έχουν περάσει από τους αιώνες μέχρι σήμερα.
Το χαρτί του Vasya είναι ινώδες, αν κοιτάξετε μέσα από ένα μικροσκόπιο, θα δείτε ρωγμές από τις οποίες διεισδύει ο αέρας και το ηλιακό φως. Αυτή η ποιότητα χρησιμοποιείται στην κατασκευή οθονών και παραδοσιακών ιαπωνικών φαναριών.
Τα αναμνηστικά Washi είναι πολύ δημοφιλή στους Ευρωπαίους. Πολλά μικρά και χρήσιμα αντικείμενα κατασκευάζονται από αυτό το χαρτί: πορτοφόλια, φάκελοι, ανεμιστήρες. Είναι αρκετά ανθεκτικά αλλά και ελαφριά.

- Gohei.
Μασκότ από λωρίδες χαρτιού. Gohei - ένα τελετουργικό ραβδί ενός Σιντοϊσμού ιερέα, στο οποίο συνδέονται χάρτινες λωρίδες ζιγκ-ζαγκ. Οι ίδιες λωρίδες χαρτιού είναι κρεμασμένες στην είσοδο ενός σιντοϊστικού ναού. Ο ρόλος του χαρτιού στο Σιντοϊσμό ήταν παραδοσιακά πολύ μεγάλος και τα προϊόντα χαρτιού πάντα δίνονταν εσωτερική έννοια. Και η πεποίθηση ότι κάθε πράγμα, κάθε φαινόμενο, ακόμη και οι λέξεις, περιέχουν ένα κάμι - μια θεότητα - εξηγεί την εμφάνιση αυτού του είδους εφαρμοσμένες τέχνεςόπως το gohei. Ο σιντοϊσμός μοιάζει κάπως με τον δικό μας παγανισμό. Για τους Σιντοϊστές, το Κάμι είναι ιδιαίτερα πρόθυμο να εγκατασταθεί σε οτιδήποτε είναι έξω από τα συνηθισμένα. Για παράδειγμα, στα χαρτιά. Και ακόμη περισσότερο σε ένα gohei στριμμένο σε ένα περίπλοκο ζιγκ-ζαγκ, το οποίο κρέμεται σήμερα μπροστά από την είσοδο των σιντοϊστικών ιερών και υποδηλώνει την παρουσία μιας θεότητας στο ναό. Υπάρχουν 20 τρόποι για να διπλώσετε το gohei και αυτοί που είναι ιδιαίτερα ασυνήθιστα διπλωμένοι προσελκύουν το kami. Το Gohei έχει κυρίως λευκό χρώμα, αλλά υπάρχουν επίσης χρυσές, ασημί και πολλές άλλες αποχρώσεις. Από τον 9ο αιώνα, υπήρχε ένα έθιμο στην Ιαπωνία να ενισχύουν το gohei στις ζώνες των παλαιστών σούμο πριν από την έναρξη του αγώνα.

- Ανεσάμα.
Πρόκειται για την κατασκευή χάρτινων κούκλων. Τον 19ο αιώνα, οι σύζυγοι των Σαμουράι κατασκεύαζαν χάρτινες κούκλες με τις οποίες έπαιζαν τα παιδιά, ντύνοντάς τις με διαφορετικά ρούχα. Σε εποχές που δεν υπήρχαν παιχνίδια, ο ανεσάμα ήταν ο μοναδικός συνομιλητής για τα παιδιά, «ερμηνεύοντας» το ρόλο της μητέρας, της μεγάλης αδερφής, του παιδιού και της φίλης.
Η κούκλα είναι διπλωμένη από ιαπωνικό χαρτί washi, τα μαλλιά είναι φτιαγμένα από τσαλακωμένο χαρτί, βαμμένα με μελάνι και καλυμμένα με κόλλα, που της δίνει μια λάμψη. Διακριτικό χαρακτηριστικόείναι μια ωραία μικρή μύτη σε ένα μακρόστενο πρόσωπο. Σήμερα, αυτό το απλό παιχνίδι, που δεν απαιτεί τίποτα άλλο παρά επιδέξια χέρια, παραδοσιακής μορφής, συνεχίζει να κατασκευάζεται με τον ίδιο τρόπο όπως πριν.

- Origami.
Η αρχαία τέχνη της αναδίπλωσης του χαρτιού (折り紙, λιτ.: «διπλωμένο χαρτί»). Η τέχνη του origami έχει τις ρίζες της στην αρχαία Κίνα, όπου εφευρέθηκε το χαρτί. Αρχικά, το origami χρησιμοποιήθηκε σε θρησκευτικές τελετές. Για πολύ καιρόαυτό το είδος τέχνης ήταν διαθέσιμο μόνο σε εκπροσώπους των ανώτερων τάξεων, όπου ένα σημάδι καλού γούστου ήταν η κατοχή τεχνικών διπλώματος χαρτιού. Μόνο μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το origami ξεπέρασε την Ανατολή και ήρθε στην Αμερική και την Ευρώπη, όπου βρήκε αμέσως τους θαυμαστές του. Το κλασικό origami διπλώνεται από ένα τετράγωνο φύλλο χαρτιού.
Υπάρχει ένα ορισμένο σύνολο συμβατικών συμβόλων που είναι απαραίτητα για να σκιαγραφηθεί το σχέδιο αναδίπλωσης ακόμη και του πιο περίπλοκου προϊόντος. Τα περισσότερα από τα συμβατικά σήματα εφαρμόστηκαν στα μέσα του 20ου αιώνα από τον διάσημο Ιάπωνα δάσκαλο Akira Yoshizawa.
Το κλασικό origami συνταγογραφεί τη χρήση ενός τετράγωνου φύλλου χαρτιού ομοιόμορφου χρώματος χωρίς κόλλα και ψαλίδι. Οι σύγχρονες μορφές τέχνης μερικές φορές αποκλίνουν από αυτόν τον κανόνα.

- Κιριγκάμι.
Το Kirigami είναι η τέχνη της κοπής διαφόρων σχημάτων από ένα φύλλο χαρτιού διπλωμένο πολλές φορές με τη βοήθεια ψαλιδιού. Ένα είδος origami που επιτρέπει τη χρήση ψαλιδιού και κοπής χαρτιού στη διαδικασία κατασκευής του μοντέλου. Αυτή είναι η κύρια διαφορά μεταξύ του kirigami και άλλων τεχνικών διπλώματος χαρτιού, η οποία τονίζεται στο όνομα: 切る (kiru) - κόψιμο, 紙 (gami) - χαρτί. Όλοι μας άρεσε να κόβουμε νιφάδες χιονιού στην παιδική ηλικία - μια παραλλαγή του kirigami, μπορείτε να κόψετε όχι μόνο νιφάδες χιονιού, αλλά και διάφορες φιγούρες, λουλούδια, γιρλάντες και άλλα χαριτωμένα χάρτινα πράγματα χρησιμοποιώντας αυτήν την τεχνική. Αυτά τα προϊόντα μπορούν να χρησιμοποιηθούν ως στένσιλ για εκτυπώσεις, διακοσμητικά άλμπουμ, καρτ ποστάλ, κορνίζες φωτογραφιών, σχέδιο μόδας, εσωτερική διακόσμηση και άλλες διάφορες διακοσμήσεις.

- Ικεμπάνα.
Ikebana, (jap 生け花 ή いけばな) σε μετάφραση από Ιαπωνική γλώσσα- ike» - ζωή, «μπανά» - λουλούδια ή «λουλούδια που ζουν». Η ιαπωνική τέχνη της ανθοδετικής είναι μια από τις πιο όμορφες παραδόσεις του ιαπωνικού λαού. Κατά τη σύνθεση του ikebana, μαζί με τα λουλούδια, χρησιμοποιούνται κομμένα κλαδιά, φύλλα και βλαστοί.Η θεμελιώδης αρχή είναι η εξαιρετική απλότητα, για να επιτευχθεί η οποία προσπαθούν να τονίσουν τη φυσική ομορφιά των φυτών. Το Ikebana είναι η δημιουργία μιας νέας φυσικής μορφής, στην οποία η ομορφιά ενός λουλουδιού και η ομορφιά της ψυχής του πλοιάρχου που δημιουργεί τη σύνθεση συνδυάζονται αρμονικά.
Σήμερα στην Ιαπωνία υπάρχουν 4 μεγάλες σχολές ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Εκτός από αυτά, υπάρχουν περίπου χίλια άλλα διάφορες κατευθύνσειςκαι ρεύματα που προσκολλώνται σε ένα από αυτά τα σχολεία.

- Οριμπάνα.
Στα μέσα του 17ου αιώνα, δύο σχολές της ohara (η κύρια μορφή του ikebana - oribana) και του koryu (η κύρια μορφή - sek) αναχώρησαν από το ikenobo. Παρεμπιπτόντως, η σχολή ohara εξακολουθεί να σπουδάζει μόνο oribanu. Όπως λένε οι Ιάπωνες, είναι πολύ σημαντικό το origami να μην μετατραπεί σε origami. Gomi σημαίνει σκουπίδια στα Ιαπωνικά. Τελικά, όπως συμβαίνει, διπλώσατε ένα κομμάτι χαρτί και μετά τι να το κάνετε; Η Oribana προσφέρει πολλές ιδέες για μπουκέτα για τη διακόσμηση του εσωτερικού. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Λάθος.
Ένα είδος καλών τεχνών που γεννήθηκε από την ανθοκομία. Το ανθοπωλείο εμφανίστηκε στη χώρα μας πριν από οκτώ χρόνια, αν και υπάρχει στην Ιαπωνία για περισσότερα από εξακόσια χρόνια. Κάποια στιγμή στο Μεσαίωνα, οι σαμουράι κατάλαβαν τον τρόπο ενός πολεμιστή. Και η oshibana ήταν μέρος αυτού του μονοπατιού, ακριβώς όπως το να γράφεις ιερογλυφικά και να κρατάς ένα σπαθί. Το νόημα του λάθους ήταν ότι στην κατάσταση της συνολικής παρουσίας στη στιγμή (satori), ο πλοίαρχος δημιούργησε μια εικόνα αποξηραμένων λουλουδιών (πατημένα λουλούδια). Τότε αυτή η εικόνα θα μπορούσε να χρησιμεύσει ως κλειδί, ένας οδηγός για όσους ήταν έτοιμοι να μπουν στη σιωπή και να ζήσουν το ίδιο σατόριο.
Η ουσία της τέχνης του "oshibana" είναι ότι, συλλέγοντας και στεγνώνοντας λουλούδια, βότανα, φύλλα, φλοιό υπό πίεση και κολλώντας τα στη βάση, ο συγγραφέας δημιουργεί με τη βοήθεια των φυτών ένα πραγματικά έργο "ζωγραφικής". Με άλλα λόγια, λάθος είναι το βάψιμο με φυτά.
Καλλιτεχνική δημιουργικότηταανθοπωλεία βασίζεται στη διατήρηση του σχήματος, του χρώματος και της υφής του αποξηραμένου φυτικού υλικού. Οι Ιάπωνες έχουν αναπτύξει μια τεχνική για την προστασία των πινάκων "oshibana" από το ξεθώριασμα και το σκούρο. Η ουσία του είναι ότι ο αέρας αντλείται μεταξύ του γυαλιού και της εικόνας και δημιουργείται ένα κενό που εμποδίζει τα φυτά να χαλάσουν.
Προσελκύει όχι μόνο την αντισυμβατικότητα αυτής της τέχνης, αλλά και την ευκαιρία να δείξει φαντασία, γεύση, γνώση των ιδιοτήτων των φυτών. Ανθοπωλεία δημιουργούν στολίδια, τοπία, νεκρές φύσεις, πορτρέτα και πίνακες ιστοριών.

- Μπονσάι.
Το μπονσάι, ως φαινόμενο, εμφανίστηκε πριν από περισσότερα από χίλια χρόνια στην Κίνα, αλλά αυτός ο πολιτισμός έφτασε στο αποκορύφωμα της ανάπτυξής του μόνο στην Ιαπωνία. (μπονσάι - ιαπωνικό 盆栽 lit. "φυτό σε γλάστρα") - η τέχνη της καλλιέργειας ακριβές αντίγραφοπραγματικό δέντρο σε μικρογραφία. Αυτά τα φυτά καλλιεργήθηκαν από βουδιστές μοναχούς αρκετούς αιώνες πριν από την εποχή μας και στη συνέχεια έγιναν μια από τις δραστηριότητες των τοπικών ευγενών.
Τα μπονσάι κοσμούσαν ιαπωνικά σπίτια και κήπους. Στην εποχή του Tokugawa, ο σχεδιασμός των πάρκων έλαβε μια νέα ώθηση: η καλλιέργεια αζαλέας και σφενδάμου έγινε χόμπι για τους πλούσιους. Αναπτύχθηκε επίσης η παραγωγή νάνων (hachi-no-ki - «δέντρο σε γλάστρα»), αλλά τα μπονσάι εκείνης της εποχής ήταν πολύ μεγάλα.
Τώρα τα συνηθισμένα δέντρα χρησιμοποιούνται για μπονσάι, γίνονται μικρά λόγω συνεχούς κλαδέματος και διαφόρων άλλων μεθόδων. Ταυτόχρονα, η αναλογία των μεγεθών του ριζικού συστήματος, που περιορίζεται από τον όγκο του μπολ, και του εδάφους του μπονσάι αντιστοιχεί στις αναλογίες ενός ενήλικου δέντρου στη φύση.

- Μιζουχίκι.
Ανάλογο μακραμέ. Πρόκειται για μια αρχαία ιαπωνική εφαρμοσμένη τέχνη να δένεις διάφορους κόμπους από ειδικά κορδόνια και να δημιουργείς σχέδια από αυτά. Τέτοια έργα τέχνης είχαν ένα εξαιρετικά ευρύ πεδίο - από κάρτες δώρων και γράμματα μέχρι χτενίσματα και τσάντες. Επί του παρόντος, το mizuhiki χρησιμοποιείται εξαιρετικά ευρέως στη βιομηχανία δώρων - για κάθε γεγονός στη ζωή, ένα δώρο υποτίθεται ότι τυλίγεται και δένεται με πολύ συγκεκριμένο τρόπο. Υπάρχουν πάρα πολλοί κόμποι και συνθέσεις στην τέχνη του mizuhiki, και δεν τα γνωρίζει όλοι από καρδιάς όλοι οι Ιάπωνες. Φυσικά, υπάρχουν οι πιο συνηθισμένοι και απλοί κόμποι που χρησιμοποιούνται συχνότερα: για συγχαρητήρια για τη γέννηση ενός παιδιού, για γάμο ή εορτασμό, γενέθλια ή εισαγωγή στο πανεπιστήμιο.

- Κουμιχίμο.
Το Kumihimo είναι ένα ιαπωνικό πλεγμένο κορδόνι. Κατά την ύφανση των νημάτων, λαμβάνονται κορδέλες και κορδόνια. Αυτά τα κορδόνια υφαίνονται σε ειδικές μηχανές - Marudai και Takadai. Η μηχανή Marudai χρησιμοποιείται για την ύφανση στρογγυλών κορδονιών και το Takadai για επίπεδες. Kumihimo στα ιαπωνικά σημαίνει «ύφανση σχοινιών» (kumi - ύφανση, δίπλωμα μαζί, himo - σχοινί, δαντέλα). Παρά το γεγονός ότι οι ιστορικοί επιμένουν πεισματικά ότι τέτοια ύφανση μπορεί να βρεθεί μεταξύ των Σκανδιναβών και των κατοίκων των Άνδεων, ιαπωνική τέχνηΤο Kumihimo είναι πράγματι ένας από τους αρχαιότερους τύπους ύφανσης. Η πρώτη αναφορά του χρονολογείται από το 550, όταν ο Βουδισμός εξαπλώθηκε σε όλη την Ιαπωνία και ειδικές τελετές απαιτούσαν ειδική διακόσμηση. Αργότερα, τα κορδόνια kumihimo άρχισαν να χρησιμοποιούνται ως στερέωση της ζώνης obi σε ένα γυναικείο κιμονό, ως σχοινιά για να «πακετάρουν» ολόκληρο το οπλοστάσιο των όπλων των σαμουράι (οι σαμουράι χρησιμοποιούσαν το kumihimo για διακοσμητικούς και λειτουργικούς σκοπούς για να δέσουν την πανοπλία και την πανοπλία αλόγων) και επίσης για δέσιμο βαρέων αντικειμένων.
Μια ποικιλία από σχέδια μοντέρνου kumihimo υφαίνονται πολύ εύκολα σε σπιτικούς αργαλειούς από χαρτόνι.

- Κομόνο.
Τι μένει από ένα κιμονό αφού έχει σερβίρει την ώρα του; Πιστεύετε ότι πετιέται; Τίποτα σαν αυτό! Οι Ιάπωνες δεν θα το κάνουν ποτέ αυτό. Τα κιμονό είναι ακριβά. Είναι αδιανόητο και αδύνατο να το πετάξεις έτσι απλά... Μαζί με άλλα είδη ανακύκλωσης κιμονό, οι τεχνίτες έφτιαχναν μικρά αναμνηστικά από μικρά κομμάτια. Πρόκειται για μικρά παιχνίδια για παιδιά, κούκλες, καρφίτσες, γιρλάντες, γυναικεία κοσμήματα και άλλα προϊόντα, το παλιό κιμονό χρησιμοποιείται στην κατασκευή μικρών χαριτωμένων πραγμάτων, τα οποία ονομάζονται συλλογικά "komono". Μικρά πράγματα που θα ζήσουν την ίδια τη ζωή, συνεχίζοντας το μονοπάτι του κιμονό. Αυτό σημαίνει η λέξη "komono".

- Κανζάσι.
Η τέχνη της διακόσμησης κλιπ μαλλιών (τις περισσότερες φορές διακοσμημένα με λουλούδια (πεταλούδες κ.λπ.) από ύφασμα (κυρίως μετάξι). Το ιαπωνικό kanzashi (kanzashi) είναι μια μακριά φουρκέτα για ένα παραδοσιακό ιαπωνικό γυναικείο χτένισμα. Ήταν κατασκευασμένα από ξύλο, λάκα, ασήμι, κέλυφος χελώνας που χρησιμοποιείται σε παραδοσιακά κινέζικα και ιαπωνικά χτενίσματα. Πριν από περίπου 400 χρόνια, στην Ιαπωνία, το στυλ των γυναικείων χτενισμάτων άλλαξε: οι γυναίκες σταμάτησαν να χτενίζουν τα μαλλιά τους στην παραδοσιακή μορφή - taregami (μακριά ίσια μαλλιά) και άρχισαν να τα χτενίζουν με περίπλοκα και περίεργες μορφές - nihongami.μεταχειρισμένο διάφορα είδη- φουρκέτες, μπαστούνια, χτένες. Τότε ήταν που ακόμη και μια απλή χτένα του τύπου kushi μετατρέπεται σε ένα κομψό αξεσουάρ εξαιρετικής ομορφιάς, που γίνεται πραγματικό έργο τέχνης. Η ιαπωνική γυναικεία παραδοσιακή φορεσιά δεν επέτρεπε τα κοσμήματα στον καρπό και τα περιδέραια, έτσι τα στολίδια στα μαλλιά ήταν κύρια ομορφιάκαι ένα πεδίο για αυτοέκφραση - καθώς και επίδειξη της γεύσης και του πάχους του πορτοφολιού του ιδιοκτήτη. Στις γκραβούρες μπορείτε να δείτε -αν κοιτάξετε προσεκτικά- πώς οι Γιαπωνέζες κρέμασαν εύκολα μέχρι και είκοσι ακριβά kanzashi στα χτενίσματα τους.
Υπάρχει τώρα μια αναβίωση στην παράδοση της χρήσης kanzashi μεταξύ των νεαρών Γιαπωνέζων που επιθυμούν να προσθέσουν κομψότητα και κομψότητα στα χτενίσματά τους.

- Κινουσάιγκα.
Ένα καταπληκτικό είδος κεντήματος από την Ιαπωνία. Το Kinusaiga (絹彩画) είναι μια διασταύρωση μπατίκ και συνονθύλευμα. Η κύρια ιδέα είναι ότι νέοι πίνακες συλλέγονται από παλιά μεταξωτά κιμονό κομμάτι-κομμάτι - αληθινά έργατέχνη.
Αρχικά, ο καλλιτέχνης κάνει ένα σκίτσο σε χαρτί. Στη συνέχεια αυτό το σχέδιο μεταφέρεται σε μια ξύλινη σανίδα. Το περίγραμμα του σχεδίου κόβεται με αυλακώσεις ή αυλακώσεις και στη συνέχεια κόβονται μικρά κομμάτια, που ταιριάζουν στο χρώμα και τον τόνο, από το παλιό μεταξωτό κιμονό και οι άκρες αυτών των κομματιών γεμίζουν τις αυλακώσεις. Όταν κοιτάζετε μια τέτοια εικόνα, έχετε την αίσθηση ότι κοιτάτε μια φωτογραφία, ή ακόμα και απλώς παρακολουθείτε το τοπίο έξω από το παράθυρο, είναι τόσο ρεαλιστικές.

- Τέμαρι.
Πρόκειται για παραδοσιακές ιαπωνικές γεωμετρικές κεντημένες μπάλες φτιαγμένες με απλές βελονιές που κάποτε ήταν παιδικό παιχνίδι και τώρα έχουν γίνει μια μορφή τέχνης με πολλούς θαυμαστές όχι μόνο στην Ιαπωνία αλλά και σε όλο τον κόσμο. Πιστεύεται ότι πριν από πολύ καιρό αυτά τα προϊόντα κατασκευάζονταν από συζύγους σαμουράι για διασκέδαση. Στην αρχή χρησιμοποιήθηκαν πραγματικά ως μπάλα για παιχνίδι με μπάλα, αλλά σταδιακά άρχισαν να αποκτούν καλλιτεχνικά στοιχεία, μετατρέποντας αργότερα σε διακοσμητικά στολίδια. Η λεπτή ομορφιά αυτών των μπάλων είναι γνωστή σε όλη την Ιαπωνία. Και σήμερα, τα πολύχρωμα, προσεκτικά κατασκευασμένα προϊόντα είναι ένας από τους τύπους λαϊκών χειροτεχνιών στην Ιαπωνία.

- Γιουμπινούκι.
Ιαπωνικές δακτυλήθρες, όταν ράβουν με το χέρι ή κεντούν, τοποθετούνται στη μεσαία φάλαγγα του μεσαίου δακτύλου του χεριού εργασίας, με τη βοήθεια των άκρων των δακτύλων δίνεται στη βελόνα η επιθυμητή κατεύθυνση και η βελόνα σπρώχνεται μέσα από το δακτύλιο στη μέση δάχτυλο στη δουλειά. Αρχικά, οι ιαπωνικές δακτυλήθρες yubinuki κατασκευάζονταν πολύ απλά - μια λωρίδα από πυκνό ύφασμα ή δέρμα πλάτους περίπου 1 cm σε διάφορα στρώματα τυλίγεται σφιχτά γύρω από το δάχτυλο και στερεώνεται μεταξύ τους με μερικές απλές διακοσμητικές βελονιές. Αφού οι γιουμπινούκ ήταν απαραίτητο θέμασε κάθε σπίτι άρχισαν να στολίζονται με γεωμετρικά κεντήματα με μεταξωτές κλωστές. Από το πλέξιμο των βελονιών, πολύχρωμο και περίπλοκα μοτίβα. Το Yubinuki από ένα απλό οικιακό αντικείμενο έχει μετατραπεί και σε αντικείμενο «θαυμασμού», διακόσμησης Καθημερινή ζωή.
Τα Yubinuki εξακολουθούν να χρησιμοποιούνται στη ραπτική και στο κέντημα, αλλά μπορούν επίσης να τα βρούμε απλά φορεμένα στα χέρια σε οποιοδήποτε δάχτυλο, όπως διακοσμητικά δαχτυλίδια. Το κέντημα σε στιλ Yubinuki χρησιμοποιείται για τη διακόσμηση διαφόρων αντικειμένων με τη μορφή δαχτυλιδιού - δαχτυλίδια από χαρτοπετσέτες, βραχιόλια, βάσεις temari, διακοσμημένα με κέντημα yubinuki και υπάρχουν επίσης κεντημένα κρεβάτια με βελόνες στο ίδιο στυλ. Τα μοτίβα Yubinuki μπορούν να αποτελέσουν εξαιρετική έμπνευση για κέντημα temari obi.

- Suibokuga ή sumie.
Ιαπωνική ζωγραφική με μελάνι. Αυτό κινέζικο στυλΗ ζωγραφική δανείστηκε από Ιάπωνες καλλιτέχνες τον 14ο αιώνα και μέχρι τα τέλη του 15ου αιώνα. έγινε το κύριο ρεύμα της ζωγραφικής στην Ιαπωνία. Το Suibokuga είναι μονόχρωμο. Χαρακτηρίζεται από τη χρήση μαύρου μελανιού (sumi), στερεής μορφής ξυλάνθρακαςή φτιαγμένη από αιθάλη κινέζικου μελανιού, η οποία αλέθεται σε δοχείο μελανιού, αραιώνεται με νερό και εφαρμόζεται με πινέλο σε χαρτί ή μετάξι. Το Monochrome προσφέρει στον πλοίαρχο μια ατελείωτη επιλογή τονικών επιλογών, που οι Κινέζοι αναγνώρισαν εδώ και πολύ καιρό ως τα «χρώματα» του μελανιού. Το Suibokuga μερικές φορές επιτρέπει τη χρήση πραγματικών χρωμάτων, αλλά την περιορίζει σε λεπτές, διαφανείς πινελιές που παραμένουν πάντα υποδεέστερες της γραμμής μελανιού. Η ζωγραφική με μελάνι μοιράζεται με την τέχνη της καλλιγραφίας βασικά χαρακτηριστικά όπως η αυστηρά ελεγχόμενη έκφραση και η τεχνική κυριαρχία της φόρμας. Η ποιότητα της ζωγραφικής με μελάνι πέφτει, όπως και στην καλλιγραφία, στην ακεραιότητα και την αντίσταση στο σχίσιμο της γραμμής που χαράσσεται με μελάνι, η οποία, όπως λέμε, κρατά το έργο τέχνης πάνω του, όπως τα οστά κρατούν ιστούς πάνω τους.

- Ετεγάμη.
Σχεδιασμένες καρτ ποστάλ (e - εικόνα, με ετικέτα - γράμμα). Φτιάξτο μόνος σου η κατασκευή καρτ ποστάλ είναι γενικά μια πολύ δημοφιλής δραστηριότητα στην Ιαπωνία και πριν από τις διακοπές η δημοτικότητά της αυξάνεται ακόμη περισσότερο. Οι Ιάπωνες λατρεύουν να στέλνουν καρτ ποστάλ στους φίλους τους, και λατρεύουν να τις λαμβάνουν επίσης. Αυτός είναι ένας τύπος γρήγορης επιστολής σε ειδικά κενά, μπορεί να σταλεί ταχυδρομικά χωρίς φάκελο. Όχι στο etegami ειδικούς κανόνεςή τεχνικός, μπορεί να είναι οποιοδήποτε άτομο χωρίς ειδική εκπαίδευση. Το Etagami βοηθά να εκφράσει με ακρίβεια τη διάθεση, τις εντυπώσεις, αυτή είναι μια χειροποίητη καρτ ποστάλ που αποτελείται από μια εικόνα και ένα σύντομο γράμμα, που μεταφέρει τα συναισθήματα του αποστολέα, όπως ζεστασιά, πάθος, φροντίδα, αγάπη κ.λπ. Στέλνουν αυτές τις καρτ ποστάλ για τις γιορτές και ακριβώς έτσι, που απεικονίζουν τις εποχές, τις δραστηριότητες, τα λαχανικά και τα φρούτα, τους ανθρώπους και τα ζώα. Όσο πιο απλή σχεδιάζεται αυτή η εικόνα, τόσο πιο ενδιαφέρουσα φαίνεται.

- Φουροσίκι.
Ιαπωνική τεχνική περιτυλίγματος ή η τέχνη του διπλώματος του υφάσματος. Ο Furoshiki μπήκε για πολύ καιρό στη ζωή των Ιαπώνων. Αρχαία ειλητάρια από την περίοδο Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) έχουν διατηρηθεί με εικόνες γυναικών που κουβαλούσαν στο κεφάλι τους δεμάτια ρούχα τυλιγμένα με ύφασμα. Αυτή η ενδιαφέρουσα τεχνική ξεκίνησε ήδη από το 710 - 794 μ.Χ. στην Ιαπωνία. Η λέξη "furoshiki" μεταφράζεται κυριολεκτικά σε "χαλί μπάνιου" και είναι ένα τετράγωνο κομμάτι ύφασμα που χρησιμοποιήθηκε για να τυλίξει και να μεταφέρει αντικείμενα όλων των σχημάτων και μεγεθών.
Τα παλιά χρόνια συνηθιζόταν να περπατούν στα ιαπωνικά λουτρά (furo) με ελαφριά βαμβακερά κιμονό, τα οποία οι επισκέπτες έφερναν μαζί τους από το σπίτι. Ο λουόμενος έφερε επίσης ένα ειδικό χαλί (shiki) στο οποίο στεκόταν ενώ γδύνονταν. Έχοντας αλλάξει σε κιμονό «λουόμενου», ο επισκέπτης τύλιξε τα ρούχα του σε ένα χαλί και μετά το μπάνιο τύλιξε ένα βρεγμένο κιμονό σε ένα χαλί για να το φέρει στο σπίτι. Έτσι, το χαλάκι μπάνιου έχει γίνει μια πολυλειτουργική τσάντα.
Το Furoshiki είναι πολύ εύκολο στη χρήση: το ύφασμα παίρνει το σχήμα του αντικειμένου που τυλίγετε και οι λαβές διευκολύνουν τη μεταφορά του φορτίου. Επιπλέον, ένα δώρο τυλιγμένο όχι σε σκληρό χαρτί, αλλά σε ένα απαλό, πολυεπίπεδο ύφασμα, αποκτά μια ιδιαίτερη εκφραστικότητα. Υπάρχουν πολλά σχέδια για πτυσσόμενα furoshiki για κάθε περίσταση, καθημερινή ή εορταστική.

- Αμιγκουρούμι.
Η ιαπωνική τέχνη του πλεξίματος ή του κροσέ μικρών λούτρινων ζώων και ανθρωποειδών πλασμάτων. Τα αμιγκουρούμι (編み包み, λιτ.: «πλεκτά-τυλιγμένα») είναι πιο συχνά χαριτωμένα ζώα (όπως αρκούδες, κουνελάκια, γάτες, σκύλοι κ.λπ.), ανθρωπάκια, αλλά μπορεί επίσης να είναι άψυχα αντικείμενα προικισμένα με ανθρώπινες ιδιότητες. Για παράδειγμα, cupcakes, καπέλα, τσάντες και άλλα. Το amigurumi είναι πλεκτό ή πλεκτό ή κροσέ. ΣΕ ΠρόσφαταΤα amigurumi με βελονάκι έχουν γίνει πιο δημοφιλή και πιο συνηθισμένα.
πλεκτό από νήμα με απλό τρόποπλέξιμο - σε μια σπείρα και, σε αντίθεση με την ευρωπαϊκή μέθοδο πλεξίματος, οι κύκλοι συνήθως δεν συνδέονται. Είναι επίσης κροσέ σε μικρότερο μέγεθος σε σχέση με το πάχος του νήματος για να δημιουργηθεί ένα πολύ πυκνό ύφασμα χωρίς κενά για να βγαίνει γέμιση. Τα amigurumi συχνά φτιάχνονται από μέρη και στη συνέχεια συναρμολογούνται, με εξαίρεση μερικά amigurumi, τα οποία δεν έχουν άκρα, αλλά έχουν μόνο κεφάλι και κορμό, τα οποία είναι ένα σύνολο. Τα άκρα μερικές φορές γεμίζουν με πλαστικά κομμάτια για να τους δώσουν ζωντανό βάρος, ενώ το υπόλοιπο σώμα γεμίζει με ίνες.
Η διάδοση της αισθητικής amigurumi διευκολύνεται από τη χαριτότητά τους (“kawaii”).

Μια ενδιαφέρουσα έκθεση βρίσκεται σε εξέλιξη στο Ερμιτάζ - Σύγχρονη τέχνηΙαπωνία "MONO-NO AWARE. Charm of things".

Να πω ότι είμαι λάτρης της σύγχρονης τέχνης - δεν μπορώ. Μου αρέσει περισσότερο όταν υπάρχει κάτι να κοιτάξω (απασχολημένα γραφικά, ή τέχνες και χειροτεχνίες, το έθνος είναι το παν). Το να θαυμάζω την ομορφιά μιας καθαρής ιδέας δεν είναι πάντα διασκεδαστικό για μένα. (Μάλεβιτς, συγγνώμη! Δεν μου αρέσει το Μαύρο Τετράγωνο!)

Σήμερα όμως έφτασα σε αυτή την έκθεση!

Πολύτιμο, αν βρίσκεστε στην Αγία Πετρούπολη, ενδιαφέρεστε για την τέχνη και δεν έχετε πάει ακόμα, τότε η έκθεση θα είναι μέχρι τις 9 Φεβρουαρίου! Πήγαινε, γιατί είναι ενδιαφέρον!

Οι έννοιες με πείθουν λίγο, όπως έγραψα παραπάνω. Κάπως νόμιζα ότι σε μια χρονιά που επισκέπτομαι σύγχρονες εκθέσεις, ένα ή δύο αντικείμενα μου φαίνονται το πολύ αστεία. Και πολλά πράγματα δεν με αγγίζουν τόσο που να λυπάμαι για τον χρόνο που πέρασα. Αλλά είναι σε οποιοδήποτε είδος, σε οποιαδήποτε τέχνη, το ποσοστό της αναλογίας ταλέντου και μετριότητας, καλό είναι να είναι ένα στα δέκα! Αλλά μου άρεσε αυτή η παράσταση.

Ιαπωνικές δημιουργίες τοποθετήθηκαν στους εκθεσιακούς χώρους του Γενικού Επιτελείου. Η πρώτη εγκατάσταση που υποδέχεται τους επισκέπτες είναι ένας απίστευτος λαβύρινθος γεμάτος αλάτι στο πάτωμα. Γκρι δάπεδο, λευκό αλάτι, απίστευτα προσεγμένο χώρο, υφαντό σε ένα χωράφι. Μεγάλο εκθεσιακό χώρο, και ένα λευκό στολίδι απλώθηκε στο πάτωμα σαν κάποιο καταπληκτικό Λοχ. Και καταλαβαίνετε πόσο προσωρινή είναι αυτή η τέχνη. Η έκθεση θα κλείσει, ο λαβύρινθος θα παρασυρθεί με μια σκούπα. Κάποτε είδα την ταινία, "Little Buddha". Και εκεί, στην αρχή, ένας βουδιστής μοναχός έβαλε ένα περίπλοκο στολίδι από χρωματιστή άμμο. Και στο τέλος της ταινίας, ο μοναχός έκανε μια απότομη κίνηση με το πινέλο του και το τιτάνιο έργο διαλύθηκε στον άνεμο. Αυτό ήταν, μετά hop, και όχι. Και λέει, εκτιμήστε την ομορφιά εδώ και τώρα, όλα είναι φευγαλέα. Αυτός ο λαβύρινθος του αλατιού λοιπόν, μπαίνει σε διάλογο μαζί σου, αρχίζεις να απαντάς στις ερωτήσεις που σε βάζει. Ο καλλιτέχνης είναι ο Motoi Yamamoto.

Ναι ναι! Αυτός είναι ένας τόσο μεγάλος λαβύρινθος, νιώσατε την κλίμακα;

Το δεύτερο αντικείμενο που σαγηνεύει είναι ο τεράστιος θόλος από πολυαιθυλένιο και μαύρη ρητίνη του Yasuaki Onishi. Ασυνήθιστα αποφασισμένος χώρος. Πάνω στις μαύρες πιο λεπτές ανώμαλες κλωστές ρητίνης κρέμονται, ελαφρώς κινούμενες, ένας θόλος .... ή ένα βουνό με περίπλοκο ανάγλυφο. Όταν μπαίνεις μέσα, βλέπεις ένα ετερόκλητο μοτίβο από κουκκίδες - σημεία όπου κολλάει η ρητίνη. Είναι αστείο, σαν να πέφτει σιωπηλά η μαύρη βροχή, κι εσύ να είσαι κάτω από το κουβούκλιο.

Πώς προέκυψε αυτή η τεχνική; Αστείο, σωστά; Αλλά ζωντανά φαίνεται πιο «ζωντανό», ο τρούλος ταλαντεύεται ελαφρώς από το αεράκι που δημιουργείται από διερχόμενους επισκέπτες. Και υπάρχει η αίσθηση της αλληλεπίδρασής σας με το αντικείμενο. Μπορείτε να μπείτε στη «σπηλιά», δείτε από μέσα πώς είναι!

Αλλά για να μην έχω την εντύπωση ότι όλα ήταν μόνο ασπρόμαυρα, θα δημοσιεύσω εδώ μερικές ακόμη φωτογραφίες της σύνθεσης, φτιαγμένες από κρίκους που συνδέονται μεταξύ τους. Τέτοιες χρωματιστές αστείες πλαστικές μπούκλες! Και επίσης, μπορείτε να περάσετε από αυτό το δωμάτιο, μέσα στα τσέρκια, ή μπορείτε να δείτε τα πάντα από έξω.

Αυτά τα αντικείμενα είναι τα αγαπημένα μου. Φυσικά, σύντομα η εννοιολογική σύγχρονη τέχνη θα γίνει διαφορετική, σύμφωνη με τη νέα εποχή. Δεν θα επιστρέψει στα παλιά και δεν θα παραμείνει όπως είναι τώρα. Θα αλλάξει. Αλλά για να καταλάβετε τι ήταν, πού ορμούσε το ρέμα και τι και από πού προέρχεται, πρέπει να ξέρετε τι συμβαίνει τώρα. Και μην διστάζετε αυτό το nooo, το concept δεν είναι για μένα, αλλά προσπαθήστε να το δείτε και να το αξιολογήσετε. Υπάρχουν λίγα ταλέντα, όπως πάντα, αλλά είναι εκεί. Και αν τα εκθέματα έχουν απήχηση, τότε δεν χάνονται όλα!!!

Ο σημερινός κόσμος συχνά κατηγορείται για πνευματική κρίση, στην καταστροφή των δεσμών με τις παραδόσεις, στην παγκοσμιοποίηση, απορροφώντας αναπόφευκτα τα εθνικά θεμέλια. Όλα είναι εξατομικευμένα και αποπροσωποποιημένα ταυτόχρονα. Αν θα μπορούσαμε να χωρίσουμε τη λεγόμενη κλασική τέχνη εθνικά σχολείακαι φανταστείτε ότι εκεί ιταλική τέχνητι είναι γερμανική τέχνη και τι γαλλική; τότε μπορούμε να χωρίσουμε τη σύγχρονη τέχνη στις ίδιες «σχολές»;

Σε απάντηση σε αυτήν την ερώτηση, θα ήθελα να παρουσιάσω την ιαπωνική σύγχρονη τέχνη στην προσοχή σας. Σε συνέδριο στο Μουσείο τέχνηςΟ Μόρι σχετικά με το θέμα του διεθνισμού στη σύγχρονη τέχνη πέρυσι, ο καθηγητής του Πανεπιστημίου του Τόκιο Michio Hayashi πρότεινε ότι η δημοφιλής αντίληψη της «ιαπωνικότητας» στη Δύση εδραιώθηκε τη δεκαετία του 1980 από την τριάδα του «κιτς», της «φυσικότητας» και της «τεχνολογικής πολυπλοκότητας». ". Σήμερα, η δημοφιλής και ιδιαίτερα η εμπορικά δημοφιλής σύγχρονη τέχνη της Ιαπωνίας μπορεί ακόμα να τοποθετηθεί σε αυτό το τρίγωνο. Για τον δυτικό θεατή, παραμένει μυστηριώδες και πρωτότυπο λόγω ειδικά χαρακτηριστικάεγγενής μόνο στην τέχνη της χώρας Ανατολή του ηλίου. Τον Αύγουστο, η Δύση και η Ανατολή συναντήθηκαν ταυτόχρονα σε τρεις χώρους τέχνης: μέχρι τις 8 Αυγούστου, πραγματοποιήθηκε στο Μανχάταν η έκθεση «Duality of Existence – Post-Fukushima» (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), η έκθεση «teamLab: Ultra Subjective Space» διήρκεσε μέχρι τις 15 Αυγούστου είναι σχεδόν κοντά (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan). και ο «Κύκλος Arhat» του Takashi Murakami στο Palazzo Reale, στο Μιλάνο, εξακολουθεί να κατακτά και να εκπλήσσει τους επισκέπτες.

Όλα τα έργα τέχνης που παρουσιάζονται δημιουργήθηκαν μετά τις 11 Μαρτίου 2011, όταν το τσουνάμι έπληξε την Ιαπωνία. Η πυρηνική καταστροφή στον πυρηνικό σταθμό της Φουκουσίμα συγκέντρωσε το έθνος, κατέστησε απαραίτητο να επανεξεταστούν οι προτεραιότητες και οι αξίες και να στραφούν ξανά σε ξεχασμένες παραδόσεις. Η τέχνη δεν μπορούσε να σταθεί στην άκρη και να παρουσιαστεί στον κόσμο νέου τύπουένας καλλιτέχνης που εστιάζει στις ανάγκες του σύγχρονου θεατή, τιμώντας ταυτόχρονα τα ιστορικά θεμέλια και αξίες.

Takashi Murakami - διαφημιστικό επιτυχημένος καλλιτέχνης, ο οποίος έκανε δημοφιλή το techno kitsch και δημιούργησε μια νέα οπτική γλώσσα superflat, βασισμένη στις παραδόσεις της ιαπωνικής ζωγραφικής nihonga και στις ιδιαιτερότητες του anime και του manga. Η ιδεολογία των αναπαραγόμενων γλυπτών και των εξωφρενικών εγκαταστάσεων του ήταν να καταδείξει την αλλαγή στην Ιαπωνία μετά τον πόλεμο, όταν επικράτησε ο καταναλωτισμός. Όμως, η 11η Μαρτίου 2011 χώρισε τη ζωή της Ιαπωνίας σε «πριν» και «μετά», όπως δύο τρομερές μέρες τον Αύγουστο του 1945, όταν έπεσαν πυρηνικές βόμβες στη Χιροσίμα και στο Ναγκασάκι. Μετά από αυτόν τον ισχυρό σεισμό, που οδήγησε σε τρομερές συνέπειες, ο Μουρακάμι ξεκίνησε το μονοπάτι της επανεξέτασης του Βουδισμού και της Ιαπωνικής αισθητικής, έκανε ένα βήμα προς την επιστροφή στην καταγωγή και την πνευματικότητα. Το πρώτο έργο που ξεκίνησε τον κύκλο Arhats είναι το 500 Arhats, που παρουσιάστηκε στην ατομική έκθεση του Takashi Murakami στη Ντόχα του Κατάρ το 2012. Η επιστροφή στα βουδιστικά θέματα εξηγείται από τον συγγραφέα ως μια προσπάθεια να συνειδητοποιήσει ότι σε αυτόν τον κόσμο δεν είμαστε μόνο εμείς, ότι υπάρχουν δυνάμεις που είναι ανεξάρτητες από εμάς και ότι πρέπει να βελτιωνόμαστε κάθε φορά για να σταματήσουμε να εξαρτόμαστε από δικές του επιθυμίεςκαι επηρεάζει. Ένας πυκνός τοίχος από arhats, σαν να προστάτευε το κοινό από τα μαινόμενα στοιχεία σε όλα τα 100 μέτρα του καμβά, ενστάλαξε γαλήνη και ηρεμία στην ψυχή όλων. Όμως ο Μουρακάμι δεν περιορίστηκε σε ένα μόνο έργο και συνέχισε τον κύκλο των ζωγραφικών έργων, συμπληρώνοντας και διευρύνοντας την αφήγηση, σαν να χρησιμοποιούσε μια τεχνική manga και να αφηγηθεί μια ιστορία σε οπτικό σχέδιο. Το δεύτερο μέρος του κύκλου παρουσιάστηκε στη γκαλερί Blum & Poe ( Λος Άντζελες) το 2013. Σήμερα, στο Μιλάνο, οι άρχατ ταξιδεύουν στον κόσμο για τρίτη φορά, διαδίδοντας την ιδέα της επιστροφής στην πνευματικότητα και της απάρνησης των παθών. Παρά την οικοδόμηση και το βάθος του νοήματος, οι πίνακες γίνονται εύκολα αντιληπτοί λόγω της τολμηρής και φωτεινής χρωματικής απόφασης, της ίδιας της καλλιτεχνικής γλώσσας. Τα στοιχεία Manga τους έφεραν αυτό το απαραίτητο μερίδιο εκλαΐκευσης, έτσι ώστε οι μεταδιδόμενες ιδέες του Βουδισμού να διαβάζονται εύκολα και να γίνονται αποδεκτές ακόμη και από το αμύητο κοινό.

Ο επόμενος εκπρόσωπος της σύγχρονης ιαπωνικής ζωγραφικής μπορεί να ονομαστεί Kazuki Umezawa, μαθητής του Murakami, κάτι που μας επαναφέρει στο ζήτημα του σχολείου και της συνέχειας. Δημιουργεί ψηφιακές αποδόσεις χαρακτήρων anime σχεδιάζοντας τους πάνω από αυτοκόλλητα για να δημιουργήσει επιπλέον βάθος και οπτικό χάος. Από τυχαίες και διάσπαρτες εικόνες σε όλο το Διαδίκτυο, κατασκευάζει κολάζ, σπάει φόντα, δημιουργώντας μάνταλα που αντικατοπτρίζουν τη δομή και το περιεχόμενο της φαντασίας των otaku (fans anime και manga). Η έκκληση στο βουδιστικό σύμβολο ενισχύει τη σημασιολογική αξία των έργων του νεαρού καλλιτέχνη, συνδέοντας, αφενός, το ιερό και το καθιερωμένο στον πολιτισμό, αφετέρου, τα σύγχρονα ζητήματα, αλλά και πάλι με τη συμπερίληψη ενός συγκεκριμένου ιαπωνικού φαινομένου - anime.

Ο Takashi Murakami και ο Kazuki Umezawa ισορροπούν επιδέξια μεταξύ της συνάφειας και της παράδοσης, του κιτς και του στυλ.

Παραδόξως, μετά τον σεισμό της 11ης Μαρτίου 2011 στην Ιαπωνία, ένα 16χρονο αγόρι που είχε παγιδευτεί κάτω από τα ερείπια του σπιτιού του για εννέα ημέρες και διασώθηκε, όταν ρωτήθηκε από δημοσιογράφο για τα μελλοντικά του όνειρα, απάντησε: «Εγώ θέλεις να γίνεις καλλιτέχνης».

Θα υπάρχει έκθεση σύγχρονης ιαπωνικής τέχνης «Διπλή Προοπτική».

1. Υπάρχουν πολλά ασυνήθιστα πράγματα στην ιαπωνική σύγχρονη τέχνη. Για παράδειγμα, αυτοί οι πίνακες του Izumi Kato είναι φτιαγμένοι στο χέρι, χωρίς τη χρήση πινέλου.

2. Με την πρώτη ματιά, μπορεί να φαίνεται ότι πρόκειται για συνηθισμένους λαμπτήρες. Όμως αυτό το έργο με βαθύ νόημα είναι αφιερωμένο στον 38ο παράλληλο, που χωρίζει τη Βόρεια και τη Νότια Κορέα.

3. Φυσικά, σε κάθε έργο υπάρχει κάποιο βαθύ νόημα που δεν βρίσκεται στην επιφάνεια, αλλά ακόμα κι αν δεν το βρείτε, μπορείτε απλά να θαυμάσετε, για παράδειγμα, την ομορφιά αυτού του επιδέξια φτιαγμένου τριαντάφυλλου.

4. αυτό είναι το έργο του Kenji Yanobe για το πώς μπορεί ένας άνθρωπος να επιβιώσει στο τέλος του κόσμου

6. Αυτό είναι το πιο διάσημο έργο του «Child of the Sun» που δημιουργήθηκε μετά το ατύχημα στον πυρηνικό σταθμό της Φουκουσίμα.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. αυτή είναι και η σύγχρονη ιαπωνική τέχνη

10. intersny project "Ο Λένιν αναζητείται σε διαμερίσματα της Μόσχας". Ο Yoshinori Niva έψαξε στα σπίτια των Μοσχοβιτών για διατηρητέα αντικείμενα που σχετίζονται με την προσωπικότητα του Λένιν. Το πιο περίεργο είναι ότι αυτό δεν το έκανε ένας Ρώσος, αλλά ένας Ιάπωνας.

14. Παρεμπιπτόντως, για αυτή τη δουλειά χρησιμοποιήθηκαν γεμιστές πραγματικοί αρουραίοι.

15. Αυτές οι φωτογραφίες δείχνουν τους φόβους των ανθρώπων